Review: Guardians Of The Galaxy Volume 3

Intentando construir un cuartel general en Knowhere, los Guardianes de la Galaxia están listos para establecerse, alejándose de sus días de heroísmo. Adam Warlock (Will Poulter), hijo de Ayesha (Elizabeth Debicki), a quien se le ordenó recuperar a Rocket (voz de Bradley Cooper), logró casi matar al mapache en el proceso. Al darse cuenta de que necesitan información especial para ayudar a salvar la vida de Rocket, Peter Quill/Star-Lord (Chris Pratt), Drax (Dave Bautista), Nebula (Karen Gillan), Groot (voz de Vin Diesel) y Mantis (Pom Klementieff) hacen su camino a una estación espacial corporativa para recuperar la historia de su amigo, que está ligada al ascenso del High Evolutionary (Chukwudi Iwuji), un científico retorcido que busca convertirse en un dios creando la sociedad perfecta. Rocket es la clave del éxito, con el mapache revisando su pasado mientras está en coma, poniendo a los Guardianes en una carrera contra el reloj para rescatar a su amigo. Pronto se unirá Gamora (Zoe Saldana), quien ahora es parte de los Ravagers, liderados por Stakar Ogord (Sylvester Stallone), sin memoria de los últimos años.

Consolidándose como una de las mejores trilogías de acción/ciencia ficción de todos los tiempos, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece un impresionante espectáculo de efectos y una emotividad deslumbrante para empezar. James Gunn hace todo lo posible para asegurarse de que los Guardianes reciban una despedida digna de celebrar. Un destacado particular de esta ronda es Rocket Raccoon. El personaje obtiene una cantidad de profundidad generalmente reservada para la gente que habla en cualquier película de Pixar. Solo pensando en la trayectoria del pasado histórico de Rocket como se establece en el Vol. 3 es suficiente para tener lágrimas en los ojos. Para los fanáticos de este elenco principal, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 será la pista final perfecta en un viaje que comenzó hace casi una década.

Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es el último capítulo de la franquicia antes de que el escritor y director James Gunn asuma por completo el papel de codirector ejecutivo de DC Studios. Como película final de la trilogía, basta con decir que la película tiene mucho que cumplir y lograr. Hay mucho en juego, y la trama lo refleja. La película sigue a los Guardianes mientras se embarcan en un viaje para salvar la galaxia una vez más. Sin embargo, esta vez, la vida de uno de los Guardianes corre peligro. Después de que uno de ellos se encontrara en una condición casi crítica, ahora depende de Peter Quill/Star-Lord y la pandilla salvar a uno de los suyos y en el proceso enfrentarse a un nuevo villano, el High Evolutionary, cuyo deseo es crear una sociedad perfecta que tiene ramificaciones personales para los Guardianes. La película es una odisea espacial emocional y, en comparación con las dos películas anteriores de la franquicia, esta última película es la entrada más oscura en el MCU y una salida bienvenida para el MCU en su conjunto.

La mera idea de una película de cómics que intente algo que se sienta nuevo inevitablemente dejará a ciertas audiencias sintiéndose un poco cínicas y descartándola únicamente por esos méritos. Sin embargo, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es fácilmente la película del MCU más desafiante y catártica hasta la fecha. Dicho esto, muchos dirán que intenta hacer demasiados malabares, pero hay algo elogiable en una película que logra todo lo que esta logró en sus 2 horas y 30 minutos de duración. Su capacidad para equilibrar tantos temas y personajes dentro de la película y luego hacer que todos valieran la pena de maneras tan brillantes e inesperadas fue definitivamente impresionante. Gracias a otro guión brillante de Gunn, cada personaje tiene su momento para brillar.

Cada miembro tiene su tiempo como el centro de atención, cada uno de ellos tiene cosas muy divertidas que hacer en escenas de acción masivas centradas en el equipo. Gunn utiliza todas las herramientas en su caja, ya sea que eso signifique centrarse en algunas de las nuevas y llamativas tecnologías de Nebula, o en la impresionante funcionalidad regenerativa y de navaja suiza de Groot. La relación de Peter con la "nueva" Gamora es digna de mención, al igual que sus cuestionables pero adorables técnicas de flirteo. Rocket representa el corazón de esta película, en particular los flashbacks de su época como un verdadero experimento de laboratorio. Los amantes de los animales quedarán prendados de estas escenas. Cuando se trata de la "familia elegida" de Rocket, una morsa gigante, un conejito infantil que se hace llamar Floor y el león marino maternal Lyla con voluminosos brazos de metal, estas criaturas son los animales más lindos del mundo. Decir que la relación de Rocket con Lyla como una maternal poco convencional sería venderla por debajo de lo esperado.

Llenar los Guardianes con personajes secundarios extravagantes es prácticamente un requisito en este punto. El aprendiz de Yondu, Kraglin (interpretado por Sean Gunn), todavía tiene problemas para usar su técnica de silbato y flecha, mientras que el extraño superperro telequinético Cosmo (voz de Maria Bakalova) canaliza sus poderes psíquicos. Gunn hace tiempo para dejar que Nathan Fillion se presente para uno de sus papeles más ridículos hasta el momento en una producción de Gunn, e incluso deja espacio para una pequeña pero vital aparición de Gregg Henry. Las situaciones locas, como el grupo dirigiendose a un planeta llamado Counter-Earth que parece estar criticando fuertemente la eugenesia, son parte del curso. Algunos de los mejores momentos aquí involucran el extraño y gracioso mundo de Counter-Earth y sus extraños animales humanistas que coexisten.

Mientras tanto, la cinematografía aquí es hermosa, posiblemente haciendo de esta entrada una de las películas más atractivas que cualquiera verá en los cines este año. Los colores son vibrantes y llamativos en todo momento y no se siente como un espectáculo de pantalla verde barato como algunas de las ofertas más recientes de MCU. Hay un asombro genuino en cada pieza. Ese asombro se transmite a las secuencias de acción que son todas emocionantes, incluida una pieza de una toma ambientada con No Sleep Till Brooklyn de The Beastie Boys que rivaliza con las mejores piezas de acción de los últimos años.

