Review: Eurovision Song Contest: The Story Of Fire Saga

Al unir su amor compartido por la dominación de ABBA en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1974, los amigos Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) llegan a la edad adulta tratando de encontrar una canción exitosa para entrar en la competencia. La pareja islandesa forma la banda Fire Saga, y la realidad de una vida sin éxito se está volviendo clara, con Lars incapaz de complacer a su padre viudo, Erick (Pierce Brosnan). Cuando se abre un espacio vacío en la lista para el espectáculo del 2020, Fire Saga encuentra un lugar para actuar en un programa de su país de origen. Experimentando una humillación aplastante en el escenario a nivel local, el dúo logra llegar a Eurovisión, conociendo personajes de muchos países, incluyendo el cantante ruso Alexander Lemtov (Dan Stevens) que seduce a Sigrit, pero ella desea a Lars, y se niega a entender sus sentimientos profundos.

Cuando Will Ferrell está en su mejor momento, ya sea en Old School (2003), Blades Of Glory (2007), Talladega Nights (2006), o lo que sea, es cuando tiene una capa de dulzura debajo de todas las payasadas tontas que hace. Esto funciona especialmente bien, y más aún cuando Ferrell tiene un compañero o compañera capaz con quién compartir la pantalla. Con Eurovision Song Contest: The Story Of Fire Saga, Ferrell encuentra armonía con Rachel McAdams en una comedia tan ridícula y cursi como la competencia titular. El Festival de la Canción de Eurovisión es de hecho un evento real. Considérenlo el hijastro de las competencias internacionales de canto. Es conocido por una extraña variedad de concursantes con disfraces llamativos y talento discutible, aunque algunas estrellas genuinas (ABBA, Celine Dion, Olivia Newton-John, Julio Iglesias) han surgido de él. Esto es básicamente una fuente de risa y sátira que Ferrell y el co-guionista/director Andrew Steele nos presentan.

Ferrell y McAdams interpretan al dúo islandés Lars y Sigrit, quienes han estado obsesionados con ganar el concurso de Eurovisión desde que eran niños, causando vergüenza al malhumorado y barbudo padre de Lars. Su grupo, Fire Saga, no recibe el respeto de los residentes de su pequeño pueblo de pescadores, que solo quieren escucharlos cantar las mismas canciones terribles una y otra vez. Lars tiene un ego dos veces más grande que su pueblo, pero incluso él puede ver que él y Sigrit son una broma. Sin embargo, Sigrit lo alienta a seguir y a no rendirse.

Al Islandia estar sufriendo (en todos los aspectos), Eurovisión se convierte en la últuma oportunidad de redención... o humillación total. Entonces, cuando Fire Saga de alguna manera entra en un concurso local para decidir quién compite en el gran espectáculo, fallan... espectacularmente, debido a la incompetencia de Lars. Pero cuando un acto catastrófico elimina a todos los demás competidores, Fire Saga se ve obligado a ser los representantes de Islandia en Eurovisión. Con mucho disgusto por parte de su país, Lars y Sigrit tropiezan y se tambalean por Europa, avergonzando a Islandia con cada paso que dan. Mientras uno ve la película también existe la creciente sensación de que Sigrit estaría mejor sin Lars, ya que es claramente la más talentosa de las dos. Esta idea incluso es puesta en su cabeza por el cantante ruso Alexander Lemtov, quien se interpone entre Lars y Sigrit aparentemente por pura malevolencia.

A pesar de que la competencia en la vida real es un objetivo fácil, no hay duda de que hay una oportunidad aquí para burlarse de Eurovisión en su totalidad. Pero hay tanto aprecio por el evento que Ferrell nunca se burla de la forma en que podría y, en este caso, probablemente debería hacerlo. Lo mismo ocurre con Fire Saga, que solo se ven como perdedores cuando el foco está claramente en la trayectoria de Lars. Pero cuando la atención se dirige a Sigrit en la segunda mitad de la película, se convierte en una historia más sincera. La película es mucho más divertida cuando se apoya en lo absurdo de toda la competencia y las canciones, lo que hace que se convierta en un destello de estilo sobre sustancia. Un desafortunado accidente con un arnés y el mal funcionamiento del vestuario cruzado con una rueda de hámster gigante son solo algunos de los ridículos obstáculos autodestructivos que Fire Saga soporta para nuestro enorme placer. Honestamente aquí hay muchos giros extraños que, incluso para Eurovisión, no están demasiado lejos de ser creíbles. La cantante Demi Lovato interpreta a un espíritu que quiere advertirle a Lars sobre algo terrible, mientras que Sigrit busca ayuda de un trío de elfos que viven en casas pequeñas. Sí, todo es extremadamente raro.

