Tuesday, September 28, 2021

Review: Don't Breathe 2


Ocho años después de los acontecimientos de la primera película, Norman "The Blind Man" Nordstrom (Stephen Lang) ha vuelto a encontrar algo de paz con su hija Phoenix (Madelyn Grace). Él está criando a la niña en formas de supervivencia, enseñándole a protegerse de cualquier daño. Tal amenaza llega con Raylan (Brendan Sexton III), quien tiene un interés particular en Phoenix, trabajando con su equipo de matones para rastrearla hasta la casa de Norman, listo para secuestrarla mientras la noticia de una red de tráfico de órganos se extiende por Detroit. Al llegar de noche para lograr silenciosamente su objetivo, los forasteros no están preparados para el ataque sensorial de Norman, con el ex Navy SEAL reconociendo los problemas, proponiéndose proteger a Phoenix y matar a los invasores. Sin embargo, hay más en la historia de Raylan, que ejerce presión sobre Norman y su historia de violencia y crueldad mientras se esfuerza por ser un padre protector.

Don't Breathe 2 es la secuela de Don’t Breathe, un tenso thriller de invasión de hogar con un feo secreto en su corazón. Ninguna de las personas en la película era buena. Eso es lo que la hizo tan efectiva. Las simpatías se invirtieron y tenías que examinar y aceptar la historia que te dieron los realizadores. Fue un juego arreglado porque los realizadores ocultaron información clave a la audiencia desde el principio, pero dejó claro que es fácil para un cineasta hacer esto. Al igual que el truco del narrador poco confiable, cualquier audiencia puede ser conducida fácilmente por el camino mediante técnicas básicas de realización de películas. Parte de lo que hizo que Don’t Breathe fuera tan interesante es su falta de voluntad para seguir las reglas habituales del cine convencional, a saber, que tenía que haber un buen tipo. En Don’t Breathe, hay personas realmente malas y algunas que son un poco menos malas debido a sus circunstancias. Como en la vida real.

Aquí, han pasado ocho años después de los eventos de Don’t Breathe, y Norman Nordstrom se ha convertido en el guardián dedicado de una joven abandonada llamada Phoenix. Él es ferozmente sobreprotector con ella y ella se siente sola y rebelde. Cuando convencen a Nordstrom para que deje que la niña vaya a la ciudad, un hombre extraño la nota que pone en marcha una cadena de eventos que cambiará todo. Don't Breathe 2 es una secuela y, como tal, es una repetición ligeramente diferente de los mismos temas básicos. Realmente no puedes esperar que la película sea una historia completamente diferente. Es una expansión de los temas de la primera película y una resolución de las ideas que se utilizaron en Don’t Breathe. Muchas personas se horrorizaron por el argumento de la trama del "baster de pavo" en la primera película y Don't Breathe 2 existe como la solución a la ira justificable sobre los temas de la violación en la primera película. No estoy defendiendo eso, pero les recuerdo que esta no es la primera vez que se utiliza la violación como un punto de la trama, y ​​de una manera que no es totalmente respetuosa con las víctimas de violación o que no tiene un entendimiento y respeto por el trauma de la violación.

La película una vez más está protagonizada por Stephen Lang como Norman Nordstrom, con Madelyn Grace como Phoenix, Brendan Sexton III como Raylan. Stephanie Arcila como Hernandez, Christian Zagia como Raul, Bobby Schofield como Jared, Rocci Williams como Duke y Adam Young como Jim Bob completan el reparto y todos hacen un trabajo fantástico. No hay eslabones débiles aquí y todos actúan de manera inteligente. La película está en la oscuridad durante la mayor parte de su tiempo de duración y, aunque los esquemas de color, azules, dorados y verdes son familiares, los tonos de los colores se mezclan. Los escenarios de pelea son hermosos, el nivel de violencia es todo lo que puedes esperar de una película de terror y una hecha al estilo de las películas de explotación. No hay una cantidad horriblemente grande de sangre, pero lo que hay se ve muy bien y es, en la gran tradición de la explotación, divertida y espantosa al mismo tiempo.

Es difícil hablar realmente sobre los temas de la película sin estropear la trama, pero voy a intentarlo. Aquí se presenta la antigua regla del Código Hammurabi de Babilonia y ahora se conoce como el estado de derecho en una forma alterada y, según algunos, más humana. Si alguien te quita el ojo, entonces quitarle el ojo en venganza a ese alguien es justo, y nadie está fuera del alcance de la justicia. Sin embargo, también existe el concepto de expiación o redención que un malhechor puede elegir, por su propia voluntad, para expiar sus malas acciones o buscar la redención pagando su deuda con aquellos a quienes ha hecho daño. Mientras miraba los créditos finales, me pregunté si se trataba de una secuela que realmente necesitaba existir. La respuesta para mí es sí. Creo que los realizadores intentan mostrar que alguien que ha hecho cosas malas puede encontrar la redención. No creo que convierta a un malhechor en un héroe, pero en esto hay expiación que podría conducir a la redención. Lo que pasa con la expiación es que los agraviados no tienen la obligación de aceptar la disculpa o el sacrificio. Si considera que no es auténtico, puede rechazarlo. Lo que me gusta de la película y su tema general es que deja esa elección en manos del espectador y muestra al malhechor llegando a un acuerdo con lo que ha hecho y haciendo el mejor intento posible para corregirlo. Creo que este es un mensaje más responsable y positivo y posiblemente sea una reparación de acciones anteriores por parte de los cineastas.

