Tuesday, July 31, 2018
Review: Father Of The Year
Después de graduarse de la universidad, Ben (Joey Bragg) está ansioso por comenzar el próximo capítulo de su vida, preparándose para trabajar con una compañía ambientalista élite en la ciudad de Nueva York. Pasando el verano en casa de su mejor amigo Larry (Matt Shively), Ben está reacio a entablar una amistad con su padre Wayne (David Spade), que vive en un trailer en ruinas. Cuando Wayne se da cuenta de la decepción de Ben, se dispone a reclamar su masculinidad, peleándose con el padre de Larry, Mardy (Nat Faxton), con la esperanza de darle a su hijo una demostración de fuerza que podría redimirlo. En cambio, la desordenada y destructiva pelea deja a Wayne y Ben en la cárcel, lo que requiere que el graduado de la universidad acuerde construir para una vecina, Ruth (Mary Gillis), una piscina para que no presente cargos. Atrapado en una mala situación, perdiendo su trabajo en el proceso, Ben encuentra consuelo en Meredith (Bridgit Mendler), su ex novia, mientras Wayne busca la forma de compensar a su hijo.
Father Of The Year, producida por la compañía de Adam Sandler Happy Madison y Netflix, es una película ligera, confusa, y amistosa que trata sobre la amistad y la relación de padre y hijo. Obviamente, el subtexto narrativo muestra muchos otros temas que no son particularmente compatibles, como el intento de Ben de atraer a una chica de su pasado, y el momento de incertidumbre existencial de los dos protagonistas, que se encuentran en una encrucijada entre el final de los estudios y el comienzo de un trabajo. Es una película que inicialmente puede atraer por sus chistes o momentos de verdadero humor. La película nace de una idea que es a la vez estimulante y frágil y se extiende durante 90 minutos. En pocas palabras, deja atrás las subtramas casi inexistentes y es la historia de dos padres que deciden probar su virilidad para recuperar, en cierto sentido, el afecto de sus hijos, que han perdido por diferentes razones.
Racionalmente hablando, es fácil entender cómo una trama como esta puede tener diferentes problemas para mantener una película, o incluso solo una historia, defendiendo su credibilidad. Durante el transcurso de la película hay pequeños detalles narrativos mal planteados y mal concebidos. El mejor ejemplo es Nathan, un amigo de Ben, que durante una noche en un bar, decide unirse una pandilla de motociclistas, algo que se vuelve a proponer dentro de la trama sin que haya una razón o que se apoye en un momento o en un camino cómico preciso. Y así, hay otras escenas desconectadas del resto de la narrativa, como cuando vemos a David Spade caer desnudo desde la parte trasera de una camioneta o al estar involucrado en un absurdo experimento científico. Nada de esto realmente tiene sentido, es como si alguien hubiera recogido muchas ideas, situaciones diferentes o ridículas, y las tuviera todas incluidas en una sola película, tratando de darle lógica, haciendo que solo haya una conección de eventos embarazosos y no existentes.
Desafortunadamente, la película es una perdida de tiempo, y una sin pretensiones que trata en todos los sentidos de dirigirse a un público amplio. En general, esta película original de Netflix encuentra un temperamento adecuado en las interpretaciones de David Spade y Nat Faxon, que encarnan a sus personajes tan
antagónicos y diversificados con un entusiasmo abrumador, comenzando con interpretaciones absurdas de drogas, alcohol, peleas, niños impertinentes y ancianas molestas. Al final, Father Of The Year incluye las payasadas de una comedia demente y les permite a sus actores interactuar con una trama desafortunada e irrelevante. Lamentablemente no logra nada, teniendo un resultado desfavorable.
Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.
Monday, July 30, 2018
Review: Tully
Ya siendo madre de los niños Emmy (Maddie Dixon-Poirer) y Jonah (Asher Miles Fallica), Marlo (Charlize Theron) tiene ahora 40 años y espera un nuevo bebé con su esposo Drew (Ron Livingston). Sucumbiendo a las presiones de la maternidad, y también lidiando con el posible autismo de Jonah, Marlo está perdiendo la cabeza, necesitando ayuda para sobrevivir a la semana. La ayuda llega en la figura de Tully (Mackenzie Davis), una niñera nocturna contratada por el hermano de Marlo, Craig (Mark Duplass), que ofrece alivio a la nueva mamá con cuidado infantil durante la noche, lo que le permite dormir. La influencia de Tully también se extiende a la autoayuda, convirtiéndose en amiga de Marlo, que está hambrienta de compañía y una conversación honesta, ya que perdió el contacto con Drew una vez trajeron a los niños a su relación. Tully hace maravillas con Marlo, iluminando su espíritu, con sus formas hippy que proporcionan una sensación de claridad en la vida de la madre, que está recién preparada para enfrentar una nueva multitud de problemas.
En tiempos fuera de la temporada de los Oscares, la originalidad siempre se destaca y una de las películas más originales que verán este año es Tully. Claro, está llena de escenas, momentos y mensajes reconocibles que ni siquiera una actuación extraordinaria puede ocultar. Pero lo que hace que esta película se quede en la memoria mucho tiempo después de ser vista es la forma en que se presenta y se dá la narración y la revelación climática inesperada. Aunque ha tenido unos pocos errores, esta última entrega del director Jason Reitman es una película que se promociona como una película sobre una madre que lucha por lidiar con sus hijos, y aunque definitivamente esa es la configuración, hay mucho más bajo la superficie.
Entramos en la historia a través de Marlo, que está muy estresada, embarazada, y lucha por ser una buena madre para su hija de ocho años y su hijo autista de seis años. Su inútil marido Drew espera la cena en la mesa cada noche y luego se retira a jugar videojuegos. A pesar de la promesa de que "cada vez es más fácil", la llegada de un tercer hijo no planificado se convierte en el punto para su espiral descendente hacia un mundo de caos doméstico sin sueño. Inicialmente, rechaza la oferta de su hermano adinerado de una niñera nocturna, pero en un día de múltiples desastres decide aceptar la oferta. La joven y atractiva Tully pronto entra en el mundo de Marlo cambiando todo de inmediato. Tully entrega a la bebé en las noches para alimentarla, la casa siempre está limpia, el desayuno está hecho temprano y Marlo tiene una nueva mejor amiga. La maternidad es una experiencia tranquila hasta algunas semanas más tarde cuando Tully anuncia que se va y da paso a eventos y giros inesperados que conducen a Marlo al hospital.
En cierto punto, la historia se siente familiar, tal vez un poco descabellada, especialmente si usted es madre. La idea de que se puede estar en un momento extremo de desesperación y marcar el teléfono para una solución perfecta suena deliciosamente atractivo. Algunas personas experimentarán la película puramente en un nivel literal gracias a lo que se anunció cómicamente en los trailers, especialmente las escenas del contenedor de leche materna que se derrama y el teléfono celular que cae sobre la cabeza del bebé. Otras personas detectarán las pistas, pero no se darán cuenta hasta la revelación culminante de que esta película es un estudio serio de la psicosis posnatal. Combinando un realismo mágico con el drama cómico, la película nos presenta una condición mental poco comprendida en una entretenida pieza de cine valiente y original.
Charlize Theron sin duda alguna da una actuación digna de un Oscar. Su retrato de una madre sobre y más allá del borde de la cordura se basa en la agitada rutina diaria de ser madre. La forma en que se entrega a ser esta madre y hacer que crean que ella pudo haber pasado por esto a lo largo de su vida real fue nada menos que una actuación inspiradora. Dicho esto, Mackenzie Davis ha sido conocida por su trabajo en muchas películas independientes y en Blade Runner 2049 el año pasado. Su química con Charlize es magnética y dado que sus escenas juntas ocupan más de la mitad de la película, estaba pegado a la pantalla de principio a fin.
En general, esta es una película llena de sorpresas durante su tercer acto. Ya sea por una decisión específica del personaje o un momento literal impactante, esta es una película que no se aparta de la dura realidad de la vida real y de la maternidad. Charlize Theron y Mackenzie Davis son increíbles aquí y las apariciones de Mark Duplass y Ron Livingston no perjudican en nada la película. Algunas personas puede que se desconecten completamente durante un momento específico en el acto final, pero si son capaces de sumergirse en la escena y mirar hacia atrás en toda la película, les prometo que la recompensa será satisfactoria. Al final, Tully es una excelente película e incluso informativa sobre los controvertidos temas de la maternidad y la psicosis, y inclusive puede ayudar a mejorar la comprensión de la salud mental posnatal. Tiene un par de pequeños problemas aquí y allá, pero vale la pena verla.
Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.
Sunday, July 29, 2018
Review: Wildling
Anna (Bel Powley) ha pasado su vida encerrada en un cuarto, criada por Daddy (Brad Dourif), un hombre que llena la cabeza de la niña con historias sobre un mundo que alguna vez estuvo lleno de "salvajes", alejándola de la realidad mientras construye una fantasía para ella. A medida que madura, Daddy espera detener su crecimiento, inyectándola diariamente para evitar que llegue su feminidad. Incapaz de controlar la situación, Daddy se suicida, dejando a Anna expuesta a un mundo que no comprende y que luego la pone al cuidado de la sheriff Ellen Cooper (Liv Tyler), que vive con su hermano, Ray (Collin Kelly-Sordelet). Tratando de ofrecerle a Anna una vida normal con amor, atención y una educación, Ellen lucha por convertirse en una figura materna para la niña confundida. A medida que pasan las semanas, Anna, libre de medicamentos, comienza a experimentar un despertar desde lo más profundo de su ser, lo que provoca un pánico a medida que los cambios se apoderan de su cuerpo.
