Review: Disco, Ibiza, Locomía

Xavier Font (Jaime Lorente) es un joven catalán, abiertamente gay, que emigró a Ibiza en los años 80's gracias a la fama libertina de la isla. Allí, con un grupo de casi todos chicos, pero también una chica, Lurdes Iríbar (Blanca Suárez), intentan sobrevivir como pueden de peluqueros, diseñadores de trajes y cosas que venden en la calle, e incluso, en la última etapa, como bailarines en la discoteca Ku. Es en Ku donde los atuendos extravagantes de Xavi y Lurdes llaman la atención del productor José Luis Gil (Alberto Ammann), quien los invita a lo que puede ser una aventura apasionante, formar un grupo, al que nombrarán Locomía, como ya se llaman a sí mismos los chicos, que revolucionará el panorama musical español e hispanoaméricano de finales de los años 80's y principios de los 90's.

En 2022 la serie/documental Locomía, dirigida por Jorge Laplace, trataba sobre un fenómeno sociológico de finales de los años 80's hasta casi mediados de los 90's que ciertamente sorprendió, la aparición del grupo musical Locomía, aunque también se puede escribir Loco Mía. Fue un grupo de electro-pop con vestimentas que cruzaban entre un payaso de circo y un torero con hombreras gigantes y bailaban de manera sincronizada con abanicos de mano. Con el vestuario diseñado por Xavier Font, fundador del grupo, y la visión comercial del productor musical José Luis Gil, Locomía se disparó con un potencial enorme y una estética andrógina ambigua. Ese documental, que sin duda fue muy bueno, podría ser el argumento de una historia muy atractiva, porque hay elementos más que suficientes para ello.

Por lo que veo no me equivoqué, porque aquí tenemos un largometraje en el que se dramatizan los hechos esenciales, la creación, el ascenso y la caída del grupo. La película comienza de manera peculiar, ya que es narrada por una chica, que dice, más o menos, que esta es la historia de Locomía, aunque se han cambiado algunos nombres y también algunas circunstancias, pero que en esencia esa es la historia. A partir de ahí conocemos a Xavier Font, Lurdes Iríbar y un grupo de personas con los mismos intereses, mayoritariamente chicos y algunas chicas. Sin embargo, Disco, Ibiza, Locomía tiene un aspecto personalizado que deja a uno sin aliento.

Debido a que la historia del grupo musical fue una oportunidad que no podía ni debía desperdiciarse, desde la peculiaridad de sus orígenes, y con varios de los chicos que no cantaban para nada, Locomía hizo de su extravagante vestuario y sus gigantescos abanicos sus señas de identidad, hasta su final, cuando Xavier Font y José Luis Gil se enfrentaron en una lucha despiadada que acabó por destrozar el nombre del grupo, poniendo así fin a la gallina de los huevos de oro.

Pero lo que resultó potente en el documental, sobre todo en el enfrentamiento entre Font y Gil (cada uno por separado en la entrevista que concedieron), y que dio una idea de hasta qué punto el rencor de Font, pero también del el cálculo y la táctica de Gil, destruyeron un fenómeno verdaderamente singular, no se encuentra en esta película y, por supuesto, son un poco menos que dignos de la historia, contada aquí en torno a una reunión que intenta llegar a un acuerdo antes de acudir a los tribunales. Desde esa perspectiva, tenemos los testimonios de Font, Gil y los otros miembros del grupo con la ayuda de una mediadora.

Jaime Lorente, en el papel de Xavier Font, parece muy poco convincente. Como el líder de Locomía interpreta a un personaje difícil de creer, a pesar de sus esfuerzos, que son reconocidos, como las falsas acusaciones que saca a la luz, pero son poco creíbles. Blanca Suárez se desempeña mejor como Lurdes Iríbar, diseñadora e integrante inicial del grupo, aunque en un papel secundario como corista. Pero el mejor de todos es Alberto Ammann, quien, acertadamente caracterizado interpreta de manera convincente a José Luis Gil, un tipo sistemático, pragmático y bien posicionado en la industria discográfica, que encontró en Locomía la piedra filosofal para transformar a cada uno de los integrantes (algunos que cantaban como gatos siendo torturados) en un grupo que fue el acontecimiento musical de su época.