En general, esta es una secuela bien hecha, emocionante y necesaria de la primera película que tenía un problema real que abordar en su intento de ser impactante. Creo que tiene algunas cosas buenas que decir sobre la brutalidad de nuestras fuerzas armadas, que crea monstruos y sobre la naturaleza de la redención y expiación por los pecados pasados. Al final, Don't Breathe 2 es una película sólida, y aunque puede que no tenga tanto suspenso como la original, sin duda es una película agradable que incluye una historia de venganza y acción sangrienta en un pequeño tiempo de duración que va rápido y directo al grano que la mayoría de las películas. Nota adicional: hay una escena extra entre los créditos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Jungle Cruise


En 1916, la Dra. Lily Houghton (Emily Blunt) está buscando una antigua punta de flecha conectada a las Lágrimas de la Luna, una leyenda que detalla un árbol especial con pétalos mágicos. Junto a su hermano, McGregor (Jack Whitehall), Lily adquiere en secreto la punta de flecha, buscando un camino por el río Amazonas, encontrando al capitán Frank Wolff (Dwayne Johnson), un capitán de barco experimentado que promete un paso seguro a través de áreas peligrosas. Lo que Lily no comprende de inmediato es que Frank está muy involucrado con el millonario Nilo (Paul Giamatti), ya que está ansioso por cobrar un dinero y regresar al río. También en la persecución del trío está Joachim (Jesse Plemons), un oficial alemán que también está detrás de las Lágrimas de la Luna, listo para tomar la punta de flecha y lograr un poder inimaginable, con la ayuda de Aguirre (Edgar Ramirez), un conquistador español maldito recientemente liberado de su prisión amazónica.

Si tienes 30 años o más, entonces la forma más fácil de describir Jungle Cruise es... toma Romancing The Stone (1984), Indiana Jones And The Raiders Of The Lost Ark (1981), The Mummy (1999), y Pirates Of The Caribbean: The Curse Of The Black Pearl (2003) y haz una mezcla de todas. Esto de ninguna manera le quita mérito a la película, pero es la forma más fácil de describirla. Para ser honesto, no puedo decir que tuviera muchas esperanzas invertidas en Jungle Cruise. Cualquier película que esté parcialmente inspirada en una atracción de un parque temático no inspira confianza. La película ha estado en el limbo del desarrollo, desde 2011. Sin mencionar el estado de las películas de Disney en live action que se estrenan estos días que no mejoran las expectativas. Para mi absoluta sorpresa, es una maravillosa y entretenida aventura familiar. Esta es una explosión de diversión y romance, el tipo de película escapista por la que las familias pueden reunirse y que todos pueden disfrutar.

Dirigida por Jaume Collet-Serra, la película tiene lugar en 1916 cuando la poco apreciada científica Lily Houghton busca eclipsar a los hombres en su campo al encontrar una flor mágica que, según la leyenda, puede curar cualquier enfermedad. Su tímido hermano McGregor la sigue obedientemente, aunque preferiría disfrutar de una copa o ir a una fiesta. Entonces... entra el capitán de este crucero por la jungla, Frank Wolff. Es un capitán inteligente y bromista que también es una especie de showman. Es quizás incluso un poco estafador, pero ama la diversión. Toma gente adinerada en busca de aventuras y establece varias excursiones falsas, incluso añade una tribu local "peligrosa". Él llama la atención de Lily, a quien muchos arqueólogos se ríen repetidamente y son todos hombres. El problema para ellos es que mientras se ríen, Lily está robando una antigüedad invaluable de sus archivos. Justo antes de que un aristócrata alemán, el príncipe Joachim del Segundo Reich intenta comprarlo él mismo. Por qué ambos lo quieren? Que contiene este árbol de la vida? Las flores de este árbol en el Amazonas son una medicina poderosa y pueden curar cualquier enfermedad en el mundo moderno.

La película gira, literalmente en algunos casos, de un escenario de acción a otro, con apenas un momento para tomar un respiro. Pero entonces, esto está destinado a estar en la misma línea que otras franquicias construidas en una atracción de parque de diversiones, por lo que tiene sentido que Disney se apega a su usual fórmula ya gastada. El humor de Frank es muy parecido al de Jack Sparrow, la única diferencia es que Lily es realmente la que dirige este barco. Es su determinación, inteligencia y valentía lo que se sumerge en probabilidades increíblemente extrañas contra híbridos conquistadores/monstruo de 400 años, nativos peligrosos, animales de la jungla hambrientos e incluso un submarino armado con torpedos.

Ahora, el elenco. El reparto es de primera. Tanto es así que Paul Giamatti tiene solo una pequeña parte para demostrar sus dotes de comedia. Dwayne Johnson y Emily Blunt tienen suficiente carisma para generar una buena química. Además, tienen un romance de Hollywood al estilo de los años 50. Ella es capaz de hacer todo lo que un hombre puede hacer, y ambos simplemente transpiran una química romántica con energía sexual. Incluso para una película de Disney, es bastante palpable. Hubo momentos en que la película empezó a desviarse, pero Blunt y Johnson siempre estaban ahí para arreglar las cosas. Cuando las cosas bajan de velocidad, como en un momento que McGregor revela su amor por otro hombre (lo que lo convierte en el primer personaje importante abiertamente gay de Disney), nos damos cuenta de que nos preocupamos por este trío de aventureros.