No se puede negar que Wildling seguramente atraerá a los fans del horror, pero lo que hace que la película sea tan emocionante es que se centra más en temas de adultos jóvenes que una simple película de horror. La mayoría del tiempo la película se centra mucho más en las dificultades a las que Anna se enfrenta cuando intenta integrarse en una sociedad con la que no está familiarizada. Bel Powley interpreta a una joven encantadoramente tímida y con muchos miedos, mientras que Liv Tyler transmite la atención materna adecuada, sin sacrificar su propio bienestar por ayudar a la joven. El verdadero actor destacado sería Brad Dourif, y aunque sus apariciones son breves a lo largo de la película abarcan desde lo sutil a lo maniático, mientras pinta a Daddy como un personaje complejo.
Una de las fortalezas de la película es que, aunque la mayoría de los fans del género de horror son conscientes de la mitología del hombre lobo, la película evita la reproducción de elementos específicos para crear algo que se sienta familiar y a la vez impredecible. Los mitos de la luna llena y las balas de plata son arrojadas en el camino, lo que permite al director Fritz Böhm presentar una criatura que se sienta nueva pero también familiar. Al asomarse más al reino de la fantasía que al horror, la película ofrece muchos giros y vueltas para mantener a uno como espectador en alerta.
Aunque la película tiene muchos de los componentes necesarios y las características de la criatura clásica del hombre lobo, el acto final de la película es en última instancia una decepción. La mayoría de la película se basa en los elementos más humanos de la historia, con el final presentando elementos más orientados al género de acción y utilizando algunos elementos de CGI malísimos. Algunas de las secuencias más emocionantes de la película son débiles y desorientadoras, lo que dificulta captar la logística de todo lo que sucede, lo que resulta una frustración para quienes disfrutan de los elementos de horror en una película. Además, las relaciones entre muchos de los personajes se sienten forzadas y abruptas, y algunas de las relaciones más desarrolladas no se sienten totalmente ganadas.
En general, los fans de las películas de fantasía seguramente se conectarán con la mayoría de los temas de la película y los conocedores de hombres lobo apreciarán los nuevos enfoques de un género gastado. Finalmente, me sentí un poco frustrado con la película al tener un final muy apresurado y al no saber a qué público está realmente dirigida, si al de fantasía o horror. Al final, Wildling es una metamorfosis alimentada por el horror implantado en los miedos de los padres y las libertades que todos merecemos experimentar. Es una historia sobre el miedo que los padres tienen a la sexualidad de sus hijas, y en última instancia de los que son capaces para mantener a sus hijas pequeñas para siempre. Es un enfoque muy inteligente para un cuento eterno, y dejando de lado todo significado más profundo, la película funciona en su superficie como una película de monstruos con buenas actuaciones y baños de sangre extremadamente efectivos. Como nota adicional, hay una escena que hace referencia a la clásica película The Howling (1981).
Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.
Review: Mission: Impossible: Fallout
Obligado a elegir entre proteger a su compañero Luther Stickell (Ving Rhames) o proteger el mundo, Ethan Hunt (Tom Cruise) toma una decisión que lo hace perder el control de tres orbes de plutonio, lo que les permite llegar al mercado negro. Deseoso de corregir la situación, Ethan quiere llevar el plutonio a Francia, pero la CIA tiene interés en vigilarlo, poniendo en juego a August Walker (Henry Cavill), un importante ejecutor para la jefa de la CIA Erica Sloan (Angela Bassett). Uniéndose a Benji Dunn (Simon Pegg), comienza la carrera de convencer a la vendedora de armas White Widow (Vanessa Kirby) para que abandone la mercancía del plutonio. En alianza con un grupo terrorista conocido como The Apostles, White Widow requiere la entrega del anarquista preso Solomon Lane (Sean Harris) para llegar a un acuerdo, forzando a Ethan a enfrentar su sentido de deber moral mientras planea ceder el control de su archienemigo para mantener el orden mundial. Pero en su camino está Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), una agente del MI6 también intentando evitar la creación de tres dispositivos nucleares en control de un hombre que busca redefinir el orden mundial.
Mission: Imposible: Fallout es la sexta película de la franquicia de acción donde las misiones y las acrobacias aumentan continuamente para mantenerse al día con las demandas y las visiones de su protagonista, Tom Cruise. Christopher McQuarrie regresa a la silla del director, y también se encuentra en funciones de escritor, ya que componen secuencias más locas que llevan el cuerpo de Cruise al límite y algunas veces hasta el punto de lastimarse. Una cosa que hay que hablar es la trama. Es superficialmente pesada esta vez, de hecho es la más pesada de toda la serie. Además, está entrelazada y es ultracompleja para tener una duración de 2 horas y 28 minutos. Lo que hace que esto sea exitoso es que resuelve los acertijos de forma muy precisa hacia el final, a pesar de que algunas revelaciones pueden parecer predecibles. Antes de que me olvide mencionar, esta película tiene muchas conexiones profundas con Rogue Nation (la quinta película). Veanla antes de ver esta o casi no se relacionarán con los personajes. Y si tienen tiempo, vean la tercera película también.
Ahora, qué hay de los stunts? Déjenme aclarar esto... los stunts son reales! Cada vez que se ve esta franquicia está en constante evolución, así que deben tener en cuenta que el CGI es casi un elemento inexistente. Y los stunts los realiza Tom Cruise. Los atrevidos sets están bien coreografiados y actúan de una manera que parece real y genuina, lo que pone en vergüenza a la mayoría de las películas taquilleras de este año. La escena del baño los dejará en estado de shock total. La escena de París los dejará boquiabiertos debido a muchos momentos inesperados. La escena de la azotea los hará pensar cuál fue la que causó que Tom Cruise se lesionara. La escena del helicóptero en Kashmir les hará temblar el corazón porque... los stunts son todos reales.
Tom Cruise es tan confiable como siempre y a los 56 años no muestra signos de parar, incluso si le puede tomar un poco más de tiempo en recuperarse. Ya sea saltando de edificios, saltando de aviones durante una tormenta eléctrica o manejando una motora al revés en los Campos Elíseos en Paris, él es la personificación de lo cool y el catalizador de otra película de acción y suspenso llena de adrenalina que lleva los stunts cinematográficos a otro nivel. En medio de todo el caos, hay suficiente tiempo para explorar el lado humano de Ethan a medida que aprendemos lo que lo motiva a ser el héroe que es hoy en día. Ving Rhames y Simon Pegg hacen un buen acto doble y proporcionan la mayoría de las risas para inyectar, a veces literalmente, algo de alivio ligero en los momentos cruciales. Henry Cavill es increíble como un agente serio y sin remordimientos, y Rebecca Ferguson ha mejorado mucho desde su debut en Rogue Nation, y además ha perdido mucho peso para adaptarse perfectamente a su papel.
En general, es una película con un tono un poco más oscuro y más madura que las misiones anteriores (esta tiene una razonable cantidad de malas palabras y mucha más violencia). Hay alguna esperanza de que esta franquicia sobreviva en Hollywood? Muy posible. Hay alguna historia que esta franquicia pueda aferrarse para la próxima película? Es posible. Hay alguna posibilidad de que los stunts puedan ser mejores que esta película? Muy imposible. Al final, Mission: Imposible: Fallout es una película emocionante, ingeniosa e inteligente que se las arregla para subir el factor sorpresa de sus predecesoras. Algunos reconocimientos inteligentes de las pasadas entregas, junto con excelentes actuaciones la mantienen fresca e inventiva. Esto no es solo una buena película, es una obra maestra de adrenalina y acción.
Puntuación: 5 alcapurrias.
Saturday, July 28, 2018
Review: The Equalizer 2
Robert McCall (Denzel Washington) vive una vida sin pretensiones como conductor de Lyft, conduciendo pacíficamente a cualquiera a cualquier lugar al que necesiten ir, haciendo algunas conexiones amistosas en el camino con clientes habituales. También llena sus días con misiones de venganza diseñadas para ayudar a los indefensos contra el mal, manteniendo a las personas necesitadas a salvo mientras hace su trabajo, residiendo dentro de un complejo de apartamentos. Un día lo visita su amiga, Susan (Melissa Leo), una agente de la CIA que está a punto de viajar a Bélgica para examinar el extraño asesinato/suicidio de un agente, junto con su compañero Dave (Pedro Pascal). Cuando Susan es brutalmente asesinada en el extranjero, Robert se ve sacudido por la noticia, mientras todavía sigue procesando la muerte de su esposa, dejándolo con un vacío que trata de llenar al hacerse amigo de Miles (Ashton Sanders), un adolescente tentado al estilo de vida de las gangas callejeras. Mientras investiga la muerte de Susan y se reune con Dave, su antiguo compañero, la vida de Robert pronto es amenazada por misteriosos enemigos que buscan silenciar al enigmático asesino, obligándolo a volver a lo mejor que sabe hacer, matar.
Antes que nada, me encantó la primera película. Dicho esto, The Equalizer no es una película que deseaba que tuviera una secuela, aunque estaba ansioso por ver porque Denzel Washington iba a regresar y por las escenas de acción que ví en el trailer. Después de ver The Equalizer 2 puedo decir que aunque la película no es perfecta, es entretenida para los adictos del género de acción y está a la par con la primera película en términos de calidad. Denzel regresa como Robert McCall, un vigilante y ex agente de las fuerzas especiales que comienza la película en una misión en Turquía. Después de ese prólogo, la película se centra en su historia principal: la mujer con la que McCall trabajó en múltiples misiones es asesinada en Bruselas. El resto de la película trata principalmente sobre el intento de McCall de llevar a los culpables de ese crimen a la justicia. Aunque la película también tiene múltiples tramas secundarias, incluye un personaje nuevo y un joven que teóricamente podría convertirse en algo así como un estudiante de McCall en una posible tercera película.
