Textless De La Semana

Joker

Review: Abominable

Yi (voz de Chloe Bennet) es una joven que vive en China y que intenta reunir algo de dinero haciendo trabajos ocasionales. Ella espera recaudar suficiente efectivo para financiar un extenso viaje por el país el cual estaba planeando con su padre antes de que él muriera, pero no ha sido fácil. A su vida llega un misterioso Yeti que está herido y busca refugio en el techo de su hogar, escondiéndose de una cacería organizada por Burnish (voz de Eddie Izzard), un hombre mayor que busca al Yeti para una exhibición pública, lo que le daría una fortuna. Burnish es ayudado por la Dra. Zara (voz de Sarah Paulson), una zoóloga inglesa que espera alcanzar a la criatura primero. Ayudando al Yeti con sus heridas, Yi apoda a su nuevo amigo Everest, por la montaña a la que está desesperado por regresar. Con la intención de proteger a Everest mientras cruzan China, Yi es acompañada por su vecino Peng (voz de Albert Tsai) y su primo Jin (voz de Tenzing Norgay Trainor).

Unos jovenes encuentran una criatura extraña y mágica e intentan llevarla a su casa, mientras varias personas los persiguen porque quieren a la criatura para sus propios motivos personales. Suena familiar, verdad? Lo que separa esta última película de animación de Dreamworks de la mayoría de las películas, es, por supuesto, que es visualmente sorprendente, pero también, la película tiene cierto encanto y, una vez más, continúa explorando el tema de la diversidad. A medida que cruzan China para llevar a Everest a su casa y tratar de evitar a los villanos, aprendemos más sobre los personajes y sobre Everest. Con los Yetis siendo criaturas mitológicas, Everest es una criatura mágica. Él tiene la capacidad de manipular la naturaleza a su alrededor. Hace de todo, desde hacer frutas de gran tamaño cuando los jovenes tienen hambre, hasta surfear en el pasto creando una especie de ola gigante. Aquí también se incluye el elemento de la música, no el tipo del que cantan, y acompaña muy bien la historia. Yi está bien entrenada en el violín, pero como eso es algo que hacía con su padre, ya no quiere tocar para otros. Todavía lo hace en su propia privacidad, pero cuando Everest la escucha y tararea (activando sus poderes) hace que los dos creen un lazo emocional. Más tarde en la película, y con ese lazo, sucede algo especial y muy importante para la narrativa.

Por otro lado, algunas cosas no hacen sentido en todo el trayecto de la película. Esto es básicamente un viaje a través de China. A medida que Yi, Everest, Jin y Peng atraviesan China, realmente hacen que parezca que solo van al próximo pueblo y no a un vasto viaje de muchas millas que tomaría para tocar cada punto de referencia que hay. Sin duda alguna, estos niños habrían muerto fácilmente de hambre, sin importar cuántas frutas gigantes se encuentren. El guión también es bastante predecible. Si bien la película está bellamente animada, la directora Jill Culton probablemente debería haber tenido un guionista adicional para la película. La mayoría de los chistes sobre Everest y Jin son importantes, pero muchos de los diálogos de Peng se basan en los grupos de "niños populares" y no son nada irónicos para los adultos, ni divertidos para los niños.

Una cosa que realmente funciona en esta película es la increíble animación. Y siendo Dreamworks, ya se sabe que se puede esperar. Incluso después de haber sido consentidos por innumerables otras películas, se las arregla para sorprender, y no solo con los entornos fotorrealistas de China, sino también con Everest y sus poderes, ya que hace un excelente uso de los colores. El trabajo de voces en todos los ámbitos es excelente. Dado que la película tiene su sede en China, también es una ventaja que la mayoría del reparto es interpretado por actores de ascendencia asiática. Si bien la mayoría de las películas están dirigidas al público occidental, lo único que se occidentaliza es el idioma, ya que las referencias e incluso la comida se basan en la cultura china. Everest posiblemente venderá muchos juguetes, pero como él es la mascota del grupo, o el cuarto niño no oficial, también tiene una gran cantidad de momentos cómicos y conmovedores a lo largo de la película.

En general, si bien la mayor parte de la película es bastante predecible, una vez que llegamos a la historia de Yi y la historia con su padre, es cuando uno se da cuenta que ahí es donde está el corazón de la película. No solo es una película sobre una niña y un Yeti, en realidad es una historia sobre una niña y su padre y su búsqueda de una manera de como permitir que las personas vuelvan a entrar en su corazón. Al final, Abominable sufre de sentirse familiar a primera vista, pero esta película abarca eso y a la vez crea un viaje que se siente fresco. Los temas de esta película están destinados a todas las edades, por lo que creo que será un éxito entre toda la familia. No estaba exactamente emocionado cuando vi los trailers de esta película, pero después de verla, debo decir que me sorprendió de una manera que no esperaba. No creo que esto se convierta en un clásico, pero independientemente es una muy agradable y buena película animada.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 1 De Octubre Del 2019

Spider-Man: Far From Home (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae un Night Monkey Action Figure)

Chernobyl

Doom: Annihilation

Review: Blinded By The Light

El año es 1987, y Javed (Viveik Kalra) es un joven paquistaní que se crió en una familia estricta, y con un padre autoritario, Malik (Kulvinder Ghir), que exige respeto. Javed sueña con ir a la universidad, pero está comprometido a una vida de servidumbre, trabajando de mala gana como un contador, cumpliendo con las expectativas de Malik. Cuando Javed conoce a un joven llamado Roops (Aaron Phagura), le presentan el milagro de Bruce Springsteen, quien escribe sobre el hombre común y sus luchas para sobrevivir en una vida que no quiere. Respondiendo a tal verdad, Javed se convierte en un super fanático de Springsteen, viviendo su vida por The Boss, con esta pasión impulsando su poesía personal, y impresionando a su maestra, la Sra. Clay (Hayley Atwell). Con Springsteen alterando su ADN, Javed lucha por su futuro, encontrando que la liberación es una venta difícil para Malik, que empuja los valores y aspiraciones tradicionales de Pakistán a su hijo, causando una tremenda fricción en el hogar.

La música es un idioma internacional, capaz de transformar vidas y elevar el espíritu independientemente de la cultura de uno. Los sonidos rebeldes y de espíritu libre de Bruce Springsteen llevan ese poder más que la mayoría, y es el director Gurinder Chadha quien presenta esto con entusiasmo en Blinded By The Light, una película que tendrá a los fanáticos de The Boss cantando con entusiasmo, y probablemente algunos no fanáticos también. En la superficie, Blinded By The Light es bastante convencional, pero es su presentación al estilo de un video musical lo que acompaña esta historia cultural con las letras de Springsteen saliendo de la pantalla que reflejan las pruebas y tribulaciones de Javed, un joven paquistaní que crece en un Londres racialmente cargado de los años 80.

Su padre, siendo un obrero de fábrica que ha perdido sus propios sueños, tiene muchas expectativas sobre Javed de ser abogado. Es lo suficientemente amable como para no hacer que su hijo sea médico como lo harían otros padres pakistaníes. Javed quiere ser escritor, sin embargo, está demasiado asustado para mostrar su trabajo a alguien que no sea su maestra, quien lo alienta a seguir adelante. Con la creciente tasa de desempleo y la propagación del racismo durante la administración de Margaret Thatcher, Javed se siente más solo que nunca. Pero todo eso cambia cuando conoce a Roops, que al reconocer esa mirada de aislamiento, presenta a Javed la música de Bruce Springsteen, cuyas palabras de libertad, trabajo duro y rebelión encienden un fuego dentro de él.

