Estrenos En Blu-ray Para El Martes 1 De Enero Del 2019

Bad Times At The El Royale

A.X.L

Night School

Review: Widows

Veronica (Viola Davis) está casada con Harry (Liam Neeson), pero elige entender poco sobre su vida y carrera como un criminal. Cuando Harry muere mientras intenta robar una fortuna, Veronica tiene la difícil tarea de rehacer o recoger los pedazos de su vida. A la vida de Veronica llega Jamal (Brian Tyree Henry), un estafador que se postula para un cargo político en Chicago, y alguien que no está contento de que Harry le haya robado, y para empeorar las cosas, ese botín terminó ardiendo en llamas. Al exigir la devolución de la pérdida del dinero en 30 días, Jamal vuelve a su trabajo diario contra Jack (Colin Farrell), un político reacio que intenta llenar los zapatos de su padre (Robert Duvall). Ante una muerte segura, si se niega a pagar la deuda, Veronica recluta a otras viudas, incluidas Alice (Elizabeth Debicki) y Linda (Michelle Rodriguez), para que participen en un plan para lograr la última misión secreta de Harry, tratando de convertirse en criminales profesionales y resolver algunos de los muchos problemas que enfrentan.

Dirigida por Steve McQueen (12 Years A Slave) y con un guión de McQueen y Gillian Flynn (Gone Girl), Widows se basa en una miniserie de televisión británica de 1983 que cuenta la historia de cuatro viudas cuyos esposos eran mafiosos y fueron asesinados mientras robaban dinero de otros mafiosos. Cuando la mafia rival acude a las viudas para recuperar su dinero, estas mujeres deben unirse para completar un trabajo y obtener el dinero para salvar sus vidas. Liderando este grupo tan disparejo de mujeres está Viola Davis. Ella le da fuerza y ​​vulnerabilidad a su papel y hace de esta película sorprendentemente compleja y carismática. Junto a ella está la siempre fuerte y seria Michelle Rodríguez. La actuación sorpresa de este grupo es Elizabeth Debicki. Ella es más que una atractiva esposa y trofeo que tiene una profundidad que a primera vista no es algo que parece estar ahí. A estas tres se une Cynthia Erivo en una actuación destacada.

Widows tiene la temática sobre cómo las personas prosperan y se reconstruyen en una sociedad quebrantada. El grupo principal de mujeres ha tenido sus vidas definidas por las acciones de sus esposos, sean para bien o para mal. Desde el sexismo, las relaciones raciales, los privilegios, la política y hasta la infidelidad, el director Steve McQueen explora muchos de estos temas en esta película de suspenso. En manos menos capaces, muchos de estos temas y mensajes pueden sentirse forzados, pero McQueen los hace participar en cada escena de la película. Las escenas pasan de momentos tranquilos para establecer la naturaleza de los matrimonios de la viudas a estallidos repentinos de violencia, acción y tensión. Junto con tomas llenas de paletas de colores claros y oscuros, McQueen muestra lo dividido que está el mundo entre los que sienten que merecen riqueza y poder, y los que maltratan. A través de esta percepción dividida, las mujeres comienzan a tomar posesión de sus vidas y a reevaluar en qué se basaron realmente sus matrimonios.

Lamentablemente, la película lucha con su largo tiempo de duración, ya que se sintió demasiado larga de lo que debería haber sido. Se vuelve lenta y aburrida en su ritmo con largos tramos de nada en ciertas partes. Una vez que las tres principales mujeres están planeando el trabajo del robo, las cosas comienzan a coger velocidad, cosa que ocurre casi después de una hora de haber comenzado. En general, sería difícil no recomendar esta película simplemente basadondome en los actores. Aunque extrañamente, la película se desvía seriamente al final. Fue como si los guionistas terminaran apurados o simplemente ya no les importara el resultado. Excepto por un momento digno, el final parece superficial y deja sin respuestas a algunas preguntas bastante obvias. Algo que es francamente extraño para este tipo de película. Al final, Widows es una buena película, pero no excelente, que contiene algunos defectos. Con un tono ambicioso en los problemas urbanos y sociales y una serie de argumentos, la película tiene un poco más de lo que se puede digerir. También tiene un ritmo irregular, ya que la mayor parte de la planificación y ejecución del robo se produce en los últimos 30 minutos de la película. Sin embargo, y a pesar de esto, la película parece demasiado larga. 15 minutos del primer acto de la película se podrían haber editado fácilmente sin perjudicar a uno como espectador o la narrativa. Dicho esto, esta es una buena película de robo que debería satisfacer a sus espectadores.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Roma

Es 1970, y Cleo (Yalitza Aparicio) es una empleada doméstica para una familia de altos recursos económicos, que realiza tareas diarias para mantener a la familia en funcionamiento. Interactuando íntimamente con los niños, se convierte en parte de sus vidas mientras su madre, Sofía (Marina de Tavira), con una inquietud doméstica, ve como su esposo, Antonio (Fernando Grediaga), gradualmente decide reubicar su vida en otro lugar, dejando atrás a sus seres queridos. Mientras Sofía se desenreda lentamente al estrés de todo, Cleo intenta mantener el orden mientras experimenta sus propias actividades privadas, incluida una experiencia sexual con su novio Fermín (Jorge Antonio Guerrero). Cuando un momento de placer y consuelo da como resultado un embarazo, Cleo debe decidir su futuro con la familia de Sofía, sin saber si puede hacerse cargo de su propio bebé. Embarcándose en un camino de comprensión, Cleo da testimonio de disturbios domésticos y civiles, mostrando un destino que ella misma no está segura de querer.

Antes de comenzar mi crítica, debo decir que a pesar de lo buena que puede ser esta película, Roma es una de las películas más sobrevaloradas de todos los tiempos. Fue tan ridículamente recomendada que afectó mi experiencia solo un poco. Quiero decir, no me levité del asiento después de que comenzaran los créditos. Yo la llamaría la Infinity War o la Dark Knight de películas extranjeras sobrevaloradas. Dicho esto (no estoy destrozando la película, solo las personas que la están sobrevalorando), disfruté sinceramente de Roma. Con una cinematografía, una edición y unas tomas largas e inmaculadas, no podía creer cómo Alfonso Cuarón dedicó tanto tiempo y esfuerzo a su historia tan simplista.

La historia sigue a una empleada doméstica que trabaja para una madre de cuatro hijos, donde se ocupa de las luchas del trabajo y sus propios problemas personales, en medio de un período problemático en México durante la década de 1970. A pesar de la historia simplista, la actriz principal y todos los actores secundarios me conmovieron de manera increíble, y la mayoría de ellos solo han protagonizado esta película. Hubo varias escenas que me conmovieron profundamente (de manera positiva y negativa), una relacionada con un embarazo y una durante un viaje a la playa en particular. Incluso cuando la película no te conmueve, hay toneladas de momentos llenos de risas, especialmente un par de escenas que involucran espacios estrechos. Desde la risa a la emoción, hasta escenas realmente extrañas e incómodas, Cuarón hace un gran trabajo al transmitir todo tipo de sentimientos al espectador.

Los dos componentes principales de Roma que realmente me llamaron la atención fueron las tomas largas y los personajes de fondo. Las tomas largas se hicieron extremadamente bien y no se hacen por el simple hecho de tratar de mostrar que puede encajar el director en una película. Hay tantas escenas en esta película que todas están filmadas en una sola toma, y ​​cada vez que Cuarón lo logra de la manera correcta, realmente transmite muchos sentimientos sorprendentes. La toma de la playa es inolvidable. Incluso la larga toma durante los créditos de apertura es espectacular. Muchas de las tomas son extraordinarias, pero hay que señalar que algunas no tienen ningún mérito. Como, necesito ver al personaje principal subir las escaleras durante dos minutos? Realmente no.

La otra cosa que realmente me llamó la atención fueron los personajes de fondo, porque cada persona individual en el fondo tenía su propia historia. La escena del teatro se hizo tan bien, que se podía ver a cualquier persona o pareja en la audiencia, y todos estaban haciendo algo tan único y diferente. Cualquier escena a lo largo de la película que tuviera personajes de fondo estaba haciendo algo especial, y me hace pensar que Cuarón dirigió a cada individuo. Sentí que estaba viendo gente real, y fue increíble. En cuanto a lo negativo, la película tiene un poco de estilo sobre sustancia en algunos casos. Como dije, la historia es simplista, está bien hecha, y me importó mucho, pero las tomas largas se vuelven un poco más intolerantes al pasar la película. Solo hubiera deseado que, en lugar de que el director presentara la necesidad de elogiar sus propias habilidades, volviera a la historia en cuestión. Además, no es realmente una queja sobre la película ni nada, pero sí, esta no es la mejor película que se haya hecho.