Las escenas de acción son emocionantes e intensas. A veces, las elecciones cinematográficas y las ediciones de sonido del director Antoine Fuqua pueden parecer un poco rápidas, pero la película sin duda hace que las cosas nunca bajen de tono. La escena final está llena de acción. Es un enfrentamiento climático en medio de un huracán increíblemente fuerte, y es completamente efectivo y satisfactorio. Al igual que la primera película, la violencia excesiva sin duda hace que se gane su calificación R. Denzel Washington es grandioso como McCall, creando una mezcla única de carisma y ferocidad. Al igual que en la primera película, nos lleva a todas sus misiones desde el principio hasta el final. Dicho esto, la película tiene un gran defecto, y es que la historia es altamente predecible. Si ya han visto otras películas de acción estilo vigilante, podrán adivinar los elementos clave de la trama mucho antes de que se desarrollen, y el único intento de la película de darle un giro a la trama se puede adivinar dentro de los primeros 20 minutos. Con respecto al villano de la película, me sorprendió, pero me decepcionó al mismo tiempo. Se ve como el villano entra en la historia, y la forma en que ocurre todo me atrapó desprevenido, pero realmente creo que ese giro fue bastante débil.
En general, la película toma los mejores elementos de la primera película y va en una nueva dirección, una que hizo la experiencia visual mucho mejor. Tambien crea una razón para que McCall tenga que desenterrar su pasado, trae nuevos personajes que le agregan una profundidad muy necesaria al núcleo emocional, y las secuencias de acción no se sentían tan parecidas a las de la película original. Con 2 sólidas horas, la película pasa bastante rápido y la dirección de Antoine Fuqua es definitivamente la culpable de ese aspecto. Al final, The Equalizer 2 tiene sus problemas, pero aún así está muy bien hecha. Si disfrutaron de la primera película o si les gustó de alguna manera, tengo la sensación de que no se sentirán decepcionados con esta secuela.
Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.
Friday, July 27, 2018
Review: Hotel Transylvania 3: Summer Vacation
Mientras mantiene sus negocios en el Hotel Transylvania, el Conde Dracula (voz de Adam Sandler) es un adicto al trabajo, lo que preocupa a su hija, Mavis (voz de Selena Gómez), que quiere salir de la rutina, esperando darle a su padre alguna necesidad de relajación. Ella encuentra un crucero para todos los monstruos, con Dracula acompañado por Frank (voz de Kevin James), Griffin (voz de David Spade), Murray (voz de Keegan-Michael Key) y Wayne (voz de Steve Buscemi), embarcándose en una aventura oceánica organizada por Ericka Van Helsing (voz de Kathryn Hahn), la bisnieta de Abraham Van Helsing (voz de Jim Gaffigan), el enemigo mortal de Dracula. Sintiendo el "click" con Ericka, Dracula se enamora, pero es incapaz de expresarse, tratando de encantar a la capitana del crucero, que en realidad está preparando a Dracula para que su bisabuelo finalmente lo asesine. Cuando Dracula se pone en peligro, Mavis se pone de protectora, ya que anda insegura de Ericka, y además, el viaje de la semana lleva a la tripulación a la ciudad oculta de Atlantis.
Adam Sandler y su equipo de talentos de comedia como Andy Samberg, Kevin James, David Spade, Steve Buscemi, Keegan-Michael Key y Selena Gomez regresan. Sin embargo, esta tercera película es la más floja de las tres. La primera película trata de que Dracula tiene problemas para aceptar que su hija Mavis se enamore de un niño humano llamado Johnny. La segunda película trata sobre Dracula tratando de enseñarle a su nieto a ser un monstruo y esperando que sea más un monstruo que un humano. Ahora, la tercera película comienza con un flashback a los años 1800 donde Van Helsing intenta cazar a todos los monstruos e incluso a Dracula. Se pelean entre sí por muchos años y finalmente Van Helsing falla. En el presente, Mavis quiere planear un viaje en crucero familiar, por lo que Dracula puede enfocarse en su familia sin estar demasiado ocupado trabajando en el monstruoso hotel, y también se está volviendo un poco solitario. Durante una boda de monstruos, todos tenían a alguien, pero él estaba solo. Además, él también quiere buscar el amor otra vez. Eso es hasta que se enamora de Erika, la capitana el crucero. Poco sabe él, ella tiene una agenda para él y todos los monstruos en su barco.
La animación en la película es colorida y entretenida. Sí, todavía tiene el humor cursi, además de escuchar más blah blah blah de Dracula y ese diálogo del personaje. Los niños encontrarán divertida la película, pero los adultos pueden encontrarla aburrida. Claro, hay un par de momentos divertidos. Incluso hay algo de humor que los adultos encontrarán divertido pero los niños no, es un diálogo insinuante que puede pasar por las cabezas de los niños. La trama y la historia sobre un viaje familiar parecía ser una pérdida de tener una buena historia. Es muy divertido ver a los personajes embarcarse en unas vacaciones, pero no hay mucha historia, además Ericka tiene una agenda para tratar de eliminar a los monstruos llevándolos a Atlantis, ya que tiene una criatura marina gigante que solo ataca con cierta música. Sí, lo leyeron bien. Hay una batalla de DJ's climática de Johnny contra Abraham Van Helsing mientras tocan música tratando de hacer que la criatura baile feliz o que ataque a los monstruos.
En general, en comparación con las dos primeras películas, la película se reproduce exactamente como unas vacaciones de verano que disfrutarán mientras duren, pero que probablemente se olvide una vez haya terminado. Es posiblemente la más débil de la serie, ya que carece de la excentricidad que hizo que la primera fuera tan refrescante e incluso la que hizo que la segunda fuera bienvenida. Al final, Hotel Transylvania 3: Summer Vacation es una película que los personajes y la animación son coloridas pero carece de una mejor trama. El humor es un poco repetitivo de las otras películas, lo que puede ser molestoso para los adultos. Mantendrá a los niños bien entretenidos, siempre y cuando eso sea suficiente para complacerlos.
Puntuación: 2 alcapurrias.
Review: Tag
Desde que eran niños, Hoagie (Ed Helms), Bob (John Hamm), Chilli (Jake Johnson) y Kevin (Hannibal Buress) han jugado un elaborado juego de tag cada mes de mayo, gastando toda su energía intentando permanecer sin ser tocados y sobrevivir a la vergüenza potencial de perder. Sin embargo, Jerry (Jeremy Renner) es el campeón, evitando hábilmente ser tocado durante 30 años, convirtiéndolo en un objetivo principal para sus amigos, que disfrutan el tiempo cazándose unos a otros. Para este último juego, Hoagie está decidido a atrapar a Jerry, que pronto se casará con Susan (Leslie Bibb). Acompañados por la esposa de Hoagie, Anna (Isla Fisher) y la escritora del Wall Street Journal, Rebecca (Annabelle Wallis), la pandilla se lanza a buscar a Jerry, que es especialmente bueno ocultándose y asegurándose de conservar la delantera en todos los escenarios posibles del juego. Viendo que sus esfuerzos fracasan, los amigos deciden aumentar la intensidad de su ofensa, arriesgándose a destruir el día de la boda de Jerry para atrapar a su amigo con un nuevo tag.
Tag trata sobre la historia real de un grupo de hombres que juegan un juego que ha durado más de 20 años. No hay mucha historia desarrollada aparte de un par de eventos, la boda de Jerry y su posible jubilación solo sirven como un catalizador para lanzar el juego a toda marcha. Tag está en su mejor momento cuando los personajes se tiran los "one liners" o se juegan el todo durante el juego. Es cuando intentan traer otros elementos a la historia que la película se pone un poco lenta. La racionalización de la trama ayudó a fuera a un ritmo rápido y disfruté esa parte de Tag. Las escenas de acción son absurdas pero aumentan las probabilidades del juego. La escena en el bosque abarca esto un poco mejor, pero hay un aspecto sobresaliente para todo los personajes. El personaje de Jerry es un talento en el juego de tag y puede anticipar las estrategias y movimientos de sus amigos antes de que sucedan. Las escenas con Jerry son una sátira de las películas de Guy Ritchie de Sherlock Holmes, y aunque realmente no me gustan mucho esas películas, las escenas fueron graciosas. Tuvieron un flujo divertido y, a pesar de que el resto de los actores actuaron como tontos para vender lo increíble que es el personaje de Jerry, fueron algunas de las mejores partes de la película.
La película también reúne a una mezcla de comediantes y a algunos actores/actrices dramáticos. Ed Helms interpreta a un personaje muy Ed Helms como Hoagie. El está un poco más animado de lo habitual, pero es un veterano y se desempeña hábilmente. Lo mismo aplica para Jake Johnson como Randy "Chilly" Chillano. Me gustó su personaje aquí, ya que él tiende a ser alguien que necesita un buen material para ser efectivo, pero hizo su trabajo. Jon Hamm parece una elección extraña (considerando su edad y su formación dramática) pero también fue divertido verlo hacer algo inesperado. También tuvo sus momentos en los que era tan divertido como todos los demás. Mis 2 personajes favoritos del elenco fueron Hannibal Buress como Kevin Sable y Jeremy Renner como Jerry. Buress no se descata mucho, pero sus diálogos y su entrega fueron acertados y me hizo reír mucho. Jeremy Renner parecía que lo estaba pasando genial en esto. Por lo general es muy severo y discreto, pero fue genial como un hombre cuya habilidad trasciende este juego. También quiero felicitar a Isla Fisher y Leslie Bibb como Anna Malloy y Susan Rollins, respectivamente. Ambas eran muy divertidas por derecho propio (especialmente Isla) y sería genial verlas a ambas asumir más proyectos de comedia como este.
