Wednesday, November 28, 2018

Review: The Christmas Chronicles



En el hogar de la familia Pierce, la Navidad es un gran problema. Sin embargo, desde la muerte de su padre, los hermanos Kate (Darby Camp) y Teddy (Judah Lewis) están teniendo dificultades para encontrarle el significado de la temporada navideña. Cuando su madre, Claire (Kimberly Williams-Paisley), es llamada a trabajar en la víspera de Navidad, el hermano y la hermana en guerra se quedan en el hogar para evocar una noche festiva. Para Kate, el uso de la videocámara de su padre para documentar su experiencia preadolescente revela una curiosa presencia del pasado navideño que regresa a sus vidas, y descubre que Santa Claus (Kurt Russell) está en el área, distribuyendo regalos con su trineo y renos voladores. A escondidas y a bordo del trineo, Kate y Teddy pronto son descubiertos por Santa, quien pierde su paseo y su sombrero mágico en el caos. Con la ayuda de los niños, Santa navega en la noche de Chicago y en la comunidad de no creyentes para completar la distribución de los regalos, vigilando atentamente los niveles de espíritu navideño en disminución, ya que todo sale mal.

Cada 10 años más o menos aparece una película que revive el espíritu de la Navidad, y soy un verdadero creyente en el espíritu de dar sin recibir nada a cambio. Kurt Russell realmente tiene un éxito en The Christmas Chronicles. El no es Jimmy Stewart, y esto no es A Wonderful Life o A Christmas Story, pero es original. La película se ocupa de tocar temas difíciles y está llena de muchos momentos sinceros y de espíritu navideño, cosas que no he sentido en una película navideña en mucho tiempo. Ya era hora de que tuvieramos otra película digna de agregar a la época navideña.

La historia llama la atención desde el principio y hace que uno se preocupe por estos personajes, lo que, lamentablemente, ya no suele suceder en muchas películas. La premisa es bastante convencional, con algunos giros poco convencionales. La emoción solo crece con cada escena y cada actor se esfuerza para ofrecer una película verdaderamente mágica. Se compone de fantasía, acción, comedia y momentos tiernos. No siempre es exactamente lo que se esperaría de una película familiar de Navidad, y esa es una de las cosas que hace que esta historia sea única, entretenida, sorprendente, y con muchas escenas de acción divertidas. The Christmas Chronicles también es visualmente impresionante y llena de color, tal como debería ser una película de Navidad.

Kurt Russell siempre ha sido uno de mis actores favoritos y es perfecto para el papel de Santa, simplemente brilla y da vida a la historia. Nunca antes había visto un Santa un poco loco, y lo digo de la mejor manera posible. El hace que Santa sea caprichoso, cómico, y realista, pero manteniendo el hecho de que es un personaje bastante antiguo. Incluso, en algunas escenas hizo que Santa se viera como un "bad-ass". Me hizo reír en ocasiones porque también hace que Santa parezca un niño grande que nunca creció. Ahora, la historia es siempre la misma, no se tiene que entender a Santa o cómo hace su magia, solo tienes que creer y saber que te está observando.

Lo único que me decepcionó de esta película es que no fue más larga. Pero me di cuenta de que la decepción que sentía no era porque esta película "podría haber sido" más larga, sino mas bien por si habían saltado algo o dejaron algo sin mencionar. Parecía apropiado que fuera más corta. Y honestamente, como espectador de películas siempre espero que las películas sean más largas simplemente porque eso es a lo que ya estoy acostumbrado. Pero a veces molesta el ver una película que se prolonga durante casi dos horas y la historia en general no es tan complicada. Pero seamos realistas, Santa no es exactamente un concepto nuevo.

En general, hace que uno se sienta lleno de alegría y mucho espíritu navideño. Sólo el Grinch podría encontrar muchos defectos aquí. También tengo que decir (sin ningún tipo de spoilers) que estoy increíblemente complacido por la aparición que estaba esperando. No sabía si el personaje entraría en la película, pero es un regalo especial y es la manera perfecta de terminar la historia. Espero que las aventuras continúen en una secuela, ya que aún queda mucho por descubrir, pero incluso si nunca la hacen, es una historia hermosa así como está. Al final, The Christmas Chronicles es una gran película familiar con un mensaje sumamente positivo. Kurt Russell encarna la magia de la Navidad y el verlo es una alegría en todo momento. Es visualmente impresionante y el final derretirá sus corazones. Finalmente una película de Netflix que supera las expectativas.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Sunday, November 25, 2018

Review: Ralph Breaks The Internet: Wreck-It Ralph 2



Han pasado seis años de amistad para Ralph (voz de John C. Reilly) y Vanellope (voz de Sarah Silverman). Pero para Vanellope, su rutina de participar y enfrentarse en los mismos juegos está empezando a ser monótono. Cuando el guía del juego de carreras se rompe, solo se puede encontrar un reemplazo en eBay, lo que inspira a la pareja a tomar un paseo salvaje en Wifi e ingresar al Internet, con los ojos abiertos a un nuevo reino de descubrimientos y peligros. Al entrar al internet, Vanellope encuentra su felicidad en Slaughter Race, un juego de autos de mundo abierto dirigido por Shank (voz de Gal Gadot), quien da la bienvenida al entusiasmo de Vanellope y sus habilidades únicas de glitch. Ralph no aprueba el nuevo entorno de su amiga, y se dispone a ganar suficiente dinero para comprar el guía del juego de Sugar Rush, lo cual lo lleva a la tierra de BuzzTube, donde Yesss (voz de Taraji P. Henson) gobierna el sitio, alentando al gran recién llegado a hacer videos virales que podrían traducirse en grandes sumas de dinero, devolviéndole un boleto de vuelta a la sala de juegos, solo Vanellope no está tan segura de querer volver.

Las secuelas de las películas de Disney son algo que la compañía hizo por un tiempo y luego intentó olvidar que alguna vez sucedieron. Ahora tenemos una secuela de Wreck-It Ralph. Entonces, qué significa esto para Disney? Cuando la gente piensa en secuelas de Disney, solo viene a la mente las películas que salieron directo para video que se hicieron con un presupuesto más bajo para continuar expandiendo una historia más de lo que lo necesitaba. Al igual que las otras secuelas, Ralph Breaks The Internet: Wreck-It Ralph 2 continúa la historia de la primera película. La única diferencia es que, en lugar de estar en el mundo de los videojuegos, los chistes y la trama tratan sobre el internet. No se puede negar que el internet se ha convertido en una parte importante de la sociedad, cambiando la forma en que nos comunicamos. Al igual que la forma en que las películas, la televisión y los videojuegos han cambiado el entretenimiento, el internet ha agregado su propio sello con videos, memes virales y estrellas de redes sociales. Muchos de estos temas se mencionan en la película.

Teniendo lugar seis años después de los eventos de Wreck-It Ralph, Ralph y Vanellope parecen disfrutar de sus vidas en sus respectivos juegos de Fix-It Felix Jr. y Sugar Rush. Las cosas van mal cuando el juego de Sugar Rush es desconectado por un accidente el cual hace que el guía del juego se rompa en mundo real. El propietario de la tienda de juegos Litwak obtiene un modem Wifi, pero no puede encontrar una pieza de repuesto barata para el juego y cree que es hora de deshacerse de la máquina de Sugar Rush. Es por eso que Ralph y Vanellope deciden ir al internet para encontrar esa pieza de reemplazo. A diferencia de la tienda de juegos, el internet es una gran metrópolis con varios edificios que representan sitios web famosos como Amazon, Instagram, Twitter, IMDB y muchos más. Ralph y Venallope rapidamente se encuentran en eBay, donde apuestan y ganan la pieza necesaria del juego de Sugar Rush, pero ahora necesitan obtener dinero para pagarla. Un bot de spam los lleva a un juego en línea llamado Slaughter Race, donde se encuentran con un grupo de corredores callejeros liderados por Shank. Mientras está allí, Ralph termina convirtiéndose en una tendencia viral donde Yesss lo alienta a continuar, mientras Vanellope se pregunta si quiere volver a casa. Ah, y también se encuentran con las princesas de Disney.

Cuando se trae el internet como escenario, Ralph Breaks The Internet da muchas oportunidades para hacer bromas. No solo se burlan de las distintas compañías en línea, sino que incluso hacen cosas que no esperaba que Disney hiciera. Los anuncios pop-ups, los spams, los juegos violentos, los videos estúpidos e incluso la deep web tienen su oportunidad y cada uno recibe una broma inteligente. La película no es solo bromas de internet. De hecho, se basa en el tema del existencialismo de la película anterior al hacer que los héroes cuestionen sus roles no solo en sus juegos, sino también como personajes de videojuegos. La película anterior fue sobre Ralph, ahora gran parte de la emoción va a Vanellope, quien ve que la vida no tiene que ser una repetición constante de carreras con temática de dulces. Cuestiona su lugar en el mundo e incluso su amistad con Ralph. Por supuesto, Ralph también tiene sus propias preguntas, como qué sucede cuando un amigo quiere irse y lo que sucede cuando se puede ser demasiado apegado a alguien.