Tal es el impacto de Springsteen que casi se puede pasar por alto lo poco que están escritos la mayoría de los personajes. Siendo una historia real, Javed está basado en el escritor británico Sarfraz Manzoor, que no tiene mucha personalidad fuera de su amor por The Boss. Se viste como Springsteen, cuelga sus posters en la pared e incluso llega a visitar todos los lugares clave de la vida del rockero. Pero fuera de eso no hay mucho para él. Todos podemos relacionarnos con la lucha de Javed para liberarse de las limitaciones que le imponen sus padres, la sociedad, y su raza, y Chadra hace un buen trabajo para hacer que esa historia sea fácil de entender sin importar de dónde uno sea. Un catálogo casi completo de las canciones de Springsteen (junto con muchos otros éxitos de la época) hacen que la película se sienta como una experiencia musical de vellonera, con sus letras perfectamente grabadas en la pantalla para mostrar su relación con las circunstancias de Javed.  Ciertamente, hay algunas canciones que suenan más que otras, sin embargo, eso comienza a producir cierta fatiga a medida que se escucha lo mismo repetidamente. No se sorprendan si vemos un aumento en las ventas de los álbumes de Springsteen, tal como lo vimos con Queen después de Bohemian Rhapsody y Elton John con Rocketman.

En general, no estoy seguro de si esta película tendrá algún atractivo para muchas personas, pero no se puede negar el efecto que Bruce Springsteen puede tener. El que un chico normal de New Jersey pueda hacer música que toque la vida de un joven paquistaní en Inglaterra, sin importar las diferencias generacionales entre ellos, muestra el potencial en la película para unir a las personas con su mensaje. Es una película con algo que decir, y eso es algo que The Boss definitivamente apreciaría. Las actuaciones fueron muy buenas, especialmente para ser una película independiente. La historia fue aún mejor, siempre y cuando no se concentren en la trama central y si siguen o no "las reglas". En cambio, relájanse y sumérjanse en todo el subtexto. Al final, Blinded By The Light es un vistazo a la subcultura dolorosa de las personas que viven en un mundo que no los quiere, y invita al espectador de mente abierta a experimentar el racismo de una manera real y visceral. No es arte, pero es una muy buena película.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 24 De Septiembre Del 2019

Child's Play

Yesterday

Anna

Shaft

101 Dalmatians - Signature Collection (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Sleeping Beauty: Anniversary Edition - Signature Collection (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Textless De La Semana

Rambo: Last Blood

Review: Nightmare Cinema

En el misterioso Teatro Rialto, The Projectionist (Mickey Rourke) da la bienvenida a las almas perdidas que enfrentan problemas en sus vidas, acercándolos a una muerte que no entienden, y requiriendo la proyección de una película especial para recordarles su final. En The Thing In The Woods, dirigida por Alejandro Brugués, Samantha (Sarah Withers) y Jason (Kevin Fonteyne) se enfrentan a la ira de The Welder, un asesino enmascarado que persigue a la pareja hasta una cabaña en el bosque. En Mirari, dirigida por Joe Dante, la joven Anna (Zarah Mahler) se está preparando para casarse con David (Mark Grossman), pero está insegura de sus cicatrices faciales. En manos del Dr. Leneer (Richard Chamberlain), Anna es sometida a una cirugía plástica que nunca termina, y pronto trata de escapar del hospital. En Mashit, dirigida por Ryûhei Kitamura, el padre Benedict (Maurice Benard) está a cargo de un internado recientemente infestado de posesión demoníaca, lo que provoca el frenesí de los niños mientras reúne el coraje para luchar contra ellos. En This Way To Egress, dirigida por David Slade, Helen (Elizabeth Reaser) es madre de dos niños que llegan al consultorio de un médico para hablar sobre su locura. Y en Dead, dirigida por Mick Garris, el adolescente y prodigio del piano Riley (Faly Rakotohavan) recibe un disparo durante un robo de auto, enviándolo al hospital donde se enfrenta a su atacante, sin saber si todavía está vivo.

Esta es una película que estaba bastante intrigado en ver desde que vi el trailer. Lo que realmente me llamó la atención es que el escenario del teatro es excelente para una película de terror. Luego descubrí que se trataba de una película de antología. La trama de la película es que cinco extraños coinciden en una sala de cine embrujada propiedad de The Projectionist. Una vez dentro, los cinco extraños presencian una serie de proyecciones que les muestran sus miedos más profundos y sus secretos más oscuros en cinco historias. Es una antología interesante y diré que definitivamente me entretuvo. Todos los cortos tienen algunas ideas interesantes en ellas. The Thing In The Woods tiene un buen giro y me gustó que comenzó como un slasher para luego convertirse en algo mucho más al final. Mirari se sintió un poco predecible, pero no me importó dónde terminó, ya que realmente juega con algo que muchos de nosotros tenemos respecto a las inseguridades. Mashit trae algunos temas sobre la hipocresía y la corrupción de la religión. También me pareció interesante que Ryûhei Kitamura fuera el director, ya que incorpora historias de fantasmas japoneses en una película basada en la religión latinoamericana. No entendí This Way To Egress, pero aún así fue un buen concepto. Solo hubiera deseado que se hubiese transmitido un poco mejor de que realmente se trataba. Dead también tiene un buen concepto, pero sentí que fue la más débil de todas las historias.

Algo que realmente quiero mencionar es que pensé que el entorno en general fue un poco débil. Me gusta que mis películas de antología tengan un puente sólido que las una. Me gustó la idea de The Projectionist. Él sale muy espeluznante y sus diálogos son sólidos. Pero simplemente no está realmente desarrollado, algo que me hubiera gustado sucediera. Creo que incluso el expandir un poco la película para eso habría funcionado. El ritmo de la película está muy bien armado. Las historias realmente siguen su curso y pensé que todas funcionaron bastante bien. Sin seguir insistiendo en el entorno, creo que la transición para comenzar cada historia realmente funciona. El único problema es que realmente no veo mucha necesidad de The Projectionist, aparte de las palabras algo profundas que dice para hacer que los personajes se asusten.

En cuanto a las actuaciones en la película, pienso que fueron bastante buenos en todos los ámbitos. Sarah Withers comienza todo y le va bien en su papel. Zarah Mahler hace un trabajo sólido en la segunda historia. Es una mujer bonita y me gustó la inseguridad que mostró. Realmente me hizo sentir por ella. Richard Chamberlain y sus enfermeras fueron bastante espeluznantes, y Mark Grossman también lo fue como el típico buen tipo. Maurice Benard fue bueno en el siguiente segmento al igual que Mariela Garriga y el resto del elenco. Elizabeth Reaser realmente me impresionó, aunque su historia es un poco mínima y se trata más de su actuación. En el corto final, Faly Rakotohavana fue bueno en su actuación. Me sentí mal por él y con lo que tiene que lidiar después de esa fatídica noche. Lexy Panterra es una actriz que conocí al verla aquí y fue genial en su interpretación. A pesar de no tener mucho tiempo en pantalla, Mickey Rourke hace un buen trabajo con su actuación con el resto del elenco, completando la película para lo que se necesitaba.

Los efectos también fueron realmente buenos. Diría que la mayoría se hicieron de forma práctica. Los aspectos slasher de The Thing In The Woods fueron buenos. Hay algo de CGI, pero no me molestó y funcionó para lo que se necesitaba. Los efectos y maquillajes posteriores en Mirari fueron un poco grotescos. Hubo un poco de CGI utilizado en Mashit y fue genial. Y como dije, me sentí que estaba viendo una película de fantasmas japonesa y eso me encantó. This Way to Egress es la más práctica de las historias. Los cambios son tan sutiles que es desconcertante, casi como si se estuviera cayendo en la locura junto con su personaje y a la vez cuestionando lo que se está viendo. Dead también fue principalmente práctica con un poco de CGI, que también estuvo bien para mí. La película está filmada de manera excelente a pesar de que tenemos muchos directores aquí.