Tag tiene más que suficientes cosas para disfrutarse, pero sí algunos problemas que redujeron un poco la película. La mayoría de las subtramas son aburridas. Podría haberme importado menos el personaje de Rebecca, o el hecho de que ella estaba cubriendo esta historia inusual. Callahan y Chilly peleando por Cheryl (Rashida Jones) debió haber sido cortado de la película. Le dieron grandes momentos a Isla Fisher y Leslie Bibb, solo desearía que Annabelle Wallis y Rashida Jones también tuvieran un material sólido con el que trabajar. También pensé que el final se volvió un poco melodramático, definitivamente me gustó de dónde venía la película emocionalmente, pero el drama que rodeaba a Hoagie se sintió creado a último minuto. Por último, me gustó el mensaje/tema que la película está promoviendo. Ya sea que piensen que un grupo de hombres adultos jugando a tag es increíble o sorprendentemente inmaduro, el mensaje de una amistad duradera fue reconfortante. Cuando uno es joven se piensa que se va a tener el mismo grupo de amigos para siempre, esto casi nunca es el caso, pero me gustó la camaradería que este grupo tenía y puedo ver por qué alguien hizo esta historia y se inspiró en ella.
En general, obtuve grandes risas con la película y eso fue suficiente para que valiera la pena. Esta no será una comedia trascendental que veré regularmente, pero estoy feliz de haber tenido la oportunidad de verla. Al final, Tag es una película que no vende una aventura simplista, divertida y juvenil. Es una comedia ridícula y exagerada que es increíblemente entretenida y mantiene a uno atento en la película durante todo el viaje. Con un buen elenco y múltiples estilos integrados, uno encuentra algunas risas en los confines de este juego de tag. A pesar de la profundidad sorprendente de la película, las payasadas ridículas y la comedia, algunos de los personajes no ayudaron a mantener ese equilibrio. Si están buscando algo para reírse un poco y no les importa ver algo un poco inmaduro, delen una oportunidad.
Puntuación: 3 alcapurrias.
Thursday, July 26, 2018
Tuesday, July 24, 2018
Review: Mamma Mia! Here We Go Again
Un año después de la muerte de su madre, Donna (Meryl Streep), Sophie (Amanda Seyfried) está dando los toques finales al Hotel Bella Donna, rindiendo homenaje a su madre al convertir su isla paradisíaca griega en un gran negocio para una comunidad en dificultades. Preparándose para una fiesta de apertura con el manager Cienfuegos (Andy Garcia) y Sam (Pierce Brosnan), Sophie intenta convencer a su esposo Sky (Dominic Cooper) y a sus padres Harry (Colin Firth) y Bill (Stellan Skarsgard) para que se unan a ella para las festividades. En el camino, se ven los recuerdos de la primera visita de la joven Donna (Lily James) a la isla, donde decidió hacer una vida, trabajando en enredos románticos con Sam (Jeremy Irvine), Harry (Hugh Skinner) y Bill (Josh Dylan), y con el apoyo de sus amigas y Rosie (Alexa Davies) y Tanya (Jessica Keenan Wynn).
Mamma Mia! Here We Go Again es una secuela musical que presenta el pasado de la protagonista Donna, que se mantiene oculta bajo la sombra durante toda la película. La película tiene lugar cinco años después de la película original, mientras Sophie prepara una fiesta para la gran reapertura del Hotel Bella Donna en Kalokairi. A través de escenas retrospectivas, una segunda línea argumental ambientada en 1979 revela cómo la joven Donna conoció y enamoró a los jovenes Sam, Bill y Harry que se convirtieron en los padres de Sophie. La línea argumental de 1979, que fue escrita para completar los tan esperados detalles de cómo Donna se involucró con Sam, Bill y Harry, fue en su mayor parte poco inspiradora. La atracción entre la joven Donna y Bill fue creíble, y un punto brillante en la película. Sin embargo, el desarrollo de los sentimientos de Donna por Sam y Harry no fue convincente, y parece que las canciones en estas escenas fueron utilizadas para cubrir la falta de química entre los personajes.
En lo que respecta al elenco, Lily James fue encantadora y practicamente carga con el peso de toda la película. Ella cantó maravillosamente, su actuación fue excepcional y la mayoría de sus escenas fueron con una cinematografía llamativa. Cher (como Ruby Sheridan) le dió fuerza a Fernando, una de las canciones destacadas del musical, pero su actuación durante la canción Super Trouper fue mediocre. El director Ol Parker no estuvo a la impresionante altura de la dirección de Phyllida Lloyd en la primera Mamma Mia. El elenco de reparto, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgard no fueron bien retratados en algunas escenas, y a veces parecían incómodos. El uso de Lloyd de primeros planos faciales y ángulos en la primera película fue brillante en comparación.
La película es bastante buena en aspectos técnicos como canciones increíbles, fondos decentes y diseños de vestuarios alegres, pero por otro lado falla completamente en la coreografía (que es decepcionante teniendo en cuenta el género de la película), la cinematografía y la edición. Pocas canciones, efectos visuales y lugares atractivos son los únicos puntos positivos. Cinco canciones: Waterloo, I Have A Dream, The Name Of The Game, Mamma Mia, Dancing Queen y Super Trouper de la primera película se presentan en esta precuela. El guión es ingenuo, cursi e inmaduro a veces, ya que sigue una estructura indefinida que se derrumba incluso antes de que se construya. Ademas, la gran cantidad de personajes con argumentos secundarios es una de las cosas más aburridas en esta película.
En general, la primera película resultó ser un gran factor de sonrisas para muchos gracias a un gran elenco, una excelente dirección, una muy buena selección de canciones, hermosos paisajes y números musicales magníficamente producidos. Esta secuela no le llegó a la original en todos estos aspectos, logrando solo unas pocas sonrisas. Al final, Mamma Mia! Here We Go Again es más una pregunta que una respuesta a su predecesora, ya que tiene lugar para crear un cierre satisfactorio para los creadores pero no para nosotros los espectadores.
Puntuación: 2 alcapurrias.
Sunday, July 22, 2018
Estrenos En Blu-ray Para El Martes 24 De Julio Del 2018
Ready Player One (teniendo 4 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que es Lenticular package)
In The Mouth Of Madness - Collector's Edition
Wednesday, July 18, 2018
Review: Revenge
Richard (Kevin Janssens) es un adinerado empresario que se va de vacaciones durante un fin de semana a pasar unos días con su amante Jen (Matilda Lutz) y luego con sus amigos de cacería Stan (Vincent Colombe) y Dimitri (Guillaume Bouchède). Pero cuando Jen es atacada y violada por Stan, ella le exige a Richard que haga algo al respecto antes de que le revele sus sucios y pequeños secretos a su esposa, lo que finalmente amenaza su egoísta forma de vida. En lugar de hacer lo correcto, decide matar a Jen y hacer que su muerte parezca un accidente para evitar cualquier sospecha. Lo que él y sus amigos no anticipan es que Jen sobrevivió milagrosamente al atentado contra su vida, y que no está dispuesta a dejar pasar sus fechorías atroces por alto.
Las películas de venganza o explotación son comunes desde su nacimiento con I Spit On Your Grave (1978), y continuaron con películas como Savage Streets (1984) y Naked Vengeance (1985), pero esta última oferta de la prometedora directora francésa Coralie Fargeat no nos da solo el mismo concepto de violación/venganza pero logra traer un estilo que mueve la película a un ritmo perfecto y sube de nivel la brutalidad, los baños de sangre e incluso nos dá una heroína feminista para el cine moderno. La trama es la siguiente: un grupo de hombres adinerados y una mujer festejan en una villa aislada en medio del desierto. Cuando la mujer es violada por uno del grupo y quiere irse, su amante (un hombre casado) la empuja por un precipicio hacia su muerte, pero ella sobrevive y persigue a los tres hombres en una lucha brutal por venganza.
Con esa descripción de la trama dada, la película en general tiene los mismos viejos clichés, pero lo que hace que Revenge sea única es su estilo y tono que afortunadamente se hace de manera perfecta con su trabajo de cámara y cinematografía. Hay momentos de imágenes surrealistas, heridas gráficas, muertes sangrientas y sombras de The Revenant mientras la heroína se recupera y se arma para luchar como lo hizo Leonardo DiCaprio en esa película. El rango de las actuaciones es bastante bueno, claro no hay posibilidad de que haya ganadores al Oscar en el elenco, pero es la heroína y los villanos los que mueven la historia con un único propósito y justificando lo que hicieron y quién es el peor de todos.
Los únicos puntos negativos son la sobrevivencia poco realista de Jen y la gran cantidad de sangre que todos pierden durante la película, todo lo demás fue fantástico. En general, esta película es muy similar a I Spit On Your Grave, pero eso no significa que no sea una mala película. Es una película muy difícil de ver, pero también es muy difícil de ignorar. Es una buena película con un mensaje de que las mujeres son realmente personas fuertes y pueden hacer tanto daño como los hombres. Al final, Revenge es un viaje brutal de violencia, baños de sangre y supervivencia. Aunque el cliché se ha hecho una y otra vez, definitivamente deberían ver esta película para ver las creativas imágenes artísticas que la directora incorporó, ya que capturan pequeños momentos que parecen sin sentido pero que presentan un tipo de belleza morbosa.
Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.
Review: The Price Of Fame: The Ted DiBiase Story
En el mundo de la lucha libre profesional, Ted DiBiase llegó a la cima cómo uno de los villanos más populares de la industria durante la época de los años 80. Como The Million Dollar Man, DiBiase se burló de las multitudes, compró su camino hacia el campeonato y hizo clínicas de lucha libre dentro del cuadrilátero. En su vida personal, tenía una esposa y niños pequeños, pero como pasaba más de 300 días al año en la carretera, estaba rodeado de las tentaciones que atraía su fama. Este era un tema común para los luchadores profesionales de su época, ya que las drogas, el alcohol y las mujeres estaban en todas partes. DiBiase caería en las trampas del alcohol y el adulterio, solo para que su esposa juntara las piezas y se diera cuenta de que había traicionado a su propia familia. Esta es la historia de Dibiase desde su infancia, su ascenso a la fama y cuando estuvo a punto de perder a su familia, todo revelado a través de relatos de primera instancia de los eventos.