Aunque el tono y el tenor de Eurovisión están un poco fuera de lugar, Ferrell y McAdams hacen música maravillosa juntos. La energía pseudo-sexual que Lars y Sigrit emiten, mientras que al mismo tiempo niegan su posible relación es siempre una gracia salvadora cuando los chistes no son muy buenos. El acento horrible de Ferrell es muy gracioso, y cuanto más lo intenta, peor se pone. Sin embargo, McAdams es la que verdaderamente se roba el espectáculo aquí. Si bien siempre ha sido una fuerza cómica (recuerden que ella fue la que se robó Wedding Crashers de Vince Vaughn, Owen Wilson e incluso de Ferrell), no es lo usual que la veamos trabajar esos músculos de comedia en particular. A medida que el personaje de Sigrit comienza a hacerse cargo de la película, su viaje hacia la autosuficiencia es sorprendentemente sincera. Y Pierce Brosnan, aunque en un rol pequeño, es bueno en un papel que principalmente requiere que sea un viejo bastardo y brusco.

En general, esto no es el festival de risas que algunos fanáticos de Will Ferrell y Rachel McAdams podrían haber estado esperando, pero los actores se comprometen tanto con el espectáculo envolvente de la competencia que queremos que esta historia improbable termine en una canción de victoria. Al final, Eurovision Song Contest: The Story Of Fire Saga es una película que tiene muchas altas y bajas como era de esperarse, y de una manera muy similar a como lo hace Blades Of Glory. Cada vez que Fire Saga tiene la oportunidad del éxito lo arruinan mientras todos se ríen de ellos. Luego se llega al final, y Lars murmura lo que se convertirán en palabras inmortales, "Eurovisión es mucho más que una competencia, la música no es un concurso, y la canción perfecta no es la canción ganadora, sino una canción que viene del corazón". Todo es tan alegremente tonto como el espectáculo de la vida real, y lo sabe. Por lo tanto, aunque no es una película en la que se sumergirán, es una que ofrecerá dos horas de risas sólidas y, al menos para los fanáticos de Eurovisión, una adaptación perfecta de la competencia irresistiblemente bizarra.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Wretched

Ben (John-Paul Howard) está experimentando una adolescencia no muy diferente a muchos de su edad. Sus padres están finalizando su divorcio, él está pasando el verano con su padre Liam (Jamison James), y ha tomado un trabajo de temporada trabajando en los muelles. Pero pronto se da cuenta de que suceden cosas extrañas en la casa de sus vecinos, ya que Abbie (Zarah Mahler), Ty (Kevin Bigley) y su hijo Dillon (Blane Crockarell) no han sido ellos mismos últimamente. Con la ayuda de su amiga y compañera de trabajo Mallory (Piper Curda), Ben descubre un misterio lleno de brujería y posesión, que podría explicar el comportamiento extraño de la gente de al lado.

Las películas de terror basadas en brujas son muy pocas, y la fórmula que se usa la mayoría de las veces honestamente es un poco mala. Escribiendo y dirigiendo The Wretched, están los hermanos Brett y Drew Pierce, que tienen como objetivo dar nueva vida al género, al unir dos cuentos de brujas de una manera inteligente, utilizando efectos prácticos en lugar de CGI para ofrecer una experiencia realista y inquietante. Contiene algunos sustos estándar aquí y allá, pero principalmente, depende en gran medida de la creación de tensión donde las escenas son impulsadas por la anticipación al horror en lugar del uso de él. Para ser honesto, aquí Brett y Drew Pierce toman sus ideas de películas de ciencia ficción de los años 50, como Invasion Of The Body Snatchers (1956) y Invaders From Mars (1953), y lo combinan con el horror adolescente de los años 80 de Fright Night (1985) y The Gate (1987).

