Saturday, June 30, 2018

Review: Sicario: Day Of The Soldado



Radicales islámicos ingresan a los Estados Unidos a través de la frontera mexicana con un atentado suicida en un supermercado de Kansas, creando inquietud en Washington DC. Las personas a cargo recurren a Matt Graver (Josh Brolin) para idear un plan que podría detener horrores por suceder. Su solución es inspirar una guerra de carteles de drogas mexicanos, creando un conflicto al secuestrar en secreto a Isabel Reyes (Isabela Moner), la hija de un líder del cártel, lo que desencadenaría represalias, creando el suficiente caos para detener los intereses de ISIS. La misión consiste en un viaje encubierto a Mexico con Matt acompañado por un pequeño equipo de operativos, incluido Alejandro (Benicio Del Toro). Ellos llevan a cabo el secuestro, pero cuando todo no sale como lo acordado, Matt le ordena a Alejandro que mate a Isabel, y él se niega. Ahora con la niña, Alejandro se dirige a la frontera, encontrando una complicación adicional en Miguel (Elijah Rodriguez), un joven estadounidense siendo adoctrinado en el implacable sistema del cártel.

Sicario es una de las mejores películas que he visto en mi vida. Es una de esas películas raras hechas en este milenio que se pondría a la par con los clásicos. Sicario: Day Of The Soldado no es tan buena como la primera, pero se acerca bastante. La actuación de los dos protagonistas, Benicio Del Toro y Josh Brolin, es de primera clase, aunque esta vez Brolin se muestra más fuerte y determinado que en la primera película. Extrañé a una mujer adulta en un papel central. La adolescente Isabela Moner hace bien su papel, pero en un mundo de muerte, drogas y depravación, una mujer con la presencia de Emily Blunt hubiera ayudado. También me gustó la interpretación de Matthew Modine, a quien no había visto en una película por algún tiempo. Su papel es de un secretario de estado despiadado y autoritario.

El director Stefano Sollima parece ser un director prometedor, pero aún no se encuentra al nivel de Denis Villeneuve, y una serie de debilidades se hacen evidentes durante la película, sobre todo porque el guión no es tan espectacular esta vez. Por ejemplo, la película comienza con miembros del estado islámico que se suicidan, y pensé aquí hay una conexión interesante: los radicales islámicos y los cárteles. Por desgracia, después de una breve escena de interrogación con Brolin cumpliendo sus amenazas, el elemento islámico desaparece de la película y estamos de vuelta en Mexico y en el territorio del cartel... y para mí, la película pierde un poco de calidad y todo se vuelve predecible a partir de entonces. Las escenas de acción son muy buenas, aunque creo que la supervivencia de Benicio Del Toro es surrealista en todos los aspectos. La cinematografía es excelente, pero sin duda el guión es el eslabón más débil de la película. También nos deja con un final abierto que inevitablemente abre la puerta para Sicario 3.

En general, no está tan magistralmente hecha como la original. Esta es más una versión alternativa que una secuela, una que se enfoca más en el personaje de Del Toro, que definitivamente es algo que quería ver después de la primera Sicario. Hace un buen trabajo retratando la naturaleza horrorosa de este entorno de una manera cruda y realista, y también hay un enfoque en cómo los niños se ven afectados cuando quedan atrapados en el funcionamiento de los cárteles y es una locura que cosas así realmente sucedan. Si bien la violencia puede ser un poco intensa para algunas personas, creo que sirvió bien para el propósito de la película. Al final, Sicario: Day Of The Soldado es una sólida entrega en el género de crimen/suspenso a pesar de sus fallas en el guión. Continúa centrándose en los personajes de la primera película, tratando de extender sus vidas y mantener sus propósitos e intenciones relevantes. Aquellos que buscan el realismo y los componentes de cómo se planifican las operaciones tácticas les encantará esta película. Definitivamente nos prepara para una gran continuación en la saga de Sicario.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Thursday, June 28, 2018

Review: Truth Or Dare



Una estudiante universitaria con un fuerte núcleo moral, Olivia (Lucy Hale) se ve obligada a unirse a sus amigos Lucas (Tyler Posey), Markie (Violett Beane), Penélope (Sophia Ali), Brad (Hayden Szeto) y Tyson (Nolan Gerard Funk) en un viaje de vacaciones de spring break a México, el cual también se une Ronnie (Sam Lerner). Mientras disfruta de una noche de tragos, Olivia es cautivada por Carter (Landon Liboiron), quien lleva al grupo a una catedral abandonada para un juego de verdad o desafío. Mientras comienzan los secretos y los desafíos físicos, Carter le revela al grupo sobre una antigua maldición, convirtiendo el juego inofensivo en una batalla de vida o muerte, persiguiendo a los concursantes hasta que acepten jugar. Tratando de encontrar una manera de vencer el juego, Olivia intenta dominar las reglas, luchando por burlar a una fuerza sobrenatural para mantener a sus amigos con vida, pero la muerte pronto llega para aquellos que dudan, con verdades desgarrando y desafiando relaciones y amistades.

Truth Or Dare es una película de terror entretenida, aunque es superficial. Cuenta la historia de un grupo de amigos que van a Mexico durante las vacaciones de spring break y son atraídos a una catedral vieja por un extraño que los invita a jugar a verdad o desafío. Resulta que el juego está controlado por un demonio que fue convocado por una joven monja que fue abusada por un sacerdote hace mucho tiempo. El demonio obliga a los jugadores del juego a completar sus misiones o de lo contrario morirán. A medida que los amigos mueren uno por uno y la tensión aumenta entre ellos, tienen que encontrar la manera de mantenerse unidos y terminar el juego mortal para siempre.

Hay varios elementos que me gustaron de la película. Mantiene un ritmo constante de principio a fin, el concepto es interesante, varios personajes mueren en circunstancias espectaculares, la historia de fondo detrás del juego es intrigante y agrega una atmósfera espeluznante y la resolución de la película me tomó por sorpresa ya que es bastante inusual. En el lado negativo, la película solo tiene algunos pequeños sustos y no dan nada de miedo. Los personajes son bastante superficiales y a uno realmente no le importa su supervivencia. Las actuaciones son decepcionantemente insignificantes, ya que cualquier grupo de aficionados habría interpretado estos personajes más intensamente que estos actores y actrices. Aparte de la conclusión, la historia en general no es demasiado sorprendente y parece una mezcla débil entre Final Destination y Jumanji.