En general, esta es una buena antología. Creo que es una de las mejores que he visto recientemente. Realmente me gustó el alcance de los cortos que tenemos aquí y el mensaje que intentan transmitir. Con lo diferente que es cada uno, realmente funciona todo junto, lo cual es genial. Desearía que hubiera habido una mejor historia envolvente con The Projectionist, ya que creo que podría haberlo conectado todo un poco mejor. Las actuaciones realmente ayudan a darle vida también. Los efectos en la película son en su mayoría prácticos y en realidad el CGI que obtenemos funciona o simplemente mejora lo que se necesitaba. Al final, Nightmare Cinema no es solo una buena película de antología de terror, es probablemente la mejor del año. Por una vez, obtenemos consistencia y uniformidad, independientemente del hecho de que cinco maestros de terror están dirigiendo, cada uno con sus antecedentes y estilo. Estos directores son: Alejandro Brugués, Joe Dante, Ryûhei Kitamura, David Slade y Mick Garris. Además, hacer que Mickey Rourke parezca como el Crypt Keeper con su personaje fue algo muy inteligente. Estas son historias independientes, lo que las antologías de terror fueron inicialmente. No hay vampiros o hombres lobo, aquí. Estamos hablando de demonología, doctores locos y de la muerte. La película no es tan comercializable como las Creepshow (1982, 1987), pero no obstante es muy entretenida.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Furie

En una pequeña comunidad rural en las selvas de Vietnam, Hai Phuong (Veronica Ngo) hace todo lo posible para criar a su pequeña hija Mai (Cat Vi) como madre soltera, proveyendo un techo sobre su cabeza y comida en su barriga, incluso si está poco cocinada. Tratando de dejar atrás su antigua vida en una pandilla callejera, Hai Phuong solo puede ganarse la vida como cobradora de deudas, una ocupación que ocasionalmente la lleva a acercarse a la violencia de la que huyó. Después de que una discusión en el mercado local la separa de Mai, quien había sido acusada erróneamente de robar, Hai Phuong se horroriza al ver a su hija secuestrada por una banda de traficantes de órganos. Su horror solo se intensifica al darse cuenta de que Mai se unirá a innumerables niños, con sus órganos para ser cosechados y vendidos en el mercado negro. No queriendo dejar que su hija termine con un destino tan horrible, Hai Phuong sigue a los secuestradores hasta Ho Chi Minh City (Saigón), comenzando así una búsqueda que dejará un rastro sangriento a través de la cuidad, decidida a rescatar a su hija y al resto de los niños secuestrados antes de que sea demasiado tarde.

Entre Maria y Furie, Netflix se está convirtiendo rápidamente en el lugar ideal para el cine de acción asiático dirigido por mujeres. Y estoy de acuerdo con esto, obviamente. El género de acción está criminalmente subestimado y malentendido en los círculos del cine pseudointelectual, y siempre encuentra su mayor audiencia en los servicios de streaming, por lo que acceder a este tipo de películas con mayor facilidad solo puede ser algo bueno. La trama de Furie es angustiosamente familiar, y no tiene nada nuevo. Y, francamente, no hay muchas novedades sobre la película en general, aunque eso no es un problema. La película se filtra por completo a través de la perspectiva maternal y feroz de Veronica Ngo como Hai Phuong, brindando un rendimiento que abarca desde la vulnerabilidad, la desesperación y lo que hace el poder de la ira. Entre sus aspectos más notables se encuentra el manejo de la relación central entre Hai y su hija, que es el enfoque principal de la película. Aquí es donde vemos la división de su actuación, forzada a ser una despiadada cobradora de deudas por su trabajo pero tratando de enseñarle a su hija cómo ser mejor de lo que ella es.

Las escenas de acción son realmente fuertes. Las primeras son bastante menores, siendo algunas solo unas breves peleas con secuaces que intentan evitar el acceso a su hija durante el secuestro, así como una persecución en barco muy intensa a lo largo de un río. Las peleas cuerpo a cuerpo tienen algunos movimientos brutales y contundentes que abandonan las artes marciales llamativas y poco realistas en favor de un estilo más simplista que sería pertinente dada la situación. La actriz Veronica Ngo no se muestra en la forma más impresionante en las batallas con sus oponentes, ya que está tratando de recuperar a su hija y noquea a todo aquel que evite que lo haga, lo que significa que los noqueará rápidamente. Aún así, es capaz de participar en peleas prolongadas, incluida una masiva con muchos secuaces en un tren, que están llenas de acción y muchos movimientos que son bastante agradables.

Uno de los mayores inconvenientes de la película es la absoluta falta de información sobre el grupo de secuestro de niños hasta que es demasiado tarde en la película. Si bien hay una gran sensación de realismo en Hai sin saber quién se ha robado a su hija, el hecho de que no sepamos nada sobre la operación o lo que le va a pasar mantiene las cosas confusas sobre su misión. Además, el detective investigador supuestamente en el caso no tiene nada sobre ellos todo este tiempo y solo tropieza con su operación a través de la participación de Hai en la situación, dejando que toda esa sección de la película se arrastre para darnos este pequeño poco de información sobre el grupo de secuestro. No podría confirmar si este aspecto de la película es una realidad en Vietnam, pero aún así es un aspecto curioso que algo tan importante sea un misterio tan complejo.

En general, la película no está exenta de defectos. El enfoque en una sola pista hace que los aspectos de la trama y el personaje se sientan ligeros, en su mayoría pasando ​​sin ningún cuidado en particular, y la película ocasionalmente hace un giro hacia un territorio inexplicablemente cursi. Independientemente, es una pelicula de acción muy bien hecha con un personaje principal sólido y peleas que complacerán a los fanáticos del género de acción. Al final, Furie no cuenta con la trama más original ni abre nuevos caminos, ya que se apoya en la fórmula típica de las películas de acción, pero aprovecha al máximo lo que tiene. La acción es muy buena, y Veronica Ngo le da profundidad y motivación a su personaje. Sin lugar a dudas, el director Kiet Le-Van nos brinda un paseo estilizado y emocionante de artes marciales.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Ready Or Not

Experimentando el mejor día de su vida, Grace (Samara Weaving) se casa con Alex (Mark O’Brien), uniéndose a la familia Le Domas, que se ha aferrado a una fortuna por generaciones construyendo juegos de mesa. Alex está nervioso por el gran día, vigilando a su padre Tony (Henry Czerny), su madre Becky (Andie MacDowell), su hermano Daniel (Adam Brody), la tía Helene (Nicky Guadagni) y a varios suegros y primos, ya que están insistiendo a Grace para participar en una tradición de la familia Le Domas que tiene al miembro más nuevo de la familia descubriendo una carta que revela el nombre de un juego que jugarán a la medianoche. El juego elegido para Grace es hide and seek, y pronto es enviada a protegerse en la majestuosa mansión tipo laberinto. Lo que la nueva novia no sabe es que la familia Le Domas juega hasta la muerte, y con una variedad de armas antiguas se embarcan para encontrar y matar a Grace.

Que bueno es que cancelaran esa película sobre los ricos que cazan a los pobres, verdad? Oh, esperen, todavía queda una, y es Ready Or Not. Una versión sangrienta y graciosa del juego más peligroso de hide and seek que de alguna manera se deslizó por las grietas en la adquisición de Fox por parte de Disney. La próxima vez que vean a alguien dudar de si mantendrán a Deadpool clasificada R, muéstrenle la violencia tonta, entretenida y explosiva de esta película como un ejemplo. A diferencia de la polémica y cancelada The Hunt de Universal, la élite depredadora de Ready Or Not no es necesariamente política. Los Le Domas son gente de negocios, o una familia (o clan) de negocios que hizo su dinero en la industria de los juegos de mesa, que luego se expandió a actividades de juegos más grandes. Ellos aman los juegos, pero... los extraños que entran en la familia? Bueno, esa es una historia diferente.