La historia se divide en dos partes. Por un lado, está el adolescente Ben que trabaja duro para aceptar el divorcio de sus padres, adaptándose a vivir en un nuevo pueblo pequeño. Conoce a una chica, Mallory, que trabaja con él y, naturalmente, hay algunas chispas románticas. Todo esto es superficial, pero ayuda a establecer un tono. Al menos estos personajes no son típicos y el diálogo es bastante fresco. Mallory es descarada y eso es un buen contrapeso a la actitud despistada de Ben. Aún así, hay algo de debilidad en las partes dramáticas, no todas son sólidas.  Luego viene el otro lado, el horror, que es ahí donde la película encuentra su mejor base. Esto tiene mucho que ver con Zarah Mahler como Abbie, que es espeluznante interpretando a la esposa/vecina poseída por una bruja. Esta no es la típica bruja que se vé en las películas, y para mantenerlos libre de spoilers, digamos que es una versión única dentro del género.

La película juega en gran medida con el gastado y básico tema de un joven que lucha por convencer a los adultos de los horrores con los que se ha topado. Cuando eres un adolescente, a menudo puede parecer que nadie te entiende, y películas como esta pueden tocar un verdadero acorde con un público joven. Pero no solo los adultos ignoran las afirmaciones de Ben, ya que su colega de trabajo y interés amoroso, Mallory, inicialmente no le cree. La frustración de Ben es lo que alimenta la narrativa, y los hermanos Pierce lo convierten hábilmente en un personaje matizado, lo que te hace simpatizar con él. En otras palabras... cuando este joven grita lobo, nadie nota las huellas en el césped.

La película de Brett y Drew cuenta con un intrigante concepto de terror en su núcleo, el de una entidad que te hace olvidar a tus seres queridos. Es una variación única en la premisa de un lavado de cerebro, una pérdida del yo o una pérdida de lo que aprecias. Los escritores/directores intentan ser un poco demasiado inteligentes con su idea al dar un giro tardío en la trama que no tiene sentido cuando se ajusta a la perspectiva que la historia ha adoptado hasta ese momento. Es esencialmente un truco, uno que realmente descarrila el impulso de la película justo en un momento en que la tensión debería estar aumentando. En cambio, terminamos con un "Qué pasó aquí?"

En general, la película tiene jóvenes protagonistas carismáticos, un gran diseño de criaturas y un concepto central escalofriante, pero nunca sobrepasa esa superficie para explorar cuán interesantes podrían ser sus ideas si fueran más desarrolladas y más matizadas. En última instancia, es otra película de género posterior a Stranger Things que es demasiado cómoda evocando nostalgia por épocas anteriores cuando podría estar aportando algo nuevo a una ola contemporánea de horror inteligente. Al final, The Wretched no carece de defectos y la desafiante historia adolescente de fondo se siente un poco como "ya se hizo", pero afortunadamente, los hermanos Pierce lo compensan con una nueva ruta en el camino. Ir a lugares poco explorados en el género del terror hacen de esto un largometraje entretenido y (a veces) espeluznante para ver.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 23 De Junio Del 2020

Portrait Of A Lady On Fire - Criterion Collection

South Park: The Complete Twenty-Third Season

Review: Artemis Fowl

El joven Artemis Fowl (Ferdia Shaw) tiene 12 años y es un genio, criado por su padre, Artemis Fowl Sr. (Colin Farrell), un comerciante de antigüedades que vive en un castillo en Fowl Manor, ubicado en Irlanda. Mientras se marcha por negocios, Artemis Sr. es capturado por la malvada Opal (Hong Chau), una duendecilla malvada que exige la posesión de Aculos, un arma de poder especial actualmente ubicada en la caja fuerte secreta de Artemis Sr. Detrás del Aculos también está el escuadrón LEPrecon ubicado en el centro de la Tierra, con la Comandante Root (Judi Dench), una hada anciana, que busca tomar el control del dispositivo, confiando en Holly (Lara McDonnell), la hija de Beechwood, un miembro de confianza de LEPrecon y amigo caído de Artemis Sr. Pronto capturada por Artemis y su guardaespaldas, Dom (Nonso Anozie), Holly inspira una invasión de hadas, dejando al niño inteligente para defender Fowl Manor y tomar posesión del Aculos para recuperar a su padre.