En general, es una entretenida película de terror que se puede ver entre amigos solo por diversión. Sin embargo, las interpretaciones superficiales, la falta de momentos de miedo y el pobre guión que estafa a Final Destination y Jumanji son razones suficientes para verla solo una vez. Al final, Truth Or Dare es una película slasher estándar. Para su crédito, es espeluznante a veces, pero al mismo tiempo también es bastante inútil. Sin embargo, la película logra básicamente lo que se propone hacer. No es una mala película, pero tampoco es una buena película.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Sunday, June 24, 2018

Review: Loving Pablo



Virginia Vallejo (Penélope Cruz), una famosa presentadora colombiana, ha solicitado asilo político a los Estados Unidos. Siendo la apasionada amante de Pablo Escobar (Javier Bardem), criminal y traficante de cocaína sin escrúpulos y remordimientos, ha decidido contarle a la DEA los años de su relación y el vertiginoso ascenso del "patrón" de Bogotá. Ambiciosa y decidida a aprender más sobre lo que se convertirá en el traficante más rico y poderoso de todos los tiempos, Virginia se enamora de Pablo y, aunque está casado, los dos comienzan una aventura amorosa. Al mismo tiempo, Pablo usa la posición de Virginia como una famosa personalidad televisiva para llamar la atención mientras ella lo apoya en su carrera política sobre la criminal. Pero los deseos de Pablo son más voraces y con los años se convierte en un temible señor de la droga que difunde el terror en su propio país. Escobar también tiene problemas con las autoridades de Estados Unidos, ya que su cártel de Medellín vende la mayor parte de la cocaína en ese país. El agente Shepard (Peter Sarsgaard) de la DEA trata de llegar a Escobar a través de Virginia, pero ella tiene muchas más preocupaciones, su proximidad con Pablo la mantiene en constante peligro de ser torturada o asesinada por los enemigos del cártel, terminando arrastrada a un abismo del cual Shepard será su única salvación.

Pablo Escobar es una persona que ha inspirado varias producciones de televisión y cine en los últimos años. Ya sea directa o indirectamente con películas que giran en torno al tema de los carteles, aquí el enfoque de la historia se hace a través de las memorias de Virginia Vallejo, ya que la periodista fue compañera de Escobar durante varios años. El director Fernando León de Aranoa elige centrarse en su relación y sus implicaciones para la vida de Escobar. Esta pieza sobre Escobar es más sofisticada al presentar con éxito sus métodos duros, ejecuciones sangrientas, y por supuesto, algunas situaciones exageradas.

Basada en una adaptación del libro autobiográfico de Vallejo del mismo nombre, el título podría sugerir una trágica película de amor con un fondo criminal, pero no lo es. La historia comienza en 1993, cuando Vallejo tiene que dejar su país por razones de seguridad y es traída en avión a los Estados Unidos por la Drug Enforcement Administration (DEA). En flashbacks se describe cómo la periodista colombiana conoció y se enamoró rápidamente de Pablo Escobar en 1981. La aparición y el desarrollo de la relación conllevan un cierto efecto excéntrico, ya que Vallejo explica que su marido se niega a firmar los documentos de divorcio, y Escobar luego se ocupa del asunto a su propia manera, la más rabiosa. Este último se usa en numerosos momentos, incluso en aquellos que realmente se explican por sí mismos. El diálogo en el que Vallejo explica lo que está sucediendo nos hace comprender las crueles maquinaciones del multimillonario. La historia contemporánea, la política y la catastrófica condición social del país colombiano sirven aquí principalmente como el fondo de una pasión incontrolable u obsesiva para Escobar.

Javier Bardem y Penélope Cruz fueron una pareja excelente en pantalla e indudablemente tienen una química coherente, sin embargo, la relación entre Escobar y Vallejo apenas gana en profundidad. Como una característica cautivadora de Escobar, Vallejo llama su determinación, incluso de niño, de que su objetivo era hacerse rico. Más percepciones y detalles sobre la naturaleza del brutal jefe de la droga y la motivación de Vallejo (además del disfrute del lujo y el glamour) estan ausentes. Los vestuarios y el maquillaje no son muy positivos tampoco. El peinado horrible de Bardem y Cruz con muchas joyas y cabello perfectamente peinado no parecen personas reales, más bien parecen personajes de una telenovela. Sin embargo, algunas escenas logran capturar a estos personajes en situaciones opresivas, creando la tensión emocional necesaria, por ejemplo cuando Escobar corre apresuradamente a través de la jungla para huir de sus perseguidores, o cuando Vallejo escapa de un ataque contra su vida en una casa de empeño. Entre los papeles menores y interesantes está la esposa de Escobar, interpretada por Julieth Restrepo, que incluso podría haber retratado al barón de la droga desde el punto de vista de femenino.

La película revela las etapas más importantes en el ascenso y la vida de Escobar, como la formación de los cárteles, la entrada en el Congreso, su retiro de la política, el momento en su prisión de lujo construida por él mismo, la fuga y su muerte. En el proceso, el director Fernando León de Aranoa nos ofrece varias tomas impresionantes, como la de un avión que transporta un cargamento de cocaína que aterriza en el medio de una carretera estadounidense después de que ha sido bloqueada por un camión. Esa secuencia respaldada con la canción Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! por Dean Martin funciona bastante bien. Sin embargo, en otros momentos la música parece demasiado cínica. Cuando la violencia y la muerte se combinan con música alegre o una tortura con una sierra y los asesinatos con "one-liners", parece bastante inapropiado. Tal vez eso funcione en una película de Quentin Tarantino, pero aquí se pierde el punto. Además, creo que la película debería haber sido hecha con diálogos en español y con subtítulos para los actores latinos porque a veces las conversaciones eran imposibles de seguir.