Samara Weaving interpreta a Grace, una novia que está a punto de casarse con Alex Le Domas, a quien le importa poco el dinero de su familia y sus extrañas tradiciones. Él está ansioso por terminar esta boda, claramente preocupado por algo, ofreciendole a Grace una salida para que simplemente puedan irse. Ella piensa que es porque está nervioso. Los Le Domas, que incluyen al padre severo y devoto Tony, el hermano alcohólico Daniel, la simpática madre Becky y la odiosa tía Helene, tienen al menos una costumbre que simplemente no se puede ignorar. A la medianoche, el nuevo miembro de la familia debe revelar una carta y todos deben jugar el juego que salga en ella. El problema es que hay una sola carta que no es buena para sacar, y esa es la de hide and seek. Adivinen cuál saca Grace? Mientras ella ingenuamente se va a esconder, el resto de la familia, excluyendo a Alex, toma un arsenal de armas antiguas y se va a buscarla, capturarla y matarla por razones que no diré aquí.

Solo diré que la riqueza de los Le Domas los ha llevado a hacer algunas cosas posiblemente locas para mantenerla, lo cual es un comentario muy profundo sobre la élite en el que la película realmente profundiza. Esta no es una película particularmente rica temáticamente, es más una situación de "ves lo que obtienes", pero los guionistas ponen suficientes comentarios y caracterizaciones modernas como pueden entre las explosiones y baños de sangre. Los perseguidores de Grace no son asesinos profesionales, ni son del tipo que saben qué hacer con una ballesta o un hacha, tanto así que uno de ellos está sentado en el inodoro mirando videos en YouTube sobre cómo usarlas. La armas medievales que usan los desconcierta tanto que conduce a algunas de las muertes más divertidas de la película por parte los personajes más fáciles de eliminar, algo que solo provoca la diferencia de clases sociales. También hay momentos en los que es fácil simpatizar con algunos del clan Le Domas, a pesar de tener el mejor juicio. Adam Brody es excelente como el conflictivo Daniel, que claramente odia la vida en la que ha nacido, pero teme que sea demasiado débil para rebelarse contra ella.

Sin duda alguna, Samara Weaving es la que se roba el espectáculo en esta película, y aunque no es una fuerza explosiva de la naturaleza, es difícil no verla como una chica ruda cuando se arranca su angelical vestido de novia y se amarra un cinturón de balas. Weaving aporta humor, intensidad y un poco de tristeza a su personaje. Grace es una niña adoptada que está ansiosa por casarse con Alex y tener una familia real, pero ve que todo eso se esfuma en una ráfaga de flechas y balas. Es un escenario loco, uno en el que los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett idean muchas formas ingeniosas de como matar gente. Pero donde pueden ser mejores es cuando presentan lo grotesco, como un pozo lleno de cadáveres tan podridos que prácticamente se pueden oler, o en un final lleno de tanta sangre que rivaliza con la escena de apertura del club en Blade (1998). Donde no aprovechan por completo los elementos de terror natural de la película es en la presentación de la mansión gótica de los Le Domas en la que se desarrolla el juego. Es algo bastante estándar, con poca luz, rincones oscuros, algunos pasadizos secretos, pero nada que se destaque y haga que esta gigantesca "prisión" se sienta viva.

En general, tiene una premisa clara de los juegos con ideas de las clases sociales, los privilegios y el derecho, todo mientras se deleita en lo absurdo, lo cómico y los baños de sangre. Mis problemas principales radican más en su ejecución, lo caricaturesco y la calidad algo irritante de los personajes y la falta de piezas memorables. Tal vez sea culpa de la dirección, que es tan crucial para traducir una buena premisa en una película bastante movida, absorbente y visualmente convincente. Aún así, disfruté mucho de su concepto original. Al final, Ready Or Not lanza su suerte al ser una película satisfactoria de matar o morir. Es una comedia/horror oscura, no especialmente ambiciosa o compleja. Es una película que vale la pena verla, y si están dispuestos a jugar... se irán felices.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 17 De Septiembre Del 2019

X-Men: Dark Phoenix (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la Custom Cover Art and Poster exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae 6 Limited Edition Collector Cards)

Pasolini

Star Wars - Episode I: The Phantom Menace (Septiembre 22)

Star Wars - Episode II: Attack Of The Clones (Septiembre 22)

Star Wars - Episode III: Revenge Of The Sith (Septiembre 22)

Star Wars - Episode IV: A New Hope (Septiembre 22

Star Wars - Episode V: The Empire Strikes Back (Septiembre 22)

Star Wars - Episode VI: Return Of The Jedi (Septiembre 22)

Star Wars - Episode VII: The Force Awakens (Septiembre 22)

Star Wars - Episode VIII: The Last Jedi (Septiembre 22)

Rogue One: A Star Wars Story (Septiembre 22)

Solo: A Star Wars Story (Septiembre 22)

Review: Angel Has Fallen

El agente Mike Banning (Gerard Butler) está envejeciendo, y los actos de heroísmo del pasado ​​lo han alcanzado, dejándolo en muy mal estado de salud, y tomando pastillas para el dolor para mantenerse funcional. Intentando apoyar a su esposa, Leah (Piper Perabo), y a su pequeña hija, Mike permanece al lado del presidente Allan Trumbull (Morgan Freeman), quien está a punto de ofrecerle a su principal agente un puesto como jefe del Servicio Secreto. Mientras está de vacaciones, Trumbull es atacado por drones explosivos, matando a todos, excepto al presidente y Mike, que se despierta en un hospital, bajo arresto por un intento de asesinato financiado por los rusos. Confundido, Mike se da cuenta de que está siendo incriminado, pero pronto se escapa y sale a limpiar su nombre. Ofreciendo ayuda y conexiones están su amigo militar Wade (Danny Huston) y su padre Clay (Nick Nolte), quien abandonó a su hijo cuando era niño. Con el vicepresidente Kirby (Time Blake Nelson) asumiendo el poder, y listo para declararle la guerra a Rusia, Mike tiene un tiempo limitado para encontrar a los verdaderos culpables y salvar a Trumbull, que permanece en coma, protegido en un hospital.

Debo admitir que tengo una leve debilidad por las películas de Has Fallen. Son películas de acción ridículamente absurdas, descabelladas y con un rudo y genérico protagonista, básicamente el tipo de películas con las que crecí y me da una pizca de nostalgia cada vez que las veo. La primera, Olympus Has Fallen, tuvo la desgracia de salir al mismo tiempo que la imitadora White House Down. La segunda, London Has Fallen, es la más floja en todos los aspectos. Lo único que la salva es el compromiso inquebrantable de Gerard Butler con su papel del indestructible Agente del Servicio Secreto Mike Banning. Y ahora la franquicia llega a su fin (???) con Angel Has Fallen, que no solo es la mejor película de la serie, sino que es marginalmente tan inconcebible como las otras.

Antes de preguntar, no, esta película no tiene lugar en la ciudad ficticia de Angel. El título se refiere al nombre clave dado al jefe del Servicio Secreto, una posición que se le ofrece a Banning justo a tiempo para que el presidente Allan Trumbull sea el objetivo de un intento de asesinato a través de drones armados. Banning, siendo el tipo leal y patriótico que es, se sacrifica para llevar al presidente a un lugar seguro, solo para despertarse inconsciente, esposado a una cama de hospital y acusado de intentar matar al hombre que acaba de salvar. Cómo sucede eso? Debido a que la policía, en este caso, el FBI, dirigido por una Jada Pinkett Smith con un aspecto muy aburrido, debe ser presentado como siempre estando un paso atrás. Por supuesto, no pasa mucho tiempo antes de que Banning se libere de sus ataduras y se vuelva un fugitivo, dispuesto a matar a cualquiera en su camino para limpiar su nombre. Mientras tanto, se puede ver a los villanos a una milla de distancia por la mera presencia de Danny Huston, como uno de los ex amigos militares de Banning, ahora un dueño de negocios fallido, y Tim Blake Nelson como el intrigante vicepresidente que se aprovecha agresivamente del presidente mientras está fuera de accion. La película no es en absoluto sutil, ni tampoco su elenco.