Todo esto se suma al gran clímax de la película (al que no voy a entrar en detalle), se sabe el porque del título de "Breaks The Internet", y es una pieza impresionante que lleva a uno a una realización emocional. Si tuviera algo que criticar, serían dos cosas. Primero, los chistes de internet. Aunque son graciosos, me hacen preguntarme cómo aguantará eso de aquí a diez años. Y segundo, es una pena que los personajes de Fix-It Felix y Sergeant Calhoun no desempeñen papeles más importantes. Por qué no pudieron haber ido con Ralph y Vanellope y experimentar sus propias alegrías del internet? Pero ni modo, al menos están en la película.

En general, es difícil comparar esta con la original, ya que se son historias, agendas y temas diferentes. Ayudará si ven Wreck-It Ralph primero, pero no es completamente necesario. Creo que la mayoría de las personas encontrarán muchas cosas para reírse, incluso si no son expertos en tecnología. Al final, Ralph Breaks The Internet: Wreck-It Ralph 2 es una buena secuela y película pero es un poco defectuosa en comparación con su predecesora en términos de contenido. Ralph aún tiene sus inseguridades y Vanellope aún conserva su personalidad ansiosa y traviesa, pero todo se trata de cómo estos dos manejan las altas y bajas de su amistad en un nuevo entorno mientras descubren que la amistad no se trata de estar juntos para siempre, sino que se trata de fortalecer ese vínculo sin importar dónde se encuentren.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Wednesday, November 21, 2018

Review: Outlaw King



El año es 1304, y William Wallace ha desaparecido, dejando atrás una Escocia derrotada recién recolectada por Edward I de Inglaterra (Stephen Dillane), quien busca llevar a los líderes de las tierras a sus rodillas. Robert The Bruce (Chris Pine) es parte de esos líderes, confiando en la guía de su preocupado padre (James Cosmo) mientras es testigo de la crueldad de la autoridad inglesa. Tomando a una esposa en Elizabeth (Florence Pugh), quien se convierte en madre de su hija Marjorie (Josie O’Brien), Robert se ve obligado a complacerse. Sin embargo, cuando William Wallace regresa en pedazos, Robert entiende lo que le espera al futuro de Escocia. Intentando en secreto convencer a los clanes para que se unan y luchen contra Edward I, Robert se encuentra convertido en el rey de los escoceses, liderando la carga contra los rivales ingleses y los locales, mientras que el príncipe Edward (Billy Howle) tiene la tarea de detener el levantamiento, separando a Bruce de Elizabeth, lo que solo inspira una pelea hasta la muerte.

Outlaw King es una semi secuela de la película clásica de Mel Gibson, Braveheart, realizada 23 años después por Netflix. El drama histórico del director David MacKenzie tiene mucha acción y muchas escenas de batalla en las que muchos son masacrados o eviscerados con lujo de detalle y efectos sangrientos. Con tanta precisión y consideración dada al drama personal de esta biografía, la película es una experiencia memorable. Es épica en sus valores de producción y espléndidamente fotografiada. Técnicamente está muy bien hecha pero le falta un poco más de profundidad en la historia. La película sigue la vida de Robert The Bruce, un rey escocés que luchó contra los ingleses para obtener su legítima propiedad.

El director presenta esta historia legendaria con bastante eficacia. Pero parece más interesado en la rebelión que en capturar las trampas del siglo XIV, sacrificando el drama humano detrás de una guerra. Muestra escenas de acción con mucha fuerza, pero pierde la batalla con su guión. A veces, el ritmo de la película se apresura con una narrativa que no está completamente desarrollada. Esto podría ser porque el guión tiene cinco escritores, lo que explica la confusión literaria.

Chris Pine protagoniza el papel principal muy bien. Aunque su acento escocés es inconsistente, el actor utiliza su buena apariencia para ser convincente. Un fuerte apoyo proviene de los actores Stephen Dillane, Tony Curran y Aaron Taylor-Johnson. Como el villano de la pieza, Billy Howle tiene sus momentos. La interpretación de su personaje es obvia para cualquier espectador. El actor pudo y debería haber sido frenado por el director, ya que deliberadamente da una actuación exagerada en muchas escenas. Sin duda alguna, la mejor actuación proviene de Florence Pugh como la esposa de Robert, Elizabeth. Con toda la testosterona que la rodea, ella simplemente se roba la película y ofrece un retrato inquietante de una mujer cuya lealtad se pone a prueba. Ella se convierte en el núcleo emocional necesario para la película. Tanto Florence Pugh como Chris Pine tienen una buena relación a lo largo de la película y uno desea que se haya puesto más énfasis y tiempo en su historia de amor.

En general, esta es una película muy bien hecha sobre un poco de historia intensa e interesante durante y después de la vida de William Wallace. Especialmente recomendada para aquellos interesados ​​en la historia escocesa/inglesa o europea. Al final, Outlaw King es una película visualmente impresionante. Los actores son fantásticos y la cinematografía y los diseños de vestuario son absolutamente perfectos. Las escenas de acción son brillantes, y se puede decir que la mayor parte de ellas fueron inspiradas por Braveheart, desde la sangre, hasta el realismo. Probablemente decepcionará a aquellos que desean ver una nueva Braveheart, pero los aficionados a la historia, o los fanáticos de las películas la adorarán por lo que es, una buena obra de entretenimiento y efectos visuales. Netflix hizo un muy buen trabajo en esta ocasión.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Monday, November 19, 2018

Review: The Girl In The Spider's Web



Lisbeth Salander (Claire Foy) está forjando una reputación como una maestra hacker y defensora de los inocentes, ya que responde a las llamadas de ayuda de quienes no pueden defenderse. Frans Balder (Stephen Merchant) es un ex empleado de la NSA que creó Firewall, un programa informático que controla los arsenales nucleares del mundo y que ofrece a los usuarios acceso remoto para lanzar un ataque en cualquier momento. Ahora lo quiere de vuelta, buscando seguridad con su hijo autista August (Christopher Convery), mientras que Lisbeth se propone robar Firewall del gobierno estadounidense. Testigo del robo está el experto en seguridad de la NSA Ed Needham (Lakeith Stanfield), que viaja a Suecia para recuperar el programa de Lisbeth. Para mala suerte de Ed, The Spider, un sindicato criminal que trabaja para un jefe misterioso, se le adelanta y pone a Lisbeth a la defensiva mientras busca ayuda del periodista Mikael Blomqvist (Sverrir Gudnason), su viejo amigo.

The Girl In The Spider's Web es la siguiente entrada en la serie de libros Millenium que sigue después de la película de David Fincher The Girl With The Dragon Tattoo con un elenco completamente nuevo y un nuevo director. La dirección de Fede Álvarez es una pieza visualmente entretenida, la actuación de Claire Foy como Lisbeth Salander fue genial, y la trama se sintió un poco diferente. La trama sigue a Lisbeth donde se le asigna robar un programa de un programador de la NSA, Ed. Cuando es robada del programa por un grupo llamado The Spiders, pide la ayuda de Mikael para investigar quién es este grupo y cómo están conectados a Lisbeth.

Esta historia, sin embargo, no es del autor/creador sueco Stieg Larsson, sino de David Lagercrantz, un escritor y periodista sueco que fue contratado para continuar la saga que dejó Larsson, quien tenía planes de lanzar diez libros. La diferencia está en la narrativa, y está muy clara en su enfoque en comparación con la película anterior de 2011, The Girl With The Dragon Tattoo. Esta es una historia de suspenso y misterio que desarrolla gradualmente la curiosidad de uno como espectador hasta el final. Hay una historia clásica de tener en cuenta el pasado y el drama familiar, asociando y involucrando también la política, la corrupción, los mercenarios y una organización criminal. Todo con una postura como si Lisbeth Salander fuera una versión oscura y femenina de James Bond o Jason Bourne. Y esto no necesariamente debe verse de un aspecto 100% positivo o 100% negativo.

Quizás la debilidad mas grande con esta película es la presencia algo borrada del periodista Mikael Blomqvist. El Blomqvist de Sverrir Gudnason no tiene la misma fuerza que la de Daniel Craig en la película anterior. Y tampoco el mismo protagonismo. En esta película, Blomqvist está en crisis, pero es solo un movimiento más en el juego de ajedrez personal de Lisbeth, que ella usa cuando es necesario. Y está claro que los dos comparten un pasado de cuestiones sin resolver. Claire Foy ofrece una interpretación más convincente del personaje, ya que transmite las debilidades/vulnerabilidades de Lisbeth, lo que la hace sentir más como un personaje real. Algunos de los méritos de la película también corresponden al director Fede Alvarez, ya que supo capturar muy bien el estilo de la saga con tonos nórdicos y oscuros, y caras sin ningún sentimiento. La villana Camilla, interpretada por Sylvia Hoeks, es una gran exponente de esto.

