Review: Black Panther: Wakanda Forever

El rey T'Challa (Chadwick Boseman) ha muerto, dejando a los ciudadanos de Wakanda para llorar la pérdida de su amado Black Panther. La madre de T'Challa, Ramonda (Angela Bassett), trata con el resto del mundo, mientras los líderes comienzan a acusar al país de acumular su suministro de vibranium, exigiendo que Wakanda comparta sus riquezas. La hermana de T'Challa, Shuri (Letitia Wright) está devastada por el fallecimiento de su hermano, tratando de entender una nueva realidad sin él. Los tiempos son sombríos para Wakanda y surge una nueva amenaza con la llegada de Namor (Tenoch Huerta), el líder mutante del reino submarino de Talokan, que también es rico en vibranio. Cuando la joven estudiante Riri (Dominique Thorne) crea un dispositivo capaz de detectar el mineral metálico, Namor se alarma y prepara un plan para atacar al resto del mundo con su ejército oceánico. Shuri espera una resolución más diplomática, buscando comprender a Namor y trabajar con él, solo para enfrentarse a su ira hacia los "colonizadores" que una vez intentaron esclavizar y destruir a su pueblo.

El Universo Cinematográfico de Marvel se ha vuelto difícil de manejar en su expansión. Este enésimo capítulo (pero primera secuela oficial para el personaje de Black Panther) intenta llevar las cosas a un entorno más íntimo y directo (a pesar de una escena inicial de discordia política cuando las naciones discuten sobre el elemento vibranium propenso a los terroristas), centrada principalmente alrededor de Wakanda, pero no puede permanecerse establecida en los realismos limitados de ese territorio específico. Dado que varios líderes mundiales exigen acceso a los recursos de Wakanda, es difícil no preguntarse por qué Captain Marvel o alguna otra entidad interestelar no pueden simplemente entregar un antivibranio o un material equivalente para equilibrar la situación. Las situaciones fuera de este mundo requieren interferencias fuera de este mundo.

A diferencia de muchas de las entregas anteriores de Marvel, esta no involucra directamente a otros superhéroes conocidos, pero eso no impide que hagan referencias a sus capacidades (aparentemente, ahora cualquiera puede construir su propia armadura de Iron Man) o aceptar los innumerables problemas de poderes sobrehumanos. Tan pronto como un personaje pueda comportarse de una manera extraordinaria y sin sentido, nadie está a salvo. Y aunque el nuevo villano hace lo que hacen los típicos villanos de James Bond, al explicar cómo llegó a ser y qué planea hacer antes de manifestar terror, es otra creación en gran medida indefinida. Es invencible? Se puede debilitar? Es posible que esté mintiendo?

Todos estos escenarios inventados convenientemente, cada uno con una solución oportuna presentada poco después de que se revela una situación difícil, se desarrollan de la misma manera que la escena inicial, en la que se espera que se anuncie que el rey está muerto. Esta es una historia forzada a escribirse en torno a la partida repentina e imprevista de la estrella principal, completa con giros de trama poco convincentes diseñados para deshacer la individualidad del Black Panther original. Curiosamente, esta secuela confirma que los superhéroes son fácilmente reemplazables y que los superpoderes se duplican con facilidad cuando un escritor determina tal necesidad. De hecho, cada conflicto se siente tirado al azar, comparablemente como un práctico montaje. Incluso las decisiones morales no se basan en hacer lo moralmente correcto, sino simplemente en tener la ventaja. Aquí, el poder dicta la superioridad total, tal vez reflejando a toda la humanidad en la vida real. Es sospechosamente oportuno que los protagonistas tienden a ser los que determinan quién tiene más fuerza al final.

Una vez más, los paisajes, el vestuario, las joyas, y las armas son los aspectos visualmente más interesantes mientras se establece una cultura fascinante de manera impresionante. Pero cada vez que un personaje vuela, posa en cámara lenta o se enfrenta con un atletismo aumentado por el CGI, las escenas se vuelven tontas. Para ser honesto, algunas de las secuencias de guerra parecen tomas que seguramente surgirán en la próxima secuela de Avatar. Sin embargo, aquí hay un choque severo entre la ciencia y la religión y las leyendas y fábulas, donde las personas utilizan tecnología excepcional para lograr lo impensable, antes de retirarse a espacios tranquilos para participar en rituales primitivos, tradiciones antiguas, y abrazar el espiritismo. Es extraño pensar que simples humanos que presencian invasiones extraterrestres, así como la defensa de tales incursiones por innovaciones tecnológicas extremas, todavía se aferrarían firmemente a la mitología. La ciencia posiblemente explica a Hulk, pero ninguna cantidad de ciencia puede articular el chasquido cataclísmico de Thanos.

La atención a la tecnología es a la vez divertida (salvo por el completo desprecio por los problemas de presión en las profundidades del agua y la cuestionable necesidad de tantas cámaras subacuáticas llenas de oxígeno) y agravante, considerando que se usa tan a menudo como una excusa para lidiar con dilemas. El patrón de identificar un dilema y luego generar una respuesta de alta tecnología se vuelve enloquecedoramente insustancial, especialmente en el transcurso de 2 horas y 41 minutos. Reflejando prácticamente todas las demás películas de superhéroes, esto hace que la premisa sea insignificante. Esto es aún más irritante en los momentos finales, ya que en realidad no se ha resuelto nada. La posibilidad de que el mismo antagonista repita exactamente la misma conquista permanece. Una o dos escenas de emociones humanas creíbles ayudan a generar una gravedad fugaz, pero los factores de los superhéroes siempre hacen todo lo posible por invalidarlos.

En general, esta es una película débil, demasiado larga, aburrida y de ritmo lento. No es una mala película, es más una película promedio súper mediocre que va súper lenta y no sucede nada realmente emocionante. Mayormente se siente vacía. Aún así, la película tiene sus momentos y actuaciones. La primera película de Black Panther fue una celebración, esta es un duelo, y muchas cosas son menos. La música es satisfactoria, las escenas de lucha no son tan buenas y las escenas en general tampoco son tan buenas. Durante 2 horas y 41 minutos... no estaba emocionado por nada. Al final, Black Panther: Wakanda Forever es una película súper defectuosa que se siente vacía, se siente larga y aburrida en su mayor parte. Tiene sus momentos y sus pros y contras. No es mala, pero definitivamente es una decepción. Nota adicional: hay una escena extra entre los créditos.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Weird: The Al Yankovic Story

Cuando era un niño, Alfred Yankovic (Daniel Radcliffe) era fanático del Doctor Demento (Rainn Wilson), y soñaba con un futuro en el que pudiera escribir canciones especiales que parodian los éxitos del momento. Sus padres desaprobaron tal ambición, y su padre Nick (Toby Huss) preparó a su hijo para una vida de trabajo en una fábrica. Adquiriendo un acordeón y escapando a Los Angeles, Al espera desarrollar sus increíbles habilidades como músico, solo buscando la inspiración adecuada. Viene en forma de bologna, iniciando el ascenso de Al, logrando éxito tras éxito, llenando su cuenta bancaria e inflando su ego. Acercándose a la superestrella está Madonna (Evan Rachel Wood), quien busca una colaboración, comienza un romance pasional, y confunde la mente de Al mientras él se esfuerza por crear un éxito original capaz de convertirlo en un artista respetado.

Lo bueno de "Weird" Al Yankovic es que existe como una especie de parodia andante. Su mega éxito en los años 80's y 90's lo vio emerger como un nerd del acordeón que hizo canciones inspiradas en éxitos reales del rock y el pop. No tuvo el tipo de carrera de ascenso y caída que alimenta tantas películas biográficas musicales, por lo que, en cierto modo, tiene sentido que una película sobre su vida sea una parodia completa del género. Y aunque definitivamente es una mirada ridícula a la industria en la misma línea de Walk Hard: The Dewey Cox Story (2007), a veces deseas ver un poco de sustancia en la historia de Yankovic.

Aquí no hay nada que realmente informe el improbable ascenso de "Weird" Al Yankovic, o su capacidad para parodiar a cualquiera y cualquier cosa sin repercusiones. Eso si, hubiera sido agradable verlo todo en el mismo humor del nivel de UHF (1989). Dirigida y coescrita por el veterano de la comedia Eric Appel, con Yankovic también en el guión, Weird es mejor cuando se burla de las biografías de rock. Con películas como Bohemian Rhapsody (2018), Elvis (2022) y otras que continúan sacando a relucir una fórmula muy usada, está claro que están listas para ser parodiadas.

El joven Alfred Yankovic crece en California bajo el cuidado de su tranquila madre y un padre estricto que trabaja en una fábrica y espera lo mismo para su hijo. No importa que nadie sepa lo que realmente produce la fábrica y que los trabajadores sigan muriendo allí. Es la madre de Al quien le consigue su primer acordeón, sintiéndose culpable cuando el vendedor recibe una fuerte paliza por parte del padre de Al por tratar de venderlo. Por supuesto, el padre de Al está en contra de sus sueños de convertirse en un músico que hace pequeñas canciones que reemplazan las palabras originales, y es este desánimo lo que alimenta su ambición de ser grande. Más tarde, Al usa la hora del almuerzo con sus amigos para tropezar con su primer éxito literal de la noche a la mañana, My Bologna. Todo en esta película sucede a un ritmo muy rápido. En cuestión de horas, asiste a una fiesta estelar con abundantes apariciones de celebridades de los 80's: Jack Black es Wolfman Jack, Conan O'Brien es Andy Warhol, Paul F. Thompkins es Gallagher, Akiva Schaffer es Alice Cooper, Jorma Taccone es Pee-Wee Herman y Rainn Wilson es el Doctor Demento, quien se convierte en el mentor de Al.

