Review: Crimes Of The Future

En el futuro, Saul Tenser (Viggo Mortensen) es el favorito del mundo de las artes escénicas y trabaja con su leal compañera, Caprice (Léa Seydoux). Saul tiene el síndrome de evolución acelerada, que le permite desarrollar nuevos órganos dentro de su cuerpo, trabajando con Caprice para eliminar sus entrañas que se multiplican a través de dispositivos especiales que le permiten a la audiencia la oportunidad de deleitarse con el proceso quirúrgico. Saul no se encuentra bien de salud, pero está concentrado en su próxima aparición, pronto interrumpido por Wippet (Don McKellar) y Timlin (Kristen Stewart), un par de investigadores que trabajan con el Registro Nacional de Órganos, que buscan tatuar los crecimientos del artista como una forma de rastrear las adiciones, obsesionándose rápidamente con las habilidades de Saul y su aura misteriosa. También involucrado en la situación está Lang Dotrice (Scott Speedman), un líder en un nuevo orden mundial dedicado al consumo de plástico, con la esperanza de llevar a Saul a su hijo de 8 años recientemente asesinado para que lo use en su última pieza, solicitando una autopsia pública del chico.

A finales de la década de 1970 y principios de los 1980, un nuevo y controvertido género de terror comúnmente conocido como Body Horror comenzó a ganar terreno. El subgénero era conocido por generar horror a partir de inquietantes violaciones y manipulaciones del cuerpo humano. Debido a su naturaleza grotesca y su indulgencia en la violencia gráfica y el contenido sexual, el Body Horror fue visto por los críticos y el público general como vulgar y estaba dirigido principalmente a la misma multitud que consumía películas de culto y, en aquel momento, los llamados Video Nasties. En ese momento, el cineasta canadiense David Cronenberg llevó el género a nuevas alturas al entrelazar el terror físico con el terror psicológico. Sus películas tenían menos que ver con el elemento de shock y son más un estudio de lo que sucede cuando llevas el cuerpo humano al límite. Cronenberg hizo una serie de clásicos de culto bajo el radar del Body Horror, que incluyen The Brood (1979), Videodrome (1983), The Fly (1986), Crash (1996), entre otras. Con el cambio de siglo, Cronenberg pasó a hacer cosas más serias, inclinándose más hacia los thrillers y los dramas psicológicos que hacia el terror. Alrededor de este tiempo, el Body Horror perdió su atractivo y retrocedió de alto entretenimiento intelectual a solo bajo entretenimiento.

En los últimos años, el Body Horror ha comenzado a ver un resurgimiento. El debut como directora de Julia Ducournau, Raw (2016), y su más recientemente película, Titane (2021), han rejuvenecido el subgénero y han inspirado a una nueva ola de cineastas que están haciendo estudios inteligentes y provocativos sobre el cuerpo humano y sus capacidades. Con el Body Horror de vuelta, David Cronenberg ha salido de su retiro para regresar al género con el que está fuertemente asociado y del que es considerado el maestro. Crimes Of The Future es la primera película de Cronenberg en ocho años y ve al legendario cineasta reuniéndose con su musa artística, Viggo Mortensen.

La película tiene lugar en un futuro post-apocalíptico donde individuos seleccionados comienzan a mutar al experimentar un trastorno conocido como síndrome de evolución acelerada, donde nuevos tipos de órganos se desarrollan al azar. Las personas que experimentan el síndrome de evolución acelerada tienen dificultad para digerir la comida y están insensibles al dolor corporal. Mortensen interpreta a Saul Tenser, uno de los primeros humanos en experimentar y estudiar este trastorno. Saul y su compañera Caprice son artistas que exhiben la extracción de los nuevos órganos de Tenser frente a una audiencia en vivo cada noche. Él tiene la creencia de que los órganos que están creciendo en su cuerpo no son naturales y podrían provocar daños si no se extirpan, mientras que otros creen que estos crecimientos son parte de la evolución natural de la raza humana. La película ofrece un estudio oscuro y sombrío del cuerpo humano que imagina un futuro en el que nuestros cuerpos se alteran físicamente para preservar y adaptarse al estado urgente de nuestro planeta con respecto al cambio climático.

Los fanáticos del Body Horror a menudo se sienten atraídos por el género porque buscan una experiencia cinematográfica única que los deje en absoluto disgusto. Si bien Crimes Of The Future es ciertamente inquietante, no es por las mismas razones que la mayoría de los primeros trabajos de Cronenberg. Su uso de prótesis y efectos visuales para representar la mutilación de cuerpos a menudo es tan detallado que es difícil de digerir. La película tiene su cuota de escenas quirúrgicas que muestran los cortes de la piel para mostrar el interior del cuerpo humano y el crecimiento de nuevos órganos, pero es bastante ligera en sangre para una película comercializada como repugnantemente grotesca. Los fanáticos de los primeros trabajos de Cronenberg que buscan otra experiencia desagradable del maestro del horror grotesco se sentirán decepcionados.