A diferencia de algunas de las entradas más recientes del MCU, el humor aquí nunca socava los temas más pesados ​​​​de la película. Todo el humor proviene de los personajes y, a menudo, es relevante para lo que sucede en las escenas. Si bien la película es la temática más oscura de la franquicia, es en gran medida una película de Guardians y una afirmación de la vida. En todo caso, hará que el público aprecie un poco más la vida y esto es lo que hace que esta entrada sea única de otras películas de cómics que se encuentran actualmente en los cines. A pesar de ser la tercera entrada en la franquicia, esta película todavía se siente fresca y da vida a un género que ciertamente se había vuelto obsoleto durante mucho tiempo. Si bien esta admiración puede no ser compartida por la mayoría de las personas, la película será amada por la mayoría de las audiencias.

En general, en comparación con otras películas de cómics, la trama se siente mucho menos rígida. Si bien están sucediendo muchas cosas aquí, nunca compromete la capacidad de la película para tomarse su tiempo para desarrollar los personajes. El sentido de finalidad de ser la última entrega de la franquicia crea tanta tensión en comparación con la naturaleza aparentemente inmortal de los personajes en las dos primeras películas. Con esta última entrega, todo está en el aire y eso hace que sea mucho más emocionante de ver. Con Guardians Of The Galaxy Vol. 3, James Gunn ha creado una conclusión magistral para una de las mejores franquicias de la historia del cine. A medida que pasa el tiempo, la película está destinada a ocupar un lugar entre las mejores películas de cómics de todos los tiempos, simplemente por atreverse a hacer algo que se sienta fresco. Al final, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es más oscura, más compleja y está construida con más pasión que su predecesora inmediata. La única entrada perfecta puede ser la primera Guardians Of The Galaxy (2014), un éxito relámpago en una botella que sigue siendo una de las mejores películas de todo el Universo Cinematográfico de Marvel, pero el Vol. 3 cierra la trilogía con una explosión. Un epílogo y 2 escenas esenciales posteriores a los créditos parecen provocar el futuro de lo que puede estar por venir. Pase lo que pase a partir de aquí, James Gunn ha culminado su trilogía con un película emocionalmente satisfactoria que me dejó con ganas de más. Simplemente no hay forma de negar que Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece una conclusión magistral de una de las mejores franquicias de la historia del cine.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Evil Dead Rise

Beth (Lily Sullivan) es una roadie que recientemente se enteró de que está embarazada. Tomando un tiempo libre, Beth decide visitar a su hermana, la tatuadora Ellie (Alyssa Sutherland), que vive con sus hijos, Bridget (Gabrielle Echols), Danny (Morgan Davies) y la joven Kassie (Nell Fisher). Es una reunión familiar en una noche inquietante, con un terremoto sacudiendo el edificio donde viven, que está a punto de ser demolido, abriendo una grieta en los cimientos, exponiendo la historia de la propiedad. Danny elige explorar el área, desenterrando un libro único y álbumes de discos que lo acompañan, llevándolos de regreso a su habitación. Al explorar su hallazgo, Danny se entera de que ha encontrado el Libro de los Muertos, mientras que el audio detalla los horrores contenidos en las páginas, incluido un encantamiento especial. Cuando el mal entra en el edificio, Ellie se convierte en la primera víctima, transformada en una criatura poseída lista para masacrar a todos, extendiendo este mal vicioso como una plaga.

Evil Dead Rise ve el regreso de la aclamada y extremadamente popular franquicia Evil Dead 10 años después de Evil Dead (2013) y 42 años desde que se estrenó la película original, The Evil Dead (1981), en los cines. Esta vez, la película se centra en la retorcida historia de dos hermanas separadas, la madre soltera Ellie y Beth recién embarazada, cuya reunión se ve interrumpida por el surgimiento de demonios que poseen carne después de que los hijos de Ellie, Danny, Bridget y Kassie, leyeron accidentalmente del Libro de los Muertos escondidos en una bóveda debajo del estacionamiento en su edificio. Esto los empuja a una batalla primordial por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más aterradora que se puedan imaginar. Las franquicias Evil Dead y Scream han sido ampliamente conocidas como las dos franquicias de terror más consistentes de la historia y sus dos nuevas entregas este año continúan esa tendencia con fuertes adiciones por derecho propio.

Originalmente destinada a estrenar en HBO Max, Evil Dead Rise se actualizó para un estreno en los cines, que fue la decisión correcta. También es la primera entrega que tiene lugar en un edificio en lugar de una cabaña en el bosque, aunque el director Lee Cronin todavía utilizó una secuencia en una cabaña. El nuevo escenario funciona sorprendentemente bien, ofreciendo un refrescante cambio de escenario sin dejar de ser fiel a lo que debería ser una película de Evil Dead. El escenario se utiliza en todo su potencial, saltando de un lado a otro desde el apartamento de los personajes principales hasta los pasillos, las escaleras y los huecos de los ascensores que los rodean. No hay forma de superar la inquietud y el confinamiento que trajo el entorno de la cabaña, pero el entorno del edificio es un sustituto perfecto, ya que las apuestas siguen siendo altas y la película hace que todo se sienta claustrofóbico.

En cuanto al tono, la película está mucho más en línea con la Evil Dead del 2013, especialmente con lo sádica que es que la trilogía de Sam Raimi, pero si bien esta entrega tiene toda la violencia retorcida y la sangre brutal que uno esperaría, también tiene elementos y sentido del humor retorcido de las entregas anteriores. Aquellos que nunca hayan visto una película de Evil Dead antes pueden sorprenderse, pero Cronin encuentra un buen equilibrio entre esos tonos drásticamente diferentes, ya que sus momentos más tontos se usan con moderación y nunca quitan los más horribles. Honestamente, es una experiencia bastante desagradable, y el trabajo de violencia, maquillaje y efectos prácticos es genuinamente perturbador y espeluznante, pero afortunadamente, no hasta el punto de que el público se distraiga o se vuelva demasiado. Mientras tanto, algunas nuevas incorporaciones a la franquicia y la tradición son bienvenidas y encajan con el resto de las películas en términos de la naturaleza impactante y horrible.

