Review: Judas And The Black Messiah

En 1968, Bill O'Neal (LaKeith Stanfield) es un delincuente que se hace pasar por un agente del FBI para robar autos, con la ley siendo más poderosa que un arma en Chicago. Detenido por sus crímenes, a Bill se le ofrece la oportunidad de permanecer fuera de la cárcel, con la tarea de convertirse en un soplón del FBI, trabajando para Roy (Jesse Plemons), quien siente la posibilidad de llegar a los mejores funcionarios del Black Panther, incluido Fred Hampton (Daniel Kaluuya). Actuando encubierto como Panther, Bill es expuesto a los esfuerzos de la organización para mejorar la comunidad negra, con Fred como un líder motivado que busca crear un cambio en la ciudad, trabajando con otras culturas para lograrlo. Él es amado por la poeta Deborah (Dominique Fishback) y temido por las fuerzas del orden, con el director del FBI J. Edgar Hoover (Martin Sheen) decidido a silenciar su voz. Bill es parte de este plan, ascendiendo en las filas para apaciguar mejor a Roy, entendiendo gradualmente la cruel realidad de la vida como un informante paranoico.

Judas And The Black Messiah del director Shaka King funciona en muchos niveles. Es una película con un mensaje profundamente establecido en la opresión racial. Funciona como un drama biográfico reflexivo sobre dos figuras controvertidas, como un thriller del gato y el ratón, incluso como un drama criminal finamente elaborado. Lo más sorprendente es la forma en que Shaka King le ofrece a los espectadores una película que se siente notablemente del momento. No estoy seguro de haber visto otra película que sea tan incendiaria, pero que revela cuán insensibles estarán las audiencias de hoy a los problemas y los temas en cuestión.

La película habla sobre la infiltración del FBI y el eventual asesinato de Fred Hampton como presidente del Partido de los Black Panthers a fines de la década de 1960. Al estilo del FBI, donde cualquier alborotador afroamericano debe ser considerado peligroso para la clase media y el estilo de vida blanco, Judas era un hombre llamado William O'Neal. Fue arrestado por hacerse pasar por un agente del FBI porque, como él mismo dijo, "una placa da más miedo que un arma". El FBI no podría haber imaginado nunca lo que resultaría en convertir a este adolescente en un agente de contrainteligencia. Sí, es algo que la película no aborda convenientemente, ya que O'Neal, aunque con una carrera de delitos menores, todavía no era un adulto. De cualquier manera, rápidamente ascendió dentro de la organización y se convirtió en un hombre de confianza que llevó a figuras veneradas en las comunidades afroamericanas de Chicago a sus ruinas.

Lo que hace que Judas And The Black Messiah sea tan convincente es que es un tipo de película que muchos no están dispuestos a admitir: es una tragedia, y también estadounidense, sin una cara blanca en el marco. Bajo la dirección de Shaka King, junto con el guión estrechamente estructurado de Will Berson, cada escena tiene temas profundos de opresión racial y desesperación socioeconómica. Esas escenas se amontonan una encima de la otra, y cada una se vuelve más apasionante que la siguiente hasta que la película alcanza un punto de ebullición sofocadora para el espectador.

Por supuesto, las actuaciones son extraordinarias y los actores están a la altura de la importante tarea de humanizar a los involucrados, sobre quienes mucha gente común solo ha leído. Daniel Kaluuya sigue produciendo una gran actuación tras otra. Es eléctrico y lleva a la pantalla el carisma palpable de un hombre que supo convertir al público con sus propias palabras. Dominique Fishback es ferozmente poderosa aquí como la activista y el interés amoroso de Hampton, Deborah Johnson. Ella le da vida a un personaje que podría haber tenido un papel desechable, pero en cambio se convierte en algo completamente fascinante y humano. Luego está Lakeith Stanfield, quien desempeña un papel espectacular y rico en matices como Bill O'Neal.

