Review: Gold

Siendo el hijo de un minero muy querido, Kenny Wells (Matthew McConaughey) tiene oro en su sangre mientras trata de mantener la memoria de su padre viva en sus esfuerzos profesionales. En 1988, con su novia Kay (Bryce Dallas Howard) a su lado, hace lo posible y imposible para restaurar su honor. Tomando una oportunidad en Indonesia con el despiadado geólogo Michael Acosta (Edgar Ramírez), Kenny financia una excavación en la selva, descubriendo uno de los depósitos de oro más grandes de la historia. Con su empresa minera de vuelta en la cima, Kenny es vanagloriado mientras hace grandes planes con su riqueza. Sin embargo, los hombres de dinero y los intereses del gobierno indonesio llegan a desafiar la legitimidad del hallazgo, causando todo tipo de estragos para Kenny mientras protege su orgullo, frente a la humillación pública y la ruina.

Gold es un drama de aventura con un ambiente hostil, fortunas cambiantes, alianzas cambiantes, adversarios inesperados y una amistad aparentemente traicionada. El escenario es fuera de lo común en esta película, es el mundo financiero con millones de dólares bombeados a acciones de compañías mineras prometedoras. Pero esos millones pueden retirarse con la misma rapidez cuando cambian las perspectivas. Toda la película se basa en la historia real del escándalo de Bre-X, que llegó a los titulares mundiales en los años noventa con algunos detalles cambiados. El escándalo fue un excelente ejemplo de la excesiva codicia capitalista, y la película es un buen recordatorio de ello.

El aventurero en medio de todo es Kenny Wells, hijo de un prospector de oro de Nevada y heredero de una compañía minera casi en bancarrota. En un intento de salvar la compañía, viaja a Indonesia para una reunión con un legendario experto en perforación terrestre. El siguiente paso es encontrar el dinero requerido para la busqueda de oro y la perforación. Lo que sigue, es una montaña rusa de éxitos, contratiempos y fracasos. Matthew McConaughey brilla, es increíble y completamente creíble como Kenny Wells. Ademas, el carga con el peso completo de la película. Hay algunas capas adicionales que le dan complejidad a la historia como la relación con su esposa Kay y la amistad con su socio Michael Acosta.

En general, Gold tiene cierto parecido a The Wolf Of Wall Street pero no llega a superarla. No es una mala película, pero pudo haber hecho más impacto si hubiera salido tal vez hacen diez o quince años. Tiene actuaciones sólidas pero una historia un poco lenta. Vale la pena verla... si es que les atrae.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Guardians Of The Galaxy Vol. 2

Star-Lord (Chris Pratt), Gamora (Zoe Saldana), Drax (Dave Bautista), Rocket Raccoon (Bradley Cooper) y Baby Groot (Vin Diesel) viajan a un remoto planeta para ayudar a una civilización alienígena a deshacerse de un ser intradimensional. Todo sale bien, hasta que Rocket Raccoon decide robar unas baterías sagradas para ese pueblo. Tras un intenso tiroteo entre los Guardianes y dicha civilización, se estrellan en un planeta desolado y son asistidos por Ego (Kurt Russell), un caballero que afirma ser el padre desaparecido de Star-Lord. La cosa se complica cuando se sepa el cómo y el por qué de esa desaparición, y el rol que tiene en el futuro de la galaxia.

Guardians Of The Galaxy Vol. 2 es la película número 15 del Universo Cinematográfico de Marvel. La primera película de Guardians fue una gran sorpresa para todos, incluyéndome a mí, y mucha gente la tiene como la mejor película del UCM. Con eso, es seguro decir que Vol. 2 tiene una gran expectativa en sus hombros. Así que... está Guardians Of The Galaxy Vol. 2 al mismo nivel que la primera película? Si, pero Guardians Vol. 2 es una bestia diferente. De todas las películas del UCM, esta es la que tiene corazón, ya que es una historia personal que va mas allá de las batallas espaciales galácticas que vimos en la primera entrega. Lo que realmente me gustó de los personajes fue que se pudo ver el tiempo que había pasado desde la última película. Su dinámica de equipo es diferente, tienen diferentes interacciones y cada personaje ha evolucionado de alguna manera.

Con respecto a los personajes, necesito destacar 2 en especifico. Y no, uno no es Baby Groot, porque mientras amé cada escena con él, es un hecho que el va a ser el personaje favorito de todos. Pero los personajes que más me llamaron la atención fueron Yondu y Drax. Definitivamente usaron a Yondu muy bien en esta película. De todos los personajes, él tenía los momentos más emotivos. Ahora, Drax es mi favorito y es el personaje que se puede ver que ha evolucionado más desde la primera película.

Hubieron algunas relaciones realmente grandes que tuvieron lugar y se construyeron sobre la película, pero una que necesito resaltar es la de Gamora y Nebula. Me gustó mucho cómo manejaron su relación a lo largo de la película ya que se llega a entender por qué se tratan de esa manera la una hacia la otra. Por lo que veo, su relación va a jugar una gran parte en futuras películas. Siguiendo con los personajes, necesito hablar de las nuevas caras. En primer lugar, Sylvester Stallone tuvo un pequeño papel como Stakar Ogord. Yo no esperaba mucho de él, pero realmente disfruté el poco tiempo que estuvo en la película. Pom Klementieff como Mantis fue una gran adición al elenco. Ella interactuó muy bien con Drax y creo que su personaje fue una de las razones principales por las que disfruté mucho a Drax. Kurt Russell estuvo fenomenal como Ego. Como alguien que tiene poco conocimiento sobre Ego, me interesó ver cómo lograron presentarlo y creo que hicieron un trabajo bastante bueno en explicar cómo una planta es un ser humano.

En general, esta película es la secuela perfecta de Guardians Of The Galaxy y creo que dentro de unos años, cuando se vean todas las películas de Guardians una tras otra sin el contexto del UCM, van a contar una historia sobre un grupo de inadaptados que se unen para salvar la galaxia. Aunque alcanzó la altura de la primera película, no era necesario para mí. Necesitaba más de los personajes y conseguí eso. Tiene mucho más humor que la primera película, tiene un gran soundtrack, tiene una mayor visión de quiénes son estos personajes y terminé la película con la sensación de que conocí a los Guardians más personalmente.