La película ciertamente está compitiendo por ser la película más aterradora y espeluznante de la franquicia hasta la fecha y mucho de eso tiene que ver con la actuación absolutamente fenomenal de Alyssa Sutherland como Ellie. Ella es una adición tan bienvenida a esta franquicia y aporta mucho a su papel y a esta franquicia. Encaja perfectamente en línea con las versiones anteriores de Deadites, pero trae muchas cosas nuevas a la mesa y algunas de sus líneas son simplemente escalofriantes. Los movimientos de su cuerpo son honestamente asombrosos, y de alguna manera solo logra volverse aún más aterradora e inquietante con cada minuto que pasa. Lily Sullivan también es una gran protagonista y es muy fácil encariñarse con ella y la audiencia se encontrará apoyándola para salir de esta situación. El resto de las actuaciones también son sólidas, especialmente de los niños actores que cimentan la dinámica familiar, creando un grupo que el público querrá ver sobrevivir.

A pesar de su grandeza, hay algunos pequeños problemas que le impiden alcanzar las mismas alturas que el resto de la franquicia. Fuera de una gran secuencia de apertura, toma demasiado tiempo en comenzar. Con solo 1 hora y 37 minutos, es fácil decir que esta es la película más larga de la franquicia hasta la fecha debido a lo mucho que se arrastra en el primer acto. También hay demasiadas decisiones de carácter tontas que son imposibles de ignorar. Además, más que nada es un detalle, pero las pocas instancias de CGI son notablemente malas y le quitan mérito a los elementos más prácticos. Aunque esto no es una queja, aquellos que son sensibles a la violencia contra los niños, la película puede molestar a algunas personas por lo lejos que lleva algunas secuencias.

En general, incluso con algunos errores menores en el camino, la película ofrece todo lo que los fanáticos de esta franquicia podrían desear. Su nueva ambientación funciona sorprendentemente, y abre la puerta a un sinfín de posibilidades de hacia dónde podría ir esta franquicia en el futuro. Si esta película es un éxito, con suerte no pasará mucho tiempo hasta que el público vea el regreso de esta franquicia. Diez años fue una espera demasiado larga. Al final, Evil Dead Rise ofrece todo lo que los fanáticos anhelan y más en un plato brillante y llamativo. Entre momentos de terror y violencia que complacen a la multitud, conexión familiar, grandes frases ingeniosas y una espectacular Alyssa Sutherland como la Deadite principal, esta producción es increíble de arriba a abajo. Lo que comenzó como un simple lanzamiento a una plataforma digital se modificó para volverse un lanzamiento teatral debido a la solidez de sus proyecciones de prueba. Así que ven a pasar un rato con una familia "perfecta" en su aparentemente fatal morada. Aviso: habrá mucha sangre. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Sisu

En 1944, Finlandia está siendo devastada por los nazis, que eligieron destruir la tierra que van a perder mientras continúa la Segunda Guerra Mundial. Cruzando Lapland está Aatami Korpi (Jorma Tommila), un experimentado hombre de batalla que ya ha tenido suficiente, y se mantiene apartado de la guerra mientras se abre camino a través de terrenos peligrosos. Es un minero que ha encontrado un gran depósito de oro, recolectando algunas bolsas para cobrar, pero para llegar a un banco, debe lidiar con los ocupantes nazis que tienen frío, hambre y son feroces. Al encontrarse con una unidad nazi en el camino, Aatami llama la atención de Bruno Helldorf (Aksel Hennie), un capitán alemán que comete el error de subestimar al extraño. Cuando las fuerzas nazis se enfrentan al hombre finlandés, despiertan un lado oscuro dentro de Aatami, que es un soldado habilidoso e implacable con reputación de ser indestructible. Mientras Bruno tiene el ojo puesto en el oro, Aatami se enfrenta a los nazis, decidido a quedarse con su premio.

Los nazis siempre son buenos para carnicerías de sangre, ya que siempre están listos para recibir una gran dosis de violencia justa. Sisu, del director Jalmari Helander, sigue esta idea hasta la línea de meta para una película que puede describirse fácilmente como un récord de grandes éxitos de matanzas nazis. En ese departamento, Sisu obtiene una puntuación perfecta. En las partes restantes, algunas cosas evitan que sea realmente genial. Sisu es una palabra que no se puede traducir al inglés. Sisu le dice al público al principio que es una forma de coraje que se manifiesta cuando se pierde toda esperanza. La película sigue a Aatami Korpi, un veterano de guerra finlandés con un historial de supervivencia y brutalidad. Es una leyenda, un dios de la carnicería que se forjó en los fuegos de la guerra y la cruel pérdida de su familia ante el enemigo. Se dice que es imposible de matar, algo que los malos de la película tratan de refutar desesperadamente una y otra vez para su decepción.

Estamos en la recta final de la Segunda Guerra Mundial cuando un convoy nazi se dirige hacia Noruega a través de paisajes infernales que se hacen eco del mundo postapocalíptico parecido al de Mad Max (1979) en lugar de los lugares devastados por la guerra de Saving Private Ryan (1998). Dirigido por el oficial de la SS Bruno Helldorf, este grupo particular de nazis se presenta inmediatamente como el peor de su tipo. Tienen un camión lleno de mujeres que utilizan contra su voluntad y dejan un rastro de civiles muertos colgados de postes a su paso. Se encuentran con Aatami Korpi en el camino, sosteniendo bolsas llenas de oro que acaba de desenterrar del suelo. Intentan robarsela y desde entonces, la sangre nazi se derrama por galones.

