Review: Happy Death Day

Tree (Jessica Rothe) despierta en el dormitorio de Carter (Israel Broussard) con un desagradable dolor de cabeza y un recuerdo limitado de la noche anterior. Volviendo a su sororidad, Tree se enfrenta a la vil Danielle (Rachel Matthews), y es consolada por su compañera de habitación Lori (Ruby Modine), la cual frustrada por la crueldad casual de Tree le ofrece el regalo de un cupcake para celebrar su cumpleaños. Lidiando con un acosador, un profesor con el que está durmiendo y la presión de su padre que se reunirá con ella para una cena de celebración, Tree solo se enfoca en sí misma, terminando la noche en una fiesta sorpresa de su sororidad. Sin embargo, no es un día fácil para Tree, que se encuentra asesinada por un hombre enmascarado, solo para despertarse de inmediato en la habitación de Carter nuevamente. Confundida y asustada, Tree se propone resolver su ciclo de tiempo, aprendiendo la rutina con la ayuda de Carter, tratando de descubrir quién sigue matándola, lo cual siempre reinicia el terrible día.

Realmente no esperaba mucho de esta película. Pensé que sería otra película cursi de terror clasificada PG-13. Estaba muy equivocado y gratamente sorprendido. Contiene algunos elementos de una película de terror, como el hecho de que la protagonista sea brutalmente asesinada todas las noches, pero a pesar de eso fue una película divertida con un fantástico giro final. Soy bastante bueno para descubrir quién es el "asesino" en este tipo de películas, pero nunca vi venir este, incluso en una película donde todos son sospechosos.

Sin embargo, la película tiene mucho más que ofrecer. Se enfoca en el desarrollo del personaje, ya que de una adolescente superficial, grosera y egocéntrica se convierte lentamente en una joven alegre y empática. Esta película puede considerarse un drama/horror. Como si esos elementos no fueran suficientes, Happy Death Day también nos cuenta una interesante historia de amor que se vuelve más y más profunda a medida que avanza la película. También trata temas familiares y de amistad de una manera dramática. Para alegrar las cosas, la película también incluye partes cómicas que consisten principalmente en situaciones absurdas y algunos diálogos extravagantes.

Jessica Rothe definitivamente carga esta película. Ella fue capaz de pasar de ser una joven verdaderamente grosera, a ser una verdadera víctima, a una joven muy graciosa y realmente dulce. Incluso un poco intimidante en ciertos momentos. Su personaje tampoco es la típica chica de la sororidad de las películas de terror. Ella es astuta y ruda. Ella me hizo creer que realmente podría resolver su situación. Si no cambian de opinión sobre quién es el asesino al menos dos veces a lo largo de la película, no están prestando atención. Además, el ritmo de la película no es ni demasiado lento, ni demasiado rápido. Puedo decir que esta película funciona debido a como todas las piezas se arman.

Hay muchos homenajes sutiles de otras películas a lo largo de esta película (Before I Fall, Halloween, Scream, Edge Of Tomorrow, Sixteen Candles, The Deaths Of Ian Stone), pero el más grande, y nada sutil, fue la premisa misma, que es básicamente una nueva versión de Groundhog Day, y me emocione a medida de que los créditos comenzaban, ya que uno de los personajes le dice a Tree que su situación era exactamente igual a la de Groundhog Day. Lo único negativo es su calificación de PG-13. No hizo justicia a la película, ya que se sentía como cohibida de lo que pudo haber exhibido. Las películas de terror, especialmente las de slashers, deberían tener la libertad de mostrar la violencia en su máxima expresión, y en ese sentido la película es un poco seca. A pesar de que el suspenso se acumuló y los sustos fueron efectivos, la película no es terriblemente aterradora.

En general, esta no es una película de miedo. Es graciosa, pero no es una comedia. Hay una gran sensación de suspenso en toda la película, que está bien actuada por todos, de acuerdo, a los personajes. Al final, Happy Death Day es una película de terror muy agradable con un concepto interesante y una actuación muy buena de la actriz principal. Si disfrutan de las películas que los hace constantemente adivinar quién lo hizo, veanla. Es entretenida.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Acts Of Vengeance

Frank Valera (Antonio Banderas) es un abogado defensor y uno de esos padres tan ocupados que se está perdiendo cosas importantes, como la competencia de talento de su hija Olivia (Lillian Blankenship).  Sin embargo, después de que su esposa Sue (Cristina Serafini) y Olivia son asesinadas sin piedad y arrojadas a una alcantarilla, su vida entra en una espiral descendente de alcoholismo y penitencia mientras se deja destrozar cada noche en un club local de luchas clandestinas. Pero una noche tiene una epifanía: se disciplinará a sí mismo en las artes marciales y se convertirá en un "estoico", un hombre silencioso en busca de justicia, y se reconstruirá a sí mismo desde cero. Sin la ayuda del departamento de policía local o un policía llamado Strode (Karl Urban), Valera se hace amigo de un perro policía maltratado que lo ayuda en su difícil momento, acercándose un poco a las respuestas que ha estado buscando. Mientras se concentra en un sospechoso en el asesinato de su familia, se abre paso entre la mafia rusa local y hace un aliado en la forma de una enfermera llamada Sheila (Paz Vega) con secretos oscuros.

Acts Of Vengeance es una historia que se cuenta en capítulos. Cada uno sigue la progresión del personaje de Frank Valera, ya que sus actos lo llevan cada vez más cerca de la venganza que él tan claramente desea. La película empieza en el capítulo 4, que muestra a un Valera que está totalmente loco y ataca a un tipo en un café. No tenía idea de por qué perseguía al pobre hombre, pero la película rápidamente salta al primer capítulo para dar un poco más de normalidad en términos de narración. Es una película construida de viejos temas y existe solo para usarlos de nuevo, no para reutilizarlos.

Las cosas suceden muy deliberadas y avanzando sin mucha necesidad de desarrollo de carácter o motivación. En minutos, aprendemos las únicas cosas que necesitamos sobre Frank, que ha hecho una carrera al sacar criminales de la cárcel y descuida a su esposa e hija. Todo lo que sucede después es para darle la oportunidad de crecer, lo que en películas como esta significa pelear... y mucho. La película abarca los típicos temas del género de acción con propósito, presentando una especie de thriller de acción que su objetivo principal es el entretener.

Las secuencias de acción son bastante buenas y la violencia es más o menos lo que se esperaría de este tipo de película pero no es excesiva. Banderas es bastante convincente como un héroe de acción y se las arregla en este papel, así sea con algunos de los dobles que se ven absolutamente obvios en las escenas de peleas. La voz del protagonista corre a través de toda la película y funciona bastante bien dado el limitado diálogo en algunos lugares, pero a veces puede ser un poco intrusivo y innecesario. Los elementos emotivos de la película funcionan bien para agregar profundidad y dimensión, y es un buen equilibrio con el aspecto de la acción y el suspenso de la película.

En general, me gustó. No es una película pionera, de ninguna manera, pero tiene mucha acción. Antonio Banderas es bastante bueno y Karl Urban agrega un toque de clase a una película que esencialmente solo tiene un gran nombre y, aunque la historia no es tan estimulante, permite un final satisfactorio una vez que Valera finalmente descubre todo. Al final, es simple, tiene buenas secuencias de acción y un corto tiempo de duración hacen de esta película una buena adición a la lista del año ocupado de Antonio Banderas.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Textless De La Semana

Thor: Ragnarok

Review: Verónica

En Madrid, en junio de 1991, Verónica (Sandra Escacena) es una adolescente que por las circunstancias después de la reciente muerte de su padre y al su madre trabajar en un bar todo el día, debe cuidar de sus tres hermanos menores, las gemelas Lucía (Bruna González) e Irene (Claudia Placer) y el más joven Antoñito (Iván Chavero). Todavía de luto por la muerte de su padre, Verónica decide jugar ouija con sus amigas Rosa (Ángela Fabián) y Diana (Carla Campra), aprovechando un eclipse solar total donde todos sus compañeros de clase y maestros están en la azotea de la escuela mirándolo. Solas en el sótano, las chicas intentan ponerse en contacto con sus recientes familiares fallecidos, pero la sesión sale muy mal. Ocultando a su madre el suceso, Verónica comienza a sentir una extraña presencia en la casa, temiendo que este fantasma amenace a cualquiera de sus hermanos. Aconsejada por la Hermana Narcisa (Consuelo Trujillo), mejor conocida por los alumnos como la Hermana Muerte, sobre los espíritus siniestros cercanos a ella, Verónica busca la manera de romper el contacto con el fantasma para salvar a todos, sufriendo alucinaciones y visiones horribles que progresivamente se vuelven intensamente violentas y que convierten la casa en una pesadilla donde nadie está a salvo.