Claro está, estas películas no son conocidas por ser particularmente complejas. Banning es un gladiador envejecido que solo tiene una forma de manejar cualquier situación, y es matando o golpeando hasta tener una respuesta. Sin embargo, la película se anota algunos puntos al reconocer este hecho sobre Banning y construir una historia en torno a él. Banning está sintiendo los efectos de salvar al mundo a través de los años. Tiene insomnio, dolores de cabeza, visión borrosa y problemas de espalda. Toma pastillas cada cinco minutos solo para mantenerse en pie. Su condición empeora tanto mientras está fugitivo que recurre a su loco padre superviviente Clay Banning solo para poder descansar por un tiempo. Clay es totalmente un demente y su presencia aligera considerablemente el tono de la película, especialmente cuando se ve su cara de alegría al eliminar a un escuadrón de mercenarios que entran descuidadamente en su ardiente hogar o zona de exterminio. Ambos personajes necesitan alguna terapia seria para el trastorno de estrés postraumático, y por alguna razón, los escritores de la película no hacen que parezca que lo más sensato sea pedir ayuda.

En general, no es una obra maestra, pero es muy entretenida. Tiene algunos momentos típicos de las películas de acción, y suficientes giros y acción para mantener a uno interesado. También tiene buenas actuaciones y excelentes secuencias de pelea. Tristemente, la película sufre de un CGI de muy mala calidad hacia el final. No van a encontrar muchas sorpresas aquí, y a veces eso está perfectamente bien, ya que en este punto ya uno sabe que esperar de esto. Al final, Angel Has Fallen se parece mucho a su estrella, por lo que Gerald Butler es muy adecuado para esto. Es una buena película de acción, pero la trama y el giro son sumamente predecibles. La dirección está llena de acción y definitivamente mantiene a uno al borde del asiento con intensos tiroteos. Definitivamente no va a ganar ningún tipo de premio, pero si solo quieren ver a un hombre que agita una bandera con serios problemas de ira para salvar al país de terroristas, entonces... Angel Has Fallen los tiene cubiertos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Ad Astra

Review: Midsommar

Cuando Dani (Florence Pugh) se entera de que su hermana bipolar ha matado a sus padres y a ella misma, su mundo se desmorona y se dirige a su novio, Christian (Jack Reynor), en busca de apoyo durante el momento difícil. Christian no está seguro de qué hacer con su relación, y planea hacer un viaje de verano a Suecia sin ella, uniéndose a sus amigos de la universidad Josh (William Jackson Harper) y Mark (Will Poulter) mientras visitan la aldea natal de Pelle (Vilhelm Blomgren), que está celebrando un festival que ocurre cada 90 años, dando la bienvenida al verano a la tierra. Dani decide unirse, pero su inestabilidad emocional es un problema, ya que no puede procesar las ceremonias especiales supervisadas por los ancianos. Ahogada en psicodélicos, pena y paranoia, Dani pierde el contacto con la realidad, mientras es arrastrada a las costumbres locales por los aldeanos. Para Christian, algo mucho más extraño viene para él, con el interés aparentemente inocente de otra mujer, mientras espera inspirarse para hacer la tesis de su maestría durante el viaje.

El director de Hereditary, Ari Aster, está de regreso con su segunda película, Midsommar, y está más desordenada que su primer gran trabajo. Aster ha descrito durante mucho tiempo el proyecto como un drama de ruptura disfrazado de película de terror, y de la misma manera que Hereditary, es una tragedia familiar que ha sido reempaquetada como un thriller psicológico sobrenatural. También es una descripción adecuada, las primeras dos películas de Aster se sienten como piezas complementarias entre sí, temáticamente, y tienen muchas de las mismas fortalezas y defectos, junto con algunos problemas nuevos. Midsommar es una mezcla que combina horror inquietante con comedia extraña, lo que resulta en una película fascinante y frustrante a la vez.

En cuanto a la historia, Midsommar gira en torno a Christian y Dani, una joven pareja estadounidense que no está en muy buenos términos. Christian ha estado deseando salir de su relación durante casi un año, pero no quiere ser quien termine las cosas, mientras que Dani continuamente encuentra nuevas formas de culparse por el comportamiento distante de Christian. Después de que Dani sufre una horrible tragedia personal, Christian la invita a un viaje con sus amigos Mark, Josh y Pelle para visitar la aldea natal de Pelle en Suecia y asistir a un festival de mediados de verano que solo tiene lugar cada 90 años. Y aunque el evento parece un poco peculiar y inofensivo al principio, Dani, Christian y los demás pronto descubren cuán violenta y perturbadora es realmente esta "celebración".

La película es más fuerte cuando se centra en la relación desmoronada de Christian y Dani, a diferencia de la locura que se produce cuando están de vacaciones (si esa es la palabra correcta) en Europa. La película trae a la mente a Hereditary en la forma en que usa tomas largas y direcciones cambiantes para enfatizar aún más la sensación de incomodidad en las interacciones de la pareja, incluso antes del incidente desgarrador que pone en marcha la trama más grande. Hablando de eso, Aster una vez más demuestra que tiene una habilidad especial para retratar el gran impacto y el dolor del trauma emocional con su filmación aquí, y realmente permite a uno como espectador sentir el peso de la pérdida de Dani antes de seguir adelante con el resto de la historia. Y al igual que Hereditary fue una exposición actoral para Toni Collette, Midsommar le da a Florence Pugh espacio para brillar verdaderamente como actriz y ofrecer una actuación dinámica que atraviesa por casi todas las emociones que existen.

Desafortunadamente, la película comienza a tener problemas después de eso. Cuando Dani, Christian y los demás se dirigen a la aldea de Pelle, la película comienza a convertirse en un thriller de terror más elegante pero predecible, lleno de personajes que ignoran las evidentes señales de advertencia de que algo no está bien y continúan actuando de manera irracional cuando las personas comienzan a desaparecer misteriosamente después de que las festividades cada vez más aberrantes comienzan. No ayuda que la mayoría del elenco de apoyo termine siendo bastante bidimensional, y en gran medida parecen existir solo para ser eliminados en el camino hacia el tercer acto. También es difícil no hacer una comparativa con The Wicker Man en esta parte de la película (no la versión de Nicolas Cage de 2006, sino la versión original de 1973 protagonizada por Edward Woodward y Christopher Lee). Es obvio que el clásico de terror fue claramente una influencia en la aldea de Pelle y sus rituales y costumbres trastornadas.

Sin embargo, lo interesante es que los temas centrales de la película vuelven en el tercer acto, algo que diluye el impacto general de la trama. Florence Pugh merece crédito por ser el pegamento que mantiene unida la película a lo largo de sus momentos difíciles, ofreciendo una actuación que constantemente recuerda a uno (con toda la extravagancia de película de terror a un lado) que Midsommar es en última instancia una historia sobre una persona que está luchando por dejar ir una relación tóxica y comienza a aferrarse a ella aún más fuerte, después de un giro traumático de acontecimientos. También ayuda que el guión de Aster (en general) vea un humor retorcido en gran parte de lo que sucede en la historia y lo acepte, en lugar de tratar de fingir que no existe. Y, por supuesto, la película está bellamente filmada con el uso de una iluminación y colores anormalmente soleados que le otorgan a todo un aspecto apropiadamente fantasmagórico y de ensueño.