Sin embargo, hay algunos problemas que surgen al inclinarse demasiado hacia las películas dentro del mismo género de acción/aventura: el reciclaje de tramas y clichés de la época. Puede tener sentido ambientar la película en la década de 1910 para establecer de inmediato las condiciones culturales que harían que Lily fuera subestimada de inmediato por los hombres, a pesar de que todavía existen en la actualidad, y permite que la película mantenga su sensación de maravilla desconectada que puede ser más difícil de lograr en un entorno moderno. Esto es un mérito. Lo que no es así es la forma en que el humor se apoya constantemente en la misoginia percibida por Frank. Puede que el encanto natural de Johnson permita que sea perdonable y la película sería aburrida si no hubiera algún tipo de conflicto entre los dos, pero todo envejece rápidamente. Aunque la película comienza con una escena divertida que establece a Lily como igualmente capaz en la categoría de héroe, la narrativa crea continuamente situaciones en las que tiene que demostrar su valor una y otra vez. Es difícil saber si esto está de acuerdo con la época o si Lily está siendo tratada como otros protagonistas aventureros dada la frecuencia con la que se pone a prueba. Esto, junto con los giros habituales y los fragmentos de intriga sobrenatural (la trama involucra el árbol místico escondido en el Amazonas), hace que la película cree clichés de las series de aventuras de los años 20 en las que la narrativa claramente se inspiró.

La otra pieza realmente sorprendente es lo inacabada que parece. Dejando a un lado las cuestiones narrativas, el CGI no se mezcla bien en absoluto con los elementos físicos creando momentos en los que la suspensión de la incredulidad se rompe. Una o dos veces, puede funcionar, pero la cantidad de veces en que los personajes, animales o fondos adquieren el brillo gomoso de la magia digital es suficiente para volver loco a cualquiera. Especialmente cuando Blunt, Johnson, Whitehall y el resto del elenco hacen un trabajo increíble en la formulación de estos personajes que conoces o con los que simplemente quieres pasar el rato. La cortina del "cine" se cae con tanta frecuencia que es frustrante. No es tan extraño, o menos notorio, que muchas secuencias son nocturnas. Algo que es fundamental y bastante hermoso en su construcción, pero una vez que sale el sol todo queda descartado en cuanto a la credibilidad de cualquier escena.

En general, la película cumple en todos los aspectos. Se reirán, enfadarán e incluso podrán contener la respiración con anticipación mientras el director Jaume Collet-Serra nos lleva a una aventura fantástica a través de la mítica Amazonia. Emily Blunt ofrece una actuación que nos recuerda con la facilidad que salta de un género a otro, mientras que el resplandor natural de Dwayne Johnson encaja perfectamente con este rebelde capitán de barco. Al final, Jungle Cruise es una historia que demuestra que las películas de aventuras familiares no tienen por qué estar llenas de humor preadolescente. El diálogo es divertido, incluso jocoso. También tiene suficiente corazón para hacer que el viaje y la inversión emocional valga la pena. Blunt y Johnson son tan buenos juntos que estarán a bordo de este barco a largo plazo.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Thursday, September 23, 2021

Review: Rurouni Kenshin: The Beginning


En 1863, Kenshin Himura (Takeru Satoh) era un joven y tranquilo experto en el arte de la espada del Mugen-Hisetsu-Ryu, y decidió unirse a una banda de samuráis para derrocar al Shogunato. En un año, la habilidad con la espada de Kenshin le ha valido cien muertes y es considerado uno de los samuráis más temidos de Kyoto. Los Shingunsemi, la fuerza policial del Shogunato, consideran que Kenshin es la mayor amenaza. Sin embargo, después de cada muerte que realiza, se siente incómodo. Pero su vida está a punto de dar un giro drástico. Después de llegar a una posada local, encuentra a algunos hombres acosando a Tomoe Yukishiro (Kasumi Arimura). Kenshin se las arregla para combatir a los hombres para sorpresa de Tomoe. Pronto comienza a apreciar a Kenshin, quien se sorprende de tener a alguien cerca de él. Después de una batalla masiva en julio de 1864, Kenshin debe esconderse y su amigo Katsura (Issey Takahashi) le pide a Tomoe que lo vigile. Sin embargo, un grupo tiene la intención de eliminar a Kenshin y, para su sorpresa, pronto se entera de que la mujer de la que se ha enamorado puede estar relacionada con el Shogunato.

