Review: The Prodigy

Minutos después de que un asesino en serie es asesinado a tiros en Ohio, un bebé nace en la ciudad cercana de Pennsylvania. Sarah (Taylor Schilling) y John Blume (Peter Mooney) han sacrificado mucho para traer a su hijo Miles (Jackson Robert Scott) al mundo, llamándolo su hijo "milagroso". Su amor incondicional no se detiene una vez que comienza a demostrar comportamientos perturbadores y una inteligencia extrema, pasando rápidamente a través del período de desarrollo. Pero rasgos alarmantes se manifiestan después de que cumple los ocho años. Pone una trampa en el sótano para mutilar a su niñera, sufre de pesadillas nocturnas y habla en húngaro. También golpea a un compañero de escuela con una llave inglesa cuando no se sale con la suya. Esto atrae la atención del experto en reencarnación, el Dr. Arthur Jacobson (Colm Feore). Él le aconseja a Sarah que una presencia oscura está sobre la fuerza vital de su hijo. Para sacarlo, deben determinar quién está causando este dolor y descubrir sus motivos. A partir de ese momento, todo se convierte en una carrera contra el tiempo para descubrir cómo salvar la vida del pequeño Miles.

Las películas de terror tienen una forma única de tener la capacidad de ser maravillosamente entretenidas al tiempo que abordan algunos temas muy importantes y, a menudo, delicados que surgen de manera regular en nuestra sociedad. The Prodigy, la nueva película de terror dirigida por Nicolas McCarthy, se enfoca principalmente en la infancia, la crianza de los hijos, el matrimonio y la idea de la salud mental. La película comienza con los créditos de su distribuidora Orion Pictures, un logo nostálgico que trae recuerdos de películas cómo The Terminator o RoboCop, dos clásicos distribuidos por la compañía, que marca la pauta para una película que toma con éxito los mecanismos tradicionales de las películas de terror y los aplica a un ambiente moderno. Una cosa que si es segura es que The Prodigy es tensamente estremecedora.

The Prodigy gira en torno a Miles, un niño que al principio parece ser un genio. A medida que el comportamiento de Miles comienza a ser más alarmante, sus padres Sarah y John comienzan a buscar respuestas y llegan a creer que Miles puede ser la reencarnación de un alma que tiene asuntos pendientes, según el consejo no convencional del Dr. Arthur Jacobson. Es en ese momento cuando el director Nicolas McCarthy comienza a convertir la película de una historia de una familia joven en algo más reminiscente a The Omen. La película es claramente un homenaje y probablemente se usó como un ejemplo visual para el actor Jackson Robert Scott durante el rodaje de la película. Si bien la película no se detiene solo con The Omen como un claro homenaje, también rinde un gran homenaje a la incuestionable y ciertamente inolvidable obra maestra de horror de William Friedkin, The Exorcist.

A medida que el cine y el género de terror comienzan a evolucionar en el 2019, una de sus características más interesantes y agradables es la forma en que combina los problemas del mundo real de una manera a veces escalofriante pero siempre entretenida y diabólica. Si bien muchas películas de terror han tenido hijos sádicos y poseídos, una de mis partes favoritas de The Prodigy es cómo comienza con las preguntas sobre la salud mental, las discapacidades de aprendizaje (o habilidades de aprendizaje extremas en este caso) y cómo los padres o las personas lidiarían con estas cosas. Uno de los aspectos más aterradores de la película es imaginar que esto te suceda a ti como padre. Cómo reaccionarías? Qué harías? En el departamento de actuación, Jackson Robert Scott fue increíble y espectacular como Miles Blume. Los actores infantiles siempre han sido parte esencial en el cine de Hollywood, pero en este tipo de género hay mucha más presión sobre ellos. Jackson pudo interpretar a un niño normal, así como un psicópata que cambia en momentos adecuados a lo largo de la película. El resto del elenco, Taylor Schilling, Peter Mooney y Colm Feore, fueron geniales como apoyos, pero la actuación destacada se la lleva Jackson.

Los únicos puntos negativos son su tiempo de duración, dura solo 1 hora y 25 minutos, y que proporciona mucha información demasiado rapido, lo que la hace que sea un poco predecible. Sin embargo, es una de las mejores películas de suspenso y terror psicológico que he visto durante un tiempo. En general, esta película utiliza una premisa muy interesante sobre una influencia sobrenatural. De hecho, no creo que haya visto algo parecido a esto antes, puedo estar equivocado al respecto, pero no puedo pensar en ninguna otra película, y el sutil homenaje a otras películas de terror fue agradable de ver también. Además, la película puede destacarse en el género de películas sobrenaturales, más específicamente sobrenaturales con niños, con gran orgullo y valor. Al final, The Prodigy es una adición digna al género de terror que muestra un inmenso amor y admiración a otras películas clásicas. La película utiliza técnicas pasadas en un entorno moderno y minimalista con una eficacia extraordinaria, haciendo de la película una opción totalmente fresca y escalofriante para estos tiempos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Skeletons In The Closet

Jamie (Alaina Karner) es una joven que está obsesionada con los cómics de terror y un programa semanal de terror nocturno titulado Skeletons In The Closet. Mientras espera a que comience el programa de esta semana, su nueva niñera, Tina (Elizabeth Stenholt), hace comentarios groseros desde el sofá sobre lo que Jamie elige leer y ver. Skeletons In The Closet, el programa en la película, presenta a The Widow (Ellie Church) viendo películas de terror en el sótano con su esposo Charlie (Adam Michaels), que está muerto y en estado de descomposición. En cada programa presentan una película de terror clásica y esta vez es una película de antología llamada Chop Shop. El video de la película presenta varios cortometrajes con temas variados, que incluyen un lote de automóviles encantados, una visita inquietante a la casa de la abuela y un hombre que escapa de una sala de psiquiatría.

Skeletons In The Closet es el nombre de un programa televisivo de terror nocturno con una mujer y su esposo muerto, que brindan comentarios similares a los de Elvira a B-movies de horror. La configuración y la introducción de Jamie y su programa favorito de los años 80 me trajo recuerdos de cuando era un niño y me quedaba despierto hasta tarde para ver Tales From The Crypt los sábados por la noche y Tales From The Darkside (también los sábados) a la medianoche. Alaina Karner da una maravillosa actuación como Jamie. Ellie Church como The Widow también hizo un buen trabajo en la película, y me encantaría ver más de su personaje junto con su esposo, el co-presentador Charlie. Los dos tienen una relación muy entretenida que me hizo pensar: “estos dos necesitan una serie web". Completando el fuerte comienzo de la película está Elizabeth Stenholt como Tina, la niñera de Jamie, en un papel de una niña aburrida a lo Punky Brewster, lo cual me recordó a una joven Jill Schoelen en The Stepfather.

Con todo esto, y lo relacionado con la película parecía ir en la dirección correcta, y estaba emocionado por lo que estaba por venir. Es en este punto, donde la película cambia para centrarse en Chop Shop, la película de antología presentada por The Widow y su esposo muerto con Jamie observando encantada y Tina molesta. Aquí es donde la película se cae y no cumple con su comienzo mágico. Jamie y su programa de temática de terror disfrutan de maravillosos efectos de los años 80 con los cineastas haciendo todo lo posible para crear las imágenes de VHS con el mensaje de ajustes del tracking y líneas estáticas que viajan por la pantalla. Todo fue perfecto, y me encantó cada minuto de esas escenas. A pesar de haber sido presentada en una cinta de VHS, cuando Chop Shop se convierte en el centro de atención, la película se siente y parece una película de terror de hoy día. No se mezcló en lo absoluto con el mundo que Jamie estaba viendo. Este desajuste en el estilo y el cambio drástico en el tono me dejó confundido. Tampoco ayudó el hecho de que Chop Shop no fuera tan interesante como la configuración o los personajes introducidos desde el principio.