En general, la película sigue la narrativa de Escobar mostrándolo como un político, un hombre del pueblo, un asesino, un prisionero, un fugitivo y luego un hombre huyendo antes de ser asesinado. Menos se sabe de Vallejo, por lo que su historia es la más intrigante aquí, especialmente su amistad con el agente Shepard de la DEA y su lucha por escapar del apodo de ser la amante de Escobar. Es una pena que su historia quede opacada al ser parte del espectáculo secundario de Escobar. Al final, Loving Pablo intenta describir la doble cara de Escobar como el padre de una familia/amante y un criminal despiadado. Es una película muy buena con algunas fallas, pero termina en una representación bastante obvia de un personaje que, especialmente en los últimos tiempos, está muy presente en la cultura popular. Si no han podido profundizar en la historia de este personaje de otras maneras, esta película puede ser un buen resumen de una de las páginas más oscuras de la historia de Colombia.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Wednesday, June 20, 2018

Review: Jurassic World: Fallen Kingdom



Tres años después de que el parque Jurassic World fuera atacado por dinosaurios, la ex empleada Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) se ha dedicado al Grupo de Protección de Dinosaurios, tratando de evitar más carnicería en la Isla Nublar. Compartiendo la preocupación se encuentra Eli Mills (Rafe Spall), que ayuda al multimillonario Sir Benjamin Lockwood (James Cromwell), el hombre responsable del descubrimiento inicial del ADN de dinosaurio junto con John Hammond. Eli quiere ofrecer a los dinosaurios restantes de la isla un santuario pacífico, pero necesita la ayuda de Claire para atrapar a las criaturas, en especial Blue, el último velociraptor. Trabajando en equipo con su ex novio, Owen Grady (Chris Pratt), el técnico de GPD Franklin Webb (Justice Smith) y la Dra. Zia Rodriguez (Daniella Pineda) regresan a Jurassic World, encontrando el volcán de Isla Nublar listo para hacer erupción. Con el tiempo escaso, el equipo se apresura a encontrar a Blue, encontrando una variedad de criaturas en pánico, gracias a la lava del volcán, y se dan cuenta de los planes que Eli tiene para los dinosaurios rescatados.

La premisa básica y la trama de la película son bastante simples: Isla Nublar, la isla del parque temático que quedó abandonada en Jurassic World, se enfrenta a una crisis existencial. Un volcán está a punto de estallar, amenazando con llevar consigo a los dinosaurios que libremente están por toda la isla. Claire Dearing, ahora activista de los derechos de los dinosaurios, convence al ex entrenador de dinosaurios Owen Grady para que regrese a Isla Nublar y rescate los dinosaurios que pueda, incluyendo (y especialmente) el velociraptor Blue. En poco tiempo, se encuentran no solo en medio de una operación de rescate, sino con una empresa totalmente sombría y cínica. No suena particularmente revolucionario, pero lo que funciona refrescantemente bien es cómo Fallen Kingdom aborda las serias cuestiones morales planteadas por la premisa de toda la franquicia de Jurassic Park. Qué sucede cuando los seres humanos quieren jugar a ser Dios y regresan los dinosaurios a la vida? Hasta dónde podemos llevar este poder para manipular el destino genético? Y los seres humanos tienen el deber ético de preservar y proteger una especie que, según todas las leyes de la naturaleza, ni siquiera debería existir?

Fallen Kingdom no solo coquetea con estas preguntas, como lo hicieron sus predecesoras, sino que las coloca directamente en primer plano, sin importar cuán incómodo pueda ser para los personajes de la película o para nosotros como audiencia. A lo largo de la película, continuamente nos pide que reflexionemos sobre cuestiones de complicidad y responsabilidad en un mundo complejo. Impulsa la idea original detrás de Jurassic Park junto con una nueva habilidad para resucitar literalmente el pasado, su conclusión lógica, y pregunta una y otra vez qué sucede cuando las cosas que los humanos crean adquieren vida propia. Hay más en la historia que es mejor que lo descubrán, pero eso es todo lo que necesitan saber sobre la trama. Lo que sigue es un primer acto lleno de acción seguido de una mitad tonta y un final que es un poco oscuro y loco.

Ha cambiado algo desde la última película? No mucho, pero contiene algunas decisiones que mas o menos fortalecen la franquicia y el futuro de sus personajes. Claire en particular, evoluciona. Una vez la gerente del parque, ahora es una activista ruda que se atreve a luchar por lo que ella cree que es correcto y ya no está tratando de escapar de los dinosaurios en tacones. Chris Pratt repite su papel gracioso como Owen. Lo verdaderamente espectacular son los visuales y los dinosaurios, nunca se han visto mejor. Desde el tremendo montaje de apertura subacuático, Blue, y el nuevo y feroz híbrido de la película llamado Indoraptor, Jurassic World: Fallen Kingdom está en su mejor momento cuando hay un dinosaurio en pantalla. A eso añadanle una escena asombrosa y digna de mencionar donde un Brachiosaurus intenta escapar mientras la isla implosiona. Es el momento más memorable de la película. Además, hay un gran cameo de Jeff Goldblum, que además de aparecer en la cinta para la celebración del 25 aniversario, agrega un poco de nostalgia a la franquicia y una visión de lo que está por suceder.