Lo divertido de Weird: The Al Yankovic Story es que crea esta realidad alterna donde la forma de entretenimiento elegida por Al es subversiva, peligrosa y ultra popular por sí sola. Al principio, lo vemos ser llevado a una fiesta secreta de polka llena de adolescentes nerviosos que hacen el baile del pollo. Más tarde, la exitosa canción "original" de Al, Eat It, se convierte en una inspiración para Beat It de Michael Jackson, y Al se ve obligado a confrontar lo que se siente cuando las situaciones se invierten. También entra en una relación tóxica a lo Yoko Ono con Madonna, quien tiene su propia agenda y pone a Al en un camino de alcoholismo y arrogancia, transformándolo en una figura al estilo de Jim Morrison. Si bien la actuación de Evan Rachel Wood mueve las cosas justo cuando crecen las parodias constantes, no es lo suficiente para sacudir la película de un giro descendente. Para cuando Al se ve envuelto en un peligroso plan de secuestro con un devoto fanático en el infame capo de la droga Pablo Escobar, las ruedas de esta fiesta se han descarrilado por completo. Pero eso es bastante tarde en la película.

En general, la película dura 1 hora y 47 minutos, y uno puede sentir que la segunda mitad lucha por mantener la energía inicial de la película, con algunas ideas y tramas secundarias que necesitaban un poco de revisión. Aún así, las risas son relativamente consistentes, y Daniel Radcliffe da todo por el papel, tratando de ser el "Weird" Al Yankovic más animado posible, sin rechazar nunca la oportunidad de abrazar el exceso y la amplificación de esta versión de Al. Por supuesto, todo son tonterías, pero la película ofrece algo de locura inspirada y responde a una pregunta que ha plagado a la cultura pop durante los últimos 40 años: qué vino primero, Eat It or Beat It? La respuesta puede sorprenderte. Al final, Weird: The Al Yankovic Story siempre se siente verdadera de alguna manera para el hombre mismo. Cuando no había espacio para su forma de música, "Weird" Al Yankovic creó una y nunca miró hacia atrás. Qué más se puede esperar de una película sobre su carrera que una que refleja lo surrealista que ha sido ese viaje. Esta es la película perfecta para los fanáticos de Yankovic, pero por lo demás ofrece uno de los vistazos más entretenidos y graciosos de este año.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Black Adam

En el país del Medio Oriente de Kahndaq, el sindicato del crimen Intergang ha reclamado la tierra, poniendo a los ciudadanos bajo control. El joven Amon (Bodhi Sabongui) se enfrenta a los invasores, mientras que su madre, Adrianna (Sarah Shahi), es una arqueóloga en busca de la Corona de Sabbac, un dispositivo mágico capaz de otorgar un poder tremendo a quien lo lleva. Mientras descubre la corona, Adrianna también descubre una tumba antigua, y cuando se ve amenazada por la violencia de Intergang, logra liberar a Teth-Adam (Dwayne Johnson) de la esclavitud, pronto quedándose con un ser poderoso recién expuesto a un mundo diferente. Al regresar a Kahndaq, Amon intenta alentar a Teth-Adam a convertirse en un héroe para la gente, con la asombrosa fuerza del hombre misterioso y la magia de Shazam que derrota fácilmente a los agresores. Investigando esta extraña llegada está la Sociedad de la Justicia, con el Doctor Fate (Pierce Brosnan), Hawkman (Aldis Hodge), Cyclone (Quintessa Swindell) y Atom Smasher (Noah Centineo) encargados de decidir cuán peligroso es realmente Teth-Adam.

Black Adam no es solo otra película de superhéroes para Dwayne Johnson. Ha sido un proyecto de pasión durante más de una década, comenzando cuando se unió para ser parte de una película de Shazam. El poder de Johnson detrás de escena ha crecido a niveles de superhéroe en ese tiempo, y lo ha usado para crear una película construida solo para él y a su propia imagen. Muchos músculos, muchos golpes, y mucho Johnson luciendo como el tipo más poderoso e intimidante de todo el DCEU. Esta es, por mucho, la película más oscura de DC Comics hasta el momento, y también es una de las más entretenidas con Johnson haciendo un esfuerzo adicional para contar una historia que podría expandirse fácilmente a una franquicia o posiblemente unirse a otras películas del universo DC.

En beneficio de la película, la acción tiene lugar casi en su totalidad en Kahndaq, un país ficticio del Medio Oriente. Un largo preludio nos dice que su gente es la primera en autogobernarse, sin embargo, en gran medida están esclavizados por un gobernante que los obliga a desenterrar un mineral raro llamado Eternium. Lo necesita para forjar una poderosa corona infundida con el poder de los demonios. Pero Teth-Adam se niega a ser un esclavo y contraataca con los poderes que le otorgaron los dioses.

La batalla termina con Teth-Adam enterrado en una tumba de escombros, solo para ser rescatado miles de años en el presente Kahndaq. La gente todavía está esclavizada, solo que ahora por los terroristas conocidos como Intergang, y Adrianna busca la corona perdida hace mucho tiempo para salvar a su gente. Ella libera a Teth-Adam de su tumba, lo que indica a los superhéroes conocidos como la Sociedad de la Justicia que lleguen y luchen contra el dios todopoderoso que no tiene reparos en matar a cualquiera que se interponga en su camino. Y es algo que Teth-Adam hace. Si bien no tiene como objetivo a ningún inocente, e incluso salva a uno sin pensarlo dos veces, su forma asesina hacia los demás lo pone en desacuerdo con la Sociedad de la Justicia, en particular con su líder, Hawkman, quien lo ve como un villano más. El místico Doctor Fate, Atom Smasher y Cyclone son un poco más abiertos de mente.

Lo que sigue es la disputa obligatoria de malentendidos de héroe contra héroe. Pero al menos para mí, Black Adam realmente no despega hasta que llega la JSA y los héroes comienzan a lanzar sus superpoderes. Y para ser honesto, la versión de Carter Hall/Hawkman de Aldis Hodge es increíble. Su papel en la película fue mucho más grande y fundamental de lo que hubiera pensado. Hay una batalla filosófica en juego tanto como física. Sin entrar demasiado en detalles, la película hace un buen trabajo al establecer la actitud de Teth-Adam hacia el heroísmo. Pero aún mejor es el sentimiento de la gente de Kahndaq hacia los forasteros como el JSA que se abalanza y causa tanta destrucción después de ignorar los problemas allí durante años. Es algo pequeño, pero al menos se ha pensado en cómo se sentiría la población de un país extranjero si un grupo de estadounidenses con superpoderes interfirieran.

En realidad, es un poco sorprendente que el JSA reciba tanta atención porque le quita un poco a Teth-Adam. Me sorprende que Johnson permitiera eso. Tal como está, la historia de Black Adam es un giro oscuro al viaje que hizo Clark Kent en Man Of Steel (2013). También está en el camino de aprender a ser su propio tipo de héroe, asimilando las lecciones muy duras que aprendió cuando era joven para descubrir qué debe dejar atrás. Teth-Adam masacra a docenas de personas y causa una inmensa cantidad de caos, lo que podría convertirlo en un protagonista difícil de seguir. Y aunque la personalidad natural de Johnson se atenúa para interpretar al sombrío y lacónico Black Adam, su carisma es tan fuerte como siempre. Johnson prometió que la "jerarquía de poder" estaba a punto de cambiar en el DCEU, y Black Adam te convence de que no estaba mintiendo.

Una gran parte de la película opera dentro de un interesante espacio moral gris mientras lucha con las preguntas: es Adam el héroe anhelado por la gente de Kahndaq, o es un villano peligroso que necesita ser detenido? Son preguntas que dan forma a las mismas batallas entre el JSA y Adam, así como a su inevitable unión más adelante, una vez que surge una amenaza más siniestra. La película no ofrece respuestas fáciles. La voluntad de Adam de matar brutalmente a sus enemigos claramente plantea un problema para el JSA, que es mucho más estricto. Pero, dónde estaba el JSA y los otros héroes de la tierra durante los siglos de opresión de Kahndaq? Esto abre algunos de los temas más profundos de la película. Y las cosas solo se complican más a medida que salen a la luz detalles del pasado de Adam.

En general, Johnson trajo al director Jaume Collet-Serra, quien hace un buen trabajo siguiendo la fórmula predeterminada del DCEU para las escenas de acción. Los efectos visuales se ven geniales, pero mentiría si dijera que son particularmente especiales. Lo mejor está en los detalles. La forma en que la pantalla se vuelve colorida con cada una de las entradas de Cyclone, el aura cristalizada del Doctor Fate, el brillo del traje Nth Metal de Hawkman y el resplandor de la insignia del rayo de Black Adam. Al final, Black Adam es otro paso fuerte en la dirección correcta para el DCEU. Dicho esto, existen conexiones con el universo más amplio que plantean algunas preguntas intrigantes y posibilidades para el futuro. Eventualmente veremos a Black Adam formando equipo con miembros de la Liga de la Justicia? Si Johnson tiene algo que decir al respecto, y sabemos que lo hará, Black Adam es solo el comienzo de muchos enfrentamientos con superhéroes increíbles por venir. Nota adicional: hay una escena extra entre los créditos. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Fire Within: Requiem For Katia And Maurice Krafft

Sus imágenes le dieron la vuelta al mundo, pero sus nombres no son únicamente sinónimo de la celebración de la belleza cruda y peligrosa de las erupciones volcánicas y de concientizar sobre la población civil afectada. Su legado es también el de una pareja científica consumida por lo que amaban. Mientras observaban la erupción del Monte Unzen en Kyushu, Japón, los vulcanólogos franceses Katia y Maurice Krafft perecieron el 3 de junio de 1991 cuando un flujo piroclástico (una nube de gases y partículas sobrecalentadas) descendió a más de 100mph desde la cima del volcán, consumiendo todo en su camino. Los Krafft dejaron un archivo de más de 200 horas de metraje, sin precedentes en su espectacular e hipnótica belleza. El director Werner Herzog, que tuvo acceso a todo el archivo, ha creado una película que no se puede categorizar. No es una biografía. Es más bien un réquiem que celebra el legado de Katia y Maurice Krafft.