La primera película de la antología es algo interesante y tiene un ambiente pasable de los años 80. Las siguientes 2 partes simplemente no comparten la misma estética, y realmente reduce el disfrute de la película. Cuanto más tiempo de pantalla se utilizaba en Chop Shop, menos interesado estaba en la película. Luego, de momento, la película corta durante las pausas comerciales para dar un boletín de noticias adviertiendo sobre un paciente que se escapó de un instituto mental. Sin embargo, el guión nunca sigue esto de manera significativa. La niña, Jamie, fue infrautilizada hasta cierto punto. Ella es adorable y captura a ese niño pequeño en todos nosotros que se quedaba hasta tarde viendo películas de terror. Los momentos más interesantes de la película son con Jamie y su niñera Tina, y es una pena que esos momentos y la historia sean tan cortos para la película menos interesante de Chop Shop. Podría haber sido muy divertido si la película cambiara de tema para enfocarse en cómo Jamie y Tina lidiarían con el paciente mental que escapó, pero no sucede. Sin embargo, hay una pequeña sorpresa al final que no vi venir.

En general, es una pena que tanto esfuerzo y gran atención a los detalles se hayan perdido cuando se combinan con una película olvidable dentro de la película. Creó algunos personajes muy interesantes y tuvo algunos buenos momentos, pero hasta ahí.  Por otro lado, The Widow y su esposo muerto, Charlie, me intrigaron lo suficiente como para ver si me pueden ganar con otra futura presentación. Al final, Skeletons In The Closet es una película y un concepto que sonaba bien en papel, pero se volvió un poco demasiado en la pantalla. Creo que la película necesitaba tener un tiempo de ejecución un poco más largo para elaborar toda la historia correctamente (dura 1 hora y 22 minutos), y un poco más de The Widow, Charlie, Jamie y Tina también habrían sido puntos positivos. La actuación fue buena para lo que iban a hacer y los efectos en su mayor parte fueron buenos, pero los efectos de la cinta de VHS, que fue genial, se usó demasiado. Es una película que vale la pena verse solo si no hay nada más que ver o si les gustaría recordar las veces que eran niños viendo televisión un sábado en la noche.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 26 De Febrero Del 2019

Wreck-It Ralph 2: Ralph Breaks The Internet (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Mary Queen Of Scots

The Possession Of Hannah Grace

Review: Miss Bala

Natural de California, la maquilladora Gloria (Gina Rodriguez) viaja a México durante la semana, y visita a su amiga Suzu (Cristina Rodlo) para apoyarla mientras compite por la corona en el concurso de belleza de Miss Baja. Al ir con Suzu a una fiesta en un club nocturno, la simple visita de Gloria a un baño se convierte en una situación que cambia su vida, presenciando una balacera gracias a un cartel peligroso que ingresó al club. Al escapar de la carnicería, Gloria no encuentra a Suzu, mientras que Lino (Ismael Cruz Cordova), un líder del cartel, responde a sus pedidos desesperados de ayuda y secuestra a la mujer aterrorizada, regresando a su base de operaciones con planes para convertirla en una esclava y amenazando con una violencia inimaginable para ella y sus seres queridos si no cumple como mula de drogas entre México y los Estados Unidos. Al encontrar su camino hacia la DEA, Gloria pronto descubre que los buenos son tan corruptos como el cartel, y que también la usan a ella como informante para infiltrarse en el cartel, obligando a los estadounidenses a encontrar formas de defenderse mientras Gloria se encuentra atrapada en una situación mortal.

Siendo un remake de la película del 2011 del mismo nombre, Miss Bala es un entretenido thriller de acción que muestra a Gina Rodriguez como un personaje heroico de acción que intenta salvar a su amiga. La trama y la historia pueden no ser algo nuevo con respecto a los carteles de la droga, el secuestro de niñas y la policía corrupta en México. Ofrece algunas emociones y acciones que valdrán la pena al ver a Gina Rodriguez pasar de una maquilladora a una mujer ruda. Distribuida por Sony Pictures, la película contiene tiroteos viscerales con un mínimo derramamiento de sangre, y es una película de tráfico y un caso leve del síndrome de Estocolmo, todo en uno. La directora Catherine Hardwicke crea una película tan peligrosa, tan intencionada y tan insegura que no podrán recuperar el aliento mientras la ven.

En el corazón de esta película hay una historia de supervivencia. Con las historias de supervivencia, la necesidad es la madre de la invención y cada decisión realizada en la busqueda de sobrevivir puede ser crucial, sin importar cuán trivial sea la acción. No siempre se trata de un gran plan, se trata de sobrevivir al siguiente momento. Estaría mintiendo si dijera que no me gustó el sabor latino aquí. Es genial ver películas ambientadas en varios países con un elenco de diferentes nacionalidades y trasfondos étnicos. Esta película se realizó de manera inteligente con algunas escenas muy tensas, todas con una clasificación PG-13. Nunca hubo la sensación de que trataron de suavizar la película en lo absoluto. Tenía todo el valor y la intensidad de una película de calificación R, excluyendo el lenguaje y no teniendo escenas de desnudez.

Ahora... la trama de la película estaba por todo el lugar. Tiene un desarrollo con Gloria que cambia a lo largo del curso de la película. La raptan, se convierte en mula para el cartel, aprende a disparar un arma y comienza a hacer tareas de espionaje para la DEA. Hubieron muchas secuencias de acción intensas, especialmente, las secuencias de tiroteo, y la dirección capturó todo el sentimiento caótico a través de la perspectiva de Gloria. Gina Rodriguez hizo un gran trabajo interpretando el personaje principal, Ismael Cruz Córdova fue amenazante y a la vez bueno como Lino, ya que tuvo un lado sensible con Gloria. Sentí que el personaje de Anthony Mackie fue un poco subutilizado con su breve aparición. También sentí que la película tiene unos pocos problemas con un ritmo desigual en el segundo acto.

En general, es una película bastante buena. La trama y los pocos problemas con el ritmo pueden ser el impedimento más débil de la película, pero el reparto es bueno y las secuencias de acción y tiroteos fueron intensas y emocionantes. Y por supuesto, valió la pena ver a Gina Rodriguez asumir un personaje heroico de acción. Al final, Miss Bala podría catalogarse como una mezcla de una película de género de ficción, acción, explotación y una telenovela. Es algo que tal vez nunca se considere un cine de alto nivel, pero es buen entretenimiento. Tiene algunas emociones y escenas tensas, e incluso buena acción.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Lords Of Chaos

En 1987, Oystein Aarseth, mejor conocido como Euronymous (Rory Culkin), es el líder de la banda de heavy metal Mayhem. Para ganar publicidad, él empuja una imagen satánica y su lema es "Cuando la gente escucha nuestra música, queremos que se suiciden". Buscando un cantante por correo a través de un cassette, encuentran a Per Yngve Ohlin, mejor conocido como Dead (Jack Kilmer), que tiene una inclinación con la muerte y la automutilación en el escenario. Es una combinación perfecta para el estilo de la banda, pero cuando Dead se mata a sí mismo, la asociación es demasiado perfecta. Sin un cantante, Euronymous decide crear y dirigir su propio sello discográfico, y finalmente firma a un joven artista llamado Kristian "Varg" Vikernes (Emory Cohen). Mientras que toda la muerte y la oscuridad son un gancho de mercadotecnia para él, Varg lo toma muy en serio, incluso yendo tan lejos como quemar iglesias locales para que pueda jactarse de cuán "malvado" es. Las tensiones profesionales aumentan entre los dos, ya que Varg abraza cada vez más la imagen satánica y sospecha que Euronymous no lo compensa ni lo acredita por su trabajo.

Lords Of Chaos cuenta una de esas historias que fácilmente se descartaría como absurda si no estuviera basada en hechos reales. La película muestra la creación de la música noruega del Black Metal, y la historia de las personas que trajeron esta música al mundo es alternativamente divertida, aterradora y horrorosa. Uno no necesita saber de este género musical particular para envolverse en la psicología detrás de él. La película atrae con una caracterización fascinante. Euronymous es un oportunista que cree que todas estas cosas retorcidas pueden usarse para generar publicidad. Pretende no preocuparse por el éxito comercial cuando realmente lo hace. También incita a todos los demás, nunca hace las cosas realmente malas por sí mismo. Varg, por su parte, es algo ingenuo. El realmente cree en la escena del Black Metal y no puede entender que para Euronymous sea solo un truco. A su manera, Lords Of Chaos trata sobre las formas irreverentes en que el arte y el comercio pueden colisionar.