El resurgimiento de la lucha libre profesional en los años 80 dió un estatus de superestrella a los luchadores de la época. Donde los que eran los más conocidos tenían fama y fortuna. Eso cambió cuando se convirtió en el gran negocio que es hoy en día. Ya se han hecho documentales sobre luchadores profesionales como Jake "The Snake" Roberts y su declive a la adicción al alcohol y las drogas y las batallas que atravesó Mick Foley para convertirse en el infame Cactus Jack. Ahora tenemos la historia de Ted DiBiase, The Million Dollar Man. The Price Of Fame cuenta su historia, cómo su padre lo abandonó a una edad temprana y cómo fue influenciado por su padrastro Mike DiBiase, que era un luchador profesional. Esos días no eran como el estilo actual donde el dinero y las drogas fluían libremente. Ellos eran trabajadores duros y hombres íntegros y eso contagiaba al joven Ted. Soñaba con seguir los pasos de su padrastro, pero desafortunadamente, Mike murió durante una lucha en 1969 de un ataque al corazón. Aún así, Ted siguió esos pasos. Entrenó y se abrió paso en las promociones regionales de lucha libre haciendo un nombre de sí mismo en lugar de descansar en el apellido de su padrastro. Fue considerado un gran luchador técnico que no solo se veía bien, sino que hacía lucir bien a aquellos con los que luchaba. Eventualmente lo hizo notar por la WWF justo cuando las cosas despegaron. Vince McMahon tenía un personaje en mente y pensó que sería perfecto para él. Así nació The Million Dollar Man.
La fortuna de DiBiase aumentó cuando comenzó a interpretar al hombre que dijo "Todos tienen su precio". Era una estrella en la WWF, estaba ganando dinero y viajaba en primera clase, ya que la promoción quería que pareciera que el vivia como el personaje que retrataba. Pero todo le pasó factura en la realidad. DiBiase tenía esposa e hijos en casa, pero bebía y andaba con mujeres todas las noches en sus estadías durante las noches en la carretera. El acceso a las mujeres que eran fanáticas fue abundante. Realmente amaba a su esposa e hijos, pero las tentaciones a las que se enfrentaba todas las noches bastaban para aprovecharlas. Cuando la noticia de esas infidelidades llegó a su esposa, el verdadero sentido de la palabra se encontró con la realidad de lo que había estado haciendo, y en pleno apogeo de su carrera, se retiró para reconstruir la fe que su esposa tenía en él y la fe que él tenía en Dios.
La estructura de la película es una mezcla entre películas caseras, una cantidad de fragmentos de sus días en la lucha libre y cosas más personales. La mayoría del tiempo es un viaje que hace con su hijo Ted Jr., un luchador por derecho propio, para descubrir quién era su padre y por lo que pasó. Visitan la ciudad donde creció Ted Sr. y la tumba de Mike. El viaje es tanto de Ted Jr. como de Ted Sr. y es un viaje conmovedor donde se termina descubriendo cuál es realmente el precio de la fama. Ese precio es la pérdida de fe y de Dios, la pérdida de integridad y la pérdida del respeto. Ted DiBiase pasó por todo eso y salió más fuerte y más poderoso que cuando luchaba. La película también trae a aquellos que conocían a DiBiase mejor que nadie para contar historias y momentos memorables. Caras famosas como "Mean" Gene Okerlund, Jim Ross, Shawn Michaels, Jake "The Snake" Roberts, "Rowdy" Roddy Piper, George "The Animal" Steele, Mick Foley y más dan una idea de cómo eran las cosas en esa época de la lucha y su relación con DiBiase. Ademas, despues de los créditos hay una entrevista de 15 minutos entre Ted DiBiase y Shawn Michaels, reflexionando sobre sus pasados.
Si son fanáticos de la lucha libre y esperan que esto sea una colección de las mejores luchas o los mejores éxitos de Ted DiBiase, estarán decepcionados. Para eso vean los DVD's lanzados por WWE. En general, esta es una historia personal que cuenta lo que sucede detrás de las explosiones, las luces, el brillo y el glamour asociado con la lucha libre profesional. Al mismo tiempo, no es una acusación al gigante del entretenimiento de la lucha. No se echan culpas, sino que todo se coloca en las acciones de los individuos, y nos enseña todo lo que Ted DiBiase pasó y su lucha personal para salir al otro lado mejor que nunca cómo un testimonio de él cómo hombre y de su fe. Al final, The Price Of Fame es una película y una historia de redención, de cómo regresar del abismo. Este no es el típico caso como tantas historias de otros luchadores donde vemos las cicatrices de las batallas que los hicieron famosos. Esta película habla más sobre las cicatrices que están dentro de los luchadores que nos entretienen.
Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.
Monday, July 16, 2018
Sunday, July 15, 2018
Review: Skyscraper
Hace una década, Will Sawyer (Dwayne Johnson) fue víctima en una explosión de una bomba suicida como agente del FBI, lo que le dejó cicatrices en su psique y además perdió una de sus piernas. Ahora está en Hong Kong como especialista de seguridad trabajando en The Pearl, una megaestructura propiedad de Zhao (Chin Han), un multimillonario que se esfuerza por ser mundialmente famoso con el edificio más alto del mundo. Will vivirá en The Pearl con sus dos hijos y esposa, Sarah (Neve Campbell), ocupando el primer apartamento en el complejo, con el gran debut del edificio en pocos días. Mientras Will está a cargo de los detalles finales de su evaluación de seguridad, Kores Botha (Roland Møller), un mercenario, roba información valiosa de su tableta, incendiando el edificio y causando pánico en la ciudad mientras busca a Zhao para adquirir información confidencial que él oculta. Atrapado fuera del rascacielos cuando estalla en llamas, Will intenta regresar a The Pearl para salvar a su familia, manteniendo a la policía ocupada mientras buscan arrestarlo por posible terrorismo.
Es difícil encontrar películas que se sientan frescas y originales últimamente. Es aún más difícil encontrar una película de acción de gran presupuesto que no esté basada en un superhéroe que intenta salvar el mundo. De alguna manera, Dwayne Johnson tiene en sus manos una película de acción de gran presupuesto que no es una película de superhéroes, pero al mismo tiempo, tampoco se siente tan fresca y original. Si han visto Die Hard y The Towering Inferno, se encontrarán en un territorio bastante familiar con esta película. Dwayne Johnson interpreta a Will Sawyer, un supervisor de seguridad que está encargado de una torre residencial y comercial de más de 200 pisos llamada The Pearl. Después de expresar su preocupación por los fallos de seguridad en la torre, casi de inmediato es atacada por terroristas en busca del propietario del edificio. En el medio de todo, Will tiene que volver al edificio para salvar a su familia.
Aprecio la ambición de Hollywood al volver a hacer películas de thriller de acción al estilo de los años 90 en términos de ritmo. Pero aquí nunca me sentí en el borde del asiento como la película intenta o espera que esté. Todo se debe a que el primer acto es severamente apresurado y no le da tiempo a uno para preocuparse por los personajes y la trama no tiene suficiente tiempo para crear algún tipo de tensión. El mayor problema con la película es que un edificio que tiene más de 200 pisos de altura, realmente nunca se ve o se siente esa altura. Se pasa la mayor parte del tiempo en quizás 8 o 9 pisos del edificio. Esto podría haber sido un edificio súper avanzado de 80 pisos y haberse hecho de la misma manera.
Además, la trama de la película es muy débil, todos los eventos se crean irracionalmente solo para incendiar el edificio. Dudo que exista un guión porque todas las conversaciones son predecibles y aburridas, incluso en las situaciones más cruciales. La introducción de los personajes y sus historias son rápidas, y la acción comienza bastante temprano en la película y continúa hasta el final. Las actuaciones de todos los actores no fueron nada especiales. Todos sabemos que Dwayne Johnson nunca va a ganar un Oscar, que está bien, pero al ser un actor común y corriente al menos podría rodearse de buenos actores y una buena historia, lo harían lucir un poco mejor. Neve Campbell es una actriz decente, y aquí hace lo que puede con lo que tenía para trabajar.
En general, esto debería haber sido una película para la televisión y no una película para el cine. Afortunadamente, esta película dura solo 1 hora y 42 minutos, aunque parece que nunca va a terminar. Sería justo decir que la película realiza en cierta manera lo que se propone a hacer, entretener. Al final, Skyscraper es una película de desastre olvidable, con una acción ridícula y incompetente que toma elementos de muchos éxitos de acción y de desastres y los mezcla de una manera que hace que la película no sea fresca ni original. Si les gusta o son fans de The Rock y tienen que ver todas sus películas, esperen par de meses y veanla por HBO o Netflix. Ahorrense su dinero con esto.
Puntuación: 1 alcapurria.
Saturday, July 14, 2018
Review: Ayla
Elton (Nicholas Wilder) es un joven que, durante casi treinta años, ha tenido problemas para reconciliarse con la muerte de su hermana de cuatro años, Ayla. A pesar del apoyo de su amorosa novia Alex (Sarah Schoofs), su hermano James (D'Angelo Midili) y su nutriente madre Susan (Dee Wallace), Elton todavía sigue afligido. El ha estado obsesionado con la vida que podría haber tenido, y que podría haber tenido con ella, hasta el punto de cortarse a sí mismo como una forma de lidiar con su dolor psicológico. Susan se recuperó hace años de la situación, pero Elton no puede hacer eso. En un giro sobrenatural, Elton descubre un extraño ritual que puede hacer que Ayla (Tristan Risk) cobre vida a una edad adulta. Ella regresa a la vida y aunque no puede hablar, los dos hermanos forman un vínculo inquietantemente cercano. Su madre y su hermano se niegan a aceptar que esta extraña sea, de hecho, Ayla, y mientras Elton se aleja cada vez más de su familia y su novia, los acontecimientos con su hermana se vuelven cada vez más escalofriantes.