Desde el comienzo de este excelente documental, Werner Herzog deja claro que esta no es una biografía de los dos vulcanólogos. Es un recuerdo de lo que hicieron y cuán impactante fue su trabajo. Es muy probable que nunca hayan oído hablar de Maurice y Katia Krafft, pero existe una gran posibilidad de que en algún momento de sus vidas hayan visto sus fotos y películas de actividad volcánica y todo lo que conlleva desde la década de 1970. Su trabajo es de una magnitud tan hermosa que no puedes evitar mirar lo que pudieron filmar.

Hay un montaje de tomas alrededor de una hora en el documental que es solo lava fluyendo y suena con música clásica. Es tan impresionante que estás casi atónito por lo que ves. La majestuosidad de la lava aparentemente nunca termina. No es hasta que vemos a Katia parada frente al flujo de lava que realmente comprendemos cuán grande es. Ella es una pequeña parte insignificante del marco, tratando de pararse lo más cerca posible cuando el calor la ataca. El poderoso flujo de lava se impulsa a sí mismo, sin saber ni preocuparse por el hecho de que está siendo documentado. Y eso no es lo único que se presenta en The Fire Within, te sientes igualmente paralizado por todo lo que ves, este es ese tipo de documental.

The Fire Within es un documental que podrías mostrar a personas de cualquier edad y quedarían asombrados. Ese es el calibre de la edición y el trabajo realizado aquí. Herzog habla raramente, permitiendo que las imágenes y los sonidos hablen. Simplemente agrega cosas aquí y allá a lo que estamos pensando o a lo que él estaba pensando. En un momento, menciona que le encantaría haber estado con los Krafft mientras filmaban una de sus expediciones por lo difícil que parecía. Tal vez no disfrutaríamos de una excursión así, pero si pudiéramos ver lo que vieron los Krafft, perdonaría ese poco de incomodidad. Herzog sin duda ha creado aquí algo maravilloso e impresionante.

En general, Werner Herzog hizo este documental como una celebración y exhibición del trabajo de una pareja francesa famosa por su fotografía pionera de volcanes, un oficio peligroso que finalmente les costó la vida. Vemos extractos de su (todavía impresionante) trabajo junto con un pequeño metraje casual de los propios cineastas, mientras que Herzog nos brinda un comentario tranquilo más desde la perspectiva de un fanático que de la de un experto. Si hay una dimensión trágica, Herzog no se detiene a pensar en ella. Puede sonar aburrido, pero las impresionantes imágenes te mantienen conectado y despiertan la admiración por aquellos que se atrevieron a filmarlas. Al final, The Fire Within: Requiem For Katia And Maurice Krafft es un triunfo absoluto que te sumerge en las maravillas de nuestro planeta, como los Krafft hubieran querido que viéramos a partir de su trabajo. Es en ese lugar donde se convierte en el elogio perfecto para dos científicos audaces. 

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Halloween Ends

En el 2019, Corey (Rohan Campbell) es un joven que debe cuidar a un niño malcriado en la noche de Halloween. La experiencia resulta frustrante, con el niño encerrando a Corey en una habitación, obligando al guardián a patear la puerta, sin darse cuenta de que el niño está justo detrás, viéndolo caer y morir. En el 2022, Laurie (Jamie Lee Curtis) está procesando sus experiencias con el asesino Michael Myers escribiendo un libro, con la esperanza de lograr un cierre emocional mientras reconstruye su vida con su nieta Allyson (Andi Matichak), quien lucha contra los sentimientos de soledad. Al presenciar el trato cruel de Corey por parte del pueblo de Haddonfield, Laurie espera jugar a hacer de cupido, presentandole a Allyson, llevándose bien al instante. Su relación se ve desafiada por las presiones del pueblo, y cuando Corey es golpeado, se pone en contacto con Michael Myers, quien ha estado viviendo en las alcantarillas, permaneciendo fuera de vista durante años.

La película Halloween del 2018 estaba destinada a ser la resurrección que los fanáticos estaban esperando, trayendo a Jamie Lee Curtis de regreso (una vez más) para luchar contra Michael Myers, brindando una especie de claridad y creando un nuevo camino hacia la finalidad de la franquicia, prometiendo un viaje más limpio a una última resolución para Laurie Strode. La primera película ofreció una trama desigual pero innegablemente efectiva para una batalla final, pero Halloween Kills del 2021 (afectada por problemas creativos) interrumpió toda la misión. En lugar de crear satisfacción, Kills no sumó mucho, y ahora se intenta algo diferente para cerrar la trilogía, eliminando a Michael Myers de gran parte de Halloween Ends, eligiendo dar a los fanáticos leales más una conclusión temática basada en personajes que una visceral. Es una elección audaz, especialmente con todas las expectativas en juego, pero tiene la intención de hacer lo suyo, eligiendo el peor momento para hacerlo.

Para ser perfectamente claro, Michael Myers está en Ends. Esto no es otra Halloween III (que sería un desarrollo bienvenido), pero hay un esfuerzo notable del guión para minimizar la presencia de The Shape en la película, que se trata principalmente de Corey y su incapacidad para procesar un trauma. Corey ha tenido una vida difícil, soportando un horrible accidente en el 2019 que cambió su vida, convirtiéndolo de un niño brillante en otro monstruo de Haddonfield, reducido a vivir lo más tranquilo posible mientras desarrolla graves problemas maternos en el proceso. Laurie finalmente encuentra su camino en la película, representada como una cautelosa veterana del dolor que intenta superar las pesadillas, recurriendo a la escritura para ayudar a procesar todo lo que le ha sucedido. Ha perdido mucho, y tiene la esperanza de aferrarse a Allyson un poco más, con el proceso de curación como un punto importante de la trama, ya que encuentra a Laurie más proactiva en lo que respecta al equilibrio emocional.

Michael Myers no aparece hasta los 40 minutos, y rara vez se le ve durante el resto de la película, haciendo apariciones ocasionales en la historia de Corey, que encuentra al personaje condenado al destierro encontrando el amor instantáneo con Allyson, a pesar de todo lo que les sucedió a ambos. No hay tiempo para construir una relación orgánicamente, por lo que la película acelera todo para posicionar a ambos como una pareja controvertida, especialmente cuando Corey comienza a exhibir un comportamiento agresivo que Laurie reconoce. Ends solo regresa a la fórmula de Halloween en el último acto, con Michael Myers desempeñando una función diferente en la historia, pero consigue algo de tiempo para matar, eligiendo a aquellos que han agraviado a la pareja en escenas de matanza aburridas, incluida la antagónica de un DJ de radio que celebra los peligros de Haddonfield. Es una secuencia terrible, y hay algunas más por venir, ya que se ve obligada a seguir la fórmula slasher cuando todo lo que quiere hacer es crear una película independiente sobre la naturaleza cruel y formativa del mal.

En la película del 2018, se hizo la promesa de que Laurie Strode y Michael Myers finalmente lo resolverían todo, creando un escenario de batalla de titanes para darles a los fanáticos la venganza que han estado esperando (tratando de olvidar la conclusión de Halloween H20, 1998). Estalló una pelea, pero no sucedió nada sustancial. Luego la película aumentó la intensidad de la ira potencial de Laurie al matar a un personaje principal. Pero Ends no continúa con esta guerra en curso. Intenta comprender la psicología de los sobrevivientes, traer esperanza a sus vidas y busca subvertir las expectativas al eliminar la única razón por la cual los fanáticos pagan para ver estas películas. No hay un cierre aquí, solo un nuevo comienzo en el último minuto, con el director David Gordon Green llegando al último capítulo de su trilogía con una idea completamente diferente, y una dolorosamente medio cocida durante la mayor parte de la película. Ciertamente es valiente por parte de Halloween Ends redefinir el cierre, pero lo hace exponiendo la poca planificación que se tomó en última instancia.

En general, lo único bueno de Halloween Kills (2021) fue que las muertes fueron buenas. Sin embargo, un factor decepcionante de Halloween Ends fue que las muertes fueron mediocres. Uno de los detalles que más esperas cuando ves las películas de Michael Myers son las formas creativas en que matará a la gente, cosa que aquí no pasa. Y para ser honesto, no tengo más palabras para toda esta película. Al final, Halloween Ends es otro intento fallido de reavivar lo que la película del 2018 trajo a la mesa. La estructura de la historia y el pobre desarrollo de los personajes trae una de las peores entregas de esta franquicia. Espero que de una vez y por todas cierren este capítulo de Michael Myers para siempre.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: The Innocents

Ida (Rakel Lenora Flottum) está luchando con la mudanza de su familia a un complejo de apartamentos, junto con Anna (Alva Brynsmo Ramstad), su hermana mayor con autismo severo. Ida se ve obligada a estar sola mientras sus padres se adaptan a su nuevo entorno, y encuentra un amigo en Ben (Sam Ashraf), un niño que no tiene una relación amorosa con su madre y pasa la mayor parte del día al aire libre explorando la zona. Ben está feliz de interactuar con Ida, revelando sus habilidades telequinéticas a la niña, que comienza con el movimiento de una tapa de botella. También en el complejo está Aisha (Mina Yasmin Bremseth Asheim), que tiene poderes psíquicos, capaz de acceder al laberinto de la mente de Anna, ayudando a la niña no verbal a comunicarse de una manera que sorprende a su madre (Ellen Dorrit Petersen). El cuarteto comienza a trabajar para probar sus habilidades, inspirando a Ida a desarrollar sus propios poderes en el proceso, creando un vínculo único a medida que los niños lidian con sus situaciones domésticas. Sin embargo, cuando los problemas de ira de Ben comienzan a contaminar su mente, aumenta un nivel de amenaza que preocupa a Ida, quien reconoce el nuevo peligro en el que todos se encuentran.