El director Jonas Åkerlund, un exitoso director de videos musicales que ha trabajado con casi todo el mundo en el ámbito de la música, toma un enfoque ligeramente satírico en las dos terceras partes de la película. Esto es en gran medida una declaración acerca de cómo la fatalidad y la tristeza pueden ser preempaquetadas y vendidas a los jóvenes que quieren pretender ser más de lo que realmente son. Åkerlund también expone la excelente calidad que siempre ha sido parte integral del Death Metal en cualquier país. Inventar cosas nuevas e impactantes le da a Euronymous un impulso de adrenalina. Obtener una satisfacción de los demás proporciona una sensación de poder que es mucho más auténtica que el rendimiento de Mayhem. El último tercio de la película cambia de tono, ya que las tensiones entre Euronymous y Varg aumentan dramáticamente, con consecuencias significativas. La película sugiere que solo puedes jugar a estar desquiciado moralmente durante tanto tiempo antes de que realmente te desmorones moralmente. En algún momento, esa línea se desvanece y te transformas en el propio mito creado por ti mismo.

Gracias al sólido trabajo de Rory Culkin y Emory Cohen, Lords Of Chaos es una visión fascinante del desarrollo de una imagen que es esencial para tener una carrera exitosa en la música. A menudo es divertida y más que un poco explicativa. Más allá de eso, es un retrato psicológico profundamente perturbador de la manipulación, el ego y la venganza. Cómo la película obtuvo una calificación R es un misterio, el suicidio de Dead y la violencia al final se encuentran entre las imágenes más gráficas que he visto en una película en mucho tiempo. Los que son débiles con imágenes fuertes están advertidos. Sin embargo, esa explicación es necesaria para ser fiel a la historia, no solo a la historia de Euronymous y Varg, sino también al tema general. El pensamiento de una banda de Black Metal conocida por profesar un amor por la muerte y la desgracia es extremadamente acertada. Cuando se mira fijamente a la oscuridad por mucho tiempo, la oscuridad comienza a mirar de vuelta.

En general, la película tiene mucho humor oscuro y momentos brutales de crímenes violentos para una película dramática. Es realmente una sorpresa inesperada. Después de ver la impresionante Bohemian Rhapsody, tengo que decir que esta película lleva todo más allá con su verdadera historia, la era de la música metal y los eventos brutales que tuvieron lugar. Al final, Lords Of Chaos se arriesga en dar una descripción de las ramificaciones del estilo de vida del Black Metal, es inquietante e hipnótica. La violencia es intensa y gráfica, pero hay un par de momentos de humor en la película que ayudan a equilibrarla.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Man Who Killed Don Quixote

Toby Grisoni (Adam Driver) es un cineasta que simplemente no puede centrarse en su trabajo actual, un comercial de Vodka inspirado en Don Quijote. Por supuesto, la producción en España es un desastre, el actor que interpreta a Don Quijote queda atrapado en un molino de viento y Grisoni tiene a The Boss (Stellan Skarsgård) que no está facilitando las cosas. Durante una cena de producción en un restaurante local, un gitano (Óscar Jaenada), vende a Grisoni un DVD con una portada familiar. Es una película en blanco y negro de Don Quijote que hizo como su película de estudiante en un pequeño pueblo cercano 10 años antes. Grisoni eligió a actores no profesionales de la ciudad en la película y le recuerda una época en la que no estaba tan exhausto. Aburrido en el set al día siguiente, Grisoni toma una motocicleta para visitar el pueblo y descubre que muchas cosas han cambiado. Angélica (Joana Ribeiro), la ingenua chica de 15 años, se ha ido y su padre culpa a Grisoni por su destino, el actor que interpretó al escudero de Quijote, Sancho, ha muerto y Javier (Jonathan Pryce), el zapatero que interpretó al personaje principal realmente cree que es Don Quijote. Además, el Quijote no reacciona bien a Grisoni insistiendo en que él es el verdadero y sus peleas terminan incendiando accidentalmente su carruaje de carnaval. En poco tiempo, la policía local, un refugio marroquí, un mafioso Rey Vodka ruso (Jordi Mollà), la novia sexy de The Boss (Olga Kurylenko) y un festival anual festivo desconciertan a Toby. Y, por supuesto, Angélica vuelve con sus sueños de estrellato aplastados, ya que actualmente llega como la escolta pagada del Rey Vodka. Una revelación con la que Grisoni simplemente no puede vivir.

Como seres humanos, creamos historias para representarnos a nosotros mismos y para comprender el mundo que no entendemos. Podría decirse que todo lo que llamamos arte es, al final, una especie de narrativa, un sistema creado para explicar aspectos que no comprendemos. A finales del siglo XVI, un gran número de artistas europeos trabajaban en formas revolucionarias y novedosas para representarnos a nosotros mismos, cambiando la forma en que explicamos quiénes somos y cambiando en realidad quiénes somos y dándonos nuevos modos de idealización, de (auto) presentación. Espejos. Don Quijote tiene que ver con eso. Es una historia sobre alguien que se crea a partir de otras historias. Un personaje que borra la definición de la realidad fusionándola con su propia realidad, creada por él y por todos los demás narradores que crearon las historias que lo llevaron a su realidad paralela. Entonces, la confrontación de su mundo inventado con la realidad del mundo que lo rodea es la descripción común de que el mundo real tome a Don Quijote como loco. Eso es una simplificación, una conceptualización, una ironía.

El cine podría ser en teoría un buen medio para traducir a Don Quijote, y eso se ha intentado muchas veces. Ahora tenemos este intento de Terry Gilliam. Las capas de este proyecto y su propia historia, agregan un poco más a la emoción de Cervantes. Pero primero se requiere cierta información. Terry Gilliam había intentado hacer este proyecto antes y falló por varias razones.  Ese proyecto fallido tiene una historia propia y generó una película (sobre su intento de hacer), Lost In La Mancha, del 2002. Ahora finalmente la completa. Aprecio que Gilliam es un tomador de riesgos, ya que esto es una película locamente imperfecta que tiene algunas imágenes hermosas. Lo que creo que Gilliam hizo bien fue colocar al reacio Sancho/Toby como director de cine, y el que aparentemente mira a través de sus ojos toda la historia. Eso es auto-referencial en la forma en que Cervantes lo concibió, creo. Muchas personas a través de la historia han malinterpretado a Sancho Panza como una especie de compañero cómico, la validación de la locura de Don Quijote, y así sucesivamente. Pero, de hecho, es el poseedor de las llaves del paraíso, el hombre que elige volverse loco, el personaje que ve ambas realidades y elige estar en ambas casi siempre al mismo tiempo. Es uno de los personajes de ficción más poderosos de todos los tiempos, somos todos nosotros en algún momento de nuestras vidas, y realmente es el mejor personaje de Cervantes, y creo que aquel en el que Cervantes se proyectó más claramente. En el proyecto original de Gilliam, Johnny Depp iba a interpretar el papel de Sancho, y me hubiera gustado verlo. Viendo esta nueva versión, simplemente estaba imaginandome cómo Depp manejaría el cambio entre la realidad y la fantasía.

Lamentablemente, es irónico que Gilliam, que tiene algunas buenas intuiciones visuales y sólidos conceptos complejos de narración, haya caído en esta trampa tan fácilmente evitable. Visualmente, él mezcla su propio estilo bien establecido con los extraños ángulos amplios del escenario estándar de Don Quijote, ya saben, eso de un tipo en un caballo y otro en una mula en el desierto a la luz del sol. Trae un clímax delirante y su ojo arquitectónico, y eso es lo que más me atrajo. Hasta la fecha, (para mí de todos modos) estas son las actuaciones cinematográficas más memorables de Jonathan Pryce, Adam Driver y algunos otros en el reparto. Jonathan Pryce es elocuente, pero sobre todo conmovedor, Adam Driver es perfecto como el hombre asustado que necesita escapar de todo el desorden. Unos actores me dieron un poco de escalofríos y otros fueron sobresalientes por sus actuaciones, ya fueran desagradables o agradables.