Verónica se inspira en un macabro suceso que estremeció a la sociedad española y es uno de los casos más conocidos de la fenomenología paranormal en España: el Caso Vallecas. Estefanía Gutierrez Lázaro fue una joven que en 1991 falleció en Madrid bajo extrañas circunstancias tras practicar una sesión del juego de la ouija y lo que ha pasado a la historia es una situación escalofriante. La policía llegó al domicilio familiar de la joven tras recibir una llamada desesperada de socorro, encontrándose los agentes con un panorama desolador. De hecho, llama poderosamente la atención que el jefe inspector escribiera en su informe policial, de forma extraordinaria, la existencia de factores paranormales en la muerte de la joven. El oscuro caso despertó encendidos debates sobre los peligros de la práctica de la ouija, del poder sugestionador que este juego puede ejercer sobre personas de mente débil que acabarían viendo fantasmas donde no los hay y la eterna discusión sobre la existencia de espíritus, demonios o vida más allá de la muerte.

Veinticinco años después, el director Paco Plaza ha adaptado la historia, manteniendo la esencia de los hechos acontecidos, para hablar de otro tipo de miedo más terrenal pero, no por ello, menos vertiginoso. El vértigo que siente Verónica, la protagonista de la película, al hacerse mayor. Los golpes de la vida han hecho que esta adolescente de 15 años se vea obligada a adquirir demasiadas responsabilidades de adulta. Mientras que la mayoría de sus amigas pasan su tiempo libre de fiesta, experimentando el primer amor o recibiendo el abrazo de sus padres, Verónica tiene que compaginar sus clases en un colegio de monjas con el cuidado de sus tres hermanos pequeños, ya que, tras la muerte de su padre, la madre se pasa la mayor parte del tiempo trabajando en un bar en el barrio.

El retrato que se realiza de este personaje femenino y su complicado entorno lo hace que trascienda como un poderoso drama que habla de temas tan valiosos como las dificultades para superar la pérdida del ser querido (excusa que sirve para que la joven se decida a tratar de contactar a su padre muerto), la difícil transición de niña a mujer (con una escena de menstruación que no había sido representada de forma tan traumática desde Carrie), o la fascinación del ser humano hacia lo desconocido. Ya desde el brutal prólogo, la película atrapa a uno con fuerza, gracias a una elegante fotografía y una dirección artística que recrea con absoluta convicción, recreando hasta el más mínimo detalle, la estética y los ambientes de principio de los noventa. Las canciones de Héroes Del Silencio (Maldito Duende, Entre Dos Tierras y Hechizo) acompañan durante toda la película a la solitaria Verónica en sus paseos a clase o en sus noches en vela como un mantra para una de las escenas más aterradoras de la película.

Sandra Escacena es magnífica y perfecta como la encarnación del vulnerable personaje principal. Junto a ella, es obligado destacar el maravilloso casting de los pequeños Bruna González, Claudia Placer e Iván Chavero como los hermanos, (resulta escalofriante verlos enfrentando situaciones como las que viven en la película) mientras que la veterana Ana Torrent también realiza una sensible interpretación como madre sobrepasada por las circunstancias y Consuelo Trujillo se adueña de algunos de los momentos más inquietantes con su encarnación de una monja invidente, "bendecida" con el don de sentir las presencias del más allá, a la que los alumnos han bautizado con el sobrenombre de la Hermana Muerte.

En general, es un espeluznante drama de terror con un final impresionante. Si les gusta el horror de la vieja escuela, deberían estar especialmente feliz con esta película. Casi todos los efectos especiales son hechos a mano, excepto por la aterradora y final escena, ya que hace homenaje a los efectos de la vieja escuela. Al final, Verónica brilla a través de un estado de ánimo melancólico, el encanto retro de principio de los años 90 y los simpáticos actores jóvenes de los que uno no quiere deshacerse por la sensación como si se conocieran desde hace años. Aunque la historia de un fantasma que aterroriza a una familia no es nueva, le recomiendo la película a todos aquellos que quieran estropear su sueño ya que el viaje de terror es realmente aterrador, a pesar del proceso familiar. Aquí se presta atención a la calidad... algo que la mayoría de las películas de terror recientes carecen.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Geostorm

A medida que los desastres naturales azotan la Tierra, causan destrucción y propagan la miseria, los líderes mundiales deciden agruparse y construir un sistema de defensa conocido como Dutch Boy, que utiliza satélites y trabaja en la Estación Espacial Internacional para controlar el clima. Cuando ocurre un extraño evento de congelación en el Medio Oriente, el gobierno, liderado por el presidente Palma (Andy García), elige encubrir el mal funcionamiento del Dutch Boy, pero el miembro del gabinete Max (Jim Sturgess) ofrece una solución: enviar a Jake (Gerard Butler), el inventor del Dutch Boy y su hermano, al espacio para arreglar el problema. Molesto por los tratos previos del gobierno y tratando de criar a su hija Hannah (Talitha Bateman), Jake accede a la misión, donde se encuentra con la tripulación, incluyendo la Comandante Ute (Alexandra Maria Lara). A medida que aumentan las fallas, la amenaza de un Geostorm se convierte en realidad, presionando a Jake para que averigüe qué le pasa al Dutch Boy antes de que el mundo sea destruido por el clima artificial.

Similar a Independence Day: Resurgence, Geostorm intenta retratar un futuro no muy lejano con desarrollos masivos en la tecnología, combinando la realidad actual y la imaginación de la ciencia ficción. En este sentido, Geostorm hace un trabajo mucho mejor, simplemente porque no hay una franquicia que la guíe. La película también es consciente de que tiene que cubrir una gran cantidad de terreno y asegurarse de que sea comprensible. Demasiadas películas pasan por alto esto y se convierten en un desastre incomprensible. Aquí, desde el principio, se presenta exactamente lo que se necesita saber, y la información se distribuye gradualmente a partir de ahí. Es un gran logro cuando se trata de contar la historia de una catástrofe global causada por una serie de satélites meteorológicos.

Me intrigó mucho el casting, con dos hermanos interpretados por Gerard Butler y Jim Sturgess. Fue una elección realmente interesante, y me sorprendió verlos a los dos interpretar personalidades tan diferentes. Son el corazón de esta historia, y me gustó ver las escenas en las que se encontraban. Las películas de desastres son, por naturaleza, películas imperfectas, y esta no es una excepción. Irónicamente, los nombres más importantes en el elenco, Andy García como el presidente y Ed Harris como el Secretario de Estado, parecen ser los más raros en esta película. Esto es más notable cuando casi al final los dos comparten un diálogo. Pero ambos son también parte de una de las subtramas más intrigantes de la película, donde los desastres que ocurren son en realidad parte de un misterio mucho más grande, que termina involucrando a todo el elenco. Este fue un aspecto que no había anticipado, y terminé disfrutando mucho de el.

Los únicos aspectos negativos son la previsibilidad de la película y los personajes subutilizados. Geostorm intenta lo mejor que puede que uno se desvíe del camino hacia los culpables, pero los trailers y el obvio presagio darán la respuesta dentro de los primeros 30 minutos de la película. Además, el destino de algunos personajes no es sorprendente en lo absoluto, sobre todo porque resuelven las cosas minutos dentro de la película. Si no hubiera sido por las imágenes y el ritmo emocionante, la historia habría sido un completo desastre. Admitiré que hubo un momento agradable e incierto que me hizo recordar a algunas otras películas. Al igual que muchas películas, nuestro protagonista se convierte en parte de un equipo especial a cargo de solucionar el problema. Desafortunadamente, después de las introducciones, la mayoría del equipo es esencialmente inútil, salvo dos miembros que en realidad obtienen más tiempo de pantalla. Este grupo simplemente no se sentía necesitado en el gran esquema y podría haber sido utilizado en un entorno más propicio para agregar un poco más de suspenso a la película.