Hoy día, es una tendencia en Hollywood convertir novelas para adolescentes o adultos jóvenes en franquicias de películas, y es algo que francamente se está volviendo bastante agotador. Después del enorme éxito de Harry Potter, no sorprende que muchos estudios hayan deseado hacer lo mismo, especialmente si han visto Percy Jackson, Divergent y The Hunger Games. Lamentablemente, algunas de estas adaptaciones tienden a ser bastante mediocres. Disney ahora espera convertir las queridas novelas de Artemis Fowl en la próxima gran novedad. Dirigida por el talentoso Kenneth Branagh, conocido por dirigir Thor (2011), Murder On The Orient Express (2017) y la adaptación de live action de Cinderella (2015), emprende el difícil proceso de transformar la popular serie de libros en su primera adaptación cinematográfica.

Con la intención original de lanzarla a los cines, Disney ha decidido poner Artemis Fowl en su servicio de streaming Disney+ después de retrasarla varias veces. Protagonizada por Ferdia Shaw en el papel principal con un reparto que incluye a Lara McDonnell, Josh Gad, Nonso Anozie, Colin Farrell y Judi Dench, la película tiene lugar en un mundo donde existen hadas, trolls, enanos y duendes, y es una extraña mezcla de ciencia ficción y fantasía. La premisa básica gira en torno a Artemis Fowl, de 12 años, que es muy inteligente para alguien de su edad, y que también es hijo de un comerciante de antigüedades que estudia cuentos de hadas irlandeses. Su padre ha sido secuestrado por una misteriosa figura encapuchada, y depende de Artemis encontrar un poderoso objeto llamado Aculos para salvar a su padre.

Para ser honesto, nada tiene sentido en esta película, y todo se basa en la exposición para contar su historia. El guión es increíblemente horrible en la forma en que presenta sus personajes aburridos y poco convincentes. Ferdia Shaw hace todo lo posible como Artemis, pero a distancia se puede ver fácilmente que es su debut como actor. A medida que avanza la película, las cosas comienzan a ser muy poco desarrolladas y poco interesantes. Nadie se destaca en el elenco, y es desafortunado ver a Josh Gad y Judi Dench imitando una voz de Batman de manera muy insatisfactoria. Algunos de los personajes explican las cosas demasiado, lo cual es bastante frustrante. No sucede nada intrigante durante la mayoría de la película, y eventualmente dejas de preocuparte.

Al menos (y de manera positiva), Artemis Fowl se ve bien visualmente. Las primeras escenas muestran hermosas tomas de playas y bosques, y el diseño de producción y los sets son creativos. Pero son las partes intermedias y la acción las que fallan. A veces se tiene la sensación de que la película fue en un punto mucho más larga, pero la mayoría de las escenas de diálogo fueron cortadas y reemplazadas por la narración de Josh Gad. El resultado es una película que parece que se está reescribiendo constantemente de una escena a otra. Es una pena que la película intente reinar agresivamente en cualquier cosa que pueda ser emocionante. Se siente tan apresurada para cumplir con las expectativas del estudio para ser lanzada que no se encuentra nada de personalidad.

En general, Disney debe agradecer que esto no haya tenido un lanzamiento a los cines, ya que hubiera sido un desastre de taquilla épico, pero sienta un mal precedente para Disney si el estudio no tiene fe en ciertas películas futuras o proyectos para colocarlos en su servicio de streaming. Además, el hecho de que esta película esté dirigida por Kenneth Branagh me desconcierta aún más. Incluso con los efectos especiales que afortunadamente son muy buenos, no tengo idea de cómo la película costó $125M en hacerse, a menos que hayan filmado escenas adicionales. Y con todo y eso, aún no le veo la lógica. Al final, Artemis Fowl es la peor película que Kenneth Branagh ha dirigido en toda su carrera, pero también es una de las peores películas que Disney haya hecho. Esta es una de esas adaptaciones novedosas que frustrarán tanto a los aficionados del cine casual como a los fanáticos incondicionales del material original. No sabe lo que quiere ser, lo que la hace realmente aburrida y complicada de principio a fin. Para una película que gira en torno a hadas, trolls, enanos y duendes, carece de mucha magia. En pocas palabras, es un desastre cinematográfico y una película sumamente olvidable.