Nota adicional: hay 5 escenas más entre los créditos finales.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Morgan

En un laboratorio remoto, la Dra. Cheng (Michelle Yeoh) está supervisando el desarrollo y crecimiento de Morgan (Anya Taylor-Joy), una creación sintética destinada a actuar como un humano amplificado para una investigación corporativa. Después de cinco años de crecimiento acelerado, Morgan se ha apegado a sus manejadores, entre ellos la conductista Amy (Rose Leslie), el líder del proyecto Simon (Toby Jones), Brenda (Vinette Robinson), Darren (Chris Sullivan) y Ted (Michael Yare). Cuando Morgan actúa un día, apuñalando a Kathy (Jennifer Jason Leigh) en el ojo, la agente de evaluación de riesgo Lee (Kate Mara) es llamada para investigar. Fria y comprometida con el procedimiento, Lee entra en un campo de minado de emociones, estudiando a los científicos que protegen sus investigaciones y a la propia Morgan, que permanece encerrada en una sala de observación, experimentando dolores humanos mientras sus instintos recién desarrollados son probados por personas externas como el psicólogo Dr. Shapiro (Paul Giamatti).

Morgan se trata de una consultora de gestión de riesgos que tiene que decidir si el actual proyecto de inteligencia artificial debe continuar o terminarse. Sentí la historia convincente a pesar de algunos agujeros menores que elegí ignorar ya que la experiencia en general valió la pena. Disfruté de todos los personajes y sus relaciones personales con Morgan ya que crearon un ambiente familiar. El ritmo fue bueno, ya que tenía mucho tiempo para introducir a los personajes. La película se establece a un ritmo lento por lo que no esperen una gran cantidad de acción o elementos de terror.

Ahora... es imposible evitar las comparaciones entre Morgan y la gran Ex Machina. Para empezar, ambas películas tratan sobre una inteligencia artificial que toma la forma de una mujer joven con muchas preguntas sobre la condición humana, que sus creadores humanos no siempre pueden responder. Sin embargo, a pesar de ser muy inferior a Ex Machina, encontré a Morgan una entretenida película de ciencia ficción.

En el lado negativo, la encontré un poco predecible, y creo que la creación de un humano artificial se presenta de una manera superficial. Yo no esperaba una tesis científica para explicar todos los detalles de este imposible experimento, pero un poco de lenguaje tecnológico habría sido suficiente para no sentir que sólo estaban evitando el tema. Con respecto a las actuaciones, Kate Mara tiene una   actuación excelente y toma ventaja de su talento y fuerte presencia. Anya Taylor-Joy también hace un trabajo perfecto en su papel, y el elenco de apoyo incluye muchos actores brillantes (Toby Jones, Rose Leslie, Vinette Robinson, Michelle Yeoh, Jennifer Jason Leigh y Paul Giamatti) dando credibilidad absoluta a sus papeles.

En general, Morgan es una película entretenida que no profundiza demasiado en la filosofía del ser humano sintético, el origen de la conciencia artificial, o mucho menos los aspectos éticos del aprendizaje de una máquina. Su objetivo es que se pase un buen rato, y creo que lo logró.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 25 De Abril De 2017

Underworld: Blood Wars

The Girl With All The Gifts

La La Land (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que trae un disco de bono)

Review: Silence

Después de recibir una emotiva carta del padre Ferreira (Liam Neeson), detallando su sufrimiento durante un viaje para llevar el cristianismo a Japón en el año 1600, dos de sus estudiantes, Rodrigues (Andrew Garfield) y Garrpe (Adam Driver), viajan de Portugal al este en una búsqueda para averiguar lo que le pasó a su líder amado. Al llegar a Japón, los sacerdotes jesuitas están expuestos a un mundo secreto de cristianos locales, muchos de los cuales revivieron su fe para estar cerca de auténticos hombres de Dios, y finalmente se les permite compartir su amor por Dios en una tierra que considera esa religión como un crimen. Incapaz de mantener un perfil bajo en sus esfuerzos por actuar como guías de la gloria celestial, Rodrigues es pronto capturado por los shogunes locales, llevados ante Inoue (Issei Ogata), un inquisidor que exige al sacerdote renunciar a su fe pisando una imagen de bronce de Jesús. Rechazando romper sus votos mientras busca a Ferreira, Rodrigues está expuesto a múltiples horrores y a un cautiverio extendido con sólo su mente en búsqueda y cuestionamiento para mantenerse enfocado con el amor de Dios.

Silence es una película personal/religiosa épica, pero sobre todo es sobre el yo interior, que siempre es difícil de lograr. La película narra una historia moral de tal manera que es asombrosa y con muy pocas manchas de luz, y es prácticamente una anomalía para ser lanzada por un gran estudio con un gran presupuesto y grandes estrellas. Esta es una historia que viene de la historia que casi nunca se ve, la historia de un país como Japón (que no implica a los samurai) trata la religión del cristianismo y el budismo y está dirigida con un nivel de visión que declara que Martin Scorsese todavía tiene mucho que decir, tal vez más que nunca, a su edad avanzada.

Hasta el día de hoy, Martin Scorsese sigue siendo uno de mis directores favoritos de todos los tiempos, un hombre cuya aproximación al cine difiere completamente de los demás en Hollywood, su apreciación hacia el cine como una forma de arte es su mejor cualidad en lo que lo convierte en uno de los más grandes directores de cine alrededor. Con Silence promovida como un proyecto pasional de 20 años de Scorsese, no pude resistir verla. La leyenda detrás de la cámara tocando un tema no estudiado en el cine y un tema que es a veces malentendido.

Quiero comenzar con mi conclusión e ir desde ahí. Silence no es una película para todo el mundo, sin embargo, a pesar de mi respeto por el dominio de la cámara de Scorsese y el nivel de detalles, en mi opinión honesta creo que esta película se quedó corta debido a la falta de penetración en su tema principal y que se transformó en una historia lenta y un poco triste que sin duda no necesitaba cerca de 3 horas de duración para ser contada. Ahora no me malinterpreten, en lo que respecta al arte de la película es una obra maestra, la cinematografía es cruda y épica, la dirección de Scorsese es fenomenal y el diseño en general es magnífico.