La película se mueve de manera coherente, y con el elemento adicional de ser tan oportuna nos damos cuenta de lo poco que ha cambiado en lo que respecta a las relaciones raciales y los establecimientos gubernamentales modernos. Se podría argumentar que la película puede ser unilateral y que no nos da una visión tridimensional completa de la mayoría de sus personajes (además del O'Neal de Stanfield), pero no estoy de acuerdo. Nadie se está disculpando de la violencia que tuvo lugar, pero ahora se comprende la mentalidad y la angustia detrás de las acciones de opresión perpetradas por estos hombres y mujeres. Al tener una duración de 2 horas, la película cuenta una gran historia, y Shaka King, quien coescribió el guión, se desenvuelve bien al capturar cuán relevante es la historia de Hampton hoy. De hecho, las representaciones de Hampton están teniendo su momento durante esta temporada de premios, ya que Kelvin Harrison Jr. también lo interpretó en la película The Trial Of The Chicago 7 (2020) de Netflix.

En general, esto termina de una manera poderosa e inquietante, vista a través de una serie de vínculos sobre el impacto de la traición de O'Neal. El más grande de ellos está en el propio movimiento de los derechos civiles, perdiendo una voz tan dominante en un momento en el que más se necesitaba. Sin embargo, el legado de Hampton sigue vivo en las protestas que siguen hoy día en las calles de los Estados Unidos, mientras que el destino ominioso de O'Neal se ve como una advertencia directamente de los tiempos bíblicos. Al final, Judas And The Black Messiah es una poderosa tragedia estadounidense. Es tan apasionante que te agarra la cara con ambas manos y te obliga a mirar, escuchar y pensar en lo que hemos elegido ignorar durante mucho tiempo y que ha llegado a la vanguardia hoy en día.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Saint Maud

Maud (Morfydd Clark) es una enfermera devota con un pasado oscuro que, después de un terrible accidente en un hospital, asume un nuevo papel como cuidadora de una paciente terminal, Amanda Kohl (Jennifer Ehle). Habiendo sido una bailarina de éxito en una vida anterior, Amanda ahora se siente amargada y deprimida por su situación. El único consuelo que encuentra es en las fiestas que organiza y en la relación que mantiene con su amante casual Carol (Lily Frazer). A medida que la amistad de Maud y Amanda se desarrolla, también lo hace la creencia de Maud de que ella está un poco más cerca de Dios que los demás. Pronto, esta conexión profunda, personal y muy inquietante con un supuesto poder superior se manifiesta en formas cada vez más violentas.

A24 es una compañía independiente conocida por su increíble línea de películas de terror como The Witch (2015) y Hereditary (2018). Y ahora tenemos su último título, Saint Maud. Escrita y dirigida por Rose Glass en su primer largometraje, es una película brillante que la convierte en una cineasta digna de ver, ya que muestra claramente su talento y pasión por el cine de género. Definitivamente es uno de esos títulos que deben ver para creer en la aclamación de la crítica que se merece. Sin duda, está a la altura de las expectativas y es una de las mejores películas que jamás haya visto.

Honestamente, Saint Maud no es una película fácil de explicar, lo que en realidad es una excelente manera de mostrar que es una premisa con algún tipo de complejidad. La religión es absolutamente una gran parte de eso. Básicamente, Maud es una enfermera cuya vida está llena de fe y trauma. Se le ha encomendado la tarea de cuidar a una paciente enferma llamada Amanda, al mismo tiempo que cree firmemente que es ella quien salvará su alma. Realmente es una magnífica introducción de Rose Glass como directora, y ahora es una fuerza a tener en cuenta en la industria.

Desde el primer momento, se puede sentir inmediatamente el tono y la atmósfera. Para una película que trata sobre algunos temas únicos, es importante que esos dos aspectos estén bien ejecutados correctamente. El guión de Glass es tan profundo con sus ideas que también se está interesado en aprender más. Morfydd Clark es fenomenal en el papel principal. Ella es sobresaliente como Maud, y comprendes la lucha personal por la que está pasando. La profundidad que aporta a su interpretación es increíble, al mismo tiempo que se ve su evolución a medida que avanza la película. Ella es un ser humano imperfecto, que es algo que muestran muy bien. Dado que se centra principalmente en Maud, la mayoría de los personajes secundarios, excepto Amanda, se quedan en un segundo plano sin mucho desarrollo.