Rurouni Kenshin: The Beginning es la quinta y última entrega de la saga de Rurouni Kenshin basada en las novelas gráficas del mismo nombre de Nobuhiro Watsuki. Este quinto capítulo fue producido simultáneamente con la cuarta entrada Rurouni Kenshin: The Final, y está dirigida por Keishi Otomo. Esta película destaca el pasado de Himura Kenshin como el asesino Hitokiri Battosai durante sus últimos años de Bakumatsu y cómo el ex sicario obtuvo su cicatriz en forma de cruz. Cuenta con las estrellas Takeru Satoh, quien encarnó el personaje de Kenshin Himura desde que salió la primera película en 2012. Otros miembros del elenco incluyen a Kasumi Arimura como Tomoe Yukishiro y Yosuke Eguchi en el papel de Hajime Saito, entre muchos otros.

Así como en la franquicia de live action y en la versión animada, Himura solía ser un asesino a sueldo y uno letal, cuyo nombre y habilidades traspasaron mucho más allá. Afortunadamente, finalmente vio la luz y derribó sus armas de destrucción masiva después de 100 asesinatos a su nombre antes de cuestionar sus acciones y elegir convertirse en el personaje que muchos fanáticos conocen y aman hoy. Tal como sugiere el título, la historia se remonta a donde todo comenzó uniendo la serie con un arco perfecto y la solidifica como una de las mejores sagas cinematográficas jamás realizadas. Es la deconstrucción completa del personaje de Kenshin y la reconstrucción en la persona que hemos visto en las otras películas. La historia muestra cómo Himura se transformó en el icónico agente de la muerte que imponía miedo dondequiera que ponía un pie. La narrativa también explora cómo Kenshin conoció a Tomoe Yukushira, destacando cómo ella introdujo un cambio en su estilo de vida de asesino a sueldo. Como el público aprendió de la cuarta película, Tomoe traiciona a Himura en algún momento, sin embargo, aquí se explora el por qué y cómo sucedió todo.

Al igual que sus predecesoras, Rurouni Kenshin: The Beginning es todo lo que los fanáticos esperarían de una película de su calibre y mucho más. Las películas anteriores mostraban a Himura como un héroe, más o menos, pero en este capítulo, él es solo un profesional altamente calificado que se encuentra en un grupo rebelde con la creencia de que está luchando por la paz antes de que Tomoe lo pise y lo guíe en la dirección correcta. El rostro de Himura permanece inexpresivo, lo que dificulta la lectura de sus sentimientos internos, sin embargo, la audiencia puede notar rápidamente que hay un alma intensamente atribulada detrás de esa fachada.

Como es costumbre de esta saga, la película está repleta de secuencias de acción intrigantes, bien coreografiadas y filmadas por expertos. Agreguen a esto que la acción es más oscura, y lo más brutal posible. De hecho, hay mucha más violencia que en las películas anteriores. Otomo construye la acción para esto de manera completamente diferente desde la escena inicial, todo es más rápido y sangriento. Aún así, se inclina hacia ser más condicional, reduciéndose a cómo inflige cicatrices emocionales en el personaje principal. Aquellos que aman este tipo de películas devorarán las escenas sangrientas sin importar cuánto dure la acción. Sin embargo, aquellos que no son muy fanáticos en lo que respecta a las secuencias de acción, pueden terminar desviándose después de un tiempo, ya que gran parte de la película está ocupada por escenas con acción intensa y extrema.

Los visuales también son completamente diferentes de las películas anteriores. Las tomas tienen un aspecto granulado y un color menos vibrante, lo que es un excelente uso del lenguaje cinematográfico para representar un contraste distinto de las otras películas de la serie. En el corazón de esta hermosa obra maestra se encuentra la historia de amor entre Kenshin y Tomoe, que constituye el alma de toda la franquicia. Kasumi Arimura se roba la película con sus magistrales interpretaciones como Tomoe con las diversas transformaciones que sufre, especialmente cómo se las arregla para romper la fachada aparentemente irrompible y sin emociones que lleva Kenshin. Su personaje es una fuerza muy vital para impulsar la narrativa.

Aunque la trama es un poco lenta, es muy intrigante y lleva tiempo llenar los huecos que dejaron las películas anteriores. Ofrece una mirada de fondo sobre cómo solía verse Japón en los 1800, asegurándose de que la historia, el diseño de los escenarios y el vestuario fueran correctos según ese período. El título también aborda la fascinante historia antigua de Japón y su prestigiosa tradición samurái, dando una lección de historia crucial a lo largo de su camino. La película tiene muchos flashbacks que ayudan a arrojar más luz e impulsar la historia, sin embargo, hasta cierto punto, esto revela mucho, erosionando la curiosidad y el suspenso. Si los flashbacks fueran menos, todo habría sido más misterioso y emocionante.

En general, es una gran película para los fanáticos de la aclamada serie. Además de profundizar en el personaje de Himura, ayuda al público a comprender cómo nació este hombre y por qué es como es ahora. Es una obra de arte bien filmada, extremadamente entretenida, que concluye la serie de live action de anime más icónica de la manera más impresionante y genuinamente adecuada dejando al público general satisfecho. Al final, Rurouni Kenshin: The Beginning además de ser una mirada a la serie animada Trust y Betrayal, sirve como una pieza magnífica y agridulce en la historia de Kenshin Himura. Se las arregla para equilibrar la necesidad de mostrar a Kenshin como Battosai, sin perder de vista a Kenshin el humano.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Bob Ross: Happy Accidents, Betrayal And Greed


