Review: The Pope's Exorcist

En 1987, el padre Gabriele Amorth (Russell Crowe) es el exorcista jefe del Vaticano y usa su entrenamiento y experiencia para eliminar las fuerzas del mal que se aprovechan de los inocentes. En España, Julia (Alex Essoe) ha heredado una abadía en ruinas, con planes para restaurar la propiedad histórica, arrastrando a sus hijos, Amy (Laurel Marsden) y Henry (Peter DeSouza-Feighoney), junto con ella. Mientras limpia los escombros, algo se despierta en las entrañas del edificio, con esta fuerza malvada deslizándose dentro de Henry, convirtiéndolo de un niño amable en un demonio feroz, dejando a su madre conmocionada e impotente para ayudar. Llegan para tratar la situación el padre Amorth y el padre Esquibel (Daniel Zovatto), un hombre más joven que espera aprender del alto funcionario. Esperando derribar cualquier amenaza, el padre Amorth se enfrenta a un demonio que conoce sus pecados y miedos privados, y lucha mientras el sacerdote investiga a su enemigo.

Tal vez los personajes de Russell Crowe en Man Of Steel (2013) y Thor: Love And Thunder (2022) lo hacen pensar en un tipo diferente de franquicia de superhéroes? Porque ese es claramente el caso aquí, un thriller papal sobrenatural en el que Crowe interpreta a..., digamos una versión "altamente ficticia" del exorcista de la vida real, el padre Gabriele Amorth. Y sí, no es como los cientos de otros exorcistas que hemos visto pelear contra demonios y ser vomitados película tras película. Amorth es mejor que ellos, porque es el exorcista del Papa. También es un poco rebelde, bromista y bebedor. Es el Martin Riggs de la diócesis que conduce una Vespa por las calles pedregosas de Roma.

El enfoque en Amorth no importará un poco para la mayoría de los cinéfilos casuales, pero de todos modos es genial. Amorth fue el principal exorcista del Vaticano durante casi cuatro décadas y escribió varios libros sobre sus encuentros con demonios. La película no entra en detalles sobre esto hasta la conclusión, y señala que los "libros son buenos", lo que sugiere que deben leerlos antes de que llegue la supuesta secuela (si, la película termina indicando que viene otra). Desde el principio, Amorth es un rebelde y un iniciador del caos que hace lo suyo. Lo vemos realizando lo que parece ser un exorcismo típico... pero de una manera atípica. Hay un cerdo involucrado y una escopeta. Amorth no gana ningún amigo en Roma, donde sus superiores clérigos buscan ansiosamente razones para despedirlo. “Hablen con mi jefe!”, grita Amorth desafiante, porque fue elegido personalmente por el mismo Papa (interpretado por la leyenda del cine Franco Nero). Esto le da un poco de libertad para ser un idiota, pero un idiota divertido.

En España, Amorth se ve envuelto en la historia de la madre viuda Julia y sus dos hijos, el tranquilo Henry y la adolescente Amy. Afligidos por la reciente muerte del patriarca, se han apoderado de una aislada y espeluznante abadía heredada como parte de su patrimonio. Nadie en la familia está feliz por eso. Menos aún cuando comienzan a suceder cosas extrañas e inexplicables, y Henry comienza a mostrar todos los signos clásicos de posesión demoníaca por parte de una entidad malvada. Ya saben, hablar sucio, tocarle los pechos a su madre, garabatear mensajes desagradables en su propia piel, lo usual. Solo Amorth, con la ayuda de un padre más joven y aparentemente inútil, puede desenredar la red de secretos de la Iglesia que ha desatado esta fuerza satánica en el mundo.

Este subgénero le debe su vida al clásico The Exorcist (1973) de William Friedkin, y un cliché común de estas películas es tomar prestado generosamente de ella. Una de las cosas que hace que The Pope's Exorcist se destaque, más allá de la actuación optimista de Crowe, es cómo utiliza nuestro conocimiento de los crímenes reales de la Iglesia para crear una crisis de fe entre los llamados defensores del bien. Además, el director Julius Avery no limita la acción ni el horror, ya que el alcance de este poderoso demonio se extiende hasta el mismísimo Papa y posiblemente hasta el mundo entero. Otros aspectos se mantienen completamente dentro de lo común de estas películas: la iluminación sombría, la iconografía religiosa y los discursos sobre el poder de la fe.

La batalla final es una lucha épica que ni siquiera pretende estar basada en ninguna realidad. Es un espectáculo de gran presupuesto al estilo Marvel, impresionantemente pesado en efectos especiales. Las películas anteriores de Avery, Samaritan (2022) y Overlord (2018), lo prepararon bien para esta cinta paranormal de ritmo acelerado. Los aspectos positivos superan a los negativos en esta película sobre posesión demoníaca. De hecho, el acento italiano a medias de Crowe y su masticación de escenas me dicen que él piensa que esta es una película terrible sobre posesión demoníaca. Sin embargo, al menos se está divirtiendo, que es más de lo que se puede decir sobre la mayoría de los actores en estas películas. En un intercambio tan horrible que es bueno, Amorth, tratando de ser una espina sarcástica para el endemoniado Henry, bromea diciendo que su peor pesadilla es que "Francia gane la Copa del Mundo". Hay múltiples momentos de incongruencia que dejan a uno estupefacto, pero en otros, Crowe está tan comprometido con lo ridículo que es el diálogo que simplemente sigues adelante. Su Amorth es básicamente John Constantine, peleando la buena batalla contra Satanás con una broma y un trago en la mano. Como dice Amorth en un momento de la película, "Es una pelea que es más larga que la vida de cualquier hombre".

En general, es posible que esto no se diferencie completamente de otras películas de exorcismo anteriores, pero me golpeó con algunas cosas que no esperaba. Quiero decir, quién esperaría que esto era realmente una película de amigos sacerdotes con lo que parecen ser ambiciones de franquicia similares a The Conjuring? Estoy casi seguro que nadie. Y esa es una de las razones por las que me divertí tanto con esto. Eso y una muy buena y divertida actuación de Russell Crowe. Está en una etapa de su carrera donde, lamentablemente, los roles no siempre son los que solían ser. Es genial ver que lo acepte y siga haciendo el tipo de trabajo que puede elevar lo que sea que esté haciendo. Al final, The Pope's Exorcist es una mezcla de terror con una dosis de comedia e incluso un misterio histórico que puede haber sido algo tonalmente inesperado, pero el director Julius Avery de alguna manera logra que funcione. Tengo que decir que la disfruté mucho. Puede que no sea aterradora para los fanáticos del terror, pero nunca es aburrida y se mueve a un buen ritmo. Es probable que no esté entre las 10 mejores películas de terror del año, pero captará su atención y ciertamente vale la pena verla. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Air

En 1984, Nike estaba muy por detrás de Converse y Adidas en ventas generales, en lo que respecta al director ejecutivo Phil Knight (Ben Affleck), viendo cómo el ascenso de atletas estrella beneficiaba a otras empresas. Nike necesitaba algo grande para competir, con Sonny Vaccaro (Matt Damon), un ejecutivo de marketing, encargado de encontrar a alguien prometedor en el mundo del baloncesto. Tal figura llegó en Michael Jordan, un excepcional jugador universitario a punto de emprender una carrera en la NBA, llevando consigo una tremenda promesa de dominio, con sus asuntos supervisados ​​por el agente David Falk (Chris Messina), y sus padres, James (Julius Tennon) y Deloris (Viola Davis). Enfrentando una dura competencia de rivales corporativos preparados para hacer ofertas que cambiarán la vida de Michael, Sonny intenta un enfoque más directo de la situación, reuniéndose con James y Deloris, cara a cara para ayudar a expresar lo que Nike está dispuesto a hacer por el futuro de su hijo. Cuando se fija una fecha para la reunión, Sonny, sus colegas Rob Strasser (Jason Bateman), Howard White (Chris Tucker), y el diseñador de zapatos Peter Moore (Matthew Maher) se ponen a trabajar y preparan una presentación que cambiará la vida para los Jordan y el futuro de Nike.

