Review: Ghostbusters: Afterlife

Callie (Carrie Coon) se ha quedado sin opciones y sin dinero, eligiendo llevar a sus hijos, Phoebe (Mckenna Grace) y Trevor (Finn Wolfhard), a Summerville, Oklahoma para reclamar una tierra de cultivo que su difunto padre le dejó, y quien la abandonó cuando era niña. La casa se está cayendo en pedazos, pero contiene secretos que Phoebe logra resolver, encontrando materiales ocultos de los Ghostbusters con los que no sabe qué hacer. Junto a su nuevo amigo, Podcast (Logan Kim), Phoebe intenta aprender más sobre su abuelo, reconociendo que algo extraño está ocurriendo dentro de una mina abandonada cercana. Atraído por la inteligencia de Phoebe, el profesor Gary Grooberson (Paul Rudd), quien recuerda las hazañas de los Ghostbusters en 1984, lleva a la niña de 12 años a conectar los puntos sobre un próximo evento apocalíptico, que pronto involucrará a Trevor y su amiga Lucky (Celeste O' Connor), mientras buscan respuestas del pasado.

Seré completamente honesto, Ghostbusters: Afterlife me interesó desde el primer día que se anunció. Cuando era niño, me encantaba el Ecto-1, interpretaba a Peter Venkman (porque era el mejor) con mis amigos en la escuela cuando recreábamos escenas de la película clásica, e incluso pensé que Ghostbusters 2 era mejor que la devastación obtenida por parte de los críticos. Pero Ghostbusters se ha quedado conmigo durante los últimos 30 años, eso es hasta que llegó esa horrible película de 2016. Entré a esta nueva película del director Jason Reitman con la esperanza de que, como mínimo, fuera divertida. Bueno, no solo es divertida, sino que es un equilibrio perfecto de la nostalgia que todos anhelamos mientras hacemos avanzar a los Ghostbusters para que una nueva generación pueda preguntar "Who you gonna call?".

Jason Reitman, el hijo del director original de Ghostbusters y Ghostbusters 2, Ivan Reitman, tenía un desafío difícil frente a él. Lo que hizo que las películas anteriores funcionaran no tenía nada que ver con los fantasmas, era lo mucho que nos encantaba ver a estos actores y la química que tenían. Por supuesto, todos los actores eran los heavyweights de la comedia en aquella época y estaban en su mejor momento, pero Reitman no tiene eso para trabajar... bueno, no demasiado, de todos modos. Así que tuvo que encontrar una nueva química, diferente pero similar, en un nuevo grupo de actores jóvenes y en una era completamente diferente a la de los años ochenta.

Ghostbusters: Afterlife no es una repetición de Ghostbusters. Está ambientada en ese mundo y sí, aparecen algunas caras conocidas, pero también es su propia película con su propia sensación. Lejos del ajetreo, el bullicio y el humor de Manhattan, esta película tiene lugar en el tranquilo pueblo de Summerville, Oklahoma. Este pueblo es como una lugar fuera del tiempo, incluso tiene un restaurante al estilo de los años 60 como eje central. La escuela todavía usa cintas VHS para mostrar películas a los estudiantes y hay una ferretería que parece que la dirige un tipo que sale de un garaje. Es aquí donde Callie se lleva a sus dos hijos, Trevor de 15 años y la genio Phoebe de 12 años después de ser desalojada de su casa. Su padre, de quien se separó, le dejó una vieja granja en ruinas, que puede tener o no una conexión con los Ghostbusters originales. Su padre era conocido en el pueblo como el loco local, que hablaba de teorías de conspiración apocalípticas salvajes y escenarios apocalípticos. Francamente, no hay mucho que hacer en un lugar como este, mas que meterse en problemas.

Debo admitir que me encantó mucho este escenario. Summerville, aunque es diferente en muchos aspectos, es similar en que se siente tan lejos del mundo real. Sin mucha tecnología o lugares adonde ir, es inevitable que un par de forasteros como Trevor y Phoebe se encuentren con algún equipo antiguo de los Ghostbusters, como la trampa clásica, un paquete de protones e incluso un Ecto-1 descompuesto. Todo ocurre justo a tiempo porque una serie de terremotos en la ciudad es solo la punta del iceberg de una amenaza sobrenatural que podría destruir más que el restaurante local.

McKenna Grace interpreta a Phoebe con una torpeza social, y su cabello y sus anteojos son muy Egon-escos, includa su apariencia y comportamiento. Ella también es la que impulsa toda la acción en la película y es tan valiente como cualquiera de los Ghostbusters originales. El tono de la película está muy en el molde de Stranger Things, con Phoebe acompañada por su nuevo amigo Podcast que tiene un podcast de teorías de conspiración del que no puede dejar de hablar. En cierto modo, es como el Ray Stantz del grupo. Si quisiéramos llevar las comparaciones más lejos, los intentos de Trevor de enamorar a su compañera de trabajo Lucky lo ubican como el Peter Venkman del grupo. Supongo que eso convertiría a Lucky en la Winston del equipo, no solo es afroamericana, sino que tiene los pies en la tierra un poco más que el resto. Honestamente, ella no recibe suficiente atención considerando la importancia de su papel. Todo esto es muy amplio, pero la dinámica funciona y hay una química sólida entre los cuatro.