Sin embargo, podría decirse que esta película es más inquietante que la gran mayoría de la filmografía de Cronenberg. Si bien algunas de sus películas están llenas de imágenes sangrientas y extrañas, hay un cierto nivel de desapego de la realidad que las hace sorprendentes en el momento antes de perder su impacto con el tiempo. La razón por la que muchos fanáticos eligen a Crash (1996) como su obra más inquietante no es solo por su tema hipersexual, sino también por cómo se basa en la realidad. Crimes Of The Future es una película cruda y con los pies en la tierra que muestra un mundo no muy alejado del actual si el cambio climático no se toma más en serio. Su estudio del cuerpo humano es mucho más psicológico y meditativo que físico. En lugar de mostrar abiertamente la mutilación del cuerpo, la película da los materiales para imaginarlo vívidamente, lo que es tan perturbador como una prueba para la audiencia.

Desde un punto de vista visual, la película es extremadamente detallada y está bien filmada. Casi todas las escenas tienen lugar de noche o en un lugar con poca luz, lo que crea una atmósfera espeluznante. Los visuales y el diseño de producción estelar ayudan a dar vida al mundo postapocalíptico de Cronenberg. Las sillas con forma de huesos, las herramientas quirúrgicas que se asemejan a la materia cerebral y las personas con múltiples orejas pegadas a sus cuerpos son señales visuales que hacen que este mundo se destaque de las visiones imaginadas de un futuro post-apocalíptico. Mientras tanto, las actuaciones no son necesariamente innovadoras, pero sirven bien a la película. Léa Seydoux es la más destacada, dando una interpretación compleja como Caprice, una mujer dedicada a su arte, que adora y envidia el crecimiento único de los órganos de Saul y su resistencia al dolor. Viggo Mortensen es cautivador como Saul Tenser, el protagonista central de la película, ofreciendo una de sus actuaciones más sombrías hasta el momento. La actuación de Kristen Stewart como una mujer llamada Timlin es extraña, pero fascinante. Su entrega de líneas susurrantes y gestos poco convencionales ayudan a dar vida a un personaje realmente extraño que encarna la naturaleza represiva de la artesanía mundial de Cronenberg.

En general, esta es una película fascinante y muy bien elaborada, pero está lejos de ser perfecta. Cronenberg presenta muchas ideas densas sobre la evolución del cuerpo humano y el futuro de nuestro mundo, pero tal vez es un poco demasiado abierto, hasta el punto en que algunas de estas ideas se diluyen. Hay ciertos puntos de la trama y personajes que se sienten como ideas inacabadas y que no se realizan por completo. A pesar de sus deficiencias, es una de las mejores películas de Cronenberg de este milenio y prueba de que sigue siendo un maestro del cine de terror. Al final, Crimes Of The Future devuelve a David Cronenberg a un mundo de carne y fijación mientras revive su interés en las formas de la sociedad humana y la contaminación de la mente y el cuerpo, empujando el material a los mundos del arte escénico y la ficción detectivesca emergiendo con una visión muy original para una evolución siniestra. Apreciar la imaginación de la película es fácil, pero el esfuerzo requiere un poco más de paciencia al superar la habitual frialdad narrativa de Cronenberg, que limita la inmersión en este peculiar mundo de éxtasis quirúrgico mientras lidia con las perversiones de la humanidad en un futuro de horrores desconocidos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Last Seen Alive

Will (Gerard Butler) y Lisa (Jamie Alexander) están casados ​​y atraviesan un período difícil en sus vidas juntos. Lisa engañó a Will hace seis meses, y no han sido los mismos desde entonces, trabajando en la comunicación mientras manejan hacia la casa de los padres de Lisa, dándole un descanso de dos semanas a su relación. Al acercarse a su destino, Will tiene que detenerse en una gasolinera para llenar el tanque mientras Lisa compra una botella de agua en la tienda. Cuando Will termina su transacción, su esposa no se encuentra por ningún lado, y la ansiedad de darse cuenta que no aparece aumenta a medida que la busca por la propiedad. Temiendo lo peor, Will se pone en contacto con las autoridades locales y el detective Paterson (Russell Hornsby) llega para investigar. Sin embargo, la inacción y la sospecha de la policía frustran a Will, quien decide seguir buscando a su esposa, siguiendo pistas en el área que podrían identificar el paradero de Lisa.

Al igual que Jason Statham, Nicolas Cage y Liam Neeson, Gerard Butler se ha convertido en su propia industria, su propio estándar, en el género de las películas de acción. Si bien no alcanza las alturas de sus contemporáneos, ha logrado hacer un hueco bastante agradable con películas de acción delirantemente divertidas como su trilogía Has Fallen (2013, 2016, 2019), Den Of Thieves (2018) y Law Abiding Citizen (2009). Last Seen Alive no es diferente, aunque mucho más tenue. La película promete algo familiar y cumple con competencia, manteniendo todo en su lugar con la urgencia de mover las cosas mientras aún hay tiempo. Una cuestión de motivo es el último suspiro de emoción narrativa, que se revela como algo aún familiar, pero tiene sentido en el contexto y es lo suficientemente entretenido.