Sisu proviene del mismo grupo de películas de héroes de acción como John Wick (2014), Taken (2008) y First Blood (1982). Korpi es una máquina de guerra de un solo hombre que soporta niveles inhumanos de dolor y aún encuentra la manera de sobrevivir. Es exageradamente violento y casi no habla. El asesinato y el caos es su forma de comunicarse, lo que hace que la actuación de Jorma Tommila sea exigentemente física. El desafío da como resultado un héroe asesino de nazis que te preocupa porque su lenguaje corporal es todo lo que tenemos durante toda la historia.

El escritor y director Jalmari Helander se apoya en el físico del personaje principal para generar tensión de manera bastante efectiva. Korpi es un hombre mayor y puede lastimarse gravemente en ciertos momentos hasta el punto de que realmente temes por su vida y sus posibilidades de éxito. De hecho, coquetea con la muerte en una medida más íntima que los John Wicks y Rambos del género. Es suficiente para diferenciar al personaje. La violencia perpetrada en el cuerpo de Korpi es también un elemento crucial para la historia.

Los fans del gore tienen mucho para disfrutar con Sisu. No hay un solo encuentro que no termine con partes de cuerpo esparcidas o cubos de sangre arrojados sobre Korpi y sus víctimas. Dicho esto, Helander se preocupa por crear algunas secuencias de acción visualmente impresionantes que separan aún más esta película del resto. Hay una en particular que lleva las cosas bajo el agua para algunos de los momentos más ingeniosos de la película. Otro, al principio, tiene lugar en un campo minado y presenta algunas de las cosas más locas que he visto hacer con minas en las películas. Sea cual sea la situación, la sangre nunca escasea y siempre es divertido ver cómo se derrama.

Dicho esto, a medida que avanza la película se vuelve más y más ridícula. Esto es más evidente en el encuentro final, que va de loco a algo increíble. Resulta ser un poco molestoso en este punto, ya que las peleas de Korpi anteriormente lograron aferrarse a una pizca de credibilidad que mantuvo las cosas tensas. Un final más discreto le habría servido mejor. Sin embargo, Sisu hace lo suficiente para diferenciarse de las demás películas, pero sigue siendo una sobre un asesino indestructible con una historia de fondo mítica. Korpi incluso tiene su propio perro aquí. Averiguar cómo va a terminar la película y qué ritmo de la historia deberíamos esperar de ella fue bastante fácil desde el principio. No obstante, cabe destacar lo que hace la película con los personajes femeninos que los nazis toman como rehenes. Tienen la oportunidad de darle la vuelta a sus captores en algunas de las partes más catárticas de la película. Es otro ejemplo de cómo Sisu se entrega refrescantemente a ideas que otras películas mantienen enterradas en favor de clichés.

En general, esta es una película divertida y ridículamente violenta que no reinventa ninguna de sus ideas. Sin embargo, no tiene por qué ser así. Lo que Helander pone en la pantalla está excepcionalmente bien hecho y filmado, y lo convierte en un viaje muy emocionante. Su disfrute dependerá de qué tan loco le gusten sus películas de acción y qué tan invertido todavía estén en las películas de acción actuales. Independientemente de dónde caigan, una cosa es segura: ver cómo asesinan brutalmente a nazis es algo grandioso. Al final, Sisu es una de las películas de acción más sangrientas de la última década, con una explosión de 50 megatones de sangre, tripas y partes del cuerpo. Es diabólicamente creativa en sus escenas macabras y la trama se mueve a un ritmo rápido desde el principio. Es bienvenida, no exagera su punto, y nunca se adentra demasiado en las sombrías realidades de la guerra para eliminar la diversión de sus secuencias de acción brutales y extremadamente locas. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always

Billy Cranston/Blue Ranger (David Yost) y Zach Taylor/Black Ranger (Walter Emanuel Jones) se encuentran en peligro cuando se enfrentan a una nueva encarnación villana de la bruja espacial Rita Repulsa conocida como Robo Rita (voz de Barbara Goodson). Ella convoca a otras versiones metálicas de Minotaur (voz de Ryan Cooper) y Snizzard (voz de Daniel Watterson), junto con los Putties, y procede a atrapar los equipos de Power Rangers de todo el mundo para consumir su fuerza. Billy y Zach, que todavía están de luto por la pérdida de una compañera Ranger en su equipo, acuerdan regresar a su antiguo cuartel general e idear un plan con algunos viejos amigos que incluyen a Rocky DeSantos/Red Ranger (Steve Cardenas), Katherine Hillard/Pink Ranger (Catherine Sutherland) y el robot Alpha 9 (voz de Richard Horvitz).

Podría decirse que no ha habido un programa más importante en la infancia de los niños de los años 90's que la serie de televisión Mighty Morphin Power Rangers que se desarrolló durante 145 episodios durante 3 temporadas desde 1993 a 1995. Dando origen a innumerables series y películas derivadas que continúan hasta el día de hoy y entreteniendo a innumerables generaciones más de audiencias jóvenes, la franquicia no muestra signos de detenerse. Casi 30 años después del debut de la serie que lo empezó todo, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always es un especial de reunión que ve regresar a la mayoría del elenco original (circunstancias detrás de escena que involucran a Austin St. John y Amy Jo Johnson y el muertes prematuras de Thuy Trang y Jason David Frank explican sus ausencias) en lo que equivale a un episodio extendido. Recuperando gran parte de la vibra de la serie original para bien o para mal, seguramente traerá sentimientos de nostalgia, especialmente para aquellos de nosotros que crecimos con la serie original. La única pregunta es si el especial se mantendrá o no después de tanto tiempo. Si bien nunca iba a sorprender a los espectadores en términos de diálogo o efectos especiales, hay algo atractivo en su sentido de autenticidad.

Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always ve a los Rangers enfrentarse a una nueva versión de Rita Repulsa. A pesar de verse diferente, su misión sigue siendo conquistar el mundo. Liberada sin darse cuenta y armada con sus monstruos y su ejército de Putties, Zack y Billy deben salvar a los demás Rangers antes de que sea demasiado tarde. Sin embargo, Rita no fue la única que recibió mejoras, ya que sus monstruos de confianza también recibieron una actualización malvada. Enfrentados a una crisis de proporciones mundiales, Zack y Billy solicitaron la ayuda de Rocky y Katherine para acabar con ella. Dicho esto, derribarla a ella y a sus secuaces resultó ser un desafío, aunque no fue uno que no pudieran superar. Mientras tanto, Zack y Billy tienen la carga adicional de atender a la hija de Trini, Minh (interpretada por Charlie Kersh). Además de los momentos de angustia adolescente y de intentar seguir los pasos de su madre, el objetivo del arco de Minh era simplemente llevarla a su inevitable destino.

Donde la mayoría de los espectadores sentirán la ola de nostalgia es una vez que el especial alcance su clímax. La naturaleza pura y exagerada de todo hará que los espectadores se sientan como en casa, ya que marca todas las casillas correctas. Tal vez no tenga el mismo impacto que la serie de televisión, ya que la edad del elenco se muestra a veces principalmente durante las muchas secuencias de acción, pero a pesar de eso sigue siendo entretenida. Aunque el final fue, por supuesto, predecible, deja la puerta abierta para más historias.

En lo que respecta a las actuaciones, fueron tan buenas como lo permitía el material, que ciertamente no fue tanto. Con un elenco de personajes originales y encarnaciones posteriores de la serie, la energía fue diferente, aunque no fue culpa de los actores que simplemente fueron víctimas de las circunstancias. Apoyándose en los miembros del elenco original Walter Emanuel Jones y David Yost como Zack y Billy, ellos solo podían hacer mucho con lo que tenían para trabajar. No había mucho en el camino del desarrollo de los personajes, por lo tanto, proporciona menos razones para estar emocionado por ellos y lo que sea que hayan hecho. Si bien la nostalgia es una cosa, todavía tiene que haber una conexión y Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always carecía de una lo suficientemente fuerte.

Además, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always rinde homenaje a aquellos que ya no están con nosotros, como Thuy Trang, quien interpretó a Trini Kwan, la Yellow Ranger original. A medida que avanza la trama del especial, los espectadores conocen a Minh Kwan, la hija adolescente de Trini. Minh está desesperada por estar a la altura del legado de su madre y a lo largo de la película se muestran memorias con imágenes reales de Thuy Trang. A través de la interpretación de Minh, ella encarna el espíritu que Thuy Trang aportó a su papel de Yellow Ranger, ya que Minh debe aprender los peligros de buscar venganza y lo que significa ser un Ranger. Para cuando comience una secuencia de flashback con el tiempo de Trang como Ranger, dudo que haya un ojo seco para los fans de los Rangers.

En general, el especial tiene éxito en traer nostalgia, aunque eso solo podría llegar hasta cierto punto. Sintiéndose como un episodio extendido de 56 minutos de la serie original, los fanáticos encontrarán mucha diversión aquí. Sin embargo, para todos los demás, es poco probable que los mueva de alguna manera. Al final, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always da en el blanco para un paseo por los recuerdos de esta franquicia histórica. Si bien la trama es un poco tonta y el guión y la acción se apoyan completamente en las cosas que hacen que los Power Rangers sean lo que son, el amor que el elenco y el equipo tienen por esta franquicia es evidente. Aquellos que crecieron con los Mighty Morphin Power Rangers podrán revivir algunos de los momentos icónicos del programa de televisión y pretender pasar por las secuencias de transformación. Una audiencia más joven que nunca ha visto el programa original puede perderse en la trama dado el trasfondo necesario para los personajes, pero cuando se trata de un proyecto inspirado en un aniversario, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always en su mayor parte tiene éxito.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Unlocked

Después de una noche de fiesta con unas amigas, Lee Na-mi (Chun Woo-hee) deja accidentalmente su teléfono celular en un autobús de la ciudad. Un extraño, Oh Jun-yeong (Im Si-wan), encuentra el teléfono y lo piratea. Él comienza a rastrear cada movimiento de ella a través del teléfono y se abre camino en su vida, alejándola lentamente de sus amigas y su padre. Mientras tanto, Oh Jun-yeong está siendo rastreado por la policía, que cree que es responsable de una serie de asesinatos. Uno de los detectives principales del caso es Ji-man (Kim Hee-won), quien cree que Oh Jun-yeong puede ser su hijo perdido hace mucho tiempo. Al Lee Na-mi darse cuenta de todo lo que está ocurriendo, comienza a trabajar con los detectives para tratar de capturar a Oh Jun-yeong y recuperar su vida.

Lo sobrenatural no es la única forma de hacer algo horrible. A veces, todo lo que tienes que hacer es tomar algo que todos tenemos y darlo por sentado. Desde sus inicios, la tecnología ha sido una mano amiga en nuestras vidas. A través de su desarrollo, ha abierto varias posibilidades no siempre agradables. Uno de estos aspectos desagradables es la invasión de la ciberseguridad. Unlocked es un thriller de misterio y crimen coreano que gira en torno al mismo aspecto. Todo lo que necesitas es un teléfono para cambiar tu vida por completo. Dirigida por Kim Tae Joon, la película está protagonizada por Im Si-wan, Chun Woo-hee y Kim Hee-won.

Comenzando con un teléfono perdido, la película usa la tecnología y cuánto acceso le permitimos tener en nuestras vidas para tejer un misterio emocionante lleno de obsesión, venganza y pura malicia. Cuando se queda dormida en un autobús de camino a casa del trabajo y una noche de fiesta con amigas, Lee Na-mi pierde su teléfono inteligente. Tiene sus contactos, sus redes sociales, su horario, y esa es solo la superficie de su vida que contiene ese pequeño cuadrado. Cuando Lee Na-mi recibe una llamada de que su teléfono está en un taller de reparación, piensa que la rareza de un extraño amable puede estar fuera de lugar, pero está agradecida de tener su vida en orden, hasta que todo comienza a desmoronarse.