Ahora... no sé qué hace el profesor de ciencias Gary Gruberson, interpretado por Paul Rudd, en esta película. Si bien la película no está sobrecargada de humor, lo que hay en su mayoría proviene de él, ya sea por tratar de enamorar a Callie o por estar aterrorizado por los simpáticos y pequeños Baby Puft Marshmallow Men que saquean un Wal-Mart con más helado de Baskin-Robbins que lo que puede contener la colocación típica de un producto en una película. Rudd es natural para los Ghostbusters, sin embargo, y la única decepción es que no llega a brillar como realmente se merece. Es lamentable que, en términos de la amenaza paranormal, la mayoría de lo que se presenta ya se haya hecho. Si bien es genial obtener algunos espectros malvados, no hay muchas novedades que se traen a la mesa y eso es honestamente decepcionante. Un nuevo equipo de Ghostbusters merece nuevas amenazas más adecuadas para sus edades y niveles de experiencia. Digamos que necesitan mucha ayuda cuando llega la batalla final, y no debería ser así.

En general, si eres fanático de los Ghostbusters te encantará la forma en que todo se combina. No revelaré cómo regresan los 3 grandes, o la conexión entre todos y Egon, pero realmente es un momento muy emocional. No puedo esperar a ver lo que depara el futuro para esta franquicia. Hay una gran cantidad de oportunidades con este elenco joven y más aún con Reitman ayudando a forjar un nuevo legado. Supongo que Bill Murray ha hecho su parte y no volverá más, pero Dan Akroyd aún está a bordo y algo me dice que Ernie Hudson también. Aquellos que temían que Ghostbusters: Afterlife arruinaría todo lo que los fanáticos aman (más que la película del 2016), pueden guardar sus temores para el próximo espíritu maligno que aceche su hogar. Y cuando eso suceda, sabrán a quién llamar. Al final, Ghostbusters: Afterlife es la secuela que merecíamos de la segunda película de 1989 y afortunadamente se salva debido a su sensación de maravilla y su atmósfera. Si la historia termina aquí, es el mejor final que podrían haber logrado. Pase lo que pase en el futuro, esta película hizo que todo fuera correcto y agradable (con un final verdaderamente emocional en el que por poco lloro) y eso es todo lo que importa. Nota adicional: hay 2 escenas más durante los créditos. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Lamb

Ingvar (Hilmir Snær Guðnason) y Maria (Noomi Rapace) viven en un terreno remoto donde los dos pueden cultivar, cuidar de sus animales y, en general, viven aislados de la sociedad. Comparten las tareas del hogar, pero apenas pasan tiempo juntos y, cuando lo hacen, es principalmente en silencio. Todo cambia para ellos cuando una de sus ovejas da a luz a un híbrido de cabeza de cordero con la mayor parte del cuerpo humanoide. En lugar de gritar o correr, los dos acogen a la criatura de inmediato, decididos a criarla como si fuera suya. Esta es una elección que parece ir en contra del orden natural de las cosas y una que tendrá consecuencias devastadoras.

Lo mejor que pueden hacer es ver Lamb lo más libre de spoilers posible. Aunque el trailer tiene una premisa absurda y a la vez provocadora, es mejor entrar completamente desprotegido a este último thriller folklórico de A24, que seguramente se convertirá en un clásico de culto. Definitivamente hay un estudio de personajes solitarios y afligidos, pero por lo que la película inevitablemente será recordada es por su extraño personaje central, a pesar de que ese personaje nunca pronuncia una sola palabra. Una niebla persistente y el ruido de los pasos de un enorme hombre hacen que Lamb se convierta en otro horror atmosférico y temperamental de la gente de A24, que ha hecho de estas películas una parte exitosa de su catálogo.

Noomi Rapace e Hilmir Snær Guðnason interpretan a Maria e Ingvar, un matrimonio noruego aislado que trabaja en su granja en silenciosa desesperación. Cuidan la tierra y alimentan a los animales, en su mayoría ovejas, a los que se une su leal perro, Dog. No hay mucha conversación que vaya más allá de su trabajo, pero se siente un gran pesar cuando se menciona un artículo de periódico sobre la existencia de los viajes en el tiempo. Habla de la posibilidad de ir al futuro. Sugiere que volver al pasado también debe ser posible. La pregunta de "Volverías y cambiarías algo si pudieras?" cuelga en el aire. Cuando una de sus ovejas da a luz a un cordero que no es como los demás, María e Ingvar ven esto como una señal. Ellos acogen al bebé y lo cuidan como si fuera suyo, ayudándoles a superar el dolor de una tragedia pasada como si tan solo fuera tan simple.