En general, con el director Kike Maíllo tras las cámaras, hay que tener respeto por la historia que quiere contar, su elegante narrativa, y la cuidadísima estética de los visuales. Pero hay varios detalles y varios planos que no se ven en este tipo de producciones y que hace que la historia sea más atractiva. También tiene una duración bastante ajustada, apenas 1 hora 45 minutos, que hace que no se aburran nunca, pero es cierto que el tramo final se acelera demasiado y no deja espacio para muchos eventos interesantes. Pese a ello, es una película interesante. Al final, Disco, Ibiza, Locomía es un viaje no sólo por la historia del grupo, sino también por una época (y fuera de ella) en la que todo era posible. La película no esconde absolutamente nada, no sólo en el tema de sexo, drogas, y fiestas, sino en los más complicados temas de celos, traiciones, desamores y pérdidas, que son los que dan vida a una historia mucho más compleja de lo que puede parecer. Es realmente divertida y entretenida de ver, y está llena de matices entre las luces y las sombras.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Longlegs

La agente de FBI Lee Harker (Maika Monroe) se embarca en la búsqueda de un sospechoso de una serie de asesinatos y suicidios conocido como Longlegs (Nicolas Cage), y su jefe, el agente Carter (Blair Underwood), está ansioso por trabajar con las habilidades psíquicas de la joven. Lee está perturbada por toda la investigación, que cubre más de 20 años de ataques brutales a familias, y existe una conexión personal, ya que Longlegs se acercó a ella justo antes de su cumpleaños y le regaló unos criptogramas. Lee trabaja en soluciones y sigue cualquier pista que pueda encontrar, tratando de acercarse a un hombre extraño que parece tener control sobre los demás. Lee está preocupada por un posible rompecabezas de la muerte que Longlegs pueda estar tratando de resolver, y también habla con su madre, Ruth (Alicia Witt), quien regresa al hogar de su infancia que contiene muchos secretos.

El entusiasmo que se generó lentamente por Longlegs fue una de las campañas de marketing más atractivas y creativas que ha tenido una película en años. Desde avances con estructuras crípticas, hasta sitios web con archivos secretos y contraseñas para desbloquear que cubren los misteriosos asesinatos de Longlegs como si fueran eventos reales y, por supuesto, ocultando la apariencia radical de Nicolas Cage como el asesino. El marketing ha mantenido la premisa y la narrativa de la película bastante indirectas, que es la mejor manera en que alguien debería experimentar Longlegs, sabiendo lo menos posible.

La película sigue a la joven agente del FBI Lee Harker en su búsqueda del misterioso asesino conocido como Longlegs. Con casos que se remontan a más de 20 años, Longlegs sigue siendo un enigma que aparentemente es capaz de asesinar a familias enteras sin que haya ninguna evidencia física de que alguna vez estuvo presente, aparte de una carta codificada (impregnada de simbolismos ocultos) dejada en cada escena del crimen. Ambientada en Oregon durante los años 90, Longlegs evoca intencionalmente películas clásicas de asesinos en serie de la época como The Silence Of The Lambs (1991) y Se7en (1995), aunque con una inclinación más satánica. La narrativa del drama criminal de la primera mitad toca todos los ritmos familiares del género, con una atmósfera inducida por el miedo que lentamente se va introduciendo en la trama. El director Osgood Perkins enmarca casi todas las tomas con los personajes en el centro de la pantalla, dejando el amplio espacio a su alrededor completamente e inquietantemente vacío. Ese espacio se utiliza con gran efecto para intensificar la atmósfera, ya que el espectador queda constantemente al borde de su asiento y ansioso por cualquier cosa que altere ese vacío.