Sin que ella lo supiera, Oh Jun-yeong, un trabajador de la tienda, le devuelve el teléfono, pero solo después de que él instaló un software espía... y ella no es la primera a la que le sucede esto. Al rastrear su vida cotidiana, aprende todo lo que puede sobre Lee Na-mi, su paradero, pasatiempos, gustos, trabajo, vida diaria, finanzas y redes sociales, y se acerca a ella ocultando su verdadera identidad. Al mismo tiempo, el detective de policía Ji-man encuentra rastros de Oh Jun-yeong en la escena de un crimen y comienza a investigarlo en secreto poco después, sospechando lo peor y poniendo a Lee Na-mi en más peligro que solo ser vigilada.

Unlocked usa la forma en que confiamos en nuestros teléfonos inteligentes y la forma cada vez más invasiva en que contienen nuestras vidas para hacer que la audiencia se pregunte cuánto acceso tiene Oh Jun-yeong a Lee Na-mi. Comenzando con algo pequeño, podemos decir que Oh Jun-yeong puede ver su pantalla mientras usa el teléfono. Puede leer sus mensajes de texto en tiempo real, registrar sus contraseñas y ver su cuenta bancaria. Después, vemos que él puede verla a través de la cámara frontal, lo que aumenta la intensidad de la invasión. Y luego, finalmente, nos enteramos de que él también puede operar su teléfono. Él puede arruinar su trabajo y su vida enviando mensajes, revelando su cuenta falsa de Instagram, retirando dinero y casi cualquier otra cosa. Cada nivel que Oh Jun-yeong profundiza en la vida de Lee Na-mi aumenta la tensión, girando la subtrama y también aumentando las apuestas físicas.

El director Kim Tae Joon usa de manera experta la pantalla de un teléfono para generar tensión sutilmente. En lugar de pasar mucho tiempo mirando al propio Oh Jun-yeong detrás de la pantalla de la computadora todo el tiempo, vemos a Lee Na-mi haciendo su vida, pero con su teléfono parpadeando en el fondo. Mientras Lee Na-mi habla con su jefa, puedes ver a Oh Jun-yeong en segundo plano, desplazándose por sus mensajes de texto. Mientras ella duerme, puedes ver la velocidad con la que Oh Jun-yeong está aprendiendo todo lo que puede sobre Lee Na-mi mientras el teléfono se carga encima de su cama. Si bien el uso de pantallas es utilizado para mostrar las aplicaciones y los mensajes enviados, también ayudan a mostrar qué tan conectados están el mundo real y el virtual. Son estos pequeños momentos de violaciones de los límites los que se sienten como una invasión cuando Lee Na-mi simplemente sigue con su vida. Sabemos algo que ella no sabe como audiencia, lo que hace que el temor se intensifique.

Sin estropear un giro en el tercer acto, los únicos problemas de ritmo de la película entran en juego cuando la trama secundaria comienza a intensificarse y la búsqueda de un asesino se enfoca, y los hilos entre lo que le está sucediendo a Lee Na-mi comienzan a conectarse a una gran red de crímenes. Si bien colocarla en una situación más grande ayuda a que la película se diferencie de una simple trama de acosadores, se esfuerza por mantener las riendas de las dos fuertes narrativas que se manejan casi completamente independientes entre sí hasta los últimos 20 minutos de la película. Dicho esto, cuando chocan entre sí, las consecuencias violentas hacen que el viaje valga la pena.

En general, esto no está necesariamente haciendo nada nuevo en el género de suspenso, pero está utilizando efectivamente la tecnología para generar miedo. Im Si-wan y Chun Woo-hee ofrecen actuaciones que no solo venden cada emoción, sino que se destacan entre sí como fuerzas opuestas. Si están buscando un vistazo emocionante, esta película es una a la que deben prestarle atención. Al final, Unlocked es una película cautivadora que se enmarca en el género de crimen, drama e intenso suspenso que te mantendrá al borde de tu asiento de principio a fin. Ver esta película brinda a los espectadores información valiosa sobre la importancia de proteger la información personal, especialmente las contraseñas. Nuestros teléfonos contienen cantidades significativas de datos personales, por lo que es fundamental mantenerlos seguros y protegidos. Perder un teléfono a manos de una persona malintencionada puede tener consecuencias destructivas, como se ilustra en la película. Por ello, es fundamental prestar atención a la seguridad de nuestros dispositivos móviles. Si bien la película es informativa, podría beneficiarse de escenas adicionales de suspenso y drama, ya que algunas partes son predecibles. No obstante, ofrece valiosas lecciones sobre ciberseguridad y la importancia de proteger la información personal, lo que la convierte en una película imprescindible. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Kill Boksoon

Gil Boksoon (Jeon Do-yeon) es la mejor asesina de su agencia MK. Su don especial radica en poder prever perfectamente las situaciones, incluso en diferentes variantes. Ahora, sin embargo, se enfrenta a la decisión de renovar su contrato, que está a punto de expirar. Mientras su mentor, el CEO de MK, Cha Min-kyu (Sul Kyung-gu), está desesperado por conservarla, la asesina, apodada con reverencia Kill Boksoon en la industria, se pregunta si es hora de retirarse. Después de todo, ella también es la madre de Gil Jae-young (Kim Si-A), de 15 años, quien no sabe nada sobre su trabajo. Cuando Gil ataca a un compañero de clase con un par de tijeras, pero simplemente no quiere revelar por qué, la decisión de Boksoon parece haber sido finalmente tomada. Sin embargo, todavía tiene que llevar a cabo una última misión y llevar consigo a Kim Yeong-ji (Lee Yeon), una prometedora pasante asesina. No obstante, es precisamente este trabajo el que le da a Boksoon remordimientos de conciencia por primera vez en su carrera y, por lo tanto, viola la regla principal de su industria, razón por la cual la directora de MK, Cha Min-hee (Esom), la libera para que la asesinen.