A pesar del milagroso y solemne estado de ánimo de los personajes y de las siniestras noticias, se sentirán tentados a reírse a la primera vista del cordero. Y cada vez que lo vean, ya que el director Valdimar Johannsson lo mantiene escondido al principio, se les recordará lo absurdo que es todo esto a pesar del tono serio. Y está claro que Johannsson está explorando lugares a los que llegarán aquellos angustiados para encontrar la felicidad presentándola en lo que es esencialmente una fábula realmente oscura. Es algo convincente, principalmente por lo acostumbrado que se encontrarán con la llegada del cordero, al mismo tiempo que las personas dentro de la película comienzan a verlo como uno de los suyos.

Las cosas cambian drásticamente con la llegada del hermano de Ingvar, Pétur (interpretado por Björn Hlynur Haraldsson), casi como un intento deliberado de subvertir aún más nuestras expectativas. Viene básicamente como un sustituto de la audiencia después de que comenzamos a ver al cordero como normal, solo para traer un "Qué diablos es esto?" que nos devuelve a la realidad. Su personaje trae un humor retorcido, pero también nos hace un recordatorio de que esto no va a terminar bien para nadie. Johannsson también reintroduce una sombría noticia que casi habíamos olvidado gracias al amparo de la encantadora rareza provocada por la presencia del cordero. Cuando la película toma su giro inevitablemente oscuro, se sorprenderán con la eficacia con la que te hicieron pensar que este extraño oasis de felicidad podría durar. Todo se acerca sigilosamente, como un lobo vestido con piel de oveja.

En general, esto no se parece a nada que se haya visto este año. Es tranquila y silenciosa, con una cinematografía impresionante y actuaciones excepcionales. El único truco... cuenta con un cordero/niño, una idea a la que no todos pueden estar de acuerdo. Pero, para mí, estaba más que emocionado de emprender en este viaje surrealista. Al final, Lamb es un tipo especial de película que no atraerá a todo el mundo, pero encontrará el lugar que le corresponde entre los fanáticos del terror surrealista. Visualmente, es una hermosa obra de arte con impresionantes paisajes de los campos irlandeses. Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason ofrecen actuaciones dignas de las que será difícil deshacerse, especialmente hacia el final de la película. Muchos pueden perderse o aburrirse con el ritmo lento de la película, pero si se mantienen firmes, serán recompensados al final. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Rocky IV: Rocky Vs. Drago - The Ultimate Director's Cut

Después de lograr un gran éxito como boxeador profesional, Rocky Balboa (Sylvester Stallone) está tratando de vivir una vida pacífica con su familia, incluida su esposa Adrian (Talia Shire) y su cuñado, Paulie (Burt Young). Pero el ex campeón Apollo Creed (Carl Weathers) no está tan ansioso por establecerse a esa vida pacífica, tomando la llegada de Ivan Drago (Dolph Lungren), un enorme boxeador de la Unión Soviética, de manera personal, desafiando a la máquina de guerra a una pelea de exhibición, jugando con el ángulo de Este contra Oeste. En lugar de restaurar su carrera, Apollo muere a manos de Drago durante su combate, lo que inspira a Rocky a regresar al ring para defender el honor de su difunto amigo. Viajando a Rusia para la gran pelea, Rocky enfrenta relaciones rotas y su honor, arriesgando su vida para enfrentarse a Drago, quien representa el puro poder ruso.

Sin lugar a dudas, la película más taquillera de la serie Rocky es Rocky IV de 1985. Fue el intento del escritor/director/actor Sylvester Stallone de convertir al Italian Stallion en un superhéroe de la Guerra Fría, enfrentando al boxeador estadounidense contra un oponente aparentemente indestructible de la Unión Soviética. Stallone tuvo una sincronización increíble de su lado con esta película, ya que el público estaba ansioso por odiar a un villano ruso, y se inspiró en la evolución del cine al estilo MTV, llenando el largometraje con montajes mientras simplificaba su historia a un juego básico de venganza. Y funcionó, con muchos fanáticos de Rocky enumerando la tercera secuela como la mejor de todas las películas, apreciando un viaje elegante de emociones amplias, canciones de rock y pop, y escenas de boxeo atractivas y brutales. Después de 35 años, Rocky IV ha regresado, con Stallone jugando con la película para crear una versión más madura del material original, reelaborando el potencial dramático de la película para ayudar a conectarla con las historias más personales que se encuentran en las entregas anteriores.