Nicolas Cage, como el titular Longlegs, ha sido la principal curiosidad en torno a esta película, ya que fue oculto y borrado en cada trailer. Sorprendente pero efectivamente, Perkins usa a Cage con bastante moderación a lo largo de la película, lo que permite que sus breves momentos permanezcan de manera más prominente a lo largo de la película. Cubierto con prótesis pesadas que lo hacen casi irreconocible, Cage ofrece una actuación espeluznante y fuera de lo común en la forma en que la gente espera de él. Mientras tanto, Maika Monroe es el polo opuesto. Ella interpreta a Lee como una persona fría y distante mientras alberga un trauma reprimido de la infancia que puede o no desempeñar un papel en la resolución de este caso. Su rostro atormentado complementa la película, ya que toca los rincones más oscuros del comportamiento humano, llenando los espacios en blanco de cada asesinato con explicaciones más inquietantes.

Si no hay evidencia física de que Longlegs haya hecho algo durante cualquiera de los asesinatos, entonces... fue un acto autoinfligido en el que participaron las propias familias o hay fuerzas sobrenaturales actuando aquí? El lento descenso mental de Monroe, en contraste con el uso cada vez mayor de Perkins de Cage en la pantalla, es una combinación potente que ejemplifica la película en su máxima expresión. Tristemente la recompensa en el tramo final es decepcionante. Después de una acumulación que impulsa la narrativa hacia adelante de manera agresiva durante los dos primeros actos, se vinculan los eventos de una forma que es simultáneamente subexplicada y sobreexplicada con grandes giros que son divertidos de experimentar pero que son francamente poco convincentes y ridículos de ver cómo se desarrollan.

En general, a pesar de un final muy decepcionante, la película sigue siendo una historia de terror de asesino en serie eficaz y bellamente montada. La paciente dirección de Perkins genera una atmósfera poderosamente inducida por el miedo que solo se ve realzada por el memorable giro demente de Nicolas Cage y la implacable y enfocada actuación principal de Maika Monroe. Si bien puede que no reinvente el género, es una entrada sólida y espeluznante en el cine que debería satisfacer a quienes buscan una buena película de terror. Al final, Longlegs es una historia de detectives convencional con una fachada estilísticamente escalofriante extraída de una pesadilla. El director Osgood Perkins tiene una habilidad especial para infundir mucha tensión, incluso si el asesino en serie titular está infrautilizado y el tercer acto lleva demasiado tiempo para explicarse. La influencia del Diablo se encuentra constantemente en las sombras de esta investigación sobrenatural, que aprovecha la capacidad de la depravación de la humanidad con mucha técnica.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Blink Twice

Slater King (Channing Tatum) fue una vez el rostro de King Tech, su corporación, pero irregularidades expuestas a los medios lo han obligado a retirarse de la vista del público. Durante una gala para su organización filantrópica, Slater conoce a Frida (Naomi Ackie), una mesera de catering que se arriesga a infiltrarse en la fiesta con su compañera de cuarto, Jess (Alia Shawkat). Frida está increíblemente decidida a llamar la atención del multimillonario, y logra su objetivo, a tal punto que él la invita a ella y a Jess a unirse a él y a sus amigos en un viaje a su isla privada. Al aceptar, Frida se encuentra con Vic (Christian Slater), Cody (Simon Rex), Tom (Haley Joel Osment) y Lucas (Levon Hawke), que están listos para festejar el mayor tiempo posible, mientras otras visitantes, incluidas Sarah (Adria Arjona), Camilla (Liz Caribel) y Heather (Trew Mullen) quedan cautivadas por la belleza que las rodea. A Frida le encanta la experiencia, pero la rutina de las comidas y las drogas comienza a hacerle algo en la mente, y pronto se siente incómoda con la celebración a medida que lo extraño de todo comienza a aclararse.

Saber lo menos posible debería ser lo escencial en cualquier película, pero esa sensación de descubrimiento es muy vital en Blink Twice. Aquí, un estilo de vida lujoso se ve llevado a un límite inquietante. Hay muchas pistas de que algo malo está por suceder. Cuando todo parece demasiado bueno para ser verdad, y a medida que la película avanza y da vueltas, la directora Zoë Kravitz mezcla con confianza diferentes tonos, incluso en las mismas escenas, desde un bacanal de sonrisas y sin preocupaciones hasta una pesadilla que borra la memoria. El guión encuentra una manera ingeniosamente enfermiza y fresca de adentrarse en el movimiento cultural de mujeres a las que no se les creyó y a las que se les dijo que sonrieran más. Puede que sea necesario volver a ver cómo cada pieza encaja meticulosamente en su lugar, pero la idea de “perdonar y olvidar” ciertamente se vuelve loca.