En general, tal vez sea útil estar familiarizado con la filmografía de Terry Gilliam para entender esto. La película es una historia de varias capas en las edades del hombre, del soñador que vive en vidas paralelas. Lo que es fascinante es cómo los significados de cada uno de los personajes y sus historias se combinan entre sí, desde la propia vida del director Terry Gilliam hasta Adam Driver interpretando a una figura de Gilliam, hasta el personaje de Jonathan Pryce que aparentemente perdió la cabeza. Una parte de mí se pregunta cuánto de esto es un documental o tal vez una auto-biografía. Las actuaciones son excelentes, los personajes están totalmente realizados y la cinematografía y el diseño de producción son estilos exclusivos de Gilliam, hechos para adaptarse a la voluntad de su visión... por muy locos que estén. Al final, The Man Who Killed Don Quixote no es una película para todo el mundo. Hay mucho que interpretar y analizar, así que no esperen una gratificación instantánea. Pide un poco de auto reflexión y un poco de confianza de parte de los personajes, ya que trabajan en varios niveles de psicosis, sueños, alucinaciones y locura para llegar a una conclusión natural en sus historias y unir la historia global de la película en un punto de enfoque: todos tuvimos sueños alguna vez, pero nos perdimos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Serenity

En la isla Plymouth, Baker Dill (Matthew McConaughey) está luchando para llegar a fin de mes con su propio barco de pesca, perdiendo clientes mientras busca obsesivamente un atún masivo que constantemente elude capturar. Incapaz de pagar a su empleado, y su conciencia, Duke (Djimon Hounsou), Baker se prostituye con Constance (Diane Lane), una mujer mayor que aprecia su atención. Un día bebiendo, Baker se sorprende por el regreso de Karen (Anne Hathaway), su novia de la infancia y ex esposa, quien actualmente sufre un matrimonio abusivo con Frank (Jason Clarke), quien inspira a Patrick (Rafael Sayegh), el brillante hijo de Baker a retirarse a su propio mundo para escapar de los abusos. Karen llega a Baker con una oferta de diez millones de dólares a cambio de asesinar a Frank durante una excursión de pesca, lo que lo deja en una posición preocupante de protección y ganancias mientras resuelve sus sentimientos no resueltos con Karen, tratando de darle sentido a las tentaciones.

Serenity es una película de suspenso neo-noir que confunde con su trama. Matthew McConaughey realizó una actuación decente, y la película entrega un concepto interesante, pero lamentablemente, cae como un thriller de misterio que trata de jugar de manera inteligente dando un resultado vacío y insatisfactorio. La trama sigue a Baker Dill, que vive en una pequeña isla. El está obsesionado con tratar de atrapar un gran atún conocido como Justice. Tan obsesionado, que hace a un lado a los visitantes que le pagan para que los saque al mar. Cuando su ex esposa Karen aparece en la isla, le pide ayuda para llevar a su esposo Frank al mar y matarlo, porque él ha estado abusando de ella y su hijo.

Eso es todo lo que puedo decir sobre la trama sin revelar muchos detalles. Además, es una de esas películas donde la trama cambia en medio del segundo acto con mucha gente en la isla que desconfía y sabe absolutamente todo. Incluso un hombre extraño se presenta en un traje y se queda mirando fijamente a Matthew McConaughey, o se queda caminando por el océano. La película tiene una gran cantidad de ideas misteriosas, con Baker obsesionado con un atún o descubriendo el motivo de todo el mundo en la isla. El giro convierte la película en una dirección diferente. No es tan sorprendente ni chocante cuando se revela, al contrario, es frustrante.

Matthew McConaughey tuvo una actuación decente como Baker, junto con Anne Hathaway. Jason Clarke estuvo bien interpretando a un personaje abusivo. La dirección es un poco aburrida, ya que trata de crear cierto suspenso y misterio. En cambio, es un thriller tedioso que es olvidable. En general, las películas de asesinato por amor se han hecho muchas veces y de muchas maneras, y aunque la premisa es interesante, este magnífico reparto ciertamente merecía un mejor material. Al final, Serenity es una mala película. Comenzó muy bien y tenía un concepto interesante de ideas con una construcción misteriosa de personas extrañas en una isla. Después de que se revela el giro, no dejó un factor de impacto satisfactorio. Aquí hubo un gran thriller en algún lugar, pero desafortunadamente nunca se muestra.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Destroyer

Hace 17 años, la oficial de policía Erin Bell (Nicole Kidman) fue elegida para trabajar de encubierta para el FBI con Chris (Sebastian Stan), su compañero. La pareja se unió a una banda de vagos supervisados ​​por el líder Silas (Toby Kebbell). Hoy, Erin es una alcohólica completamente incapaz de cuidarse a sí misma y mucho menos a su hija adolescente, Shelby (Jade Pettyjohn), que se ha enamorado de un maleante. Su paranoia se eleva con la llegada de un mensaje de Silas, quien regresó a Los Angeles por razones desconocidas, lo que obliga a Erin a deshacerse de él, ignorando a su preocupado compañero Antonio (Shamier Anderson). Saliendo a reunirse con las personas relacionadas con Silas, intenta obtener su ubicación antes de que él tenga la oportunidad de crear más problemas para ella. En el camino, Erin se encuentra en una difícil posición, y se pone en modo de venganza por razones que solo ella entiende, negándose a ser desviada de su violento juego final.

Si hay un beneficio de los cambios progresivos en Hollywood en este momento, es la prominencia largamente esperada de las actrices que toman roles principales. Pero la inclusión ha resultado en ver más antihéroes femeninos, abrazando una rabia oscura a su compleja personalidad que normalmente va en contra de los roles y expectativas de género. En Destroyer, Nicole Kidman asume sin miedo un papel radical y transformador como Erin Bell, una oficial de policía de de Los Angeles que busca venganza por un robo encubierto que salió mal. Mientras su personaje se tambalea emocionalmente a traves de la película, es comprensible que se vea el atractivo de este ambicioso relato de cine noir.

Tomando una página del libro de Charlize Theron con Monster, Nicole Kidman tiene características irreconocibles en esta película. Ella es inquebrantable, inquietante, se alimenta con alcohol, y es un fantasma de mujer, tristemente preocupada por su pasado, lo cual carga con cada centímetro de su alma. Sus faltas de carácter son ilimitadas. Erin es violenta, vulgar, calculadora y egoísta, pero no es una personificación impecable. El guión (a veces) carece de profundidad y rango para solidificar la perspectiva de Erin. La película no se equivoca al resaltar su fortaleza, y en detenerse para nada y arriesgarlo todo para cometer una injusticia. No existe inmunidad contra los peligros sombríos que presenta, pero también se desvía hacia el reino donde la violencia se expresa por el hecho de que puede recibir brutalmente un puño o una patada de individuos violentos como un obstáculo físico y mental para superar. Pero a lo largo de todo, se le da a Kidman el beneficio de la duda, disfrutando de cada oportunidad mientras ella abraza plenamente la fealdad de su personaje. Ella no está destinada a ser admirada. Ella es repulsivamente irredimible en su alma y espíritu, y al menos en el gran esquema de las cosas, brinda una ocasión para un contexto discutible.

En papel, el desempeño de Kidman con la esencia general de la película debería haber funcionado. No le falta el star power, una producción considerable o un alcance visionario. Pero decepcionantemente, Destroyer es una pieza frustrante que lucha por decidir lo que quiere ser. Se desliza entre un thriller de acción convencional y sencillo a lo Heat y entre una pieza de carácter a lo True Detective que no hace bien en mezclar ambos elementos. Quiere utilizar todo el poder dramático de Kidman, pero no puede hacer mucho ya que el producto final está limitado en su ejecución. La mayor frustración es la trama insustancial y poco original. Está llena de escenarios comunes y se limita a las convenciones de rutina, lo que significa que tiene una trama predecible que ya se ha visto mil veces y no agrega nada nuevo.

Muchos de sus temas complejos e intrigantes se pierden debido a su edición lenta pero problemática que carece de tensión, tono y (lo más importante) energía. A menudo (aunque artísticamente) serpentea de escena a escena en flashbacks, pero extrañamente no dice nada al respecto en sus declaraciones, ya sea visual o narrativamente. Por lo tanto, los personajes siempre están subdesarrollados, su diálogo es un poco incompetente y largo, y la trama sufre considerablemente, prometiendo mucho pero en verdad nunca cumple. La película sin duda podría haberse beneficiado editándola aproximadamente a 1 hora y 30 minutos, cortando las partes complicadas e innecesarias y agregando algo de dinamismo. Las escenas de flashback habrían tenido un peso dramático en lugar de su pesada previsibilidad y las escenas que involucran a la hija de Erin no se habrían sentido como una distracción cuando tienen importancia para la determinación general de Erin.