Rocky IV: Rocky Vs. Drago no es una reelaboración radical de la película original. Stallone no hace nada loco con esta nueva versión, como revivir a Apollo. Está más interesado en construir una conexión más fuerte con Rocky III, tratando la historia como la segunda mitad de esa película de 1982, incluida una escena inicial de momentos de Rocky III que ocupa los primeros siete minutos de tiempo de la película. La idea es reforzar el habitual sentido de duda de Rocky y fortalecer su relación con Apollo, martillando el tema del "eye of the tiger" de una manera dramática y musical, con la omnipresente (incluso en el 2021) canción de Survivor al final de Rocky IV: Rocky Vs. Drago. Es una idea interesante, incluso si toma una gran cantidad de tiempo. Stallone anda en una búsqueda para raspar la capa de la Rocky IV original, la cual incluye más tiempo con las esposas de los boxeadores, con Adrian y Mary Anne (interpretada por Sylvia Meals) brindando una mayor presencia en la película, y manteniendo asuntos domésticos importantes. Sin embargo, fuera de una sola escena, el hijo de Rocky, Robert, es básicamente eliminado de toda la película.

Brigitte Nielsen como Ludmilla también se ve afectada con una parte drásticamente reducida. La esposa franca de Drago es extrañamente silenciada por completo. Stallone mantiene casi todo el enfoque en el otro manejador de Drago, Koloff (interpretado por Michael Pataki), lo que ayuda a despejar algunas de las escenas de las conferencias de prensa y refuerza la exageración rusa en torno a la llegada del boxeador a Estados Unidos. Rocky IV: Rocky Vs. Drago está llena de cambios menores, incluida una alteración de su aspecto/formato original (la original es 1.85:1, ahora es de 2.35:1), el uso de ángulos y tomas alternas y hay cambios de color para algunas secuencias. Además, las peleas de Apollo/Drago y Rocky/Drago son un poco más largas con escenas adicionales, y se eliminan algunas escenas, diálogos y música originales. Stallone quiere crear una Rocky IV más significativa, y lo logra hasta cierto punto, lo que le da a la película una sensación adulta, ya que recorta la pequeña comedia que había en la película de 1985, incluida una subtrama que presenta el creciente amor de Paulie por su regalo de cumpleaños: un robot llamado Sico.

La película también tiene múltiples montajes y efectos visuales de entrenamiento extendidos, con el núcleo de Rocky IV intacto en su mayor parte. Stallone le da más corazón a la película, subrayando la necesidad de redención de Apollo, los temores de Adrian por su esposo y la manipulación general de Drago, ofreciendo una visión humanizada de la máquina rusa. La crisis de Rocky también se desarrolla de una manera más real, ya que enfrenta el rechazo de la comisión de boxeo antes de aceptar la pelea con Drago, y presenta a un Italian Stallion torturado que lucha por el amigo que perdió. La película no es reveladora, pero ofrece una nueva visión. Este experimento de reedición nos da como resultado una Rocky IV completamente diferente, con una mirada más íntima a la actividad rusa y un sentido renovado de los lazos familiares.

En general, la película es una experiencia significativamente diferente. No es una película diferente, exactamente, pero su estado de ánimo ha cambiado enormemente. Para ser honesto, esta nueva versión definitivamente la hace una mejor película. Todavía no es perfecta, pero se siente más seria y más honesta. Restaura muchos momentos de los personajes e incluso humaniza al gigantesco boxeador ruso Ivan Drago, interpretado de manera memorable por Dolph Lundgren. Sobre todo, explica mejor por qué el boxeador retirado Apollo Creed está tan ansioso por subir al ring con Drago, una decisión que finalmente le costará la vida. Si estás leyendo esto y piensas "se parece mucho a la versión original", es porque lo es. Nuevamente, esta es la misma película, y sin embargo... no lo es. Al final, Rocky IV: Rocky Vs. Drago - The Ultimate Director's Cut es una gran película. Si eres fanático de la saga, no puedo recomendar ver esta versión lo suficiente. Si no lo saben, Stallone pasó su tiempo reeditando la película durante la cuarentena y el resultado es, en mi opinión, la mejor versión de esta película. El nuevo contenido agregado y también el contenido eliminado crea una versión diferente de la película que todos los fanáticos deben ver al menos una vez. Crecí viendo Rocky IV más de cien veces cuando era niño (siendo una de mis muchas películas favoritas de la infancia) y me encantó esta nueva versión. Así que háganse un favor y véanla. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Eternals