Como el presentador del programa de PBS The Joy Of Painting durante 11 años (de 1983 a 1994, y en ese tiempo filmó 403 episodios), Bob Ross se convirtió en un artista inolvidable. Ross, un ícono, era conocido por hacer sus pinturas en menos de 30 minutos frente a la cámara en su programa que obtuvo una gran audiencia y seguidores para el artista. Pero mientras el artista de cabello afro susurraba sabiduría artística en la televisión mientras enseñaba a la gente a pintar y disfrutaba cada parte de lo que hacía, algunas personas buscaban su nombre y semejanza solo por el aspecto monetario. Bob Ross: Happy Accidents, Betrayal And Greed habla sobre la vida de este artista y nos lleva a través de los pasillos de su ascenso a la fama y su dedicación a su arte junto con todo lo demás que estaba sucediendo y que finalmente lo llevó a luchar por su nombre en su lecho de muerte. El hijo de Ross, Steven, nos lleva a la esencia de la vida de su padre, brindando información limitada sobre su servicio en la Fuerza Aérea y sus años de formación en Alaska, lo que lo llevó al amor por la pintura y a una amistad con el artista Bill Alexander. Con la ayuda de Walt y Annette Kowalski, Ross comenzó su viaje televisivo, que pronto alcanzó éxito y se convirtió en parte de la vida de su audiencia. Pero las cosas se complicaron cuando los Kowalski comenzaron a usar el nombre de Ross con fines comerciales para generar dinero.

Quién no veía a Bob Ross? En qué piensas cuando escuchas el nombre de Bob Ross? En mi caso, pienso en montañas, nubes, árboles felices y su cabello gigante (no sabía que su afro era peluca, siempre pensé que era un afro real y natural). Sus pinturas suaves y relajantes inspiraron a millones o quizás adormeció a otros con su voz susurrante. Su programa fue y sigue siendo disfrutado por muchos en todo el mundo. Lo convirtió en un ícono para la generación de MTV y luego en un meme para las audiencias más nuevas. Su presentación de The Joy Of Painting durante las décadas de 1980 y 1990 duró 31 temporadas y se convirtió en un fenómeno global, principalmente en parte por el carisma de Bob Ross y lo fácil que hizo que las pinturas fueran una obra maestra. Desafortunadamente, hay un lado oscuro que el director Joshua Rofé explora en este documental de Netflix.

El título de este documental sugiere que detrás de la tranquila presencia del pintor se esconde un drama y muchos escándalos. La reputación de Bob no está empañada en lo absoluto, así que a los fanáticos incondicionales, no se preocupen. Esto es una mirada muy bonita a su persona. Ahora... sin ofender a Bob Ross, siempre pensé que no era un tipo muy interesante. Parecía muy humilde y tranquilo, pero las personas que lo rodearon son una historia completamente diferente. El documental comienza con su hijo Steve diciendo: "He querido contar esta historia durante todos estos años", lo que definitivamente genera intriga. La historia es simple, pero deja mucho espacio para más exploración y descubrimiento. Vemos brevemente la vida de Ross en la Fuerza Aérea y sus primeros años. Hay mucho pietaje de The Joy Of Painting y varios programas de entrevistas en los que apareció, que muestran entrevistas serias y divertidas. También vemos cómo la pasión y el don de Ross por la pintura se convirtieron en un negocio.

Lo que es interesante y genera intriga en este documental es cuando se revela que “más de una docena de personas que conocían y trabajaron con Bob se negaron a participar en esta película debido a preocupaciones de represalias legales”. Lo que sí aprendemos es que la brecha principal en la vida de Bob está en torno a los Kowalski. Steve, su hijo, vio la relación entre su padre y los Kowalski fracturarse y no tiene afecto ni respeto por ellos, en absoluto, diciendo que han ganado millones con la explotación de su nombre. Son conocidos por demandar, por lo que no es de extrañar que la gente se niegue a ser entrevistada. Para ser justos, los Kowalski no participaron en este documental, por lo que prácticamente todo lo cuentan personas que tienen una buena razón para odiarlos. En los créditos finales, los productores afirman que los Kowalski tenían una gran relación con Bob Ross y niegan las acusaciones. Sin embargo, las acusaciones son francamente despreciables. Cuando Ross pasó de ser una persona de acceso público a una marca global, trataron de recortar los productos, algo en lo que Ross luchó con ellos. Hacia el final de la vida de Ross, ahí es donde las cosas se complican.

Cuando Bob Ross fue diagnosticado con linfoma, sabía que no le quedaba mucho tiempo. Los Kowalski trataron en su lecho de muerte para que les firmara su imagen y semejanza para que pudieran seguir ganando dinero con él a través de Bob Ross Inc. Intentaron no solo mantener en secreto su muerte (solo 30 personas asistieron a su funeral porque nadie sabía que realmente había muerto), pero luego iniciaron un litigio contra cualquiera que posiblemente también pudiera beneficiarse de él, principalmente su hijo Steve. El propio Steve es un gran pintor, que Bob quería que continuara en el negocio familiar, pero Steve ni siquiera puede usar su propio apellido para su propio negocio, porque los Kowalski son dueños del nombre "Ross".