En general, siendo una historia semi autobiográfica escrita por el mismo Cuarón, la película está claramente influenciada por los recuerdos del director de su infancia, ya que vemos una atención amorosa prestada a los detalles más pequeños. No hay duda de que la brillantez de Cuarón como director de cine está en plena exhibición en esta increíble película. Casi todas las tomas son increíblemente hermosas, y algunas son extremadamente asombrosas. Utiliza el simbolismo de una manera magistral, sutil, casi discreta, y de forma eficaz. Esta fue una hermosa película para ver (no me aburrió en lo más mínimo), pero cuando todo terminó, quería algo más que imágenes memorables. Al final, Roma es una muy buena película. Su fortaleza es obviamente la belleza visual y la autenticidad. No necesitaba color para la narración visual y todas las actuaciones parecían genuinas. Esto parece como si fuera simplemente un documental que siguiera a estas personas, y eso realmente me impresionó. Entiendo el elogio increíble que esta película está recibiendo tanto por parte de los fanáticos como de los críticos, pero no puedo evitar pensar que la belleza de la cinematografía y las actuaciones compensan por una trama simplificada y una historia predecible. Alfonso Cuarón y Yalitza Aparicio sin duda merecen elogios interminables, pero a pesar de ser una muy buena película no puedo ponerla en la lista de las mejores películas que he visto este año.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Bird Box

Malorie (Sandra Bullock) es una artista que queda embarazada y se asusta ante la perspectiva de la maternidad, sin saber si quiere quedarse con el bebé después de que nazca. Apoyada por su hermana, Jessica (Sarah Paulson), Malorie visita un hospital para un chequeo de rutina, pero cuando se va, se encuentra con una horrible escena de suicidios en masa o algún tipo de ola psicótica que comenzó en el extranjero y finalmente se abrió camino hacia America. Buscando refugio de la violencia, Malorie termina en una casa con Douglas (John Malkovich), Tom (Trevante Rhodes) y un pequeño grupo de sobrevivientes. Al darse cuenta de que la presencia invisible tiene el poder de manipular las mentes si se les ve, el grupo intenta permanecer en el interior de la casa. Mientras los días se convierten en semanas y las semanas se convierten en meses, el grupo soporta desafíos para su salud mental, gracias a forasteros programados por la amenaza misteriosa para hacerlos ver. También entra a la casa Olympia (Danielle Macdonald), una joven embarazada que ofrece a Malorie la perspectiva de la responsabilidad materna que necesita para continuar durante este evento apocalíptico.

Bird Box es una película de suspenso/drama con un toque de horror sobrenatural, sin embargo, el formato es simple y está lleno de clichés habituales. En este caso, un grupo de individuos se mantiene en una casa tratando de escapar de una amenaza invisible que hace que las personas de todo el mundo se suiciden violentamente sin ninguna razón. La película se filmó en formato flashback donde el personaje principal, interpretado por Sandra Bullock, está en la última etapa de un viaje en el que intenta escapar con dos niños en bote por un río. Durante este viaje, ella reflexiona sobre la secuencia de eventos que la llevaron a este punto.

No hay nada nuevo en esta película, ya que abarca los clichés habituales de buscar provisiones, lidiar con conflictos y ver morir a otros miembros del grupo, a veces de una manera bastante cómica. Lo he visto tantas veces que es casi insultante señalarlo. Lo menciono porque considero que este es el primer defecto fatal de la película, la falta de originalidad. Las cosas solo empeoran a medida que la película está repleta de los habituales personajes de apoyo estereotipados, como el hombre homosexual, el hombre blanco odioso y el hombre negro gordo y cómico. Además, está la mujer blanca con sobrepeso, baja estima y embarazada, la anciana y el hombre o protector negro que cumple fielmente con sus deberes, pero que también tiene una agenda de intimidad relacionada con Bullock.

Estos personajes son lo que yo llamaría personajes desechables porque todos son accesorios temporales, recipientes fácilmente reemplazados que llevan la película a un destino cinematográfico insustancial. Sabemos que para ellos, el futuro es tan sombrío como sus líneas y que cada uno morirá. Este tipo de casting es insultante y revela fácilmente la poca profundidad del guión. Estas 2 fallas fatales adicionales aseguran un final anti-climático, porque hemos sabido desde el principio de la película, que Bullock vivirá, y todo lo que estamos haciendo es observar cómo todos los demás mueren.

Después de una hora de película, y cinco años después, todavía no se tiene una idea del origen y la naturaleza de la amenaza, y el grupo se reduce a Bullock, dos niños y Tom (el protector), que ahora es su interés amoroso. Apenas están sobreviviendo, cuando reciben una invitación para un puerto seguro en un complejo. Sin embargo, el clímax llega cuando su casa es invadida por los infectados, y el protector da su vida permitiendo que Bullock huya con los niños por el río con los ojos vendados hacia el complejo. El uso del origen sobrenatural y su propósito desconocido es el último defecto fatal. Las personas pueden relacionarse con el miedo, pero el miedo sobrenatural que está matando al azar a las personas es sin ninguna razón aparente, y no es un argumento convincente. Aunque hay un giro extremo al final, no compensa las fallas estructurales. Esos defectos son autoinfligidos por un guión vago y poco imaginativo.

Si busco alguna cualidad redentora en esta película, es el hecho de que está bien filmada, y podría describirse como una B-movie que tiene algunos actores de renombre que ofrecen actuaciones pasables. Las escenas en las que Sandra Bullock debe regañar o advertir a sus hijos son convincentes y bastante buenas, brindando una emoción con la que uno podría relacionarse. En general, se plantean muchas preguntas que nunca se responden, tiene personajes que actúan sin motivación o causa, y tiene demasiados agujeros en su trama. Esta es solo una historia muy poco original que toma muchos elementos de otras películas de terror y sus clichés. La falta de una explicación al porque está sucediendo todo le resta valor a las actuaciones de un reparto tan grande. Al final, Bird Box es una película que tiene una premisa demasiado similar a The Happening y A Quiet Place, pero se siente demasiado artificial y poco convincente. Está bien si una película no explica todo y deja algunas preguntas sin responder, pero a esta película no le importa explicar nada, y ni siquiera le importa desarrollar sus personajes.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: First Man

Con el avance de la Unión Soviética en la exploración espacial, Neil Armstrong (Ryan Gosling) se ha sometido a la causa, participando en la NASA y en su programa experimental, con el objetivo de poner a un hombre en la luna. Sufriendo silenciosamente la pérdida de su hija de tres años debido al cáncer, Neil desplaza lentamente a sus dos hijos y su esposa Janet (Claire Foy) para centrarse en su misión, haciendo equipo con otros astronautas, entre ellos Edward White (Jason Clarke) y Buzz Aldrin (Corey Stoll), a medida que se embarcan en el programa Gemini, ingresan a una rutina de pruebas y análisis implacables a medida que Estados Unidos se abre camino hacia el espacio. Conocido por su autocontrol y dedicación a la causa, Armstrong se abre camino, observando cómo muchos de sus compañeros mueren a lo largo de los años 60. En casa, Janet se niega a someterse al silencio de Neil, lo que lo obliga a enfrentar su pena mientras se prepara para hacer historia.

First Man es un drama biográfico histórico basada en la vida del astronauta Neil Armstrong y dirigida por Damien Chazelle. Protagonizada por Ryan Gosling en el papel principal, pinta un retrato bellamente contado y respetable de la vida del famoso astronauta y el significado de su contribución a la historia humana. En la década de 1960, la carrera espacial entre los Estados Unidos y la Unión Soviética está en su apogeo, y esta última tiene una clara ventaja sobre la primera. En un intento por superar a los soviéticos, Estados Unidos planea una misión tripulada a la luna, con el astronauta Neil Armstrong siendo el primero en poner un pie en la superficie lunar. A pesar de las profundas pérdidas personales que ha sufrido durante su entrenamiento y en su vida familiar, Armstrong acepta la misión, sabiendo muy bien que tal vez no pueda regresar con vida.

Magníficamente dirigida y actuada, la película es menos una historia sobre la propia carrera espacial y más sobre las luchas y la perseverancia del personaje principal. Ryan Gosling da lo que bien podría ser la actuación de su carrera. Su descripción matizada de Neil Armstrong nos muestra cuánto tiene que perder el astronauta si no sobrevive a un viaje tan monumental. Claire Foy también es digna de mencionar como la esposa de Armstrong, Janet. Su preocupación por el regreso seguro de su marido de la luna fueron representados brillantemente durante las escenas más emotivas de la película. El elenco de apoyo está lleno de caras reconocibles, como Kyle Chandler, Corey Stoll, Lukas Haas, Patrick Fugit, Ciarán Hinds, Ethan Embry y Shea Whigham. Una actuación destacada para mí fue la de Jason Clarke como Edward White, el primer estadounidense en hacer una actividad extravehicular en el espacio. Al principio pensé que no me iba a gustar el personaje, pero a mediados de la película me convenció.