En general, no es la mejor película de todos los tiempos, pero va más allá de presentar los miedos de tener líderes con la voluntad de destruir a la humanidad y jugar con la madre tierra. Y eso es lo que hace una buena película: mostrar la realidad de una manera que nuestra mente no la pueda enfrentar. Al final, Geostorm es una película realmente sorprendente. No es perfecta, pero tampoco es un festival explosivo a lo Michael Bay. Hay acción, pero se presenta con mucha clase, emoción y consecuencias.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Coco

Para el joven Miguel (voz de Anthony Gonzalez), la música está prohibida en su familia, con un trauma que data de generaciones atrás, cuando Mamá Imelda (voz de Alanna Ubach) fue abandonada por su marido guitarrista, dejándola sola para criar a su hija Coco (voz de Ana Ofelia Murguía). Mientras que su abuela, Abuelita (voz de Renee Victor), impone la prohibición de toda la música en el clan experto en la fabricación de zapatos, Miguel tiene un don natural para la interpretación, tratando de mantener su interés musical en secreto. Cuando el Festival del Día de los Muertos llega a su pueblo, Miguel quiere participar, buscando una guitarra especial que alguna vez perteneció a su ídolo, el famoso músico Ernesto De La Cruz (voz de Benjamin Bratt), que lo lleva a la Tierra de los Muertos y de repente se enfrenta a una población de esqueletos, algunos de los cuales son sus antepasados. Con un corto período de tiempo para encontrar un pétalo de caléndula para ayudarlo a regresar a la tierra de los vivos, Miguel experimenta un despertar especial en su nuevo entorno, recibiendo una educación sobre la historia familiar, que lo pone en contacto con Ernesto y Héctor (voz de Gael Garcia Bernal), un muerto que también busca tiempo con el famoso cantante.

En esencia, Coco es una historia sobre pasión, memoria y familia. Miguel debe aprender sobre el valor propio, la valentía y el valor de ser fiel a uno mismo mientras se mantiene fiel a la familia, respetando la tradición y recordando el pasado en una forma de historia familiar. Con una reputación de gran narración y de historias, los monstruos de Disney y Pixar han encontrado una manera de contar la historia del Dia de los Muertos con un estilo nuevo y auténtico. Una lección es aprendida por casi cada personaje a medida que se desarrollan. La pasión se enfrenta a la tradición (y quizás a las costumbres obstinadas) y el resultado produce fuertes emociones. En ocasiones, la historia se sintió llevada por el drama al estilo de una Telenovela. Estos son algunos temas para lo que se puede considerar una película para niños, pero se desarrollan orgánicamente y nunca son forzados. Sin embargo, a la película no le falta ese humor de comedia infantil fácil y estrafalaria.

El equipo de producción hizo un gran esfuerzo preparándose para la producción de esta película, y los resultados fueron valiosos y evidentes. La película se desarrolla brillantemente en Mexico y muestra una amplia gama de iconos culturales y de costumbres que hacen que la película se sienta auténtica. Todo, desde la cocina mexicana (tacos, tamales o "pan de muerto") hasta celebridades (Frida Kahlo, El Santo, Pedro Infante y Cantinflas) hacen su aparición. Trajes de mariachi o charro tradicionales y elaborados peinados de mujer son representados con precisión. La cultura familiar mexicana se representa desde el respeto hacia las abuelas amorosas, severas y besuconasas, hasta la personalidad picante y atrevida que caracteriza a las mujeres mexicanas y latinas. Incluso la idolatría de íconos musicales populares, similar a Ernesto De La Cruz en la película, se asemeja a la fascinación de celebridades como Pedro Infante o José Alfredo Jiménez.

Auténticamente sentí que la historia estaba ambientada en un pueblo mexicano real y pintoresco. Cada pequeño detalle se sintió en su lugar y mejoró la historia. La película entiende y respeta las tradiciones del Dia de los Muertos mientras le da un toque moderno. A pesar de las dificultades y los riesgos que conlleva representar una cultura tan rica y compleja, la película hace un esfuerzo muy apreciado por introducir un lado de la cultura mexicana que a veces se descuida a favor de los estereotipos. La película se sintió maravillosamente animada con grandes movimientos de los dedos mientras tocaban una guitarra o los minúsculos poros e imperfecciones de los huesos. Visualmente es espléndida e impresionante, la película utiliza una gama de colores brillantes, como el color naranja utilizado para las flores de Cempazuchitl o las pancartas de papel picado. La música encaja perfectamente con el tono utilizado para la historia y nunca deja de tener un sabor particularmente mexicano desde el uso de las guitarras hasta las trompetas.

En general, Coco lleva a uno por momentos divertidos memorables, bellos y llenos de emociones, como el del último acto que fundamenta los temas de la historia en el amor por la música y la familia en una escena que seguramente les sacará una lágrima o dos. Al final, a pesar de unos momentos en los que sentí que la trama estaba impulsada por la mecánica simplificada e inexplicada de una maldición, la película en general no deja de ser una experiencia memorable y agradable de una historia familiar ejecutada con un estilo fresco y auténtico. Es otra obra maestra del estudio que reinventó el género de la animación.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Justice League

Superman (Henry Cavill) está muerto, exponiendo a la Tierra a fuerzas diabólicas, inspirando el ascenso de Steppenwolf (voz de Ciaran Hinds), una criatura imponente, parecida a un dios, decidido a usar el inimaginable poder de tres motherboxes para gobernar el universo, ayudado por un enjambre de Parademons. Con las motherboxes escondidas en diferentes partes del mundo, Bruce Wayne/Batman (Ben Affleck) y Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot) deciden crear una unidad de héroes para luchar contra el mal creciente, trabajando para traer a Barry Allen/The Flash (Ezra Miller), Arthur Curry/Aquaman (Jason Momoa) y Victor Stone/Cyborg (Ray Fisher) juntos como equipo, con la esperanza de proteger a los inocentes del daño y evitar la destrucción del planeta. El grupo encuentra lo peor que Steppenwolf tiene para compartir, con la criatura usando trucos y fuerza para sobrevolar la recientemente formada Justice League, decidida a erradicar a la humanidad justo cuando los héroes comienzan a divertirse en el campo de batalla.

Lo primero que tengo que decir es... WOW! Tenía mis dudas y estaba muy nervioso con esta película y después de verla puedo decir que estoy sumamente aliviado y satisfecho. Realmente vale la pena ser vista. Debido al límite de tiempo de dos horas impuesto por Warner Bros., la película definitivamente parece bastante apresurada. Debido a eso, la introducción a los personajes parece un poco desalentada. Dado que ya sabía cómo estos personajes se convirtieron en lo que son, pude darle sentido a lo que sucedía, pero el público general va a estar un poco perdido. El lado bueno de la película fueron los personajes y la química entre ellos. Verlos es un sueño hecho realidad. Ezra Miller como Flash fue increíble y muy divertido. Puedo decir lo mismo sobre los otros personajes. Aquaman fue un "bad-ass", Cyborg fue definitivamente genial y Wonder Woman es siempre encantadora.  Las otras mejores partes de la película definitivamante se las lleva Superman. Superman se robó completamente el show.  Puedo decir lo mismo sobre Batfleck. Como Batman, él es increíble.