Si bien el documental detalla profundamente la terrible situación de los Kowalski y cómo estafaron a todos los que los rodeaban para obtener dinero extra, una parte significativa del documental está dedicada a los orígenes de Bob Ross, su familia y su impacto en todo el mundo. Hacia el final del documental, hay un hermoso montaje de innumerables personas que afirmaron que la "terapia de arte" de Ross hizo que no se suicidaran, superaran problemas y, en general, simplemente mejoró la vida de innumerables personas con su mera presencia. El mismo Ross probablemente no sabía cuán grande fue su impacto, pero definitivamente fue y sigue siendo impactante. Y ese es el tipo de "accidente feliz" que es hermoso de ver.

En general, este documental muestra que Bob Ross claramente amaba el arte, las personas, la naturaleza y la vida. Cuando el documental se centra en Steve hablando sobre sus recuerdos y la vida de su padre, es cuando este documental es más fuerte y hermoso. Por estas hermosas secciones, vale la pena verlo. Me alegra que su hijo Steve todavía pinte, enseñe pintura y que el espectáculo y las obras de arte de Bob todavía se las arreglen para inspirar y ayudar a las personas de hoy enseñándoles que son valiosas e importantes. Al final, Bob Ross: Happy Accidents, Betrayal And Greed te hará sonreír, llorar, enojar e incluso querer más a Bob Ross. Es un gran documental que saca a la luz el mal que estaba detrás de la cámara en ese estudio de Bob Ross y es uno de los más emocionales que he visto en mucho tiempo, contando un lado de la historia de Bob que nunca conocí. No solo se cuenta el drama de la vida de Bob de manera hermosa, sino que es acompañado de magníficas tomas de paisajes en referencia al tema de muchas de sus pinturas, y también se utilizan para ilustrar partes de una historia que no fueron documentadas visualmente, creando un verdadera y cautivadora experiencia de la verdad. Recomiendo ver esto si eres fanático de Bob Ross y/o del arte. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Val


Val Kilmer ha sido un actor extremadamente popular, apareciendo en éxitos de taquilla, películas veneradas por la crítica y una gran cantidad de películas independientes, acumulando una gran base de fans desde que comenzó su viaje a principios de la década de 1980. Kilmer también tiene la reputación de ser un alborotador, es conocido por hacerle la vida difícil a quienes trabajan con él, y sus payasadas ayudan a eliminar gradualmente las oportunidades laborales. Los directores Ting Poo y Leo Scott buscan alterar la percepción de las formas enigmáticas de Kilmer con Val, un documental sobre la vida del artista y sus logros artísticos. Al documentar sus experiencias en todo el mundo, gracias a las imágenes grabadas por el propio Kilmer a lo largo de los años, quien tomó una cámara un día y nunca la dejó, el documental proporciona un acceso íntimo que brinda a los fanáticos una mirada al funcionamiento interno de su existencia, pero también proporciona evidencia de que los chismes destructivos nacieron de algo primordial dentro del actor mientras se abría paso en Hollywood. Val Kilmer fue diagnosticado con cáncer de garganta en 2015, que finalmente reclamó su voz. Mientras Val cuenta su historia, su hijo Jack asume las tareas de narración, lee las palabras y se convierte en el sonido de su padre a medida que avanza el documental.

Durante más de 40 años, Val Kilmer, uno de los actores más excéntricos y/o incomprendidos de Hollywood, ha estado documentando su propia vida y su oficio a través de películas y videos. Ha acumulado miles de horas de pietaje, desde películas caseras de 16mm hechas con sus hermanos, hasta el tiempo que interpretó papeles icónicos de éxitos cinematográficos como Top Gun (1986), The Doors (1991), Tombstone (1993) y Batman Forever (1995). Val es un autorretrato crudo, salvajemente original e inquebrantable de Kilmer. Los directores Leo Scott y Ting Poo ayudan a abrir la puerta e iluminar su mundo artístico y complejo. Val Kilmer coproduce este documental junto con sus hijos, Jack y Mercedes Kilmer.

La autobiografía comienza presentando su infancia. Kilmer y sus dos hermanos eran sus propios genios creativos, pero juntos eran una fuerza a tener en cuenta. Compartieron el amor por hacer arte, películas, música y siempre divertirse. Él arroja luz sobre una tragedia familiar temprana que separó a su familia y revela los obstáculos soportados mientras trataba de equilibrar su carrera en ascenso, apoyo y estabilidad emocional con los miembros restantes de su familia. Kilmer señala su tiempo estudiando en Julliard antes de finalmente llegar a las películas de Hollywood de bajo presupuesto. Top Secret (1984) y Real Genius (1985) son comedias sin sentido que eran perfectas para su personalidad. Los siguientes papeles de Kilmer en Top Gun (1986) y Willow (1988) catapultaron su carrera como actor.