Gerard Butler es excelente como Will Spann, quien está haciendo todo lo posible para mantener unido su matrimonio. El éxito ha tenido un precio para Will, ya que las largas horas lejos de su bella esposa Lisa han afectado su relación. Butler interpreta a Will con los pies en la tierra con cantidades adecuadas de vulnerabilidad y machismo. Por supuesto, se convierte en una bestia enojada cuando llega el momento de encontrar a su amada desaparecida. Jamie Alexander es pasable en el papel secundario como su esposa distante, aunque las motivaciones de su personaje para dejar a su esposo parecen bastante egoístas dado que parece un gran tipo que haría cualquier cosa por ella... como se ve durante el transcurso de toda la acción. Russell Hornsby es muy bueno en el papel del detective que es asignado al caso cuando Lisa desaparece. Escéptico al principio y pensando que Will está detrás del secuestro de su propia esposa, el detective pronto revela un lado oscuro cuando se revela la verdad y demuestra ser un aliado digno del héroe.

La trama de esta película es sumamente similar a la de la película Breakdown (1997) de Kurt Russell, pero ahí es donde termina la similitud. Si bien Breakdown fue un thriller con secuencias de acción épicas y una revelación difícil de tragar, Last Seen Alive mantiene las cosas realistas y simples en su mayor parte. No hay grandes persecuciones de autos ni giros ridículos en la trama. Esta película trata sobre hasta dónde llegará un hombre para salvar a un ser querido y, sobre esa base, funciona bastante bien. Dirigida por Brian Goodman, la película mantiene las cosas tensas. Goodman es excelente y captura los matices entre las relaciones fragmentadas, y sus escenas de acción están bien escenificadas, bien filmadas y son brutales en una manera simplista.

El acto final, cuando Will alcanza a los villanos, es por mucho el más divertido. Will da algunas palizas horrendas, y una confrontación dentro de una casa de crack es intensa. Es refrescante ver que la producción usó una ubicación real, en lugar de un escenario. El principal problema de la película no es su familiaridad o sus personajes, sino su final. La película se desvanece un poco a medida que se acelera. Es una pena, considerando que las emociones y la tensión son casi insoportables.

En general, ya sea que el libreto o el presupuesto sean los culpables, la película no tiene mucho alcance, manteniéndose extrañamente pequeña en una historia que pudo haber visto algún beneficio de un área de búsqueda más ampliada. La pequeña ciudad de Georgia es un escenario interesante para esta historia, pero la insistencia de permanecer en gran medida en una estación de gasolina, una estación de policía y un área boscosa que los rodea hace que la búsqueda de Will se sienta más limitada de lo que debería y su llegada a áreas relacionadas con el el crimen aparece como accidental en lugar de deliberada. Al final, Last Seen Alive es una película con una trama demasiado familiar, un número limitado de ubicaciones, y problemas de edición extraños, pero aún así es satisfactorio ver una película con una buena construcción y buenos actores que ilustran la espiral descendente de una investigación nerviosa.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Black Glasses

Diana (Ilaria Pastorelli) es una prostituta de los hoteles romanos. Un día se encuentra mirando al sol durante un eclipse total de sol que arroja temporalmente la ciudad a la oscuridad. Sus ojos se irritan y no quiere quitarse las gafas. Lo que ella no sabe es que esas gafas no se las volverá a quitar. Al salir de un hotel, es atacada por un asesino en serie. Mientras es perseguida por una camioneta blanca, resulta gravemente herida en un accidente automovilístico. Ella pierde la vista y los pasajeros de otro automóvil cercano mueren. Ahora, para Diana comienza una nueva vida. Ella termina vinculándose con Chin (Zhang Xinyu), el niño chino cuya familia estuvo involucrada en el accidente y es un huésped en un refugio después de la pérdida de sus padres. Pero la cercanía entre ambos acabará poniendo en peligro al niño. El asesino, que ya ha matado a otras personas, sigue amenazando la vida de Diana, y ahora también la de Chin. Para ayudarlos estará la asistente Rita (Asia Argento), quien les entrega a Nerea, una perra pastor aleman que pronto se convertirá en su inseparable compañera.

Black Glasses marca el regreso de Dario Argento a la dirección después de una ausencia de 10 años. Es uno de los cineastas italianos más influyentes dedicados al género de terror y ayudó a popularizar lo que se llamaría Giallo, un subgénero que generalmente establece un asesinato/misterio espantoso en el contexto de una elegante ficción detectivesca. En otras palabras, un slasher más elegante. Su película Suspiria (1977) es probablemente la película de terror italiana más famosa de todos los tiempos y está considerada una obra maestra del cine de terror. Pero el nombre Argento también representa un enfoque idiosincrásico de la dramaturgia de suspenso, un diseño de color intenso, una atención especial a la dirección de arte, diseños de escenarios, escenarios visualmente impresionantes que marcan la pauta para un festival sangriento y bandas sonoras inquietantes, todo lo cual hace que sus películas sean tan vivas como atemporales. Sin embargo, su última película, Drácula 3D (2012), fracasó tanto que el lanzamiento de Black Glasses fue una completa sorpresa.

La atención a los detalles técnicos del arte vuelve a estar presente en Black Glasses, pero termina siendo una de las pocas cosas notables de la película. Así que, qué hay de malo? Bueno, mucho, francamente, pero el tema central, el que finalmente ha sido el problema todo este tiempo, es este: Argento está paralizado por su propia reputación. La película se siente como un tributo a Argento que está tan decidido a reproducir su estilo que incluso lo contrató como director. Eso probablemente no esté lejos de la verdad. Más que cualquier otra película, esta es una película creada con valores de producción ligeramente mejores que los que hemos visto en años. También tiene una insistencia en que la película sea en italiano y tenga subtítulos en lugar de que sea doblada, y una banda sonora de sintetizador de película de terror más moderna que hace referencia a la banda Goblin sin copiarlos.