Por mucho que haya caos, acción y diversión, la película carece de peso para destacarse en la franquicia. Hace algunas elecciones narrativas que parecen estúpidas incluso en papel, y mucho más en la pantalla. Eso es un poco decepcionante para cualquiera que esté esperando un digno homenaje a la original. Habiendo dicho eso, la introducción de un nuevo personaje, junto con un desarrollo en la trama, sugiere un potencial giro en la franquicia. En general, para un éxito de taquilla de verano es sorprendentemente reflexiva al examinar el estado de los humanos y los dinosaurios. La segunda mitad no está a la altura de la promesa de la primera mitad y termina completamente de manera loca recalibrando la relación entre humanos y dinosaurios. Al final, Jurassic World: Fallen Kingdom no es para nada extraordinaria, pero es una película que vale la pena ver por sus maravillosos efectos visuales. No está de ninguna manera cerca de la película original de 1993, pero es mucho mejor que otras en la franquicia.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Saturday, June 16, 2018

Review: Incredibles 2



Después estar ocultos y salir para acabar con la ira destructiva de The Underminer, Bob Parr/Mr. Incredible (Craig T. Nelson), Helen Parr/Elastigirl (Holly Hunter), Dash (Huck Milner), Violet (Sarah Vowell), y el bebé Jack-Jack terminan causando un desastre mientras tratan de proteger a los civiles, y luego se ven obligados a abandonar el estilo de vida de superhéroes cuando Dicker (Jonathan Banks) ya no puede ofrecerles protección del gobierno. Winston Deavor (Bob Odenkirk) es un entusiasta admirador de los superhéroes que quiere patrocinar su regreso a la vida pública, junto con su hermana, Evelyn (Catherine Keener), una genio de la tecnología. Winston quiere tomar las cosas con calma, y solo ofrece el centro de atención a Elastigirl, dejando a Bob para atender las tareas domésticas mientras Helen se adapta y salva el día, enfrentando pronto la malvada presencia de Screenslaver, una misteriosa figura que hipnotiza a los inocentes mediante pantallas estroboscópicas controlando sus mentes. Mientras tanto, Bob se ocupa de criar a los niños, aprendiendo sobre los nuevos poderes de Jack-Jack de la manera más dura.

Tengo que empezar diciendo que Incredibles 2 es una película muy entretenida y divertida, tanto para jóvenes como para adultos. Habiendo dicho eso, no puedo evitar insistir en el hecho de que esta película de alguna manera no se siente tan especial como la primera. Quizás es porque cuando vi la primera película el fenómeno de superhéroes estaba empezando a ganar fuerza. Pero ahora, después de haber visto muchas películas de superhéroes, Incredibles 2 se siente como una buena película de superhéroes. Está bien hecha, pero la primera fue especial y esta no se siente muy especial. Quizás para mi esta película ha sido sobrevalorada. Han pasado 14 años entre esta y la primera película, mucho tiempo para esperar, pero... valió la pena la espera?

No me malinterpreten, fue muy divertido ver a Mr. Incredible, Elastigirl, Violet, Dash y Jack-Jack juntos de nuevo. Además, vemos qué pasó con The Underminer. Pero, el marketing de esta película estaba fuertemente basado en Jack-Jack y el descubrimiento de sus nuevos poderes. En eso, hicieron un buen trabajo, y Jack-Jack fue más o menos lo mejor de la película (en el buen sentido). Sin embargo, esto se vió hace 14 años en el cortometraje Jack-Jack Attack con la niñera Karli. Incredibles 2 comienza audaz e inteligentemente justo donde terminó The Incredibles. Este movimiento inteligente en la parte de Disney/Pixar elimina toda confusión y falta de tiempo que pueda surgir después de un paréntesis de 14 años entre una secuela y su predecesora. La historia que sigue es relativamente artificial y los personajes se introducen torpemente para extender el universo en lugar de expandir las emociones de los personajes que ya conocemos. Hubo muchos momentos en los que noté lo difícil que el director Brad Bird intentaba reproducir la fórmula de la primera película, pero se volvió más y más perceptible hasta el punto de que restaba importancia a la historia misma.

Dado que el villano se presenta en el trailer, no creo que sea un spoiler decir que no se siente auténtico o lo suficientemente inspirado para ser considerado como uno de los mejores villanos de Pixar. Si bien los motivos del villano están presentes, es simplemente innecesario, artificial y poco emocionante. Nuevos héroes también son presentados. Muchos de ellos están subutilizados o son innecesarios. Las partes más débiles de la película involucran a los personajes recién introducidos porque todos carecen de la chispa creativa de los personajes originales, los cuales se exploran un poco más profundamente en esta película. En el lado positivo, la familia Parr sigue siendo adorable y es consistente con la película anterior. Las secuencias de acción son geniales, y hay más de ellas que en la primera película. La animación y las imágenes son simplemente increíbles, y de alguna manera coinciden con la estética de la primera película, aprovechando al máximo los 14 años de avances de gráficas por computadora. La comedia también es bastante buena, aunque algunos de los mejores chistes están en el trailer. El diseño gráfico de la película también es impresionante, a la par con la primera película, pero más pulida.

En general, me gustó la película. Tiene muchas cosas para que la disfruten los niños y los adultos, pero para aquellos de nosotros que vieron la primera cuando se estrenó y tuvieron que esperar esos 14 largos años, creo que deberíamos moderar nuestras expectativas y simplemente disfrutar del viaje. Al final, Incredibles 2 es una buena película y una buena continuación, pero definitivamente tiene sus fallas. Me entristece un poco que la película no coincida con la primera en términos del tiempo y relatividad, pero el volver a ver a la familia Parr una vez más, hizo que todo valiera la pena.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Mary Shelley



Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) es la hija de la feminista Mary Wollstonecraft y del filósofo político William Godwin (Stephen Dillane), ambos pensadores influyentes de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Un día conoce a un apuesto joven poeta, Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth), y los dos discuten sus ideas radicales, incluida la aceptación de estilos de vida no convencionales. Mary y Percy se enamoran rápidamente, y Percy ofrece ser el aprendiz de William. A pesar de que Percy todavía está legalmente casado con su primera esposa, él y Mary se escapan juntos, con su hermanastra Claire (Bel Powley). Tanto Percy como Mary son desheredados y viven como artistas "felizmente" necesitando dinero y muriendose de hambre... hasta que ella queda embarazada y experimenta varias tragedias que terminan inspirando la escritura del libro Frankenstein.

Frankenstein apareció por primera vez en la película del pre-código de terror de 1931 protagonizada por Boris Karloff, lo que marca un paso importante para el personaje en la cultura pop, pero el personaje había sido mencionado por más de un siglo, esencialmente desde el momento en que apareció la novela de Mary Shelley en 1818. Con los años, la historia de Frankenstein ha tomado muchas encarnaciones en diversas películas y ocasionalmente se ha mencionado a la mujer detrás del monstruo, pero en Mary Shelley, tenemos el primer intento real de profundizar en la vida de la escritora, con un resultado sumamente negativo.