Hace miles de años, los Eternals llegaron a la Tierra, encargados por los Celestials de vigilar a la humanidad a medida que se desarrollaba, eliminando cualquier amenaza de sus enemigos, los Deviants. A medida que pasaron los siglos, la tutela fue mantenida por Ajak (Salma Hayek), la líder del grupo, junto con Thena (Angelia Jolie), Gilgamesh (Don Lee), Druig (Barry Keoghan), Makkari (Lauren Ridloff), Phastos (Brian Tyree Henry), Sprite (Lia McHugh), Kingo (Kumail Nanjiani), Ikaris (Richard Madden) y Sersi (Gemma Chan). Después de que el grupo libró al planeta de los Deviants, la mayoría toma caminos separados, infiltrándose en los caminos de la era moderna. Sersi vive en Londres y disfruta de una relación con Dane (Kit Harrington), solo para encontrar su paz destruida por el regreso de un Deviant. Al reunirse con Ikaris, Sersi comienza a darse cuenta de que algo importante está sucediendo a nivel celestial, y se propone reunir a los Eternals, que se ven obligados a resolver sus problemas interpersonales mientras la Tierra enfrenta una mayor amenaza de un enemigo desconocido.

A pesar de ser el monstruo indiscutible del panorama de Hollywood, el Universo Cinematográfico de Marvel ha sido criticado por sus películas de superhéroes homogéneos y genéricos. Eso ha cambiado un poco últimamente, pero no del todo. No importa cuál sea la historia, o cuán grande sea su alcance, como por ejemplo Avengers: Endgame (2019), está limitado por las necesidades del género. Ahora tenemos Eternals, que cuenta con el talento de la directora de Nomadland (2020) y ganadora del Oscar, Chloe Zhao, y posiblemente el conjunto más talentoso que Marvel haya reunido. Con una historia que abarca miles de años, emplea numerosos conceptos mitológicos e ideas filosóficas en medio de una guerra cósmica entre seres celestiales, esto es Marvel haciendo un cine audaz y ambicioso como nunca antes lo había intentado. Y, sin embargo, si me preguntan si a la mayoría de la gente le gustará Eternals, mi respuesta sería no.

Marvel ha presentado seres cósmicos antes, pero nunca de esta manera. Eternals comienza con la creación literal del universo por los gigantes Celestials. El Celestial conocido como Arishem crea los seres inmortales conocidos como los Eternals para proteger el planeta Tierra, prohibiéndoles interferir en cualquier cosa a menos que esté directamente conectado con los monstruosos Deviants. Eso explica por qué estuvieron ausentes mientras el planeta estaba amenazado por Thanos. Ajak, Ikaris, Sersi, Thena, Kingo, Phastos, Sprite, Druig, Makkari y Gilgamesh cumplieron esta función durante miles de años, pero se separaron cuando se creía que todos los Deviants habían sido derrotados. Pero cuando Sersi y Sprite, que llevan vidas humanas normales en Londres, son atacados por un Deviant más fuerte de lo que jamás hayan enfrentado, una reunión de los Eternals es obligatoria.

Eternals es esencialmente una gran reunión de superhéroes, como esos episodios de G.I. Joe donde la mejor parte era ver al equipo unirse y pelear. Por lo tanto, y como resultado, la película avanza a un ritmo bastante lento, y su millaje se basa según la cantidad de inversión que se realiza en la diversa gama de personajes y las diferentes vidas que llevan. Para Zhao y su equipo de co-escritores, cada Eternal es increíblemente interesante, tanto así que desearías que esta pudiera haber sido una serie de películas en la que se enfocara en cada uno de sus personajes. Sersi, quien compartió una relación de muchos años con Ikaris, ahora está saliendo con el humano Dane Whitman, lo que hace que surjan algunos sentimientos reprimidos. Phastos, un constructor, ha formado una familia con su pareja del mismo sexo y se muestra reacio a unirse a la lucha, especialmente dado que sus dotes tecnológicos han sido ignorados por el hombre durante siglos. Sprite, atrapada para siempre en una forma infantil, resiente a los demás por lo que no puede tener. Druig, que controla mentes, ha construido su propio culto personal. Kingo se ha convertido en la estrella de Bollywood más grande del mundo, y así sucesivamente. Luego está la propia diosa de la guerra, Thena, que ha visto tantos planetas destruidos que le ha fracturado la mente. Estos cuentos individuales añaden color y profundidad a Eternals, pero te dejan con ganas de más. Desafortunadamente, no hay suficiente tiempo para ello, incluso si la película hace un gran trabajo al hacer que cada personaje se sienta como una parte importante del todo. Todos tienen su papel que desempeñar.

Ese tipo de limitación con respecto a los personajes es algo con lo que se puede ver a Zhao luchando aquí. Se plantean cuestiones que apenas se exploran. Qué significa el amor para alguien que puede vivir para siempre? Qué pasa con las enfermedades mentales, como la que aflige a Thena? Cómo la culpa cambia a alguien que ha estado manipulando eventos durante años? La guerra todavía tiene algún significado? Hay paz? En una escena Phastos advierte a Druig que él "no es un dios", pero... no es así? O sea, vives para siempre y eres todopoderoso como todos ellos. No son todos dioses? La mayoría de ellos, tanto en los comics como en la película, se basan en las deidades legendarias griegas. Por ejemplo, el físicamente poderoso Gilgamesh es solo otro nombre tomado por el poderoso Hércules.