Igualmente, incluye algunas actuaciones terribles, en particular de la estrella principal Ilaria Pastorelli, que es bastante mala, y tiene un ritmo terrible que permite que la película se detenga por completo durante gran parte de la sección central. Se siente extrañamente anticuada, ya que presenta un poco la idea de que Argento debe ingresar a la era moderna del cine de terror. Pero más que nada, se siente como una colección de grandes éxitos de Argento, aunque es más bien como una de esas compilaciones que nos dicen en letra pequeña que se trata de nuevas grabaciones de los artistas originales. Entonces lo que recibimos más o menos son momentos de The Cat O'Nine Tails (1971), Deep Red (1975), Suspiria (1977), Tenebre (1982) y otras, durante toda la película. Todos los cuales me recordaron cuán mejores eran esas películas.

Con muchos clichés desesperados, la película se esfuerza demasiado y constantemente pierde el punto. Se configura como un Giallo clásico (hasta el título) y luego descarta cualquier sentido de misterio porque no puede esperar para revelar inútilmente quién es el asesino. También parece una estafa en los slashers de terror de la era de Hollywood de los años 80's al hacerlo aparentemente indestructible sin una buena razón. Durante largos fragmentos de la narración, parece como si la película hubiera olvidado que es una película de terror, revolcándose en un sentimentalismo, y la escena final es agradable aunque continúa para siempre sin agregar nada. No tiene nada de malo agregar capas de drama en historias de terror, pero los personajes aquí son unidimensionales y apenas tienen personalidad.

Por otro lado, el terror en sí también está mal concebido, ya que el nivel de tensión de la película va disminuyendo a medida que avanza la historia. Más de una vez repite la fórmula de tirar personajes que no nos importan en la narrativa, para que mueran instantes después, creando una atmósfera decepcionante cada vez que el suspenso continúa. No se decepcionarán si esperan muertes espantosas y un montón de sangre derramada por todas partes, ya que los efectos sangrientos se ven tan brillantes como cualquier otro de una película de Dario Argento, pero las circunstancias que conducen a estas escenas están muy mal conducidas, y a menudo deja un sabor a indiferencia. Todos estos factores conducen a una confrontación directa entre los defectos de la película y sus notables cualidades.

En general, si se trata de un resurgimiento, debemos ponerlo en contexto. Es la mejor película de Argento en años o décadas, en el mejor de los casos. Es quizás la película que permitirá a los críticos de algunos de sus trabajos más "recientes" (dado que su última película fue hace una década, reciente es relativo, pero saben a lo que me refiero) admitir finalmente que fueron horribles. Nada de esto significa que Black Glasses sea realmente buena, al menos no para los estándares de las películas de Argento más promedio de los años 70's, pero es extrañamente fácil de ver y eso en sí mismo es un gran paso adelante. Al final, Black Glasses es ligeramente mejor que los últimos lanzamientos de Argento, pero al final se queda corta. Aunque es decepcionante como una película de terror/suspenso, las tensiones aumentan en los últimos 20 minutos con una serie de homenajes a películas anteriores de Argento y lugares atmosféricos. Con un poco más de presupuesto para darle vida a algunas muertes y tal vez un poco más de trabajo de cámara elegante, quién sabe lo que podría haber entregado. Si la película existe para redimir la reputación de Argento, entonces probablemente sea un trabajo a medias, y eso podría ser tan bueno como podemos esperar en estos momentos. A los 81 años, parece poco probable (aunque no imposible) que Argento vuelva a dirigir otra película, por lo que probablemente sea lo mejor, y lo último, que obtendremos de él.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Interceptor

La capitán JJ Collins (Elsa Pataky) ha experimentado los horrores de ser mujer en el ejército, tratando de volver al servicio después de un revés devastador en su carrera y estado mental. La envían al SBX-1, una estación de alerta en el Océano Pacífico dedicada a proteger a los Estados Unidos de un ataque con misiles nucleares. Acompañada por Beaver (Aaron Glenane) y Shah (Mayen Mehta), Collins está lista para volver al trabajo, pero se desencadena una emergencia una vez que llega, con otra estación de alerta atacada en Alaska, lo que convierte a SBX-1 en la única línea de defensa. Alexander Kesser (Luke Bracey) y sus ejecutores se escabullen a bordo de la estación para tomar su centro de control, haciendo planes para destruir un puñado de ciudades estadounidenses, demostrando su poder mientras recolecta una fortuna para sí mismo. De pie en el camino de la gloria está Collins, quien lucha contra los invasores, usando lo que puede para evitar que Alexander obtenga el control del sistema de defensa.