Si alguna vez quisieron saber por qué se escribió Frankenstein, ahora pueden ver esta película y quedarse dormidos antes de enterarse. Esta es una película que intenta ponernos en la mente de Mary Wollstonecraft Godwin, la autora de Frankenstein, pero no lo logra y en su lugar se convierte en otra aburrida biografía británica. El problema central es que Mary no es un personaje con el que podamos simpatizar. Ella y todos los personajes hablan como un diccionario de sinónimos andante, y nunca se siente como una persona real. La película presenta eventos que, lógicamente, podemos entender que la hacen sentir emocionalmente aislada y sola en el mundo, sin embargo, nunca lo vemos. Rara vez reacciona con emociones, e incluso cuando lo hace, se transmiten con un diálogo de "soy más inteligente que tú".

El objetivo principal de la película era mostrar todo lo que la heroína pasó antes de escribir Frankenstein y en mi opinión, falló de una manera épica. La película presenta los eventos de su vida de una manera en la cual hace a uno no preocuparse o simplemente que importe. En general, es una película aburrida, en gran parte porque ninguno de los personajes resuena de manera emocional. Durante el transcurso de la película hay extraños saltos en el tiempo que los personajes tienen que explicar de manera torpe, las actuaciones de todos los actores son completamente atroces y hay algunos momentos de risa, unos intencionales y otros son involuntarios, pero sobre todo estarán poniendo su atención en el diálogo o tratando de mantenerse despiertos a través de la historia. Al final, Mary Shelley es una película biográfica británica extremadamente aburrida. Es mejor que solo lean sobre Mary Wollstonecraft Godwin en internet que viendo esta película.

Puntuación: 1 alcapurria.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 19 De Junio Del 2018



Pacific Rim: Uprising (teniendo 3 versiones: la regular, la 3D y la SteelBook exclusiva de Target)

Unsane

Bowling For Columbine - Criterion Collection

Monday, June 11, 2018

Review: Hereditary



Annie (Toni Collette) está a punto de enterrar a su madre, mientras trata de llegar a un acuerdo con su relación distanciada, ya que su madre era una mujer viciosamente reservada. Uniéndose al proceso de duelo se encuentran sus hijos, la pequña Charlie (Milly Shapiro), el adolecente Peter (Alex Wolff), y su esposo Steve (Gabriel Byrne).  Siendo creadora de dioramas artísticos y confesionales, Annie lucha por mantenerse estable mentalmente, encontrando consuelo con Joan (Ann Dowd), otra persona afligida que ofrece apoyo para las complejas emociones de Annie. Cuando una tragedia golpea a la familia nuevamente, Annie pierde el control de sí misma, encontrandose pronto atrapada en una larga actividad de sonambulismo que amenaza con violencia contra Peter, quien también comienza a sufrir visiones extrañas mientras sigue una rutina de uso de marihuana en la escuela como una forma de lidiar con todo lo que ocurre. Con la esperanza de llegar al otro lado y probar su habilidad principiante de medium espiritual, Annie despierta algo misterioso en la casa, haciendo atemorizar su frágil existencia y su mente.

Realmente no sé por dónde empezar con esto. Cuando me enteré que esta película la hacían algunas de las mismas personas que trabajabaron en The Witch (que a algunas personas no les gustó, y a mi me gustó), tenía muchas esperanzas, y no me decepcionó en lo absoluto. Esta película es un soplo de aire fresco para el género de horror en un momento donde Hollywood simplemente lo ha prostituido y no ha lanzado nada más que basura. No solo la película es tensa, sino que también tiene mucho que decir sobre el tema del dolor y los traumas. La forma en que se ensambla la película es su parte más fuerte. La edición, la cinematografía y el diseño de sonido trabajaron juntos para crear una visión de horror verdaderamente única e infernal. Soy un veterano del género de horror, y es bien raro que esté tenso al ver una película, pero esta me hizo sentir como si estuviera descubriendo el género por primera vez.

En muchos sentidos, Hereditary es el tipo de película de horror que he estado esperando durante muchos años y es una película que principalmente se basa en la atmósfera y el horror emocional. The Shining es sin duda una joya del cine e iría tan lejos como para decir que esta es la primera película de horror moderna que he visto que realmente captura un tono y ambiente similar. Al igual que en The Shining, ofrece un horror a través de una sensación intensificada de inquietud y temor que se vuelve casi sofocante por su conclusión. En lugar de sorprender con sustos baratos, ofrece imágenes inquietantes que se entregan sin ninguna de esas sacudidas sobreutilizadas. Quizás lo más importante es que une todo en un núcleo emocional con personajes matizados que experimentan luchas familiares y dolor. Y eso es absolutamente crítico para lo que hace que la película sea efectiva y resonante, ya que funciona en un nivel metafórico, utilizando una historia sobrenatural como vehículo para explorar la forma muy real en que una familia puede ser devastada por la tragedia, y además cómo el trauma y la enfermedad mental pasa a través de las generaciones.

Todo el elenco estuvo excelente, pero Toni Collette absolutamente se roba el show. La profundidad emocional que puede lograr nunca deja de sorprenderme y es cautivadora de ver en cualquier escena en la que se encuentre. Siento que es una de las actrices más subestimadas que trabajan en Hollywood hoy en día. Ella ofrece una actuación tan hipnótica en esta película que, en ocasiones, está completamente desquiciada y verdaderamente es difícil de ver. Sin embargo, como mencioné, todo el elenco fue excelente y esta es una de las mejores películas de horror actuadas que he visto. Con todos esos elogios y tan excelente como es, Hereditary no es una obra maestra. A pesar del hecho de que estaba muy inmerso a lo largo de la película (2 horas y 7 minutos para ser exactos), hubo algunos problemas con su ritmo. Me siento en conflicto al decir esto porque soy muy aficionado al estilo de horror que se beneficia de un ritmo deliberado, pero sí tuve la sensación ocasional de que las cosas se podían haber subido de tono un poco sin perder el ritmo. Algunos de los sustos en la película, a menudo los momentos de horror más tradicionales, fueron demasiado refinados, y un poco más de ambigüedad puedo haberle servido mejor.