Sin embargo, las necesidades típicas de una película de Marvel se entrometen. Tiene que haber un gran villano malo y tiene que haber una épica pelea final (y qué hermosa pelea es). Zhao, quien capturó la asombrosa belleza natural en Nomadland, lleva su mirada cinematográfica al mundo de los superhéroes y nunca se ha visto mejor. No importa si los Eternals están en las arenas de Irak, en una cabaña en la jungla, o disparando rayos láser y creando armas mágicas en la batalla contra los Deviants, Eternals es simplemente impresionante y es la película de Marvel más atractiva hasta el momento. Lo que trae Zhao aquí es pura poesía para los ojos.

En general, lo que afecta a la película es su grandeza y alcance. Lo que separa a los personajes de Marvel de DC es que son mejores cuando más cerca están del suelo. Nos gustan porque son humanos y podemos vernos en ellos. Eso es imposible cuando se habla de súper seres inmortales que conversan regularmente con los creadores de todo el universo. Por más que intente la película para humanizarlos, al público le resultará difícil conectarse con ellos. Si bien finalmente cede a las demandas del MCU, la película se esfuerza por ser más que una película de superhéroes. Al final, Eternals es una película extraña, con mucho que explicar y explorar. La película se siente inerte a veces, luchando con repeticiones, ya que Zhao espera permanecer lo más íntimo posible sin dejar de ofrecer la fórmula Marvel que eventualmente conduce a un colosal clímax cargado de CGI. Sin duda, es una película muy bonita visualmente, pero la gran escala de lo que amenaza a la Tierra y la actividad de las superpotencias no saltan de la pantalla. Zhao tiene su visión de la producción, pero no es capaz de hacer que Eternals aterrice con la autoridad de los comics que se merece. Nota adicional: hay 2 escenas más durante los créditos. 

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Last Night In Soho

Eloise "Ellie" Turner (Thomasin McKenzie) ha sido aceptada en una escuela de moda en Londres, y está lista para dejar su pequeño pueblo, donde vive con su abuela Peggy (Rita Tushingham) y el recuerdo de su difunta madre, que sufría de intensos problemas mentales. Al llegar a la ciudad, Ellie se enfrenta a la intimidación de su compañera de clase Jocasta (Synnove Karlsen) y la amabilidad de John (Michael Ajao), al mismo tiempo que trabaja para adaptarse a su entorno alienígena. Al encontrar una habitación para alquilarle a la Sra. Collins (Diana Rigg), Ellie se refugia a través de la música, y transportada a un Londres de 1966, experimenta la vida de Sandie (Anya Taylor-Joy), una joven cantante desesperada por triunfar en la escena del club nocturno, encontrando a Jack (Matt Smith), un hombre que queda enamorado de inmediato por su belleza. Cuando Ellie regresa a la vida de Sandie por las noches, comienza a sentir que algo no está bien durante el día, perseguida por una presencia fantasmal de la que no puede deshacerse, amenazando su salud mental mientras comienza a comprender la verdadera experiencia de Sandie con Jack y sus formas controladoras.

Después de darle un giro cómico al género de terror con la película clásica de culto Shaun Of The Dead (2004), Edgar Wright se vuelve psicópata con el elegante homenaje al Londres de los años 60, Last Night In Soho. Siendo un poco cursi, al igual que la era británica que la película describe con tanto cariño y de manera siniestra, Wright usa la música con un tremendo efecto atmosférico y narrativo, tal como lo hizo con Baby Driver (2017). Es sorprendente cómo Wright continúa mejorando de un proyecto a otro, y con Last Night In Soho está en su mejor momento mientras intenta algo que nunca antes había hecho.

Aunque está ambientada en la época contemporánea, Last Night In Soho le debe mucho al período de la invasión británica de finales de la década de 1960. El estilo, la música, y la moda se funden con el presente a través de la perspectiva de Eloise Turner, obsesionada con el Londres de esa época. Le encantan los discos en vinilo, la ropa, y todo lo relacionado, gracias a su abuela Peggy. Eloise realmente no encaja y de vez en cuando ve el reflejo de su madre, que murió después de estar "abrumada" por lo que Londres tenía para ofrecer. Así que Peggy está justificadamente preocupada cuando Eloise se dirige a Londres para estudiar en una prestigiosa escuela de diseño de moda.