Es difícil imaginar una época en la que Nike no fuera el primer nombre en calzado, en particular en calzado de baloncesto. Pero en la década de 1980, todavía estaban tratando de entrar en el mercado del calzado deportivo, enfrentándose a la dura competencia de los líderes del mercado, Adidas y Converse. Por supuesto, sabemos cómo resultaría eso eventualmente. La llegada de Michael Jordan y la creación de los Air Jordan revolucionarían la industria y la relación entre los jugadores y las grandes empresas. Pero, quién quiere ver una película sobre cómo Nike descubrió cómo ganar dinero vendiendo calzado deportivo? Bueno, deberían verla, porque Air es mucho más que eso y es una de las mejores películas en lo que va del año.

Tan dulce como un tiro ganador de un juego de Michael Jordan, Air te hace olvidar que en gran parte tiene lugar en salas de juntas y se centra en personas que hablan por teléfono. Ambientada en 1984, la película se centra en gran medida en Sonny Vacarro, a quien Nike ha contratado para salvar su división de baloncesto en quiebra, y que están a punto de cerrar. Es el trabajo de Sonny explorar el próximo draft de la NBA y seleccionar el talento novato que sería mejor para construir marcas. Entonces, mientras otros quieren usar el presupuesto limitado en un puñado de prospectos, incluidos los futuros jugadores de la NBA Sam Bowie y Mel Turpin, Sonny ve algo especial en un jugador de Carolina del Norte: Michael Jordan. Y Sonny quiere hacer algo sin precedentes, que es poner todo el presupuesto en Jordan y nadie más.

La cuestión, y el gran problema, es que Sonny tiene un muro entero de malestar corporativo interponiéndose en su camino. Nadie quiere estar de acuerdo con él en esta tonta apuesta. Invertir dinero en un novato cuando todo el mundo sabe que los grandes intereses son con los jugadores estrella de la NBA? Ridículo. Al cauteloso ejecutivo de publicidad Rob Strasser no le gusta la idea, ni tampoco a su colega Howard White, quien apoya a Sonny pero cree que está apostando a un perdedor. Pero lo más importante, Sonny tiene que convencer a Michael Jordan, quien no tiene ningún interés en firmar con Nike. Incluso, su agente, David Falk, le aconseja a Jordan que se mantenga alejado de Nike.

Air puede tener un guión de Alex Convery, pero se siente como una colaboración de Ben Affleck y Matt Damon. A pesar de centrarse en un grupo de tipos corporativos y un futuro miembro del Salón de la Fama de la NBA, la película parece tener algo entre manos. Eso se debe en gran parte a la actuación central de Matt Damon, quien sobresale con una visión que nadie más puede ver. Excepto que Sonny no es el único que ve el verdadero potencial en Michael Jordan. La otra que ve ese potencial es la madre de Jordan, Deloris, interpretada por Viola Davis por petición personal del mismísimo Michael Jordan. Si Sonny va a convencer a Jordan para que firme con Nike, tendrá que convencerla de que él también ve la grandeza en su hijo y luchará para asegurarse de que obtenga todo lo que le corresponde.

Ben Affleck, en su primer esfuerzo como director desde Live By Night (2016), su único verdadero fracaso creativo, está trabajando aquí en el territorio de Steven Soderbergh y Aaron Sorkin. Sus películas siempre han tenido cierta astucia, pero siempre ha sido sabio al apoyarse en un conjunto extremadamente talentoso. Air no es diferente, ya que se desliza fácilmente entre los personajes que pronuncian monólogos edificantes y grandes discursos a toda velocidad. El propio Affleck ofrece algunos de estos como el excéntrico y colorido fundador de Nike, Phil Knight, quien comenzó la empresa en su garaje, pero ahora siente la presión de dirigir una gran corporación con accionistas a los que atender.

Es fácil ver Air como una declaración sobre apostar por el novato, correr riesgos y desafiar el statu quo. La mayor parte de las películas de Affleck han sido sobre protagonistas que tienen que luchar desde abajo y lograr algo que otros ven como imposible. Si bien siento que su última película The Last Duel (2021) está un poco subestimada, preferiría verlos hacer películas como Air porque se siente como algo en lo que Affleck y Damon están involucrados personalmente. Desde sus humildes comienzos en Good Will Hunting (1997) a proyectos ambiciosos como Project Greenlight (2001-2005, 2015) y su sello de producción recién formado Artists Equity, Affleck y Damon siempre se han preocupado por hacer lo mejor para el "hombre pequeño". Si Air es su declaración de misión en el futuro, entonces cuenten conmigo.

Air también funciona como la combinación perfecta para el reciente documental de los Chicago Bulls The Last Dance (2020), que nos mostró a Michael Jordan en todo su esplendor competitivo y los frutos de su trabajo cumplido. Para los fanáticos de Jordan, la película atrapa porque todas estas personas están trabajando arduamente para garantizar que su grandeza tenga la oportunidad de brillar. Todos sabemos cómo resulta, pero lo que muestra la película es la facilidad con la que todo podría salir mal. Qué hubiera sido de Michael Jordan si Sonny no hubiera tenido el coraje de enfrentarse a sus jefes? Qué hubiera pasado si no pudiera ganarse a la madre de Jordan? Claro, Jordan habría sido una gran estrella de la NBA de todos modos, pero... sería la leyenda que es sin Nike construyendo su imagen? Tal vez, pero probablemente no.

Con un soundtrack lleno de éxitos de los años 80's como Money For Nothing de Dire Straits, Born In The USA de Bruce Springsteen, Ain't Nobody de Rufus/Chaka Khan, Sister Christian de Night Ranger, Sirius de The Alan Parsons Project, Rock The Casbah de The Clash, Can't Fight This Feeling de REO Speedwagon, entre muchas otras, la película mantiene la energía con una conversación tras otra. Lo que algunos pueden encontrar sorprendente es lo divertida y consciente que es la película. Ben Affleck como Phil Knight es un multimillonario bien intencionado pero delirante que conduce un automóvil deportivo y de alguna manera piensa que es un hombre del pueblo. También excelente en un papel pequeño pero fundamental está Marlon Wayans como el jugador del Salón de la Fama del Baloncesto y el ahora director de marketing de Nike George Raveling, cuyo impacto en la decisión de Jordan es inmensa. Por supuesto, no hace falta decir que Matt Damon y Viola Davis son geniales, especialmente en una escena que comparten como dos personas a la sombra de la grandeza de Michael Jordan.

En general, debería ser suficiente saber que Michael Jordan no se interesaría tanto en una película que no mostrara su grandeza. Air es más que merecida, con Ben Affleck demostrando una vez más que es un cineasta con el que se puede contar. Al final, Air es eficiente, divertida y proporciona una mirada interesante y detallada a un mundo del que nunca supe nada. Claro, no pretendamos que Nike fue alguna vez el "hombre pequeño", ni debemos pretender que Amazon está volviendo al juego de distribución cinematográfica con este título. Pero ofreciendo 1 hora y 52 minutos de inmenso entretenimiento con actores veteranos, un director talentoso y un guión maravillosamente espectacular, pueden venderme lo que quieran. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: 65

En el planeta Somaris, Mills (Adam Driver) ha aceptado una oportunidad de empleo como líder de una misión de exploración en el espacio profundo. El trabajo lo alejará de su familia durante dos años, y se resiste a dejar atrás a su hija, Nevine (Chloe Coleman), durante tanto tiempo. Durante el viaje, la nave de Mills es golpeada por asteroides, haciendo un aterrizaje forzoso en un planeta cercano, y la nave se divide en dos secciones. Al inspeccionar el daño, Mills descubre que la mayoría de los tubos criogénicos han sido destruidos, matando a los que están dentro, dejándolo solo para comprender qué sucedió y cómo puede ser rescatado. Koa (Ariana Greenblatt), la única sobreviviente de uno de los criotubos, aparece a la vista y no habla el mismo idioma que Mills, lo que complica la comunicación. Sin embargo, esta dificultad pronto se ve ensombrecida por una amenaza física, con dinosaurios que emergen de la oscuridad para darse un festín con la pareja, quienes se ven obligados a navegar por el peligroso paisaje alienígena para llegar a una cápsula de escape.

Cuando se trata de 65, sus problemas comienzan con su título demasiado simplista. En su mayor parte, cualquier película no puede descansar sobre su premisa y esto es lo que esta película intenta hacer, pero falla miserablemente. Un hombre del futuro que se estrelló contra la tierra hace 65 millones de años tiene una promesa en el papel, no obstante, esa promesa ni sus personajes nunca se cumplieron por completo en la pantalla. Para cumplir con esa premisa, en lugar de cualquier sentido de originalidad, la película recurre a ritmos y clichés de historias derivadas para crear tensión y suspenso, lo que da como resultado algo increíblemente aburrido.