En general, esta película no es mejor que The Girl With The Dragon Tattoo, pero me gustaría ver a Claire Foy interpretando nuevamente al personaje de Lisbeth. Ella se merece a esta gran actriz. Al final, The Girl In The Spider's Web es un buen thriller, algo predecible, pero bueno. Me encantó The Girl With The Dragon Tattoo, y sí, esta película no está al nivel de esa, pero tampoco está tratando de serlo. Véanla y disfrútenla por lo que es. Un buen thriller de acción, con un reparto fantástico, imágenes impresionantes y un ritmo rápido que nunca cesa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Sunday, November 18, 2018

Review: Fantastic Beasts: The Crimes Of Grindelwald



Gellert Grindelwald (Johnny Depp), un poderoso mago oscuro, escapa de prisión y viaja a París para reunir seguidores mientras finaliza sus planes para el futuro del Mundo Mágico. El Ministerio de Magia intenta detenerlo, mientras que Albus Dumbledore (Jude Law) busca a Newt (Eddie Redmayne) para obtener ayuda, sabiendo que el mago dotado es capaz de mucho más de lo que deja ver. Rompiendo la ley mundial mágica al viajar a Francia, Newt espera encontrar a Tina (Katherine Waterston), una maga estadounidense, y también reunirse con Jacob (Dan Fogler), un No-Maj que está tratando de darle sentido a su relación con Queenie (Alison Sudol). Al Grindelwald aumentar su poder e influencia, un misterio permanece con Credence (Ezra Miller), un joven que está desesperado para entender su verdadera identidad, y que también es blanco de captura por el Ministerio de Magia, representado por el hermano de Newt, Theseus (Callum Turner), y Leta Lestrange (Zoe Kravitz), que conserva fuertes sentimientos por Newt, su antiguo compañero de clase de Hogwarts.

Siendo un fan de la franquicia de películas de Harry Potter, he estado esperando esta expansión de este mundo mágico que ha sido creado por J.K. Rowling. Disfruté de la primera película, Fantastic Beasts And Where To Find Them, pero estaba buscando un poco más de material porque la historia se sintió un poco demasiado ligera. Lamentablemente, tengo que decir que Fantastic Beasts: The Crimes Of Grindelwald hace exactamente lo contrario a eso, ya que añade historias que definitivamente confundirán a muchos espectadores promedio. Comprendí la mayoría de las referencias a lo largo de la película, pero creo que este es un ejemplo de una escritora extremadamente talentosa que está tratando de expandir su mundo al mismo tiempo que trata de mantener sus raíces, lo que puede perjudicar a esta nueva franquicia en general.

Grindelwald está buscando seguidores, un joven Dumbledore confía en Newt Scamander, Credence busca su lugar en este mundo, Jacob lucha por encajar, e innumerables historias adicionales se unen para formar el argumento de esta película. La película salta constantemente de un lugar a otro, centrándose en cada uno de estos personajes, lo que realmente no funcionó como un largometraje. Esta película intenta ser una fiel secuela de Fantastic Beasts And Where To Find Them, mientras que también intenta introducir nuevos elementos, pero también se ve envuelta la franquicia de Harry Potter. Es casi como si J.K. Rowling estaba preocupada por no complacer a los fanáticos, así que siguió regresando a su guión original y agregando más elementos para futuras entregas. Esto me lleva a mi mayor queja.

Rowling sabe claramente a dónde quiere que vaya esta historia, pero el hecho de que esta película sea una serie de cabos sueltos que todavía quedan sin respuesta cuando los créditos comenzaron a rodar fue bastante frustrante. Las peores películas en una serie son las que solo se sienten como una configuración para futuras entregas y eso es, honestamente, todo lo que sentí que fue esta película. Llegamos a saber un poco más sobre cada uno de los personajes importantes y luego la película terminó. Las revelaciones concluyen esta película y dejan a uno con ganas de saber más de ciertos arcos de historias, y aunque veré la próxima entrega, basada únicamente en mi curiosidad, esta película en particular no funcionó muy bien para mí. La historia yendo en tantas direcciones la convirtió en una experiencia bastante aburrida.

Eddie Redmayne, Dan Fogler, Katherine Waterston, Alison Sudol y Ezra Miller regresan y actuan muy bien en sus respectivos roles, pero realmente fueron las incorporaciones de Jude Law y Johnny Depp las que se destacaron. Aunque Johnny Depp no ​​es tan venerado como solía ser por los fanáticos, pensé que su actuación fue muy agradable. También disfruté mucho la interpretación de Jude Law como Albus Dumbledore, pero tristemente se le dió poco tiempo en pantalla. Por lo mucho que esta película dió a entender que se relaciona con su historia de fondo, pensé que su presencia sería mucho más grande. Esta película se anuncia a sí misma como una entrega de la franquicia de Harry Potter/Fantastic Beasts y la mayoría se lleva a cabo en Hogwarts, pero ese no es el caso. Solo cuando la historia lo exigía se mostraba, lo que fue una decepción para mí.

En general, las ambiciones de J.K. Rowling aún saltan de la pantalla y deslumbrarán a muchas audiencias en todo el mundo, y el futuro prometedor de esta franquicia se sentirá definitivamente en los últimos momentos de esta película. Dicho esto, hay demasiadas tramas para disfrutar plenamente de esta experiencia y demasiados personajes nuevos que quitan la historia que se creó en la primera película. Como una película independiente, no funciona en lo absoluto, pero es un buen vistazo si su conocimiento de cada película anterior es lo primero en su mente a lo largo de toda su experiencia visual. Al final, Fantastic Beasts: The Crimes Of Grindelwald es una película que promete mucho para el futuro, pero no funciona como una película. Cinematográficamente está bien hecha con imágenes impresionantes, escenas de acción leves, y tiene buenas actuaciones por parte de su elenco, pero carece de una buena historia y de trama.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Saturday, November 17, 2018

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 20 De Noviembre Del 2018



KIN (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Crazy Rich Asians

Candyman - Collector's Edition

Wednesday, November 14, 2018

Monday, November 12, 2018

Review: Death House



Novak (Cody Longo) y Boon (Cortney Palm) son dos agentes federales con fantasmas del pasado, que han sido seleccionados para formar parte de Death House. Una prisión secreta que utiliza medios radicales para localizar y erradicar el mal, y es el hogar de una colección de los asesinos más peligrosos de los Estados Unidos, con la bestia neonazi Sieg (Kane Hodder) como una de las recientes adiciones a la alineación de convictos, arrestado por Boon después de un largo período encubierta. Usando una mezcla de gases de control mental y entornos virtuales, Death House mantiene el orden con un liderazgo que incluye a la Dra. Fletcher (Dee Wallace) y la Dra. Redmane (Barbara Crampton). Cuando uno de los secuases de Seig detona un dispositivo EMP en el interior de la instalación, el sistema se apaga, lo que permite que los prisioneros se vuelvan locos, asesinando a todos los que encuentren. En pánico, Novak y Boon intentan encontrar una salida de Death House, con la esperanza de evitar a los delincuentes más poderosos en la instalación: The Five Evils.

Death House se supone que sea un evento para los fans del horror. Y tal vez lo será para aquellos que exigen muy poco de una narración, siempre y cuando los aspectos más destacados incluyan gore, desnudos y leyendas del género. Con esas demandas limitadas en mente, sí, la película entrega, con el escritor/director Harrison Smith a cargo de una batalla real de leyendas del cine de horror, enfrentando a caras famosas entre sí para deleitar a los fieles. La realidad de la película es que tiene un gran problema, ya que es incapaz (debido a limitaciones presupuestarias) de hacer algo apropiadamente grandioso con su premisa. El director Harrison Smith presenta algo ligeramente ambicioso, tratando de llevar la sensibilidad de John Carpenter a lo que eventualmente se convierte en una película de prisión, lo que puede decepcionar a aquellos que esperan baños de sangre, ya que lo que entrega es una gran cantidad de monólogos de pseudociencia.

El truco de la película es unir las estrellas más reconocidas del género de horror, difundiendo sus encantos en varios roles. Actores como Kane Hodder, Dee Wallace, Barbara Crampton, Debbie Rochon, Sid Haig, Adrienne Barbeau, Lindsay Hartley, Michael Berryman, Tony Todd, Vernon Wells, Bill Moseley, Felissa Rose, Tiffany Shepis, Camille Keaton, Tony Moran, Lloyd Kaufman, Brinke Stevens y Elissa Dowling se unen al reparto, ofreciendo actuaciones increíblemente violentas, y haciendo principalmente lo que se les pide que hagan. Ver su talento y sus dones es entretenido, y las co-estrellas como Crampton y Wallace son genuinamente buenas, brindando un poco de diálogo, especialmente cuando la mayoría del guión está en un modo más de exposición.