En consecuencia, un giro final no garantiza ni hace que gane su conclusión. No es un giro que sale de la nada, sería injusto decirlo. Otros directores hubieran usado el concepto de círculo completo para un mejor efecto, y aquí lamentablemente para la directora Karyn Kusama no sucedió. En general, la premisa de esta historia ha sido explotada muchas veces en el pasado. No se presenta ningún terreno nuevo aquí. Lo único que vale la pena resaltar es la actuación de Nicole Kidman. Muchos momentos lentos e introspectivos, junto con música emocionalmente pesada, me hicieron pensar que Kidman estaba a punto de incendiar y acabar con el mundo varias veces, pero, tristemente, no fue así. Al final, Destroyer aspira a ser realista, pero termina siendo un gran error. A pesar de sus ambiciones, la película es difícil de ver y también dura un poco más de lo necesario. La película intenta presentar un mensaje social y moral, pero termina en una mala elección del pasado que parece impactar todo. El resto es ficción y una realidad muy sombría. Nicole Kidman mantiene los niveles de interés altos, pero no hace lo suficiente para salvarla.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Bouncer

En Bélgica, Lukas (Jean-Claude Van Damme) es un hombre que ha perdido casi todo en su vida, tratando desesperadamente de proporcionar esperanza y educación a su pequeña hija, Sarah (Alice Verset). Como ex guardaespaldas, Lukas trata de ganarse la vida como portero de un club nocturno, pero cuando su fuerza natural va demasiado lejos, se ve obligado a buscar un nuevo empleo, ganando un puesto en un club de striptease, trabajando para Jan (Sam Louwyck), un jefe del crimen. Tratando de establecerse en su nuevo trabajo, y manteniéndose fuera de deudas, la atención de Lukas se dirige a Maxim (Sami Bouajila), un policía local que está ansioso por destrozar a Jan, ya que está a punto de crear una fortuna con la ayuda de Lisa (Sveva Alviti), una mujer italiana que ha sido entrenada en el arte de la falsificación. Maxim convierte a Lukas en un informante, y uno que Jan no confía, poniendo a prueba al portero con situaciones de vida o muerte. Impresionado por la lealtad y la capacidad de brutalidad del hombre sombrío, lo convierte en un socio, lo que complica considerablemente la vida de Lukas.

Esta es una película que se destacará en la carrera de Van Damme como una de sus mejores actuaciones y como uno de sus proyectos más exitosos. Es diferente de la película de acción promedio de Van Damme, si se le puede llamar una película de acción. Hay algunas peleas, algunos tiros y algo de persecución, pero la verdad es que The Bouncer es un drama. Su ritmo es muy lento, el diálogo es escaso y la atmósfera es constantemente sombría. Afortunadamente, las secuencias de acción, aunque escasas, siempre llegan gracias a su brutalidad y la dirección estética. Puesto que esto es más un drama, no hace falta decir que el Van Damme que se ve aquí no es el joven bailarín de Kickboxer o los gemelos caprichosos de Double Impact. Esto es una versión más tranquila y triste de Van Damme, un Lionheart de 60 años por decirlo así. En Lionheart, Van Damme ofrece una actuación tranquila y tonificada, pero sorprendentemente conmovedora mientras lucha batallas no deseadas por el bien de su familia. Aquí también, lo que está en juego es su familia.

Van Damme puede ser carismático como un villano o un bromista arrogante, pero es más conocido por las patadas giratorias, los splits, los gritos cuando da el puño final y por golpear una serpiente (Hard Target). Este es el tipo de rol en el que está en su mejor momento... pensativo, tranquilo y claramente emocional. Ahora que es mayor, hay más carácter, sufrimiento y profundidad en el rostro de Van Damme. Si bien no vemos mucho de su hija pequeña, tienen una química conmovedora y creíble en la película. Lo que esta película nos da es un vistazo a lo que sucede después de que el héroe venga a sus seres queridos y mata al villano. Y qué vemos? Un viejo y solitario padre que lucha para mantener a su hija y pelea contra sus demonios internos. Me alegro de que Van Damme haya hecho una buena película. Puede que no sea Bloodsport, pero estoy seguro de que se convertirá en una de las 10 mejores películas favoritas de Jean-Claude Van Damme de los fans.

En general, la película tiene una historia simple y creíble, los personajes se destacan y los actores hacen un buen trabajo, incluido Van Damme. Si esperan ver movimientos rápidos de acción con explosiones y patadas locas, se decepcionarán. Es un drama de ritmo lento, pero tiene un flujo definido. El ambiente es sombrío pero de primera categoría, y en cuanto a la producción y estética, está bien diseñada en comparación con muchos de los proyectos recientes de Van Damme. El final es algo frustrante y repentino, pero en retrospectiva encaja perfectamente. Al final, The Bouncer ofrece acción y un drama sólido que nos recuerda al Van Damme de los años 90. Su actuación es grandiosa y sencilla, ya que retrata a un hombre de familia quebrantado tras la pérdida de su esposa y que lucha por cuidar y proteger a su hija por cualquier medio necesario. A diferencia del clásico Van Damme, esta película es oscura y realista, y la acción se desarrolla muy bien. No exagera nada, y gradualmente ofrece más escenas de suspenso. Para los fanáticos de Van Damme es un vistazo obligatorio, pero para los demás es una película de acción satisfactoria.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Happy Death Day 2U

Después de romper el ciclo del tiempo y regresar a su vida cotidiana con su novio Carter (Israel Broussard), Tree (Jessica Rothe) está feliz de restablecer la normalidad después de ser asesinada por su compañera de habitación, Lori (Ruby Modine). Dicha paz se rompe cuando Ryan (Phi Vu) se da cuenta de que ahora está atrapado en su propio ciclo de tiempo, un evento desencadenado por un peligroso proyecto científico sobre energía cuántica en el que ha estado trabajando, lo que ha creado múltiples universos. Mientras que Tree intenta resolver el rompecabezas, ella ha vuelto a su vida anterior, regresando a la pesadilla por la que luchó tanto para escapar. Sin embargo, las cosas son diferentes, ya que la estudiante universitaria se da cuenta de que está atrapada en un universo alternativo y una en la que Carter está saliendo con su enemiga de la hermandad Danielle (Rachel Matthews) y su madre fallecida ahora está viva. Luchando por manejar los puntos más finos de la física para intentar regresar a su realidad, Tree se enfrenta una vez más con la ira de un asesino que lleva una máscara, solo que ahora hay una nueva identidad por descubrir.

Después de ver Happy Death Day en el 2017, la posibilidad de obtener una secuela o incluso la idea misma de la noción parecía inexistente. 2 años después... tenemos una secuela. Al principio pensé ok, pero luego pensé bien, cómo van a continuar una historia que parecía bastante terminada en la primera película? Bueno, en esta película se supone que se explique cómo Tree repitió el mismo día una y otra vez, o al menos explicarlo sin tener que conectar todo de alguna manera. Esta película nos presenta a uno de los amigos de Tree experimentando el ciclo del tiempo y todo se debe a un proyecto de ciencia. Así que con eso, envía a todos los personajes a un multi-verso. Pero ahora hay otro asesino que intenta matar a los amigos de Tree y, por lo tanto, con el aprendizaje de la ciencia y la forma de volver a la actualidad, Tree debe morir una y otra vez para descubrir quién es el asesino y salvar a sus amigos de morir en la actualidad. Es mucho, lo sé, pero la película en sí fue bastante confusa en muchos lugares.

La película tuvo algunas escenas de muerte buenas y divertidas, principalmente con Tree. Algunos de los elementos de la comedia fueron bastante buenos dado el género en el que se clasificó la película y los giros fueron bastante buenos. Jessica Rothe estuvo hermosa como siempre y fue la más que se destacó de todo el elenco. Los elementos de horror (muy pocos) fueron buenos y la muerte de los asesinos al final estuvo bien ejecutada y fue bastante decente. En el lado negativo, tiene una historia confusa y no está clara en qué momento tuvo lugar y cómo se conecta con la primera película. El humor parecía exagerarse en muchas áreas y la película en sí no se sentía como una de terror, se sentía demasiado alegre y más como una película de ciencia ficción con fragmentos de comedia y pocos elementos de terror. Básicamente, la película no pudo decidir qué quería ser. La película no es muy sangrienta ni morbosa y, en primer lugar, parecía haberse salido de lo que debía ser, una película de terror slasher, sin embargo, vemos muy poco de eso. El tono oscuro fue ignorado y parece más una broma en muchas áreas.