John Wick no es el único gran asesino que existe en las películas. Desde que apareció en escena, algunas películas han tenido éxito y otras no han logrado replicar ese molde. Si bien muchos hombres y mujeres han tomado el relevo, muchos de esos intentos a menudo han carecido de la humanidad necesaria para fundamentar sus historias y vincularlas a su acción. Tal vez solo tomó la perspectiva correcta para ponerlo todo junto. Kill Boksoon es un thriller de acción de asesinos de Corea del Sur protagonizada por mujeres que presenta a una asesina que podría decirse que está al mismo nivel que el mencionado John Wick. Hacerla madre automáticamente agrega riesgos, lo que implica que tiene que hacer malabares con ser una asesina infame y una madre soltera con una hija adolescente. Esto agregó otra dimensión a la historia. Aunque la película no logra ponerlo todo junto de una manera fluida, presenta un mundo brutal que acecha en las sombras. Usando un mundo para informar al otro, apenas rasca la superficie en términos de lo que podría haber ofrecido su inframundo asesino, lo que resulta en muchos momentos intensos pero también en un vistazo menos completo.

Como mencioné, Kill Boksoon se centra en Gil Boksoon, una notoria asesina reconocida por sus innumerables asesinatos. Siendo una leyenda en la industria del asesinato y abarcando varias compañías, cada una con sus propios establos de asesinos, todos respetando el mismo conjunto de reglas, fue vista como una de las mejores, si no la mejor, que existía. Matar era algo con lo que Boksoon se sentía cómoda y era realmente buena, trabajando como la mejor para la compañía de asesinatos más grande de Corea gracias a su conjunto especial de habilidades. Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar para ella tras el nacimiento de su hija, ya que tratar de equilibrar ambas vidas resultó ser un desafío. A medida que Gil Jae-Young crecía, más momentos perdía su madre y esas ausencias no pasaban desapercibidas. Cuando su contrato con MK, la compañía de asesinatos más grande de Corea, estaba llegando a su fin, vio una posible salida y la oportunidad de pasar más tiempo con su hija. Queda por ver si su amigo, mentor y CEO de MK, el presidente Cha Min-kyu, y el resto de ese mundo lo aceptarán o no.

Con el peso de ese conflicto interno mientras aún realizaba sus deberes regulares agregó otra dimensión a Boksoon en el trabajo y con su círculo muy unido de amigos asesinos de otras compañías. A pesar de ello, ese conflicto también era de conocimiento común entre la mayor parte de su industria, ya que algunas fuerzas por encima de ella tenían un interés personal en mantenerla en el trabajo. Mientras tanto, esto también la puso en una posición vulnerable en la que otros podrían intentar derribarla suponiendo que no se lo hizo a sí misma primero. Por mucho que trató de nivelar su vida, criar a una hija adolescente cambia la perspectiva de uno y esa nueva perspectiva eventualmente la siguió a su otro trabajo para bien o para mal. Mientras las paredes se cerraban, si alguien iba a encontrar un camino, era Boksoon. Pero para seguir adelante, tendría que lidiar con su pasado y su relación con el poderoso CEO Cha Min-kyu, un hábil asesino por derecho propio, por lo que compartieron una profunda historia que se remonta a una edad temprana. Aparentemente el último obstáculo antes de que pudiera alcanzar su libertad, esa relación podría haber sido un poco más desarrollada para agregar al impacto emocional de su inevitable confrontación.

Siendo una película que ya abunda en estilo, las escenas de acción eran igual de estilizadas y no rehuían la violencia, con una coreografía enérgica y un trabajo de cámara llamativo que se adaptaba a su naturaleza exagerada. Tal vez su estilo y el uso excesivo de escenas de acción pueden ser demasiado a veces, pero es solo una pequeña parte de una historia más grande. Si bien es probable que algunos espectadores se diviertan con la acción, el drama de los personajes fue más interesante. Haciendo un trabajo decente en el equilibrio de tonos y fundamentando el tema brutal con algo de humanidad y dando a Boksoon apuestas emocionales, su arco fue la mejor parte de la película. Jeon Do-yeon ofrece una actuación poderosa como la asesina titular, mostrando variedad al darle encanto y confianza a su lado asesino del personaje y vulnerabilidad y relacionabilidad a su lado materno. En el transcurso de la película, esos lados se convirtieron en uno. En cambio, ella estaba más que preparada para el desafío. Su química con Kim Si-A como Gil Jae-Young es otro punto culminante de la película, creando el fuerte vínculo que guió a Boksoon. Aunque Sul Kyung-gu es amenazante como el CEO de MK Cha Min-kyu, es una pena que no haya podido mostrarlo más.

En general, esta película lleva a uno de regreso a los días del clásico género de acción/crimen coreano de principios de la década del 2000. Si disfrutaste de Sympathy For Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2003) o A Bittersweet Life (2005), entonces disfrutarás de esta película como yo lo hice. Es una gran película agradable que plantea algunos temas relacionados con la moralidad e incluso destaca algunos problemas sociales que harán pensar y reflexionar a las personas. Al final, Kill Boksoon es un sólido thriller de acción de asesinos llena de estilo y humanidad, dirigida por una poderosa actuación de Jeon Do-yeon. Tiene suficiente violencia para satisfacer a la mayoría de los fanáticos del género y, aunque puede que no todo funcione, su historia fundamentada ayuda a darle un poder de permanencia.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Renfield

Una vez siendo un abogado que fue enviado a reunirse con el conde Drácula (Nicolas Cage) para resolver los asuntos de su propiedad, Robert Montague Renfield (Nicholas Hoult) se transformó en un "familiar" del vampiro y pasó las próximas décadas de su vida sirviendo a su amo, adquiriendo cuerpos para nutrir a su propietario, trabajando con habilidades sobrehumanas desencadenadas por la digestión de insectos. Hoy, Renfield lucha con su lugar en el mundo, trabajando en sí mismo mientras Drácula se regenera físicamente lentamente después de perder una batalla crítica con sus enemigos. Está listo para arreglárselas solo, eligiendo dejar el lado del vampiro y vivir como un hombre libre, pero los problemas siempre encuentran a Renfield, quien pronto se ve envuelto en los líos del gángster Teddy Lobo (Ben Schwartz), hijo de la jefa del crimen Bellafrancesca Lobo (Shohreh Aghdashloo). Tratando de hacer justicia en las calles de Nueva Orleans, la policía Rebecca Quincy (Awkwafina) está en el caso, respondiendo a la amabilidad de Renfield mientras reúne pistas que refuerzan su barbarie, aprendiendo más sobre el pasado que quiere dejar atrás.