En general, esta es una película que debe verse más de una vez, no porque se haya perdido algo en la trama, sino porque hay muchos simbolismos que estoy seguro será analizado por críticos y otras personas de manera más inteligente que yo. Aster no sufre del síndrome de las segundas películas con esto, pero lamentablemente tampoco la bota fuera del parque. En cambio, la película equivale a una oferta ambiciosa pero descuidada que aterriza en algún lugar cerca del punto medio en la escala de calidad. Aquellos que amaron Hereditary y/o son fanáticos del trabajo de Florence Pugh probablemente disfrutarán esto más que otros, y pueden ser más condescendientes con sus defectos en general. Por otro lado, aquellos que encontraron que el debut de Aster es en su mayoría desagradable y depravado, probablemente deseen obviar esto. De cualquier manera, es difícil imaginar que esto no termine siendo la película más extraña del 2019. Al final, Midsommar ciertamente vale la pena verla como una experiencia cinematográfica singular de la mente caleidoscópica de Ari Aster. No es tan potente, inquietante, horrorosa o impactante como Hereditary, pero es sumamente inventiva e imaginativa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: IT: Chapter Two

Han pasado 27 años desde que el Losers Club luchó por última vez la retorcida malevolencia de Pennywise el Payaso (Bill Skarsgård), y se han ido por caminos diferentes. Bill Denbrough (James McAvoy) es un autor exitoso que tiene problemas con sus finales. Eddie Kaspbrak (James Ransone) trabaja en el negocio de evaluación de riesgos, tratando de sofocar su neurosis. Stanley Uris (Andy Bean) vive una vida tranquila con su esposa. Richie Tozier (Bill Hader) es un comediante que recorre la nación con su humor profano. Ben Hanscom (Jay Ryan) vive cómodamente como un arquitecto, ya que perdió todo el peso que le causó tanto dolor cuando era niño. Beverly Marsh (Jessica Chastain) está atrapada en un matrimonio abusivo. Y Mike Hanlon (Isaiah Mustafa) ha permanecido en Derry, Maine, recién consciente del regreso de Pennywise a medida que aumentan los asesinatos en el área. Llamando a una reunión del Losers Club, Mike espera unir a la vieja pandilla y destruir a Pennywise para siempre, pero el payaso malvado tiene otras ideas para ellos, aprovechando la culpa y la vergüenza de su infancia para otra ronda de terror psicológico.

IT fue una de las películas más sorprendentes del 2017. También fue una gran película de terror que mostró una divertida historia de la pérdida de la inocencia de sus personajes. Basada en el libro más vendido de Stephen King, IT: Chapter Two está nuevamente dirigida por Andy Muschietti, y presenta un nuevo elenco de actores talentosos que interpretan las versiones adultas del Losers Club como James McAvoy, Jessica Chastain y Bill Hader, mientras que el elenco joven también regresa en flashbacks. IT: Chapter Two es una película divertida y emocionalmente satisfactoria, incluso si no es tan buena como el primer capítulo.

Al igual que en la primera entrega, todo el elenco ofrece actuaciones increíbles. Una vez más, Bill Skarsgård es absolutamente espectacular como Pennywise. Como el principal antagonista, siempre aporta momentos intensos y memorables a la película. Tanto las versiones jovenes como los adultos del Losers Club son interesantes para ver en la pantalla, y no se puede evitar sentirse emocional cuando se ve crecer a estos personajes. Sin lugar a dudas, Bill Hader es quien se roba el espectaculo aquí con su actuación y diálogos histéricos e inteligentes. Realmente hace un trabajo fantástico retratando a un adulto Richie Tozier en términos de comedia y drama.

Jessica Chastain es confiable como Beverly Marsh, aunque hubiera deseado que los paralelismos entre su abuso a manos de su padre y a manos de su esposo se hubieran desarrollado un poco más. Además, estén atentos a las breves apariciones de Peter Bogdanovich, Brandon Crane (que interpretó al joven Ben Hanscom en la adaptación de IT de la miniserie de 1990), el director Andy Muschietti y el más obvio de todos... el autor Stephen King. Un error que comete la película es omitir casi por completo al despiadado esposo de Beverly, Tom, a la esposa de Bill, Audra (que también termina en Derry en el libro), y la historia del abusador escolar Henry Bowers, que tuvo una interpretación bastante inútil. Otro detalle es que en lugar de que Bill luche para rescatar a Audra, la película vuelve a expresar el sentimiento de culpa por la muerte de Georgie, algo que se resolvió satisfactoriamente en el primer capítulo.

Si bien es incuestionablemente nostálgico ver la versión infantil del Losers Club, las secuencias de los flashbacks pueden ser irritantes a veces. La película depende en gran medida de los flashbacks como una forma de avanzar más la historia, pero no se siente natural cuando se está viendo la película de principio a fin. A veces solo están por el simple hecho de estar, porque realmente no agregan nada nuevo a la premisa. El primer acto toma su tiempo para presentar los personajes, pero luego el segundo acto es notablemente intermitente con una edición un poco desordenada. Sin embargo, el tercer acto es muy divertido y tiene un final emocionalmente satisfactorio, incluso si no es tan impactante como podría haber sido. Otro problema con la película es que no da casi miedo. Los sustos son increíblemente predecibles, lo que compromete el aspecto del terror en algunas escenas. No está cerca del mismo nivel de escalofrío que en el primer capítulo, y eso (en cierta manera) la perjudica.

En general, no esperen una película de "terror". El mejor atributo de Stephen King al contar una historia es cuán asombrosos pueden ser los seres humanos y cuán poderosos son la mente y el corazón. Y el director Andy Muschietti tiene esto en exhibición en este segundo capítulo de su adaptación de IT a la pantalla. Si nunca han leído el libro IT, se están haciendo un mal servicio. Hay tantos elementos en la historia que fácilmente se podrían hacer otras 2 o 3 películas después de esta. Desde la historia de Derry, hasta los orígenes de IT, e incluso el macro-verso, queda mucho fuera de la película para simplemente contar una mejor versión de la historia. Es una verdadera lástima que IT: Chapter Two no se conecte de la misma manera que el primer capítulo, pero tal vez la mitad de una obra maestra es mejor que ninguna. Al final, IT: Chapter Two sigue siendo una secuela agradable con algunos personajes intrigantes y momentos intensos. Si bien es una pena que no sea tan aterradora como podría haber sido, es una buena pieza complementaria para el primer capítulo, y es otra adaptación más de Stephen King para la pantalla grande.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Memory: The Origins Of Alien

Memory: The Origins Of Alien es el humilde comienzo de cómo la película Alien progresó a lo largo de la década de 1970, así como una mirada a otros temas relevantes. El director Alexandre O. Philippe profundiza en los elementos temáticos en juego a lo largo de la creación de Alien, y también nos da una mirada fascinante y estimulante a la vida de Dan O'Bannon, desde su modesta infancia, donde soñó historias interminables de ciencia ficción hasta las altas y bajas de su carrera en Hollywood, especialmente cuando la película Dune de Alejandro Jodorowsky se vino abajo, y se quedó sin hogar y casi en la ruina. A partir de ahí, O'Bannon colaboró ​​con Ronald Shusett para expandir un guión de 30 páginas, originalmente titulado Memory, que había hecho en 1971. Es ahí cuando nace Alien, pero pasaron varios años antes de que los fanáticos del cine pudieran experimentar todo su brillo y magnitud en la pantalla grande.

El panorama del cine de ciencia ficción cambió para siempre después del lanzamiento de Alien de Ridley Scott en 1979. Esa hazaña es lo suficientemente sorprendente por sí sola teniendo en cuenta que esto fue solo dos años después de que Star Wars tomara el mundo, pero el hecho de que el ejercicio de terror de Ridley Scott se convirtiera en una sensación cultural que todavía se siente relevante hoy día, convierte a Alien en un película notable en un momento en que los límites y la presión de Hollywood eran enormes durante esa era de la cinematografía. Y aunque nunca quitaría nada de la visión y el compromiso de Ridley Scott con el material mientras estaba al mando de Alien, habían dos hombres, el escritor Dan O'Bannon y H.R. Giger, que ya estaban profundamente sumergidos en el proyecto años antes de que Ridley Scott se uniera, y este dúo es realmente la razón por la cual Alien sigue siendo una de las mejores películas de ciencia ficción de su tiempo (o de todos los tiempos, realmente).