Al llegar, está claro que Eloise está fuera de su elemento. Rápidamente se hace enemiga de su intimidante compañera de cuarto que no comprende a esta chica nueva e ingenua y sus gustos anticuados. Entonces Eloise se muda a un apartamento administrado por la Sra. Collins, solo para descubrir que su habitación perteneció a Sandie, una aspirante a cantante de los años 60 que vivió el estilo de vida que siempre imaginó. Pronto, Eloise comienza a tener visiones de Sandie y a vivir la misma vida a través de sus ojos. No pasa mucho tiempo antes de que descubra que había algo siniestro acechando debajo de todo el glamour, especialmente para las mujeres jóvenes esperanzadas que estaban a merced de los hombres que controlaban su destino.

Los "swingin' 60's" han sido satirizados hasta más no poder en las comedias de Austin Powers, pero Wright presenta un aspecto deslumbrante lleno de grandes y llamativos escenarios y homenajes a la música, las películas, la ropa, los bailes, y las drogas. Lo que comienza como una carta de amor eventualmente se vuelve una pesadilla cuando Wright levanta el velo para exponer las duras realidades de alguien como Sandie. Su abuso a manos de muchos hombres, principalmente de su amante Jack, es capturado en las imágenes más espantosas que Wright ha llevado a la pantalla. No hay mucha sangre, pero las escenas más perturbadoras involucran a Sandie y las formas en las que los que están ansiosos por explotarla la consumen, absorbiendo la juventud de ella como vampiros. Su inocencia refleja la de Eloise mientras ambas buscan entrar en los círculos sociales más élite de Londres. Una broma sobre lo peligroso que puede ser Londres comienza divertido, pero finalmente se convierte en una advertencia muy sombría.

Esta es la primera película de Edgar Wright con una protagonista femenina y es un éxito total. No podría haber elegido mejores actrices. Thomasin McKenzie continúa con su racha de actuaciones ganadoras. Su Eloise es tan increíblemente ingenua y agradable que te duele ver como Londres mastica y destruye a esta tímida y callada chica. Anya Taylor-Joy, por otro lado, está en el extremo opuesto del espectro. Su Sandie es pura energía y la vida de la fiesta. Ella puede lucirse en una gran actuación a la vez que canta Downtown, seguida de una serie de escenas de baile cada vez más salvajes. La evolución de Sandie la hace perder esa chispa y volverse más retraída, lo que Taylor-Joy, a quien creo que a menudo se presenta como distante, describe con natural facilidad.

Para demostrar aún más su amor por la época, Wright llenó su elenco de reparto con varios íconos de los años 60 en papeles sustanciales. Diana Rigg, recordada para siempre como Emma Peel en la serie de televisión The Avengers y como Contessa Teresa Di Vincenzo en la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service (1969), junto con Rita Tushingham cuya película de 1965 The Knack ... And How To Get It fue emblemática del estilo swingin' de Londres, brillan en sus interpretaciones. También está Terence Stamp como un hombre misterioso que está conectado con Sandie de una manera que proporciona uno de los muchos giros y pistas falsas de la película. No son demasiado difíciles de ver venir, pero la ejecución, especialmente cuando se trata de los personajes de Terence Stamp y Thomasin McKenzie, es suficiente para mantener a uno como espectador en alerta.

En general, Edgar Wright deja a un lado sus habituales montajes de acción rápida característicos para una película más madura y de ritmo lento, lo que permite al espectador experimentar la historia y sus personajes. Si bien me encantó la película, es en el último acto donde la película falla un poco. Hasta el momento de la conclusión, Wright parece dirigirse en una dirección particular, pero cuando se revela el gran giro al final, se siente injustificado y no está a la altura de la emocionante primera mitad de la película. Casi parece una adición de último minuto, como si eligiera un final original que no le gustó y tuvo que cambiarlo como resultado. Si bien me sentí un poco decepcionado, no me quitó el disfrute general de la película. Al final, Last Night In Soho es una carta de amor macabra, audaz y en su mayoría exitosa al horror psicológico de los años 60 y al género giallo de Italia que, a pesar de cierta repetición, todavía se mantiene como una película elegante que se adhiere a los términos de su visión. Cuando crees que se ha quedado sin trucos, logra lanzar suficientes cosas al final para redimirse. Si les gustan los thrillers sobrenaturales con giros, esta película es para ustedes. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Spencer

Es diciembre de 1991 y la familia real se está reuniendo para una celebración navideña en el castillo Sandringham de la reina Isabel (Stella Gonet). Mientras Carlos (Jack Farthing) se prepara para interpretar el papel de un príncipe, su esposa, Diana (Kristen Stewart), ha perdido la energía para mantener las apariencias. Sofocada en su papel de la princesa de Gales, Diana anhela su libertad, incapaz de apartar los pensamientos inquietantes de su cabeza, y también atesora el tiempo con su confidente y vestidora personal, Maggie (Sally Hawkins). Luchando por participar en las tradiciones de las fiestas, Diana se aferra a la energía juvenil de sus hijos, William y Harry, pero las presiones de estar en el ojo público están demostrando ser desastrosas para su salud mental, dejándola destrozada durante un tiempo de observación extrema. Diana, que lucha contra la presión de los fotógrafos y las órdenes de la reina, amenaza con sucumbir a las exigencias de su papel, soñando con un día en el que pueda volver a sentirse ella misma.