El director Damien Chazelle demuestra su talento para la cinematografía creativa, mostrando la inmensidad del espacio y cuán pequeña e insignificante es la Tierra en comparación. Películas como esta realmente enfatizan cuánto ha logrado la humanidad en el corto tiempo que hemos existido y destacan aún más cuánto se necesita hacer. Una de las cualidades de First Man que noté casi al instante fue la cinematografía única que, en la mayoría de los casos, utiliza tomas de mano amplias y largas, lo que crea un aspecto muy íntimo y original. La otra cualidad principal es el hecho de que la mayor parte de la película se filmó con 2-Perf Techniscope, lo que le da un aspecto vintage muy orgánico. A veces, me opongo con un material de menor resolución para una película como esta, pero aquí encaja con la estética general.

Obtenemos algunas secuencias espaciales realmente espectaculares, ya que la forma en que se editan y se graban crean un temor casi puro. El diseño de producción es fantástico y, por supuesto, cuando llegamos a la secuencia de Apollo, las imágenes son elegantes y una experiencia fascinante. Lo único negativo es que su tiempo de duración es un poco largo. Algo se pudo haber resuelto cortando algunas de las escenas que duraron más de lo necesario, reforzando así parte del ritmo, ya que algunas de las escenas se prolongan por mucho tiempo. En general, es una de esas películas donde se sabe lo que va a suceder, pero no se puede evitar quedar atrapado en el creciente suspenso de sus grandes escenas. Es una historia no solo de logros, sino también de orgullo propio y del amor desinteresado de los que están más cerca de usted y es reconfortante saber que eso es lo que llevó al Sr. Armstrong a la luna. Al final, First Man no es una obra maestra, pero es una muy buena película que es notablemente bien ejecutada sobre una parte inspiradora y importante de la historia.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Spider-Man: Into The Spider-Verse

Miles Morales (voz de Shameik Moore) es un adolescente a punto de embarcarse en un viaje escolar privado en el que no está interesado, recibiendo una oportunidad de obtener una mejor educación, y complaciendo a su padre, el oficial de policía Jefferson Davis (voz de Brian Tyree Henry). Todo lo que Miles quiere es crecer, admirando a su tío Aaron (voz de Mahershala Ali) en busca de orientación callejera. Después de ser mordido por una araña radioactiva en las entrañas del sistema del metro, Miles se transforma en Spider-Man, un héroe que la Ciudad de Nueva York necesita cuando Peter Parker (voz de Chris Pine) es asesinado por Kingpin (voz de Liev Schreiber), causando estragos con el uso de un acelerador de partículas, y jugando con las dimensiones para su propio beneficio. Durante tal explosión, se abre un portal que trae a Peter B. Parker (voz de Jake Johnson), Spider-Woman (voz de Hailee Steinfeld), Peni Parker (voz de Kimiko Glenn), Spider-Noir (voz de Nicolas Cage), y Spider-Ham (voz de John Mulaney) a este mundo, forzando a Miles a manejar a los extraños del más allá y confrontar la influencia criminal de Kingpin, encontrando un despertar en la tutela de Peter, quien está lidiando con todo tipo de situaciones personales.

Spider-Man: Into The Spider-Verse es el último intento de Sony de asegurar su licencia para la franquicia Spider-Man del mundo de Marvel (como Venom), y es uno de los mejores esfuerzos no afiliados al MCU que Sony haya producido. Si bien Venom fue una actualización refrescante de la historia del origen del personaje, después de la desastrosa encarnación en Spider-Man 3, aún carecía de la presencia de su adversario más crucial, Spider-Man. Con la infelizmente divertida versión de Spider-Man de Tom Holland, Sony necesitaba mantener su única franquicia de superhéroes en la esfera pública. Sin embargo, esta vez, tomaron el paso audaz de animar la franquicia de Spider-Man con una historia centrada en el multiverso doppelganger de Miles Morales.

Para aquellos que no están familiarizados con Miles Morales, es un personaje afrolatino que se introdujo en el mundo de los cómics en el 2011, mientras Marvel experimentaba con la eliminación de su base homogénea y se dedicó a atraer a lectores de todas las culturas. En Spider-Man: Homecoming, es brevemente mencionado por la modesta versión de Donald Glover sobre The Prowler. Miles es un adolescente con padres amorosos que están dispuestos a asegurarse de que reciba una educación de clase mundial y la mejor oportunidad de éxito en un mundo peligroso. Cuando descubre sus poderes después de ser mordido por una araña radioactiva, tiene un encuentro casual con el verdadero Spider-Man y pronto se desmorona todo su mundo (literalmente) cuando un experimento de Kingpin trae múltiples versiones de Spider-Man a la realidad de Miles.

Este multiverso incluye dos versiones femeninas del héroe, dos versiones masculinas adicionales y una versión de cerdo inspirada en los Looney Toons. Suena como una receta para el desastre narrativamente. Pero sorprendentemente, la historia funciona increíblemente bien. Además, eso no es lo único que funciona bien en esta película. Spider-Man: Into The Spider-Verse combina la belleza de la animación del 3D con el aspecto estilizado del arte en papel. La unión crea una fascinante fantasía de animación lúcida que los dejará asombrados por su calidad durante la primera mitad de la película. Cuando terminen de ser hipnotizados por eso, todavía hay espacio para una historia sincera sobre la amistad, el descubrimiento del propósito y el amor por la familia, todas las cosas que se pueden esperar de esta franquicia.

Ahora, sería irresponsable ignorar el mensaje primordial de Stan Lee de que la diversidad del Spider-Verse (o Marvel en general) es algo bueno en una era de resistencia a la diversidad. Miles hace comentarios de esto, y también lo hacen todas las otras versiones de Spider-Man. Además, hay suficiente espacio en este mundo para múltiples versiones de este héroe y todos deberíamos darle la bienvenida a la versión actualizada de este personaje. En general, aunque no soy un gran fanático de las películas de animación, esta película es una deslumbrante muestra de estilo e historia, y la narración encuentra una forma de celebrar las altas y bajas de las épocas del Spider-Man de Toby McGuire y Andrew Garfield. Además, es tanto un homenaje al pasado como una celebración del futuro de esta franquicia. Al final, Spider-Man: Into The Spider-Verse es una divertida película familiar que está llena de acción en su máxima expresión, con algunos problemas menores aquí y allá. Si son fanáticos del universo de Marvel o de Spider-Man, les encantará. Nota adicional: hay una escena extra entre los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Mortal Engines

En un mundo futuro destruido por la guerra, la civilización se ha retirado a las ciudades de tracción, encontrando naciones enteras viajando a lo largo de los continentes, con ciudades depredadoras como Londres que atrapa comunidades pequeñas en busca de combustible y bienes. Thaddeus Valentine (Hugo Weaving) es un líder famoso en Londres, que mantiene la paz en la búsqueda de "tecnología antigua", que representa la cara del futuro mientras los ciudadanos trabajan y juegan en la metrópolis. Pronto será blanco de muerte por Hester Shaw (Hera Hilmar), una joven con vínculos pasados ​​con Thaddeus, pero su intento de asesinato se ve frustrado por Tom Natsworthy (Robert Sheehan), quien es leal a Londres, pero en última instancia sabe demasiado, y es expulsado de la ciudad de tracción por Thaddeus, uniéndose a Hester en las desoladas tierras. Mientras cruzan el despiadado terreno, Tom y Hester se conocen. Al Hester revelar la historia de lo que le sucedió, Tom decide unirse a su causa contra Thaddeus. También se enfrentan a Shrike (Stephen Lang), un cyborg que está cazando a Hester y persiguiendo al par mientras buscan a la rebelde Anna Fang (Jihae).

En esta era de películas de aventuras, precuelas innecesarias y secuelas interminables, los fanáticos del cine deberían ver por sí mismos lo que yo llamaría la pieza más original de narración cinematográfica en años: Mortal Engines. Basada en la novela del mismo nombre de Philip Reeve, la historia se desarrolla mil años en el futuro, luego de que un conflicto nuclear catastrófico ha acabado con la mayoría de la humanidad y muchos de los sobrevivientes se han trasladado a ciudades móviles conocidas como ciudades de tracción o ciudades depredadoras. Estas comunidades sobreviven y crecen cazando y capturando pueblos más pequeños, despojándolos de sus recursos y absorbiendo a sus poblaciones.