En general, los aspectos positivos superan por demasiado los negativos y la película es, en última instancia, una notable película de horror que muestra de qué es capaz el género cuando es tomado en serio por un director con talento. Al final, Hereditary es un rompecabezas que uno tiene que armar por si mismo y una película hecha con una calidad impecable. Cada toma y cada secuencia tiene un significado y hay mucho en qué pensar después de verla. Hay tantas escenas potentes cerca del final que simplemente se quedan contigo. No esperen solo verla, tendrán que pensar y investigar un poco, y creo que es una de esas películas de las cuales se hablará durante mucho tiempo. Definitivamente una de las mejores películas de horror estrenadas en lo que va de año y en mucho tiempo.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Incredibles 2



Sunday, June 10, 2018

Review: 7 Days In Entebbe



Es 1976, y los activistas alemanes Wilfried Böse (Daniel Brühl) y Brigitte Kuhlmann (Rosamund Pike) deciden que necesitan hacer algo en el mundo, en lugar de solo hablar de ello. Así que unen fuerzas con los "luchadores por la libertad" palestinos para secuestrar un avión que viaja desde Israel a París. Aterrizan el avión en el aeropuerto de Entebbe en Uganda, un país donde Idi Amin (Nonso Anozie) gobierna y ha aceptado ayudar. A medida que pasa el tiempo, los secuestradores liberan a algunos de los rehenes, pero a Wilfried le queda claro que los pasajeros judíos no están entre ellos, están siendo separados, presumiblemente para un destino más oscuro. El primer ministro israelí, Yitzhak Rabin (Lior Ashkenazi) sabe que Israel tiene una política de no tratar con terroristas, no obstante, acepta negociar, pero al mismo tiempo aprueba un peligroso plan de rescate.

Si bien no es una película terrible, 7 Days In Entebbe debería haber sido mucho mejor, pero lamentablemente es una película tan decepcionante que es frustrante. Realmente no le hace justicia a esta historia increíble y el gran elenco se merecía algo mejor que esto. No me sentí insultado u ofendido al verla, pero al mismo tiempo la película me dejó decepcionado y frustrado. Aunque... tiene algunos puntos a su favor. Daniel Brühl y Rosamund Pike realmente lucen muy bien en los papeles principales. Si bien Brühl es considerado y carismático en su actuación, es Pike quien más me impresionó en el papel más desafiante y en el que la película más trata de desarrollar. La película comienza intrigantemente y hay partes donde los valores de producción tienen astucia y atmósfera. Hay una escena que tuvo un impacto emocional y esa fue la escena del teléfono de Pike cerca del final.

Sin embargo, al resto del elenco no les va tan bien y esto se debe en gran medida a la forma en que se escribieron los personajes. Eddie Marsan como Shimon Peres es simplemente extraño y su caracterización se sentía fuera de lugar. Nonso Anozie no es lo suficientemente siniestro como Idi Amin, el hombre era un monstruo y Anozie no logra traer eso a la pantalla. La química entre los actores está muy desconectada en la mayoría de los casos, esto incluye a Brühl y Pike sin culpa propia. No es el elenco el culpable aquí. La forma unilateral en que se escribieron los papeles, incluido tratar de humanizar a los personajes principales, hacer que los papeles de Peres y Amin sean unidimensionales y pintar a los palestinos con una luz objetable, fue más el problema. Incluso cuando se trata de contar los eventos desde puntos de vista múltiples, rápidamente todo se satura. La dirección es a menudo confusa y se nota que no se supo saber qué hacer con el material, y con demasiada frecuencia los valores de producción son monótonos, la cámara lenta en el ataque final fue innecesaria y trivializó la violencia ya minimizada. La escena debería haber sido sumamente tensa, pero se vió como una sensación de último momento.

Además, una danza moderna a lo largo de la película se uso en exceso y estaba fuera de lugar con lo que estaba ocurriendo. Realmente diluyó la poca tensión que ya existía y dificultó mucho tomar la película en serio. Lo encontré muy irritante. En general, la película tenía el potencial de ser una historia llena de suspenso y ser sumamente fascinante, pero es aburrida, sin tensión y sin suspenso. Con lo que deberían haber sido los eventos más prominentes (la planificación de la incursión y rescate y el rescate en particular), fueron tratados de una manera demasiado segura, y lo que era significativamente menos interesante se manejó de una manera parcial. Al final, 7 Days In Entebbe es una película decepcionante que tiene pocas ventajas y muchos inconvenientes. El elenco y la historia definitivamente merecían algo mejor. Si quieren ver una buena película sobre este evento, vean Raid On Entebbe de 1976 con Charles Bronson, Peter Finch y Yaphet Kotto. Aprenderán más y tendrán una experiencia visual más agradable.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: L'Amant Double (Double Lover)



Chloé Fortin (Marine Vacth) es una mujer soltera de 25 años y ex modelo que es referida a un psicoanalista después de que su ginecóloga ha llegado a la conclusión de que el dolor abdominal que la atormenta es principalmente psicológico. A la edad de siete años, su madre confesó que su nacimiento fue un accidente y la confió a sus abuelos. No fue una sorpresa que la solitaria y frágil Chloé se comprometiera a seducir a su terapeuta Paul Meyer (Jérémie Renier), revelando con prontitud sus sueños sexuales con él después de una sola sesión. Después de ser considerada apta para una vida normal nuevamente, teniendo un trabajo a tiempo parcial como vigilante en un museo, se muda con Paul. Sin embargo, ella se vuelve sospechosa y ligeramente paranoica sobre el pasado de Paul, después de encontrar un pasaporte viejo con otro apellido. Ya sea por accidente o por un destino terrible, descubre que Paul tiene un hermano gemelo llamado Louis Delord (Jérémie Renier), que también es psicoanalista. La personalidad y métodos de trabajo de Louis son completamente opuestos a los seguidos por su hermano distanciado. Después de programar una cita con Louis, Chloé recibe un diagnóstico completo de su condición y queda atrapada en una peligrosa red de fascinación personal y deseo sexual.