En general, sentí que la razón de esta película/secuela en sí era completamente innecesaria. Me refiero a que dado el motivo de esta secuela, se suponía que explicara por qué Tree repetía el mismo día una y otra vez en la primera película. Sin embargo, no muestra ninguna evidencia que sugiera eso. Vean la primera película y no escucharán sobre ningún proyecto científico ni nada sobre un experimento que se lleve a cabo en el campus de la universidad. Al final, Happy Death Day 2U es una secuela sin sentido. Esta película no tenía motivos para hacerse, ya que el evento en un universo alterno no se suma a los eventos de la primera película, es sumamente confuso. Además, hay una escena adicional después de los créditos que sugieren una posible tercera película.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 19 De Febrero Del 2019

A Star Is Born (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la exclusiva de Target que trae un Exclusive Packaging y contenido de bono y la exclusiva de Wal-Mart que trae el soundtrack)

Robin Hood (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Overlord

Textless De La Semana

Alita: Battle Angel

Review: Perfectos Desconocidos

La psicóloga Eva (Cecilia Suárez) y su esposo, el cirujano plástico Antonio (Bruno Bichir), esperan una reunión agradable con sus amigos más cercanos en su lujoso apartamento de la ciudad. Es la noche de un eclipse lunar y han invitado a la pareja casada de Flora (Mariana Treviño) y Ernesto (Miguel Rodarte), a los recién casados ​​Ana (Ana Claudia Talancón) y Mario (Manuel Garcia-Rulfo), y al recién soltero Pepe (Franky Martín) para una comida, vino y chismes. Lo que nadie espera es que la noche tomará un giro dramático cuando Eva les proponga que jueguen un juego revelador con sus celulares, exponiendo sus secretos más profundos y oscuros leyendo en voz alta textos y correos electrónicos, además de atender llamadas telefónicas a través del altavoz. Lo que comienza como una cena tranquila y relajante se convierte en mucho más de lo que todos esperaban.

Dirigida por Manolo Caro, Perfectos Desconocidos se establece en lo que se supone que es una simple cena entre amigos en la noche de un eclipse lunar. Hasta que, de repente, los anfitriones proponen un juego bastante interesante en el que los invitados deben poner sus teléfonos celulares sobre la mesa y leer en voz alta todos los mensajes entrantes y responder a todas las llamadas telefónicas entrantes frente a todo el grupo. Este juego aparentemente inofensivo se convierte rápidamente en un viaje salvaje de tensión que pondrá a prueba sus relaciones y su amistad.

La película comienza un poco lenta, ya que se toma su tiempo para configurar las cosas de modo que uno como espectador pueda saber dónde se encuentra cada uno de los personajes en su vida antes de que caiga la bomba de la verdad, que luego afecta sus vidas. No había visto ninguna de las adaptaciones anteriores de esta historia (esta es la tercera versión), pero ahora puedo entender por qué tantos cineastas le han dado su propia interpretación, porque todo al respecto simplemente es universal. Dicho esto, la película se siente como algo propio, ofrece su sabor y la atmósfera de la cultura mexicana que se basa en la pasión y la imprevisibilidad. También disfruté de algunas de sus tomas cinematográficas, ya que todo resalta y gira desde el centro de una mesa, mostrando las reacciones de todos los personajes a medida que todo ocurre.

Además, tiene un elenco estelar fantástico. Cecilia Suárez, Manuel García-Rulfo, Mariana Treviño, Miguel Rodarte, Bruno Bichir, Ana Claudia Talancon y Franky Martín son tan convincentes que realmente se cree que han sido amigos de toda la vida. Capturan las inseguridades y frustraciones de sus personajes de una manera que hace que uno quiera gritarles pero al mismo tiempo también uno se siente mal por ellos. Es gracioso cómo la película juega con las emociones así, pero ese es uno de sus muchos atractivos. Es una comedia romántica con una golpe directo a la cabeza.

En general, si están buscando una historia que contenga secretos de relaciones y revelaciones impactantes, han llegado a la película correcta porque es divertida y provocativa. Cuenta con un gran conjunto de actores que no solo están en el tope de su juego, sino que también rebotan en sus diálogos de una manera casi perfecta. Al final, Perfectos Desconocidos nos hace reconsiderar cómo usamos nuestros teléfonos celulares para que no nos avergoncemos cuando nuestros amigos leen nuestros textos. Se siente como un simple juego de moralidad sobre la naturaleza difícil pero necesaria de la honestidad. Un giro final, sin embargo, transforma la película en otra cosa... en algo completamente deshonesto.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Can You Ever Forgive Me?

Lee Israel (Melissa McCarthy) fue una vez una escritora famosa, pero su interés en temas oscuros le ha costado su carrera, obligándola a detener un trabajo sobre la biografía de Fanny Brice. Ella está en bancarrota, lucha con su agente, Marjorie (Jane Curtin), y está atrapada en el alcoholismo, lo que irrita aún más su actitud. Con un alquiler vencido y un gato enfermo, Lee decide vender una carta escrita por Katherine Hepburn, y sorprendida descubre que tiene un valor para los vendedores de tiendas de libros como Anna (Dolly Wells). Sintiendo una oportunidad, Lee comienza a crear falsas cartas adicionales de iconos como Noel Coward y Dorothy Parker, inundando el mercado con su trabajo y alimentándose en secreto de la respuesta entusiasta a su escritura. Lee pronto entabla una amistad con Jack Hock (Richard E. Grant) y disfruta inmediatamente de su nuevo flujo de efectivo, haciendo que varios de sus problemas desaparezcan a medida que muchos más se desarrollen en el horizonte.

Muchos de los mejores escritores que han vivido escribieron sus historias e ideas bajo el humo denso de cigarrillos y disfrutaron del fuerte olor a ginebra, bourbon y whisky en un bar. Algunas de las historias del genio literario del mundo se han contado en la pantalla grande durante las últimas décadas. Can You Ever Forgive Me? asegura que no es una de esas historias. Sin embargo, aunque Lee Israel no es una de esos escritores, su historia es tan entretenida y cautivadora como una de las grandes. Israel, interpretada magistralmente por Melissa McCarthy, es una biógrafa abandonada y miserable que ha escrito algunos temas icónicos, como Katharine Hepburn, Tallulah Bankhead, Dorothy Kilgallen y Estee Lauder. Después de su biografía de Lauder, Israel rápidamente declinó a una vida de alcoholismo, trabajo asalariado y soledad. Can You Ever Forgive Me? se da cuenta de la desgracia de Israel, mostrando su incapacidad para pagar el alquiler, vive en condiciones de vida poco sanitarias y apenas puede mantenerse a sí misma y a su gato enfermo, Jersey.

Después de ser despedida de su trabajo por beber mientras trabajaba, Israel, por casualidad, se encuentra con un viejo conocido, Jack Hock, en un bar local. Mientras los dos recuerdan molestar a algunos invitados en una fiesta, los dos comparten algunas historias, beben y se ríen juntos, y rápidamente se convierten en amigos bebedores y eventuales grandes amigos, para sorpresa de Israel. La química entre Melissa McCarthy y Richard E. Grant, aunque no es romántica, recuerda a algunos de los mejores emparejamientos del tipo Bonnie y Clyde en una película reciente. Mientras que el dúo son personalidades muy diferentes, Lee y Jack rebotan el comportamiento malvado del otro como si fueran dos hienas hambrientas en las calles de Nueva York.

Sin embargo, no importa cuántos buenos momentos y bebidas compartan los dos, las realidades del mundo real se derrumban en forma desordenada, especialmente para Israel. Amenazada con un desalojo y la posibilidad de perder a su gato por su salud en declive, Israel tropieza con una carta genuina escrita por Fanny Brice durante su investigación en una biblioteca local. Israel, que lo considera más como un boleto de comida que como una pieza de colección, le vende la carta a una coleccionista de una librería local, lo que le brinda la brillante idea de crear y adornar otras cartas de celebridades destacadas para obtener ganancias monetarias. Visitando archivos y robando cartas originales, embelleciendo sus propias letras de la nada o agregando su propio estilo a las cartas ya existentes, los escritos de Israel ascendieron a más de 400 piezas de trabajo.

La vida real de Israel terminó en el 2014, pero ironicamente estas obras infames de la autora siguen siendo sus más destacadas, así como el adorno de estas cartas y la novela confesional en la que se basa esta película. La película en sí es una representación muy sombría, y evita con mucho cuidado todo el espectáculo y el glamour, y cuenta una historia muy sencilla de una mujer que ha perdido la suerte, que está contra la pared y sin otras opciones. Sin lugar a dudas, la película no podría existir sin la exquisita interpretación de Melissa McCarthy. Está claro que no estaba copiando a nadie más mientras retrataba a una mujer desagradable con poca positividad en su vida.