Acompañando esto hay una serie de actuaciones magistrales, sobre todo de Andrew Garfield, con un rendimiento y una actuación sumamente visceral. Sus emociónes son crudas y misteriosas. Pero desafortunadamente los tecnicismos y el arte no pueden encubrir los defectos que se encuentran en el tiempo de duración y la trama tediosamente lenta que no quería terminar. Si hay algo que puedo dejarles para ayudarlos a que la vean es... Silence no es una pieza de entretenimiento, sino una experiencia. Aunque, muchas personas se van a encontrar lentamente tentadas a dormirse en ciertas partes. Realmente no es un caso de gusto o de desagrado, es más un caso de aventura, y la aventura fue digna de ver. Scorsese sigue siendo un director exquisito, con o sin defectos.

Quizás necesite verla de nuevo para entenderla completamente. Por toda su longitud, exploraciones y representaciones de sufrimiento (ocasionalmente muy gráficas), por no mencionar, para Scorsese, el enfoque muy inusual de la falta de música para emparejar la lucha de un hombre para conciliar su fe en Dios y su responsabilidad hacia los demás en un régimen represivo con el esplendor visual de otro tiempo. Sin embargo, con todo este elogio, también hay una sensación de estar agotado por haberla visto. No estoy seguro si ese agotamiento se extienda a otro vistazo de esta película. Al final, como un fan de toda la vida de este director, quedé impresionado, pero no maravillado.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Life On The Line

Beau (John Travolta) se unió a la Elite Power Corporation con la ayuda de su hermano. Poco después, vio a su hermano morir trágicamente después de caerle un rayo, y mientras conducía a casa desde la escena del accidente, presenció a su cuñada perecer en un accidente de auto, convirtiéndolo en el único pariente de su sobrina, Bailey (Kate Bosworth). Ya adulta, Bailey está debatiendo si quiere asistir a la universidad, manteniendo un secreto que promete cambiar su vida para siempre. Beau sigue siendo su protector, mientras trata de mantener su antigua llama Duncan (Devon Sawa) lejos de Bailey, sólo para enfrentar al joven en su trabajo, donde es un nuevo empleado. Encargado de montar un equipo nuevo justo antes de que una tormenta llegue a la ciudad, Beau lidera una tarea, manejando hombres y mujeres que trabajan horas extras para completar el trabajo.

Esta película cuenta la verdadera historia de un capataz de una compañía eléctrica en los Estados Unidos, que es diligente y cuidadoso con su trabajo de supervisar a un grupo de celadores de línea y la red eléctrica está bajo amenaza cuando se produce una tormenta masiva. Tenía bajas expectativas con esta película. En realidad resultó ser mucho mejor de lo que pensé. La historia sigue a Beau y a su sobrina Bailey, que experimenta problemas románticos en la pequeña ciudad, donde la mayoría de la gente parece trabajar para la misma compañía eléctrica. La historia fue interesante y hizo adentrarme a ese mundo.

Mi único problema con la película es que pone demasiado énfasis en las tramas con Bailey y su novio Duncan, el vecino de Beau, Eugene (Ryan Robbins) y su aparentemente abandonada esposa Carline (Julie Benz), y Ron (Matt Bellefleur) el aspirante a novio de Bailey. Fueron todas esas tramas relevantes a los hechos verdaderos con respecto a la tormenta que estaba a punto de golpear al pueblo o sólo fue una excusa del director para rellenar tiempo? Tal vez, quién sabe.

Me gustó el final y no sabía que existía una asociación para ayudar a las personas que murieron mientras atendían las redes eléctricas durante la tormenta. En general, Life On The Line crea conciencia de los peligros poco reconocidos de trabajar con la redes eléctricas. Estos trabajadores merecen más reconocimiento por su arriesgado trabajo.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: House On Willow Street

Durante seis semanas, Hazel (Sharni Vinson), Ade (Steven John Ward), James (Gustav Gerdener) y Mark (Zino Ventura) trazan un plan para secuestrar a Katherine (Carlyn Burchell), la hija de un vendedor de joyas. Cuando entran en la casa de la familia en Willow Street, Ade ve símbolos cabalísticos en su armario y luego llevan a la joven a una instalación abandonada en una guagua. Encadenan a Katherine en el sótano y la graban en video. Envían el video a su familia y llaman a su padre para pedir el rescate. Al no poder contactarlo por teléfono, Ade y James conducen la guagua de vuelta a la casa para hablar con él. Sin embargo, encuentran a los padres de Katherine muertos en su cama y dos sacerdotes en el sótano. Ade encuentra un par de cintas de video y las lleva al escondite. Cuando ven el video, ven que han atrapado y desatado a un demonio y están condenados a morir.

Realmente esperaba que House On Willow Street sería un paseo maravilloso de locura demoníaca. Pero estaba equivocado. La historia es simplemente básica y el comienzo de la película me recordó a Don't Breathe. Ambas implican personas desesperadas planeando entrar a una casa para robar o cobrar un dinero rápidamente. En Don't Breathe era todo acerca de obtener dinero en efectivo literalmente de la casa, esta película es sobre un secuestro y un rescate. La diferencia es que una es aterradora y mantiene a uno cautivado y esta no hace nada de eso.

Esperaba que Sharni Vinson fuera la estrella absoluta de esta película. Pero desafortunadamente no brilló. Literalmente se ve muy cansada (y flaca) en su actuación, que no invoca nada de miedo. En el lado positivo, la actriz que interpreta a la víctima secuestrada fue una sorpresa. Claro, ella tenía un papel más intrigante, pero aún así, ella fue la que se robo la películs. Especialmente al principio, cuando no había nada de efectos y era sólo ella.