En los primeros momentos de Interceptor (de Netflix), estamos sin aliento por un montón de subtítulos narrativos, y informados de los dos sitios de defensa antimisiles capaces de detener un ataque nuclear contra los Estados Unidos. Uno está ubicado en Fort Greely en Alaska. El otro está en el SBX-1, una plataforma de defensa antimisiles en medio del océano. Pueden adivinar dónde eligió tener lugar la película? Interceptor, que actúa un poco como el primo lejano de otra película de acción del servicio de streaming, Extraction (2020), en realidad está protagonizada por Elsa Pataky, la esposa en la vida real de Chris Hemsworth, y ella se muestra bien en una película que fácilmente podría haber trabajado en los años de gloria del género de acción de los años 80's y 90's.

Pataky monta un espectáculo de una sola mujer peleando con terroristas y deteniendo la aniquilación nuclear. Es el tipo de retroceso exagerado que el género de acción ha encontrado con nueva vida en los servicios de streaming. El personaje de Pataky, la capitán JJ Collins, tiene una historia de fondo que Stallone y Schwarzenegger nunca tuvieron. JJ vio descarrilar su carrera militar cuando denunció a un vil general por acoso sexual. Los altos mandos no le creyeron, por lo que fue expulsada al SBX-1, donde puede estar fuera de la vista. Pero después de que una serie de ataques coordinados termina con 16 misiles balísticos intercontinentales robados de Rusia, y todos en Fort Greely asesinados, JJ vuelve a la acción cuando SBX-1 se convierte en la última línea de defensa del país.

La película es interesante porque es en parte una película de rescate y en parte un thriller donde JJ está escondida en un solo lugar luchando contra terroristas mientras trabaja para mantener el sistema de defensa en funcionamiento. Esto conduce a muchas peleas, incluida una buena batalla inspirada en kung-fu cerca del comienzo y muchos tiroteos en espacios reducidos. Pero también está el conteo regresivo del reloj, ya que JJ tiene que lidiar con un enemigo que está derritiendo las puertas reforzadas y entrando en la habitación donde ella y su tímido colega Shah y el macho tóxico Beaver están escondidos.

El villano es interpretado por Luke Bracey, y como Alexander Kessel es intrigante. Si bien me hubiera gustado verlo más maníatico, los juegos mentales de Kessel retuercen a JJ. Con 16 misiles nucleares apuntados a 16 ciudades estadounidenses diferentes, es claramente un traidor a su país. Pero Kessel juega con el maltrato de JJ por parte de los militares para tratar de ponerla de su lado. Kessel también representa una visión extremista de hombres que vemos impregnar el entorno actual. Pero JJ representa cómo se ve realmente el país hoy. La defensora de Estados Unidos y todo lo que representa es una mujer capaz de derrotar a cualquier hombre que se cruce en su camino. El coguionista/director Matthew Reilly salta con ambos pies en los clichés del género de acción y el salvaje patriotismo estadounidense, pero funciona como un contrapunto a la visión retorcida de Kessel.

Pataky impresiona en el aspecto físico, rompiendo huesos y rostros a partes iguales. Si bien su entrega de líneas parece un poco rígida, tiene las poses y el carácter de un héroe. En un momento, cuando se enfrenta a un enemigo aparentemente muy superior, simplemente ignora el momento y se mueve el cabello de la cara. Pataky parece una mujer ruda que podría derrotar hasta a Thor si quisiera. Hablando de eso, Chris Hemsworth aparece varias veces en un tonto papel de alivio cómico y, aunque al principio fue una distracción, debo admitir que me hizo reír por ser tan innecesario.

En general, la película se apoya mucho en los clichés, y de hecho creo que podría haber presionado más para hacer de Kessel una némesis más temible. El enfrentamiento final termina siendo bastante débil en comparación con todo lo que ocurre durante la película, pero es entendible ya que esta es una de las películas de acción con menos presupuesto de Netflix. La película demuestra ser una gran exposición para Pataky, quien con suerte obtendrá papeles destacados más importantes a partir de esto. Al final, Interceptor proporciona un escenario ligeramente diferente para su enfrentamiento entre el bien y el mal, y tiene a Elsa Pataky tomando el mando aquí, con la tarea de proporcionar poder físico e intimidación mientras interpreta a una capitán militar que defiende una estación de misiles de determinados enemigos terroristas. Pataky ciertamente se ve bien para el papel, y hay momentos de destrucción corporal que son lo suficientemente frenéticas como para proporcionar una situación entretenida. No es una película con un gran poder en la pantalla, pero tiene sus momentos positivos como una experiencia de visualización de película de clase B.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Memory

El asesino Alex Lewis (Liam Neeson) está listo para jubilarse, pero su empleador insiste en que acepte un último trabajo. Cuando se da cuenta de que lo contrataron para matar a una adolescente, este se niega a completar el trabajo. Esto pone un precio en su espalda, y a medida que aprende más sobre la peligrosa organización criminal que lo contrató, descubriendo una red de tráfico sexual de niños que está aprovechando las dificultades en la frontera sur de los Estados Unidos, Alex decide ponerles fin. Mientras tanto, los agentes del FBI Vincent Serra (Guy Pearce), Linda Amisted (Taj Atwal) y el agente de inteligencia mexicana Hugo Márquez (Harold Torres) son contratados para investigar el rastro de los cuerpos, acercándolos a Alex. Con el sindicato del crimen y el FBI persiguiéndolo, Alex tiene las habilidades para mantenerse a la vanguardia, excepto por una cosa: está luchando con una pérdida de memoria severa, que afecta todos sus movimientos. Ahora, Alex debe cuestionar cada una de sus acciones y, en última instancia, en quién puede confiar.