La trama tenía potencial, ya que Death House es una prisión dedicada a reprogramar monstruos, utilizando tecnología virtual y el control del comportamiento para mantener la instalación cerrada. La mayor parte de Death House está dedicada a una gira, que es una experiencia tanto física como virtual, que permite que los agentes Novak y Boon se mezclen con los asesinos, algunos con los que comparten experiencias pasadas. El personal de Death House no está trabajando exactamente en beneficio de la sociedad, ya que trafican abiertamente con humanos para la experimentación, y trabajan para replicar la tentación como una forma de agresión. El director tiene y presenta la idea, pero se pierde demasiado involucrandose en tecnología y personajes secundarios, con diez minutos completos de la película desperdiciados en una visita a los Three Satans, algo que no agrega nada a la experiencia visual.

En general, se filmó para adaptarse al rodaje de su gran elenco con un guión casi incoherente. Las historias de trasfondo de cómo los prisioneros ingresaron a la penitenciaría se cuentan a través de pantallas verdes de realidad virtual que presentan fallas y que intentan disculpar numerosos cameos que no tienen ningún propósito en la historia posterior. Todos los fanáticos del género de terror han oído hablar de Death House como The Expendables Of Horror, pero honestamente es una mala película con un simple guión que se divirtió mucho con todo su elenco de estrellas. Al final, Death House es simplemente un desastre. Hay buenas actuaciones de algunos de los iconos del terror, mientras otras actuaciones no tienen ningún propósito para el progreso de una historia que se mantiene unida a la ligera gracias a un guión vago. La única razón para ver esto sería unicamente por todo su elenco estelar. Fuera de eso, no pierdan su tiempo.

Puntuación: 1 alcapurria.

Sunday, November 11, 2018

Review: The Grinch



Los residentes de Whoville se están preparando para su celebración anual de Navidad, con un buen vecino como Bricklebaum (voz de Keenan Thompson) que promete la celebración será la más grande en la historia de la ciudad. Dentro de una guarida en una montaña cercana se encuentra el Grinch (voz de Benedict Cumberbatch), que odia todo lo relacionado con la Navidad, viviendo una vida enojado con su perro leal, Max. Incapaz de evitar las enormes decoraciones y el espíritu festivo de Whoville, el Grinch decide hacer un desastre de cosas este año, preparándose, con la ayuda del venado Fred, para asumir la identidad de Santa y robar todo de la ciudad, borrando la alegría de la temporada. Sin embargo, la joven Cindy Lou Who (voz de Cameron Seely) necesita la magia de Santa, con la esperanza de conseguir un deseo especial de Navidad para su madre, Donna (voz de Rashida Jones), que tiene un exceso de trabajo, tratando de llegar al fin de mes con sus tres hijos.

Con la llegada de una nueva temporada navideña, películas como A Christmas Carol y The Polar Express vienen a mi mente.  How The Grinch Stole Christmas es un hallazgo magnífico y glorioso. No es de extrañar por qué el clásico de Dr. Seuss se repite una y otra vez. Es un mensaje sobre el comercialismo y sentimientos cálidos que se repite todos los años. Como libro y especial navideño, se ha convertido en una fábula clásica. Admito que encuentro la versión de Jim Carrey como un "guilty pleasure". Su actuación y su capacidad para actuar en el traje del Grinch hacen que la Navidad sea divertida. Si bien el maquillaje y el diseño son raros, la película es algo que todavía encuentro venerable. En los últimos años, hemos tenido nuevas películas animadas de Dr. Seuss. El problema es que lo que obtenemos es una mezcla de locura. Cuando escuché que este clásico navideño recibía un remake animado, sentí curiosidad. Al ver The Grinch, encontré muchas cosas buenas y malas que son totalmente diferentes.

A todos los Whos en Whoville les gusta mucho la Navidad, pero al Grinch, que vive justo al norte de Whoville, no. El Grinch pasa sus días malhumorado con los que están con una actitud demasiado alegre por la Navidad. Excepto con su leal perro Max. Un viaje a la ciudad le recuerda por qué se enfada con las canciones y las decoraciones navideñas, ya que constantemente le crean un dolor de cabeza. Una niña que parece tener más preocupaciones es la pequeña Cindy Lou Who. Ella está preocupada por su madre Donna, una Who con exceso de trabajo que nunca exige un gracias. Con la Nochebuena acercandose, el Grinch se irrita cada vez más por "el ruido, el ruido y el ruido" entrante que harán todos esos juguetes con los que jugarán las niñas y los niños. Es por eso que el Grinch tiene una idea maravillosa y horrible. El plan es para robar la Navidad, las decoraciones, juguetes y la comida con un abrigo y un sombrero parecidos al de Santa Claus. Mientras tanto, Cindy Lou Who establece un plan para atrapar a Santa Claus y hablar con él para que ayude a su madre.

Entonces, The Grinch supera la película de animación original o incluso la de Jim Carrey? Eso depende si quieren algo más sentimental. Por qué no empezamos con el propio Grinch, que se siente demasiado inofensivo en esta versión. Benedict Cumberbatch lo interpreta más como un solitario excéntrico que no está tan enojado con el mundo. Supongo que esperaba que su actuación fuera más malvada. Jim Carrey al menos tuvo la capacidad de llevar hasta el final su imagen. Entonces, qué es mejor que antes? La animación y el diseño. Esta es una película que se ve muy colorida y bonita. Ver todas esas decoraciones y la nieve dentro de las montañas me hizo sentir emocionado. Incluso se siente más navideña. Su apariencia silenciosa y su falta de trama tristemente la hacen más vaga. También, la forma en que se trabajan los diseños de Dr. Seuss junto con las decoraciones navideñas la convierten en algo demasiado de pronunciado.

Y qué pasa con el tema moral? Se sumerge en los temas navideños que aún hoy se pueden relacionar? A veces lo hace, y otras veces es un cliché. Pero dado que nunca entra en las frustraciones de la historia sobre el comercialismo, inspira un poco de molestia. A veces, parece que no quiere adaptarse demasiado al libro, y se llega a pensar que usaría gran parte del diálogo (lo que no sucede a menudo). Diré que la voz de Pharrell Williams narrando simplemente no fue satisfactoria para mí. Teniendo las grandes voces de Boris Karloff y Anthony Hopkins en las otras versiones, hacen que esta película no sea lo suficientemente digna de verse alrededor del árbol de Navidad. En general, creo que una gran cantidad de familias y niños serán los que mantendrán esto vivo. No reemplaza a la original ni la versión de Jim Carrey, solo la pone con esas y se convierte en algo mezclable. Estoy bien con esto, incluso si no lo recomendaría para mí. Es más probable que vea el especial de televisión original o la versión de Jim Carrey que se sienten como un espectáculo anual de Navidad. Al final, The Grinch no es mala, pero tampoco es genial. Hay un montón de momentos divertidos para los niños y vale la pena verla en familia. Véanla y pásenla bien, pero no esperen mucho de ella.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 13 De Noviembre Del 2018



The Meg (teniendo 4 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy, y la exclusiva de Wal-Mart)

Mile 22

Alpha

Olaf's Frozen Adventure

Justice League: Throne Of Atlantis - Commemorative Edition

Final Score

Saturday, November 10, 2018

Review: The Hate U Give



La estudiante de secundaria Starr Carter (Amandla Stenberg) siente que vive dos vidas. En la primera, es parte de una familia amorosa en una comunidad predominantemente negra en el peligroso vecindario de Garden Heights. En la segunda, ella es "Starr 2.0", una de los pocos niños de color en Williamson Prep, una escuela privada elegante en el lado opuesto de la ciudad. Ella no se siente bien ahí, pero hace lo mejor que puede. Ella es popular, juega baloncesto y tiene un romance con Chris (K.J. Apa), que es blanco. Pero la vida de Starr toma un giro trágico después de que ella va a una fiesta en una casa de Garden Heights y se encuentra con su amigo de la infancia, Khalil (Algee Smith). Luego de un tiroteo, ambos se van de la fiesta y poco después un policía los deteniene por una razón aparentemente innecesaria. Cuando Khalil se dobla para coger un cepillo, el oficial le dispara fatalmente. Starr, ahora traumatizada por la muerte de Khalil decide no hacer público que ella fue testigo de lo sucedido. Pero después de que la historia se vuelve nacional, Starr se siente en conflicto por cómo responden sus compañeros de clase en la escuela y cómo se representa a Khalil en los medios de comunicación. Es por eso que decide evaluar su decisión de hablar en nombre de su difunto amigo.