Como adulto, a menudo he deseado volver a una época en la que poseía una maravilla infantil hacia el mundo. Donde estaba envuelto por la inocencia y sin saber lo que estaba por venir. Desafortunadamente, la vida no es un arcoíris. Eventualmente, todos llegamos a la edad adulta y esos momentos perfectos e inmaculados comienzan a desvanecerse. En esta última película de Eskil Vogt, The Innocents, se explora el concepto de la moralidad y la pérdida de la inocencia cuando un grupo de niños se da cuenta de que poseen poderes especiales. Aquí, conocemos a cuatro niños, Ida, Anna, Aisha y Ben, quienes durante las vacaciones de verano forman una amistad entre ellos. Fuera de la vista de los adultos, descubren que tienen poderes ocultos. Mientras exploran sus nuevas habilidades en el bosque y los parques infantiles cercanos, su juego inocente toma un giro oscuro y comienzan a suceder cosas extrañas y trágicas.

Sabes que una película ha causado una impresión duradera cuando no puedes deshacerte de ella. Esa fue mi experiencia con esto. No solo es una de las mejores películas del año, sino que también es una película que dejará huella en todos aquellos que la vean. En la superficie, la película parece inofensiva. Empapada en un resplandor de verano, un paisaje exuberante y cielos azules, es difícil imaginar los horrores que están a punto de desarrollarse. Cuanto más avanza la película, más comienza a disiparse esa sensación de comodidad y seguridad solo para ser reemplazada por una situación más oscura y peligrosa.

La película se centra principalmente en la relación entre Ida y Anna. Son hermanas y lo que se hace evidente al principio de la película es la cuerda floja de Ida con la moralidad. Anna tiene autismo regresivo y no habla, e Ida está resentida con ella porque no recibe el mismo tipo de atención de sus padres que recibe Anna. En respuesta, Ida empuja los límites al infligir dolor a su hermana como venganza. Cuando Ida conoce a Ben, otro niño que vive en su complejo de apartamentos, rápidamente entablan una amistad. Pero cuando Ben comienza a exhibir tendencias de comportamiento alarmantes y luego comienza a enfocarlas en Anna, Ida se encuentra en una encrucijada entre lo correcto y lo incorrecto y el bien contra el mal.

Por otro lado, tenemos a Anna y Aisha que forman un vínculo inquebrantable. Como mencioné anteriormente, Anna no habla y es autista, pero puede hacer que sus palabras fluyan a través de Aisha como una especie de conducto. Su relación es pura y gentil, aunque Anna posee un gran poder, algo que vemos que se desarrolla a medida que avanzamos en la historia. Lo que aprecio de esta película es que realmente llegamos a conocer a estos personajes. Al dividirse en parejas, le permite a uno formar una conexión más profunda con quiénes son estos niños. Es casi como si fuéramos espectadores escuchando a escondidas una conversación secreta de la que se supone que no debemos ser parte.

Para actores tan jóvenes, con edades entre los 7 y los 11 años, todos y cada uno de ellos se desempeñaron magníficamente. Una mención especial va para Alva Brynsmo Ramstad y Sam Ashraf por sus actuaciones mientras navegaban por los elementos más complejos e inquietantes de la película. Sin embargo, necesito mencionar una preocupación y es la representación del personaje autista, Anna. Una parte de mí se pregunta por qué no se consideró a un niño autista para el papel con el fin de dar una representación más precisa del personaje. Además, la idea de que los individuos autistas tienen superpoderes es exagerada y solo refuerza la noción de que las personas autistas solo son valoradas cuando poseen habilidades especiales. Aunque sé que Vogt venía de un buen lugar y pasó tiempo con familias de niños autistas mientras se sumergía profundamente en la investigación sobre el autismo regresivo, este sigue siendo un tema que debe discutirse para que en el futuro haya una mejor representación.

Aunque se considera una película de terror, The Innocents no sigue los ritmos tradicionales de la mayoría de las películas de miedo. En cambio, se encuentra cómodamente entre los géneros de terror y drama. Vogt está más enfocado en una construcción lenta de temor e incomodidad en lugar de sustos y sangre. Dicho esto, la película tiene una escena que presenta la muerte de un animal de la forma más brutal que he visto en la pantalla. Sorprendentemente, no está ahí para impactar, sino que se usa como un elemento poderoso y fundamental que marca el rumbo de lo que está por venir. Es un momento del que uno nunca puede volver y somos testigos de cómo eso impacta a todo el grupo. Pero tengan cuidado, es increíblemente difícil de ver, especialmente si son amantes de los gatos.

En general, esto se trata de un estudio sobre la pérdida de la inocencia, la delicada zona entre la infancia y la edad adulta, y los secretos de los niños, todo ello con el telón de fondo de una película de terror. Bellamente construida, Eskil Vogt se apoya en las impresionantes imágenes y luego las une con escenas inquietantes. Fuera de mis preocupaciones sobre cómo se presenta el personaje de Anna, esta es una historia inquebrantable de moralidad que hará que nunca vuelvan a mirar a los niños de la misma manera. Al final, The Innocents funciona como una oferta de terror, drama, y una inspección de la psicología infantil, observando a los personajes jóvenes procesar y, en algunos casos, crear horrores que no entienden del todo.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Piggy

Como si ser adolescente no fuera ya lo suficientemente difícil, Sara (Laura Galán) es constantemente acosada por su tamaño corporal por un grupo de chicas en su pueblo rural español que le han apodado "cerdita" y a su familia propietaria de la carnicería "los tres cerditos". No solo es atormentada constantemente por las chicas, sino que también es incomprendida por sus padres y su hermano pequeño. Entonces, cuando un extraño irrumpe en el pueblo y secuestra a sus torturadoras, llevándolas por un camino en una camioneta de la que solo ella es testigo, Sara se ve obligada a atravesar emociones conflictivas y enfrentar su conciencia mientras el pueblo estalla en conmoción y la señala como la principal sospechosa.

El horror corporal y la mutilación no son las cosas más aterradoras de Piggy de la cineasta Carlota Pereda. Claro, una adolescente cubierta de cortaduras que se aleja lentamente entre los árboles es siniestro. La sangre que brota de un charco no es exactamente una buena señal y las mujeres jóvenes atadas como cerdos para el matadero son, al menos, alarmantes. Pero la parte más aterradora de Piggy es la ira verbalmente violenta que enfrenta una adolescente de talla grande.

Ambientada en un moderno pueblo rural de España y combinando el drama psicológico con el género slasher, la película se centra en una adolescente reservada que crece en un pequeño pueblo como una joven de talla grande. Mientras Sara pasa sus días escuchando música en la carnicería de sus padres, enfrenta el abuso verbal de sus compañeras de clase y vecinos que insultan su tamaño. Manteniendo sus burlas relacionadas con granjas y los cerdos, los días de Sara son bastante miserables. Sus noches no son mejores conviviendo con su padre despistado y su madre prepotente y malvada.

Con recuerdos de Carrie (1976), los verdaderos problemas de Sara comienzan cuando va a la piscina local en bikini fuera del horario establecido. Nadando a su lado hay un hombre barbudo que la observa en silencio mientras sus compañeras vienen a aterrorizarla. Después de un incidente en la piscina, Sara se da cuenta de que ese extraño secuestró y asesinó a una de sus acosadoras, lo que provoca una tormenta de coraje en su pequeño pueblo. A medida que más chicas comienzan a desaparecer, ella se ve atraída hacia el secuestrador barbudo. Ahora, debe decidir si entregar o no lo que sabe a la policía, incluso si sus propias torturadoras quedan libres.

Como protagonista, Laura Galán cautiva. Transmite tanta angustia y terror con una sola mirada que su actuación destila empatía. En cuanto a la representación de una mujer gorda, tanto Galán como Pereda toman decisiones muy específicas que no siempre funcionan de forma coherente. Sara no habla por sí misma, a menudo dejando preguntas sin respuestas. Cuando está siendo torturada por quienes la rodean, no se defiende verbalmente, sino que casi chilla de consternación. Otros simplemente la perciben como estúpida. Esta impotencia no evade los estereotipos que soportan las personas gordas, sino que genera un mensaje contradictorio con el arco del personaje de Sara.

Pereda presenta a Galán mostrando su cuerpo en su totalidad. Sus curvas no son exageradas ni filmadas de manera grotesca. En todo caso, la directora respeta más el cuerpo de Sara que sus compañeras. A menudo, los cuerpos más grandes tienen más dificultades para evocar la empatía de la audiencia debido al prejuicio de ser gordo. Debido a esto, el trato que recibe Sara a manos de la gente del pueblo, las chicas e incluso su propia madre tiene que ser abiertamente cruel. Pereda cumple con eso.