Es difícil decir exactamente donde House On Willow Street se quedó corta. O sea, la premisa parece que podría ser bastante impresionante, pero todo se quedó corto de alguna manera. Los personajes fuertes repentinamente se volvieron monótonos y sin razón. Ademas, con todo y que dura 1hr y 26 minutos se sentió demasiado larga y las actuaciónes estaban fuera de lugar a veces. Al final, la historia y el aspecto del horror es predecible, no tiene valor chocante, no hay sorpresas y no da ningún tipo miedo.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: The Belko Experiment

En Colombia, la Corporación Belko ofrece capacitación para empleados que trabajan en el mercado global, dando la bienvenida a una mezcla de gente local y estadounidenses en su remoto edificio de oficinas. Sin embargo, hoy no es un día normal, con algunos empleados siendo rechazados y dejando sólo una pequeña porción del personal para ejecutar el trabajo. Mientras que la mañana comienza como de costumbre, la rutina pronto se ve interrumpida por puertas de acero que cierran el edificio, mientras una voz misteriosa en un intercomunicador establece un experimento donde se ordena a los empleados matarse unos a otros. Mientras que el COO Barry (Tony Goldwyn) intenta mantener el control de la situación, el pánico se produce, instando a Mike (John Gallagher Jr.) a averiguar un plan de supervivencia con su novia Leandra (Adria Arjona), mientras que la nueva empleada Dany (Melonie Diaz) se esconde en el sótano, y el pervertido de la oficina Wendell (John C. McGinley) contempla su licencia para matar.

El concepto de The Belko Experiment no parecerá demasiado original para aquellos que han visto Battle Royale (2000) o realmente cualquier película en la que la gente se ve obligada a cazar o matar gente que conocen y quieren, pero aquí es mucho más divertido. Los trabajadores de oficina de una organización con sede en Bogotá están atrapados en una torre y contados por una voz de intercomunicación misteriosa que tienen que asesinar a cierto número de sus compañeros antes de un plazo predeterminado de tiempo o el doble de ese número será asesinado vía el método alterno de la compañía.

Sorprendentemente, la película establece un muy buen equilibrio entre la acción, el horror y la comedia con un fuerte elenco de personas familiares ​​como Michael Rooker, Tony Goldwyn, Gregg Henry y John C. McGinley mezclado con actores menos conocidos para interpretar este agradable y creíble grupo de empleados de oficina que son capaces de inteligentemente sobrevivir las expectativas en una varias ocasiones.

La película es extremadamente alta en violencia, sangre y el gore es abundante y muy bien hecho. Los giros inesperados de la historia son maravillosos y abundantes. Personajes que asumí que vivirían, mueren horribles muertes. En general, The Belko Experiment es un emocionante paseo. Cuando la acción, el horror y el suspenso golpean, golpea duro. La actuación de todo el mundo es entretenida y creíble, muchas actuaciones son especialmente buenas y la iluminación y la cinematografía le añaden mucho al tono general de la película, lo cual la hace que sea mucho más eficaz. Al final, me dejó deseando ver más.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: T2 Trainspotting

Mark (Ewan McGregor) ha vivido en Amsterdam durante dos décadas después de robarle dinero a sus compañeros y ahora está listo para regresar a Edimburgh. Revisitando la ubicación de su juventud destructiva, Mark obtiene un sabor de la realidad cuando encuentra a Spud (Ewen Bremner) tratando de suicidarse, con la esperanza de poner fin a una vida cruel de abuso de drogas y irresponsabilidad familiar. En busca de un propósito, Mark decide quedarse en la ciudad y pronto se reúne con Simon (Jonny Lee Miller), que está alimentando un hábito de cocaína mientras sueña con abrir un burdel con su socia, Veronika (Anjela Nedyalkova). Reavivando su libre hermandad y financeando por medios secretos los costos de renovación de un edificio, Simon y Mark se ponen en contacto con su dinámica juvenil. Sin embargo, la alegría no dura mucho tiempo, ya que Begbie (Robert Carlyle) sale de prisión buscando venganza y centrando su rabia en los amigos que él una vez confío.

Las secuelas que se hacen mucho después de la película original siempre es un riesgo. Especialmente cuando uno piensa que no lo necesita. Pero el director Danny Boyle está de vuelta con esta secuela de una de las películas británicas más influyentes de todos los tiempos. Recuerdo haber visto Trainspotting hace varios años y estar impresionado por ella, a pesar de que nunca me enloquecieron las películas con temáticas relacionadas con las drogas. Me interesé más en el estilo de la película y los personajes bien desarrollados que tenia. También contiene una de las escenas más angustiosas que he visto en cualquier película.

21 años más tarde, vemos dónde están ahora los muchachos y la película se siente que es un seguimiento real a los acontecimientos de 1996, que es fantástico de ver. El tono es definitivamente dirigido a las personas que crecieron con la original y los cuatro interpretan grandes actuaciones. Honestamente, era como si nunca se hubieran ido. Ewan McGregor carga la película y tiene muchos momentos fuertes. Robert Carlyle sigue siendo tan gracioso como lo fue en la original. Ewen Bremner es el más que brilla para mi, ya que se le dió un gran desarrollo a su personaje y se convirtió en una parte fundamental de esta secuela y me sorprendió ver a Johnny Lee Miller dar una gran actuación.

Una cosa que realmente me gustó de la película fueron las secciones de nostalgia. El uso de eso y la memoria se hizo de una manera inteligente. Tengo sólo un punto negativo muy menor, y es que habían momentos que se sentía un poco incoherente y no se conectaba bien con la historia principal. Pero en general, Boyle ha hecho un gran trabajo por mantener esta una historia que merecía una segunda entrega. Creo que sus grandes fortalezas son lo que hicieron a la original tan exitosa. Los personajes siguen siendo tan memorables como siempre, es directo al grano y divertida cuando es necesario, las imágenes son absorbentes e impactantes, y el soundtrack es increíble.

Al final, Trainspotting 2 es una película cómica y una gran secuela, pero no esperen disfrutar de esta película tanto como la primera. Una cosa que esta película hizo mejor en mi opinión es el final. Tiene un final increíble y me encantó la toma final, es espectacular. No es una película que se quedará en la memoria como su predecesora, pero está bien hecha en todos los aspectos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Pieles

Samantha (Ana Polvorosa), Laura (Macarena Gómez), Ana (Candela Peña), Vanesa (Ana María Ayala) y Cristian (Eloi Costa) son diferentes a las demas personas. Pero, qué los diferencia entre sí y qué los une? Su deformación. Samantha tiene la sustitución del ano en su boca y su boca está donde su ano se supone que esté. Laura es una prostituta que no es sólo ciega, sino que también la piel cubre por completo el área de los ojos. Ana tiene la parte izquierda de la cara como si estuviera derretida. Vanesa es una popular mascota de televisión que quiere convertirse en madre mientras sufre de acondroplasia y Cristian quiere deshacerse de sus pies porque quiere convertirse en un sireno. Todos estos personajes y otros viven ocultos ya que rara vez salen a la calle por miedo de ser reconocidos por la gente "normal" como fenómenos y no ser víctimas del racismo y el ridículo de los demás. Sin embargo, lo que todos quieren sobre todo es amar y ser amados.