Londres es una de esas ciudades, y hogar de nuestro héroe Tom Natsworthy, quien se ve expulsado cuando trata de evitar un intento de asesinato contra el arqueólogo y líder Thaddeus Valentine por la muy muy enojada Hester Shaw. Cazados por un cyborg imparable, Shrike, y atrapados en el desierto, el dúo de Hester y Tom coinciden con la rebelde Anna Fang y juntos deben encontrar una manera de frustrar el plan de Valentine para hacer de Londres la ciudad más poderosa de la Tierra... a costa de muchas vidas. Estaba predispuesto a disfrutar de esta película, sin embargo, puedo decir honestamente que la película fue espectacular. El guión de Peter Jackson, Fran Walsh y Philippa Boyens aporta una narrativa matizada a una serie ininterrumpida de ritmos de acción.

La sorprendente secuencia de persecución inicial de Londres avanzando hacia una ciudad más pequeña mientras corren por el desolado paisaje es diferente a todo lo que he visto antes e inmediatamente te hace saber que este es un mundo único que estarás viendo durante las próximas dos horas. Hacia su clímax, el guión se convierte en uno melodramático, y ​​la acción se va un poco a lo Star Wars, pero para entonces ya te has familiarizado con los personajes y estás profundamente sumergido en el mundo de Mortal Engines. Siendo este el debut de Christian Rivers como director (el asistente de efectos y artista de guiones gráficos en muchas de las películas de Peter Jackson), la película es un ataque a todos los sentidos, lleno de tomas intrincadamente detalladas que exige múltiples vistazos para captar todos los pequeños detalles. Las imágenes son realmente lo que brilla en esta película. No puedo pensar en un solo momento donde el CGI fuera negativo o un desastre en esta película.

Las actuaciones por parte del elenco son decentes. Nada extraordinario, pero una vez más, no tengo ninguna queja. Lo mismo va para la historia. Como alguien que nunca ha leído el libro en el que se basa esta película, la disfruté prácticamente hasta el final. Lo único que falta es un poco de desarrollo de carácter. Obtenemos algunos antecedentes de los personajes en flashbacks, pero eso es todo. Christian Rivers debería ser aplaudido por la increíble realización de este mundo, ya que logra darle un giro al tema post-apocalíptico, filtrándolo a través de lentes similares a las obras de Terry Gilliam o Dune de Alejandro Jodorowsky.

En general, esta película está lejos de ser perfecta. Tiene algunos momentos débiles en términos de diálogo y tropieza con uno o dos clichés. Pero incluso esos momentos más débiles no son absolutamente malos, lo que ya lo hace mucho mejor que la mayoría de los grandes éxitos de taquilla de estos días. Pero cuando toca las notas altas, realmente la golpea con fuerza. Disfruté cada segundo de ella, y se puede decir que hubo mucho trabajo y pasión por hacer que esta película se viera genial. El diseño de vestuario se suma a una apariencia única de steampunk que me hizo ir "WOW", escena tras escena. El mundo e incluso algunos momentos de la acción me recordaron la primera trilogía de Star Wars. La historia puede ser un poco predecible a veces, pero nuevamente, siempre mantiene a uno envuelto. Es una película sólida bajo cualquier estándar. Al final, Mortal Engines es verdaderamente un espectáculo visual digno de contemplar. Sin embargo, los elementos no visuales de la película necesitan unos pequeños arreglos para bombear algo de suspenso en el motor para alimentar esta película. Podría venir una segunda entrega, pero si es así, podría usar parte de esta integración y reparación para llevar estas pequeñas limitaciones al siguiente nivel.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Bumblebee

Los Decepticons están ganando la guerra en Cybertron, obligando a Optimus Prime (voz de Peter Cullen) a dispersar a los Autobots restantes a través de la galaxia, eligiendo enviar Bumblebee (voz de Dylan O’Brien) a la Tierra para esperar más instrucciones. Aterrizando en California en 1987, Bumblebee es dañado en combate por un Decepticon, quedandose sin su memoria y su voz, y camuflajeandose de Volkswagen Beetle. Charlie Watson (Hailee Steinfeld) es una adolescente que tiene problemas para superar la muerte de su padre, ya que se encuentra en un callejón sin salida del que está dispuesta a escapar y que necesita desesperadamente un automóvil. Encontrando a Bumblebee en un cementerio de automóviles, Charlie lleva el auto a casa para repararlo y usarlo. Lo que realmente encuentra es un confundido y mudo guerrero de Cybertron que necesita ayuda. A medida que la pareja se convierte en amigos, los problemas se avecinan, con los Decepticons Shatter (Angela Bassett) y Dropkick (Justin Theroux) encontrando su camino a la Tierra, hablando con el científico del Sector 7, el Dr. Powell (John Ortiz) para unirse a su causa para encontrar a Bumblebee, mientras que el Agente Jack Burns (John Cena) tiene su propio rencor contra los Autobots, pero no confía en los Decepticons.

Siendo un niño de los 80 y habiendo crecido viendo los Transformers originales, debo decir que esta reciente película de Bumblebee me recuerda mucho a la era de la Generación 1 (1984 al 1986). En 2007, cuando se anunció la película live action de Transformers, estaba sumamente emocionado. La película salió y fue buena. Me entretuvo. Era simplemente demasiado Michael Bay y no tenía la sensación suficiente de los muñequitos y la fantástica película animada de 1986. Luego salieron las siguientes secuelas y no ayudaron a la franquicia de los Transformers. Estas películas son solo para que Michael Bay haga un sin fin de explosiones y efectos especiales. Por qué no podía tomar otra franquicia para poner su sello?

Después de cinco películas de Bayformers, (sin embargo, la primera película de Transformers del 2007 ocupa un lugar muy especial, ya que fue la primera película de live action que los presentó en la pantalla grande) estaba a bordo desde el principio con este proyecto. Cuando se anunció que sería una película de Transformers sin Michael Bay, me emocioné. Desde el trailer original, parecía una película pequeña centrada en el personaje de Charlie Watson y Bumblebee. Quiero decir, sí, es una gran película de acción, pero iba a estar más centrada en el personaje de Bumblebee con una trama optimizada. Las características de los muñequitos fue grande en los años 80 con personajes que la gente se podía asociar. Diciendo esto, puedo confirmar felizmente y sin lugar a dudas, que esta es la película de Transformers que los fanáticos merecían.

El director Travis Knight ha hecho una película sobre cómo encontrar una voz frente a la adversidad. Charlie es una joven que acaba de perder a su padre, tiene problemas para adaptarse a los niños de su edad y es la marginada de su familia cuando su madre intenta seguir adelante. Pero su vida cambia después de que aparece Bumblebee. Es en gran medida un extraterrestre que cayó a la tierra que se hace amigo de un humano. No me sorprende con Steven Spielberg como uno de los productores ejecutivos que la película tenga cierto parecido a E.T., y lo digo en todos los buenos sentidos ya que Charlie y Bumblebee se hacen amigos desde el principio. John Cena es parte del ejército que ve a Bumblebee como una amenaza y, por supuesto, hay oficiales del gobierno, militares y científicos que creen que pueden aprender de los dos Decepticons, Shatter y Dropkick, que aparecen después de la llegada de Bumblebee.

La película tiene alma, lo que le da tiempo a los personajes para desarrollarse y evolucionar. Hailee Steinfeld le da a Charlie mucha emoción. John Cena obtiene algunas frases y momentos típicos del hombre malo, pero incluso logra una buena evolución durante el transcurso de la película. Estando ambientada en los años 80, la extienden de la mejor manera. El soundtrack es increíble con algunos de los mejores éxitos de la era, entre ellos: Everybody Wants To Rule The World de Tears For Fears, Higher Love de Steve Winwood, Take On Me de A-Ha, Save A Prayer de Duran Duran, I Can't Drive 55 de Sammy Hagar, Weird Science de Oingo Boingo, Girlfriend In A Coma de The Smiths, entre muchos otros. Incluso aparece The Touch de Stan Bush de la película animada de 1986. Estarán cantando cada canción mucho después de que termine la película. El diseño de los Transformers es mínimo, y se adapta mucho a los tiempos y al diseño menos irregular orientado en las películas de Michael Bay.

No puedo hacer esta crítica sin mencionar las escenas de acción. Knight toma muchas de las escenas no de cerca, pero con un diseño minimalista, donde toda la acción se puede ver y digerir. Hay batallas grandes (incluyendo una secuencia de apertura en Cybertron) que parece que han sido arrancadas de los muñequitos. Puedo expresar lo feliz que estaba cuando había una escena de persecución en la que no sentía que estaban lanzando cosas a la pantalla o teniendo una explosión después de otra. Se junta bien con las películas de Michael Bay si esto es realmente una precuela. Pero para mí, espero que esto sea un reinicio de una nueva serie de películas de live action de Transformers. Ahora podemos decir que las películas de Michael Bay realmente no existen y, afortunadamente, esta es una nueva versión de la franquicia. Optimus Prime tiene un cameo en la película (solo aparece 2 minutos en la película, y en diferentes partes) y no eclipsa a nuestro personaje principal.