Este tipo de película es realmente difícil de realizar. Kravitz es mejor en las cosas generales que en los detalles finos. El gran secreto de la isla es un misterio intrigante que se esconde detrás de chistes recurrentes, peculiaridades extrañas de los personajes y peligros ocasionales como serpientes venenosas. Kravitz mantiene los intercambios entre hombres y mujeres a un nivel superficial. Es todo puro placer y poca profundidad, lo cual tiene sentido dado el contexto pero también puede ser un poco irritante. Cuando la verdad de Slater King sale a la luz y Frida se da cuenta de lo que realmente está pasando, Kravitz lo pone todo demasiado sencillo. En resumen, hay muchas lagunas argumentales y preguntas que quedan sin respuesta, como si la trama no se hubiera pensado completamente para crear un estado de ánimo y hacer una declaración.

Una cosa si es absolutamente clara, todos los departamentos trabajan a un nivel elevado. La cinematografía es exuberante y elegante. Hay un ritmo ágil y introvertido en la edición, y momentos que desorientan cuando los personajes están tan sumergidos con alucinógenos, cannabis y alcohol. Todos los actores tambien son fantásticos. Al frente del espectacular elenco está Naomi Ackie, quien es un excelente conducto emocional, ya que es a través de Frida que el espectador entra y sale de esta realidad intensificada. Su química con una muy divertida Alia Shawkat como Jess es irresistible y se siente vivida. Luego, en un punto posterior de la película, Ackie y una espectacular Adria Arjona, como Sarah, la concursante de un programa al estilo Survivor, se convierten en un equipo, y su intrépido coraje es emocionante y catártico de ver. Como el todopoderoso Slater King, Channing Tatum es, como era de esperarse, encantador pero también aterrador. Hay un momento en particular que involucra una disculpa repetitiva que es simplemente escalofriante.

En general, la directora Zoë Kravitz no se lo tomó con calma aquí, ya que es posible que estén percibiendo vibras a lo Jeffrey Epstein. La infame isla pedófila del placer carnal de Epstein fue la inspiración para este thriller/fantasía de venganza. En un mundo post MeToo, este tipo de película se ve muy diferente a algo como I Spit On Your Grave (1978/2010). Los crímenes son atroces y la venganza es dulce, pero esta película no se contenta con ser tan simple. Esta es una película sobre el trauma, la memoria, la fama y una cultura de remordimiento performativo. Al final, Blink Twice es un thriller social que tiene algo que decir pero que nunca se olvida de entretener. Narrativamente, y aunque imperfecta, es provocativa y el tipo de película que hará que la gente hable de ella. Aún teniendo varios momentos lentos durante su tiempo de duración, tiene sus propios placeres retorcidos y debería inspirar, atraer y alterar expectativas como un viaje recreativo y amenazador.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Alien: Romulus

Rain (Cailee Spaeny) es una residente del Jackson's Star Mining Colony que mantiene cerca a su hermano "sintético", Andy (David Jonsson), mientras ella se ocupa de las obligaciones laborales cambiantes de Weyland-Yutani Corporation. A ella le ofrecen la oportunidad de trasladarse a un planeta más brillante, pero Tyler (Archie Renaux) planea tomar el mando de una nave fuera de servicio. A él se unen su hermana Kay (Isabel Merced), Bjorn (Spike Fearn) y la piloto Navarro (Aileen Wu), lo que requiere que Andy acceda a los tubos criogénicos necesarios para el viaje de nueve años. El grupo viaja a una estación espacial abandonada para obtener los tubos criogénicos, pero el complejo está a punto de estrellarse contra los anillos planetarios. Buscando acelerar el proceso, el equipo reanima accidentalmente un laboratorio que contiene muchos Facehuggers, comenzando una carrera por la supervivencia mientras Rain y los demás intentan manejar su confusión y luchar contra la amenaza Xenomorph, que se convierte en un problema mayor a medida que comienza el ciclo de vida alienígena.