Es importante mencionar que Saint Maud no es realmente una película de terror. Tiene elementos de terror y suspenso psicológico, pero es más una pieza de carácter cautivadora. Incluso se puede decir que es un drama durante la mayor parte de su tiempo de duración. Dicho esto, el último acto los dejará sin palabras. Sin estropear nada, el final se quedará en sus cabezas, especialmente la última escena. La cinematografía es de primera categoría y, sin duda, es otra parte importante para convertirla en una experiencia cinematográfica desconcertante.

En general, esta es una película de ritmo sumamente lento que aunque bellamente filmada tiende a tomar su tiempo para llegar al final de todo el asunto. Todas las actuaciones son espectaculares, pero la decisión de limitar los aspectos más siniestros de Maud dejan a uno como espectador un poco confundido al final del tercer acto. Realmente no sabemos por qué Maud habla y escucha la voz de Dios, experimenta un éxtasis a diario, y parece dedicada a su fe, o cómo su traumático pasado la ha llevado a ser como es. Al final, Saint Maud es una película asombrosa. No es sólo un magnífico e impresionante debut de la directora de Rose Glass, sino que también es una historia convincente con un tono y un ambiente inquietante. Es una obra de arte fantástica con algunos elementos espeluznantes de terror y thriller psicológico, lo que la convierte en una impresionante pieza de cine de género.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Lost Girls And Love Hotels

Margaret (Alexandra Daddario) es una estadounidense que vive en Japón y se gana la vida como asesora de pronunciación en inglés para un programa de aerolíneas japonesas. Alejándose de los problemas de su vida en casa, Margaret es una alcohólica funcional que busca emociones fuertes con hombres al azar, buscando experimentar una pérdida de control con breves citas en el sistema de hoteles del amor del país. Al conocer a Kazu (Takehiro Hira) por casualidad, Margaret queda cautivada por su misteriosa presencia e interés en ella. En lugar de separarse, la pareja intenta permanecer en la compañía del otro, y Kazu revela gradualmente partes de su vida personal, incluida su posición como miembro del Yakuza. Sintiendo algo por primera vez en mucho tiempo, Margaret se fija en Kazu, y su amante le devuelve el favor. Luchando contra su situación actual, Margaret entra en un viaje de posible ruina mientras se rinde para estar con un hombre prohibido.

En los momentos iniciales de la película, Margaret se tambalea por los callejones de Tokyo. Perdida en la oscuridad, finalmente encuentra lo que necesita, un hombre extraño que se escapará con ella a uno de los hoteles del amor infames de la ciudad para una noche de sexo y perversión. Siendo una mezcla de 50 Shades Of Grey (2015), Lost In Translation (2003) y Looking For Mr. Goodbar (1977), la película explora con gran distancia la dualidad de Japón, pero su protagonista solitaria, poco comprensiva y su historia de amor plana no tiene tales complejidades. Es una lástima, de verdad. La presencia de Alexandra Daddario no perjudicó la película, pero Lost Girls And Love Hotels es poco más que un diario de los viajes a los rincones más oscuros de Japón, y si bien eso tiene cierta fascinación, apenas hay suficiente aquí para estirar durante su 1 hora y 37 minutos de duración.

Hay muy poco de lo que sabemos sobre Margaret, aparte de que está viviendo dos vidas. Durante el día, ayuda a pronunciar el inglés a chicas japonesas que entrenan para ser asistentes de vuelo. Las chicas admiran a Margaret, principalmente por ser una estadounidense que usa chaquetas de cuero geniales, y su jefa ve algo de sí misma en su asistente. Por la noche, Margaret se emborracha extremadamente en pequeñas tabernas con sus dos únicos amigos, Ines (Carice van Houten) y Liam (Andrew Rothney), cada uno más solitario que el otro. Lo que da energía a Margaret sucede después, y aparentemente la mayoría de las noches de la semana. Simplemente deambulando por la ciudad se encuentra con hombres que la llevarán a un hotel del amor cercano para una noche de sexo, y mientras más bondage y más dolor, mejor. Algunos hombres se sorprenden por su sumisión voluntaria y otros se sienten intimidados por ella.

El encuentro de Margaret con el misterioso y posible miembro de Yakuza, Kazu, la encuentra instantáneamente cautivada por su confianza y poder. Que él pueda ser un gángster no la asusta en lo más mínimo, de hecho, es parte de lo que la excita. Él es capaz de tratarla como quiere que la traten, como una prostituta bajo las sábanas y como una dama en la calle. Sin embargo, cuando descubre que él está escondiendo otro secreto, la envía a una espiral descendente del que tal vez nunca se recupere.