En general, no tiene el factor sorpresa de ver a los Transformers en la pantalla por primera vez, pero está tan llena de grandes momentos de acción, corazón, emoción, amor por esta franquicia y sobre todo diversión. Al final, Bumblebee es la película que los fanáticos de Transformers han estado esperando. Es una gran película y el director Travis Knight ha creado la película más cercana a la película animada de 1986, y por eso estoy agradecido. El deshacerse de Michael Bay fue un gran decisión que beneficia a todos y, literalmente, salvó esta franquicia. Quédense después de los créditos para una escena adicional.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Bumblebee

Review: Luciferina

Natalia (Sofía Del Tuffo) es una joven de 19 años que vive en un convento como novicia para escapar de un hogar caótico y estresante. Ella está contenta con su elección, hasta que la Madre Superiora le informa que su madre murió en un accidente y que su padre resultó gravemente herido. Natalia odia el volver a casa, pero la Reverenda Madre le insiste. En casa, Natalia encuentra a su hermana, Angela (Malena Sánchez), que no está nada contenta de que Natalia la haya abandonado. Sin embargo, el vínculo entre las hermanas sigue siendo fuerte y Angela le pide a Natalia que se una a ella y sus amigos en la jungla para un ritual chamánico que involucra una droga psicotrópica llamada ayahuasca que les permitirá explorar su interior y quizás, en el camino, exorcizar a algunos demonios. Acompañadas por el novio abusivo de Angela, Mauro (Francisco Donovan), el dulce Abel (Pedro Merlo), el sabelotodo de Osvaldo (Gastón Cocchiarale) y la frágil Mara (Stefanía Koessl), se aventuran en las selvas de Argentina. Allí encuentran a un chamán en una abadía en ruinas y abandonada, en la que Natalia ha estado teniendo pesadillas. Después del ritual, sus amigos comienzan a tener visiones horribles y se hace evidente que Natalia se enfrenta a una poderosa fuerza sobrenatural que intenta matar a sus amigos y tener relaciones sexuales con ella para engendrar una abominación. Con la ayuda de una comadrona (Marta Lubos), quien dio a luz a la bebé de las visiones de Natalia, tendrá que enfrentarse a un enemigo que podría traer el fin del mundo.

Importado por los españoles en el siglo XVI, el catolicismo romano se ha convertido en la religión dominante de Argentina. Su influencia cultural ha sido profunda, pero como en otras partes del mundo, ahora es practicada de forma sencilla por la mayoría de sus seguidores. Para una adolescente el poner todo su corazón en convertirse en monja es algo bastante peculiar. Sin embargo, eso es lo que Natalia ha hecho, y ella parece felizmente contenta con sus tareas diarias en los fríos salones de mármol de su convento hasta que recibe otro llamado. Su padre se ha enfermado gravemente y el convento no es un lugar para esconderse del mundo, dice firmemente la madre superiora. Ahora Natalia debe ir y cuidar de él.

Natalia odia el hogar de su infancia, ya que está claramente lleno de recuerdos infelices, y ahora se ha vuelto aún más desagradable por la presencia del novio sexualmente agresivo de su hermana. En este ambiente tenso, Natalia tiene visiones que se relacionan con su madre muerta y un misterioso santuario. Tal vez sea su curiosidad acerca de esto lo que la convence de unirse a los amigos de su hermana en un viaje a la jungla para tomar ayahuasca. Allí, comienza a cuestionar sus sentidos incluso antes de que la droga haga efecto, porque en la sombra del arruinado manicomio católico donde se llevará a cabo la ceremonia, se encuentra con el mismo santuario de sus visiones.

Como nota aparte... el vino o la bebida de ayahuasca es poco conocida fuera de las Américas. Tradicionalmente se mezcla con un té para uso en ceremonias espirituales entre los pueblos de la cuenca del Amazonas, y es conocido por inducir alucinaciones intensas, sentimientos de muerte o de estar cerca de la muerte, y una sensación de descubrimiento del verdadero yo. Los chamanes están dispuestos a ofrecer la experiencia a aquellos que la buscan, independientemente de su origen cultural, y como tal ha ganado una posición importante en la intersección de múltiples tradiciones religiosas en la región.

Esta película vívidamente atmosférica del director Gonzalo Calzada es en sí misma un espacio en el que la realidad y los sueños se superponen, en el que las estructuras narrativas formales se rompen a medida que la heroína se esfuerza por controlar su identidad y su destino. Aquí, la tradición católica está profundamente enredada con la práctica y la creencia chamánica, al igual que la jungla se ha entrelaza a través y alrededor de los edificios magníficos y desmoronados de la abadía. El chamán le da la bienvenida a Natalia como alguien cuya venida ha sido anunciada. Ella tiene visiones de una mujer gritando sostenida sobre un altar por monjas que creen que está poseída. Pronto, las personas con las que llegó están corriendo por sus vidas y todo lo que puede hacer es tratar de sobrevivir y proteger a los demás cuando sea posible. Ella está asustada de una manera que nunca ha estado antes. Aquí, el diablo es una presencia muy real y Natalia se rebela contra una profecía que no es de su agrado.

El estilo delirante de la película se junta con un gran drama. Con los buenos resultados de los actores jóvenes, logra un poder real en algunos lugares, pero tiene unos problemas de ritmo y algunas secuencias relacionadas con el diabolismo se prolongan durante demasiado tiempo. Las personas con fuertes creencias católicas pueden encontrar este problema menor, ya que las preocupaciones espirituales a veces tienen prioridad sobre otros aspectos de la psicología de los personajes. La iconografía de la religión está en todas partes, desde la vestimenta simbólica del chamán hasta las velas en la cripta donde comienza la ceremonia, creando círculos de luz y círculos de sal. Todo esto choca con la magia orgánica de la jungla, que promete un poder que Natalia podría utilizar sobre sí misma si puede reunir la voluntad, y si puede conectarse con la sexualidad que siempre ha procurado reprimir.

En general, el tema de la concepción y el nacimiento están codificados en todas partes aquí. Existe la etimología del nombre de Natalia, la recurrencia temática del aborto y la violación, y la configuración falopiana de las pinturas grotescas dejadas por la difunta madre de las hermanas o incluso del peculiar crucifijo que se le da a Natalia. Pero una vez que Natalia beba la ayahuasca, surgirán verdades pasadas y se revelarán verdaderas identidades. Al final, Luciferina es una película de terror que toma oposiciones convencionales. Cristiano contra pagano, ángel contra demonio, bien contra mal, y los fusiona de una manera compleja y potente. Es larga y algo repetitiva, pero nos guía junto con sus personajes en un viaje emocionante a través de una historia de ascendencia y espiritualidad de los argentinos. Sin embargo, tiene su encanto y puede destacarse como una de las películas de terror más atrevidas de los últimos años con una temática religiosa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Aquaman

En la década de 1980, Atlanna (Nicole Kidman) escapó de un matrimonio arreglado en Atlantis, encontrando refugio dentro del faro de Tom Curry (Temuera Morrison). Pronto la pareja se enamora y tiene un bebé llamado Arthur (Jason Momoa). Cuando los soldados de Atlantis emergen de las profundidades para reclamar a Atlanna, Arthur se queda al cuidado de Tom, criado con actitud humana y poderes de Atlantis. Décadas más tarde, Arthur es conocido como el Aquaman, que ayuda a los necesitados en el océano entre jarras de cerveza, pero se están gestando problemas en Atlantis, con el gobernante el rey Orm (Patrick Wilson) tratando de desencadenar la guerra con el mundo de la superficie, y exigiendo la aprobación de los líderes de los siete mares, incluido el rey Nereo (Dolph Lundgren). Cuando Orm amenaza a todos con sus poderes, la hija de Nereus, Mera (Amber Heard), busca la ayuda de Arthur como una forma de prevenir un desastre. No acostumbrado a las reglas y jerarquías submarinas, Arthur se une a Mera en la búsqueda de un tridente mítico con la esperanza de derrotar a Orm y restaurar el orden, pero el pirata de alta mar Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II) se interpone en su camino, ansioso por cobrar una deuda personal con Aquaman.

Durante décadas, Arthur Curry/Aquaman ha sido objeto de infinitas burlas, gracias a una apariencia que se remonta a la década de los años 70 cuando apareció en la serie de dibujos animados titulada Super Friends. Pero todo eso cambió después de que Zack Snyder seleccionara por primera vez a Jason Momoa para interpretar al personaje principal, comenzando con su breve aparición en Batman V Superman: Dawn Of Justice en 2016, y finalmente haciendo una impresión duradera en un papel más importante el año pasado en Justice League. En su primera película solo de Aquaman, Arthur Curry descubre que en realidad es el legítimo heredero al trono de Atlantis. Pero él no quiere nada que ver con eso hasta que su hermanastro Orm planea lanzar una guerra total contra el mundo de la superficie. Esto lleva a Arthur a cambiar de opinión y, posteriormente, unir fuerzas con la hija del rey Nereus, Mera, para detener a Orm.