Desde el comienzo, se presenta que este último trabajo del director chileno Pablo Larraín es un drama, y sabemos que no es ni remotamente un relato basado en hechos reales. Descrita como una "fábula basada en una verdadera tragedia", la película no cuenta en absoluto la esperada historia de la princesa. Contenida solo en un fin de semana de Navidad en 1991 en el castillo de la Reina, Diana lucha con su matrimonio (ahora básicamente una vergüenza) con el príncipe Carlos, sus deberes como madre para los niños William y Harry, los sofocantes confines que le impone la corona y los escándalos que la siguen por todas partes.

Spencer se desarrolla como el descenso de Diana a la locura, con Larraín creando un drama psicológico que no revela nada sobre la mujer, excepto que es un gran tema para anuncios de Chanel y videos musicales. Como hizo con Jackie (2016), el ojo cinematográfico de Larraín está más obsesionado con la actriz que con la persona retratada. Para ser justo, el casting de Kirsten Stewart es un golpe brillante que molestó a los que la odian y a los devotos de la Familia Real, pero también es perfecto para lo que se exhibe. Larraín elige una celebridad definitiva para interpretar a la celebridad real suprema. Ambas mujeres fueron el centro de atención al mismo tiempo que lo odiaban y trataban de evitarlo. Kirsten Stewart se desliza fácilmente en el papel, se sumerge de lleno en él y emerge con la mejor actuación de su carrera, y eso proviene de alguien que no ha sido fanático de ninguno de sus trabajos.

La película comienza con un convoy de camiones militares blindados que transportan cajas que uno pensaría que contienen armas de guerra. En cambio, resultan ser cajas de comida y ingredientes para una espléndida cena preparada por un chef que dirige su cocina como un batallón militar. La película señala estas preparaciones ridículamente como parte del problema que hace que Diana se sienta acorralada. Cada detalle de su vida está microgestionado, desde los atuendos que usa durante el día hasta si puede mantener las cortinas abiertas o no. Un espeluznante Timothy Spall acecha constantemente como vigilante del castillo, sugiriéndole en voz baja a Diana que mantenga las tradiciones para no avergonzar a la Reina, y luego se queja cuando no lo hace. No tiene control sobre nada, incluso si simplemente quiere visitar la casa de su infancia. Todo es imposible.

Así que no es de extrañar que tenga pocos amigos, incluyendo el chef antes mencionado y su vestidora, Maggie, que entra y sale de forma confusa en la película. El guión coloca a estas personas como un mecanismo para que Diana tenga a alguien con quien hablar que no sea el fantasma de Anne Boleyn o un espantapájaros parado donde solía estar la casa de su familia. La película se apoya mucho en lo que sabemos que vendrá seis años después, pero eso no es suficiente para transmitir un drama que se involucra en fantasía. Diana, crónicamente perdida, incluso en su propio vecindario, siempre está distanciada con respecto a los demás, brincando en las camas de las habitaciones vacías o llenándose la boca de comida a altas horas de la noche. En estos momentos es donde encuentra la felicidad, el poquito de libertad que anhela. Y Kirsten Stewart captura estos momentos maravillosamente, creando su propia versión de la mujer libre que Diana quería ser. La experiencia quizás ayudó a Stewart a interpretar a Diana, cuya vida debió sentirse como un campo de batalla constante.

En general, probablemente siendo un contendiente al Oscar, la película llega a una conclusión obvia, antes de desmoronarse por completo en un establecimiento de Kentucky Fried Chicken. Es un final apropiadamente repugnante para una película que solo tiene éxito en ir contra la corriente, tal como lo hizo Diana. Excepto que donde lo hizo dejó una marca indeleble y millones de seguidores que al día de hoy la adoran. Tristemente, Spencer será recordada como esa extraña película de la princesa Diana en la que Kristen Stewart fue realmente genial en su interpretación. Al final, Spencer no es una película biográfica de Diana, princesa de Gales. Es una película que ofrece más un perfil psicológico que un recorrido por los detalles exactos sobre su historia personal, ya que pretende ser más abstracta e ingeniosa, con el director Pablo Larrain alejándose intencionalmente de la frágil vida y estado de pánico de Diana. Larraín tiene como objetivo meterse en la cabeza de Diana y permanecer allí durante 1 hora y 50 minutos, lo cual es bueno para algunas imágenes impactantes, pero la película no es exactamente satisfactoria, ya que estrangula todo su potencial dramático. 

Puntuación: 2 alcapurrias.