En L'Amant Double (Double Lover), el director François Ozon se fija en las inusuales condiciones de los gemelos. Ozon considera que la película es una base científica para el "gemelo parásito", un término médico que no ha alcanzado una comprensión masiva y explota profundamente las implicaciones psicológicas derivadas de ello. La trama se reduce a dos (o tres personas), y la premisa cae directamente en un narrativo tedioso que atrae con fuerza a Chloé, una joven que ha sido molestada por un dolor abdominal no especificado desde la infancia, y que su psiquiatra y pareja romántica Paul tiene un hermano gemelo idéntico Louis, también un psicoterapeuta, cuya existencia misma Paul se niega a reconocer. Chloé está intrigada en buscar la verdad mediante el conocimiento carnal con Louis, y en una fracción de segundo, ella misma está claramente dividida en dos personas idénticas. La película está llena de viejos trucos probados y comprobados, como yuxtaposiciones de imágenes y composiciones de espejo para elaborar el deseo psico-sexual peculiar de Chloé.

Ozon hábilmente le da un giro a la película con un poco de terror corporal, y da un gran salto en el reino de la imaginación para hacer que la historia tenga un enlace, una estrategia que puede ocasionar un leve enojo por su repudio cruel, ya que uno como espectador tiene que renunciar a una gran parte de la historia de la fantasía caprichosa de nuestra protagonista. Marine Vacth parece zigzaguear con su interpretación pero se ve más cómoda proyectando su tímidez engreída, salvo su faceta felina (los gatos son personajes destacados también), pero es Jérémie Renier quién comprende a conciencia la oportunidad de una buena y mala dualidad emblemática con energía y vigor. También Jacqueline Bisset como Myriam Boyer impresiona con su interpretación, pero no se le presta suficiente atención a su personaje ya que sólo sale por poco tiempo durante el transcurso de la película.

La película es cinematográficamente muy elegante, el simbolismo de todo es muy claro y Ozon aprovecha al máximo sus ubicaciones. En el museo donde Chloé trabaja como vigilante, se expone un arte que se usa como un telón de fondo perfecto para algunas de las escenas visualmente bellas. La ropa, los peinados, los muebles, todo está hecho para presentar lo mejor del gusto parisino. En general, hay mucho que disfrutar en la película, ya que está dirigida para diferentes tipos de espectadores. En cierta manera es un thriller, con el suspenso acumulándose hasta los últimos minutos. También es un drama psicológico con muchos giros, e incluso hay un poco de horror. Al final, L'Amant Double (Double Lover) es una película muy francesa en todos los sentidos, con algunas escenas de sexo un poco fuertes y excéntricas y una buena cantidad de elegancia parisina.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Saturday, June 9, 2018

Review: In Darkness



Sofia (Natalie Dormer) es una mujer ciega que trabaja como pianista para un compositor de cine, vive estable dentro de su edificio de apartamentos y reside debajo de Veronique (Emily Ratajkowski), hija de Radic (Jan Bijvoet), un dictador de Europa del Este que actualmente disfruta de asilo político. Cuando Veronique es asesinada a altas horas de la noche, el Detective Mills (Neil Maskell) encuentra difícil creer que una mujer que vive con los sentidos agudizados no haya escuchado nada, pero Sofia niega tener conocimiento de lo sucedido. Su posición como posible testigo intriga a Marc (Ed Skrein), el hombre contratado para "cuidar" a Veronique y que busca una unidad USB secreta, propiedad de Veronique, que contiene información confidencial sobre Radic. Para empeorar las cosas, Sofia se convierte en un problema Marc y para su jefe de seguridad, su hermana mayor, Alex (Joely Richardson). Mientras Sofia lidia con la falta de visión, se convierte en persona de interés para la policía, y crea un vínculo inesperado con Marc, esta se obsesiona con la mujer misteriosa y su posible posesión de la memoria USB.

Armada con un giro en el género habitual de suspenso, In Darkness es un viaje emocionante en el bajo y oscuro inframundo criminal de Londres. A medida que avanza la historia, su apertura compleja pierde algo de atención a medida que la narración se ramifica y encapsula una gama más amplia de personajes. Aún así, la película es agradable y cargada por una gran actuación en general de su elenco. Si bien hay mejores thrillers y es poco probable que sea recordada por el exceso de películas que estrenan en esta época del año, vale la pena verla. La historia en sí es interesante y contada de una manera convincente, ya que las perspectivas pierden parte de la intimidad que se generó durante el acto de apertura, ya que seguimos de cerca a Sofia mientras ella sigue con su día a día. También hay algunos pequeños giros en la trama y su inclusión es ciertamente bienvenida a medida que la historia evoluciona de lo que parece ser un thriller sencillo a algo completamente diferente a medida que la película se acerca a su clímax.

Si bien la historia tiene algunas fallas durante su tiempo de ejecución, no se puede decir lo mismo de la actuación, que es buena en todo momento. Natalie Dormer es sublime como Sofia y su interpretación de una mujer ciega es asombrosamente precisa y competente. Mientras que los otros que comparten la pantalla con ella no pueden coincidir con su excelencia, todavía hay una gran variedad de talentos que hacen lo mejor que pueden para igualar el rendimiento de Dormer. El trabajo de cámara también ayuda con varios disparos que se adhieren a Sofia desde el principio. A medida que avanza la película, la variedad de estos disparos se aclaran y, en su mayor parte, logran enfatizar la acción en la pantalla. Una escena en particular es el tic-toc del metrónomo de Sofia y las escenas cambian con cada tic que ayuda a dar un ligero toque artístico a la película.