Con un tiempo de duración de 1 hora y 30 minutos, el hecho es que la película apenas tiene una gracia salvadora, ya que no tiene trama alguna y los personajes son muy simples. No va a ninguna parte durante ese tiempo de ejecución, y todo se suma muy rápidamente ya que le da a uno pocas razones para permanecer comprometido o incluso preocupado. Uno no puede evitar pensar en todo ese potencial desperdiciado, ya que la película podría haber sido mucho mejor de lo que fue. En última instancia, aquellos que buscan algo de acción por parte de los dinosaurios probablemente también se sentirán decepcionados. Esta es una película de ciencia ficción que simplemente tenía dinosaurios. Aunque Adam Driver le da cierta credibilidad, no tenía mucho que hacer aquí.

65 sigue a Mills, un hombre de un planeta distante, cuya nave se estrelló en un planeta misterioso que la película hace todo lo posible para que el público sepa que es la Tierra hace 65 millones de años. Liderando una misión exploratoria de 2 años, todas las demás circunstancias esencialmente no importan. Ya uno sabe qué esperar del planeta, por lo tanto, lo único que podría decirse que tenía a su favor es el contraste entre el futuro y el pasado. Apresurándose a través de cualquier desarrollo de personajes que pueda haber tenido, la película no ofrece ninguna razón para preocuparse por ellos. Lamentablemente, la historia era sobre la supervivencia, pero eso solo funciona si hay algo en juego.

Dicho esto, Mills no estaba solo, ya que se toparía con una niña llamada Koa, la única otra superviviente del accidente. Rápidamente surgió un problema cuando los dos se enfrentaron a la barrera del idioma. Aunque la película se basa en esa relación para guiar al público a través de la película, ambos son increíblemente sencillos, por lo que es difícil conectarse a nivel emocional. El objetivo era encontrar un camino de regreso a casa y, para hacerlo, Mills y Koa tuvieron que navegar por un paisaje traicionero e impredecible mientras se enfrentaban a muchos dinosaurios y otras criaturas en el camino. Desafortunadamente, la previsibilidad de todo elimina cualquier elemento de tensión o suspenso.

Para su crédito, la intensidad de la acción aumenta un poco en el clímax, pero en ese momento era demasiado tarde. Más allá de los ritmos y clichés derivados de la historia, el diálogo fue tan tonto que podría decirse que fue el último clavo en su ataúd. Mientras tanto, para aquellos que ven a los dinosaurios como la gracia salvadora de la película, seguramente también se sentirán decepcionados por ellos, son tan genéricos como el resto de la película. Se sintieron como una ocurrencia tardía, suponiendo que alguna vez se pensara en ellos. Está claro que hay una mejor película en algún lugar aquí, pero parece que quedó mucho material en el piso de la sala de edición. Parece ser simplemente un caparazón de lo que podría haber sido.

La mejor parte de 65 fue la actuación de Adam Driver como Mills a pesar de tener muy poco con lo que trabajar. Sin embargo, aprovecha al máximo ese margen de maniobra limitado con el que tuvo que trabajar usando solo su carisma, pero eso solo puede llegar hasta cierto punto. Fácilmente siendo el principal atractivo de la película, hará que la gente vea esto. No obstante, lo ha hecho mucho mejor en innumerables otras mejores películas. Él y Ariana Greenblatt tenían una química decente, aunque esta última solo sirvió para avanzar la trama, ya que ella no aportó mucho más a la mesa con un personaje incluso más sencillo que el Mills de Driver.

En general, a pesar de lo mediocre que es la mayor parte de la película, el acto final casi hace que valga la pena. Con un "dejar lo mejor para el final", 65 explota en una locura de acción humana contra dinosaurios, haciendo el mejor uso de algunos efectos especiales realmente geniales, así como de la fisicalidad de Driver. Él tiene los méritos como estrella de acción, eso ya lo sabíamos, pero se merecía una película mejor que esta. La película tarda demasiado en convertirse en el espectáculo exagerado que debería haber sido desde el principio. Y cuando finalmente se da cuenta de todo su potencial, todo lo que hace es recordarte lo que podría haber sido. Al final, 65 es una gran decepción. Parecía que tenía todo lo que necesitarías para una película divertida de acción y aventura, y la premisa parece que podría haber tenido creatividad y diversión en la acción, pero no hay ni una onza. Esta no es la peor película jamás realizada, nada sobre la dirección o la actuación en sí es terrible, el problema que tiene la película es lo aburrida y poco interesante que es. 

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Tetris

Como propietario de Bullet-Proof Software, Henk Rogers (Taron Edgerton) está buscando un juego para licenciar que cambiará su vida. Encuentra algo interesante en una feria de electrónica de consumo de Las Vegas, y obtiene los derechos japoneses de Tetris, un adictivo juego de rompecabezas creado por el programador informático ruso Alexey Pajitnov (Nikita Yefremov). Con la esperanza de llevar Tetris a la cima, Henk comienza a hacer tratos, tratando de captar la atención de Nintendo. En el camino del éxito se interpone Robert Stein (Toby Jones), un vendedor de software que también obtuvo los derechos del juego, y los gigantes de Mirrorsoft, con Robert Maxwell (Roger Allam) y su hijo, Kevin (Anthony Boyle), que buscan la propiedad de Tetris. Frustrado por el lío, Henk decide arriesgarse y visitar la Unión Soviética, confrontado rápidamente con la forma comunista de hacer negocios, con el gigante de hardware informático ELORG y su representante, Belikov (Oleg Shtefanko), lo que imposibilita las negociaciones debido a que la propiedad legal de Tetris se convierte en un juego en sí mismo, con jugadores muy influyentes.

Hay ciertos videojuegos que son tan trascendentales que puedes recordar la primera vez que los jugaste. Para mí, son Metroid, After Burner, Super Mario Bros. 3, Pac-Man, Shinobi y Tetris. Probablemente no estoy solo en ese último. Podría decirse que Tetris es el videojuego más popular de todos los tiempos y se encuentra en la mayoría de las consolas de juegos de la historia. Su origen también lo convierte en un thriller bastante ingenioso, aunque complicado, como se ve en la nueva película de Jon S. Baird, acertadamente llamada Tetris. No se trata de The Social Network (2010) ni de la aburrida película biográfica de Steve Jobs (2013), sino que se parece más a un thriller político de John Le Carre donde están en juego vidas, incluso el destino de naciones.

Estirando los límites de lo que significa ser una historia basada en hechos reales, Tetris está protagonizada por Taron Egerton como Henk Rogers, un diseñador y editor de videojuegos con mala suerte, grandes aspiraciones y poco mercado para negociar. Durante una conferencia en Las Vegas, se topa con Tetris, el videojuego basado en bloques que eventualmente cambiaría su vida. Henk, que se da cuenta de que todos los que juegan el juego se vuelven adictos a él, se propone asegurar los derechos de publicación de las consolas de videojuegos, las máquinas de arcade y cualquier otra cosa que pueda tener en sus manos.

Sin embargo, Henk no se da cuenta de que está a punto de desencadenar un incidente internacional. En los últimos días de la Unión Soviética, Henk se encuentra en medio de las hostilidades de la Guerra Fría, luchando con agentes del gobierno ruso que preferirían matar a este extraño por intentar llevar algo de ellos al mundo exterior. Tetris fue creado por Alexey Pajitnov, un humilde empleado ruso que diseñó el juego en su apartamento. Alexey conoce bien el peso aplastante de su gobierno opresivo y tiene poco interés en ponerse del lado contrario. Afortunadamente para él, Henk tiene suficiente entusiasmo y tenaz determinación para ambos.

La película encuentra a Hank saltando alrededor del mundo, desde Japón a Rusia y viceversa varias veces. En el camino, hace negocios con Nintendo y echa un vistazo a su arma definitiva, el Game Boy, que eventualmente sería el vehículo para vender millones de cartuchos de Tetris. Pero Henk también se encuentra en el punto de mira de la turbia compañía Mirrorsoft y su sórdido propietario Robert Maxwell y su hijo Kevin, y también Robert Stein, un intrigante intermediario que se cuida a sí mismo.