Si son fanáticos de las actuaciones exageradas de Nicolas Cage, entonces pueden agradecer en gran medida a Vampire's Kiss (1988) por ello. Esa película vio a Cage como un tipo normal que pensaba que era un vampiro inmortal, pero en la nueva comedia de terror Renfield en realidad interpreta al gran señor de todos los vampiros, Drácula. El casting de la película es tan perfecto que es una maravilla que nunca antes se haya hecho. De hecho, es tan perfecto que amenaza con ser insatisfactoria porque nuestras expectativas son muy altas. Pero este es Nicolas Cage, y su Drácula es un puro horror cursi.

La historia es la que es. Nicholas Hoult interpreta al sirviente de Drácula, Renfield. Es bastante diferente de la versión clásica. Aquí es un tonto inglés que obtiene superpoderes al comer insectos. Quiero decir, como superpoderes al estilo de los superhéroes de Marvel. Después de que cualquiera de las legiones de enemigos a los que se enfrenta regularmente asa a su jefe hasta convertirlo en un pedazo de carne frita, Renfield lo lleva a la convalecencia en el rincón más sombrío de Nueva Orleans.

Sin embargo, hay un gancho inteligente aquí, ya que Renfield se encuentra en un grupo de apoyo para personas que buscan salir de relaciones tóxicas. Ser el familiar de Drácula ciertamente califica. Renfield también usa este lugar como una ventana única para posibles víctimas de su maestro. No obstante, también resulta ser una vía de posible salvación, ya que Renfield se encuentra protegiendo a inocentes de la violenta familia criminal Lobo, encarnada por un tonto Ben Schwartz y la majestuosa Shohreh Aghdashloo como la matriarca de la mafia. Más específicamente, Renfield salta para ayudar a la intrépida y rebelde policía Rebecca Quincy, interpretada por Awkwafina. Rebecca tiene un problema de mucho tiempo con los Lobo, y Renfield es arrastrado al medio de todo al... bueno, cortar a sus ejecutores como un cuchillo caliente a través de carne humana.

Si bien esto obviamente no pretende ser una película de verdadero horror, Renfield es tan espeluznante que Drácula podría ahogarse en los géiseres de sangre que se presentan. El tono es schlocky y tonto, la sangre es increíblemente exagerada a medida que se desgarran extremidades, y se pisotean y explotan cabezas. La película es mejor por ser un festival de salpicaduras de sangre ridícula y proporciona la plataforma perfecta para que Cage se vuelva loco, incluso canalizando al gran Bela Lugosi del clásico Drácula de 1931. Cage pasa a través de un diálogo ridículo teatral, como si hubiera entrado de una novela de Anne Rice al set de película de manera equivocada. Hay una gran escena en la que exige "la sangre de cheerleaders", solo para pelear con Renfield sobre si es algo sexual.

Una cosa que hace que la película se destaque es que los actores de la película fueron elegidos con cuidado, y están dedicados al oficio y al material, y en general entienden exactamente lo que los personajes necesitan de ellos. En la interpretación de Nicolas Cage, puedes ver indicios de su personaje Peter Loew, de Vampire's Kiss, y momentos fugaces que recuerdan al Drácula de Christopher Lee en la serie de películas de la Hammer Horror, así como otras actuaciones clásicas de Drácula. Es una actuación tremendamente respetuosa que domina la pantalla. Es el Drácula que se merece el público y la leyenda. Sigue la tradición de los grandes Dráculas: Christopher Lee, Bela Lugosi y Gary Oldman. Hay más de lo que uno esperaría, pero nunca puede haber demasiados. Y no, no voy a nombrarlos a todos.

Nicolas Hoult como Renfield es el centro de la película, y la película se llama Renfield por una razón. Hoult ofrece una actuación sensible, conmovedora y matizada que nunca cae en los excesos de la "actuación de comedia". Lo interpreta con franqueza y es bastante serio, que es justo lo que requiere el papel. Inmediatamente se asegura su simpatía a pesar de que su personaje está haciendo cosas monstruosas. A medida que comienza a recuperarse y adquirir fuerza de carácter, es fácil para la audiencia seguir simpatizando con él porque se ha ganado esa simpatía. Su trabajo es mayormente bueno, se inclina demasiado hacia la comedia y tiende a hacer muecas en lugar de permitir que sus sentimientos cuenten la historia por ella. Otros destacados son Shohreh Aghdashloo como la jefa del crimen Bellafrancesca Lobo y Ben Schwartz como Teddy Lobo.

En general, en Renfield verás a Cage como el señor de todos los chupasangres, y no te decepcionará. Cage está teniendo otro resurgimiento profesional y parece pasar por esto cada pocos años más o menos, cuando las estrellas se alinean perfectamente. El Drácula de Cage es una de esas estrellas, y esperemos que la película funcione lo suficientemente bien como para que tal vez pueda ponerse la capa y los colmillos una vez más. Al final, Renfield es una película cómica y sangrienta en la legendaria historia de Drácula. Suelta la tradición antigua de Drácula por un entorno moderno con un subtexto moral que hace que la historia funcione de nuevas maneras, y también reescribe el concepto de Renfield que ha existido durante casi un siglo. Perversamente divertida, llena de electricidad carismática y sorprendentemente conmovedora, esta película trae nueva vida al clásico de todos los cuentos de vampiros. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.