La película muestra mucho valor hacia la fealdad, pero se hace de la manera hermosa. Teniendo en ocaciones escenas explícitas y un poco desagradables, las imágenes, pintadas completamente en colores rosa y lila, deleitan, aunque el contenido de las imágenes quiera ser polémico y un humor superficial encuentra sentimientos profundos. Es una película de muchos opuestos y, sin embargo, cautiva. Es una película que puedes amar o odiar. El drama cuenta la historia de varios extraños: Samantha vive con su hermano, atormentada por una extraña patología. Laura es una prostituta sin ojos, frecuentemente visitada por Itziar (Itziar Castro), una mujer obesa a la que jamás nadie ha acariciado. Ernesto (Secun de la Rosa) está enamorado de Ana, que tiene la cara deformada y que es infiel con Guille (Jon Kortajarena), que tiene el rostro y el cuerpo quemado. Vanesa es una mujer que quiere ser madre y que es la protagonista de un programa infantil de televisión. Finalmente, Cristian no acepta sus piernas y se las quiere amputar ante el desespero de su madre y su objetivo en la vida es deshacerse de ella, para que finalmente pueda ser un sireno.

Todos ellos son deformes y tienen que luchar con eso. Caminar entre la gente significa una confrontación que prefieren evitar. Es por eso que por lo general están en sus espacios interiores, rodeados de su propia soledad. Los personajes son tan terriblemente solitarios que su soledad incluso logra llenar un completo espacio cinematográfico. La soledad, sin embargo, encuentra en la esperanza un oponente maravilloso. El director Eduardo Casanova se las arregla para sostener un espejo, aunque la gente en el espejo, obviamente, no son como nosotros. Son feos, son deformes, son enfermos mentales, y sin embargo nos encontramos en ese lado emocional del espejo. A veces no estamos seguros de nosotros mismos, a veces nos sentimos feos, y a veces sólo queremos ser amados.

Pieles es una película sobre gente desconocida, pero no para gente desconocida. Los personajes de esta película son muy especiales a su manera, pero sus sentimientos son universales. Es por eso que todos podemos sentir, entender y entrar en la piel de Samantha, Laura, Ana, Vanesa y Cristian. Al final es una exploración de la belleza interior de aquellos con desfiguraciones físicas.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Aftermath

El jefe y constructor Roman Melnyk (Arnold Schwarzenegger) se prepara para el regreso de su esposa y de su hija embarazada, que viajan desde Kiev, llegando a casa para las vacaciones. En lugar de una cálida reunión en el aeropuerto, Roman es informado de que el vuelo que esperaba se estrelló con otro avión en el aire, matando a todos a bordo. Jake Bonanos (Scoot McNairy) es el controlador de tráfico aéreo a cargo de los cielos locales, y durante un raro momento de distracción, no puedo evitar el desastre, lo que le deja una ruina de culpa. Incapaz de tratar con su esposa Christina (Maggie Grace) y su joven hijo, Jake es sometido a investigaciones prolongadas y detalladas, drenándolo de su voluntad de vivir. Para Roman, la pérdida es incapacitante y trata de dar sentido a unas muertes innecesarias con una aerolínea que se niega a disculparse por su error catastrófico. No queriendo ser comprado con el dinero del arreglo que la aerolínea le ofrece, Roman decide aprender más acerca de Jake, mientras se ocupa de su dolor a través de la ira.

Esta es la triste historia de dos hombres cuyas vidas fueron afectadas en gran medida por un terrible accidente aéreo. La película está inspirada en la verdadera historia de la colisión en el aire de Überlingen que ocurrió el 1 de julio de 2002 y no es un película fácil de ver en lo absoluto, ya que penetra directamente en un material pesado que descansa en los hombros de sus conductores, interpretados por Arnold Schwarzenegger y Scoot McNairy. Ambos hacen un trabajo fabuloso haciendo que uno se sienta invertido en lo que está pasando con sus personajes individualmente dentro de una cantidad bastante pequeña de tiempo antes de que el drama tome efecto.

La película tiene la difícil tarea de manejar ambas perspectivas desde lo ocurrido (de ahí proviene el título de la película) del desastre. Uno de los cuales fue víctima de la tragedia es Roman Melnyk, un hombre que perdió a su esposa y su hija que estaba embarazada en el accidente de avión y la otra perspectiva es la de Jake Bonanos, que accidentalmente se perdió una actualización de uno de los aviones resultando en dos aviones chocando en el aire. El accidente culminó en más de 200 muertes, incluyendo la familia de Melnyk.

La película hace un buen trabajo en nunca poner de villano a Jake, pero también sin olvidar el peso de lo que parcialmente fue responsable. Le da a uno suficientes razones para preocuparse por este hombre que cuando ocurre el evento, uno se siente tan mal como él cuando ocurre el accidente. En el lado negativo, así como Arnold se desempeña muy bien en su papel me sentí como si la película realmente perdió una oportunidad para hacerlo brillar. Contrario a la creencia popular, Schwarzenegger puede ser un actor realmente fenomenal. Así que eso me molestó un poco.

También en el lado negativo está el final. El final de la película se siente como si estuviera faltando algo. Entiendo que se basa en una historia verdadera y obtener una conclusión concreta fuera de la vida misma es difícil, pero se pasa de un tercer acto muy intenso a un breve montaje de lo que se supone que representa 10 años y luego otro drásticamente menos intenso, un mini clímax y entonces la película acaba, haciendo que el final se sienta un poco vacío. Probablemente la intención de los cineastas era terminar la película así ya que trata con un tema sumamente oscuro, pero sentí que tal vez debería haber terminado unos minutos antes o le pudieron haber añadido otro minuto más.