Esto fácilmente podría haber sido una película muy aburrida sobre compañías de miles de millones de dólares que negocian legalmente y otorgan licencias de un lado a otro, pero el guión nivela todo para que la historia se desarrolle como una experiencia de videojuego. Henk se encuentra huyendo de letales agentes rusos, quedando atrapado por una peligrosa mujer fatale e incluso poniéndose al volante de una persecución de autos junto a los peces gordos de Nintendo Howard Lincoln (Ben Miles) y Minoru Arakawa (Ken Yamamura). Ayudando las cosas, hay imágenes llamativas que recuerdan los estilos gráficos de la década de 1980. Las gráficas de videojuegos de 8 bits se usan como transiciones de escenas, éxitos de los 80's como The Final Countdown de Europe y Opportunities (Let's Make Lots Of Money) de Pet Shop Boys están salpicados en la banda sonora junto con muchos ruidos de juegos retro, mientras que Henk y el elenco de apoyo se encuentran rutinariamente reinventados como creaciones de videojuegos. Todo está muy bien hecho.

Taron Egerton es el corazón y el alma de la película, al igual que Henk Rogers es el corazón y el alma de Tetris. Lo que Henk vio en Tetris fue un juego que podría unir a personas de otros países en un momento en que el mundo no podría haberse sentido más en desacuerdo. Eso es mucho peso para poner en un videojuego simple. Si bien Henk es retratado como un hombre de negocios hábil e inteligente, siempre sentimos que su corazón está en el lugar correcto. Es un equilibrio delicado, pero Egerton lo entiende. Él es el pegamento que mantiene unida esta película y parte de lo que hace que Tetris sea tan memorablemente increíble.

En general, a pesar de que las cosas avanzan rápidamente durante gran parte de la película, se enfoca bastante en la política rusa y las jergas corporativas. Es un efecto secundario un poco desafortunado de una historia enredada en maniobras legales. El guión está sobrecargado de exposición solo para mantener a la audiencia consciente, pero también detiene la película. Mientras Henk se precipita hacia el nivel final, Tetris encuentra su diversión una vez más, y todos los bloques encajan en su lugar para una película entretenida digna de un juego tan histórico. Al final, Tetris está en una liga propia gracias a las elecciones estilísticas y sus secuencias nítidas. Convertir lo que se reduce a una serie de negociaciones prolongadas en una película genuinamente atractiva no es una tarea fácil, pero se las arregla para lograrlo con un mínimo esfuerzo. Tetris sigue siendo uno de los juegos más vendidos de todos los tiempos y, gracias a esta película, la pasión del público en general por este juego no se desvanecerá. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Children Of The Corn

En el pueblo de Rylstone, Nebraska, el maíz alguna vez fue el rey, y los agricultores locales se preparaban para hacer una fortuna con semillas transgénicas corporativas, solo para ver cómo el suelo se envenenaba lentamente, dejando a la comunidad sin futuro. Boleyn (Elena Kampouris) tiene 18 años y se prepara para dejar Rylstone, ir a la universidad en Boston, y dejar atrás a su hermano menor, Cecil (Jayden McGinlay). El padre de Boleyn, Robert (Callan Mulvey), está buscando organizar un movimiento para dejar atrás el negocio de la agricultura, pero Eden (Kate Moyer), una niña que es testigo de los horrores que los adultos han infligido a los niños, encabeza una rebelión. Ella está lista para contraatacar, reuniendo a los jóvenes de Rylstone, ordenándoles que asesinen a sus guardianes, dejando a Boleyn en una inquietante posición de supervivencia, obligada a luchar contra sus compañeros mientras algo más siniestro permanece en los campos de maíz, solo conocido como "He Who Walks".

Basada en un cuento de 1977 publicado por Stephen King, la primera película de Children Of The Corn se estrenó en 1984, y es protagonizada por Linda Hamilton y Peter Horton. El éxito de esa película inició una franquicia que consta de 11 películas en total, dos de las cuales son remakes, incluida esta, y en la que la mayoría se lanzaron directamente a DVD. A pesar de ser una de las franquicias de terror activas de más larga duración, ninguna de las películas en sí es particularmente conocida como un clásico del género (ni siquiera la original) o se habla muy favorablemente de ellas entre la comunidad de terror a pesar de presentar algunas apariciones tempranas en pantalla de Charlize Theron, Naomi Watts y Eva Mendes.

Esta entrada más reciente de la franquicia no es necesariamente una nueva versión de la película de 1984, sino más bien una reinvención de la serie en general que adopta un enfoque diferente al contar la historia ya conocida. A diferencia de la original, que tiene lugar después de que ocurren la mayoría de los eventos horribles, este decide presentar la preparación de esos eventos y mostrar lo que le sucedió al pequeño pueblo en el que tiene lugar. La película se centra principalmente en una brillante estudiante de secundaria llamada Boleyn que se ve obligada a contraatacar después de que una niña psicópata de su pequeño pueblo de Nebraska recluta a todos los niños y se desata una matanza sangrienta, matando a todos los adultos corruptos y a cualquier otra persona que se le oponga.

Esta reinvención de Children Of The Corn tenía mucho potencial, pero desafortunadamente la película rara vez funciona a pesar de los mejores esfuerzos de todos los involucrados. Elena Kampouris ofrece una actuación principal sobresaliente, y Boleyn es lo suficientemente agradable como para que la audiencia se ponga de su lado rápidamente. A Callan Mulvey se le da un papel más importante de lo que normalmente recibe, y hace un trabajo decente como el padre de Boleyn, Robert. La tensa relación de padre/hija entre ambos personajes es fácilmente la historia más convincente de la película, pero desafortunadamente, apenas se enfoca y desaparece bastante rápido en el transcurso de todo lo que ocurre. Fuera de ellos, la película tiene algunos momentos espeluznantes y tomas efectivas de gore, pero fuera de eso, hay muy poco que funcione.

Está claro lo que buscaban el director y los productores aquí, sin embargo, realmente no tenían el presupuesto o los suministros para hacerlo. Todo se siente tan barato y, desgraciadamente, hay bastantes tomas de CGI que se ven completamente inacabadas. La premisa tenía el potencial de ser escalofriante, pero la ejecución está completamente fuera de lugar, ya que parece más divertida que aterradora. Tampoco ayuda que, aparte de Elena Kampouris y Callan Mulvey, no haya ni una sola buena actuación. Kate Moyer como Eden, la principal antagonista de la película, está haciendo lo mejor que puede con el material que se le ha dado, pero por desgracia, nunca resulta tan intimidante o temible como requiere un papel como este. Los otros niños también dan actuaciones decepcionantes y se ven obligados a ofrecer algunas líneas de diálogo muy poco naturales en todo momento. Lo que la hace aún más difícil de ver es que está claro que todos ellos están haciendo todo lo posible por dar buenas interpretaciones de sus personajes.

Quizás el mayor crimen que comete la película es que no aporta absolutamente nada nuevo a esta franquicia a pesar de ser la undécima entrada. La película podría haber hecho muchas cosas nuevas e interesantes, pero se siente como otra entrada derivada y genérica que no se destaca de las demás y está plagada de algunas ediciones entrecortadas en algunos lugares. A pesar de tener un corto tiempo de duración de 1 hora y 32 minutos, se arrastra mucho por no mencionar que es muy aburrida y repetitiva después de solo un corto período de tiempo debido a la familiaridad de todo.

En general, el género de terror nunca ha estado más vivo de lo que está ahora, ya que varias películas de terror de presupuesto extremadamente bajo han encontrado formas de ser extremadamente creativas, inteligentes y exitosas, por lo que realmente no hay excusa de por qué esto no podría haber traído al menos un poco más a la mesa. Si bien no es nada ofensivo, pero probablemente sea lo mejor, esto podría ser el último clavo en el ataúd de esta franquicia. Al final, Children Of The Corn es una desafortunada abominación. El director John Gulager creó una entrada titulada Children Of The Corn: Runaway (2018) que habría servido como una buena película para cerrar la franquicia. Tenía esperanzas de que esta nueva entrada regresara a sus raíces y se apegara más al texto de Stephen King o tal vez incluso fuera una versión más cruda del material. Si bien la película al menos marca las casillas básicas de contener niños y maíz en su historia, ambos están terriblemente mal administrados hasta el punto de la mediocridad. Tal vez sea hora de quemar el maíz para siempre y poner esta serie a descansar, considerando que ha pasado mucho tiempo desde que alguien se ha preocupado adecuadamente por esta franquicia. 