El estar solo en una tierra extraña es lo suficientemente desorientador, y una de las cosas que Lost Girls And Love Hotels hace realmente bien es capturar lo aterrador que es para Margaret, quien ha estado a la deriva desde el principio. Es lo único de ella con lo que realmente podemos comprometernos, ya que la película hace poco para desarrollar quién es ella como persona más allá de su imprudencia y aislamiento. Obtenemos algunos detalles de su historia de fondo, explicados rápidamente y sin mucho contexto, y por necesidad, aprendemos aún menos sobre Kazu. Sin embargo, mantenerlo lo más enigmático posible funciona a favor de la película. Para Margaret, él es como este tesoro raro e inalcanzable que siempre está fuera de su alcance. En su desesperación por aferrarse a él, rechaza las pocas cosas confiables que tiene en Japón, como su trabajo.

La magnífica cinematografía captura la belleza floral de Japón, pero también el peligro, proporcionando una ventana ingeniosa a través de la cual ver las luchas de Margaret por encontrarse a sí misma. Desde bares hasta restaurantes, o atravesando la ciudad a toda velocidad en un tren para llegar a un templo espiritual, la película encuentra profundidad en el escenario donde no lo hace su protagonista. Alexandra Daddario demuestra que su papel es una tarea muy difícil, pero el guión no ofrece lo suficiente para que perdonemos las tendencias autodestructivas de Margaret. Tiene cierta química peligrosa con Takehiro Hira, cuya actuación como Kazu es imponente pero de alcance limitado. Me hubiera encantado ver una película completa de Margaret y Kazu resolviendo sus problemas, mientras intensificaban sus tabúes sexuales en todas las habitaciones noir a través de Japón.

En general, esta podría ser una película que me gane en un segundo o tercer vistazo, y probablemente sucumbiré a eso en algún momento. Pero para aquellos que no tienen una afinidad particular por los dramas ambientados en Japón, se verá como una película bien hecha donde el erotismo se confunde con la complejidad emocional. Al final, Lost Girls And Love Hotels es una buena película, pero no es para todo el mundo. No es una película interesada en mostrar a su estrella desnuda, sino que toma el significado de la desnudez a un significado literal, despojando a Margaret hasta el núcleo mismo de la vulnerabilidad dándole forma a un personaje complejo y muy dañado. Si bien es posible que no satisfaga a aquellos que buscan ver un thriller sexual, se gana sus méritos como un drama que escenifica cuidadosamente el descenso de Margaret con una especie de inmolación personal romántica que tiene un impacto sorprendente.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Tom And Jerry

Siendo enemigos de toda la vida, Tom y Jerry experimentan otro golpe en su relación mientras el gato espera ganarse la vida como músico callejero en Central Park. Tratando de escapar de los ataques felinos de su rival, Jerry encuentra su camino hacia el Royal Gate Hotel, un elegante establecimiento que pronto albergará la lujosa boda de Ben (Colin Jost) y Preeta (Pallavi Sharda). Mientras Jerry se siente como en casa, Tom permanece en el exterior, lidiando con la presión de los gatos rivales, incluido Butch (voz de Nicky Jam), lo que lo inspira a salir de la calle. Tal oportunidad llega cuando Kayla (Chloë Grace Moretz) es contratada por el gerente del Royal Gate Hotel, DuBois (Rob Delany), y lo engaña para convertirse en una empleada poderosa, lo que molesta al segundo al mando, Terrance (Michael Peña). Con la tarea de atrapar a Jerry, Tom se convierte en empleado del hotel, y trabaja con Kayla para deshacerse del roedor antes de la gran boda, y de que comience la guerra entre los animales.