En general, esta es una de esas películas que probablemente mucha gente no vea, especialmente en un momento en que los grandes títulos de taquilla eclipsarán todos los demás lanzamientos, pero este es un thriller que vale la pena echarle un vistazo. La actuación es buena, la historia es interesante y la idea de una protagonista ciega es ciertamente original, aunque inevitablemente habrá algunas personas que verán esto como una explotación más que como el pequeño argumento que es. Al final, In Darkness es una buena película. Si les gustan los thrillers, veanla.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Making Fun: The Story Of Funko



En 1998, una pequeña compañía llamada Funko fue fundada por Mike Becker con una línea de bobbleheads de tema nostálgico llamado Wacky Wobblers. El primer artículo que la compañía creó fue el bobblehead de Big Boy. Con el tiempo, esta pequeña empresa se convertiría en una gran obsesión para los coleccionistas y entusiastas de la cultura pop de todo el mundo. La línea más exitosa de la compañía, Pop! Vinyl, hizo su debut oficial en el 2010, y comenzó una nueva adicción para los fans. Hay nuevas figuras de Pop! que salen practicamente todos los días pero, si bien es su producto más grande, no es la única línea coleccionable de Funko. El éxito de Funko es fácil de ver cada vez que se entra en una tienda de comics o un centro comercial. Las figuras de Pop! están en todas partes y ha creado una comunidad de admiradores cuyo amor por estos pequeños juguetes ha engendrado amistades en todo el mundo. Es un mundo amigable de coleccionistas que comparten sus colecciones masivas y les encanta volver a ser niños. Este documental cuenta la historia de Funko y los fanáticos que ayudaron a convertirlo en un fenómeno global.

Como coleccionista (no de Funko por supuesto), me preparé para divertirme descubriendo todo lo que hay que saber sobre Funko. El diseño amigable e instantáneamente reconocible se ha convertido en un elemento básico de las tiendas de todo el mundo, y ninguna de las personas que se autoproclama aficionado a la cultura pop está completa sin al menos una o media docena de estas figuras en su colección. Pero cómo comenzó Funko y cómo se convirtió en el titán que es hoy? Este documental trata de responder a estas dos preguntas, y un poco más. Desde estrellas de rock hasta boxeadores, y pasando por personas como tú y como yo, todos comparten la misma pasión: Funko. Aunque personalmente no colecciono sus figuras (solo tengo 2), puedo decir que me sentí que estaba con todos los fanáticos que aparecen en el documental. Funko crea comunidades en todo el mundo y se divierten de la manera más linda que haya existido. Funko no solo son fanáticos y figuras, sino también dedicación, pasión y colaboración.

Los documentales que exploran a los fans son extremadamente populares en estos días, y todos sabemos el protocolo. Comienzos humildes, un crecimiento rápido, algunas entrevistas con los propietarios y algunos fanáticos dedicados. Si bien el documental sin duda cumple todos estos requisitos, sigue siendo increíblemente entrañable. La película documenta el ascenso de la compañía, pero también explora el impacto que ha tenido en los fanáticos, y han logrado encontrar personas de todos los ámbitos de la vida para contribuir. Alice Cooper, el director/actor Kevin Smith, Kirk Hammett, Tony Hawk, Lou Ferigno, el boxeador profesional Cletus Seldin y el luchador de la WWE Zack Ryder son algunos de los fans que aparecen. Es esa misma pasión de los fans que realmente ayuda a elevar esta película sobre los documentales habituales. El CEO Brian Mariotti y el fundador original Mike Becker se muestran como personas que realmente quieren complacer a sus fanáticos, y a lo largo de la película, nos recuerdan que la compañía se trata de solo divertirse. Por supuesto, este es un documental y no es probable que salgan y te digan que solo quieren tu dinero, pero sentí genuinamente que sus intereses estaban en sus fanáticos y su amor por la cultura pop.

El explorar el auge de la cultura "geek" y ser testigo de cómo se ha convertido en un estigma menos grave en la actualidad no es nada nuevo, y la película, en su mayor parte, lo reconoce. Claro, hay partes en las que la película comienza a sentirse con un poco de cliché, pero hay suficientes personas de diferentes distorsiones de la vida, cada una con sus propias historias que hacen que esta sea una película que valga la pena verse. La idea de hombres y mujeres que gastan cientos y cientos de dólares en camisetas o juguetes es desconcertante para muchos y la película hace un buen trabajo al destacar realmente lo que hace que este hobby sea tan adictivo para tanta gente. Hay muchos tipos de coleccionistas y cada uno de ellos tiene una historia que contar. Notarán cómo los coleccionistas en el documental no solo disfrutan de las figuras, sino que también recuerdan su infancia, y se emocionan al hablar sobre los temas que les son más cercanos. Creo que el mensaje que el documental quiere enviar es genial. Si te diviertes con lo que haces, crearás algo grandioso. Y si es divertido, no te preocupes, los demás también se unirán a ti. También te hace consciente de que no necesitas hacer algo increíblemente complicado para hacer un cambio. Las figuras son juguetes que podemos usar para jugar o exhibir para nuestra diversión, y si nos inspiran a hacer cosas que nos hagan sonreír, entonces todo estará bien. Y sí, soy un niño de corazón.

En general, el documental sirve tanto como una historia de éxito sobre un grupo de geeks que lograron hacer su marca en este mundo, y una carta de amor para todas las cosas de la cultura pop. Esto es una vista obligada para los entusiastas de Funko y para todos aquellos que han sufrido o sufren por no entender por qué su novio o novia está tan obsesionado o obsesionada con una pequeña figura de plástico, esto podría simplemente abrirles los ojos un poco. Al final, Making Fun: The Story Of Funko es divertida, atractiva, y los hará pensar o transportarse a todos los recuerdos que tenían cuando eran niños. Si les encanta Funko Pop!, o si sienten curiosidad por estas figuritas, vean el documental.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 12 De Junio Del 2018



Tomb Raider (teniendo 2 versiones: la regular y la 3D)

The Strangers: Prey At Night

Spinning Man

Saturday, June 2, 2018

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 5 De Junio Del 2018



Death Wish

South Park - The Complete Twenty-First Season

Gringo

Eric Clapton: Life In 12 Bars

A Wrinkle In Time (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae el cover sin el "Multi Screen" logo y no trae Digital Copy

DC Universe Movies: Superman 80th Anniversary Collection