Puntuación: No calenté el aceite para freír las alcapurrias.

Review: Pinball: The Man Who Saved The Game

En 1971, Roger Sharpe (Mike Faist) conoció el mundo de las máquinas de pinball como estudiante en la Universidad de Wisconsin. El nativo de Chicago se enamoró del juego después de aprender más sobre la habilidad requerida para jugarlo, entendiendo el pinball de una manera completamente nueva. Al tratar de conseguir un empleo como escritor en la ciudad de New York, Roger encuentra un escape en las máquinas de pinball ubicadas dentro de una tienda para adultos, sin saber que el juego está prohibido en la ciudad. Al conseguir trabajo en la revista GQ, Roger lucha por encontrar inspiración, pronto reconociendo la salvaje historia del pinball, se dispone a entrevistar a aquellos relacionados con el juego y cuestiona la necesidad de una ley tan ridícula. Durante su misión, Roger conoce a Ellen (Crystal Reed), una madre soltera de la que se enamora, y trabaja para construir una relación con ella mientras atiende las necesidades de su obsesión con el pinball.

Todo el mundo conoce el juego de pinball, pero cuántos conocen verdaderamente la historia detrás de sus orígenes, o el hecho de que fue literalmente criminalizado y prohibido en la ciudad de New York durante más de tres décadas? Pinball: The Man Who Saved The Game es una infinitamente encantadora y superdulce película biográfica que está aquí para responder a todas esas preguntas. El destacado Mike Faist luce un icónico (y gracioso) bigote en una actuación entusiasta y llena de energía que retrata al mago del pinball Roger Sharp, el hombre que salvó el juego.

La película se explora a través de recuerdos, configurada como un documental sobre Roger Sharpe y su extraordinaria experiencia con el pinball. Dennis Boutsikaris interpreta a un Roger más adulto que se sienta para hablar sobre su historia, apareciendo periódicamente en la película para brindar pensamientos sobre acciones personales y su floreciente relación con Ellen, pero se le recuerda con frecuencia que vuelva al tema del pinball. Si bien la historia comienza en 1971, la mayor parte de la película tiene lugar en 1975, cuando Roger sueña con convertirse en escritor y busca abrirse camino en la ciudad de New York, buscando oportunidades en el mundo del marketing. Las empresas no están interesadas, dejándolo con algo de tiempo libre, descubriendo máquinas de pinball dentro de una tienda para adultos, desencadenando una fiebre por el juego, regresando diariamente con monedas para alejarse de los problemas de su vida. La diversión finalmente se detiene abruptamente cuando policías irrumpen en la tienda, destruyen las máquinas y dejan a Roger a la vista de una ley ridícula de la ciudad de New York.

Los directores Austin y Meredith Bragg no se vuelven irreverentes con Pinball, ya que rechazan la tentación de aumentar todo al estilo de los años 70's, y las contribuciones del Roger adulto iluminan los sentimientos que el Roger joven está teniendo problemas para manejar. El guión se concentra en las dificultades profesionales, con Roger finalmente obteniendo un puesto en GQ, solo para carecer de preparación, lo que lo inspiró para cubrir el tema del pinball, mostrando su nuevo conocimiento del juego. También está la saga de Roger y Ellen, el seguimiento de un noviazgo complicado y su situación personal, la gestión de un exmarido irresponsable y las necesidades de Seth, su hijo de 11 años. El romance florece, y la película dedica mucho tiempo a esta pareja, viendo a Ellen revelarse gradualmente a Roger, mientras él se enfrenta a las demandas de una tutela repentina, conectándose con Seth.

Como Roger y Ellen, Mike Faist y Crystal Reed tienen una química increíblemente atractiva desde el principio. También vale la pena señalar la ética de trabajo y los valores adoptados por Ellen, quien en un momento explica cómo trabaja como secretaria para mantener a su hijo, con el fin de evitar recurrir a la asistencia social. Eso es realmente algo para ver en una película. Faist y Reed manejan excelentemente el elemento de la comedia romántica. Bryan Batt y Mike Doyle también ofrecen muchas risas como Harry Coulianos y Jack Haber, los ahora legendarios director de arte y editor de GQ. Entre otras cosas, la película recrea muy bien el entorno maravilloso de la publicación de revistas de los años 70's.

En general, esta es una película de ritmo rápido que agradará al público, pero tiene un punto serio. Hay muchas leyes injustas que se aprobaron originalmente por motivos dudosos y que los gobiernos estatales y locales siguen aplicando. El Departamento de Justicia desafía constantemente las leyes injustas de concesión de licencias profesionales que a menudo se diseñaron como barreras contra la participación económica. El hecho de que sea una “ley” no significa que sea lógico o justo. Claramente, ese fue el caso con la prohibición del pinball en New York. De todos modos, los Bragg obtienen el tono perfecto a lo largo de la película. Al final, Pinball: The Man Who Saved The Game es más que una película simplemente sobre el juego de pinball. Es humor y drama a partes iguales centrada en una historia fascinante de superación y la adversidad frente a los funcionarios del gobierno. Esta es una película que tiene un significado más amplio, pero nunca queda atrapada en su mensaje. En cambio, se mantiene enfocada en sus personajes y sus circunstancias. Esta película merece más atención, ya que realmente creo que los fanáticos del cine encontrarán esta experiencia sorprendentemente satisfactoria. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Super Mario Bros. Movie

Dos hermanos de Brooklyn que esperan hacer realidad su negocio de plomería, Mario (voz de Chris Pratt) y Luigi (voz de Charlie Day) se encuentran en problemas cuando una reparación de rutina termina en un desastre, y los hermanos caen a través de un túnel conectado a el Mushroom Kingdom. En el reino mágico, Bowser (voz de Jack Black) ha venido a reclamar una novia en Princess Peach (voz de Anya Taylor-Joy), encontrándola decidida a rechazar su oferta matrimonial. Separado en el caos, Luigi se convierte en prisionero de Bowser y Mario encuentra su camino hacia Princess Peach y Toad (voz de Keegan-Michael Key). Mientras el trío se prepara para enfrentarse a su enemigo, Mario necesita entrenamiento para navegar la extraña magia y los desafíos de su nuevo entorno, ya que encuentra muchos problemas en cada esquina.

Para 1993, Nintendo había convertido el concepto de los videojuegos de una curiosidad tecnológica en una de las formas de entretenimiento más exitosas. Desde Donkey Kong hasta The Legend Of Zelda y, por supuesto, su juego más exitoso, Super Mario Bros., Nintendo ha creado una lista impresionante de franquicias que impulsan el medio y agotan los estantes de las tiendas en todo el mundo. Con la consola SNES (Super Nintendo Entertainment System) llegando a los hogares en 1991, Nintendo estaba en la cima del mundo. Tal vez dejaron que sus ambiciones se apoderaran de ellos cuando decidieron expandir los videojuegos más allá y adaptar su serie más popular a una película de live action. Super Mario Bros. (1993) fue la primera adaptación de un videojuego y, a menudo, se menciona como una de las peores, lo que dice mucho si se tiene en cuenta la calidad de la mayoría de las adaptaciones de videojuegos. La película sentó un precedente negativo para las adaptaciones de videojuegos en el futuro y detuvo las aspiraciones de Nintendo de producir películas... hasta ahora.

Entre la serie The Last Of Us de HBO y ahora The Super Mario Bros. Movie, este año nos ha demostrado que es posible hacer adaptaciones de videojuegos de calidad. Nintendo ha trabajado con Illumination Entertainment para reunir un equipo de directores, escritores, actores y animadores, que claramente tienen una inversión en esta franquicia y quieren hacerle justicia. La película es un tributo cariñosamente elaborado y contagiosamente nerd a la franquicia de Mario y sus muchos derivados, repleto de referencias que sin duda pondrán una sonrisa en la cara de cualquier jugador veterano.