En general, Aftermath es una buena película. Es difícil de ver a causa de lo pesada y delicada que es la historia, pero vale la pena elogiarse por cómo se manejó el material y sus personajes.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Founder

El vendedor ambulante, Ray Kroc (Michael Keaton) está cansado de vender batidoras y quiere una nueva vida para mantener cómoda a su esposa Ethel (Laura Dern), aunque no va del todo bien. Aprendiendo de un restaurante que está logrando mantener la calidad de los alimentos y un servicio rápido, Ray conoce a Mac (John Carroll Lynch) y Dick McDonald (Nick Offerman). Los hermanos dedicados a hacer que su restaurante, McDonald's, sea un éxito, Mac y Dick dudan en traer a Ray a la familia, resistiendo el interés inmediato de Ray en la franquicia. Sin embargo, Ray no retrocede fácilmente, eventualmente adquiriendo el nombre de McDonald's, pidiendo prestado y arriesgando bastante dinero para lanzar una nueva marca y traer los arcos de oro a la nación. Mientras que la idea es un éxito, Ray se enfrenta a la realidad de estar en el negocio con Dick y Mac, elaborando así una manera de abandonar a los hermanos y alcanzar un éxito impensable con su visión de McDonald's.

The Founder es un drama biográfico basado en la vida del empresario estadounidense y fundador de McDonald's Corporation Ray Kroc. Si te gusta la marca de McDonald's o la odias, esta película ofrece una visión convincente en la forma en que nos ha cautivado a todos con su presencia en todo el mundo. En 1954, el vendedor Ray Kroc se reúne con los hermanos Dick y Mac McDonald, los dueños del restaurante de hamburguesas conocido como McDonald's. Fascinado por la capacidad de los hermanos de tener hamburguesas y papas fritas cocinadas en cuestión de segundos, Kroc sugiere la idea de hacer del restaurante una franquicia en todo el país, con la esperanza de usar esto como una manera de tomar el control de la empresa y ganar dinero para sí mismo.

Ofreciendo otro excelente desempeño, el versátil Michael Keaton, su segundo mejor papel detrás de Birdman, The Founder es una interesante mirada a cómo un hombre ayudó a convertir un pequeño restaurante de hamburguesas en un imperio global de comida rápida. Es fascinante ver cómo una idea simple (comida rápida) ha cambiado el mundo culinario para siempre. Sin embargo, uno no puede dejar de sentir pena por la desgracia que los hermanos McDonald pasaron como resultado de la franquicia de su restaurante y la explotación que recibieron.

La historia sigue los hechos ocurridos, pero son las caracterizaciones de la película lo que son su verdadero logro. El elenco es excelente, la dirección y eficiencia de la época presentada hacen esto una historia absolutamente encantadora. En general, es una película bien rodada y actuada que cuenta una historia que vale la pena contar (además de ser una de las mejores propagandas que McDonald's nunca ha pagado), ya que ofrece una fascinante visión de los comienzos de la marca McDonald's y también nos da una historia igualmente fascinante sobre una figura de la vida real.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Void

En una pequeña ciudad, el turno de noche para el policía Daniel Carter (Aaron Poole) se complica con la llegada de James (Evan Stern), un adicto a la metanfetamina que ha experimentado algo horrible, emergiendo de la oscuridad y cubierto de sangre. Tomando a James a un hospital cercano, Daniel se reúne con su ex esposa Allison (Kathleen Munroe), una enfermera, que junto con el Dr. Richard Powell (Kenneth Welsh) tratan de estabilizar al adicto mientras atienden a otros pacientes, incluyendo a una joven embarazada llamada Maggie (Grace Munro). La noche da un giro cuando una de las empleadas del hospital corta su propia cara y luego conduce un par de tijeras en los ojos de un paciente dormido. Carter la captura en el acto, abre fuego, y la mata. Cuando el caos se calma, unos hombres cubiertos en mantos blancos y con cuchillos aparecen fuera del hospital para evitar que alguien salga. Como si las cosas ya no estuvieran mal, Vincent (Daniel Fathers), un hombre que busca venganza con su mudo hijo Simon (Mik Byskov), llega al hospital para matar a James, pero como sorpresa la empleada que Carter mató resucita como una desfigurada criatura y comienza a crear el caos nuevamente. Atrapados en el hospital, en estado de shock, y desconfiados unos de otros, el grupo debe elaborar rápidamente un plan si quieren permanecer vivos después de presenciar una noche de revelaciones malignas.

Qué se obtiene cuando se cruzan los diseños de las criaturas de The Thing, la espantosa depravación de Hellraiser, un poquito del cosmos oscuro de H.P. Lovecraft, el gore visualmente estilizado de The Beyond y la atmósfera y la estética de Silent Hill? Se obtiene The Void, una de las películas mas recientes de horror más sangrientas y que revuelven el estómago. La película comienza con una configuración engañosamente simple y se vuelve progresivamente más compleja a medida que avanza. La película es en parte un homenaje a prácticamente toda la filmografía de John Carpenter. Contiene elementos de películas como The Thing, Prince Of Darkness, The Fog e incluso un poco de Assault On Precinct 13. Sé que la última no es una película de terror, pero sigue siendo un gran título de Carpenter.

Establecida en algún momento a principios de los años 80 y teniendo lugar en el transcurso de una sola noche, seguimos a un pequeño grupo de personas que están atrapadas dentro de un hospital mientras un culto extraño los espera afuera y una criatura se esconde en el interior. La historia comienza intrigante y me hizo adivinar lo que estaba pasando. El ritmo de la película me mantuvo atento, ya que siempre había algo interesante sucediendo. Los miedos y los efectos se ejecutaron muy eficazmente. Los personajes, aunque no fueron nada innovadores o incluso tan profundos, actuan decentemente en la historia. La dirección siempre es tensa, la edición supo cuánto o poco mostrar en todo momento, hay algunos giros que no vi venir y la película es en su mayoría está muy bien rodada.

Mis únicos problemas con la película son honestamente pequeños, hasta el punto de que no estoy seguro de que valgan la pena mencionarse. Aunque el final me dejó con algunas preguntas, y sólo me refiero a literalmente los últimos 20 segundos más o menos de la película, no tenía ni idea de lo que estaba pasando exactamente, excepto que estaba viendo una magnífica cinematografía. Eso era todo lo que podía asumir realmente. Hay algunas cosas que quedan sin respuesta en la historia, pero lo suficiente fue contestado. Además, en su mayor parte la película establece un trabajo de cámara muy bueno, hay algunos momentos en que las escenas estaban tan oscuras que no podía decifrar lo que estaba pasando. No fue a menudo, pero suficiente para notarse.