Ahora, mi principal problema negativo fue con el villano. Steppenwolf no parecía tan fuerte y cada vez que estaba fuera de la pantalla, realmente no me importaba. También la velocidad de la historia fue un problema debido al límite de dos horas. El CGI pudo haber sido mejor, pero fue agradable de ver. Además, a pesar de las numerosas pruebas y tribulaciones a las que se enfrentó en su producción (cambiar de director en una etapa de su postproducción, independientemente de quién tomara el mando, resultará en una película ligeramente menos coherente) sigue siendo una película perfectamente visible con momentos de genuina emoción, comedia e intensidad. Personalmente, espero poder ver la versión completa de esta película concebida por Zack Snyder, ya que la contribución de Josh Whedon es definitivamente notable. Sin embargo, el resultado es una gran película de superhéroes, que es lo que Warner Bros. y Zack Snyder estaban buscando en primer lugar.

En general, como alguien que ha leído cómics de superhéroes desde principios de los años 90 (de DC y Marvel), me encantó y realmente cumplió mis expectativas de lo que debería ser una gran película del Justice League. Lo único que me haría completamente feliz sería la inclusión de Green Lantern y Martian Manhunter en la trama, pero espero que aparezcan en la proxima película. Al menos lo que parece Green Lantern hace una breve aparición en la película, lo notarán cuando esté en pantalla. Al final, Justice League es una película que encuentra un buen equilibrio entre todos sus personajes mientras evita el cliché de la película del equipo que no se lleva bien y son forzados a trabajar juntos para salvar al mundo. En lo que podría ser el año más importante (y la película) en la historia de DC, Warner Bros. no solo cumplió lo prometido, sino que me dejó con ganas de ver más. Es una gran película y una celebración de DC que es pura dicha de ver en la pantalla. Es un triunfo, es un logro... es el Justice League! Un último aviso: quedense entre y hasta el final de los créditos para ver dos escenas más que se conectan a la próxima película.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 21 De Noviembre De 2017

Valerian And The City Of A Thousand Planets (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The Hitman's Bodyguard (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Birth Of The Dragon

Review: La Región Salvaje (The Untamed)

Alejandra (Ruth Ramos) y Ángel (Jesús Meza) son una pareja casada en un pequeño pueblo mexicano criando a dos niños. El es un agrimensor y respectivamente viven con ingresos modestos. El hermano de Alejandra, Fabián (Eden Villavicencio), trabaja como enfermero en un hospital local mientras tiene una aventura amorosa con Ángel a espaldas de Alejandra. La relación estancada que existe entre los tres amenaza con llegar a un punto crítico con la llegada de una misteriosa vagabunda, Verónica (Simone Bucio), quien es tratada por Fabián en la sala de emergencias del hospital y comienza a flirtear con él. Al tener una discusión de si Fabián prefiere mujeres u hombres, Veronica revela que no puede determinar el sexo de su amante más reciente. Fabián y Verónica pronto se hacen amigos y se unen a sus complicadas vidas amorosas, una de ellas es mucho más complicada que la otra. Cuando Verónica presenta a Fabián a su "amante", la vida cambia para los cuatro personajes de una manera que nunca hubieran imaginado, lo que puede resolver todos sus problemas... para bien o para mal.

Quitemos rápido una cosa del camino, y es que la mayoría de esta película es un estudio de personajes y un drama familiar. Sí, hay elementos de ciencia ficción, terror y hentai, pero en esencia, es una película sobre el desmoronamiento del matrimonio de una mujer, y cómo ella trata con él. Dicho esto, esta película mexicana ofrece excelentes actuaciones, una cinematografía realmente sorprendente y alucinante, y una banda sonora muy tensa. El director, Amat Escalante, también hizo un trabajo increíble al enmarcar cada toma, y ​​la película se ve hermosa. Hollywood sin duda podría aprender una o dos cosas de este tipo de directores que se centran mas en el arte que en el presupuesto.

La estrella de la película sin duda alguna es la "cosa" en el cobertizo, es una de las cosas más extrañas que he visto en cualquier película. Se movía con propósito y gracia, y la cara tenía una inteligencia tan mortífera que sugería que era más inteligente que los seres a los que estaba complaciendo. Era como ver a un descendiente de la criatura de The Thing mezclado con un pulpo. Esto es como ningún otro extraterrestre que hayan visto, su poder de someter a la gente en una locura sexual con más de un objeto de su afecto impulsa el pequeño tema de la ciencia ficción al reino del hentai. Es extraño, fantástico y completamente convincente. Cómo se creó algo tan realmente espeluznante en un presupuesto tan pequeño, nunca lo entenderé.

Además, la pasión de los personajes está tan profundamente enterrada en sus deseos sexuales primitivos, que entramos en un reino espiritual que, a pesar del alienígena, es una representación figurativa de la represión y la liberación sexual que no se puede explicar fácilmente. Después de todo, el éxtasis de los personajes se representa como si una serpiente hubiera enroscado su víctima en preparación para un gran festín. Como en la vida misma, el dominio de la sexualidad puede subestimarse pero nunca evitarse. En general, esta es una película "art-house" de drama/horror sobre la lucha silenciosa de una mujer con un matrimonio en deterioro. Sí, hay algunas escenas horribles, algo de violencia, sexo alienígena al estilo hentai y, por supuesto, los elementos de ciencia ficción. Al final, tiene momentos donde hay largos y extensos tramos en los que los personajes simplemente siguen con sus vidas cotidianas, y aunque eso no resta tanto valor a lo que se presenta, es una historia extraña de cómo una mujer busca consuelo en un matrimonio fallido por algo que está fuera de su control. Muy recomendable, pero solo si tienen una mente abierta, tienen paciencia y aprecian el cine como una forma de arte.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Starship Troopers: Traitor Of Mars

Johnny Rico (voz de Casper Van Dien) ha sido degradado y sacado de combate. Está atrapado entrenando a un montón de reclutas en una estación que orbita Marte, lejos de la acción y alejándolo aún más de su pasión: cumplir con su deber en el campo de batalla y matar insectos. Pero él toma en serio entrenar a sus soldados, e incluso a medida que fallan continuamente en varias simulaciones de combate, se queda con ellos sin importar las dificultades. Pero Rico se encuentra de nuevo en acción cuando brotan insectos dormidos desde la superficie marciana, atacando al Planeta Rojo, que ha sido colonizado durante más de un cuarto de siglo, y forzándolo a él y sus soldados a la superficie como una última línea de defensa. Sin embargo, la Sky Marshall Amy Snapp (voz de Emily Neves) tiene otros planes para el planeta, planes que espera impulsen su popularidad a pesar del costo para la vida humana.

Créanlo o no, han pasado 20 años desde que la original Starship Troopers llegó a la gran pantalla. La película fue un asombroso espectáculo de ciencia ficción que dio vida a las visiones del autor Robert J. Heinlein. Alterada ligeramente, la película mostraba a un grupo de soldados hambrientos de batalla que luchaban para salvar a la Tierra de una invasión de insectos. Desde que salió la película, han habido 4 secuelas incluyendo esta, la horrible Starship Troopers 2: Hero Of The Federation (2004), la decente Starship Troopers 3: Marauder (2008) y la pasable Starship Troopers: Invasion (2012), que también es en CGI. Para empezar, la película completa está compuesta por imágenes generadas por computadora, que si se tiene en cuenta todos los efectos de la película original fueron en CGI. La historia es menos complicada de lo que se pensaría y avanza rápidamente configurando las secuencias de acción a la vez que proporciona una historia. El resultado final es una valiosa adición a la serie y diversión para los fanáticos de ciencia ficción.

Lo que realmente hace que sea buena es el hecho de que tanto Casper Van Dien como Dina Meyer regresan en esta película, o al menos sus voces. Meyer regresa como Dizzy Flores, el interés amoroso de Rico de la primera película que fue asesinada en la misma. Esta vez, Dizzy es un espejismo, una imagen enviada a la mente de Rico para que siga adelante luchando. También fue agradable, por supuesto, tener a Casper Van Dien volviendo a repetir su personaje de Rico, aunque la presentación visual del personaje en la película no se parecía mucho al Van Dien de la original. El CGI fue genial, con muchos detalles y grandes texturas en cada escena, que van desde personajes e insectos hasta escenarios y entornos. Se parece mucho a las películas animadas de CGI de Resident Evil en el estilo visual y diseño.