Basada en el libro escrito por Angie Thomas, The Hate U Give trae la historia de Starr Carter, una joven de 16 años, su familia y amigos. Cuando comienza la película, su papá habla con la joven Starr y sus hermanos sobre qué hacer y qué no hacer cuando los policías los detienen. Luego nos adelantamos al tiempo presente, su papá es dueño de un supermercado pequeño en Garden Heights, infestado por el crimen, y su mamá es enfermera. Starr y sus dos hermanos asisten a una escuela privada lejos de Garden Heights, lo que lleva a Starr a comentar que hay versiones 1 y 2 de ella. Entonces, un día, Starr se vuelve a conectar con su amigo de la infancia Khalil en una fiesta. Cuando estalla un tiroteo, huyen en el auto de Khalil. Por desgracia, son detenidos (sin razón aparente) y Khalil, desobedeciendo las estrictas órdenes de un policía blanco, es asesinado a tiros, para sorpresa de Starr. En este punto, estamos a solo 15 minutos de la película, pero si cuento más sobre la trama estropeará la experiencia, tendrán que ver por si mismos cómo se desarrolla todo.

Amandla Stenberg es una gran actriz que aparece constantemente en películas malas. Ella ha sido lo mejor en todas las películas en las que ha aparecido y ha sido más que frustrante verla perder su tiempo en películas terribles que no son dignas de su talento como actriz. The Hate U Give arregla ese problema. No solo es una buena película, es una de las mejores películas del año. Como una película sobre las relaciones raciales, funciona. Como un estudio de personalidad y sobre el luto y la identidad propia de los adolescentes, funciona. Y como una plataforma para mostrar las considerables habilidades de Stenberg como actriz, funciona. Su actuación es fenomenal. Stenberg ofrece una de las mejores actuaciones del año y probablemente su carrera como Starr Carter, una brillante y tímida estudiante de una escuela privada que experimenta un cambio masivo tras el asesinato de su amigo íntimo, Khalil. Su interpretación y su actuación facial tienen una convicción y energía sumamente increíbles. Ya sea que esté llorando por un ser querido, desatando su furia contra una amiga racista o reuniendo a las masas con un discurso conmovedor, Stenberg se hace dueña de la pantalla. Emocionalmente vulnerable y relacionable, mientras lleva una cantidad excepcional de carisma y heroísmo en su actuación, la representación de Starr por Stenberg hace de ella una heroína a la que es imposible no sentirse inspirado y conmovido.

No he visto a Russell Hornsby en ninguna película o programa de televisión antes, pero su actuación aquí me da curiosidad por ver sus otros trabajos. Si la actuación de Stenberg no fuera tan espectacular como lo fue, Hornsby fácilmente se hubiera robado el espectáculo como Maverick Carter, el idealista y apasionado padre de Starr. Hornsby es divertido, estimulante, poderoso y profundamente humano. Su interpretación es digna de un Premio de la Academia. El desarrollo del personaje de Starr es uno de los mejores que he visto en una película de adolescentes. Realmente se puede sentir su creciente inseguridad, paranoia y tormento a medida que las presiones sociales tanto del mundo negro como del mundo blanco le caen encima. Verla crecer de ser una joven diplomática a una fuerza incontrolable, apasionada y furiosa de cambios y retribuciones raciales es increíblemente satisfactorio, especialmente dada la montaña rusa emocional que esta película me llevó con su personaje. Sentí por Starr, me reí con Starr y hasta me encontré a mí mismo en silencio deseando poder animar y gritar con Starr cuando ella levanta a la gente a su alrededor y silencia brutalmente a sus críticos. La historia de Marverick Carter también se maneja muy bien, comenzando la película como un padre de la vieja escuela de las Panteras Negras, para luego convertirse en un padre sobreprotector y, finalmente, como el increíble héroe que siempre quiso ser (y cómo sus hijos lo vieron) en el tercer acto de la película.

Uno de mis aspectos favoritos de la película es cómo equilibra a la perfección tantos géneros diferentes. El uso ingenioso y creativo del vocabulario adolescente y los momentos cómicos perfectos le dan peso como una comedia para adultos jóvenes, y también en la manera matizada, impredecible y original en que aborda el tema de las relaciones raciales (me impresionó mucho la poca variedad de clichés narrativos que utilizó esta película). Como un comentario racial, y al verse el desgarrador viaje de dolor y auto reflexión de Stenberg, también le da peso como un estudio de carácter. Ninguno de estos géneros supera al otro en forma de tono o temática, es una combinación perfecta y funciona a la perfección. La película es cohesiva y consistente en su tono, lo cual es un raro cumplido para una película moderna de Hollywood. También se debe elogiar la dirección de esta película, que creo que puede pasarse por alto con todo lo demás que la película hace bien. George Tillman Jr. realiza un trabajo bastante brillante en la iconografía simbólica asociada con los movimientos de Derechos Civiles cada vez más a lo largo de la película (cepillos para el cabello, megáfonos, y frases son algunos ejemplos). Sin embargo, estas imágenes pasan rápidamente y en un ángulo extraño, por lo que el efecto es subliminal en lugar de ser manipulador. Esto es el simbolismo visual en su máxima expresión y demuestra que, al igual que los mejores cineastas, Tillman Jr. tiene una comprensión incuestionable de la importancia de las imágenes sobre el diálogo en el medio cinematográfico. Y no es que el diálogo no sea importante, por que lo es, siendo ingenioso, divertido e inteligente.

En general, es una gran película con un mensaje conmovedor y relevante en el cual las personas deben reflexionar en estos días que se están viviendo. La película trata sobre la desigualdad racial y cómo se traduce en el daño y la injusticia que causa a la sociedad, sin importar cuál sea tu raza. El racismo es real, y esta película es el primer ejemplo que he visto de una película que proporciona sensibilidad a un tema tan "controversial". Cómo se discute la brutalidad policial? Cómo se discute la injusticia? Animo a todos a ver esta película. Puede que abra sus ojos a algo que nunca han visto. Al final, The Hate U Give es una película increíble. Con tantas películas que hay en estos días basadas en los temas de raza que se ven como explotadoras, con clichés y genéricas, esta entrega un mensaje poderoso en todas las formas en que esas películas no lo hacen. Es sincera, es original, y es impredecible.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Friday, November 9, 2018

Review: Bleach



Ichigo Kurosaki (Sôta Fukushi) es un adolescente de Karakura Town, cuyo asesinato de su madre a temprana edad ha moldeado su personalidad en gran medida. Además, Ichigo tiene la capacidad de ver fantasmas y ha dedicado gran parte de su vida a ayudar a los espíritus a encontrar consuelo. Un día se encuentra a sí mismo como "anfitrión" de Rukia Kuchiki (Hana Sugisaki) en su casa, una Soul Reaper cuya misión es llevar las almas de los muertos del mundo del Soul Society a la vez que lucha contra Hollows, monstruosas almas perdidas que pueden hacerle daño tanto a los fantasmas como a los humanos. Cuando Rukia es gravemente herida defendiendo a Ichigo y su familia de un Hollow que está persiguiendo, ella transfiere sus poderes a Ichigo para que él pueda pelear en lugar de ella, mientras recupera sus fuerzas. Sus acciones desencadenan una serie de eventos muy peligrosos, que amenazan a todos en el área, incluidos los dos protagonistas, ya que Renji Abarai (Taichi Saotome), compañero y Soul Reaper de Rukia, está decidido a llevarla de vuelta a su hermano Byakuya Kuchiki (Miyavi), y se revela que el Grand Fisher (el mencionado Hollow) tiene una conexión con el pasado de Ichigo.

En primer lugar, nunca he visto el anime ni he leído el manga (los que me conocen saben que no me gusta el anime), por lo que haré esta crítica según lo que he visto. Para ser una adaptación de live action de una serie de anime, fue una película muy bien hecha contrario a mis expectativas. Muchas adaptaciones de películas, ya sean de juegos o animes, generalmente me dejan decepcionado. Esto se debe principalmente a que nunca pueden realmente traducir la historia o el sentimiento detrás del trabajo original a la pantalla grande. Otra cosa que me hizo dudar mucho de la calidad de esta película fue cuando vi que fue lanzada por Netflix. Si bien Bleach no es una obra maestra cinematográfica, esta adaptación de anime a película me hizo muy escéptico al principio. Esas dudas fueron rápidamente desechadas cuando realmente me absorbí en la película y decidí verla.

La historia es fácil de seguir, los personajes son creíbles, y la típica dramatización japonesa se mantuvo al mínimo. Leí que la película trató de hacer el equivalente a una temporada del anime en 1 hora y 48 minutos de película, y tengo que decir que lo hicieron bastante bien. Los actores seleccionados son buenos. Sôta Fukushi como Ichigo es genial y muchos de los otros actores son buenos, fue un buen casting. Es difícil recrear un anime cuando se exageran tantas cosas. Creo que el elenco hizo un buen trabajo al normalizar las acciones que no son normales y exageradas. Algunos de los trajes son difíciles de duplicar en el mundo real, pero aquí son creíbles. Hicieron un buen trabajo.