Cuando Sara va a la piscina fuera del horario de trabajo para evitar que se burlen de ella, todavía se encuentra con las burlas de sus compañeras. En un momento, mientras nada, sale a tomar aire. Las chicas arrojan una red de piscina sobre su cabeza y tratan de ahogarla. En medio de las tomas del punto de vista de ella revolcándose en el agua y sus gritos para que sus perpetradoras se detengan, el espectador está tan inmerso en la violencia que no se da cuenta del salvavidas muerto atado en el fondo de la piscina. Es la unión entre la violencia visual y la realidad de la existencia cotidiana de Sara lo que hace de Piggy un fascinante estudio de personajes.

En general, no todo funciona tan bien cuando nos dirigimos al acto final. Los clichés del género de terror toman el control y no tiene tanto material como el impresionante escenario y la subtrama romántica, generada por la intriga mutua entre Sara y el secuestrador. En última instancia, no tiene mucha estructura, aunque la determinación de la directora Carlota Pereda para no atar las cosas cuidadosamente con un arco de redención resuelto es otro punto satisfactorio para esta película de terror y venganza deliciosamente oscura y angustiosa. Al final, Piggy se duplica en temas de fuerza y ​​ambigüedad moral. En lo que respecta al terror es provocativo y emocionante. Diría que la película parece un poco ordinaria, pero eso solo amplifica sus encantos casi irresistibles. Cualquier persona que haya sido intimidada antes se puede relacionar con Sara. Y hablándole al extraño que todos llevamos dentro, Piggy es una muy buena película de terror independiente.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Hellraiser

Riley (Odessa A'zion) es una mujer joven que lucha por mantener su sobriedad y pone su fe en su novio Trevor (Drew Starkey), a quien conoció en rehabilitación. La unión no le sienta bien al hermano de Riley, Matt (Brandon Flynn), quien está preocupado por la salud de su hermana y comparte su dolor con su novio, Colin (Adam Faison). Lidiando con problemas financieros, Riley acepta seguir el plan de Trevor de irrumpir en el almacén de un multimillonario y robar un objeto valioso. Este premio resulta ser una misteriosa caja de rompecabezas, que Riley resuelve sin lastimarse con las cuchillas colocadas dentro del extraño objeto. En cambio, Matt, tratando de salvar a su hermana del daño, es cortado, con su sangre llamando a los Cenobites, incluida The Priest (Jamie Clayton), arrastrando al hombre al infierno. Presa del pánico, Riley exige el regreso de su hermano y pronto viaja a la casa del coleccionista de arte Voight (Goran Višnjić) para comprender a qué tipo de mal se enfrenta.

Cuando piensas en el Monte Rushmore de íconos de terror, seguramente Pinhead está ahí. Sí, Michael Myers, Freddy Kruger, Jason Voorhees, Leatherface son los titanes, pero Pinhead es una imagen que se queda contigo y ciertamente merece un lugar en la cima. Este legado es exactamente la razón por la que mucha gente se sorprendió cuando se mencionó un reboot de Hellraiser con algunos cambios realizados con el Cenobite principal. El reboot en sí era inevitable, especialmente después de nueve secuelas y de haber perdido a Doug Bradley como Pinhead hace algunas películas. El gran cambio? Una mujer está jugando al sacerdote demoníaco favorito del infierno. Ahora, Jamie Clayton, quien interpreta al personaje oficialmente llamado The Priest pero conocemos mejor como Pinhead, ofrece una versión escalofriante y francamente aterradora del personaje.

Esta Hellraiser, que tiene a David Bruckner detrás de la cámara, cuenta una historia similar a la original con detalles muy diferentes. Se pueden hacer muchos paralelismos con los personajes originales de Kirsty y Frank, pero solo en sus motivaciones principales. Esta versión comienza con un joven en una fiesta burguesa, con bandejas de cócteles y salas de orgías, en la propiedad de una figura sombría llamada Voight. Para ese joven, la fiesta pasa de emocionante a horrible cuando lo invitan a una habitación donde su anfitrión le da cierta caja de rompecabezas para jugar. Resuelve el acertijo e inmediatamente es tomado por los Cenobites, la versión del infierno de los sacerdotes que se ocupan de las sensaciones... principalmente del dolor. Unos años más tarde nos encontramos con nuestra heroína, Riley. Una adicta en recuperación que vive con su hermano y su novio. Después de demasiados sermones, Riley deja la casa de su hermano y va a ver a su novio, Trevor, quien tiene una idea sobre cómo ganar dinero rápido. Todo lo que tienen que hacer es robar una unidad de almacenamiento que ha quedado abandonada. Cuando dicho robo se completa, lo único que tienen para mostrar por su problema es una pequeña caja dorada en forma de cubo. Una caja dorada que los lleva por un camino al infierno.

Soy un fiel admirador de la película de 1987, pero creo que esta historia fue una gran mejora de la original. Seamos honestos, la primera Hellraiser solo fue elogiada por sus asombrosos efectos en el departamento del gore y los inolvidables Cenobites. Quitas esas dos cosas y tienes una mala telenovela. Esta historia es más profunda, sin alejarse demasiado de su objetivo, sin mencionar que la historia ha tenido temas de adicción y abuso en su núcleo desde el primer día, por lo que hacer que la protagonista sufra esas mismas cosas en el mundo humano solo tiene sentido. Odessa A'zion, que interpreta a Riley, tiene un aspecto tan extrañamente encantador que me encontré atrapado en lo que estaba sucediendo en la pantalla, incluso cuando la historia estaba en su punto más bajo. Películas como esta suelen tener actuaciones de nivel pobre, en el mejor de los casos, pero estaba más que feliz de ver que cada miembro del elenco vino comprometido. Van a ser ganadores del Oscar por esto? No, pero el esfuerzo se nota y hace que la película sea mucho más creíble. Nada puede devolverte a la realidad más que una mala interpretación de una película de terror, de las cuales no se puede ver ninguna aquí.

Los villanos esta vez son familiares y nuevos, todo al mismo tiempo con una nueva incorporación particularmente llamativa. Llegaremos a los Cenobites en un minuto, pero tengo que dirigirme a la nueva estrella del espectáculo, la mansión de Voight. Esta es realmente una pieza increíble. La película comienza aquí y no pasa mucho tiempo antes de que la historia del elenco principal los lleve de regreso a este lugar. Es una mansión clásica al estilo de los Hamptons, con algunas adiciones clave. El exterior de la casa tiene un exoesqueleto de acero que se parece al patrón que verías en el Lament Configuration (la caja de Pinhead). Una vez dentro, el lugar se vuelve más aterrador con puertas cerradas, pasadizos secretos y cuartos sexuales. No pasa mucho tiempo antes de que comiences a darte cuenta de que todo este lugar es una copia de esa caja que trae consigo el infierno.

Ahora la parte que todos han estado esperando, los Cenobites. Como mencioné antes, la versión de Jamie Clayton del icónico Pinhead hace más que el trabajo. No es Doug Bradley, pero nadie puede serlo. Sinceramente, me gusta la idea de que sea femenino ya que los Cenobites parecen trascender el género y el look andrógino que resulta de la mezcla de estilos es perfecto. Los Cenobites también traen lo viejo con lo nuevo, trayendo de vuelta a The Chatterer (el más desconcertante del grupo si me preguntan) y agregando The Gasp, The Asphyx y The Weeper, cada uno una perversión única de la humanidad que trae su propio ángulo de horror a la mezcla. Ahora, para aquellos fanáticos (como yo) de la original que vengan a ver este reboot, les daré una advertencia. Si van a verla por el gore, puede que se decepcionen. No me malinterpreten, esta no es una película PG-13, hay mucha sangre y cuerpos en ganchos de carne, pero si la comparas con la original, lo que obtienes aquí es un poco dócil.

En general, en términos de cómo se compara con otras entradas de la franquicia, para mí, esta Hellraiser es la mejor desde Hellbound (1988). La primera Hellraiser tenía un alcance tan singular con ese distintivo sabor de los años 80's y es una obra maestra de terror sin igual. Ha sido un viaje salvaje de altas y bajas, pero ganar el tercer lugar es realmente impresionante. Me encantaría ver que la franquicia continúe con Jamie Clayton ahora firmemente establecida en el papel y posicionándose firmemente en los anales de la historia del terror como una de las pocas en asumir con éxito el papel de su predecesor. Al final, Hellraiser es ese extraño reboot que ofrece lo que hizo que la película original fuera especial mientras se suma a la tradición y la hace accesible a un público más amplio. Nuevamente, los fans del gore pueden estar decepcionados, pero creo que el sacrificio vale la pena para permitir que una audiencia más amplia se siente y la disfrute.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Where The Crawdads Sing

En 1952, la joven Kya Clark es testigo de cómo su madre abusada abandona apresuradamente a la familia, y el resto de los niños siguen sus pasos. A solas con su padre (Garret Dillahunt), que es físicamente abusivo y dependiente del alcohol, Kya se acostumbra a estar sola en el pantano donde se encuentra la cabaña de su familia. Cuando su padre también se va, Kya aprende a valerse por sí misma con un poco de ayuda de los empáticos dueños de una tienda general, Jumpin' (Sterling Macer Jr.) y Mabel (Michael Hyatt). A medida que crece, Kya dura literalmente un día en la escuela pública antes de que los niños acosadores ahuyenten a "la chica del pantano". Años más tarde, el estudiante de secundaria local Tate Walker (Taylor John Smith) le enseña a una ahora adolescente Kya (Daisy Edgar-Jones) a leer y escribir. Después de que Tate se va a la universidad, Kya comienza una relación con el popular mariscal de campo Chase Andrews (Harris Dickinson), cortejada por sus promesas de matrimonio y estabilidad. Cuando Chase es encontrado muerto en el pantano en 1969, Kya es acusada de asesinato y defendida por un abogado local (David Strathairn) que cree que la gente del pueblo debería sentirse culpable por maltratar a Kya.