Seamos realistas, las caricaturas de Tom y Jerry funcionan mejor como cortos animados que como largometrajes. De estas han lanzado más de 10 de ellas, incluida Tom And Jerry: The Movie en 1992. Esa película animada es particularmente infame porque hizo que el gato y el ratón hablaran en lugar de silenciarlos como se ve en la serie original de dibujos animados. Afortunadamente, en esta nueva película de Tom y Jerry, el director Tim Story tomó la decisión inteligente de no repetir el mismo error. La única diferencia significativa aquí es el híbrido de animación 2D con el live action que recuerda el estilo de Who Framed Roger Rabbit (1988) de Robert Zemeckis. La elección visual parece lo suficientemente decente para lo que es, aunque personalmente hubiera preferido que Tim Story hiciera una película animada completamente dibujada a mano en 2D.

En esta versión cinematográfica, vemos a Tom y Jerry en la ciudad de Nueva York, donde este último busca un lugar donde quedarse. Pero no pasa mucho tiempo antes de que Jerry se instale en el prestigioso Royal Gate Hotel. La película también presenta un personaje humano en la forma de Kayla, quien se las arregló para conseguir un trabajo como empleada de un hotel supervisando la lujosa boda con temática india para Ben y Preeta. Desafortunadamente, hay un problema que debe abordarse de inmediato: el hotel no puede permitirse arriesgar su reputación al tener un ratón. Con Kayla encargada de deshacerse del ratón lo más rápido posible, solicita la ayuda de Tom para hacer el trabajo de atrapar a Jerry.

El director Tim Story se las arregla para presentar algunas bromas que valen la pena, y que involucran a Tom y Jerry, lo que trae de vuelta algunos de esos buenos factores de nostalgia. Tanto Chloë Grace Moretz como Michael Peña, quien aparece como subdirector del hotel, dan actuaciones pasables en sus respectivos roles. Ken Jeong, que interpreta al jefe de cocina del hotel, es infrautilizado. La trama, sin embargo, es en gran parte una mezcla de elementos. Claro, no se debe esperar nada sofisticado de una película animada de Tom y Jerry más que sentarse y disfrutar del tipo de diversión comúnmente asociada con esta franquicia. No obstante, Tom And Jerry tiende a exagerar su bienvenida con una duración prolongada de 1 hora y 41 minutos. Sin duda alguna, esto podría haber necesitado algunos recortes serios, sin mencionar que muchos de los chistes fracasan en su entrega. Otras veces, vemos la película tratando de deslizar algunas lecciones morales obligatorias (una de ellas es el tema familiar de la redención) en el lado humano del drama (la otra involucra a Kayla y la pareja de novios).

Personalmente, sentí que toda la subtrama de la pareja lidiando con la boda arrastra demasiado la película. Si tan sólo Tim Story nos hubiera presentado más de Tom y Jerry y menos interacciones humanas, el resultado habría sido una mejor película que lo que tenemos aquí. Durante 45 minutos, Tom y Jerry es un intento defectuoso pero algo efectivo de crear un reinicio moderno de un clásico animado. La primera mitad es muy desordenada con intentos de venganza y comedia moderna para una audiencia joven, pero cuando captura la energía maníaca de una caricatura de Hanna-Barbera (estos momentos son de corta duración), te encuentras sonriendo y riendo en medio del caos y el desorden confuso.

En general, la película se ve bastante bien, ya que cuenta con una animación atractiva, y la producción se esfuerza por rendir homenaje a la historia de la franquicia de el gato y el ratón con bromas familiares y personajes secundarios. Tom y Jerry hacen lo suyo, pero las risas del otro lado de la película quedan en manos de Chloë Grace Moretz y Michael Peña, que no son nada adecuadas para este tipo de película, ya que no logran aterrizar o vender el lenguaje corporal de los dibujos animados. Tom y Jerry están mucho mejor en un mundo completamente animado, ya que el guión poco inspirado tiene miedo de volverse totalmente loco y abruma todo el tercer acto con contenido emocional que nadie quiere para generar algo de sentimiento en un largometraje que funciona adecuadamente como una película colorida protagonizada por animales ancianos. Al final, Tom And Jerry no es necesariamente una película fallida. Es sólo que tiene elementos incorrectos para esta historia en particular y personajes y un elenco humano que no se necesitaba para que las bromas funcionen. La película lo sabe desde un principio, pero los productores y los que estaban a cargo de esto parecen hacer todo lo posible para olvidarlo. Nota adicional: después de los créditos hay algo más.

Puntuación: 2 alcapurrias.