Ubicados en Brooklyn, New York, Mario y Luigi tienen mala suerte como plomeros y deciden comenzar su propio negocio después de dejar Wrecking Crew. Cuando un problema en las alcantarillas provoca una inundación en Brooklyn, los hermanos usan la situación como una oportunidad para hacerse un nombre. Mientras intentan encontrar la causa del problema, los hermanos se topan con una tubería misteriosa que los succiona a otro mundo, pero en medio del caos, los dos se separan. Mario aterriza en el Mushroom Kingdom, mientras que Luigi termina en la guarida negra de Bowser. Mario se hace amigo de Toad y Princess Peach, quienes lo acompañan en su viaje para salvar a su hermano y el Mushroom Kingdom.

Los videojuegos de Mario siempre se han centrado en gran medida en la jugabilidad en lugar de la narrativa, por lo que los escritores aquí tuvieron el desafío único de crear una historia completa basada en una premisa muy vaga. Si bien la narración es simplista, hace un gran trabajo al desarrollar sus personajes y el mundo que los rodea. La película profundiza en los elementos más convincentes del videojuego, desde el fuerte vínculo fraternal de Mario y Luigi, hasta la floreciente relación entre Mario y Princess Peach. También realiza algunos cambios necesarios. En particular, le da a Princess Peach su propio arco de personaje y la convierte en uno de los héroes de la historia, en lugar de alguien a quien Mario debe salvar.

Un tema importante de discusión para la película fue el elenco de voces. Muchos fanáticos se mostraron particularmente en desacuerdo con la elección de Chris Pratt como Mario, especialmente después de que se reveló que se estaba alejando del acento vocal que utiliza Charles Martinet en la serie de videojuegos. Si bien la interpretación de Pratt puede sorprender a algunos fanáticos al principio, hace que el personaje sea propio y logra un buen equilibrio entre el acento italiano exagerado por el que Mario es conocido y un acento de Brooklyn que hace que el personaje se sienta más moderno y conectado a tierra. Funciona para la película, y está claro que Pratt se divirtió mucho grabando sus líneas. En cuanto a las otras actuaciones, Jack Black es sin duda el más destacado. Su interpretación de Bowser, amante del heavy metal y las baladas, es igualmente amenazante y gracioso. Otro destacado es Charlie Day, quien también ofrece una actuación muy entretenida como el hermano menor y tímido de Mario, Luigi.

El elemento más impresionante de la película es sin duda la animación. Illumination Entertainment se superó a sí misma, creando una película colorida y visualmente impactante que emula a la perfección la mecánica de los videojuegos. Ver estos personajes icónicos representados en alta definición y en las diversas ubicaciones del juego en la pantalla grande es una experiencia mágica para los fanáticos de la franquicia. Desde persecuciones en karts a alta velocidad hasta emocionantes peleas entre Mario y Donkey Kong (voz de Seth Rogen), la película está repleta de secuencias de acción extremadamente bien animadas que hacen un trabajo estelar al recrear los muchos estilos de juego de los spin-offs de Mario.

Si bien la película complacerá a los gamers y fanáticos de Mario, aquellos que no estén tan familiarizados con Nintendo y la mecánica de los juegos pueden sentirse perdidos. Está tan repleta de homenajes a otros juegos de Mario y propiedades intelectuales de Nintendo, que a veces puede parecer abrumador y distraer la atención de la historia. Si bien la película funciona como una empresa independiente, está claro que Nintendo está intentando configurar un universo compartido y, en algunos puntos, pone demasiado énfasis en establecer los componentes básicos para entradas posteriores en la franquicia.

En general, esta es una película divertida tanto para niños como para adultos, siempre y cuando estén familiarizados con la franquicia de Mario. Si bien no reinventa la rueda, sigue siendo una película bellamente animada y completamente atractiva que revela la posibilidad de que Nintendo se expanda y haga más películas basadas en sus otras propiedades intelectuales. Al final, The Super Mario Bros. Movie es entretenida y siempre está en constante movimiento mientras busca deleitar a los espectadores con bromas, canciones y acción. La película pierde un poco de velocidad en el acto final, pero hay una clara emoción a lo largo de esta producción, lo que hace comprensibles los problemas de ritmo. Ha pasado demasiado tiempo que Nintendo ha tenido miedo de usar sus personajes en la pantalla grande, pero me alegra ver que ese tiempo ha terminado. Tienen una gran cantidad de marcas populares que esperan unirse como parte de un universo cinematográfico de Nintendo. En una escena en particular, se ve a Mario jugando el juego clásico Kid Icarus, y mi pensamiento inmediato fue "Nintendo hará una película de Kid Icarus algún día?" Para toda una generación de jugadores y amantes de las consolas Nintendo, The Super Mario Bros. Movie los entusiasmará con todas sus posibilidades. Nota adicional: hay 2 escenas más en los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Dungeons And Dragons: Honor Among Thieves

Edgin Darvis (Chris Pine) fue una vez un miembro noble de The Harpers, tratando de hacer algo bueno en el reino de Neverwinter. Después de que su esposa es asesinada, Edgin busca comenzar una nueva vida para él y su hija, Kira (Chloe Coleman), uniéndose a la bárbara Holga Kilgore (Michelle Rodriguez), el hechicero Simon Aumar (Justice Smith) y su compañero de confianza Forge Fitzwilliam (Hugo Grant). Cuando una misión para recuperar una tableta de resurrección sale mal, Edgin y Holga son enviados a prisión por dos años, mientras que Forge se hace cargo de Kira. Al planear un escape, Edgin y Holga hacen planes para terminar lo que comenzaron, solo para descubrir que Forge es un villano que trabaja para apoderarse de Neverwinter y recolectar riquezas, junto con la malvada Sofina (Daisy Head), una poderosa Red Wizard. En busca de venganza y la tableta, Edgin y Holga se reúnen con Simon, y también encuentran el apoyo de Doric (Sophia Lillis), una druida cambiaformas que puede ayudar a la pandilla a entrar en la bóveda fuertemente custodiada de Forge.

En Hollywood, nunca es seguro tomar algo amado por millones y convertirlo en una película. Las adaptaciones fallidas ocurren todo el tiempo, pero rara vez fallan tan espectacularmente como la película del 2000 Dungeons And Dragons, que no capturó nada de la diversión y la energía del legendario juego de mesa. Fue tan mala que se necesitaron más de dos décadas para que alguien se atreviera a intentarlo de nuevo por temor a equivocarse. Afortunadamente, Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves es todo lo que la película anterior no era. Con un par de cineastas que genuinamente aman este mundo de magia y monstruos, y un elenco que se disfruta cada momento, no hay riesgo en tirar los dados aquí. Dungeons And Dragons: Honor Among Thieves es tan divertida como jugar el juego en sí.

Siempre hay algo que decir sobre permanecer seriamente fiel al material de origen, pero aquí hay aún más para jugar. Los directores John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, el dúo detrás de la graciosa Game Night (2018) y escritores de muchas otras comedias, son mejores cuando se les da la libertad de ser lo más tontos posible. El mundo de Dungeons And Dragons invita a un cierto nivel de humor que Daley y Goldstein explotan al máximo, al mismo tiempo que agregan elementos de otros géneros, incluidas las películas de atracos.

Pero principalmente, están destinados a reírse de las desventuras de los ladrones con problemas Edgin Darvis y Holga Kilgore. Desde el principio, estos dos están muy por encima de sus cabezas. Una vez que formaron parte de un grupo de ladrones, un encuentro con una poderosa maga oscura los ha dejado capturados y encarcelados en un campo de prisioneros. Después de explotar la fisiología única de un miembro de la junta de libertad condicional para lograr un escape, deben reunirse con la hija separada de Edgin, Kira, a quien ambos cuidaban. Sin embargo, hay un problema. Mientras estaban presos, su exsocio criminal Forge Fitzwilliam se ha convertido en el señor de Neverwinter y también tiene el control de Kira. Para recuperarla, Edgin y Holga tendrán que emprender una misión mortal que los llevará a los rincones más oscuros del reino, enfrentándose a una magia más profunda y peligrosa.

Como cualquier buena película de atraco, se reúne un equipo adecuado para llevar a cabo el crimen. Este es uno de los muchos aspectos destacados de la película porque el elenco y los personajes son fantásticos y aportan algo diferente, generalmente bromas, a la mezcla. Está el patético mago Simon Aumar, la enojada druida cambiaformas Doric y Xenk Yendar (interpretado por Rege-Jean Page), un paladín serio que es mucho más héroe de lo que este grupo puede soportar. 