Uno de los recuerdos más notables que comparte es sobre su experiencia trabajando en la película Batman Forever (1995). Los hermanos Kilmer eran fanáticos desde hace mucho tiempo del programa de televisión original y, a menudo, hacían referencia a escenas cuando creaban su propio trabajo. Cuando surgió la oportunidad para Kilmer de interpretar a Batman estaba feliz, y ciegamente aceptó el trabajo. Es un papel que luego admite que fue decepcionante, y un desastre físico y emocional. El documental se vuelve más personal a medida que Kilmer se sincera sobre su matrimonio, sus hijos y el mundo que quería que tuvieran. La relación que tenía con su padre era compleja y pudo haber sido la grieta que lo llevó al colapso de su matrimonio. Kilmer también se tomó su trabajo demasiado en serio. Pasaba todas las horas del día durante meses perfeccionando su oficio cuando no estaba viajando. Su método de actuar, junto con el extremismo y la ausencia familiar no hizo más que ampliar esa grieta. A pesar de sus mejores esfuerzos, el mundo que trató de construir se derrumbó.

El documental también aborda la percepción de que era "difícil" trabajar con Kilmer. Pero el Val que vemos aquí es más perfeccionista que alborotador. Ciertamente tuvo sus encontronazos y sientes que hay cosas de las que se arrepiente, pero Kilmer siempre tuvo que ver con el arte y encontrar el alma en cada papel. Aportó una seriedad e intensidad a su trabajo que llevó a algunos a verlo como "difícil". Los medios de comunicación se dieron cuenta rápidamente y corrieron con esa historia. Pero hay muchos actores y actrices que trabajaron con Kilmer que rechazan esa percepción. Vemos a Oliver Stone, Mira Sorvino, Robert Downey, Jr. y otros que refutan rotundamente esas afirmaciones. Val Kilmer superó sus luchas manteniendo una relación saludable con sus hijos y comienzó a trabajar en un nuevo proyecto apasionante. Kilmer asume el papel de la vida real de un hombre cuya vida tiene paralelismos similares a las experiencias de la vida y la muerte. Siendo un dramaturgo, realiza un espectáculo individual como el autor Mark Twain. La obra es un éxito hasta que Kilmer se encuentra con una complicación de salud. Uno que tendrá un efecto devastador en el resto de su carrera y sustento.

En general, Oliver Stone llamó a Val Kilmer "un rompecabezas dentro de un misterio envuelto en un enigma". El hombre que vemos aquí se ajusta a esa descripción, pero no de una manera demasiado excéntrica. Es un hombre que una vez encontró la fama pero nunca se sintió cómodo con ella. Nunca fue impulsado por la fama. En cambio, se propuso encontrar roles que lo “transformaran”. Val nos muestra ese lado profesional, pero también el lado privado que pocos fuera de su familia llegaron a ver. La película a veces se pierde en la autorreflexión del artista, pero es difícil tocar algo tan personal y catártico. Al final, Val es un documental maravilloso debido a su energía excéntrica y ansia de vida que grita Val Kilmer. La cantidad de imágenes recopiladas a través de su vida es un verdadero tesoro. Su pasión por la vida, el talento y el amor por sus hijos y el arte es verdaderamente motivador e inspirador. Para ser honesto, no esperaba sentirme tan conmovido, desconsolado e inspirado. Es un documental sobre la actuación, el proceso creativo, y la superación de los obstáculos que se nos presentan para seguir avanzando a pesar de ellos. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Snake Eyes: G.I. Joe Origins


Cuando era un niño, Snake Eyes (Henry Golding) presenció el asesinato de su padre, con el asesino usando los dados para determinar las posibilidades de su supervivencia. Determinado a encontrar a este monstruo, Snake Eyes se convierte en un hombre con una misión, convirtiéndose en un peleador clandestino para trabajar con sus problemas de ira. Reclutado por Kenta (Takehiro Hira), un proveedor de armas del yakuza, Snake Eyes conoce a Tommy (Andrew Koji), un miembro del Clan Arashikage. Al salvar a Tommy de la muerte, Snake Eyes recibe un refugio en Tokyo, donde se le presenta la oportunidad de unirse al Clan Arashikage al completar su entrenamiento, que involucra tres desafíos para demostrar su valor. Observado cuidadosamente por la oficial de seguridad Akiko (Haruka Abe), el recién llegado es contactado por Kenta, quien se ofrece a entregar al asesino del padre de Snake Eyes a cambio de una joya mágica especial que el Clan Arashikage ha jurado proteger.

Estoy un poco molesto que en Snake Eyes: G.I. Joe Origins no solo vemos la cara del comando ninja, sino que lo escuchamos hablar... y mucho. Si eso es algo frustrante para ti, mi compañero y G.I. Joe nerd, te entiendo. Cuesta un poco acostumbrarse, pero con el casting del actor Henry Golding creo que nunca se iba a quedar escondido bajo una máscara. Siendo una especie de precuela de las películas anteriores de G.I. Joe, The Rise Of Cobra (2009) y Retaliation (2013), es difícil ver cómo esta versión de Snake Eyes podría convertirse en el guerrero silencioso que conocemos, y eso se convierte en un tema recurrente aquí. Al enviar al personaje popular a Japón y al mundo de los yakuza y los clanes de ninja secretos, Snake Eyes puede resultar muy familiar para los fanáticos de The Wolverine (2013). Hay una razón para eso. El escritor Larry Hama, un militar con un amplio conocimiento de la cultura japonesa, escribió la mayor parte de las historias de ambos personajes en la década de 1980. Snake Eyes saca mucho provecho de esta influencia, saboreando su historia de honor, lealtad y extensas demostraciones de artes marciales.