En general, puede que esta no sea la película más agradable para aquellos que desean realismo, esperan una obra maestra cinematográfica (o una copia perfecta de la trama del anime), o a aquellos que no les gusten las películas con temas asiáticos o de anime. A todos los demás, definitivamente recomendaría que intentaran verla por ustedes mismos. Al final, Bleach es divertida de ver y definitivamente vale la pena verla. Veanla con una mentalidad correcta y encontrarán una película de acción agradable.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Monday, November 5, 2018

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 6 De Noviembre Del 2018



Incredibles 2 (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

BlacKkKlansman

Loving Pablo

Papillon

Christopher Robin (teniendo 2 versiones: la regular y la DigiBook exclusiva de Target)

Sleepwalkers - Collector's Edition

Sunday, November 4, 2018

Review: Apostle



Es 1905, y en una isla remota un culto religioso ha secuestrado a Jennifer (Ellen Rhys), con planes de usar el dinero de su rescate para pagar por lo esencial en una tierra moribunda. Para recuperar a Jennifer, está su hermano, Thomas Richardson (Dan Stevens), un ex misionero que se ha convertido en drogadicto, y es enviado para mezclarse con el culto, abriéndose camino hasta su líder, Malcolm (Michael Sheen). Al inflirtarse con calma hasta que encuentra la oportunidad de rescatar a su hermana y traerla a casa, Thomas se enfrenta a una sociedad retorcida que recurre a eventos espantosos para mantener fértiles sus tierras de cultivo. Mientras Malcolm se esfuerza por mantener su poder, utilizando su derecho celestial para mantener el orden con los locales, Thomas comienza su misión de recuperación, solo para verse atrapado en el drama y los juegos de poder del culto, y una confrontación con Quinn (Mark Lewis Jones), uno de los hermanos de Malcolm, inspirándolo a tomar el mando del ejército de Dios.

Gareth Evans, más conocido por sus películas en la franquicia de The Raid, ha creado un potencial clásico de culto encantador y emocionante que rodea a un misterioso culto religioso dentro de una historia de terror de época. Con una atmósfera que me recuerda a la película de 1973 The Wicker Man, y tal vez incluso similar a The Witch de 2015, hasta cierto punto, lo que a Evans se le ocurrió es una historia de violencia, venganza y odio, una historia en la que el amor es castigado y no tiene futuro. Es increíblemente violenta y no es para aquellos que no puedan soportar ver sangre y dolor, pero debajo de la violencia que está tan indispensablemente relacionada con el núcleo de la historia, también hay una trama bien construida llena de personajes memorables. En muchas películas de terror se tiene una historia memorable con personajes débiles con los que no puedes conectarte. Aquí es imposible no apegarte a la mayoría de estos personajes, o al menos sentirte interesado en su destino final.

Evans profundiza en las personalidades de sus personajes y los enfrenta con preguntas moralmente significativas, y en el proceso también se beneficia del elenco fuerte que pudo reunir. Dan Stevens como el personaje principal fue bueno. En términos de volverse absolutamente loco, su desempeño podría incluso compararse con la actuación de Nicolas Cage en Mandy. Fue la elección perfecta para el personaje de Thomas Richardson, y también lo fue Michael Sheen para el papel del profeta Malcolm. Bill Milner, Mark Lewis Jones, Lucy Boynton y Kristine Froseth agregan un par de inquietantes actuaciones de apoyo. Como dije antes, la película me recuerda a The Wicker Man respecto a la necesidad de apaciguar a una deidad para asegurar una buena cosecha y también tiene influencias Lovecraftianas relacionadas con la adoración de una Diosa del Mar. Torturas, asesinatos y ejecuciones ritualísticas abundan, y no es una película para personas débiles.

En general, es una película de terror verdaderamente salvaje que lo único negativo que tiene es su tiempo excesivo de duración y algunos momentos lentos. Probablemente se hubiera beneficiado de unos 30 minutos menos ya que el material quizás no sea lo suficientemente profundo como para justificar un tiempo de duración de 2 horas y 10 minutos. Esas pocas escenas que podrían haber sido cortadas, habrían ayudado a la película con el propósito de hacerla más rápida. Sin embargo, eso es algo con lo que no tuve muchos problemas, ya que personalmente disfruté enormemente de la película de principio a fin. No a todo el mundo le va a gustar, tal vez sea debido a su tiempo de duración, o tal vez debido a la violencia, pero incluso a parte de mi opinión personal, esta película está bien dirigida, tiene buenas actuaciones, la cinematografía es excelente y la trama es intensa, más atractiva y más emocionante después de un comienzo lento pero desgarrador. Al final, Apostle es un regalo absoluto para cualquier persona que ama el verdadero horror. Al igual que The Witch, es una obra de época bellamente interpretada. Es una película sobre la corrupción del hombre en la religión con un espeluznante uso de la mitología celta y de la tierra que actúa como metáfora junto con una violencia espantosa. Aquellas personas que les gusten los temas del paganismo, los cultos, la religión (sin complacer a los cristianos) o piezas de época amarán esta película. Así que háganse un favor y denle una oportunidad.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: My Dinner With Hervé



El año es 1993, y Danny Tate (Jamie Dornan) es un alcohólico en recuperación con 30 días de sobriedad, regresando a la sociedad para recoger los pedazos de su vida rota, habiendo perdido a su esposa e hijo por una borrachera. También está de vuelta en su trabajo como reportero, quien su editora le encargó recientemente que viajara a Los Ángeles y entrevistara a Gore Vidal sobre su nuevo libro. Danny también recibe instrucciones para entrevistar a Hervé Villechaize (Peter Dinklage), creando un artículo sobre el vigésimo aniversario de la película de James Bond, The Man With The Golden Gun. Al reunirse con Hervé, Danny se sorprende por la vitalidad de su personalidad y el desenfreno de sus historias, tanto así que pierde su cita con Vidal. Al borde de perder su trabajo por fallar a su cita con Vidal, Danny acepta reunirse de nuevo con Hervé, aceptando un viaje nocturno de desaventuras y confesiones mientras los dos hombres hacen una conexión inesperada.

My Dinner With Hervé es una producción hecha por HBO y es la historia de la noche salvaje del periodista Danny Tate con la celebridad Hervé Villechaize, el enano Nick Nack en la película de James Bond, The Man With The Golden Gun y Tattoo en Fantasy Island, mientras intenta contar su historia, la real, en contraste con lo que antes se sabía o se creía de él. Lo que comienza como una pieza típica destinada a ocupar un espacio en una página para la revista en la que trabaja Tate, pronto se convierte en una situación que resulta ser una historia mucho más profunda centrada en la adversidad, el concepto erróneo, el dolor y la pérdida. La película presenta estos conceptos durante gran parte del primer y segundo acto, ya que elude llegar a este destino de la verdad y honestidad, pero nunca llega realmente hasta que el tiempo de los dos personajes llega a su fin. El enfoque del escritor/director Sasha Gervasi a esta entrega de narrativa puede ser frustrante a veces, sin embargo, la conclusión vale la pena esperarla y nunca faltan momentos emocionantes y cómicos en el camino para llegar a esa conclusión emocional.

Al igual que el personaje principal de la película, la historia es encantadora y, sin embargo, toma tiempo para desarrollarse, pero al mismo tiempo posee algo que impide que los ojos se despeguen de la pantalla. En parte, esto se debe a la increíble capacidad de Peter Dinklage para sumergirse de lleno en el personaje y emerger como una versión inquietantemente similar de Hervé que logra captar el icónico acento francés de Villechaize y empujar a Peter Dinklage, el actor, a un segundo plano y solo ver a Hervé todo el tiempo. El tercer acto de la película es el más fuerte de ver debido a los momentos emocionales no solo de Hervé, sino también de Tate y el dolor que sus errores en la vida les han traído. Ambos se conectan sobre este tema, lo que da paso a una auténtica honestidad que les brinda la capacidad de ver realmente al otro por lo que realmente es y por lo que han tratado de ser. Esto va más allá de un simple acorde emocional entre dos almas durante una entrevista, ya que muestra una verdad universal que todo el mundo espera experimentar en secreto... una conexión sincera y cruda con otra persona al mostrar quién realmente eres y sin prejuicios.