Puntuación: 1 alcapurria.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 16 De Junio Del 2020

Three Christs

LEGO DC: Shazam! Magic And Monsters (teniendo 2 versiones: la regular y la que trae un Limited Edition LEGO Shazam! Minifigure)

Review: Radioactive

Caminando por una calle en París en 1893, Marie Skłodowska (Rosamund Pike) se encuentra con Pierre Currie (Sam Riley) mientras lee un libro sobre microbiología. Cuando se encuentra con él nuevamente en una actuación de baile, él le ofrece lo único que necesita... espacio para un laboratorio. Marie es sincera de que no quiere un compañero y que quiere que su trabajo sea independiente. Pierre, un pensador avanzado para su tiempo y un creyente en la capacidad de Marie, está de acuerdo. Eventualmente, aunque sus requisitos de equipo científico le abren muchas posibilidades, una relación romántica florece. A través del duro trabajo y la precisión, los dos descubren nuevos elementos, radio y polonio. También sacan a la luz el conocimiento sobre la radioctividad, un hallazgo que toma por asalto a la comunidad científica y cambia el mundo para siempre, tanto en manifestaciones positivas como negativas.

Para una vida tan prominente y una persona fascinante, Marie Curie (nacida Maria Skłodowska) no ha recibido mucho el tratamiento de la pantalla grande. Radioactive, de la directora Marjane Satrapi, busca reorientar ese equilibrio y pone a Madam Curie en el centro del escenario. Desafortunadamente, esta película realmente no hace justicia a su legado. Con una tendencia hacia lo artificial, la escena de apertura de la película hace que Marie Curie sea llevada de urgencia al hospital, cerca de la muerte, con sus pensamientos consumidos por el pasado y la muerte de su madre cuando era una niña. Aunque es una asociación razonable, es bastante torpe en la forma en que intenta describir el efecto de ese evento temprano en una joven Marie antes de sumergirse en el resto de la historia de su vida. Del mismo modo, el desarrollo posterior de una relación entre Marie y Pierre Curie, un científico compañero de la Sorbona, es demasiado apresurado, lo que nos sumerge en los inicios de su trabajo para descubrir el radio y el polonio a una velocidad bastante difícil de digerir.

Sam Riley es confiablemente bueno como Pierre, un hombre que estaba feliz de compartir profesionalmente con su excepcional esposa, pero cuya actitud era más tranquila e introspectiva. Para decirlo en sus términos más crudos, la forma en que se retrata a Pierre en esta película es similar a las innumerables partes de apoyo de la esposa que Hollywood ha presentado a lo largo de los años. En el contexto de Radioactive, esto es particularmente notable. El elenco está bien equipado con talento británico, incluidos Aneurin Barnard como Paul Langevin, colega de los Curie, Sian Brooke como la hermana de Marie, Simon Russell Beale como el profesor Gabriel Lippmann y Anna Taylor-Joy en una breve aparición como Irene, la hija de los Curie. Sin embargo, la película está totalmente dominada por Rosamund Pike como Marie Curie, y con razón. Pike ha forjado una carrera con personajes femeninos seguros pero fríos, y en cierto punto son algo desagradables. Marie Curie está claramente pintada como una "mujer difícil" aquí, y es probable que su ambición y determinación la convirtieran en una fuerza con la que se debe tener en cuenta. La seriedad de Pike, sin embargo, a veces es un poco irritante y extrema, lo que resulta difícil decifrar si esto es más de Curie o más de Pike.

A pesar de su tendencia en la representación de los Curies, con un diálogo sin inspiración y muchas cosas para mostrar y contar, Radioactive intenta inyectar más personalidad alejándose de su dependencia bastante sólida en la cronología. Esto es más exitoso en algunas ocasiones que en otras, por ejemplo, la reunión imaginada de Marie y Pierre como niños para reflejar el impacto que han tenido en la vida del otro. También hay algunos casos en los que Satrapi se vuelve creativa con imágenes de presentación de diapositivas y baile interpretativo, pero termina con resultados mixtos a medida que se mezclan con el resto de los procedimientos de la película.