La conocida comediante pone fin a cualquier inquietud que pueda tener acerca de una carrera dramática, ya que exhibe una gama de excelente comedia teatral y seca con su negatividad, dando a los espectadores un ligero destello de su ingenio oscuro y usándolo en un personaje desagradable cuya moral no está muy alineada con las realidades y expectativas del mundo. McCarthy cuenta con el gran apoyo de Richard E. Grant en un vistoso y colorido desempeño como un compañero alcohólico y socio en el crimen, Stephen Spinella como un amable vendedor de libros raros, pero cada vez más sospechoso de Israel, Brandon Scott Jones como un empleado de una librería que, a su pesar, desecha a Israel de manera equivocada, Jane Curtin como su sensata agente literaria, y Anna Deveare Smith como una vieja amiga.

En general, esta es una película maravillosa con una fabulosa heroína imperfecta, y al mismo tiempo es divertida, conmovedora y perspicaz. Melissa McCarthy da una interpretación magistral en el papel principal y Richard E. Grant es gracioso y trágico como actor secundario. Al final, Can You Ever Forgive Me? es una historia diferente, ya que nos muestra una historia verdadera de la vida de alguien que cae en el crimen para pagar las deudas, y se presenta todo desde la perspectiva del perpetrador sin buscar empatía y simpatía. No está demasiado adornada y no es demasiado dramática como lo hace Hollywood con demasiada frecuencia, lo que creo que le hace bien a la película. Es una historia bastante ordinaria, pero es genial.  Definitivamente vale la pena verla.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Alita: Battle Angel

500 años a partir de ahora, la Tierra ha cambiado, con el Dr. Dyson Ido (Christoph Waltz) navegando por un mundo de cibernética y basura, mientras que en el cielo, la utopía de Zalem vuela conteniendo el sueño de una vida de lujo para los residentes pobres que quedan en el suelo. Al descubrir un cuerpo robótico en un basurero, Ido utiliza su experiencia para crear a Alita (Rosa Salazar), un cyborg con una coraza metálica y el cerebro de una adolescente. Alita tiene amnesia, no está segura de cuál es su historia, pero está feliz de encontrar un hogar con Ido, que satisface sus necesidades paternas después de una relación rota con la Dra. Chiren (Jennifer Connelly), quien ahora se unió a Vector (Mahershala Ali), una  figura poderosa del bajo mundo con lazos en Zalem. Aprendiendo a navegar en su peligroso entorno, Alita se ve envuelta en una comunidad de guerreros y cazarrecompensas que mantienen el orden y la excitación violenta del Motorball, un juego popular que Alita intenta dominar. También conoce a Hugo (Keean Johnson), un joven amigable que ofrece su compasión y poco a poco su amor a Alita.

Sin duda alguna tengo que decir que esta película me voló la cabeza. Las imágenes, la narración, las secuencias de acción y la ejecución son perfectas. Robert Rodriguez se ha redimido en esta película, combinando su mente con el corazón de James Cameron. Alita resulta ser un buen híbrido y una película única que tiene la firma de James Cameron y el alma de Rodríguez en una sola película. Rodríguez incorporó el estilo de sus secuencias de acción de Desperado, From Dusk Till Dawn y Sin City aquí, pero está más allá de su nivel, yendo a la altura de películas como Mad Max: Fury Road o The Matrix.

La película tiene mucho que ofrecer, y en muchos niveles, pero por dónde empiezo? Primero, me encanta la continuidad y el flujo de la historia desde el primer segundo de la secuencia de apertura. Hay suficientes elementos y enfoques en cada personaje para impulsar la historia y realmente uno se preocupa por Alita. Las secuencias de acción de la película y sus imágenes son absolutamente fantásticas. No tiene una sensación artificial de CGI en lo absoluto. Además, está filmada de una manera tan espectacular que, cuando es necesario, resalta la profundidad durante las secuencias de acción. Si alguien duda de que James Cameron tuvo una mano en la dirección de esta película, esto debería poner toda duda en silencio, Alita es una mejora sumamente por encima de lo que hizo Avatar con su cinematografía. El mundo está maravillosamente imaginado y también es increíblemente hermoso. Alita se ve increíble, es vibrante, está llena de vida y su piel se ve muy natural. He leído que algunas personas están criticando sus ojos, pero a esas personas les falta el punto de que Alita no es humana. Alita: Battle Angel toma prestadas historias de otras películas de ciencia ficción en algunos lugares, y como su prima Avatar, Alita logra forjarse un nuevo mundo interesante para sí misma, que de alguna manera es similar a su protagonista.

Rosa Salazar es la más que se destaca en esta película, siendo la mejor intérprete de Motion Caption que he visto hasta ahora desde Andy Serkis (Caesar, Gollum, King Kong). Su interpretación de Alita es el corazón y el alma de esta película, y las expresiones faciales en su rostro CGI me dejó sin palabras. Rosa trajo un nivel único a esta increíble película, y el resto del elenco también es impresionante. Christoph Waltz, Marhershala Ali y Jennifer Conelly también dieron excelentes actuaciones en esta película, y hay algunas apariciones sorpresa que no querrán perderse (una viene en un personaje de CGI, pero reconocerán su voz y su rostro y uno llegará al final de la película que los dejará boquiabiertos). El único aspecto negativo es (y no es un gran problema) que me hubiera gustado que la película tuviera de 30 a 45 minutos más y sentí como si reservaran todo para una secuela o secuelas.

En general, es fácilmente mi película favorita del año hasta ahora. Esta es una película que está diseñada para verse en la pantalla más grande posible, ya que los efectos visuales son increíbles, las secuencias de acción son únicas y están bien coreografiadas y las actuaciones son excelentes en todos los sentidos. Alita tiene una buena voz, un gran Motion Capture, su personalidad es agradable y es genial verla pasar de amistosa a implacable. Espero que esta película sea lo suficientemente exitosa financieramente para obtener una secuela, ya que la merece. Al final, Alita: Battle Angel es un festival visual y una película profunda que cubre una amplia gama de temas, como el empoderamiento femenino, el crecimiento personal, el sacrificio y la pérdida. Vayan a verla en la pantalla más grande posible, es un espectáculo cinematográfico y vale la pena verla.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 12 De Febrero Del 2019

Bohemian Rhapsody (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

The Front Runner

At Eternity's Gate

Review: Close

Después de la muerte de su padre, Zoe (Sophie Nelisse) queda como la accionista mayoritaria de Hassan Mining, y con la compañía compitiendo por la compra de una mina de fosfato en África, obliga a la viuda Rima (Indira Varma) a lidiar con su hijastra. Zoe no puede pensar con claridad y no quiere la responsabilidad, ya que lo único que hace estar drogada y ir de fiesta en fiesta, pero las nuevas responsabilidades la arrastran a Marruecos, lo que hace que necesite un oficial de protección para mantenerla a salvo. Es entonces cuando llega Sam Carlson (Noomi Rapace), una guerrera cansada que no quiere la tarea. De mala gana, pero viendo la posibilidad de un gran pago, se encuentra con una cliente problemática atrapada en un extraño juego de poder con una compañía de mil millones de dólares. Estando en Marruecos y mientras vive dentro de una casa de seguridad, Zoe es el blanco de un secuestro de agresores secretos. Con Sam tratando de evitar la captura, la pareja huye a la zona salvaje de Marruecos, pero cuando Zoe, presa del pánico, mata a un oficial de la policía corrupto, se convierte en una fugitiva y su única salvación es Sam.

Close cuenta la historia de Sam Carlson, una guardaespaldas contratada para proteger a una joven y rica heredera llamada Zoe.  Cuando las dos son emboscadas como parte de un intento de secuestro, se ven obligadas a huir y pronto se enredan en una complicada red de engaños. La secuencia de apertura nos presenta a la dura, inteligente y profesional Sam Carlson que participa en una tarea de escoltar y proteger a un grupo de periodistas. La película nos lanza directamente a la acción, ya que evitan por poco ser volados por un misil y luego siendo disparados por un camión. En esta breve secuencia, llena de acción, vemos a Sam mostrando su destreza y habilidad como guardaespaldas. No solo está bien entrenada en el juego de armas, sino que también usa tácticas astutas para burlarse de sus oponentes, mostrando exactamente por qué es la mujer perfecta para el trabajo.