Para comenzar, esto se basa en una novela de Delia Owens. Dada mi falta de familiaridad con el material escrito, no puedo decir qué tan fiel es la película al libro. Sin embargo, disfruté la película a pesar de su larga duración, que probablemente podría reducir algunos minutos. La trama tarda un poco en ponerse en marcha, pero una vez que lo hace, es difícil no engancharse. Where The Crawdads Sing es una película romántica con toques de misterio y masculinidad tóxica. Fácilmente podría verla como una película de Lifetime particularmente buena, aunque obviamente es de mejor calidad con actuaciones de varias capas y efectos visuales sorprendentes. La estética general evoca elementos de películas ambientadas en el sur, pero la narrativa es un poco más simple (con la excepción de una incómoda escena de violación) y más convencional.

Eso no quiere decir que nuestra protagonista aquí, Kya Clark, interpretada por la maravillosamente talentosa Daisy Edgar-Jones, tenga una educación mucho menos deplorable. Es criada por un padre abusivo y una madre que finalmente ha tenido suficiente para escapar discretamente y abandonar a sus hijos. Uno por uno, los hermanos de Kya se van, dejando al hermano Jodie como el último, hasta que ella se queda completamente sola con su padre. Jodie la deja con una advertencia: "si estás en problemas, corre a lo profundo del pantano donde cantan los cangrejos". Kya intenta asistir a la escuela, pero la intimidan por su falta de educación y su apariencia. Finalmente, su padre también se va y ella se ve obligada a valerse por sí misma a una edad muy temprana. Es difícil no sentir pena por Kya, ya que debe crecer demasiado pronto. El pantano se convierte en su único amigo y lugar de refugio. Se mantiene recolectando mejillones para luego venderlos a una tienda local a cambio de comida. Los dueños, Jumpin' y Mabel, cuidan de Kya y, de hecho, se convierten en padres sustitutos. Sin embargo, vive completamente sola en la casa que toda su familia ha abandonado y sigue viviendo fuera de la sociedad.

Un vecino de la infancia de Kya, Tate, finalmente reaparece y le deja pequeñas plumas para que no se sienta tan aislada. Todo el pueblo ha considerado a Kya como "la chica del pantano", pero Tate no la ve así. Él parece ser la única persona que le ofrece amabilidad y la ayuda a recuperarse. Él le enseña a leer y escribir, estimula la fascinación por la naturaleza y Kya finalmente comienza a salir de su caparazón. Tate la ve por lo que es y eleva su inteligencia natural a la superficie. Al estallar su pequeña y encantadora burbuja, Tate debe irse a la universidad y le asegura a Kya que regresará. Eso hay que verlo para creerlo.

Construida con recuerdos de la crianza de Kya y escenas del caso judicial en acción, la película combina lo mejor de ambos mundos. Es mitad fascinante drama con suspenso, y mitad historia de amor teñida de desgracia. Después de su crianza devastadoramente trágica, Kya se enfrenta a más dificultades. Está acusada del asesinato del mariscal de campo Chase Andrews, con quien se había enredado sentimentalmente. Todos los signos apuntan a su inocencia, y el prejuicio del pueblo hacia Kya parece ser la intención detrás de su arresto. La película tarda un tiempo en desarrollarse, pero una vez que se presenta a Chase, está claro que estamos a punto de emprender un viaje salvaje. A veces, la narrativa de recuerdos domina las escenas de la corte, ya que algunos de los interrogatorios de los testigos comienzan a alargarse. Lo mejor de la película es que muestra personajes que se enamoran o representan el comportamiento horrible de las personas que se cruzan en el camino de Kya.

En general, hay puntos en los que la narrativa se esfuerza demasiado por capturar la emotividad de las películas románticas clásicas. Un collar casero, que se convierte en una prueba clave en el caso del asesinato, parece aludir a Titanic (1997). Otra escena apresurada hacia el final, con personajes que envejecen juntos, intenta capturar un fragmento de la emotividad de The Notebook (2004). Descubrir el misterio del asesinato es bastante fácil. La película no se trata tanto de la culpa o la inocencia de Kya como de su crecimiento a través de las dificultades que la vida le presenta. Los temas ambiciosos podrían haberse explorado de una manera más profunda y sustantiva, en lugar de la forma ocasionalmente superficial en que lo son, pero todavía se exploran lo suficiente como para proporcionar entretenimiento. Ver a este personaje sobrevivir emocionalmente bajo estos desafíos muy específicos, y en este lugar en particular, me enganchó. Al final, Where The Crawdads Sing es una película hermosa en términos de estilo, visión y trabajo cinematográfico que vale la pena verla. Tiene una representación romántica sólida, un elenco de personajes muy bueno, una guión fantástico y actores que hacen bien su trabajo. Siento que a muchos les gustará esta película, pero sin leer el libro, no puedo decir que se cumplirán las expectativas de muchos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Sissy

Cecilia (Aisha Dee) es una influencer del bienestar moderadamente exitosa, aunque socialmente aislada, que se encuentra con su mejor amiga de la infancia, Emma (Hannah Barlow), en una farmacia cuando está en la ciudad. Emma, ​​emocionada de ver a Cecilia después de más de una década, invita a Cecilia a las festividades de su despedida de soltera antes de la boda. Mientras se divierte, la invitan a un retiro de fin de semana a una hermosa casa de vacaciones lejos de la civilización. Para desgracia de Cecilia, se da cuenta de que el viaje fue organizado por la otra amiga de Emma y la acosadora de la infancia de Cecilia, Alex (Emily De Margheriti). Alex, sin darse cuenta de la asistencia de Cecilia, reacciona con fría franqueza y la tensión del fin de semana comienza a escalar a medida que Cecilia comienza a sentirse cada vez más aislada de los espacios seguros que tanto trabajó para crear para sí misma. Más conflictos pronto elevan el fin de semana a un anhelo de venganza, y Cecilia se propone demostrar que ya no es la niña mansa que aceptaba abusos.

Canalizando un excelente thriller de terror protagonizado por mujeres, Sissy ofrece asesinatos sangrientos mientras teje un humor negro. La película ofrece un comentario y una crítica sobre la cultura de las redes sociales, así como sobre el acoso y el tormento psicológico. Aisha Dee lidera un elenco que rompe el molde al ofrecer una de las mejores actuaciones del 2022. Una trama casi caprichosa ayuda a rellenar este cuento satírico con un brillo atmosférico. La película, sin duda, le da un nuevo significado a la frase "mejores amigos/as para siempre".

"Soy amada. Soy especial. Soy suficiente". Este es el mantra que Cecilia predica a diario a su base de fans de 200,000 seguidores en las redes sociales y sigue creciendo. Su canal, Sincerely Cecilia, se nutre de la venta de productos patrocinados a las masas y la positividad a través de la meditación. La vida de Cecilia da un giro total cuando se encuentra con su mejor amiga de la infancia, Emma, ​​en una farmacia local. Las dos fueron tan unidas que enterraron una cápsula del tiempo de mejores amigas un verano cuando tenían 12 años. Emma, ​​ahora felizmente en una relación amorosa, invita a Cecilia a su fiesta de compromiso, primero llamándola con el nombre de infancia que ha perseguido a Cecilia durante años: Sissy.

Cecilia ha extrañado profundamente a Emma. Aunque puede haberlo dejado parcialmente en el fondo de su mente, un trauma pasado persigue a Cecilia. Las pesadillas recurrentes sirven para ponernos en el espacio mental de su personaje, ya que gotean con un misterioso simbolismo oculto. Los traumas del pasado de Sissy surgen cuanto más tiempo pasa con Emma. Después de que la fiesta de compromiso transcurre a la perfección, Emma invita a Cecilia a su fin de semana de despedida de soltera en algún lugar de la remota Australia. Anhelando la reconexión (y poco después de reencontrarse con su antigua amistad después de una emocionante ronda de karaoke), Cecilia está de acuerdo. Cuando el grupo finalmente llega a su destino, Cecilia se entera con horror de que la anfitrióna no es otra que su acosadora de la infancia, Alex.

No hay un mayor detonante que el daño infantil, y para Cecilia, Alex cumple todos los requisitos. En el tiempo que ha estado alejada de Emma, ​​Alex se ha convertido en su nueva “mejor amiga”. La vida de Emma puede ser diferente de lo que Cecilia había imaginado, pero su personalidad es al menos la misma. Cuando los demás encienden la mecha y se meten con Sissy, Emma siempre se lanza en su rescate. Es casi similar a la relación entre Carrie White y Sue Snell en Carrie (1976). Si bien Sue claramente nunca fue la mejor amiga de Carrie, siempre tuvo sus mejores intereses en el corazón y no participó en el incidente con la sangre de cerdo. Del mismo modo, Emma no está involucrada en humillar a Sissy de ninguna manera. Cuando su grupo de amigas de boda se turnan para criticar el estatus de influencer de Cecilia y “aprovecharse el dolor de los demás”, Emma consuela a Cecilia, un gesto que ninguna de las otras amigas en su despedida de soltera se atrevería a hacer si les pagaran. Están demasiado ocupadas tratando de encontrar formas de "cancelar a Sissy".

La peor del grupo es claramente Alex, quien intimida a Sissy tanto en el pasado como en el presente. Emily De Margheriti retrata el tipo de personaje que uno realmente quiere que muera pronto. Sissy the sissy, ha perseguido a Cecilia desde las burlas de Alex años atrás, y su versión actual no es mejor. El comportamiento repugnante de Alex hacia Cecilia es un catalizador obvio de los eventos de la película, por lo que, de esta manera, Alex realmente cumple su propósito como una mujer despreciable que la audiencia puede odiar. Una vez que comienzan a ocurrir las "muertes accidentales", los muros que Cecilia ha construido a lo largo de los años comienzan a deteriorarse, junto con lo que queda de su cordura.