Las películas de acción protagonizadas por Liam Neeson se han convertido esencialmente en su propio género. Después de tantas en un período de tiempo relativamente corto, uno no puede evitar notar las mismas convenciones y peculiaridades más o menos repetidas una y otra vez, y que todas estas películas comienzan a sentirse igual. Dicho esto, el género continúa teniendo suficiente éxito como para garantizar más y más películas. Memory es, en cierto modo, la película perfecta para Neeson y el director Martin Campbell. Neeson ha sido el principal proveedor de películas de acción desde Taken (2008), mientras que Campbell es el director detrás de dos películas de James Bond y la sólida película de asesinos a sueldo del año pasado, The Protege. Con Memory, pueden escoger lo mejor del género de acción y unirlo con una trama de cómo sería para un asesino a sueldo después de años de trabajo sangriento y brutal. Qué tipo de impacto tiene eso en la psique de un asesino? Y qué sucede cuando los recuerdos comienzan a desvanecerse?

La premisa de la película encuentra a Neeson como Alex Lewis, un asesino que está comenzando a sufrir los efectos de la enfermedad de Alzheimer. Ahora, la fe de Alex también ha dado paso al resentimiento de sus elecciones a lo largo de su vida. Con un cambio de opinión cuando se trata de matar a Beatriz, de 13 años, Alex se propone hacer las cosas bien a pesar de que lo pone en la mira de algunas personas peligrosas, incluida una capo malvada y su familia psicótica. Si bien Alex puede haber perdido la fe en sus habilidades, no parecen haber disminuido mucho. En su mayor parte, Alex es el típico héroe de acción de Liam Neeson. Alex despacha fácilmente a sus empleadores que quieren que la adolescente muera, incluso condenando a uno a un coche bomba originalmente destinado a él. No quiere decir que Alex sea invencible, pero patea traseros como el Neeson al que estamos acostumbrados, solo que con un poco más de arrepentimiento y confusión. El ángulo real del Alzheimer no se desarrolla tan profundamente como podría, a favor de darles a los fanáticos de Neeson la película que sin duda pagaron por ver.

Lo que hace Memory es darle a Neeson un papel un poco más sustancioso al que estas películas tienden a ofrecer. No es que Neeson se haya deslizado por el camino de Mel Gibson y Bruce Willis, pero hace muchos de estos thrillers de acción cada año y, a menudo, se desliza hacia patrones familiares. Aquí, es más vulnerable, más atormentado, lo que lo convierte en una de las mejores actuaciones de Neeson en los últimos años. Sin embargo, Neeson está creciendo en edad y se nota que simplemente está siguiendo los movimientos en este punto mientras sobrevive solo en la presencia de la pantalla. Cuando se trata de Memory, todo esto sigue siendo así, para bien o para mal. En última instancia, la película hace lo suficiente para destacarse del resto, aunque un poco gracias a una premisa ciertamente interesante. Esa premisa se desperdicia al final del día por un guión derivado y una historia aburrida y serpenteante que conduce a un tiempo de ejecución más largo de lo que tenía derecho a tener.

Junto a Neeson en el elenco está el siempre confiable Guy Pearce como el agente del FBI Vincent Serra, quien sigue el rastro de cuerpos que quedan tras la estela de Alex. Cuando la situación crece y se convierte en un problema mayor sobre el tráfico sexual en la frontera entre Texas y México, los dos se vuelven aliados que operan en diferentes lados de la ley, y ambos hombres comparten el pesar de que podrían haber sido un poco más como el otro. Es una dinámica interesante, aunque resulta ser un poco superficial como gran parte de la película. Neeson y Pearce se cruzan con moderación, lo cual es una pena. Dicho esto, cuando Neeson y Pearce comparten la pantalla, como en una tensa confrontación en el acto final donde uno está más expuesto, ambos hombres modulan sus actuaciones a la perfección. Campbell, siempre con mano firme detrás de la cámara, interpreta la tensión y la violencia inminente con el respeto que merece.

En general, es una película que fue más una pieza de personajes que una película de acción, y simplemente no logra generar suficiente emoción para sostener su demasiado largo tiempo de duración. Aunque este género nunca ha sido conocido por su profundidad, la película todavía necesitaba al menos cierta apariencia de profundidad para crear algún compromiso. Como todas las tramas secundarias inevitablemente chocaron, la historia parecía incapaz de manejarlas en absoluto, y se abrió camino hacia un final fallido que carecía de cualquier tipo de impacto. También es una decepción que la película no aproveche al máximo el tapiz rico e ilícito de las redes sexuales infantiles, la inmigración ilegal y la corrupción política. Al final, Memory no es una película llamativa de ninguna manera. Es un thriller eficiente y maduro que hará el trabajo para aquellos que necesitan su dosis de Liam Neeson. Irónicamente, resulta que Liam Neeson es la mejor parte de una película que tiene más en mente darle sus típicos motivos de venganza. No debería ser así, aunque, en su conjunto, la historia se queda corta.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Father Stu