Donde Radioactive realmente brilla es en la forma en que entrelaza los esfuerzos de Marie y Pierre con el futuro de la radioactividad, y lo que traerá. El ataque a Hiroshima, la explosión de Chernobyl, la tecnología de rayos X y la investigación del cáncer simplemente ponen los resultados positivos y negativos de los descubrimientos de los Curies, y se les da el mismo peso y se representan con un efecto siniestro. Aunque tanto Marie como Pierre sintieron que su investigación generaría más beneficios que daños, en las propias palabras de Marie había "mucho de lo que temer y celebrar". Con la conformación de una sensación científica y ligeramente caprichosa en la mayor parte de Radioactive, son estas secciones retrospectivas (bueno, para nosotros) las que nos dan la oportunidad de alcanzar su punto máximo de una manera más impactante. La única otra escena que se acerca a estas en términos de peso emocional es la reacción de Marie ante la muerte de Pierre. La pena de Pike es cruda y completamente convincente.

El resto de la vida de Marie Curie es igualmente convincente, teniendo un asunto escandaloso, un segundo Premio Nobel, amenazas racistas y unidades pioneras de radiografía móvil. Esto es algo condensado por la película, que salta a las partes más importantes sin el mucho trabajo contextual previo. Esto también demuestra la gran cantidad de material que proporciona la vida y las circunstancias de Marie Curie, o sea, no deja de ser interesante, a pesar de las deficiencias en la presentación y la realización de la película. Sin embargo, es problemático cuando encuentras la historia atractiva a pesar de la película que la rodea.

En general, esto tiene todos los ingredientes de una gran película. Un elenco fantástico, una directora talentosa y un tema fascinante. Sin embargo, cuando todos estos elementos se juntan, el resultado final es un poco decepcionante. Marie Curie es una mujer interesante y pionera que merece una adaptación cinematográfica detallada y completa de su vida y su trabajo. Radioactive se siente como si hubiera fallado esa meta. Tal vez la historia hubiera funcionado mejor como una serie de televisión, donde se podría dar tiempo para profundizar en la relación entre Marie y Pierre Curie, la influencia de su trabajo en la radiación y los antecedentes y la personalidad de Marie Curie. Al final, Radioactive es una película biográfica ordinaria sobre una persona extraordinaria con una actuación convincente por parte de  Rosamund Pike. A pesar de todos sus problemas, hizo su trabajo y la película logró educarme mientras me entretuvo.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Extraction

Ovi Mahajan (Rudhraksh Jaiswal) es un niño que vive una vida solitaria. Su padre es Ovi Mahajan Sr. (Pankaj Tripathi), un despiadado capo de la droga en la India que actualmente está encerrado tras las rejas, dejando los deberes parentales a Saju (Randeep Hooda), su mano derecha, que tiene una familia propia para cuidar. Un día, Ovi es secuestrado por hombres que trabajan para Amir Asif (Priyanshu Painyuli), una importante figura criminal de Bangladesh, que busca aprovecharse del encarcelamiento de Mahajan, con planes de conquistar a su rival. Tyler Rake (Chris Hemsworth) es un mercenario australiano que lucha con problemas personales. Es puesto en servicio cuando un equipo, dirigido por Nik Khan (Golshifteh Farahani), es contratado por la gente de Mahajan para establecer y reclamar a Ovi, una misión que Saju también está emprendiendo. Tyler, que viaja a Dhaka para buscar al niño, pronto se da cuenta de que el trabajo no es lo que parece ser al ser invadido por los hombres de Amir. Ahora, su objetivo es proteger a Ovi y descubrir cómo escapar de una ciudad extremadamente hostil.