Han pasado siete años desde el lanzamiento de Alien: Covenant, la segunda precuela de la serie Alien y la continuación de Prometheus (2012). En esas películas, el director Ridley Scott jugó con algunas ideas interesantes con respecto a la historia, particularmente cómo surgieron los Xenomorphs, y planteó algunas preguntas aún más interesantes en el proceso. Es desafortunado que Covenant no haya recibido una secuela para cerrar esos cabos sueltos, y con la compra de Fox por parte de Disney también durante este tiempo, finalmente dejó la franquicia en un estado de limbo, hasta ahora. En ese tiempo, la franquicia Alien pasó por varios inicios fallidos de ideas diferentes, e incluso una quinta película que tomaba lugar después de los eventos de Alien: Resurrection (1997) y que traia de vuelta a Sigourney Weaver como Ellen Ripley para ser dirigida por Neill Blomkamp.

Es aquí que entra Alien: Romulus, dirigida por Fede Álvarez, y siguiendo los pasos de una reanimación de franquicia similar al éxito de Hulu/Disney+ Prey (2022), la precuela de las películas de Predator. Fede Álvarez no es la elección más obvia para dirigir una película de Alien. No me malinterpreten, el cineasta de Evil Dead (2013) y Don't Breathe (2016) es experto en escenas gore y crea suficientes momentos espeluznantes como para hacer que se nos hiele la sangre. Pero, es eso necesariamente lo que queremos de la franquicia en la que Ridley Scott y James Cameron crearon dos de las mejores películas de ciencia ficción jamás hechas? Resulta que sí, es lo que queremos de Alien: Romulus, ya que Álvarez devuelve el miedo al espacio profundo mientras rinde homenaje al pasado y abraza la totalidad de lo que es la franquicia Alien.

Ambientada entre los eventos de la clásica Alien de 1979 de Ridley Scott y la secuela igual pero diferente de James Cameron de 1986, Aliens, la trama aquí es bastante simple: Rain, quien junto con un grupo de colonizadores espaciales y su hermano "sintético" Andy, irrumpen en una estación espacial fuera de servicio en órbita sobre ellos, que está muy cerca de quedar completamente fuera de servicio ya que está en curso acelerado hacia los anillos planetarios. A medida que la tripulación avanza a través de las ruinas, finalmente se encuentran con una especie que puede matarlos de maneras increíblemente violentas y perturbadoras, y aquellos que conocen las películas de Alien, probablemente puedan descubrir qué viene después. Con eso en mente, Álvarez lo entiende. Estas películas están destinadas a ser aterradoras, pero no deben tener miedo solo de los Facehuggers y los Xenomorphs que acechan en cada rincón de la nave espacial abandonada. También deben temer las frías garras de la avaricia corporativa y las demandas sin nombre y sin rostro que pondrán en peligro vidas humanas para generar ganancias potenciales por una súper arma extraterrestre.

Alien: Romulus se estrena 45 años después de la primera Alien, una película que originalmente se creó como una especie de película B en respuesta a la popularidad de Star Wars en 1977 y terminó convirtiéndose en una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos, generando una serie de secuelas, en la que una de ellas, Aliens de James Cameron la superó en algunos aspectos. Las dos primeras pueden compartir el honor de estar entre las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos, pero las entregas que siguieron, desde Alien 3 (1992) de David Fincher hasta Alien: Resurrection (1997) de Jean-Pierre Jeunet y las dos precuelas de Ridley Scott, no fueron muy bien recibidas. En un intento por resucitar la franquicia, Alien: Romulus vuelve a la fórmula básica, creando un tenso thriller de terror que comienza lento y avanza hasta un intenso acto final que hace volar las puertas. Es por eso que, en papel, contratar al hombre que hizo un excelente trabajo al realizar un exitoso thriller claustrofóbico como Don't Breathe es perfecto. El resultado? En algunos casos, la mejor película de la franquicia desde Aliens.