Stuart Long (Mark Wahlberg) es un boxeador de principios de la década de 1990 que no puede tomarse un respiro y pasa años de su vida tratando de escalar puestos, sin poder llegar a ninguna parte. Al envejecer fuera del deporte, Stuart se queda con poco, pronto enfocando su atención en una carrera como actor en Los Angeles, llegando a la gran ciudad con planes para convertirse en un éxito. Tal suerte lo elude nuevamente, pero encuentra empleo en un supermercado y conoce a Carmen (Teresa Ruiz), una mujer más joven que está profundamente conectada con su fe y su iglesia local. Haciendo cualquier cosa para llamar su atención, Stuart comienza a asistir a la iglesia, con la esperanza de causar una impresión positiva. Lo que cambia su vida es un accidente de motora, que dirige su atención a la fe, pronto buscando convertirse en sacerdote a pesar de todo lo que lo detiene, incluidos los problemas no resueltos con Kathleen (Jacki Weaver) y Bill (Mel Gibson), sus padres divorciados. Empujando el sistema con determinación, Stuart finalmente se ve desafiado por un diagnóstico de myositis, que gradualmente reclama su movilidad.

Father Stu cuenta la historia de Stuart Long, un tipo rudo que tropezó en la vida como boxeador que de repente encontró su vocación al sacerdocio, llevándolo a un viaje muy diferente. Es una película biográfica que se trata más de la odisea de la vida que de momentos selectos de drama, con la escritora y directora Rosalind Ross tratando de identificar el poder de la persistencia y la fe, ya que a Long finalmente se le diagnosticó una enfermedad muscular que amenazaba todo para lo que trabajaba. La película no es el típico entretenimiento cristiano, con Ross manteniendo las cosas crudas y lo más reales posibles mientras intenta atraer a la audiencia, a menudo recurriendo a la comedia para permanecer accesible. Ella tiene un sirviente fiel en la estrella Mark Wahlberg, quien hace todo lo que puede como actor aquí, trabajando muy duro para ofrecer una actuación que respete el desarrollo de la determinación única de Long de estar al servicio de los demás mientras se salva a sí mismo.

Esta es una película basada en la fe, pero es diferente a la mayoría de las películas de este tipo. Ross está haciendo una película de clasificación R, tratando de mantenerse fiel a la personalidad irritante de Long y una crianza rota, lo que implica la pérdida de su hermano, un evento que destruyó por completo la voluntad de su padre de permanecer invertido en el hijo que quedó vivo. Hay malas palabras a lo largo de toda la película y algunas escenas de sexualidad, lo que mantiene a esta lejos de ser un evento familiar al que las producciones religiosas suelen aspirar. Ross usa la terquedad de Stuart como una ofrenda de personalidad pura, con el personaje obligado a trabajar más duro por todo lo que tiene, incluida una carrera de boxeo estancada que ha afectado su cuerpo. El entusiasmo de Stuart por el deporte no es bien recibido por otros, y la película lo sigue desde un pequeño pueblo hasta Los Angeles, donde se concentra en convertirse en una estrella de cine a pesar de no tener antecedentes de actuación, usando su grandeza natural para ganarse a los demás. Tristemente, lo más lejos que llega es al departamento de carnes en un supermercado local.

La película cambia de forma en cada acto, transformándose en una historia de búsqueda romántica, con Stuart buscando encantar a Carmen, decidido a pasar por la fe para alcanzarla. Ross juega con enredos cómicos mientras explora las formas un tanto bufonescas de Stuart, y también hay audacia, tratando de encantar a una mujer a pesar de ser un hombre extraño para ella. En el camino, Stuart comienza a comprender la experiencia de la iglesia, y también tiene que lidiar con muchos demonios, incluida la muerte de su hermano y su relación tóxica con su padre Bill, un hombre loco y armado que no ofrece mucha orientación paternal. Un accidente de motora empuja la película en otra dirección, con Stuart repentinamente interesado en convertirse en sacerdote, lo que le otorga una búsqueda de fe y compromiso que nadie cree que pueda completar.

Es en esta etapa que Ross tiene el lapso para dramatizar la vida de Stuart, pero la película no es una epopeya, a menudo disminuyendo la velocidad para admirar la actuación principal de Wahlberg, que es autoritaria y emocional, empujando al rígido actor a hacer cosas que rara vez se le pide, incluida la representación de Stuart, su descomposición corporal y su sumisión absoluta a la palabra de Dios. Es una actuación fantástica, pero ese parece ser el objetivo creativo de la producción, que a veces se pierde un poco en fórmulas divertidas, aunque Mel Gibson aprovecha al máximo esa parte con el personaje de Bill. Ross espera inspirar con esta historia de resistencia, y lo consigue en parte, ya que la saga de Stuart Long está cargada de giros inesperados del destino y emociones complejas. La película de su vida no siempre está tan enfocada como él, pero ofrece claridad ocasional cuando se concentra en un llamado más alto para un hombre golpeado.