Con las matanzas, Sissy me hizo prácticamente gritar de júbilo. Los primeros planos, que se utilizan desde el principio al establecer personajes, regresan para apuntar los momentos más sangrientos y brutales. El envío de cada personaje, acompañado de las reacciones de Cecilia, es un verdadero punto culminante. Cuando Sissy llega a la pieza final (una loca culminación que estalla con sangrientos efectos prácticos), ya ha demostrado lo que hace que esta historia sea tan especial. La amistad entre Sissy y Emma se convierte en una obsesión. Amigo o seguidor: qué elegiría uno cuando tu vida está en juego?

En general, disfruté mucho la película porque brinda un ejemplo auténtico de cómo los acosadores a menudo continúan con ese comportamiento hasta la edad adulta. Si un acosador no se controla durante su infancia, este es el resultado. Alex también tiene una razón para estar molesta, pero la situación no ocurrió al azar y ella continúa con el mismo comportamiento y no anticipa los mismos resultados. La representación de Cecilia también demuestra cómo nunca conocemos a un influencer o qué experiencias ayudaron a darle forma o qué demonios acechan en los rincones de sus mentes. En otras palabras... lo que vemos es solo un aspecto del individuo. Al final, Sissy es una representación oscura del trauma infantil y el acoso de los adultos, con explosiones de violencia impactante al estilo de las películas de los años 80's. No es una película de comedia/terror perfecta, pero es un mensaje brutal y sombrío que está acentuado por un pequeño y rápido "LMFAO ;)" que nos recuerda que no debemos tomar nada en serio. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Historia De Lo Oculto

Es 1987 y el programa de periodismo y investigación de la televisión argentina 60 Minutos Antes De La Medianoche ha sido cancelado. Habiendo hecho su parte de enemigos a lo largo de su transmición, el programa está a punto de transmitir su último episodio y planean salir del aire a lo grande. Planean exponer una conspiración masiva que vincula al gobierno nacional con un culto satánico. El invitado especial de esta noche es Adrián Marcato (Germán Baudino), un destacado satanista que comienza a repartir lentamente los detalles de una horrible conspiración que involucra al culto y los niveles más altos del gobierno. Mientras se transmite el programa, un grupo de periodistas y productores están trabajando arduamente en una carrera contra el reloj para no solo revelar esta conspiración sino también localizar un objeto que respalde la confesión de Marcato en el aire. A medida que pasan los minutos, se revelará la verdad?

La película de terror argentina Historia De Lo Oculto es un rompecabezas tentador que tiene lugar justo antes y durante la transmisión final de un programa de noticias de televisión. Cristian Ponce hace un intrigante debut cinematográfico como escritor/director, combinando elementos de terror, cine negro y misterio. 60 Minutos Antes De La Medianoche es un programa de televisión nocturno que se ha ganado su parte de enemigos, con patrocinadores que se mantienen alejados y ahora ha sido cancelado. El equipo del programa planea y espera exponer que el presidente argentino es parte de un culto, y también presenta al sujeto de la entrevista de esta noche, un reputado brujo. A pesar de que el equipo está reservando algunas de sus sorpresas para el tiempo de transmisión (es decir, todos sus mecanismos fuera del estudio de transmisión encajan en su lugar), fuerzas misteriosas parecen estar frustrando que los secretos se transmitan.

Uno de los elementos más agradables aquí es la historia completamente única e intrigante que sirve como un punto de partida perfecto para su trama. Operando como las hazañas detrás de escena del equipo que intenta usar la transmisión y se conocen los detalles sobre lo importante que es sacar a la luz los hechos relacionados con su relevancia y duración, la trama pesada ​​​​del diálogo mencionadas aquí sobre cada uno de los invitados mantienen esto muy en suspenso. El montaje basado en entrevistas en el que la película habla con cada uno de los invitados específicos sobre su conexión con el legendario cuaderno presentado como pieza central del programa sirve como un buen contrapunto a las discusiones que se generan a lo largo del programa.

Eso provoca el otro aspecto impresionante de la película, y es en la naturaleza secreta de las revelaciones que surgen. Con las conversaciones que involucran al supuesto brujo y al escéptico incrédulo que intenta generar una dudosa teoría de la conspiración escondida detrás de escena. La forma en que transcurren las conversaciones donde se dedica más tiempo a la naturaleza secreta de su historia individual entre ellos y cómo eso se derrama en los puntos de la trama que involucran los antecedentes de los brujos con el ocultismo y cómo se escribió el libro misterioso que tienen como evidencia genera mucha tensión, cosa que aumenta a lo largo de la noche. Una vez la película llega a la mitad, el grupo está tratando de resolver un problema dentro de un límite de tiempo mientras comienzan a sentir los efectos de la posible brujería que se está realizando en su contra, lo que provoca algunos destellos de la brujería que los afecta.

Ahora... hay algunos problemas menores con la película. El problema principal es un enfoque simplista que se basa en gran medida en conversaciones entre el equipo que trabaja en segundo plano para exponer la conspiración en lugar de generar realmente cualquier acción. El estilo discreto que sirve para mejorar lentamente el miedo y el suspenso cada vez mayores sobre la conspiración no produce tanta acción como cabría esperar, ya que muestra las entrevistas de la mesa redonda o el equipo en el área detrás del escenario hablando de puntos específicos que hay que mencionar. Esto puede ser bastante aburrido para aquellos que quieren más actividad en sus películas, lo cual es aún más pronunciado para aquellos que no están involucrados en la intriga política presentada. Esto no está tan bien explicado y puede hacer que la película sea un poco decepcionante para algunos.

En general, filmada principalmente en blanco y negro, con un poco de color y ambientada en 1987, siguiendo la moda y la tecnología en exhibición, la película es un thriller inteligente que se construye continuamente en suspenso. Los espectadores ven el reloj en pantalla del programa marcando hacia cero con eventos que se desarrollan continuamente, y los cortes de los miembros del equipo en las calles también ofrecen momentos gratificantes. Algunos eventos dependen de cómo los invitados del episodio final reaccionan entre sí y a las preguntas del presentador del programa, y ​​​​me interesó ver cómo se desarrollaron esos momentos tanto como los miembros del equipo del programa, quienes, por cierto, mastican raíz de tanino, algo que Rosemary's Baby (1968) dio a conocer como referencia cinematográfica a la brujería, como parte del plan de la noche. Al final, Historia De Lo Oculto es un pequeño esfuerzo de combustión lenta que tiene algunas cualidades agradables, aunque puede ser un poco problemática para aquellos que quieren una oferta más llena de acción y espectáculo. Échenle un vistazo si son fanáticos del estilo o enfoque de las películas minimalistas.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Three Thousand Years Of Longing

Alithea Binnie (Tilda Swinton) es una especialista en narración que viaja a Istambul para asistir a una conferencia, recibida con entusiasmo por sus anfitriones. Experimentando extrañas visiones y conexiones durante su estadía, Alithea elige comprar un recuerdo de su viaje, sacando una botella de vidrio de las profundidades de una tienda de antigüedades. Tratando de limpiar la botella en su habitación de hotel, Alithea logra abrirla, liberando a un Djinn (Idris Elba) de su prisión, observando cómo la criatura de mito se acomoda en el espacio habitable. Conmocionada pero no asustada, Alithea elige comprometerse con el Djinn, quien le ofrece tres deseos como premio por su liberación, pero solo si provienen del corazón. Recelosa de tal oferta, la visitante elige discutir historias personales con el Djinn, pasando la tarde escuchando sus historias de amor y capturas, apegándose cada vez más a su espíritu y sus trágicas historias.

En esta época qué significa "narrar historias"? Es un poco difícil de decir en el panorama actual de secuelas de gran presupuesto, remakes y franquicias interminables, con cualquiera que las supervise etiquetado como "narrador" simplemente por mantener una narrativa unida. Así que también es bastante irónico que sea George Miller, quien en 2015 entregó la increíble secuela Mad Max: Fury Road, el director que entrega la mejor oda al verdadero valor de la narración con Three Thousand Years of Longing. Un hermoso, apasionado, épico y profundamente íntimo cuento de hadas que es a la vez una historia de amor ambientada en un hotel y una vasta fantasía que abarca el tiempo. Y que también presenta a Tilda Swinton e Idris Elba como sus únicas dos estrellas.

La historia, y así es como verdaderamente se puede llamar esto, se basa en el número tres. El número tres tiene poder, o eso le dice el Djinn a la Dra. Alithea Binnie, una mujer que estudia la estructura narrativa y los puntos en común entre las narrativas. Está en Istambul para una conferencia, pero en realidad es solo un breve respiro de su vida demasiado ordenada, en la que literalmente guarda en cajas y empaqueta los recuerdos de su exmarido y el hijo que no tiene. Alithea se siente cómoda estando sola, con sus libros, historias y baratijas. Es este último, una botella antigua encontrada en una tienda de curiosidades, lo que despierta su interés. Y mientras lo limpia distraídamente en su habitación, quita la tapa y sale el Djinn, que emite humo púrpura y se fusiona en una forma física gigantesca e imponente.