Al final, The Void no es el tipo de película para estar saltando del asiento del miedo. Es el tipo de película que te hace retener la respiración, te hacer subir la presión sanguínea y te hace sentir como si estuvieras en una pesadilla infernal. Se la recomiendo a cualquiera que tenga un gran amor por las películas de horror de principios de los años 80.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 11 De Abril De 2017

Lion

Hidden Figures (teniendo 2 versiones: la regular y la exclusiva de Best Buy que trae el eBook)

The Bye Bye Man

Review: Ghost In The Shell

En un futuro cercano, la Mayor Mira Killian/Motoko Kusanagi (Scarlett Johansson) es la primera de su tipo: un ser humano salvado de un accidente que es cibernéticamente creada para ser una soldado perfecta dedicada a detener a los criminales más peligrosos del mundo. Cuando el terrorismo alcanza un nuevo nivel que incluye la habilidad de hackear las mentes de la gente y controlarlas, Mayor está excepcionalmente capacitada para detenerlos. Mientras se prepara para enfrentar a un nuevo enemigo, Mayor descubre que le han mentido y que su vida no se salvada, fue robada. Ella no se detendrá ante nada para recuperar su pasado y averiguar quién le hizo esto y detenerlos antes de que lo hagan a otros.

Basada en el internacionalmente aclamado Manga japonés del mismo nombre, Ghost In The Shell es una magnífica película que vale la pena ser vista sólo por sus visuales. Yo llegué a ver la película original de anime, aunque eso fue hace mucho tiempo y realmente recuerdo muy poco de ella. La película se establece en el futuro en un momento en que los seres humanos y las máquinas se están convirtiendo lentamente en uno. Casi todo el mundo tiene implantes, pero la idea de Ghost In The Shell es que el robot básicamente tiene un cerebro humano, por lo que el robot básicamente tiene lo mejor de ambos mundos. Son poderosos en el sentido de que son robots, pero también tienen la capacidad intelectual de un ser humano.

Las actuaciones fueron bastante buenas, con un increíble desarrollo de personajes, principalmente de la actriz principal Scarlett Johansson, y un elenco bastante bien construido que incluyen a Juliette Binoche como la Dra. Ouelet, Takeshi Kitano como Arakami, Michael Pitt como Kuze y Pilou Asbæk como Batou. Las imágenes de la película son increíblemente hermosas y sorprendentes. Los paisajes de CGI pintan la imagen de un Japon en el futuro que parece asombrosamente natural. Además, los valores de producción, los escenarios y los vestuarios fueron increíblemente maravillosos.

Al final, Ghost In The Shell es básicamente una película sobre identidad, o una de descubrir la identidad. También es una película sobre la realidad y la verdad. De una manera parece que cambiando nuestros recuerdos podemos cambiar nuestra identidad, y en muchos sentidos esto es verdad. Nuestros recuerdos, y a su vez nuestra historia, definen quiénes somos. Entonces, qué sucede cuando alguien es capaz de reprogramar nuestro cerebro e implantar diferentes recuerdos en nosotros? Esto nos convierte en una persona diferente? Posiblemente. Si dudan en ver esta película, vayan a verla. Es realmente una película hermosa con paisajes increíbles, vestuarios y efectos visuales.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Get Out

Chris (Daniel Kaluuya) es un joven afroamericano que visita la apartada casa del lago de la familia de su novia blanca, Rose (Allison Williams). Al principio, Chris se sorprende del gran carácter servicial de sus suegros, Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford), y hace lo mejor para sonreír con la incomodidad causada por encontrarse con una familia blanca. Pero a medida que avanza el fin de semana, una serie de inquietantes descubrimientos lo llevan a conocer una realidad que nunca habría imaginado y se le pedirá que se adapte a la familia y a la blancura de su novia de una manera que será inimaginablemente y horriblemente terrible.

Primero que nada, Get Out toma la premisa inicial de Guess Who's Coming To Dinner (1967) y luego la une con The Stepford Wives (1972) para crear una crítica convincente y reflexiva del poder blanco. Un hombre negro se reúne con la familia de su novia blanca por primera vez y se encuentra envuelto en una situación en la sospecha de cada otra persona negra que conoce. Chris es un hombre negro, un detalle crucial para la trama de toda la película. Su novia Rose es blanca, y se van a conocer a sus ricos padres blancos en medio de la nada y para colmo no tienen idea del color de su piel. Sus padres lo tratan muy bien, pero compensan un poco para no parecer racistas. También hay una reunión social de amigos de la familia, todos blancos y de edad avanzada o adulta, los cuales todos son obviamente racistas de la manera típica. Son muy receptivos y agradables de él, y sin embargo las preguntas que hacen destacando el color de su piel lo hacen sentirse cada vez más incómodo.

Poniendo el debate racial a un lado, Get Out es, sin duda, una pieza sólida de cine. Su historia es bastante simple en su ejecución. Nos reunimos con Chris y Rose, viajan a la casa de sus padres, Chris empieza a sentirse incómodo, los invitados a la fiesta llegan y las cosas se ponen más incómodas hasta el punto en que Chris quiere irse, y luego hay un pequeño giro y unas revelaciones que conducen directamente al tercer acto de la película. En el momento en que los créditos comienzan, uno se da cuenta de lo convencional que es la historia de Get Out. Aparte del tema racial, sigue la misma linea de muchos thrillers, y no tiene demasiadas sorpresas, pero lo ejecuta todo tan bien que ni siquiera importa. Como dicen, todo está en los detalles, y el director Jordan Peele, obviamente, ha puesto mucho trabajo en esos pequeños detalles. Casi no hay un tema de relleno en esta película en lo absoluto, y cada pequeña cosa es importante de una manera u otra.

Uniendo esto, la película tiene una cinematografía muy buena que se utiliza para proveer un gran efecto. La película también es realmente muy divertida a veces. Las escenas con todos los invitados de la fiesta son, obviamente, de índole satírico, convirtiendo lo que podría ser conversación completamente normal en algo simultáneamente incómodo. La gran fuente de risas se presenta en la forma del guardia de seguridad Rod (LilRel Howery), el mejor amigo de Chris, que básicamente equivale a un alivio cómico durante la película. Sin embargo, Get Out nunca es una comedia. Sus momentos humorísticos se utilizan para aumentar la inquietud de toda la situación más que nada, ofreciendo breves respiros de la incomodidad que se presenta. Junto con eso, las actuaciones de parte de todo el elenco es espectacular.