En general, la película cuenta la historia convincente de la vida incomprendida de un hombre que fue una super estrella por un momento fugaz. Su retrato íntimo de una historia increíble bordea lo surrealista y lo desesperante, pero aún cuando su interés pueda desvanecerse, vale la pena quedarse hasta el final para descubrir la verdad de Hervé. Al final, My Dinner With Hervé es un drama entretenido, revelador y triste. Peter Dinklage fue espectacular en su interpretación de Hervé Villechaize y la película revela lo que le puede pasar a alguien cuando el dinero y la popularidad se inyectan rápidamente en la vida de alguien. Veanla, se alegrarán de haberlo hecho.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Saturday, November 3, 2018

Review: Papillon



En París, a principios de la década de 1930, Henri Charrière (Charlie Hunnam) es un ladrón temerario de bovedas de seguridad que es acusado falsamente de un asesinato y es envíado a la notoria colonia penal de la remota isla de Guyana Francesa, ubicada en la costa atlántica del norte de América del Sur y que fue establecida por el emperador francés Napoleón III en 1852. Al salir de Marsella, se ofrece "proteger" al delicado y diminuto falsificador Louis Dega (Rami Malek), quien tiene dinero escondido. Llamado "Papillon" por una mariposa tatuada en su pecho, Charrière planea su escape repetidamente, a pesar de las repetidas advertencias del sádico Warden Barrot (Yorick Van Wageningen) y su eventual encarcelamiento en el antiguo lugar para leprosos conocido como la Isla del Diablo. Determinado obstinadamente, eventualmente tiene éxito después de sobrevivir años en confinamiento silencioso y solitario.

Parece que casi todos los remakes que hacen plantean la misma pregunta, por qué? Esto es especialmente cierto cuando la película es Papillon. La película original de 1973 fue dirigida por el ganador del Oscar Franklin J. Schaffner y fue protagonizada por los legendarios actores Steve McQueen y Dustin Hoffman. El guión se basa en los libros de Henri Charrière, Papillon y Banco. El Sr. Charrière fue, por supuesto, el propio Papillon, y aunque los detalles de sus historias se han contado con escepticismo a lo largo de los años, no obstante, proporciona material fascinante. Entonces, por qué volver a hacer la película 45 años después? Bueno, esta es una versión más amable y gentil y presenta a dos de los actores más populares del momento: Charlie Hunnam y Rami Malek como Papillon y Louis Dega. El guión se centra más en la amistad y menos en el ambiente brutal de la prisión. El director Michael Noer (el cual no estoy familiarizado con sus trabajos anteriores) entrega una película que se ve muy bien y funciona como un ejemplo de lealtad y unión.

La película comienza en París en 1931 y presenciamos a Papillon haciendo lo que él sabe hacer para un poderoso mafioso. Parece que está viviendo la buena vida con su novia y tienen planes para escapar de esta vida de crimen, siempre un signo siniestro en las películas. Efectivamente, es acusado por un asesinato y enviado a la colonia penal en la Guayana Francesa. Es allí donde conoce a Louis Dega, un maestro falsificador delicado y ligero con un fajo de dinero escondido en sus partes privadas. La fuerza física y la necesidad de efectivo de Papillon pone en marcha las ruedas de su escape, y la necesidad de protección de Dega, hacen de este el junte perfecto hecho en el cielo (o en este caso, el infierno).

Siendo un hombre de eterno optimismo, Papillon nunca pierde la fe de que escapará, incluso cuando el alcaide explica que la esperanza es su enemigo. Los años ​​en confinamiento solitario le roban a Papillon años y peso, pero nunca esperanza. Una última vez en la Isla del Diablo, se reúnen los dos hombres que comparten un vínculo que solo circunstancias tan duras pueden construir. Como sabemos que Henri Charrière escribió los manuscritos para los libros en 1969, el final ya es conocido antes de que comience la película. Sin embargo, es el relato de la historia lo que nos permite conocer a Papillon y Dega. Este último guión hace un mejor trabajo desarrollando la amistad, además de proporcionar una razón para vivir para Papillon. La película original presenta el compromiso de un hombre para sobrevivir, mientras que esta hace que la esperanza sea más una filosofía. Al carecer de la magia de McQueen y Hoffman, esta versión no se compara, pero a pesar de eso es una gran película. Para aquellos que nunca han visto la película de 1973, esta debe ser bastante atractiva de ver.

En general, la película original es sin duda un clásico, pero esta versión profundiza mucho más que la original, y pone más énfasis en el sufrimiento del confinamiento solitario, la salud mental y la amistad. Al final, Papillon es una gran historia de esperanza, amistad y supervivencia. Vean a Charlie Hunnam y Rami Malek como nunca los han visto antes, ya que se transforman en el frágil e insuperable Henri "Papillon" Charrière y su amigo Louis Dega. Definitivamente denle un vistazo a esto, y vean la original también si es posible.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Hunter Killer



El USS Tampa Bay es un submarino que patrulla cerca de las aguas rusas, atraído hacia una trampa después de que detecta una situación extraña que involucra una explosión en un submarino enemigo. El comandante Joe Glass (Gerard Butler) es enviado al USS Arkansas para investigar la destrucción del Tampa Bay, aventurándose en aguas peligrosas para descubrir qué sucedió y quién es el responsable. En el Pentágono, el almirante Charles Donnegan (Gary Oldman) está tratando de entender el caos, preocupado de que la acción en el océano esté llevando a Estados Unidos a la Tercera Guerra Mundial. Supervisando la situación se encuentran el almirante John Fisk (Common) y la analista de la NSA Jayne Norquist (Linda Cardellini), quienes confían en un equipo de Navy SEAL, dirigido por Bill Beaman (Toby Stephens), a quien se le ordenó ingresar en una pequeña ciudad rusa y averiguar qué le está pasando al presidente Zakarin (Alexander Diachenko), quien está a merced de agentes que buscan dar un golpe de estado.

Hunter Killer es un thriller de acción que su trama se basa en soldados en un submarino que luchan con otro submarino y con la Marina tratando de rescatar a un presidente ruso de un comandante corrupto. Definitivamente, es una de esas películas donde hay menos historia pero se enfoca en la acción. La trama sigue al comandante Joe Glass, quién está a cargo de un submarino y tiene que averiguar qué pasó con un submarino estadounidense que desapareció mientras seguía a un submarino ruso. El almirante Charles Donnegan envía al Navy para realizar una búsqueda en la base naval rusa. Cuando se enteran de que un comandante ruso corrupto secuestró a su propio presidente e intenta iniciar una tercera guerra mundial, le toca a un equipo de los Navy SEAL liderado por el teniente Bill Beaman y a Joe enfrentarse a las naves destructoras y al peligro que se aproxima.

Esto apenas tiene una historia. Además, se tiene al almirante Charles Donnegan, interpretado por Gary Oldman, que siempre señala lo obvio con una actuación exagerada y demasiado latosa. Cuando el submarino estadounidense desaparece y necesitan encontrar un nuevo comandante para hacerse cargo del submarino o Hunter Killer, buscan a Joe Glass, quién está de cacería en las montañas nevadas de Escocia. Como Glass, Gerard Butler es decente con su personaje. Luego, está Linda Cardellini como analista de la NSA Jayne Norquist, que está al tanto de la situación con el presidente de Rusia y su sospechoso comandante. Su personaje se sintió poco desarrollado y pasó la mayor parte del tiempo viendo imágenes por drones. Por último, está Toby Stephens en un papel decente como el teniente Bill Beaman, que está llevando a un grupo de soldados para ver mejor la base naval rusa y rescatar al presidente ruso.

El guión carece de caracterización y hay muchos personajes que están solo para cumplir sus roles. Especialmente, cuando Joe Glass camina por el submarino y se encuentra con todos los tripulantes en sus estaciones. La mayoría de estos personajes son todos olvidables. Las secuencias de acción son entretenidas y la dirección va de un lado a otro con Joe Glass en el submarino luchando contra otro submarino o evitando minas o misiles, mientras que el personaje de Toby Stephens y su equipo de Navy SEAL están en un tiroteo en tierra, tratando de escapar del complejo naval ruso. En general, la película es un thriller casi decente. Las secuencias de acción son emocionantes y entretenidas, pero la trama es sumamente aburrida y apenas tiene una historia que haga que esta película sea memorable. La mayoría de los personajes son olvidables, solo las actuaciones de Gerard Butler y Toby Stephens fueron decentes y la actuación de Gary Oldman fue simplemente terrible. Al final, Hunter Killer es una película de acción que lamentablemente es olvidable una vez que termina.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Friday, November 2, 2018

Review: Terrifier



A medida que su noche de Halloween llega a su fin, Tara (Jenna Kanell) y su amiga Dawn (Catherine Corcoran) deciden comer un poco de pizza antes de conducir a casa. Sentadas en la pizzeria, se encuentran con Art the Clown (David Howard Thornton), quien le da escalofríos a Tara, pero le da a Dawn la oportunidad de un par de fotos para su Instagram. En el camino de regreso al auto, Tara nota que las gomas han sido vaciadas, así que ella llama a su hermana, Victoria (Samantha Scaffidi), que está ocupada estudiando para un examen, pero acepta recogerlas. Mientras espera, Tara tiene que ir al baño y consigue que un hombre de mantenimiento la deje entrar a un edificio cercano. Sin el conocimiento de Tara, Dawn y Victoria, Art the Clown tiene algunos planes para ellas que no son ningún motivo de risas.