Después de la aclamada Wonder Woman y antes de tropezar con el resultado de Justice League, parecía que el DCEU continuaría en una situación difícil. Cuando escuché por primera vez que James Wan sería el director de esta película de Aquaman, mantuve mis expectativas bajas. Es posible que sea un cineasta de terror establecido como lo demuestran Saw y las dos primeras películas de The Conjuring. Sin embargo, aún estaba escéptico de que él manejara una película de superhéroes de gran presupuesto, ya que también es su primera película en este género. Afortunadamente, y para mi sorpresa, Wan se las arregló para lograrlo e incluso superó mis expectativas. Felicitaciones a Wan y sus guionistas por tomar la decisión correcta de no convertir a Aquaman en una película de superhéroes oscura. En cambio, fueron lo suficientemente inteligentes como para abarcar la naturaleza general del personaje comprendendiendo claramente que algunas películas de superhéroes no deben tomarse en serio. Esta es la razón por la que Aquaman trabaja tan bien a su favor como un gran éxito de taquilla.

Basta con decir que es como ver una B-movie disfrazada de un éxito de taquilla con un gran presupuesto, y lo digo de muy buena manera. Tiene un humor cursi pero es bastante divertido sin ser demasiado excéntrico. Aquaman no es solo un entretenimiento a gran escala, ya que Wan también encuentra el equilibrio adecuado entre su premisa fantástica y una historia fundamentada que enfatiza fuertemente los conflictos familiares, lo que a su vez, le da a la película su alma. Si eso no es suficiente, Wan rinde homenaje a muchas películas clásicas de Hollywood del pasado, que van desde la aventura de las películas de Indiana Jones hasta el montaje de entrenamiento que recuerda a Karate Kid e incluso logra su sensibilidad de horror durante un elaborado ataque nocturno entre Aquaman y Mera contra las terribles criaturas de The Trench.

El elenco es igualmente espectacular. Tanto Jason Momoa como Amber Heard poseen una gran química juntos. Hablando individualmente, Momoa demuestra que no tiene ningún problema para llevar su propia película como actor principal, mezclando una actitud machista y rebelde con una presencia dominante en la pantalla. Amber Heard tampoco se queda atrás, ya que se las arregla para defenderse como Mera. En cuanto al resto del elenco, Patrick Wilson ofrece un apoyo sólido en su papel antagonista como Orm, mientras que Yahya Abdul-Mateen II hizo el mejor uso de su tiempo limitado en pantalla como Black Manta. Tristemente su personaje se sintió poco subdesarrollado y, lamentablemente, solo aparece durante las secuencias de acción y nada más. Willem Dafoe aporta grandemente a su papel de Vulko como asesor de Atlantis y entrenador personal de Aquaman. También es bueno ver a Dolph Lundgren en una importante producción de Hollywood como el rey Nereus y también padre de Mera. Luego, está Nicole Kidman, en su regreso al género de superhéroes desde Batman Forever en 1995, y esta vez se le da un mejor papel. Como la reina Atlanna, ella es más que un rol de madre obligatorio para cumplir la historia de origen de Aquaman, es un personaje fuerte y ferozmente independiente que sabe cómo defenderse contra sus enemigos. También estén pendientes a Julie Andrews, que proporciona una voz dominante como la mítica criatura submarina conocida como el Karathen.

James Wan hace aquí todo lo posible por incorporar cada una de las mejores experiencias técnicas y de narración que ha aprendido previamente al trabajar tanto en películas de terror como de acción. Se acabó la estética de las cámaras inestables, ahora él sabiamente favorece muchos ángulos amplios y tomas largas e incluso algunas tomas ininterrumpidas (la escena extendida de Sicilia viene a mi mente) en todas las secuencias de acción. El resultado es sin lugar a dudas una de las mejores experiencias cinematográficas, fue épico! Wan también ha creado con éxito un mundo submarino de Atlantis, vívidamente realizado y meticulosamente detallado (del tipo del que James Cameron se habría sentido orgulloso). Los diseños de vestuario son simplemente espectaculares y la mayoría de los efectos de CGI son visualmente fascinantes, impresionantes y asombrozos. El soundtrack merece una mención especial, ya que combina efectivamente composiciones de sintetizador inspirados en los años 80 y los increíbles ritmos orquestales de Hans Zimmer.

En general, cuando se adapta un comic a la pantalla grande, la gran mayoría de los directores simplemente lo adaptan... obviamente hay excepciones, pero el comic no se traduce de una página a una película, o al menos eso nos han dicho. Esta es una de las películas de comics más precisas que he visto (excepto el protagonista, que no se parece en lo absoluto al Aquaman de los comics). La película tiene un ritmo rápido, pero aún así logra generar historias sólidas y motivaciones claras tanto para los héroes como para los villanos. Es sin duda una de las mejores películas de superhéroes después de The Dark Knight y el nombre de Aquaman será recordado gracias a esta película. Al final, Aquaman es fácilmente una, si no, la película mas fiel que se ha hecho de un comic. James Wan ofrece una increíble película llena de escenas de lucha, momentos sinceros, cinematografía asombrosa y arte inspirador. Esta no es una película típica de superhéroes, esta película es otra cosa. En realidad, es una obra maestra de DC que está llena de emociones y de un drama familiar, pero lo más importante es que cada película que se adapte de un comic debe tener esto de ejemplo como su objetivo final. Recuerden no dejar sus asientos una vez termine la película, hay una escena adicional entre los créditos.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 18 De Diciembre Del 2018

Venom (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target y la Limited Edition Foldout Glossy Package exclusiva de Amazon)

The Predator (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y las DigiBook y DigiBook con un Funko POP! de Target)

The House With A Clock In Its Walls

Schindler's List - 25th Anniversary Edition

A Simple Favor

Assassination Nation

Review: Creed 2

Adonis Creed (Michael B. Jordan) acaba de ganar el campeonato de peso pesado, consolidando su carrera ascendente como boxeador, y siendo el hijo de Apollo Creed. Al regresar a su vida normal, Adonis se casa con Bianca (Tessa Thompson) y decide seguir su consejo de mudarse a Los Angeles, pero no está seguro de dejar atrás a Rocky Balboa (Sylvester Stallone). Mientras Adonis intenta enfocarse en los cambios importantes de su vida futura, Ivan Drago (Dolph Lundgren) emerge de Ucrania con su hijo, Viktor (Florian Munteanu), en busca de una pelea con Adonis, teniendo un ángulo de venganza ya que Ivan mató a Apollo hace treinta años. Rocky no quiere tener nada que ver con el combate, dejando a Adonis con su propio ego mientras el joven boxeador intenta reescribir la historia, enfrentándose a un poderoso oponente que fue criado para darle a Ivan la gloria rusa que le fue negada hace mucho tiempo.

Cuando se trata de las películas en la franquicia de Rocky, se puede predecir cómo terminará cada película con lo que sucede durante el primer acto. Esto es algo tanto positivo como negativo. Cuando Creed llegó a los cines en el 2015, quedé impresionado al pensar que probablemente se convertirá en la mejor película de toda la franquicia. Sin duda alguna, eso es una tarea difícil de seguir en Creed 2 y, aunque no alcanza todos los pasos necesarios para ser clasificada como una de las mejores de la franquicia, tengo muy pocas quejas sobre esta secuela. El pasado del joven Adonis Creed no es nada feliz ni color de rosas. Ahora tiene decidido vengarse de la muerte de su padre, quien fue asesinado por Ivan Drago en la cuarta película, al presentarse la oportunidad de luchar contra el hijo del hombre que le ha causado mucho dolor a lo largo su vida. Si bien esta premisa puede parecer una forma de complacer a los fanáticos de las secuelas del pasado, realmente no es eso en lo absoluto. Mientras que las peleas valen la pena ser vistas, los obstáculos que enfrenta y atraviesa Adonis en su vida personal durante el tiempo de duración de la película fueron fantásticos de ver.