Esta es una película de terror introvertida, sin lugar a dudas. Tiene un intrigante estilo de terror corporal a lo David Cronenberg, pero es el colapso psicológico y la soledad de Elton lo que impulsa la película. Mezclar los temas de la pérdida de un ser querido, la soledad y la sexualidad en la forma en que lo hace Ayla demuestra ser un buen plato para mantener cierta tensión. Esa tensión extraña e incestuosa que se siente a lo largo de toda la película hace a uno sentirse incómodo a veces, y hace que sea difícil saber si se está sufriendo con Elton, o simplemente se piensa que es algo mental. El problema principal con la película parece ser que nunca uno se conecta realmente con Elton. Los temas en sí mismos, y la idea de mezclarlos, es interesante, pero la película en sí misma es simplemente tediosa. No sé si sea culpa del guión, o si se trata de cómo se usa la música (que es bastante genérica y se usa una y otra vez en la mayoría de las escenas) o la sensación de desconexión de los personajes, sin importar qué tan bien fueron las actuaciones. Lo que estaba viendo era intrigante en su núcleo, sin embargo, terminé sintiéndome extremadamente aburrido.
En general, es una extraña mezcla de horror genérico y horror psicológico. Desafortunadamente esta no es una película que recordaré ya que está subdesarrollada, y es algo que he visto antes en otras películas. Además, no solo trata de ser una película extraña, tiene mucho contexto y pensamiento en ella, pero la combinación de todos los elementos no se mezcló adecuadamente como para que pudiera conectarme con algo. Al final, Ayla podría ser elogiada únicamente por tener una premisa interesante. Lamentablemente es una película sumamente aburrida que pudo haber sido mucho mejor si el elemento terrorífico y sobrenatural se hubiera construido en algo que realmente indujera terror, cosa que no hace en lo absoluto.
Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.
Estrenos En Blu-ray Para El Martes 17 De Julio Del 2018
Isle Of Dogs (teniendo 2 versiones: la regular y la Collectible Gift Set exclusiva de Amazon)
Disobedience
Rampage (teniendo 3 versiones: la regular, la 3D y la SteelBook exclusiva de Best Buy)
Traffik
You Were Never Really Here
Truth Or Dare
Thursday, July 12, 2018
Review: Chappaquiddick
Es julio de 1969 y el senador Ted Kennedy (Jason Clarke), el último hijo vivo de Joe Kennedy (Bruce Dern), está decidido a convertirse en presidente algún día. Pero una noche fatídica, después de una fiesta en Chappaquiddick Island, Ted se va con Mary Jo Kopechne (Kate Mara), que trabajó en la campaña de su hermano Bobby. Su auto accidentalmente cae del puente Dike, y mata a Mary Jo. Angustiado, Ted llama a su primo Joe Gargan (Ed Helms) y al abogado Paul F. Markham (Jim Gaffigan), que corren hacia el puente pero no pueden hacer nada. Por la mañana, Ted redacta una declaración para la policía, alegando que estaba desorientado y sufriendo una conmoción cerebral. En poco tiempo, el ex Secretario de Defensa Robert McNamara (Clancy Brown) se lanza a formar un equipo de estrategas para ayudar a salvar la carrera de Ted.
Chappaquiddick es una película sobre el incidente (no accidente) que involucró la muerte de Mary Jo Kopechne cuando estaba con el senador Edward "Ted" Kennedy en el automóvil Oldsmobile de su madre que cruzó el puente en Chappaquiddick Island la noche del 18 de julio de 1969. Esta película dirigida por Jason Curran presenta lo que sucedió desde el momento en que Ted, amigos y familiares tienen una fiesta con las antiguas empleadas de Robert Kennedy y el suceso y las consecuencias de las acciones de Ted después de que él y Mary Jo tuvieron el accidente. Cuenta las acciones y las inacciones de Ted por no informar el incidente a la policía y cómo los secuaces de la familia Kennedy intentaron rectificar la situación considerando que Ted Kennedy estaba en camino de convertirse en el próximo presidente de los Estados Unidos con el éxito político que él había logrado.
Debo admitir que esperaba más una historia sin restricciones del evento, y como Joe Kennedy Sr. rectificó la situación pagando a muchas personas para encubrir a Ted, lo que incluía a las autoridades policiales a no realizarle una autopsia a Mary Jo. Además de eso, tampoco presentó otros eventos como cómo Joe Sr. pagando en 1969 a la familia Kopechne la cantidad de dinero de $130,000 (ahora equivalente a $600,000) como una forma de "acuerdo" para mantener la boca cerrada. Esto, junto con mucho más información, se puede ver y encontrar en libros y documentales realizados en los años 70, 80 y 90 sobre el incidente. Desafortunadamente, nada de esto se mostró en la película. Creo que los productores definitivamente tuvieron que jugar el "lado seguro" mientras cuentan la historia de un Kennedy, ya que el clan se ha mantenido poderoso e influyente a lo largo de los años.
Sin embargo, es una buena película, ya que muestra claramente cuán "imperfectas" eran las acciones de Ted Kennedy, especialmente durante y despues del incidente. Jason Clarke interpretó muy bien a Ted Kennedy. Además de eso, fue agradable ver que la película dio una buena caracterización de Mary Jo Kopechne a pesar del tiempo limitado de Kate Mara en la historia. En cuanto a la película manteniéndose en el "lado seguro", lo hicieron permitiendo que uno como espectador piense y decida por si mismo sobre los eventos que ocurrieron en Chappaquiddick presentando numerosas escenas como seis hombres casados y seis mujeres solteras en una fiesta, a pesar del hecho de que Robert Kennedy ya había fallecido para mostrar lo que realmente estaba sucediendo entre Ted y Mary Jo. También muestra escenas de ellos juntos, insinuando que ambos se conocen muy bien y que pueden confiar sus sentimientos. Además de eso, también mostraron cuántas veces Joe Sr. le dijo a Ted la palabra "defensa" cuando este le estaba contando el incidente a su padre a pesar de no haber mostrado nada de lo que dije previamente en la película.
En general, como espectadores, tienen que ver esto muy de cerca y pensar con claridad y, probablemente, leer libros y ver documentales sobre el tema para aprender más sobre él, ya que esta película no brindará todas las explicaciones necesarias. Sin embargo, me pareció una buena introducción para aquellas personas que quieran aprender más sobre el incidente a pesar de que esto sucedió hace 49 años y la mayoría de los personajes involucrados ya han fallecido. Al final, Chappaquiddick es una película que retrata trágicamente los defectos de Ted Kennedy, justificablemente de alguna manera, más como una víctima que por ser un gran hombre. Es una visión sólida de un incidente que nos recuerda como la tragedia de una vida humana se usa para salvar una vida o carrera política usando todo tipo de mecanismos políticos. El hecho de que el senador Kennedy haya seguido una carrera saludable, haya eludido cualquier encarcelamiento y nunca fue condenado por homicidio involuntario parece ser un extraño giro en este apasionante y perturbador drama. Pero la verdad es más extraña que la ficción y esta película es una descripción honesta de tiempos deshonestos. Es una película que definitivamente vale la pena ver.
Puntuación: 4 alcapurrias.
Monday, July 9, 2018
Review: Tau
En un futuro no muy lejano, una joven llamada Julia (Maika Monroe) se frustra como ladrona hasta que un día es secuestrada por el inescrupuloso investigador Thomas Alexander "Alex" Upton (Ed Skrein). Julia termina en una prisión de alta tecnología, donde la usan como modelo para una creación revolucionaria y tiene que soportar experimentos horripilantes, siempre vigilados por Tau (voz de Gary Oldman), una inteligencia artificial que aparece solo en la forma de un programa de computadora. Aparentemente indefensa, Julia adopta las instrucciones de su secuestrador, que usa métodos sádicos si sus víctimas no hacen lo que él pide. De hecho, Julia descubre la vulnerabilidad de Alex, pero es el propio Tau a quién poco a poco convence a unirse a su lado, planteandole varias preguntas.
Siendo otra producción original de Netflix, Tau es una pieza bastante elegante, ya que confía en su ubicación para limitar la exposición presupuestaria y aumentar la tensión claustrofóbica. Aparte de su configuración restrictiva, Tau depende de un elenco muy limitado, dominado por Maika Monroe, Ed Skrein y la voz de nada menos que Gary Oldman en un A.I. "Danger, Will Robinson"-esco de Lost in Space llamado Tau. Netflix no ha sacado una gran joya de ciencia ficción aquí, pero Tau proporciona suficiente diversión para entretener. Federico D'Alessandro hace su debut como director aquí, y trabaja en Tau haciendo referencia a clásicos como 2001: A Space Odyssey, Blade Runner o, más recientemente, Ex Machina. Tau también intenta jugar un juego de pensamiento sobre la percepción de la inteligencia artificial, lo que puede significar tanto una maldición como una bendición para nuestra sociedad. Por lo tanto, las mejores escenas de la película son cuando D'Alessandro resuelve un poco sus notables y transparentes restricciones del género, baja el suspenso y se dedica a la dinámica entre Julia y Tau. Julia actúa en la función de un maestro para Tau, pero al mismo tiempo obtiene suficiente conocimiento de Tau. Mientras tanto, Tau es una prueba de que la ciencia ficción puede convertirse en realidad, y que la inteligencia en las manos equivocadas también puede usarse para crear el miedo y el terror.