Al igual que el Snake Eyes de los cómics y la querida caricatura de los años 80, nunca sabemos su nombre real de nacimiento. Pero sí vemos el momento crucial de su infancia, cuando su padre es asesinado por razones misteriosas. Snake Eyes logró escapar y desapareció durante años, solo para aparecer dos décadas después luchando en un club de lucha subterráneo. Es allí donde se le acerca Kenta, quien le ofrece un trabajo a cambio de ayudar a encontrar al hombre que asesinó a su padre. Resulta que ese trabajo es destripar peces y usarlos para contrabandear armas. Snake Eyes puede ser un luchador letal, pero no es un asesino, y cuando se le pide que asesine a Tommy, uno de los pocos que realmente ha sido amable con él, se niega. Nadie le dice "no" a Kenta, y surge una secuencia de persecución/lucha en los muelles. Por su ayuda, Tommy lleva Snake Eyes a casa en Tokyo para convertirse en parte del clan Arashikage, una poderosa orden dedicada a la justicia y la lucha contra el mal. Para demostrar su valor, Snake Eyes tendrá que pasar tres desafíos mortales para demostrar su fuerza, honor y lealtad, pero lo más importante es que se nos ofrece la oportunidad de ver a Iko Uwais en combate como el mentor Hard Master. Cada vez que está en acción, es una emoción absoluta que Golding, por más que lo intente, nunca puede igualar.

Si la película se hubiera decidido por estas tres pruebas como el tema de la historia, habría sido un gran problema. Solo uno es particularmente emocionante, y la película se detiene cada vez que estas pruebas se ponen al frente y al centro. Más intrigante es el conflicto dentro del propio Snake Eyes, ya que aprendemos que sus motivaciones para estar dentro del Arashikage son un engaño. Aún asociado con Kenta, que quiere poseer una poderosa joya que el clan está custodiando, Snake Eyes se debate entre su lealtad a la nueva familia que lo acogió y su necesidad de venganza. Algo que la jefe de seguridad del Arashikage Akiko siente, pero su duplicidad es otra preocupación. Así que en gran parte de Snake Eyes no somos del todo conscientes de dónde están realmente sus lealtades. Si bien esto es interesante en papel, se convierte en un problema cuando se toma en su contexto completo. Tommy, quien eventualmente se convertirá en el mayor rival de Snake Eyes, Storm Shadow, es una figura mucho más convincente mientras trabaja para llevar el Arashikage a la era moderna. Su deber con el clan y hacer lo honorable lo pinta como el héroe al que apoyar, mientras Snake Eyes miente y traiciona.

Aquellos que siguieron la serie animada de G.I. Joe saben que, después de cierto tiempo, llegó a incluir algunos elementos extraños de ciencia ficción y fantasía que no encajaban completamente con la marca militarista. Quiero decir, el Cobra Commander se convirtió literalmente en una serpiente en un momento dado y ni siquiera quiero entrar en detalles con Serpentor. Snake Eyes, curiosamente, incorpora algo de estas rarezas en una trama que debería haber sido mucho más ajustada. En un momento, el héroe se ve obligado a desafiar a un trío de serpientes telepáticas gigantes, lo suficientemente grandes como para poner celoso a Voldemort. La codiciada Joya del Sol no es solo una roca, sino un objeto capaz de increíbles poderes mágicos.

Siendo G.I. Joe, hay potencial de una franquicia más amplia y Snake Eyes lo hace de manera efectiva con la llegada de Scarlett, interpretada por Samara Weaving. Me encantó que la trajeran ahora, porque el personaje será muy importante para Snake Eyes en el futuro, pero Weaving podría haber tenido mucho más que hacer. Es demasiado buena en el ámbito de la acción para usarla con tanta moderación. Ursula Corbero interpreta a Baroness, una agente de Cobra, la organización terrorista mundial que sabemos que será una espina constante para G.I. Joe. Henry Golding estuvo bien al capturar la ambigüedad que Snake Eyes generalmente esconde debajo de una máscara, y se desempeña bien contra artistas marciales más experimentados. Sin embargo, es Andrew Koji como Tommy/Storm Shadow quien más llama la atención y se roba el espectáculo. Esta podría ser una película de Snake Eyes, pero es Storm Shadow a quien quieres seguir cuando todo termine.

En general, la película es un retroceso a la época en que los dibujos animados existían principalmente para vender juguetes, solo que en este caso es una película que intenta vender una franquicia. También es una forma entretenida (y en su mayoría sin sangre) de presentar a Snake Eyes y a G.I. Joe a una nueva audiencia. Puede que no sea todo lo que buscan los fanáticos fieles de Snake Eyes, pero sabemos que esto es solo el comienzo y "saber es la mitad de la batalla". Al final, Snake Eyes: GI Joe Origins es una película llena de acción, pero para disfrutarla debes olvidar todo lo que sabes sobre G.I. Joe. Hay una buena historia, grandes escenas de acción y los personajes, especialmente Storm Shadow, están muy bien escritos. Hay algunos momentos extensos que arrastran la película, pero incluso con ellos no la matan del todo. Lo mejor es que definitivamente conduce a un nuevo universo de G.I. Joe. Nota adicional: hay una escena extra durante los créditos. 

Puntuación: 4 alcapurrias.