En general, Starship Troopers: Traitor Of Mars es una película de acción sin parar que se centra en la batalla de los humanos contra los insectos, lo que básicamente tienen todas las demás Starship Troopers. Asi que no esperen una historia compleja y profunda. Al final, si son fanáticos de la película original, querrán agregar esta a su colección. Puede estar alejándose del sentimiento antimilitar de la primera película, pero la historia de la lucha contra los insectos continúa.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Jigsaw

En algún lugar de una remota granja, cinco desconocidos se despiertan y descubren que están encadenados y forzados a sobrevivir cuando la cadena tira lentamente de una pared de sierras giratorias mientras tratan de descubrir qué está pasando. Una integrante del grupo, Anna (Laura Vandervoort), descubre una forma de detener el horror, exponiendo la posición del grupo en una serie de trampas inspiradas en John Kramer (Tobin Bell), el asesino Jigsaw. Obligados a soportar torturas y resolver acertijos, los participantes intentan escapar febrilmente de una condena segura, solo para descubrir que su captor ha pensado en todas las salidas posibles. El objetivo es exponer la culpa oculta, pero a Anna y los extraños les resulta difícil admitir sus pecados más profundos y oscuros. En el exterior, al detective Halloran (Callum Keith Rennie) y el detective Hunt (Cle Bennett) se les entregan varias escenas del crimen para estudiar, y con la ayuda de los médicos forenses Logan (Matt Passmore) y Eleanor (Hannah Emily Anderson), los policías lentamente arman conexiones con los crímenes que tienen lugar en la granja, confrontados con la posibilidad real de que John Kramer esté realmente vivo y matando de nuevo.

Jigsaw regresa para una octava película después de varios años desde la conclusión de un capítulo supuestamente final en la franquicia de Saw. Con la dirección de los hermanos Spierig y un nuevo grupo de escritores tratando de traer de vuelta al asesino Jigsaw, encontraron una manera de continuar con la franquicia, ya sea con un nuevo giro que intenta traer de vuelta la tortura de las trampas mortales, un nuevo asesino o quizás el legado de Jigsaw no había terminado. Disfruté las primeras tres películas de Saw gracias a las sangrientas trampas, la conexión que tiene cada víctima tiene entre sí y los giros en los minutos finales de las películas. A medida que avanza la película, parece que se aleja de la conexión de la trama, tiene nuevas víctimas que no tienen conexiones y trampas sangrientas.

Sin embargo, no se siente como una película de Saw. La trama parece más un drama de procedimientos policiales que se aleja de las películas de Saw. Las trampas de muerte y las sangrientas secuencias son rápidas y menos sangrientas que las películas anteriores. Claro, para el público que no puede manejar la sangre aún le resultará perturbador. También tiene un par de giros impredecibles, pero definitivamente no es tan buena como la primera película. El elenco principal fue decente y el elenco de víctimas que fueron forzados a morir en trampas son fáciles de olvidar.

Como todas las películas de terror, las primeras suelen ser las mejores y el resto simplemente se repiten con menos trama. Esta película no agrega ni aporta nada nuevo a la dirección de la franquicia de Saw. En general, Jigsaw es una película de terror decepcionante. Los giros y las emociones son decentes, pero la trama y en general no se siente como una película de Saw. Al final, veanla cuando salga por TV, Netflix o esperen para alquilarla en un Redbox.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Mother!

En una casa en el medio de la nada, el escritor Él (Javier Bardem) se está adaptando a la vida matrimonial con Madre (Jennifer Lawrence). Su unión es fría y asexuada, pero Madre trata de hacer un hogar feliz, cuidando los detalles de la decoración mientras satisface las necesidades de su cónyuge. Un día, Hombre (Ed Harris) llega a la casa, pretendiendo confundirla con un hotel. Está buscando refugio y una oportunidad de acercarse a Él, admitiendo en primera instancia que es un fan. Invitando a Hombre a quedarse, Él no consulta con Madre, quien trata de contener su irritación, siendo la anfitriona de este hombre enfermizo. Las cosas se vuelven más raras cuando Mujer (Michelle Pfeiffer) aparece para reunirse con Hombre, comenzando una campaña para molestar a Madre, mientras Él permanece distante, dejando a su esposa sufrir mientras los huéspedes engendran un levantamiento de proporciones épicas.

En primer lugar, no vean esta película si tienen problemas para entender las metáforas y los simbolismos. He visto un montón de personas expresando su odio hacia la historia y cómo ha sido retratada. Es extraño porque parece que no tenían ni idea de lo que estaban viendo. Sin embargo, estoy de acuerdo en que no es fácil de asimilar, pero algunas de las mejores películas no lo son. Así que, de nuevo, por favor no se molesten en echarle un vistazo si son de mente cerrada, porque no apreciarán esta obra maestra. Para ayudar a disuadir las opiniones desagradables, trataré de explicar qué hizo que la película valiera la pena. Creo que hay dos temas que pueden ser interpretados en Mother!

El primer tema, la teoría religiosa: a Madre no le gusta que las personas arruinen su casa (la Tierra). Jennifer Lawrence es (Madre) Tierra y la casa es la Tierra. Javier Bardem (Él) es Dios, creador de la vida en la Tierra, ama la atención y perdona a todos. Ed Harris (Hombre) es Adán, invitado por Dios a la Tierra (su casa). Michelle Pfeiffer (Mujer) es Eva, creada de la costilla de Adán (escena donde Ed Harris estaba enfermo en el inodoro). El cristal es la fruta prohibida (manzana). El bebé es el pan en la última cena (El Cuerpo de Cristo).

El segundo tema, la teoría de la relación: una versión extrema de la ansiedad en una relación que se está deteriorando. La tensión acumulada en las interacciones sociales y cómo alguien puede ver un escenario donde se sienten excluidos y olvidados. Los celos que alguien siente cuando comparte su vínculo. No prestar atención a las necesidades de los demás en una relación. Tener un bebé para mantener viva la relación. Finalmente, una vez que el amor se acaba por completo, lo único que queda es irse y comenzar de nuevo.

El alma de la película es Jennifer Lawrence, decidida a respetar las ambiciones de su marido, pero también a romper su bloqueo de escritor. En un ángulo muy extraordinario, nunca estamos al lado de Lawrence, la cámara se queda detrás de cada movimiento de ella en acercamientos extremos y sobre disparos de hombro. Constantemente desde su punto de vista, somos transportados fácilmente a la pesadilla que se convierte su mundo. Incluso cuando busca el consuelo de su esposo, la presencia y el comportamiento de Bardem solo nos arrastra más hacia lo más profundo del horror. Javier Bardem interpreta un personaje bastante misterioso, que desaparece de vez en cuando pero reaparece de la manera más extraña. Ed Harris y Michelle Pfeiffer son simplemente brillantes y provocan una sensación de sospecha que se vuelve cada vez más extraña a medida que transcurre la historia. Pfeiffer es especialmente frustrante como la mujer infantil y entrometida que con su curiosa tendencia invade la vida personal de la pareja y hace salir los arranques agresivos de Madre gracias a la ignorancia de Hombre y Mujer. Brian y Domnhall Gleeson tienen una interpretación bastante pequeña pero juegan un papel bastante importante en el gran esquema de las cosas.

En general, Mother! es acerca de la maternidad, la paranoia, la fama, la claustrofobia, el egoísmo, la lujuria, la ira, la guerra, la paz, la religión, el género, la historia y lo que quieran que sea y más. La película es una encapsulación asombrosa de nuestra existencia realizada de una manera muy singular y el mensaje aquí es muy fuerte. Al final, esta película es única y original en la forma en que es retratada y presentada. Espero que puedan apreciar la belleza artística de esta película gótica y religiosa. Es una obra maestra, es alucinante, es genial y su concepto y significado es confrontador.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Murder On The Orient Express

Al considerarse uno de los mejores detectives del mundo, Hercule Poirot (Kenneth Branagh) está ansioso por tomarse un breve descanso y recargar sus baterías, anhelando la compañía de su esposa. Siendo ofrecido un paseo en el Orient Express por Bouc (Tom Bateman), un amigo y admirador, Poirot se establece para un viaje fácil a Europa, tratando de permanecer civil con los otros pasajeros. Toda la normalidad termina cuando un invitado termina asesinado dentro del tren, lo que obliga a Poirot a volver al modo de detective y encontrar al asesino. Tras una avalancha mantener el tren varado durante 2 días, Poirot se dispone a entrevistar a los pasajeros, interrogando a personas como Pilar (Penélope Cruz), Héctor (Josh Gad), Mary (Daisy Ridley), Caroline (Michelle Pfeiffer) y la Princesa Dragomiroff (Judi Dench) sobre su paradero e intereses en la víctima, trabajando cuidadosamente con innumerables pistas para ayudar a resolver el caso.