Esta película, obviamente, de bajo presupuesto, me tenía en duda si verla o no. El descubrir que era una reimaginación de un corto de terror con el mismo nombre, que eventualmente encontró su camino hacia la película de antología de horror All Hallows Eve (2013), me desanimó un poco. Vi esa película hace un par de años y, aunque Art the Clown era un payaso aterrador, la película en sí no hizo nada para mí. Luego, después de que algunos amigos me hablaron de ella, la elogiaron, y me la recomendaron, estaba aún más escéptico de verla. Sin embargo, esta película merece todos los elogios que está recibiendo ya que es una película de horror espantosa, extremadamente morbosa y simplemente loca. Art the Clown hace que Pennywise se vea como Krusty. El es terriblemente aterrador, no sé quién es el actor que lo interpreta, nunca he oído hablar de él antes, pero merece tanto crédito por dar vida a esta bestia malvada. Es tan espeluznante y brutal, es difícil verlo a veces y las escenas de muerte en esta película hacen que Saw and Hostel se vean como películas de Disney.

Sí, no es perfecta de ninguna manera, la actuación de algunos de los personajes secundarios podría haber sido mejor (el elenco principal está bien), una de las víctimas en la segunda mitad de la película hace algunas cosas realmente estúpidas que me molestaron un poco y es una de esas películas donde (esto siempre me molesta con las películas de terror) varias víctimas tienen al villano a su merced, acostado en el suelo mientras están de pie sosteniendo un arma, y qué hacen? Huyen y dejan al villano para que vuelva a levantarse. Acabas de ver a este payaso asesinar brutalmente a tu amigo/a y has intentado asesinarlo, lo tienes tirado en el suelo, completamente a tu merced y qué haces? Lo matas y luego escapas? No, lo dejas vivo, descartas tu arma y huyes. Es un cliché agotado.

Sin embargo, las personas que ven películas como esta generalmente vienen por el ambiente, el miedo y el gore y en ese departamento, Terrifier cumple. Todo tiene un aura de los años 80, a pesar de que está ambientada en tiempos modernos por la forma en que se filmó, la música y la cinematografía. Pero realmente tiene que ser una de las películas de terror más brutales y absolutamente morbosas que he visto en mucho tiempo. Art the Clown es genial y está en camino de convertirse en uno de los monstruos de películas más memorables, a pesar de que nunca habla ni hace ruido, su presencia en la película es inmensa. No hay efectos de CGI y todos los efectos especiales son prácticos, se ven muy bien, y se ven realistas. Se nota que el equipo de efectos puso mucho esfuerzo y entusiasmo en la producción de la película.

En general, si son de esas personas que ven películas y le buscan agujeros en ellas, entonces es posible que no disfruten esto y si no disfrutan del género del Torture Porn con películas como Saw y Hostel, de nuevo, evitenla, pero si son como yo, y les gustan las películas de slasher, con morbo y brutalidad en todo su esplendor y las películas que los hacen retorcerse en sus asientos, entonces es probable que esto les vaya a encantar. Al final, Terrifier es una película de bajo presupuesto, y muy bien hecha con amor y dedicación para los amantes del gore. Es una película de terror extremadamente brutal, espeluznante y sobre todo... morbosa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Thursday, November 1, 2018

Review: Bohemian Rhapsody



Como un hombre joven en Londres en 1970, Farrokh Bulsara (Rami Malek) busca algo más grande en su vida, siendo atraído por la música como una forma de expresión personal después de vivir en un hogar reprimido. Al encontrarse con Brian May (Gwilym Lee) y Roger Taylor (Ben Hardy), y pronto acompañado por John Deacon (Joseph Mazzello), Farrokh encuentra una banda, rebautizándose a sí mismo como Freddie Mercury mientras comienzan planes para que el grupo tome el control del mundo. Cuando Queen se eleva a la conciencia mundial, Freddie encuentra consuelo en Mary Austin (Lucy Boynton), una mujer amigable con quien pronto se compromete, pero su homosexualidad encerrada lo mantiene distraído en el camino. Al lidiar con su apetito por la extravagancia y la estimulación, Freddie vive el sueño con Queen, quien lleva su experimentación musical a las masas durante la próxima década, y le da la vida que siempre ha deseado. Sin embargo, esta familia de músicos es desafiada por gente extraña al Freddie perder su concentración y enfoque en el grupo, perdiendose por los excesos de la fama y personas oportunistas a medida que pasan los años y al la popularidad de Queen disminuir.

El momento que todos los fanáticos de Queen/Freddie Mercury (incluyendome) han estado esperando finalmente ha llegado con el lanzamiento de la muy esperada película biográfica Bohemian Rhapsody. Así que ahora solo queda una pregunta, valió la pena esperar? En mi más sincera opinión... absolutamente! Esta increíble historia nos lleva en el viaje de una de las bandas de rock más icónicas de todos los tiempos y nos da una mirada no solo al nacimiento y la vida de la banda, sino también a un vistazo tras el telón de la vida de una de las más grandes leyendas de la música, el líder de Queen, Freddie Mercury. Desde sus humildes comienzos tocando en espectáculos universitarios como una banda llamada Smile hasta su presentación histórica en el concierto Live Aid de 1985, Bohemian Rhapsody los llevará a un maravilloso viaje de rock and roll.

Rami Malek asume el papel de Freddie Mercury con todo el encanto y la jactancia del verdadero hombre. Nunca dejandose ignorar ni negar, el Mercury de Malek es arrogante, encantador y simplemente cautivador para ver. Incluso a través de los momentos más altos y los más bajos de Freddie, él ofrece una interpretación fantástica. A muchos les preocupaba que la película pasara por alto la vida personal de Freddie, pero honestamente, lo que obtenemos es una película que se siente elegante y acertada. No es necesario ver el consumo excesivo de alcohol, el uso de drogas y las grandes cantidades de sexo al azar para saber que Freddie usó todas esas cosas para llenar un vacío en su alma y está muy implícito en toda la película.

En cambio, obtenemos mucha más sustancia e historia, que se siente mucho más importante. Freddie es el líder feliz y despreocupado un segundo y el artista torturado el siguiente, y Bohemian Rhapsody hace un gran trabajo para uno realmente preocuparse por este hombre y no solo por él, sino por las personas a su alrededor a quienes afectan sus acciones. Se obtiene un poco de su relación con Mary Austin, y su romance/amistad es dulce y desgarradora de ver. Sé que a muchos les preocupaba que esta película le restara importancia a su sexualidad y que se centrara en su relación con Mary, y aunque la película se centra en esta relación con ella, definitivamente no deja de lado sus encuentros sexuales con los hombres y su eventual relación con Jim Hutton  interpretado por Aaron McCusker.

Si bien a muchos les hubiera gustado que el único enfoque de esta película fuera Freddie Mercury, no se puede dejar de lado al resto de la banda porque, seamos realistas, sin ellos no habría Queen. Los compañeros de banda de Freddie aportan mucho a esta película. Desde el sarcástico y, a veces, confrontaciónal Roger Taylor, a la voz de la razón de Brian May y al talentoso y silencioso de John Deacon, ellos aportan mucho como la familia de Freddie, sus amigos y su mayor sistema de apoyo. A pesar de todas las peticiones e ideas de su cantante principal, ellos saltan con entusiasmo para alimentar su fuego y traernos la mejor música rock que jamás se haya escuchado. Es bastante impresionante verlo. Lo único un poco negativo de la película son algunos momentos en la línea de tiempo de las canciones. Por ejemplo, cantan Fat Bottomed Girls en un concierto en 1975, cuando la canción es originalmente de 1978 y crean/ensayan We Will Rock You en 1980, cuando la canción es de 1977. Pero eso no importó mucho ni arruinó la experiencia para mí.

En general, esta es una película entretenida, divertida y, a veces, desgarradora que definitivamente merece su atención. Los fanáticos de Queen deben estar tranquilos porque esta es una película realmente sólida. Al final, Bohemian Rhapsody es una película extraordinaria, fabulosa, sorprendente, fuera de este mundo y emocional. Me reí y lloré, sí lloré, y es una de las mejores películas que he visto este año. A Freddie le hubiera encantado la mención constante de sus gatos en la película porque, por supuesto, eran una parte masiva de su vida y el elenco completo fue perfecto. Si los premios de la academia no llegan a darle algún tipo de premio a Rami Malek por su brillante actuación, no hay justicia en este mundo. Larga vida al mejor frontman de todos los tiempos, Freddie Mercury y larga vida a Queen.

Puntuación: 5 alcapurrias.