Otro visionario que ayudó a Alien a realizarse plenamente tanto a nivel conceptual como visual es el reconocido artista H.R.Giger, cuyas inspiraciones detrás del trabajo que creó para la película incluyeron a H.P. Lovecraft y la cultura egipcia, dando a Alien un contexto mucho más profundo que la descripción habitual que muchos han usado para la película, etiquetándola como "un slasher ambientado en el espacio". No se equivoquen, es una película efectiva de horror espacial, pero los temas que estaban en juego en Alien corren mucho más profundo, y el documental explora efectivamente esas ideas elevando aún más este clásico. Utilizando imágenes detrás de escenas, archivos personales de O'Bannon (que han sido guardados y mantenidos por su esposa Diane), toneladas de arte conceptual de H.R. Giger y una gran cantidad de entrevistados notables, incluidos los miembros del elenco Tom Skerritt y Veronica Cartwright, el documental ofrece algunas grandes revelaciones sobre la incertidumbre de en qué se convertiría Alien, especialmente porque pasó años en el infierno de la producción, y también celebra adecuadamente la vida de tanto O'Bannon y Giger como dos artistas muy innovadores.

Vivimos en una época, afortunadamente, en el que los fanáticos del género de ciencia ficción se sumergen en una multitud de documentales, y eso es algo que definitivamente puedo apreciar. Pero simultáneamente, estos proyectos pueden generar un sentimiento de igualdad, por lo que aprecio el enfoque de Philippe en su trabajo. El documental fue completamente atractivo para ver como un fanático de Alien desde hace mucho tiempo, especialmente porque me dio nuevas ideas y también recontextualizó cómo veo este momento decisivo en la historia de la ciencia ficción, aunque pudo haber tomado casi toda mi vida para ver completamente lo que realmente estaba haciendo esta película, más allá de infundir un miedo profundo a los Xenomorphs y hacerme temer a los dolores de estómago que posiblemente podrían convertirse en algo más horrible. Otro aspecto del documental que no esperaba es cómo ahora tengo más respeto por lo que Ridley Scott estaba haciendo tanto en Prometheus como en Alien: Covenant. Si bien no sé si esas películas alguna vez cambiarán por completo para mí, no puedo negar la pura alegría de un director que vuelve a evaluar estos temas casi cuatro décadas después del lanzamiento de Alien en las dos últimas entradas de la serie. El documental sin duda me ha dado la curiosidad de querer volver a estas historias para ver si podría haber algo que no capté esas primeras veces que las ví.

En general, como alguien que creía que posiblemente no podría quedar nada más para aprender sobre Alien, me emocionó que Alexandre O. Philippe demostrara que estaba equivocado con este documental, pero teniendo en cuenta cuánto me encantó su documental anterior (78/52: Hitchcock's Shower Scene, 2017) no estoy completamente sorprendido por este desarrollo. Cuando se habla de cineastas que tienen un gran sentido de investigar los puntos de referencia de la cultura pop y los elementos temáticos que han ayudado a definir el género a través de un lente reflexivo, Alexandre O. Philippe permanece en una clase propia. Al final, Memory: The Origins Of Alien es una vistazo obligado para cualquier fanático de Alien (que estoy seguro de que hay muchos). Hay muchas cosas interesantes, pero Alexandre O. Philippe realmente profundiza en los precursores mitológicos y cinematográficos de Alien, comparando a los extraterrestres con las Furias de la mitología griega y trazando paralelos con películas como It! The Terror From Beyond Space (1958) y The Thing From Another World (1951). Algunos espectadores pueden estar decepcionados por la ausencia de muchos miembros originales del elenco, pero al menos Tom Skerritt y Veronica Cartwright están presentes y representados. El documental tampoco presenta a H.R. Giger, todo el tiempo, pero hay muchas imágenes macabras del artista suizo, por lo que sus admiradores y fanáticos no deberían sentirse desilusionados. Francamente, incluso los fanáticos que han visto Alien docenas de veces podrían sorprenderse por la profundidad de este documental. Definitivamente es el mejor documental de Alexandre O. Philippe hasta la fecha. De hecho, se hace eco de nuestros sentimientos con respecto a la importancia de las películas del género como una medida de las neurosis colectiva de la sociedad.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 10 De Septiembre Del 2019

John Wick: Chapter 3 (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la SteelBook exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae un Adjudicator Coin)

Aladdin (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

The Dead Don't Die

Review: I Am Patrick Swayze

El hombre, el bailarín, el vaquero, el cantante y el actor, Patrick Swayze cumplió una vida de logros y sueños. Su insaciable necesidad de triunfar se evidencia a lo largo de este documental, que muestra una concentración incomparable en el logro de objetivos, trabajando desde el baile hasta la actuación, llevando su gracia natural a los comerciales de cerveza antes de obtener un papel en Skatetown USA en 1979, que Swayze aprovechó la oportunidad para mostrar sus dones físicos y atractivo, ansioso por lanzar una carrera en la actuación. Los años actorales se examinan con cierto detalle, junto con recompensas monetarias, lo que resultó en la compra de un DeLorean DMC-12 (un automóvil que Swayze adoraba) y, finalmente, un rancho en New Mexico, lo que le permite distanciarse de la rutina de Hollywood y estar cerca de los animales y la tierra. Con The Outsiders (1983) se hizo notar, Dirty Dancing (1987) lo transformó en una estrella, y Ghost (1990) lo convirtió en un ícono. Su hermano Don, su esposa Lisa Niemi y co-protagonistas y amigos cercanos como C. Thomas Howell, Rob Lowe, Demi Moore, Kelly Lynch, Sam Elliot y Jennifer Gray detallan su tiempo profesional y privado con el actor, con la mayoría  compartiendo recuerdos y el enfoque de Swayze, maravillados por su incansable impulso para tener éxito en lo que sea que se propusiera.

El director Adrian Buitenhuis se enfrenta a un desafío al contar la historia de la enormidad de los logros de Patrick Swayze y la magia duradera de su presencia. Si bien es lamentable que no haya más tiempo para profundizar en los detalles de la vida de Swayze (solo dura 1 hora y 20 minutos), Buitenhuis cubre la mayor parte del camino con entrevistas comprometedoras y emocionales con familiares, amigos y compañeros de trabajo que tienen mucho que decir sobre la fallecida estrella. Si bien se comparte mucha información sobre Swayze en el documental, una de las mayores revelaciones era su insistencia de que la gente lo llamara "Buddy". Era un apodo de la infancia, con Swayze siendo "Little Buddy" y su padre siendo "Big Buddy", solidificando su vínculo familiar. Los entrevistados usan el nombre cuando discuten el tema, aunque Rob Lowe es el único que no lo menciona, por temor a que el apodo sea una etiqueta demasiado personal para un actor por el que tiene un profundo respeto.

El documental también da una idea de los años de la infancia de "Buddy" en Houston (junto con su hermano menor Don), donde el joven fue atraído al mundo del baile a través de su madre, Patsy, una artista consumada y maestra severa, trabajando y dedicandose a su hijo en su totalidad mientras desarrollaba sus habilidades en el ballet. Buitenhuis analiza detenidamente esta relación parental, que rayaba en el abuso, ya que Patsy no era una de las que se conformaban con la segunda mejor opción, inculcando a su primogénito con un impulso de éxito que definiría su vida. Al mismo tiempo se conoce al padre de Swayze, Jesse, cuya muerte prematura dejaría un enorme cráter en el corazón del actor. También se comparten logros físicos, como cuando se habla de Road House (1989) y Point Break (1991). Esta última producción brinda una oportunidad para que Swayze domine y se enamore del paracaidismo, aportando autenticidad a la película.