El contraste entre el Edgin de Chris Pine y el Xenk de Rege-Jean Page es muy divertido. Tradicionalmente establecido en el papel de héroe principal, Pine es en cambio un líder ineficaz. Edgin es a menudo la fuente de muchos de los fracasos del grupo, y también de los obstáculos que se interponen en su camino. Piensen en él como un Star-Lord menos efectivo, liderando su propia banda de idiotas. Es un gran papel para Pine, que es encantador y divertido en igual medida. Sus mejores actuaciones son cuando parece estar más a gusto, y claramente está cómodo y amando cada minuto de esto.

No obstante, Chris Pine no está solo. Rege-Jean Page nunca antes había estado tan relajado en la pantalla, y irónicamente es el personaje más rígido que jamás haya interpretado. Incluso el andar de Xenk es fuente de bromas. Es un arquetipo familiar para Michelle Rodríguez interpretar a una mujer ruda, más ruda que todos los chicos juntos, pero es tan buena en eso que no necesitamos saber mucho sobre Holga. Y Hugh Grant, en este punto de su carrera, es instantáneamente sombrío, por lo que sabemos que debemos tener sospechas del viejo Forge de inmediato. El CGI también es impresionante, ya que entrega una variedad de rarezas a la odisea. Goldstein y Daley trabajan duro para respetar el juego original y toda su famosa construcción de mundos, ofreciendo una comprensión densa del lenguaje y los términos, pero ganan cuando la película disfruta de las formas de Dungeons And Dragons, tratando de usar tanto como sea posible del ambiente del juego sin alienar al espectador promedio.

Capturando el espíritu del juego de que "cualquier cosa puede pasar", la película está llena de grandes demostraciones de magia, lugares llenos de horror y misticismo, y una salvaje variedad de criaturas. Daley y Goldstein hacen un buen trabajo al usar cada escenario, generalmente para hacer reír. Hay una gran escena en un cementerio lleno de cadáveres que realmente les dará mucha risa. Ocasionalmente, el tono se desvía, ya que tanta comedia puede hacer que lo que está en juego, que es bastante serio considerando las cosas, se sienta sin importancia. La película lucha por encontrar su centro emocional, que es el vínculo entre un padre y una hija, algo que se pierde fácilmente con tantas cosas sucediendo.

En general, con todo lo que sucede en la película, es increíblemente entretenida. Hace lo que a menudo es difícil de hacer, que es crear un mundo de fantasía épico, aventurero y divertido. Podrías invitar a cualquiera a ver esto y encontrarán algo que les encantará. Solo puedo imaginar que para los jugadores veteranos del juego es aún mejor. Pero incluso si no eres un jugador, la película se siente como si hubiera sido hecha por personas que aman Dungeons And Dragons y quieren que a otros también les encante. Al final, Dungeons And Dragons: Honor Among Thieves es una aventura muy divertida, muy bien organizada y una película brillante que, para ser honesto, te hace olvidar que la película del 2000 existió. Presentando una mezcla de Shrek (2001) y Game Of Thrones (2011-2019), el cuidadoso equilibrio de tonos y géneros hace que la película sea accesible para cualquier fanático del cine. Aquí está el principio y la esperanza de que esto genere una franquicia ferozmente agradable. Hasta ahora, esta es la mayor y mejor sorpresa del 2023. Nota adicional: hay una escena extra entre los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: John Wick: Chapter 4

El High Table busca contener la ira de John Wick (Keanu Reeves), con el líder Marquis de Gramont (Bill Skarsgård) a cargo de acabar con el asesino imposible de matar. El Marquis golpea a John donde más le duele, cerrando el New York City Continental, poniendo al gerente Winston (Ian McShane) en medio del conflicto. En Japón, John se encuentra con una nueva amenaza y un viejo rostro, con el asesino ciego Caine (Donnie Yen) encargado de detener al estadounidense, quien logra sobrevivir, y pronto encuentra su camino a Berlín, haciendo planes para reconectarse con su pasado para enfrentar su futuro, ayudado por Winston y Bowery King (Laurence Fishburne). Buscando el final de su larga pelea, John se entera de la finalidad de todo con un duelo, desafiando al Marquis a un combate en París, pero el Marquis eleva el precio de la cabeza de John, tratando de asegurarse de que no asista a tal combate.

Solo hay un puñado de películas de acción que considero verdaderamente nivel Dios. Ya saben, Face/Off (1997), Mad Max: Fury Road (2015), The Killer (1989) y The Raid (2011) están ahí arriba, junto con Terminator 2: Judgment Day (1991). Desde que se lanzó la franquicia en 2014, John Wick ha coqueteado constantemente con estar a ese nivel. La pequeña película de venganza que vio a Keanu Reeves vengarse fríamente por la muerte de su esposa y su perro ha crecido a pasos agigantados. El manejo de las armas y la espada se ha vuelto aún más hábil, los trajes de John Wick han mejorado y el mundo en el que vive se ha vuelto más grande y aún más complejo a lo largo de los años. John Wick: Chapter 4 es todo lo que esta franquicia ha hecho bien llevado al máximo. Son 2 horas y 40 minutos de violencia majestuosa y bellamente orquestada que los dejará boquiabiertos. Y sí, es nivel Dios.

John Wick: Chapter 4 es verdaderamente magistral y la mejor película de John Wick hasta el momento. Es de esas películas que puedes ver un millón de veces y nunca te vas cansar. Lo mejor que hace es realmente comenzar a contemplar de qué se trata toda esta violencia. Esto ya no es solo una venganza por la muerte de la esposa y el perro de Wick. Ya hace mucho que cobró esa deuda. Entonces, de qué se trata esta pelea? Bueno, el High Table todavía tiene un marcador sobre él. Ha estado bajo su dominio durante demasiado tiempo, y ahora John Wick busca la paz que hace tiempo lo eludió.

La pregunta es: hasta dónde llegará John Wick para encontrar esa paz? Y cuántos de sus ya demasiado pocos amigos está dispuesto a sacrificar? Esta película pone esa última pregunta en primer plano, con la muerte de un personaje favorito desde el principio. También vemos la llegada de dos de los viejos amigos de John: Shimazu Koji, jefe del Osaka Continental Hotel, y Caine, un asesino ciego obligado por el High Table a matar a Wick de una vez por todas. También vemos el regreso de Winston, jefe del New York Continental Hotel y amigo voluble de Wick, y Bowery King, que continúa apoyando a Wick. También se incluye en la mezcla un rastreador misterioso, Mr. Nobody, que con la ayuda de su fiel pastor alemán es un factor x peligroso e impredecible.

Son más amigos de los que John Wick ha reunido en cualquier película, pero eso es una razón, ya que esta es su pelea más grande. Básicamente se enfrenta a todo un mundo de asesinos, liderados por el Marquis de Gramont, quien está manejando este negocio para el High Table. Cada película de John Wick ha agregado profundidad y comprensión al complejo mundo de los asesinos en el que existe Wick. Esta revela la mayor parte, agregando nuevas ubicaciones, reglas, leyendas y pandillas a la mezcla. Un verdadero asunto es los saltos de ubicación, la acción tiene lugar desde Nueva York a Japón y de Alemania a París, con un rastro de sangre y cuerpos apilados como millas de un viajero frecuente. Incluso hay 2 secuencias sacadas directamente de Lawrence Of Arabia (1962) y The Warriors (1979) y, ya saben, si van a tomar algo prestado, tómenlo de lo mejor.

El director Chad Stahelski ha ganado confianza con cada película y su huella se ha vuelto más pronunciada. Claramente se está divirtiendo más que nunca con los escenarios, mezclando ángulos de cámara para darle a la película una sensación más parecida a la de un videojuego. Y así es exactamente como John Wick debería ser, como si estuvieras viendo un videojuego de acción en vivo. Con ese fin, Keanu Reeves se desliza entre las balas con tanta facilidad que pensarías que está siendo controlado por un joystick. Incluso la forma en que se retrata a Wick se ha vuelto un poco más extravagante, llevando el aspecto fantástico a otro nivel. Esta vez luce una chaqueta de traje a prueba de balas, por lo que los disparos rebotan en él como si nada. Con esto, se enfrenta literalmente a docenas de enemigos con toda la puntería y el ingenio de un ejército de Stormtroopers. Wick también toma sus golpes y una buena cantidad de balas, pero es divertido ver tantos tiros que fallan desde un ángulo a quemarropa. Simplemente tienes que ir con eso porque todo se ve genial. Con los azules y rojos de neón amplificados aún más, la película crea unas imágenes que quedarán grabadas en tu cerebro. Quiero decir, Wick dispara armas en casi todas las formas imaginables, y siempre es un viaje ver las nuevas formas en que le va disparar a las personas. Pero tan bueno como es con las armas, en realidad podría ser mejor con los nunchakus.