Las películas de acción son sumamente divertidas de ver, y más si solo quieres pasar un buen rato viendo un impresionante trabajo de stunts y coreografías de peleas. Después del éxito crítico y financiero de Avengers: Endgame, los directores Anthony y Joe Russo han decidido pasar a otros proyectos escribiendo y produciendo su última película titulada Extraction. Dirigida por Sam Hargrave, quien es mejor conocido por ser el coordinador de los stunts para un par de entregas ambientadas en el Universo Cinematográfico de Marvel, colabora una vez más con los hermanos Russo para su debut con el carismático Chris Hemsworth en el papel principal. Siendo esta la más reciente película original de Netflix en llegar al servicio de streaming, Extraction se enfoca en un mercenario llamado Tyler Rake que realiza una peligrosa misión en Dhaka para proteger al hijo del mayor narcotraficante de la India.

Por mucho que sus películas originales sean impredecibles, y la gran cantidad de contenido que lanzan es sumamente ridícula, no hay duda de que Netflix permite libertades a los cineastas sin las restricciones, interferencias y la influencia de Hollywood. Aunque genérica y con muchos clichés en su narración, la acción y el trabajo de stunts son una explosión absoluta para ver. En primer lugar, es importante mencionar que la acción es sobresaliente, y se debe elogiar al equipo de stunts por su increíble trabajo. Cada vez que Hemsworth se enfrenta a sus enemigos, es increíblemente entretenido. Las coreografías de las peleas son espectaculares con algunos movimientos de cámara excelentes y personas increíblemente talentosas que pueden mostrar secuencias de acción emocionantes. Además, la película no oculta nada de la violencia que muestra en pantalla, lo que la hace que sea emocionante, valiente y divertida.

Si bien las secuencias de acción obviamente merecen ser elogiadas, la narrativa y la historia es bastante genérica en su ejecución. Con un tiempo de duración de 1 hora y 58 minutos, la película tiene algunas secuencias de relleno alrededor de la sección central, pero el primer y el tercer acto son rápidos y frenéticos. La carrera contra el tiempo y la improvisación constante de la extracción en sí misma la convierten en un vistazo consistentemente atractivo. Hemsworth hace un buen trabajo como protagonista principal, pero el resto del elenco realmente no se destaca. Los personajes secundarios están solo por el hecho de estar, y no agregan nada interesante. La mayor queja de la película es que realmente a uno no le importa mucho la historia en sí, porque es una premisa que se ha visto muchas veces antes y que se ha mejorado en otras películas de acción. No es nada nuevo ni original. Definitivamente esta es una de esas películas que le da más importancia a la acción que a la trama, lo que complacerá a algunos y irritará a otros.

Sin embargo, esto permite que tenga mucha acción brutal, bien coreografiada y muy creativa. Esta película ofrece una de las mejores secuencias que he visto hasta ahora este año, con una sola toma fenomenal de 15 minutos, que va desde una persecución en automóvil, a una pelea en un edificio, y terminando en una persecución en camión. Es un caos absoluto. Como fanático de las películas de John Wick y The Raid, fue excelente ver su influencia en la coreografía. El trabajo de la cámara nunca es demasiado inestable o rápido, lo que significa que es fácil de seguir y presenciar cada golpe, puño, patada y huesos rotos en toda su gloria. Los tiroteos suenan muy bien y son intensos, siempre terminando en resultados sangrientos, especialmente en la secuencia final.

En general, después de ver esto, Sam Hargrave seguramente será reconocido como uno de los mejores directores de acción en la industria del cine en la actualidad, lo que me hace esperar ver qué hará próximamente en su carrera. Incluso si la narración y la historia se siente bastante poco inspirada, todavía es agradable como una película de acción. Vale la pena verla y pasarán un buen rato viendo a Hemsworth enfrentarse a sus peligrosos oponentes. Si solo quieren entretenerse con algunos stunts emocionantes y coreografías de peleas, esta podría ser la película para ti. Al final, Extraction es una película para apagar tu cerebro durante 1 hora y 58 minutos, y honestamente fue mejor de lo que esperaba. La acción es sangrienta, visceral y frenética con algunos efectos prácticos y coreografías brillantes, y Chris Hemsworth ofrece una muy buena actuación. La película sufre de varios clichés, rasgos típicos del género de acción y falta de profundidad con los personajes, pero sinceramente, desde una perspectiva puramente de entretenimiento, hace su trabajo.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.