El comienzo de la película tiene una sensación muy parecida a una película de James Bond, con la inclusión de una secuencia de créditos previos llena de acción seguida de los créditos de apertura. La edición en la primera mitad de la película es perfecta, lo que permite transiciones suaves entre escenas, lo que da como resultado un estilo elegante que va de la mano con el estilo de acción y el suspenso de la película. El uso de primeros planos y ángulos estrechos agrega intensidad e intimidad durante muchas de las secuencias. También hay algunas tomas excelentes de gran alcance que configuran y capturan los paisajes y lugares dispersos e implacables, pero aún así hermosos. Desafortunadamente, en la segunda mitad de la película, la edición ágil y el trabajo de cámara se pierden.

Hay algunas ocasiones en las que las escenas parecen cortarse demasiado pronto y las siguientes secuencias no se siguen con claridad, lo que causa algo ligeramente desorientador. Además, y lamentablemente, la coreografía en la segunda mitad de la película no está tan pulida. Las escenas de lucha posteriores no ofrecen el mismo impacto y se sienten torpes y mal sincronizadas. La película proporciona algo diferente en el hecho de que se cuenta desde una perspectiva femenina. La película está escrita y dirigida por una mujer y las tres principales actrices son el foco principal de la narrativa. Es refrescante y proporciona una versión diferente de una película que normalmente estaría orientada a los hombres. Noomi Rapace ofrece una brillante actuación, logrando un equilibrio entre la voluntad fuerte y el frío con la vulnerabilidad y la emoción. Ella comienza como una guardaespaldas tranquila y sensata con un conjunto particular de habilidades que la convierten en una fuerza a tener en cuenta. Por alguna razón, casi al final de la película, de repente comete demasiados errores y ya no parece tan competente como guardaespaldas. Si bien un evento traumático la afecta, eso no debería tener tanto impacto en su capacidad como luchadora o guardaespaldas.

En general, la película comienza fuerte con un personaje principal interesante en la forma de Sam Carlson, un trabajo de cámara suave, una edición perfecta y una coreografía impactante. La tensión aumenta lentamente y luego explota durante las secuencias de acción. Desafortunadamente, la segunda mitad de la película pierde su camino y sufre de una edición fatal, secuencias de lucha torpes y un desarrollo de personajes frustrante. Al final, Close nos da una actuación apasionante de Noomi Rapace, pero un guión débil y un final anti-climático decepcionan lo que podría haber sido una película muy prometedora.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Kid Who Would Be King

Alexander "Alex" Elliot (Louis Ashbourne Serkis) es un niño de 12 años con grandes problemas en la escuela, que lucha por defender a su amigo Bedders (Dean Chaumoo) de Kaye (Rhianna Doris) y Lance (Tom Taylor). Mientras escapaba de una posible golpiza una noche, Alex se encuentra con la espada Excalibur atrapada en un bloque de concreto, sacándola casualmente para inspeccionarla. Consciente de la saga del rey Arturo, y de su padre ausente, Alex reúne el poder del arma con Bedders, y los niños pronto serán blanco para una conversación con Merlín (Angus Imrie/Patrick Stewart), un antiguo mago disfrazado de compañero de escuela. Merlín le explica a Alex que él es un verdadero rey, y la última oportunidad de la humanidad contra el ascenso de la bruja Morgana (Rebecca Ferguson), que ha sido despertada por el regreso de la espada, lista para asumir el control. En necesidad de caballeros para emprender su misión, Alex reúne a Bedders, Lance y Kaye para completar su mesa redonda, tratando de aprender tácticas de pelea y valor de Merlín antes de buscar a Morgana.

Las historias clásicas sobre el rey Arturo y la espada en la piedra se han contado una y otra vez a través de los años. Personalmente, me he cansado de este cuento y no me interesaba volver a ver otra versión. Dicho esto, la primera vez que vi el material promocional de The King Who Would Be King, sentí que sería una nueva toma que cambiaría la premisa histórica. Con el talento involucrado delante y detrás de la cámara (me intrigó al ver que iba a ser dirigida por Joe Cornish), rápidamente me interesé. Si bien este material puede no interesarle a todo el mundo, si son fanáticos de una buena aventura o simplemente buscan diversión, creo que pueden entretenerse con esta película como lo hice yo. Si bien no es totalmente original, esta es la razón por la que The Kid Who Would Be King merece su atención.

La película sigue a Alexander "Alex" Elliot cuando es intimidado hasta el punto de caer en un lugar de construcción, tropieza con una espada que sobresale de una piedra. Al poder sacarla, se la lleva a su casa y comienza a creer que es el nuevo heredero de la espada y que las historias clásicas del rey Arturo son verdaderas. Esta es una meta-historia que funciona muy bien debido a la fantástica representación de los personajes principales. Desde las breves apariciones de Rebecca Ferguson y Patrick Stewart hasta el papel de Dean Chaumoo, el más notable es fácilmente Louis Ashbourne Serkis en el papel principal. Si bien esta película está llena de actuaciones sobresalientes, la suya es la que brilla del resto. No puedo esperar a ver evolucionar su carrera. Si se parece a su padre (Andy Serkis) será un nombre familiar en los próximos años. Desde sus momentos cómicos hasta su dedicación a los momentos dramáticos, me encontré maravillado por su actuación. Vendió este personaje de una forma que no esperaba, lo cual es mucho decir para un actor tan joven.

Esta es una historia bastante predecible, lo que es fácilmente el defecto más grande que encontré con esta película. Me encontré a mí mismo prediciendo casi todo lo que le sucedería a los personajes, pero se hizo tan bien que me limité a ignorar ese aspecto y pude perdonarlo en su mayor parte. El sentido de la aventura aquí es infinito y, aunque hay un comienzo, una mitad y un final para esta historia particular, se siente como un mundo abierto que tiene el potencial de contar más historias. Para estos pequeños detalles, estaba completamente invertido. También hubo un punto a lo largo de la película en el que sentí que estaba llegando a un final muy anti-climático, pero fue seguido inmediatamente por otra secuencia de 20 minutos, terminando así las historias que los personajes necesitaban. La conclusión de esta película la salvó de ser una película desechable.

La película contiene muchos elementos de las películas familiares de los años 80 y 90 que adoro, pero también contiene una que otra falla en la historia. No me malinterpreten, esta es una película divertida. De hecho, diré que Louis Ashbourne Serkis es un gran pequeño actor y me llamó la atención porque estaba lidiando con el hecho de que no solo es de linaje noble, sino que también es inseguro acerca de sus relaciones con su padre, a quien admiraba. De hecho, todos los actores hacen un buen trabajo. Me gustaron sus amigos y el hecho que entienden lo que conllevan sus acciones, y el joven Merlín como un alivio cómico mientras lidia con el hecho de que este rey Arturo es más reacio de lo habitual. Y todos ellos tienen sus propias historias a lo largo de todo el viaje durante la película. Tiene una buena historia, buenos personajes y un buen guión. El escritor/director Joe Cornish entiende que es probable que los niños y los adultos acepten cualquier cosa mientras la historia termine en un final feliz.

En general, la película captura maravillosamente el espíritu de las historias de fantasía inglesa clásica del siglo 20 y las introduce a la era moderna. De ninguna manera es perfecta, pero si simplemente suspenden su incredulidad voluntariamente, esta película tiene un enorme encanto, emoción, magia y humor. Al final, The Kid Who Would Be King probablemente no sea conocida como una de las mejores películas del 2019, pero definitivamente es una de las más divertidas y entretenidas. Esto es como si el director Joe Cornish decidiera tomar los mejores elementos de las películas clásicas de aventuras para adultos (Lord Of The Rings o Harry Potter) y las hubiera mezclado para que personas de todas las edades la disfruten. Me divertí viendo esta película y creo que muchos también podrán disfrutarla.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 5 De Febrero Del 2019

Widows

The Girl In The Spider's Web

A Private War

Dr. Seuss The Grinch (teniendo 5 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la exclusiva de Target que trae un 26-Page Gallery y Activity Book y la exclusiva de Wal-Mart que es Limited Edition trae 16 Valentine's Day Postcards)

The Cloverfield Paradox

The Sisters Brothers