En general, la película sufre de los problemas biográficos habituales de cubrir demasiado terreno en dos horas. Como resultado, la película está en su mayoría por todas partes, y nunca llega completamente a casa el paralelismo entre el espíritu guerrero de lucha del boxeo de Stu y su disposición a servir como sacerdote a pesar de su delicada salud. También está el hecho de que no compré por completo el romance de Stu y Carmen. Claro, hay una atracción, pero la narrativa se preocupa ante todo por avanzar hacia el próximo gran obstáculo en la vida de Stu. Lo mismo se aplica a sus padres, que lentamente y de la nada se vuelven a unir. Al final, Father Stu, no es una película ordinaria basada en la fe. Esta es la historia de la vida de un hombre que encontró a Dios a pesar de su educación. Muestra una familia dividida debido a la pérdida y el alcohol y uniéndose y sanando debido a la transformación de Stu. La película tal vez no será del gusto de todos, pero aún con sus fallas es una gran historia con una moraleja aún mayor.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: They Talk

Alex Browlin (Jonathan Tufvesson) es un ingeniero de sonido que junto con su equipo está filmando un documental en la ciudad de Twin Lakes, Colorado. En la fase de producción, sin embargo, se da cuenta de que accidentalmente ha grabado misteriosos sonidos, mensajes inquietantes y extrañas voces del más allá que pronuncian su nombre, y cuyo origen no logra comprender, que le advierten de un peligro inminente y aterrador. Buscando respuestas, rastrea al profesor Hasegawa (Hal Yamanouchi), un experto en fenómenos paranormales. Poco sabe que su vieja amiga Amanda (Rocío Muñoz), con quien comparte un terrible secreto, resurge de su pasado también en busca de ayuda. La aparición de Amanda desencadena escalofriantes fenómenos paranormales y escalofriantes hechos que dejan tras de sí una estela de cadáveres. Es ella el peligro del que hablan las voces de los muertos? O es algo o alguien más?

They Talk es una película de terror italiana dirigida por Giorgio Bruno. La película está bellamente montada pero es terriblemente confusa, y termina siendo víctima de su propio guión. Tampoco ayuda que las actuaciones de la película sean demasiado dramáticas, con los personajes gritando a todo pulmón sin ninguna razón. Sus emociones rara vez están bajo control, bordeando constantemente en histrionismo. Se vuelve muy desgastante, muy rápidamente. Además, They Talk adopta un enfoque bastante profano. No me malinterpreten, esta película se ve genial, está bien filmada, con una cinematografía bastante atmosférica y el audio está lleno de voces espeluznantes y música inquietante y espeluznante. Es solo que la película, el diálogo y la historia en sí son notablemente aburridos.

Hay destellos de grandeza, desde la forma grotesca en la que algunos de los personajes de la película son asesinados, hasta los espeluznantes flashbacks de tres niños en un orfanato dirigido por una monja aterradora (literalmente), pero nada de eso puede compensar el resto de la película. Tampoco ayuda que la película tome el enfoque más lento de la acción. Las breves escenas con los niños son lo más destacado, aprovechando al máximo la ubicación gótica y prometiendo más de lo que ofrece la película. El trabajo de cámara y el diseño de producción también dan en el clavo, pero lamentablemente se ven defraudados por la confusión de un guión que nunca sabe a dónde ir. Es casi como si lo hubieran inventado a medida que avanzaban, Alex escucha voces, y eso es todo, y durante 1 hora y 30 minutos habla y habla sobre eso con todos y cada uno. Nunca entendí completamente por qué.

A pesar de las bellas imágenes, They Talk es un horror que se centra por completo en el sonido: el oído es lo más estimulado. Y si válida, aunque muy utilizada, es la idea de insertar voces del más allá, igual de buena es la idea de cruzar y alternar presente y pasado para revelar el misterio a medida que pasan los minutos. Bueno, aunque no del todo exitoso, los flashbacks lamentablemente solo sirven para confundir aún más al espectador, que espera una solución final pero que, en cambio, termina la película con más preguntas que cuando entró.

Esto es precisamente lo que no funciona en la película. El guión deja algo que desear y quedan demasiadas preguntas abiertas y eso da la sensación de que falta algo en la trama, las piezas del rompecabezas que quizás habrían aclarado más el misterio que se esconde detrás de las incomprensibles palabras escuchadas por Alex. El espectador queda simplemente confundido. Otro punto delicado es el doblaje, que no mejora en absoluto la interpretación del elenco multiétnico que, sin embargo, hace un buen trabajo y se muestra muy unido, sobre todo teniendo en cuenta que las actuaciones se desarrollaron íntegramente en inglés, incluso para personas que no lo hablan.

En general, esperaba que esto fuera una versión italiana de Blow Out (1981) y que hubiera ofrecido algo intrigante, después de todo, los italianos saben cómo hacer terror sobrenatural espeluznante y extraño, como City Of The Living Dead (1980) y The Beyond (1981) de Lucio Fulci, pero parece que el director Giorgio Bruno buscaba más inspiración en el mercado de Estados Unidos que en Europa. Lo cual es una lástima, porque tal vez arrojando algunas locas influencias italianas podrían haber elevado a esta película por encima del promedio. Al final, They Talk se ve obstaculizada por un diálogo dudoso, un guión incoherente y un elenco internacional tambaleante, que parece estar tan confundido como yo. Esta es una confusión desconcertante en muchos niveles y, sin duda, la película más confusa que he tenido que ver.

Puntuación: 1 alcapurria.