Murder On the Orient Express es quizás el más famoso de los logros literarios de Agatha Christie. Las adaptaciones del libro de 1934 son numerosas, con una película de Sidney Lumet de 1974 que es a menudo considerada como el estándar de oro para las traducciones de Christie a la gran pantalla. Ahora ha llegado algo más grandioso del director Kenneth Branagh, que saca el CGI y el reparto lleno de estrellas para dar su opinión sobre el asesinato en el Expreso de Oriente, regalando a una nueva generación una historia envejecida de muerte y engaño en un tren estancado. Ahora... hay un gran problema con el rodaje del misterio de asesinato basado en Hercule Poirot, y ese es el clásico Sidney Lumet de 1974. Para esa película fue tan memorable al menos el "quién" de "quién fue", que cualquier remake es probable que se empañe por ese conocimiento. Si entran en esta película felizmente inconscientes de la trama, eres un hombre o una mujer con suerte.

Sin embargo, la película es gloriosa de ver, con una gama de colores rica y exótica que recuerda a las primeras películas de color de los años 40. Tiene una cinematografía con muchas tomas innovadoras de techo, artísticas tomas de diferentes puntos de vista y los efectos especiales fueron espectaculares. Todos estos elementos técnicos se combinan para hacer que las primeras etapas de la película se vean y se vuelvan verdaderamente épicas. Y el elenco, qué elenco! Kenneth Branagh, Dame Judi Dench, Olivia Coleman, Johnny Depp, Daisy Ridley, Penélope Cruz, Josh Gad, Derek Jacobi, Willem Dafoe y Michelle Pfeiffer. Con todos estos ingredientes, debería ser genial, verdad? Lamentablemente, no, no del todo. En el fondo, es una pieza bastante inmóvil y escénica en el mejor de los casos, ambientada en un tren más bien claustrofóbico. Pero la historia se vuelve aún más estática por el descarrilamiento del tren en la nieve y hay largos pasajes de diálogo bastante repetitivo. Todo esto conduce a la revelación del asesino siendo un poco anticlimático.

En general, es una película con una cinematografía hermosa e invita a grandes talentos a unirse a un juego de sospecha, pero la película tiende a pasar por alto ciertos detalles finos de algunos de los personajes, lo que la hace que se sienta vacía e ineficaz. Al final, es una película agradable con excelentes imágenes y un elenco épico.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Justice League

Review: Cult Of Chucky

Nica (Fiona Dourif), marcada por su encuentro con Chucky, que dejó a su familia muerta, fue internada en un manicomio donde se le hizo creer que ella, y no el muñeco demoníaco y asesino, es responsable de las muertes. Su vida en el manicomio ha estado plagado de abuso e incertidumbre, y las cosas se vuelven cada vez más difíciles cuando su médico, el doctor Foley (Michael Therriault), hace del muñeco Good Guy la pieza central de su terapia y la de su grupo. Por supuesto, los cadáveres comienza a aumentar, mientras que la novia de Chucky, Tiffany (Jennifer Tilly) y el archienemigo Andy (Alex Vincent) llegan a la escena.

Desde hace casi treinta años, Chucky, el muñeco asesino, ha estado aterrorizando a las audiencias de todo el mundo con sus payasadas asesinas y su retorcido humor negro. Cult Of Chucky está en su mejor momento cuando se sumerge completamente en la locura que hemos llegado a esperar de estas películas. Y afortunadamente, estos momentos llegan de forma rápida y consistente después del final del primer acto. El escritor y director Don Mancini acumula preguntas, misterios y muchos giros y vueltas que dejan a uno constantemente sin poder descifrar lo que está sucediendo y proporciona un gran valor de entretenimiento. El hecho es que para ser la séptima entrega de la franquicia, una secuela directo a video y de bajo presupuesto, está muy bien hecha y es bastante claro que se ha puesto mucho cuidado en la película por todos los involucrados.

Me gustó mucho el aspecto visual de Mancini para el flujo, la composición y el diseño de la película, es simplemente hermosa. Esto solo se hizo mejor por las buenas y consistentes actuaciones. Particularmente notable es Fiona Dourif, quien continúa interpretando a la perfección a Nica y la ha convertido posiblemente en el personaje más simpático de la serie. También es muy divertido escuchar a Brad Dourif una vez más como la voz de Chucky. Él sigue siendo el dueño del rol y por su voz se puede notar que aún se divierte interpretandolo. La encantadora Jennifer Tilly está de regreso una vez más y con un poco más de tiempo en pantalla. Y la gran sorpresa... Alex Vincent regresa como Andy, la víctima original de las primeras dos películas. Fue increíble tenerlo de vuelta ya que le da a la película cierto tipo de nostalgia.

Desafortunadamente, no puedo dejar de mencionar ciertos defectos. El presupuesto es notablemente bajo, y la película a veces tiene una especie de aspecto barato. Intentan hacer tanto con tan poco, y eso no siempre funciona. El primer acto es bastante lento después de una apertura brillante, y sí, la película tiene demasiado clichés, particularmente al principio. Hace que los primeros 25 minutos más o menos sean difíciles de ver. Afortunadamente, a mitad de camino, el curso mejora, y el resto de la película es puro humor y terror.

En general, Cult Of Chucky no es un soplo de aire fresco, pero definitivamente logra darle una nueva vida a la franquicia. Es una secuela muy ingeniosa y entretenida que debería complacer a la mayoría de los fanáticos de la serie. Al final, es honestamente una película mucho mejor que las últimas entregas (Bride, Seed y Curse). No es perfecta, pero es increíblemente agradable. Nota adicional: hay una escena después de los créditos con un personaje importante de Child's Play 2.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 14 De Noviembre De 2017

Atomic Blonde (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que trae un empaque de colección y unas tarjetas)

Amityville: The Awakening

Black Sabbath: The End - Live in Birmingham (Noviembre 17)

Review: American Made

Como piloto de TWA a fines de la década de 1970, Barry Seal (Tom Cruise) está aburrido de su forma de vida. Él es un padre amoroso para su esposa, Lucy (Sarah Wright), y sus hijos, pero él está buscando un cambio mientras viaja por todo el país. Ese cambio viene en la forma de Monty Schafer (Domhnall Gleeson), un agente de la CIA que le ofrece a Barry una oportunidad de gran aventura, enviándolo a espiar los crecientes disturbios en Centroamérica, donde los Contras respaldados por Estados Unidos están batallando con los Sandinistas apoyados por los soviéticos. Aceptando una nueva vida a cambio de tomar fotografías aéreas, Barry se involucra rápidamente con el narcotraficante Pablo Escobar y su cartel, acordando contrabandear cocaína a América, recibiendo a cambio una gran fortuna. Trabajando todos los ángulos y construyendo un ejército de contrabandistas, Barry está atrapado en una carrera financiera, lidiando con tipos peligrosos y su propio ego mientras se esfuerza por cubrir todas las bases a medida que aumenta su paranoia.

Basada en la historia real de la vida de Barry Seal, un piloto de TWA que se ve arrastrado a una extraña pero muy lucrativa espiral de armas y tráfico de drogas desde y hacia Centroamérica gracias a el agente de la CIA Monty Schafer. La película es una montaña rusa de acción increíble de principio a fin. Doug Liman dirige brillantemente, dando espacio entre la acción para el desarrollo y el tiempo suficiente para que se explique lo que les sucede a los personajes. La ambientación de los años 80 está muy bien elaborada con una gama de colores y inserciones de pietaje histórico de Jimmy Carter, Ronald Reagan, George Bush y otros eventos mas. También se necesita mucha audacia para dirigir una película que no tiene título ni créditos hasta el final.