En fin, Get Out es una película sólida en casi todos los aspectos. Está llena de diminutos detalles que mejoran la experiencia visual y crea una atmósfera incomparablemente difícil de digerir. Realmente me puso un poco ansioso en algunas ocaciones. No es una película de dar brincos cada diez minutos y no es un festival de sangre, pero es sin lugar a dudas una película de terror en el sentido más cerebral. Su aspecto y temática racial es su salvación, demostrando que un concepto genial vale la pena ser explorado.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Split

Debido a un trauma de la infancia, Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) sufre de trastorno de identidad disociativa, más comúnmente conocido como trastorno de personalidad múltiple. Dentro de él conviven 23 identidades diferentes. Entre ellas, están las personalidades de Barry, un aspirante a diseñador de moda; Dennis, un obsesivo compulsivo al que siempre han subestimado; Hedwig, un travieso niño de nueve años de edad y Patricia, una mujer de gran autoridad que actúa de forma sospechosamente amable. Para hacer frente a su esquizofrenia, Kevin recibe la ayuda de la Dra. Karen Fletcher (Betty Buckley), una psiquiatra que ha dedicado su vida a la defensa de las personas con el trastorno de personalidad múltiple. El problema surge cuando algunas de las personalidades más problemáticas dentro de Kevin hacen un plan con un propósito misterioso y fatídico. Es entonces cuando Dennis secuestra a tres chicas adolescentes. Pronto las prisioneras, lideradas por Casey (Anya Taylor-Joy), se encuentran en un refugio subterráneo y su vida depende de este peculiar captor con personalidades cambiantes.

Anunciada por muchos como el regreso del director M. Night Shyamalan, Split cuenta la historia de un hombre que tiene 23 personalidades completamente distintas, cada una con diferentes edades, géneros y características, que luchan por el control de su cuerpo. Algunas de estas personalidades conspiran para secuestrar a tres adolescentes, haciendo de la película un espeluznante thriller de secuestro psicológico y un estudio de los personajes de Kevin y sus personalidades divididas. Sin embargo, al ver la película, pronto queda claro que esta no es una historia de horror sobre los enfermos mentales que podrían estar viviendo entre nosotros, sino una ciencia ficción muy parecida a la película de Shyamalan del 2000 Unbreakable (lo cúal se conecta), haciendo que la condición del personaje de McAvoy sea tratada más como una de capacidad sobrenatural.

El principal atractivo de la película es sin duda James McAvoy. En una actuación que encabeza no sólo su carrera ya brillante, sino que también es una fantástica muestra de los talentos del hombre bajo el estrés del papel. McAvoy se las arregla para llevar toda la película sobre sus hombros, al tiempo que roba cada una de sus escenas, proporcionando una fuente interminable de personajes de gran interés y creando simpatía por el personaje. Es un rendimiento casi impecable en general. El resto de la película no alcanza exactamente las mismas alturas pero es sin embargo decente y digna de ver. Los elementos de terror son muy bien manejados, y aunque no tiene demasiados saltos de miedo, no está diseñada para asustar en su mayor parte. Sin duda tiene éxito en varias veces a medida que las tensiones se montan, los misterios se despliegan y uno se entera más de los personajes de Kevin y Casey, la más desarrollada de las secuestradas.

Hay ciertamente porciones de la película que son altamente recomendables. Sin embargo, en última instancia, demasiado de la película es poco original, haciendo que ciertas partes de Split se sientan aburridas, especialmente algunos de los puntos de trama y el diálogo. Esto no hace que sea una mala película, pero esperaba más de ella. Al final, definitivamente vale la pena ser vista. Vean la película por la gran actuación de McAvoy y intenten no esperar nada demasiado alucinante y así probablemente la disfruten.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: CHIPS

Jon Baker (Dax Shepard) y Frank "Ponch" Poncherello (Michael Peña) acaban de unirse a la California Highway Patrol (CHP) en Los Ángeles, pero por razones muy diferentes. Baker es un viejo y golpeado motociclista profesional que trata de arreglar su vida y su matrimonio. Poncherello es un agente federal encubierto que investiga un atraco de varios millones de dólares que puede ser un trabajo interno dentro de la CHP. El novato inexperto y el experto se juntan, pero chocan más que lo que se unen, así que ponen en marcha una verdadera asociación que es más fácil decirla que hacerla. Pero con las habilidades únicas de Baker y la habilidad de Ponch en la calle la unión podría funcionar... si no se vuelven locos primero.

La película se basa en la serie de TV del mismo nombre que se transmitió de 1977 a 1983, que por cierto, representa a la patrulla de carretera de California. Michael interpreta a Frank Poncherello originalmente interpretado por Erik Estrada y Dax interpreta a Jon Baker originalmente interpretado por Larry Wilcox. Dax también está a cargo del guión y dirige esta película. Personalmente, creo que si van a hacer una película de una serie de TV, debe estar bastante cerca de la esencia del material original y aquí, no lo hacen.

Dax interpreta a un motociclista que se une a CHIPS mientras que Michael es un agente encubierto del F.B.I. que lo envían para encontrar policías sucios en el departamento de CHIPS y, por supuesto, los unen. Hay mucha comedia, drama, un montón de persecuciones y muchos disparos, pero si mal no recuerdo, no creo que Erik y Larry nunca dispararon sus armas. Hay una aparición de Erik Estrada cerca del final de la película, pero Larry no hace ningún tipo de aparición.

Si les gusta el humor estúpido, CHIPS será muy agradable y probablemente sea una de esas películas que se puede ver una vez para estar entretenido. Carece de desarrollo de carácter y trama. Las secuencias de las persecuciónes son emocionantes y Dax Shepard y Michael Peña son divertidos de ver interpretando estos personajes icónicos. Al final, es una película de comedia que tiene una sensación nostálgica en términos de su argumento. Tiene una gran cantidad de risas decentes, mucha desnudez y puede haber caído en los estándares en llevar a la serie de TV a la vida.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.