Desafortunadamente, Federico D'Alessandro apenas resuelve todo confiando demasiado en los encantos visuales, principalmente en luces de neón omnipresentes, dando un escenario similar a una cámara y no solo un personaje mecánico futurista, sino que también notablemente sintético. Algo que plantea la película es que si en algún momento los sistemas A.I. significan algo para la población, se basarían en algoritmos emocionales, es decir, que utilizarían las sensaciones humanas para tomar desiciones. Estamos hablando del complejo de dioses, de miedos primarios, de progreso (que siempre se dice cambio) y por lo tanto trae consigo riesgos. Por otro lado y al darse cuenta, Julia está convencida de que Tau puede programarse en una nueva dirección como una persona con el poder de convicción. Sería aconsejable considerar a Tau como una película de género que solo entra en contacto con un tema filosófico, unicamente para crear algún tipo de emoción.
En general, con un tiempo de duración de 1 hora y 37 minutos, la película se siente floja en algunas partes, con algunos de los momentos más tensos cortesía principalmente de Aries, el mortal robot guardián, pero largas pausas hacen que toda la trama se desenrede lentamente. Al final, Tau es un thriller de ciencia ficción visualmente exitoso y muy bien actuada por Maika Monroe en el papel principal. Es una película que le da doble sentido al tema de la inteligencia artificial, pero no lo profundiza. El director Federico D'Alessandro usa el contenido de Tau para crear una película de género que no es muy estimulante en términos de contenido y que evita por completo la conciencia de su propia capacidad filosófica.
Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.
Sunday, July 8, 2018
Review: Gotti
John Gotti (John Travolta) es un hombre que promete su vida a la familia del crimen Gambino, trabajando su camino para una posición de poder. Viviendo la alta vida como un gángster en Nueva York, John exigió respeto y miedo inspirando liderazgo mientras criaba a su propia familia con su esposa Victoria (Kelly Preston) y adorando a su hijo favorito, John Jr. (Spencer Lofranco). Supervisando una abundante actividad criminal y manteniendo el orden con una violencia despiadada, John finalmente se convierte en el jefe de la red Gambino, convirtiéndose en una leyenda de las calles. Sin embargo, el gobierno trabaja incansablemente para derribar a John, pero no pueden alcanzar su objetivo, lo que le da una reputación de ser un hombre superior a la ley. Enardecido por el poder y el dinero, John es finalmente reducido a las dimensiones legales, enfrentando una nueva vida en prisión mientras el cáncer comienza a reclamar su dignidad y John Jr., un hombre hecho, considera llegar a un acuerdo con el gobierno para salvarse a sí mismo y proteger a su familia.
Este es definitivamente uno de los mejores personajes de Travolta. Es una lástima que los pequeños problemas con Lions Gate y otros actores que se molestaron retrasaron el lanzamiento, y además, no entiendo por qué esta película tiene tanto odio por parte de los críticos. La película tiene problemas, pero la calidad no es una de ellos. Es por culpa de un chico nuevo dirigiendo esto? Es el tema? Es Travolta? El hecho es que esta historia se ha contado antes, pero no se ha dicho de una forma tan realista. Así que la recibí con agrado y disfruté mucho esta película. Muchas de mis películas favoritas fueron vindicadas años más tarde, al ser inicialmente criticadas. Y a pesar (perdonando la comparativa) de que adoro Goodfellas y Casino, muchas situaciones en ellas habían sido ficcionalizadas. Esta película ofrece un realismo absoluto, ya que es algo que sucedió, contado por alguien que lo vio suceder. Esto es tan real como podría decirse.
Hay mucho talento en esta película y algunas caras conocidas. Junto a Travolta como Gotti está Kelly Preston (la esposa de Travolta en la vida real) que interpreta a su esposa Victoria, Chris Mulkey como Frank DeCicco, Stacy Keach como Neil Dellacroce y Pruitt Taylor Vince como Angelo Ruggiero. Todos interpretan sus papeles de apoyo muy bien, sin embargo, creo que la actuación que sobresale es la de Spencer Lofranco interpretando a John Gotti Jr. Fue interesante ver la representación de La Cosa Nostra, aunque me hubiera gustado que ese aspecto se desarrollara más. La película en sí documenta los primeros comienzos de Gotti en la familia del crimen Gambino, la muerte de su hijo después de ser atropellado por un automóvil (Travolta y Preston representando su dolor en estas escenas se sintieron muy reales después de que los dos perdieron un hijo recientemente), su último encarcelamiento, muerte, y culmina con los problemas legales de John Gotti Jr.
Creo que el problema principal con esta película no fue su contenido, el problema es que para empezar, no hay casi nada nuevo que aprender sobre John Gotti. Gotti ya tenía una película de 1996, protagonizada por Armand Assante, y fue genial. Un problema adicional con esta película es el género en sí, es decir, la mafia italiana. Vivimos en una sociedad en la que los personajes masculinos dominantes no son objeto de fuertes ventas, y el momento de esta película parece un poco desalentador. No obstante, y con todos los problemas, me alegro de que esta historia haya sido contada de esta manera y el director Kevin Connolly hizo un buen trabajo. En general, realmente disfruté esta película. Tiene uno que otro defecto en el sentido de que es realmente unilateral y tiende a glorificar a John Gotti, pero creo que es parte de, ya que la película tuvo la participación personal de John Gotti Jr. Para disfrutar de esta película no puedes entrar en frio, creo que una persona que no esté familiarizada con John Gotti, la familia Gambino y las otras cinco familias en Nueva York saldría frustrada al ver esto ya que esta película no sienta las bases, presenta sus personajes de manera efectiva o explica las relaciones dentro de las cinco familias lo suficiente para contar una historia coherente. A pesar de los defectos y problemas, disfruté de ella y de la actuación de John Travolta. Al final, Gotti es una película entretenida, emocional y John Travolta actuó casi a la perfección. Su presencia, manerismos, acento y lenguaje corporal son perfectos. Lo más impresionante son las emociones detrás de sus ojos mientras muestra los diferentes lados de su Gotti. El ofrece un rendimiento excepcionalmente increíble. La película se mueve a un ritmo rápido y mantiene a uno emocionalmente involucrado de principio a fin.
Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.
Saturday, July 7, 2018
Review: Ant-Man And The Wasp
Después de hacer un viaje a Alemania para ayudar al Captain America, Scott Lang/Ant-Man (Paul Rudd) ha sido puesto bajo arresto domiciliario por romper los Acuerdos de Sokovia, y es obligado a guardar su súper traje y tratar de criar a su hija, Cassie (Abby) Ryder Fortson) desde la comodidad de su hogar en San Francisco, que comparte con Luis (Michael Peña), quien abrió una firma de seguridad personal para ex convictos. Mientras es vigilado por el agente Woo (Randall Park) de S.H.I.E.L.D., Scott recibe visiones del reino cuántico provenientes de Janet Van Dyne (Michelle Pfeiffer), que ha estado atrapada durante décadas. Llegando a Hope (Evangeline Lilly) y Hank Pym (Michael Douglas) con las noticias, Scott se ve arrastrado de vuelta a su mundo, con el padre y la hija trabajando en un túnel, ubicado dentro un edificio que se contrae y se expande con un clic de un botón, que podría llevarlos al reino cuántico y regresar con Janet. En el camino se encuentran con Ghost (Hannah John-Kamen), una oponente enmascarada que lucha y es incapaz de controlar sus moléculas gracias a un accidente, que necesita la tecnología de Pym para restaurar su inestable y deteriorado cuerpo y mente.
Marvel ha tenido un año exitoso. Entre el éxito masivo de Black Panther y Avengers: Infinity War, conseguimos una tercera película del MCU en la secuela mucho más alegre de Ant-Man. Esta vez, Wasp es la héroe. La película explora la búsqueda de Hank Pym y su hija, Hope, para encontrar a Janet Van Dyne, la Wasp original que se fue subatómica hace años y se ha perdido en el reino cuántico. La clave de su paradero está en la cabeza de Scott Lang. Sin embargo, una misteriosa mujer llamada Ghost interrumpe su misión ya que quiere usar la energía que Janet ha adquirido en el reino cuántico para traer estabilidad a su propio cuerpo.
Esta película tiene mucho más acción y tramas en movimiento. Hay dos grupos de villanos y varias líneas argumentales no tan sencillas como en la primera película. La película tiene algunos momentos divertidos, pero no creo que todos llegan a entenderse realmente. Tampoco hay mucho de Michelle Pfeiffer en la película, un verdadero desperdicio. También sentí que Ava Starr/Ghost era una villana con una caracterización mínima o ineficaz. La película ilumina la franquicia con el encanto de sus personajes, el humor y una simple trama que no se centra en una amenaza contra la humanidad. La película sigue directamente desde los acontecimientos de Captain America: Civil War y es simple y más centrada en presentar la emotividad de Hope y Hank en querer traer de vuelta a Janet. La película pasa demasiado tiempo con Hope y Hank tratando de descubrir cómo construir esta tecnología para entrar en el reino cuántico.
Paul Rudd, Evangeline Lilly y Michael Douglas están de vuelta y son geniales como siempre mientras se unen para luchar contra los villanos. Las persecuciones de autos son divertidas y espectaculares ya que la tecnología creada por Hank puede reducir los autos a un tamaño de Hot Wheels en contraste con los SUV's de los villanos. Michael Peña fue gracioso como Luis y comparte una historia divertida cuando lo está interrogando Sonny Burch (Walton Goggins), un traficante de armas. Los efectos visuales son geniales y la configuración del reino cuántico es impresionante y hermosa de ver, ya que los personajes se centran más tiempo en estar allí para buscar a Janet. La secuencia climática que persigue a Scott y Hope escapando con su tecnología mientras Ghost y Sonny los persiguen es extraordinaria.