El arco profesional de Swayze es sumamente fascinante, rastreando sus esfuerzos para romper con su mezcla de masculinidad y sensibilidad, pero también hay una historia de amor, explorando la relación de "Buddy" con Lisa Niemi, una bailarina que pronto se convirtió en su esposa. Su vínculo especial se celebra pero también se evalúa honestamente, con el alcoholismo de Swayze y el posible trastorno bipolar que a veces amenazó su relación amorosa, llevándolos al borde del divorcio. Permanecieron juntos durante 34 años, y Niemi contribuye con recuerdos íntimos, compartiendo momentos privados y destacando su conexión peculiar al presentar a su esposo tal como era: un ser humano complejo con una gran ambición. Su perspicacia agrega profundidad al documental, dando al breve tiempo de duración algo de peso emocional. Hay fragmentos de Swayze en el documental, apareciendo en entrevistas y videos personales, ofreciendo un recordatorio crítico de su pasión e inteligencia. Además, hay una comprensión visual de su batalla contra el cáncer de páncrea, que cobró su vida el 14 de septiembre del 2009. Realmente debería haber más de él en este documental, pero Buitenhuis usa todo con moderación, lo que hace que I Am Patrick Swayze tenga más que ver con la apreciación externa del hombre que con una comprensión precisa de su personalidad.

En general, todo lo relacionado con Patrick Swayze es extraordinario, y si bien la producción no tiene tiempo para cubrir todos los detalles de su vida, llega lo suficientemente lejos, proporcionando un repaso necesario para saber que fue lo que lo hizo tan único. Al final, I Am Patrick Swayze es un triste documental sobre un hombre con una carrera increíble, una resistencia admirable y un carisma físico. Al mismo tiempo, es una historia sobre un hombre vulnerable que tuvo sus altas y bajas, como todos nosotros. La imagen de Patrick Swayze brilla no solo con ese perfeccionismo pulido a través de la típica perspectiva machista, sino que brilla con la variedad de diferentes personajes que retrató y completaron la gama de sus posibilidades como actor. Es una visita obligada para los niños como yo que crecieron en los años 80 y también es una llamada de atención sobre lo corta que puede ser la vida humana.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Art Of Racing In The Rain

Un día, mientras se dirigía a su trabajo, el conductor de autos de carrera Denny (Milo Ventimiglia) elige comprar un cachorro, trayendo a Enzo (voz de Kevin Costner) a su vida. Siendo un conductor experto pero sin oportunidades profesionales, Denny está tratando de llegar al fin de mes, acompañado por su fiel compañero, a quien le gusta observar las formas del mundo, especialmente en la televisión. A medida que pasan los años, Denny encuentra el amor con Eve (Amanda Seyfried), y pronto traen a su hija Zoe (Ryan Kiera Armstrong) al mundo. Sin embargo, Denny todavía persigue su sueño, lo que lo saca de la ciudad casi todos los fines de semana, dejando a Eve para mantener a la familia unida a medida que su salud empeora gradualmente. Denny, sintiendo la enorme responsabilidad, mantiene a Enzo cerca, solo para enfrentar el desafío de los padres de Eve, Maxwell (Martin Donovan) y Trish (Kathy Baker), que quieren la custodia permanente de Zoe, lo que obliga a Denny a reconsiderar sus elecciones mientras Enzo intenta darle sentido a la crueldad de la vida.

Cuando miras a tu mascota, qué ves? Alguien que comparte el mismo interés que tú? Alguien que es tu mejor amigo y siempre ofrece su cabeza para acariciar cuando te sientes mal? Todos sentimos que nuestras mascotas nos entienden. Sentimos que su comprensión de los eventos que se desarrollan a su alrededor rivaliza con la nuestra. Los humanizamos para que podamos tener un amigo en ellos. Están ahí, a través de los buenos y los malos momentos. Son familia. Esta adaptación cinematográfica del libro de Garth Stien muestra como un aspirante a piloto de Fórmula 1 y un perro que ama los nuevos trucos, se abren paso a través de la vida aprendiendo uno del otro y del mundo que los rodea. Es un drama muy emotivo contado desde el punto de vista de un perro, y utiliza analogías de carreras para explicar cómo superar los desafíos más difíciles de la vida. Esa metáfora puede conectar con los adolescentes, pero probablemente los niños más pequeños se sentirán perdidos, los cuales también pueden ser los más susceptibles a las escenas tristes de la película.

Si bien la película sugiere algunas maneras hermosas de pensar sobre la muerte y dice que no hay nada que temer, aún así van a llorar. El miedo a la separación de los padres también podría ser un poco emocional para algunas personas. Dicho todo esto, la película tiene mensajes fantásticos sobre el camino lleno de obstaculos en la vida, y muestra por qué los perros son animales de apoyo tan maravillosos. Recientemente, las películas donde las mascotas han sido el centro de la historia no han tenido mucho peso emocional. Sí, son buenas para los niños, pero no tenían nada que impresionara a un público más amplio. Ha pasado mucho tiempo desde que una película de mascotas capture a una gran audiencia y se apodere de sus corazones. The Art Of Racing In The Rain hace esto. Esta película no cambia la fórmula familiar de perros, drama y muerte, pero termina con un final para sentirse bien. De manera similar a A Dog's Purpose (2017), un perro narra la historia aquí, pero no es ingenuo. Kevin Costner da vida a Enzo, un sabio Golden Retriever que entiende todo a su alrededor. De hecho, la película es una larga narración del perro, y la voz suave de Costner sale como un querido abuelo dando consejos. Envuelve a uno como espectador y, al mismo tiempo, ofrece opiniones utilizando referencias deportivas, tal como podría hacerlo un abuelo.

Milo Ventimiglia interpreta al personaje principal, Denny, y es muy convincente con su obsesión por las carreras de autos. La otra cara de su papel es la lucha de tener que ser padre, y hay algunas escenas conmovedoras que interpretó maravillosamente. No estuve demasiado interesado a Amanda Seyfried como Eve hasta la mitad de la película. Tal vez estuve indiferente a ella gracias a Enzo, pero en el punto en que todo cambió, pensé que dio una actuación maravillosa y respetuosa. No hay un elenco extenso, pero está lleno de actores talentosos que aportan algo genial a sus personajes. Kathy Baker y Martin Donovan fueron particularmente buenos como los padres de Eve, aunque no se puede evitar odiarlos. Sin embargo, debo decir que el ritmo de la película se sintió muy apresurado. Durante la primera mitad de la película, pasaron muchas cosas rápidamente. Esto para mí afectó el impacto de muchas escenas. Por ejemplo, la boda de Denny y Eve y el nacimiento de Zoe fueron muy apresuradas, lo que hizo no sentirme tan emocionalmente conectado a la película como quizás podría haber estado. La segunda mitad de la película progresó, pero hizo que el ritmo en general fuera inconsistente.

En general, esta es una de esas películas que te arranca el corazón del pecho, lo cuelga frente a tu cara y finalmente te lo devuelve. Milo Ventimiglia y Kevin Costner (como perro) dan muy buenas actuaciones en esta película, y puedes sentir una conexión muy fuerte entre sus personajes. Aunque esta película no es la más innovadora, es una historia muy bien hecha, sincera y muy emotiva. Al final, The Art Of Racing In The Rain es una película sobre perseverancia, amor, lealtad y ser fiel a ti mismo. He sido un amante de los perros toda mi vida, pero esta historia no fue solo sobre un perro llamado Enzo, sino más bien sobre la vida y todas las altas y bajas que experimentamos los seres humanos, la pérdida de seres queridos, las relaciones difíciles... y a pesar de todo, los perros siempre están ahí para brindarnos comodidad, un ladrido amistoso, prestarnos una patita, y hacernos sonreír incluso en nuestros días más difíciles. Nunca sabré si nos eligen a nosotros o si los elegimos nosotros a ellos, es posiblemente una de esas cosas que deben ser y se encuentran en el camino. No viven tantos años como nosotros, pero viven una vida plena mientras están aquí y cada uno tiene una historia.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

It: Chapter Two