Michael B. Jordan sigue sorprendiéndome cuando se trata de sus actuaciones. A pesar de que no siempre ha estado en películas dignas de algún premio, sus interpretaciones siempre han sido muy buenas. Una vez más, encarna al personaje de Adonis Creed con suficiente emoción y energía para llevar esta película de principio a fin. Su química con Tessa Thompson ha mejorado desde la primera película e incluso profundiza en su relación un poco más en esta ocasión. Su relación alcanza nuevas altas y bajas, lo que recuerda mucho a la forma en que Rocky y Adrian estuvieron en la segunda película de Rocky. Dolph Lungdren y Florian Munteanu fueron los villanos perfectos, pero a diferencia de la mayoría de las películas, se ve la pérdida que estos villanos soportaron y lo que les da forma a sus personajes. No pude evitar sentir un poco de lástima por ellos, particularmente por la interpretación de Florian como el hijo. Sylvester Stallone es obviamente excelente como Rocky, y fue más sensato que nunca en esta película. Fue inteligente ver la forma en que lo siguen desplazando cada vez más a un papel de apoyo, recordando que él no es el énfasis aquí. El núcleo emocional de esta franquicia no se ha perdido y me gustó cada momento de drama tanto como me gustaron las peleas de boxeo, que también fueron increíbles.

Después de que Ryan Coogler partiera como escritor y director (después de haber hecho la primera película), me encontré un poco preocupado de que Creed se convertiría en un rayo que cae solo una vez en el mismo lugar, pero ese no es el caso. Colocado en las manos de Sylvester Stallone para escribir el guión y entregado al director recién llegado Steven Caple Jr., tenemos una secuela casi superior. La presentación del personaje de Adonis fue llevado a la pantalla en la primera película de una manera muy cautivadora y eso no se captura exactamente aquí, sino que el personaje se explora más a fondo. Tomar a los personajes y expandir sus historias es lo que se supone que debe hacer una secuela y ésta lo hizo a la perfección.

En general, la única debilidad de Creed 2 es el hecho de que a veces se siente algo repetitiva, ya que se puede ver hacia dónde se dirige la película la mayor parte del tiempo, pero eso no quita que sea extremadamente efectiva. Me encontré al borde del asiento durante las peleas y me sumergí emocionalmente en todas las sorpresas que hay a lo largo de la película. Esto realmente se siente como una conclusión de la franquicia, pero no me importaría ver una tercera entrega si se hace tan bien como estas dos primeras. Al final, Creed 2 no se trata realmente de boxeo y tampoco se trata de ganar o perder. Se trata del amor familiar, especialmente del amor de padres a hijos, el distanciamiento, la pérdida, el perdón, la redención y la reconciliación. La película trata de los verdaderos valores familiares y de las cosas mucho más importantes que hay en esta vida. Aunque las escenas de boxeo son geniales, solo son incidentales al tema general de la familia en la película. Esta es una fantástica secuela y una sólida continuación del legado de Rocky/Creed. Si son fans de esta franquicia, les recomiendo que la vean.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Aquaman

Review: The Possession Of Hannah Grace

Después de experimentar un incidente traumático que involucró el matar a un sospechoso armado, la ex policía Megan Reed (Shay Mitchell) está tratando de reconstruir su vida después de caer en la adicción a las drogas para hacer frente a sus pesadillas. Con la ayuda de su amiga y patrocinadora Lisa Roberts (Stana Katic), Megan consigue un trabajo en la morgue de un hospital de Boston trabajando en el turno de la noche y dejada sola para procesar, fotografiar y almacenar los cadáveres que llegan. El trabajo le da soledad para concentrarse en su recuperación, pero se encuentra con un cadaver especialmente preocupante en Hannah Grace (Kirby Johnson), una mujer que llegó a la morgue cortada y quemada. Incapaz de procesar el cuerpo debido a un desperfecto mecánico, Megan intenta almacenar a Hannah, solo para encontrar que el cadáver no está dispuesto a permanecer muerto. Los problemas se duplican para la nueva empleada cuando Grainger (Louis Herthum), el padre de Hannah, se adentra en el edificio e intenta quemar el cuerpo antes de que alguien más entre en contacto con ella.

Las películas de posesiones demoníacas es casi un género en sí mismo ya que The Exorcist creó el camino para muchas imitaciones, pero es justo decir que ninguna película ha superado la intensidad y profundidad de ese clásico de terror. Puede sonar extraño para una película que presenta cabezas giratorias y proyectiles de vómito, pero su éxito se debió principalmente a la sutileza en que se mostraron las grandes cantidades de sangre y el caos. En las manos equivocadas, las películas de posesión (o las películas de terror en general) pueden convertirse rápidamente en algo insustancial en lugar de ser temibles y convincentes, por lo que un buen director puede marcar la diferencia.

Como director, Diederik van Rooijen hace poco más que confiar en técnicas antiguas y ninguna técnica demasiado sutil para crear sin éxito algún tipo de suspenso con puertas que se abren mágicamente por sí mismas, objetos desechados que regresan y sombras que se mueven siniestramente más allá de la cámara. También utiliza los típicos clichés del género de terror, algunos incluso varias veces. Esto simplemente no da miedo en lo absoluto a aquellos que han visto muchas películas de terror. Esta película trata de mezclar la trama básica de The Lazarus Effect, con el inquietante concepto de The Autopsy Of Jane Doe, lanzando la actuación contorsionista de The Exorcism Of Emily Rose para un poco de horror corporal. Desafortunadamente, no hace esto tan efectivamente como quiere.

Debo admitir que la película hace un buen trabajo con su escenario al capturar la atmósfera oscura de la morgue con sus luces automáticas que se encienden y apagan, lo que hace que The Possession Of Hannah Grace sea al menos atmosférica, y en muy pocas veces, tensa. Sin embargo, esta tensión es efectivamente eliminada por un exceso de saltos de miedo. Algunos de ellos, bien cronometrados y poco utilizados, pueden ser efectivos, pero su uso excesivo es actualmente la pena de muerte número uno en las películas de terror. Si esos saltos se usan con demasiada frecuencia o en un momento obvio, se vuelven obsoletos y tan predecibles que realmente pueden verlos venir, como ocurre aquí.

Kirby Johnson como Hannah Grace es la actriz que brilla entre todos los actores de esta película. Su actuación física es llevada a un nivel de asombroso. Ella parece ser capaz de romper los huesos debajo de su piel a voluntad, y se retuerce de manera inhumana. Ver a su criatura cruzar como una araña es increíble, ya que parece hecha de cristales rotos. Su actuación es lo único que hace que esta película valga la pena verse. Shay Mitchell tiene un buen rol como la protagonista fuerte e ingeniosa, y Nick Thune tiene un papel pasable como el personaje de alivio cómico y inicialmente algo molestoso, pero se vuelve más completo durante el transcurso de la película.

Ahora... la queja principal que tengo es el hábito actual de Hollywood de doblar la rodilla hacia la censura. Solía ​​haber una vieja regla de que las películas de terror con violencia y/o imágenes perturbadoras también podrían contener algo de desnudez con su clasificación R. Esos días han quedado atrás. Aunque no hay escasez de violencia, sangre, mutilaciones y extremidades rotas, aparentemente a alguien le preocupaba que la gente no pudiera manejar un poco de desnudez. Si el contenido sexual es un problema, hay formas creativas de evitarlo unas cuantas veces, pero definitivamente hay un problema cuando los cineastas hacen todo lo posible por evitar mostrar a su personaje principal totalmente desnuda a toda costa. Con ángulos de cámara, efectos de maquillaje, oscurecimiento con otras partes del cuerpo y una filmación desenfocada, cada truco del libro se usa para mantener un poco de piel fuera de la vista que no esta destinada a ser erótica en primer lugar. Uno se pregunta quiénes se beneficiaron de todos estos esfuerzos. No se debió a una actriz menor edad (Kirby Johnson tiene 22 años), o es que ella tenía una cláusula de no desnudez en su contrato? Querían distanciar la película de las películas del género slasher para ser más generalmente atractiva? O es que el estudio tenía miedo de asustar a una audiencia actual que se siente incómoda con la desnudez casual? Supongo que el tiempo lo dirá.