Una cosa genial de la película fueron los muy buenos vestuarios y los sets. Fue como si me hubiera transportado a los años 70 y principios de los 80, donde toma lugar la película. Especialmente los efectos de maquillaje de Tom Cruise fueron excepcionales. Parecía mucho más joven que su edad real. Incluso estaba sorprendido con su apariencia. Además de los vestuarios y los sets, la película también cuenta con algunas canciones de ese período que mejoraron el aura de los 70 y 80.

Tom Cruise interpreta brillantemente a Barry Seal en un papel hecho para él. Es simplemente genial. También entregando su mejor actuación está Domhnall Gleeson como el hombre de la CIA con el plan loco. Como actriz, Sarah Wright es nueva para mí, pero además de ser increíblemente fotogénica, trabaja muy bien con Cruise. La única opinión negativa que tengo sobre esta película es que silenciosamente pasa por alto el enorme dolor, la muerte y el sufrimiento que el contrabando de drogas debió haber causado a miles de estadounidenses bajo las sábanas en esa época. Y ese pensamiento perdura levemente después del final de la película.

En general, American Made es una película biográfica fascinante sobre un personaje más grande que la vida. La película se beneficia enormemente del desempeño comprometido de Cruise y la dirección de Liman para proporcionar una versión entretenida de una increíble historia real. Al final, es elegante, emocionante, conmovedora y enormemente divertida en algunos momentos. Este es el cine de acción en su mejor momento y es una película que debe ser vista.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Little Hours

En 1347, las monjas de un pequeño convento ubicado en el medio de la nada se vuelven un poco locas. Fernanda (Aubrey Plaza) está sexualmente frustrada, tratando de encontrar cualquier salida para saciar sus deseos lujuriosos. Genevra (Kate Micucci) está intentando participar en las vidas de sus hermanas, solo que ella no tiene ninguna experiencia. Y Alessandra (Alison Brie) es la hija de un hombre rico (Paul Reiser) que ha pasado por tiempos difíciles y es incapaz de casarse. Mientras que la Hermana Marea (Molly Shannon) guarda la paz, el Padre Tommasso (John C. Reilly) se la pasa borracho, y durante un viaje al mercado, se hace amigo de Massetto (Dave Franco), un sin vergüenza de otra tierra que ha sido expulsado por el Lord Bruno (Nick Offerman) por acostarse con su esposa. Teniendo piedad del hombre sin hogar, el padre Tommasso le ofrece refugio en el convento, inventando una historia de que es un sordomudo. Sin embargo, las hermanas no tardan mucho en vislumbrar al apuesto extraño, comenzando una serie de encuentros sexuales que corrompen la pureza del convento.

Esta película está basada en The Decameron de Boccaccio, una colección de 100 cuentos escritos a mediados de 1300. La película cuenta con un elenco increíble, una gran química entre todos ellos y una espectacular cinematografía que es única de contemplar. La historia se centra en tres monjas aburridas y malhabladas, Alessandra, Fernanda y Genevra y sus locas aventuras. Al principio de la película, Massetto encuentra refugio en el convento como sordomudo y provoca algunas interacciones divertidas y sexuales con las monjas.

Ahora, esto es algo un poco diferente a la norma, ya que hoy en día no hay comedias medievales sobre monjas, por lo que esta se encuentra en un territorio bastante libre de muchas maneras. La temática única está definitivamente a favor de la película, y lo que la eleva mucho más es el hecho de que esta bestia es aún más rara, es una comedia cinematográfica moderna que en realidad tiene muchas risas. La razón principal de esto es un gran elenco que hace un muy buen trabajo. John C. Reilly es grandioso como el padre Tommasso que se bebe todas las noches el vino sagrado, Fred Armisen es muy gracioso, como el obispo Bartolomeo, quien se presenta más tarde solo para estar horrorizado por lo que ocurre en el convento y Nick Offerman es gracioso y detestable como el Lord Bruno. Pero lo mejor de todo es el trío de monjas, interpretado por Alison Brie, Aubrey Plaza y Kate Micucci. Las tres actrices realizaron excelentes actuaciones cómicas en salvajes representaciones de monjas medievales interpretadas como si fueran chicas de hoy en día. Hablan malo, maltratan al personal de mantenimiento y buscan sexo en cada oportunidad que pueden, culminando con una ceremonia de brujería nocturna en el bosque.

El encanto y el humor de la película son las situaciones en las que todos se encuentran. La comedia es menos acerca de lo que realmente se dice, sino de la extrema hipocresía de lo que predicamos en contra de nuestros verdaderos deseos. Los eventos se llevan a cabo principalmente en un convento, pero la religión nunca es el mensaje central. La película más bien expone la crudeza de la humanidad bajo los velos y túnicas. Lo único negativo es que toma bastante tiempo entrar en el flujo de la película, ya que al principio no estaba seguro de qué hacer con ella. Sin duda es una comedia con un fuerte giro semi-absurdo inspirado por Monty Python. La película realmente impacta en la segunda mitad, donde hay algunas escenas memorables (la confesión de Massetto tomada por el padre Tommasso es extremadamente graciosa).

En general, esta película ciertamente no es para todos. Es una comedia sexual muy oscura con una combinación de religión con un humor absolutamente irreverente que con seguridad la mayoría de la gente no apreciará. La única desventaja de esta película es que tendrá dificultades para encontrar la audiencia que se merece porque es difícil vender una comedia medieval en el mercado actual. Al final, es una película de comedia que viene desde una perspectiva única. Si buscan algo completamente diferente y divertido, esta es la película para ver.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Babysitter

Cole (Judah Lewis) es un niño de doce años de edad y el único en su barrio con una niñera. Pero a él no le importa porque es una adolescente súper cool y totalmente atractiva que cuida su espalda cuando los niños malos lo tratan de golpear. Su nombre es Bee (Samara Weaving) y en este fin de semana en particular los padres de Cole se van de viaje y le encargan cuidarlo mientras están ausentes. Después de la hora de dormir de Cole, Bee invita a un grupo de amigos, que participan en un juego de girar la botella, y con Cole espiándolos desde la parte superior de las escaleras, su noche da un giro repentino que pone en marcha una noche de asesinatos, caos y mucha sangre.

Debo decir que The Babysitter (de Netflix) fue grandiosa de ver. No es la película de terror genérica que se usan los sustos esporádicos y tampoco es para tomarse muy en serio, lo cual es en parte algo diferente y fresco para el género en mi opinión. Sí, el horror ha tenido una buena racha en los últimos años, pero a veces es necesario algo fuera de lo común dentro del género para romper la cadena. Es por eso que The Babysitter merece ser vista. Comenzando como una comedia autoconsciente sobre un niño y el hecho de que encuentra a su niñera increíblemente atractiva, esta es una película que tiene muchos giros y vueltas que no verán venir. Queriendo permanecer despierto más allá de su hora de acostarse para ver lo que hace su niñera a altas horas de la noche, es testigo de un asesinato increíblemente gráfico en su propia sala. Teniendo que valerse por sí mismo y mientras trata de acabar con este culto de asesinos satánicos, The Babysitter es sumamente entretenida de principio a fin.

El tono de esta película no es para todo el mundo, así que tengo que advertir a los que tienen estómagos débiles y a los que simplemente no les gusta ver baños de sangre. Si esta loca película los atrapa y están dispuestos a dejar que los lleve a algún lado, entonces creo se divertirán tanto como yo. No todo es sol y arcoiris, porque hubo algunas veces en las que comencé a perderme debido a sus excesos. Ya sea que se tratara del lenguaje o de los propios asesinatos, esta película me pareció un poco llena de sí misma en términos de su naturaleza gráfica. Sí, no debe tomarse en serio, pero también se vuelve un poco increíble, incluso para el mundo ficticio en el que se desarrolla.