En general, mis expectativas eran un poco bajas con esta película, algo que veo positivo. La última película de Avengers fue más oscura que cualquier película del MCU que hayamos visto y necesitábamos ver una película ligera y cómica, y eso es exactamente lo que es esto. Es una secuela digna de la primera película aunque me encontré más interesado en la trama y el humor de la primera. Diré esto, después de los eventos de Avengers: Infinity War toda la franquicia de Marvel se dirige en una dirección totalmente diferente y estoy intrigado a ver con que vendrán después. Al final, Ant-Man And The Wasp es una película realmente buena y una digna secuela. Si les encantó la primera película, definitivamente les encantará esta. No es la mejor película de Marvel, pero tiene un divertido humor loco y emocionantes secuencias de acción creativas que se llevan a cabo en lugares pequeños y grandes. Además, hay dos escenas después de los créditos y una es una pieza importante para encajar con la próxima película de los Avengers.
Puntuación: 4 alcapurrias.
Estrenos En Blu-ray Para El Martes 10 De Julio Del 2018
A Quiet Place (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)
Chappaquiddick
Thursday, July 5, 2018
Review: Escape Plan 2: Hades
Ray Breslin (Sylvester Stallone) es el jefe de Breslin Security, liderando un equipo de expertos en extracción de cárceles desde la comodidad de su sede en Atlanta. Como parte del escuadrón se encuentra Shu (Xiaoming Huang), que tiene una relación problemática con su primo, Yusheng Ma (Chen Tang), un genio tecnológico que está por lanzar un satélite especial y convertirse en un hombre muy rico. La competencia es Ruscho Corporation, y quieren las patentes. Al orquestar un secuestro en Bangkok que recolecta tanto a Shu como a Yusheng, los arrojan a las entrañas de Hades, una prisión de alta tecnología administrada por The Zookeeper (Titus Welliver), quién está a cargo de los reclusos, y los obliga a luchar entre sí. Sin esperanza de ser liberado, Shu se concentra en las enseñanzas proporcionadas por Ray, quien le dió orientación sobre los patrones de la prisión. De vuelta en la oficina, Ray se apoya en los empleados Abigail Ross (Jamie King), Hush (50 Cent) y Luke Walken (Jesse Metcalfe). En busca de ayuda adicional, trae a su amigo Trent DeRosa (Dave Bautista) para comenzar una misión de rescate y traer a Shu y a Yusheng de vuelta a casa.
Stallone está de vuelta como el experto en seguridad Ray Breslin, pero eso es lo único familiar aquí, aparte de la adición de una segunda gran estrella de acción estadounidense para fines de escenas compartidas. Schwarzenegger está fuera y Dave Bautista es la nueva cara.... apenas. En verdad, ni él ni Stallone están en la película demasiado, y el papel principal va para el actor chino Xiaoming Huang. Lo que había sido originalmente una historia de encarcelamiento ahora ha recibido una remodelación de franquicia a una de ciencia ficción. Breslin ahora administra Breslin Security, que ejecuta operaciones de seguridad de alta tecnología para varios "sitios oscuros". En su primera misión, el miembro del equipo Shu es secuestrado junto con su primo Yusheng, y es arrojado a una instalación impenetrable conocida como Hades, para que la competencia de Breslin pueda forzarles información sobre un sistema satelital especial. De modo que le corresponde a Ray y su equipo liberar a Shu, pero no hay esperanza de que escape. Eso significa que tienen que encontrar una manera de entrar a la prisión en lugar de salir.
Escape Plan no fue una película espectacular, pero al menos le dió a Stallone y Schwarzenegger la oportunidad de compartir la pantalla en algo que era al menos marginalmente dramático. No hay nada de eso aquí, lo que principalmente hace es que Stallone se quede atrás en su oficina mientras Huang trata de escapar de una extraña instalación que apenas se puede entender. Huang no controla la película y uno se encuentra realmente deseando que Stallone o Bautista usen la fuerza bruta para rescatar y sobrevivir a los muchos peligros de la prisión, lo que casi ni ocurre. Hablando de eso, la prisión en sí no tiene sentido. Es como una caja de Pandora de ciencia ficción que no encaja con esta franquicia. La inteligencia artificial, los drones y Titus Welliver como un guardia brutal conocido como The Zookeeper amenazan a Huang de forma regular. Es como si estuviera atrapado en una prisión inteligente futurista, una donde los reclusos deben pelear y matarse unos a otros sólo para ganar tiempo de relajación en una habitación conocida como el Sanctuary. Incluso hay un trío de hackers calvos y albinos conocidos como Legion, que parecen druidas enviados del siglo XXII. Además, parece que se filmó en un almacén o en un garaje y las secuencias de acción no están coreografiadas para impresionar del todo.
En general, creo que es demasiado difícil que haya una esperanza de que esta franquicia salga a flote, claramente el disminuir el papel de Stallone no fue la mejor opción y tal vez Escape Plan 3 lo pondrá nuevamente en el asiento conductor. Es una decepción tenerlo casi como un extra en una película de acción tan mediocre. Se merece algo mucho mejor que esto. Al final, Escape Plan 2: Hades podría haber sido una mejor película si hubiera sido respaldada por una compañía de producción adecuada. Simplemente se ve producida de forma barata, como si hubiera sido hecha por un grupo de estudiantes de cine. Es una gran fracaso gracias a una mala historia, un ritmo lento y la falta de desarrollo de personajes.
Puntuación: 1 alcapurria.
Wednesday, July 4, 2018
Sunday, July 1, 2018
Review: Ghost Stories
El Profesor Goodman (Andy Nyman) es un hombre escéptico que crea el programa de televisión "Psychic Cheats", donde persigue fraudes psíquicos que abusan de su poder para explotar la miseria de los demás. Es una búsqueda de la verdad de su propia niñez problemática que crea un impulso para exponer a aquellos que eligen hacer daño. Su inspiración es Charles Cameron (Leonard Byrne), que una vez fue el anfitrión de un popular programa sobre lo sobrenatural, que desapareció sin dejar rastro. Cuando Cameron contacta a Goodman de la nada con una solicitud para reunirse, el profesor no pierde la oportunidad de pasar tiempo con su héroe, solo para encontrar a un anciano alcohólico, viviendo en un sucio remolque. Cameron tiene un desafío para Goodman, dándole tres casos de misteriosos avistamientos de fantasmas, esperando que sea capaz de resolverlos. Decidido a ver lo que dejó perplejo a uno de los mejores en el negocio de desacreditar casos sobrenaturales, Goodman se encuentra con tres hombres en diferentes etapas de angustia, aprendiendo sobre sus experiencias con entidades malvadas que continúan acechando sus vidas.
Ghost Stories sigue la larga tradición de las películas de terror de las antologías británicas. Como la mayoría de ellas, la película comienza y termina con una historia envolvente. Aquí, seguimos al escéptico Profesor Goodman (Andy Nyman, que también es co-guionista y director) que está en una misión de atrapar a falsos psíquicos. De repente, Goodman es contactado por un legendario desacreditador de los años 70 llamado Charles Cameron, que desapareció de la vista pública y que algunos creen que murió. Cameron presenta a Goodman con tres casos paranormales que afirma que son genuinos y los principales sujetos de estos casos siguen vivos. Dos de los tres casos involucran a un miembro de la familia, mientras que el tercero se refiere a una figura misteriosa en un bosque. Goodman los entrevista a todos, y hay recreaciones de cada una de sus historias.
Sin estropear nada, solo diré que las recreaciones están bien hechas, son espeluznantes y están diseñadas con atención a los detalles. Las actuaciones son sólidas (aunque algunos querrán subtítulos durante la historia del vigilante nocturno Tony) con la estrella de la producción, Martin Freeman presentado en el último de los tres segmentos. Todo está decentemente montado con un presupuesto pequeño (las escenas de flashback son particularmente convincentes). Aún más refrescante es que cada aparición paranormal no va acompañada de una música ruidosa o sustos súbitos, como es el caso prácticamente de todas las películas de terror en estos días.
Visualmente, hay algunas imágenes realmente impactantes que proporcionan una gran cantidad de inquietud. La película también cuenta con algunos de los mejores y más inteligentes usos de edición de sonido y diseño. La escritura es inteligente, reflexiva y oscuramente humorística. Hay una gran cantidad de momentos verdaderamente espeluznantes en cada historia y la atmósfera desconcertante es constante con un gran toque de lo extraño y lo grotesco sin ser confuso ni aburrido. Las películas de antología pueden ser inconsistentes, teniendo historias que funcionan mejor que otras, Ghost Stories es un caso raro para una película de antología donde funcionan todas las historias. El giro de la trama es totalmente inesperado y se queda con uno incluso cuando los créditos comienzan. La dirección es muy buena y las actuaciones, como dije antes, son sólidas. No esperaba que actores conocidos por la comedia como Paul Whitehouse y Martin Freeman sobresalieran en papeles en los que se requería un enfoque más dramático, y lo hacen magníficamente.
En general, es una película de terror inquietante, espeluznante, aterradora e impredecible. Utiliza elementos de terror tanto atmosféricos como psicológicos, así como giros, e incluso algunos sustos con gran efecto. Lo único negativo es que el ritmo es un poco lento y la película dura solo 1 hora y 38 minutos, por lo que cada historia y personaje tiene un tiempo de pantalla relativamente limitado. Sin embargo, nada se siente apresurado. Al final, Ghost Stories es una película refrescante en el género de horror. Con el estilo de las películas de Hammer House, esta película toca una fibra para cualquier fan de películas de horror británicas mientras seguimos, presenciamos y vemos al Profesor Goodman investigar cada caso, viendo cada vez más la fragilidad de su incredulidad y las razones para ello, compartiendo su inquietud y haciéndonos cuestionar nuestro propio escepticismo. Esta película termina ofreciendo un toque psicodélico que o amarán u odiarán. Se los dejo a ustedes.
Puntuación: 4 alcapurrias.
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