En general, la repetición y la ridiculez son los dos pecados principales y mortales de esta película y su caída final de una buena película de terror a una mala. En lugar de dar miedo, todo se hace de manera exagerada y un poco ridícula. El "demonio", si bien es genuinamente perturbador y capaz de proporcionar varias amenazas legítimas, recibe un conjunto de habilidades tan lejos de lo normal para un demonio que la película habría sido más útil si se hubieran eliminado por completo la explicación religiosa y se hubiera ido más en la línea de una película con una criatura amenazante. Bajo esa premisa, podía haber observado esto con horror, preguntándome qué era exactamente este monstruo misterioso, qué quería y qué podría hacer, en lugar de pensar con incredulidad "los demonios no hacen eso!". Al final, The Possession Of Hannah Grace es una película de posesión sumamente terrible. Lo único positivo es la actuación de Kirby Johnson. Apenas da miedo, roza en lo aburrido, le falta más historia y todos sus sustos son un cliché.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Campeones

Marco Montes (Javier Gutiérrez) es un entrenador de baloncesto que trabaja como segundo entrenador de un equipo importante de la ACB (Liga Nacional de Baloncesto Española), pero en realidad es un hombre amargado de su vida profesional y personal, convirtiéndolo en un arrogante y un mal educado. Durante un juego del ACB tiene una discusión con el primer entrenador, lo que causa un incidente y es expulsado del estadio. Poco después, Marco, completamente borracho, choca involuntariamente su auto contra un auto de la policía, siendo arrestado en el proceso. En el juicio, la jueza hace que Marco decida ir a la cárcel por 2 años o pasar 90 días haciendo servicios comunitarios. En contra de su voluntad, Marco se ve obligado a entrenar a un equipo de baloncesto llamado Los Amigos, formado por jugadores con discapacidades mentales y ayudado por el viejo Julio (Juan Margallo), el director del centro social. Al mismo tiempo, Marco intenta salvar su matrimonio con Sonia (Athenea Mata), una mujer cansada de sus excusas por no tener un hijo. Marco conoce al equipo y llenandose de paciencia comienza a entrenarlos, pero los problemas comienzan después de que Julio le dice que Los Amigos han sido aceptados para participar en la competencia de la Liga Nacional Paralímpica. Al darse cuenta de todas las dificultades para lograr que el equipo sea capaz de ganar la liga, Marco se siente frustrado y como consecuencia su relación con Sonia se ve afectada. Pero es el optimismo del equipo y su bondad natural lo que hacen que Marco cuestione no solo su situación de vida, sino la forma en que se comporta con las personas y las cosas reales de la vida, y con la inesperada ayuda de Sonia, Marco se encuentra a sí mismo buscando la redención y buscando convertir a Los Amigos en los campeones que él sabe que ya son.

Siendo al mismo tiempo divertida y conmovedora, esta película española tiene un buen gusto para hacer que la gente se ría sobre el tema de la discapacidad mientras es extremadamente respetuosa con las personas con discapacidades mentales. Para abordar este tipo de entretenimiento, a pesar de tener algunas dificultades, es ante todo necesario dejar a un lado la inclinación natural por el cinismo y dejarse llevar por el buen humor sin hacer demasiadas preguntas. Por encima de todo, debemos tener en cuenta el impresionante desafío que enfrenta todo el equipo, ya que distribuye la mayoría de los roles principales a personas con discapacidades mentales. Por lo tanto, la historia tiene un realismo que no se puede obtener con actores profesionales. Aquí no se duda por un segundo de la dificultad de coordinar a este grupo de personas cuyas discapacidades atacan a uno como espectador lo suficientemente rápido.

Campeones logra hacernos reír con los discapacitados mentales, no de ellos. Cada miembro de este equipo de baloncesto tiene su historia personal, lo que le permite a uno como espectador conocer mejor a cada individuo. Siempre respetuosa con sus diferentes personajes, la película es una comedia particularmente bien escrita que nos muestra a su manera el modo que nuestra visión puede cambiar hacia estas personas. Las escenas cómicas al principio gradualmente dan paso a momentos reales de ternura y emoción, convirtiéndolas en las más sensibles de la película. Todos los actores aportan una calidez humana a sus personajes, mientras que el excelente Javier Gutiérrez les da la respuesta con la emoción necesaria de su personaje.

Si la dirección, los actores y el guión son impecables, no se puede decir mucho de su realización. Algunas opciones pueden parecer torpes, incluyendo una música un poco demasiado intrusiva. También se puede culpar al cineasta por sucumbir en los últimos diez minutos a los clichés que se usan a menudo en las películas, llevando innecesariamente un mensaje de tolerancia y ayuda mutua que se entendió durante toda la duración de la película. A pesar de estos pocos defectos, es una película que debe ser vista por todo el público. En general, es una película donde vemos una dura realidad, pero también vemos cómo esa suposición que siempre hacemos frente a lo que otros pueden y no pueden hacer termina siendo un error, y que los logros que para algunos no parecen ser lo mejor, para muchos es un logro épico. Esta película no solo está bien hecha en un aspecto cinematográfico, sino que también da una lección que espero que muchos apliquen a sus vidas. Al final, Campeones es una película que debe ser vista por todos. Es 100% agradable, entretenida, dulce y tierna. Hace que uno reflexione sobre los valores morales de hoy día y establece un énfasis en una sola idea... que todos somos iguales y que todos somos humanos.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 11 De Diciembre Del 2018

The Equalizer 2

Peppermint

Small Foot

Review: Everybody Knows

Laura (Penélope Cruz) y sus hijos han llegado a su ciudad natal en las afueras de Madrid después de viajar desde Buenos Aires, donde ha estado viviendo durante los últimos catorce años con su esposo Alejandro (Ricardo Darín). Mientras asiste a la boda de una de sus hermanas, Laura disfruta de una reunión saludable con sus hermanos y su amor del pasado Paco (Javier Bardem), quien ahora está felizmente casado con Bea (Bárbara Lennie). Pero cuando la hija adolescente de Laura, Irene (Carla Campra), es repentinamente secuestrada y le dicen que no se comunique con la policía, la familia apoya su decisión de no hacerlo. Con Alejandro volando desde Argentina, una gran cantidad de historia familiar confusa es reexaminada en relación con el intercambio de propiedades entre Laura y Paco, los resentimientos familiares y las ideas erróneas sobre quién es rico y por qué. Teniendo la asistencia de un oficial de policía retirado para ayudar con las escasas pistas que implican el secuestro de Irene, lleva todo a resultados inquietantes y revelaciones dentro de la familia aparentemente tranquila de Laura.

Javier Bardem y Penélope Cruz en un complicado drama español? Si bien la historia ofrece pocas conclusiones a lo largo del camino, el retrato de la dinámica familiar, la química del carácter y la vida española en general es muy fuerte. No he visto ninguna película del director Asghar Farhadi, pero este guión debe haber sido escrito teniendo en cuenta a estos actores, o al menos en colaboración con ellos. Es una opción interesante el hacer una película ambientada en el campo de España. Tengo que darle puntos positivos por hacerla tan precisa. Hay detalles en el diálogo, el humor y cómo se comportan las personas en general. Es como si estuviera escrita por alguien que ha vivido toda su vida en esa aldea donde tiene lugar la historia.

Lo que más me gusta de esta película es la autenticidad. Las personas parecen sacadas de la vida real y los diálogos no parecen ensayados o preparados de antemano. Hay una sensación muy suelta en general, como si a todos se les diera la libertad de reaccionar como lo harían en la vida real. Porque como se puede sospechar, algo sucede desde el principio de la película que pone en marcha todo el drama, y vende muy bien las reacciones de cada personaje ante lo que pasa. Las interacciones entre los miembros de la familia fueron espectaculares, especialmente con Penélope Cruz y Javier Bardem. Se sabe lo que está pasando por sus cabezas solo por sus expresiones. Loving Pablo (aunque es una buena película) probablemente no fue el mejor medio para explotar la capacidad de estos dos actores, pero me complace que tengamos esta película para demostrar realmente su calibre de actuación. Honestamente es impresionante.

El único inconveniente es que la película pierde el ritmo durante la segunda mitad. Se detiene y se siente cómo si la trama se estirara. Todavía estaba interesado en la historia, así que no me molesté tanto. Pero es fácil decir que es un punto débil. Imaginense un programa de televisión en el que se hayan quedado sin ideas para unos pocos episodios y, finalmente, de la nada lo descubren todo. Así es como fue. Sentí por esta familia a través de todos los buenos y malos momentos, ya que los vemos felices y tristes. La relación entre los actores no necesitaba mucho diálogo. Los silencios decían lo suficiente, y cuando sucedía algo gracioso era agradable de ver. Como he dicho, todo se siente muy auténtico.

El trabajo de cámara hubiera sido mejor si no hubiera sido tan tembloroso. Probablemente decidieron hacer esto estilo documental, porque queda claro que no se le dedicó mucho esfuerzo a la fotografía. El final deja algo que desear, ya que la resolución final se sintió desaparecida. Es una de esas películas de "dejen que el público decida qué pasa". Tal vez ese fue el punto de toda la historia, no estoy seguro todavía. En general, tiene muchos elementos fuertes, puntos de vista interesantes y lo mejor de todo... captura autenticidad. Al final, Everybody Knows es una buena película que podría considerarse una sorpresa inesperada. Esto es un auténtico drama psicológico, desafortunadamente o afortunadamente, que intenta advertirnos o enseñarnos que cada pieza de un rompecabezas tiene una triste y profunda connotación oscura.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 4 De Diciembre Del 2018

Mission Impossible: Fallout (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The Nun

The Happytime Murders

Operation Finale

Elizabeth Harvest

Westworld - Season 2: The Door (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)