Aquí, Álvarez toma la idea de Don't Breathe en el espacio con varias secuencias de acción construidas en torno al uso de sonido y sombras, mientras Rain y sus amigos intentan atravesar la nave y salir de la historia vivos. El diseño de sonido se nota desde el principio, y es increíble. Una vez que la película toma velocidad, el grupo comienza a encontrar de todo, desde Facehuggers hasta Xenomorphs. Álvarez mantiene la tensión de manera experta con algunos momentos realmente impresionantes, una cinematografía magnífica y con los acontecimientos que se desarrollan. También hay un sentimiento nostálgico en el aspecto de la película, con un uso sutil de la imagen, que evoca la estética de la original. A esto se suma un énfasis en los efectos prácticos. Si bien se utiliza el CGI, de manera destacada en algunos casos, el trabajo animatrónico con los diferentes organismos alienígenas es fascinante y agrega una sensación de realismo a la amenaza que enfrentan los personajes.

Un elenco joven aporta una explosión de chispa a esta serie, pero es un elenco pequeño, lo que significa que Álvarez no tiene un gran número de cadáveres con los que jugar. Afortunadamente, demuestra ser igual de hábil a la hora de aumentar la ansiedad en la franquicia Alien. Como Rain, Cailee Spaeny es fantástica, continúa su impecable trayectoria como actriz y lleva su talento a otro nivel aquí. Cuando las cosas se ponen difíciles para ella, canaliza momentos que hacen eco de los esfuerzos de Ripley en Aliens, cargando un rifle mientras busca Xenomorphs para hacerlos pedazos. Sin embargo, la verdadera estrella del espectáculo resulta ser David Jonsson como Andy, quien ofrece una actuación increíblemente poderosa, a menudo expresándose sin palabras y simplemente quedándose quieto. La conexión fraternal entre Rain y Andy crea un marco sólido y es el aspecto más convincente de los personajes humanos, ya que ambos trabajan juntos para tratar de encontrar una salida. La película, no obstante, tropieza con sus otros personajes, a menudo manteniendo la mayoría de sus características con unas pocas líneas de exposición o simplemente en un breve momento en el que hacen algo por sí mismos. Como tal, no se forma mucha conexión con ellos, lo que hace que sea un poco difícil apoyarlos cuando la sangre comienza a correr. La excepción a esto es Kay, interpretada por una increíblemente resistente Isabela Merced, quien, al igual que Rain y Andy, termina justo en medio de algunas de las secuencias más locas de la película y hace algunas cosas serias en el proceso.

Donde la película también tropieza, a veces, es en sus significados más profundos. Las dos primeras películas plantean y evocan preguntas que conforman su columna vertebral temáticamente más rica, con Aliens incluso a menudo actuando como una respuesta a la guerra de Vietnam y el trastorno de estrés postraumático, y Prometheus preguntando sobre cómo surgieron los humanos, planteando sentimientos existenciales, y si todos los esfuerzos importan o no. Esa columna vertebral temática falta en Romulus y, en el proceso, conduce a una película un poco más ligera. A veces, parece más una versión de grandes éxitos de la franquicia, incorporando muchas de las marcas registradas de la serie en términos de imágenes, acción y diálogo para mantener las cosas a flote. Sin embargo, esto no es un simple vehículo de servicio para los fanáticos. Álvarez utiliza esas herramientas para que la historia avance, basándose en esos legados. Siente nostalgia por la serie de una manera que la respeta y la honra.

En general, el director Fede Álvarez pone la barra muy alta para Alien: Romulus al situarla entre las películas de Ridley Scott y James Cameron. Si bien la trama es bastante sencilla, hay algunos giros sorprendentes y una cara familiar que los fanáticos devotos de la franquicia reconocerán de inmediato. A medida que la película se acerca a los minutos finales, toma decisiones que sin duda serán discutidas por muchos espectadores y que incluso podría polarizar a muchas personas. En ese momento, Álvarez hace algo realmente loco y los resultados son dignos de verlos para creerlos. Al final, Alien: Romulus es, en última instancia, un vistazo muy gratificante y una de las mejores entradas de la franquicia. Puede que le falte algo de la profundidad de las dos primeras películas e incluso de Prometheus, y hasta cierto punto incluso de Covenant, pero proporciona un viaje fantástico y emocionante que logra la mayoría de sus objetivos creativos, brindando a los fieles otro enfrentamiento con el "organismo perfecto", al mismo tiempo que prepara las cosas para una nueva generación de espectadores.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.