Sin embargo, el verdadero destacado es, sin duda, Donnie Yen como Caine. Yen no solo se roba completamente el espectáculo, sino que Caine puede ser el personaje más interesante que la franquicia haya visto jamás, y me encantaría ver un spin-off que gire en torno a él. Otros personajes destacados son Hiroyuki Sanada como Shimazu Koji, en un sorprendente giro de lealtad y honor. Rina Sawayama como Akira, que tiene un gran rostro y una mala actitud aún mayor. Shamier Anderson como Mr. Nobody es divertido de ver. Scott Adkins como Killa es un jefe del High Table y aparentemente imposible de matar por su gran tamaño. Además, parece que podría ser el gemelo malvado de Wilson Fisk, y la pelea en la que se involucra con John Wick es como algo sacado de un comic. Natalia Tena es maravillosa como Katia, la hermana adoptiva de John Wick y líder del Ruska Roma. Clancy Brown como Harbringer, Ian McShane como Winston Scott, Laurence Fishburne como el Bowery King y Lance Reddick como Charon hacen un trabajo previsiblemente excelente. Puedes poner a esos actores en cualquier película, y instantáneamente será más emocionante y mejor gracias a eso. Bill Skarsgård como el Marquis Vincent de Gramont no es terriblemente francés, pero hace un buen trabajo al ser el antagonista cómo un joven arrogante que quiere todo a su manera o de lo contrario mueres.

En general, no está claro cuál es la siguiente dirección. Recientemente, Stahelski dijo que él y Reeves "terminaron" con John Wick por ahora, lo que sugiere que podría pasar mucho tiempo hasta que volvamos a ver a Baba Yaga. Con una serie de televisión de The Continental y la película Ballerina con Ana de Armas, el universo de John Wick está vivo y bien incluso sin Reeves. Pero el punto ha sido insistido repetidamente desde la primera película: John Wick nunca puede vencer su verdadera naturaleza. No hay paz para alguien como él. Y sí, estoy seguro que John Wick volverá. Al final, John Wick: Chapter 4 es una brillante película de acción que consolida a la franquicia como una de las mejores que el género haya visto. También es una fascinante sinfonía de violencia y muerte con un mensaje sobre la amistad, el honor y la familia. Dirigida y coreografiada con maestría, John Wick: Chapter 4 es, sin duda, una de las mejores películas de acción de este siglo.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Shazam! Fury Of The Gods

La vida es complicada para Billy Batson (Asher Angel) y su forma alterna con superpoderes Shazam (Zachary Levi), con el chico a punto de cumplir 18 años, se enfrenta a la edad de ser removido del programa de acogida que ha llegado a amar. Se le une su heroica familia, que incluye a Freddy (Jack Dylan Grazer/Adam Brody), Eugene (Ross Butler/Ian Chen), Darla (Faith Herman/Meagan Good), Mary (Grace Caroline Currey) y Pedro (D.J. Cotrona/Jovan Armand), con la esperanza de mantener unido al grupo mientras trabajan para proteger a la ciudad de Philadephia de las amenazas, pero el trabajo en equipo comienza a desvanecerse a medida que todos hacen planes para el futuro. Rompiendo la ansiedad de Billy está la llegada de Hespera (Helen Mirren) y Kalypso (Lucy Liu), dos hijas de Atlas que buscan recuperar el Bastón de los Dioses, dándoles poder para controlar a la humanidad. Al marchar hacia la batalla, Shazam rápidamente se da cuenta de que no puede contener la situación, mientras que Freddy se distrae con Anthea (Rachel Zegler), una estudiante nueva en la escuela interesada en la amabilidad del niño y su acceso a los superhéroes.

En el 2019, Shazam! presentó al público a Billy Batson, el adolescente que podía pronunciar el nombre "Shazam!" se convirtió en un superhéroe interpretado por el simpático Zachary Levi. Ahora se nos vuelve a presentar a Billy como un adolescente mayor y no mucho más sabio. Temeroso de dejar atrás el sistema de acogida y perder a su nueva familia (que también tiene superpoderes), Billy pasa gran parte de la película preocupándose por la separación de su nueva familia mientras lucha contra las Furies. A propósito del núcleo serio de la difícil situación de Billy, la película es increíblemente divertida, logrando ese cuidadoso equilibrio entre la gravedad de tener poderes divinos y el humor de la vida cotidiana con el que tantas películas de superhéroes han luchado recientemente (Thor: Love And Thunder viene a mi mente). Si les gustó la primera película, les encantará esta secuela.

Las Furies son interpretadas por Helen Mirren, Lucy Liu y Rachel Zegler, con una actuación sólida como semidiosas que quieren recuperar los poderes mágicos que tienen Billy y su familia. Las hermanas Fury son un conjunto único de villanas, que buscan venganza pero discuten constantemente. Es una yuxtaposición interesante entre dos familias en guerra con poderes divinos. Cuando las dos familias chocan, las peleas tienen una coreografía impresionante y son entretenidas, aunque se siente injusto ver a Zachary Levi golpear a Helen Mirren. Desde su primera escena introductoria, muestran lo amenazantes que pueden ser. Cualquiera que quisiera ver a Shazam pelear contra Black Adam estará más feliz de que podamos ver un choque mucho más interesante y único.

Billy y su familia Shazam-esca intentan ser los superhéroes locales en Philadelphia y comienzan salvando a todos en un puente que se derrumba. Su optimismo juvenil contrasta con la seriedad del desastre que ocurre a su alrededor y son apodados los "Fiascos de Philadelphia" por sus esfuerzos. A medida que las Furies descienden sobre la ciudad trayendo caos y muerte, David F. Sandberg vuelve a dirigir y su experiencia en películas de terror está bien ubicada para encontrar el humor en los momentos más oscuros sin afectar el impulso de la película. Cada una de las Furies intenta quitarle los poderes a Shazam y sus hermanos, lo que culmina en una gran pelea. Si bien DC tiene la costumbre de enfrentar a un superhéroe contra un gran monstruo de CGI, al menos esta vez no es inesperado y está configurado de antemano.

Ahora, si la premisa de los superhéroes no es nada especial, el ángulo mitológico está muy bien elaborado. Los efectos son en su mayoría muy buenos y la película se beneficia enormemente de esto. Sin embargo, quizás lo más importante es que la elección de tres actrices extremadamente capaces como las tres hermanas da buenos frutos, dando a las villanas un peso dramático muy raro en películas como esta. Zachary Levi y el resto de los niños convertidos en superhéroes adultos, traen de vuelta esa maravilla que ha faltado en el género durante años. Ha habido mucho desorden detrás de escena con DC y Warner Brothers, desde el retraso de The Flash hasta la recontratación y el despido de Henry Cavill como Superman. Es una pena ver una película de superhéroes llena de diversión quedar atrapada en todo ese desastre.

En general, como película de DC... es genial. Como una porción impresionante de la mitología griega vertida a través de impresionantes efectos visuales en una predecible película de superhéroes... es fantástica. Mencioné que las tres villanas principales, especialmente Helen Mirren, son maravillosas? Incluso con las dos escenas de los créditos, promete un universo DC más cohesivo. Independientemente de lo que piensen del drama de DC y Warner Brothers, vale la pena verla. Al final, Shazam! Fury Of The Gods es muy buena y simplemente eleva y toma maravillosamente todo lo de la primera película. Las risas aquí han sido adaptadas para hacerlas genéricas a todos los rangos de audiencia, no solo son dirigidas a edades más jóvenes. Es graciosa, entretenida, épica, y tiene una gran mezcla de acción, mitología y horror. Sinceramente tiene algo para todo el mundo. Si son fans de la primera película, esta les encantará.

Puntuación: 4 alcapurrias.