Three Thousand Years of Longing es una historia sobre el poder de tres. Tres veces el Djinn fue encarcelado en una botella, las tres mujeres que ha amado y, por supuesto, los tres deseos que ahora debe conceder a Alithea. La película nos transporta rápidamente desde una sencilla y moderna suite de hotel a muchas historias de intrigas reales del Medio Oriente, desde un trono lleno de asistentes antropomórficos hasta la orgía de un heredero no deseado en una habitación oculta. El viaje cargado de CGI es fantástico y glorioso, pero también horrible y grotesco. El Djinn es un ser de pura magia y también lo es el mundo por el que camina, donde los hombres se convierten en arañas y los reyes tejen hechizos tan mortales como aterradores.

Mientras se cuentan estas asombrosas fábulas, también está el cara a cara entre el Djinn y Alithea, contado principalmente mientras los dos están en batas de baño. Él le ha ofrecido tres deseos, pero ella es lo suficientemente culta como para no saltar directamente y exigir lo primero que se le ocurra. Porque ella sabe que cada cuento que involucra al Djinn es un cuento de advertencia que rara vez resulta bueno para el que pide deseos. Para consternación del Djinn, se ha encontrado con la única persona en todos los tiempos que no parece querer nada. Por supuesto, sus historias, llenas de deseo, intensidad y sufrimiento, tienen una forma de despertar algo dentro de Alithea, pero también dentro de sí mismo.

La maravillosa cinematografía mantiene viva la energía, ya sea recorriendo la historia bíblica, viajando con Alithea en un avión o capturando los vapores de una ducha caliente. La película absorbe cada detalle y pinta una imagen de libro de cuentos donde el amor y la vida se capturan en el momento. Elba y Swinton encarnan esto maravillosamente. Es como si cada palabra que se dicen Alithea y el Djinn fuera parte de una historia más grande, y a medida que esa historia crece, los muros emocionales entre ellos comienzan a desmoronarse. Esto es evidente en las actuaciones apasionadas de Swinton y Elba, y hace que Miller rompa más tarde en la película una regla cardinal de la narración, contar en lugar de mostrar.

En general, se nos presenta al principio de la película que las historias son la forma en que la humanidad explica el mundo. Las historias son cómo damos sentido a nuestro tiempo en este mundo. Pero es más que eso. Vivimos en este mundo para poder seguir contando historias que durarán mucho más allá de nuestra breve existencia. No todos los capítulos de la película son lo suficientemente coherentes como para apegarse al tema central, pero cuando se trata de asuntos de amor, hay algo que realmente tenga sentido lógico? Miller cuenta una historia atemporal que se siente como si se hubiera transmitido de generación en generación, pero ciertamente no encaja con la sed actual de contenido cinematográfico de gran éxito. Pero para aquellos que estén sedientos de una buena historia bien contada por un cineasta que muestra su impecable gama, no necesitarán tres deseos. Al final, Three Thousand Years Of Longing es una historia de advertencia sobre el deseo humano y lo que significa amar, y examina los mitos y las narraciones mientras genera un poderoso romance en el camino. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Hocus Pocus 2

En Salem, Massachusetts, Becca (Whitney Peak) está a punto de cumplir 16 años, y planea una celebración de cumpleaños especial con su amiga Izzy (Belissa Escobedo), con las chicas abriéndose camino hacia el bosque para realizar un ritual especial de brujería que nunca funciona. Las chicas se han separado recientemente de su otra mejor amiga Cassie (Lila Buckingham), buscando continuar su viaje oculto con la ayuda del dueño de la tienda de magia local, Gilbert (Sam Richardson), quien ofrece una vela especial como regalo a su leal cliente. En lugar de ser una celebración de alegría, la vela produce una llama negra, quien, sin saberlo, desencadena el regreso de las hermanas Sanderson, con Mary (Kathy Najimy), Sarah (Sarah Jessica Parker) y Winnie (Bette Midler) restauradas con todo su poder. Tratando de acostumbrarse a su nuevo entorno, las brujas tienen un objetivo en Jefry (Tony Hale), el padre de Cassie, quien hace mucho tiempo un familiar fue un líder en Salem obsesionado con destruir a las hermanas Sanderson.

Hace 29 años, Bette Midler, Kathy Najimy y Sarah Jessica Parker aparecieron en una película de Halloween de Disney que fue un desastre en la taquilla (Disney perdió $16.5 millones durante su estreno en cines) y fue criticada universalmente por los críticos. Gracias a la magia de las repeticiones en la televisión, esa pequeña película se convirtió en una de las películas para niños más queridas de todos los tiempos. Ahora, las brujas de Hocus Pocus están de regreso con Hocus Pocus 2, destinada a encantar a los fanáticos actuales nuevamente. En mi caso, he sido fanático de Hocus Pocus y ocupa un lugar especial en mi corazón desde que era un niño. Para muchos, fue un punto de partida para el amor por la época de Halloween y el terror. Cuando escuché que habría una secuela, fui cautelosamente optimista de que podrían lograr algo. Y ahora, con Hocus Pocus 2, los fanáticos descubrirán si la espera de 29 años valió la pena.

Bette Midler, Kathy Najimy y Sarah Jessica Parker tardan unos 30 minutos en aparecer en la película, así que tengan paciencia. Para comenzar, se nos presenta una secuencia introductoria sobre el cumpleaños número 16 de Winnie, donde se ve obligada a elegir entre el matrimonio o el destierro, todo dirigido por el antepasado de Jefry, un feroz villano dispuesto a destruir a la adolescente. Las hermanas Sanderson terminan en las profundidades del bosque, aprendiendo a cargar su magia con la ayuda de una bruja anciana, estableciendo su viaje hacia la brujería, y apoyadas por un libro especial, con Winnie advertida de evitar un hechizo de poder conocido como magicae maxima. La película también brinda tiempo con Becca y sus problemas sociales, distanciada de Cassie, quien está más interesada en los chicos y las fiestas que en la magia, dejando que Izzy la ayude con su ritual anual en el bosque. Conocemos a Gilbert, un verdadero creyente de Salem que posee una tienda llena de artículos de magia, incluida una vela de llama negra que le regala a Becca, que ayuda a reiniciar todo tipo de problemas en la ciudad.

Adolescentes con problemas, ansiedades virginales, fiestas de Halloween y las hermanas Sanderson. Es Hocus Pocus de nuevo en esta secuela. La película mantiene todo familiar con imágenes y sonidos, incluida la llegada de las brujas, que regresan al poder con un número musical para Becca e Izzy. El material pronto ofrece bromas pesadas, con las adolescentes llevando a las brujas a un Walgreens (convirtiéndose en un comercial extendido para la compañía) para darse un festín con las almas de los niños (en realidad siendo cremas), confundiendo temporalmente a las hermanas mientras descubren cómo lidiar. con la nueva/vieja amenaza. Una trama estalla con el ansia de control de Winnie, lo que obliga a Gilbert a reunir ingredientes para un hechizo, lo que lo pone en contacto con el simpático zombie Billy Butcherson, quien está decidido a limpiar su nombre cuando se trata de las Sanderson y sus mentiras. También hay una historia de venganza con Jefry, que intenta ser político, padre y fanático de las manzanas acarameladas, sin darse cuenta de que su antepasado fue la razón por la que las Sanderson se volvieron locas en primer lugar. Hay un momento y un lugar para la comedia rutinaria de Tony Hale, y Hocus Pocus 2 no lo es. El actor ofrece una actuación realmente desagradable.

Las festividades de Halloween pronto comienzan, lo que permite que las hermanas Sanderson suban al escenario, se enfrenten en una competencia de imitaciones y ofrezcan otra canción, una versión de One Way Or Another de Blondie. Hay muy pocas risas en la película, y todas dependen de las travesuras de Midler, Parker y Najimy, que no son emocionantes, pero el guión proporciona una risa decente, viendo a Mary tambaleándose en Roombas cuando una escoba no está disponible para propósitos de vuelo. La película a veces sufre del peso de chistes obsoletos. Incluso frases ingeniosas de los años 90's de cuando las brujas regresaron por primera vez a Salem después de que se encendió la vela negra fueron poco originales. Entiendo que muchas de estas referencias se debieron a que en los 90's fue la última vez que estuvieron entre los vivos, pero se sintió forzado y poco natural. Y el final se sintió un poco demasiado Disney para mi gusto con lo que parecía polvo mágico. Simplemente se sentía fuera de lugar con lo que había estado sucediendo hasta ese punto.

En general, esto es probablemente 29 años demasiado tarde, sin mostrar interés en convertirse en una secuela aventurera con una trama nueva. Se apoya en lo familiar para asegurarse de que los fanáticos reconozcan lo que está sucediendo, y solo reduce algunos de los contenidos más oscuros que contribuyeron a la irregularidad de la primera película. Honestamente es más de lo mismo, y las actuaciones enérgicas ciertamente ayudan a la causa, especialmente Sam Richardson, Whitney Peak y Belissa Escobedo, a quienes les va bien entrando en pánico, y Bette Midler es satisfactoria como Winnie, con la producción utilizando los dotes de la icónica estrella. No hay nada terriblemente emocionante en esto, pero tal vez ese sea el punto, con la directora Anne Fletcher asegurandose de que se construya un puente sólido sobre la larga división entre las películas, brindando a los fanáticos lo que ya han visto para evitar cualquier decepción. Al final, Hocus Pocus 2 brinda entretenimiento en el hogar a una base de fanáticos apasionados, lo que permite a los espectadores volver a visitar repetidamente a las hermanas Sanderson y su reinado de terror infundido con payasadas. 29 años más tarde, Anne Fletcher está a cargo de revivir la marca Hocus Pocus para una audiencia multigeneracional, negándose a correr demasiados riesgos con este semi-remake de la película original, simplemente para ofrecer una continuación que sea capaz de complacer a quienes se han mantenido fieles a la primera película durante décadas. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.