Dirigida por McG, quien ha tenido un muy mal historial de dirección en los últimos tiempos, ha mejorado con este último intento. Desde el principio, aunque el aspecto de esta película parece muy limpio, el ambiente en sí estaba muy bien hecho. Desde el humo que llena el suelo por la noche, hasta un vecindario muy antiguo y habitado, me encontré creyendo todo lo que estaba sucediendo, debido al cuidado en el diseño de la producción. Claro, hay cientos de otras películas que han hecho lo mismo exactamente mejor en el pasado, pero... por qué eso quita el elogio merecido? The Babysitter fue muy sorprendente en términos de hacer mucho con muy poco.

La cinematografía y la edición fueron innovadoras y fascinantes, pero en el lado negativo, los aspectos vanguardistas se calmaron a medida que la película se estancaba en la ruta común de muchas otras películas de terror. A lo largo de ese camino, la originalidad disminuyó, lo que resultó en algo predecible, pero mostró una mejora en los últimos minutos de la película. En general, The Babysitter no va a impresionar a nadie como una película en sí, pero no puedo negar lo mucho que me divertí al verla. No se toma demasiado en serio, tiene su factor "cheesy", hace un gran trabajo con su comedia y mantiene a uno involucrado con sus sorprendentes secuencias de muerte. Al final, si son fanáticos del terror o incluso de la comedia, y no les importan las escenas sangrientas, entonces creo que pasarán un buen rato viendo esta película.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Crucifixion

En el 2004, Nicole Rawlins (Sophie Cookson), una periodista de The New York Sentinel, presiona a su editor para que le permita ir a Rumania y cubrir una historia sobre la hermana Adelina Marinescu (Ada Lupu), una monja que murió después de ser crucificada durante un exorcismo dirigido por el padre Dumitru. Nicole viaja a la aldea de Tanacu, donde comienza una investigación sobre la muerte de la hermana Adelina, conversando con el padre Dumitru en la cárcel y otros que estuvieron involucrados. Al principio, parece como si la joven hubiera perdido la vida a causa de una inestabilidad mental, pero de repente se acumulan extraños sucesos alrededor de Nicole. Ella recibe el apoyo del pastor local, Anton (Corneliu Ulici) cuando se da cuenta de que tal vez el exorcismo estaba justificado, y todo se vuelve cada vez más peligroso para ella cuando comienza a experimentar manifestaciones de fenómenos espirituales y de maldad a su alrededor.

Antes que nada... soy un fan del sub-género de terror del exorcismo. Seguro que han habido algunos éxitos aquí y allá, pero la mayoría de las películas tienden a reproducirse de la misma manera y, francamente, al igual que las de zombies, las películas de posesión o exorcismo están siendo muy repetitivas y similares. Dicho esto, The Crucifixion es una de las mejores entradas del subgénero que he visto en bastante tiempo. Esta película está basada en la historia real del exorcismo de Tanacu, que fue un caso en el que Maricica Irina Cornici, una monja y enferma mental en el monasterio de la Iglesia Ortodoxa Rumana de Tanacu en el condado de Vaslui, Rumania, fue asesinada durante un exorcismo por el sacerdote Daniel Petre Corogeanu con la ayuda de otras cuatro monjas. La historia de Adelina se cuenta a través de una serie de flashbacks y es aquí donde hay algunos elementos verdaderamente perturbadores y efectos visuales impactantes que llevan al género desde el asesinato, el misterio y el suspenso hasta el horror real.

Increíblemente, la película tiene algunas de las fotografías de paisajes más deslumbrantes que he visto en una película de terror y también cuenta con una gran cantidad de imágenes viscerales de pesadillas. En el lado negativo, el guión no tiene ningún sentido real de excitación o temor. Al menos el director Xavier Gens compensa todo eso con su tour-de-force visual, pero de todos modos, en lo que respecta a la sustancia y la profundidad, la película llega al modo melodramático y permanece ahí. Ahora... la actuación de Sophie Cookson es decente durante la mayor parte de la película, pero hay varias escenas en las que su entrega es rígida y antinatural y en instancias parece que está leyendo el guión. Sin embargo, el elenco de apoyo fue bastante bueno.

En general, The Crucifixion es una muy buena película. No es innovadora para el subgénero de posesión, pero es una película de terror/drama muy bien hecha. Al final, si les gustan las películas de terror con imágenes ingeniosas, un ambiente siniestro y algo de suspenso, en lugar de sustos espontáneos, entonces véanla.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Textless De La Semana

Murder On The Orient Express

Review: The Beguiled

En medio de la Guerra Civil en el sur de Estados Unidos, la joven Amy (Oona Laurence) descubre a John (Colin Farrell), un soldado herido de la Unión que se esconde en el bosque. En la necesidad de atención médica, Amy ayuda a John a regresar a la casa de su plantación, que ahora funciona como escuela de seminario, dirigida por Martha (Nicole Kidman). Al creer que el extraño está cerca de la muerte, Martha decide coserlo, considerando entregarlo a los exploradores confederados que vigilan el área cercana. Sin embargo, la masculinidad de John causa revuelo en la vivienda, con la adolescente deseosa de tener sexo Alicia (Elle Fanning), mientras que la maestra Edwina (Kirsten Dunst) cree en el amor. Martha tiene su propia opinión sobre el atractivo del soldado, pero John demuestra ser más un manipulador de lo que se había imaginado anteriormente, utilizando su poder sobre las mujeres, lo que pone en peligro el equilibrio emocional de la casa.

Voy a empezar diciendo que los remakes no siempre dan buenos resultados. La directora Sofia Coppola, hija de Francis Ford, decidió hacerse cargo de la inquietante historia de The Beguiled, que el director Don Siegel llevó a la pantalla en 1971, con Clint Eastwood en un papel inusual para él y cuya actuación le sirvió admirablemente. La versión propuesta por Coppola no agrega nada a la original. La recreación del sur de América en 1864 no es convincente y la tensión sexual, tan palpable en la original, está casi ausente en esta versión. La película de Don Siegel es simplemente una pieza sobre la guerra de los sexos en un escenario de guerra altamente simbólico que ofrece drama fuerte, diversión desagradable y realismo psicológico poco común. En esta versión no hay nada de eso.

Tenía curiosidad y estaba emocionado por ver la versión de Sofia Coppola, por el llamado "toque femenino" y me pregunté: Realmente sería una gran diferencia para el material si una mujer fuera guionista y directora? Daría como resultado un retrato más realista de las mujeres? Habría una mejor psicología femenina? Sería una mejor película? La expectativa para esas respuestas serían sí, pero para mi sorpresa, este no es el caso. Como una pieza de narración dramática no funciona tan bien como la versión de Don Siegel. En la versión de Coppola, nunca comprendemos del todo la psicología de las mujeres y, a veces, incluso parece que faltan escenas enteras, porque las mujeres de repente hacen cosas que no están claramente motivadas.

Puede que esto no sea algo fácil de escribir, pero en mi opinión, el artista que entendió mejor a las mujeres y las mostró de una manera más plausible, fue Don Siegel, no la ultra-sensible Antonioni-esque Sofia Coppola, que se ocupa principalmente del diseño visual, no de la historia, psicología y carácter. Ahora... qué diseño visual! Cada toma es exquisita y algunas escenas están hechas a la perfección. El diseño de sonido y la música minimalista también son muy efectivos. Todo esto es el resultado de una dirección cuidadosa, sin duda, pero Sofia Coppola no tiene éxito donde Don Siegel tuvo sus puntos más fuertes: los personajes y la narración. Respecto a las actuaciones... todos son bastante buenos, pero Kirsten Dunst es la que realmente brilla aquí. Colin Farrell y Nicole Kidman son los líderes, pero ella es la que tiene el mayor conflicto interno, la persona de esta historia que tiene tanta responsabilidad y al mismo tiempo quiere elegir su propio camino.

Un gran problema de esta versión es que Sofia Coppola borró al personaje de la esclava llamada Hallie, que tenía un propósito y una función en la historia original. Incluso si ella solo fuera un personaje de apoyo, le recordaba al espectador la esclavitud pasada y otras formas de desigualdad más allá del género, el racismo, la clase y el acceso a la educación. Hizo la historia más rica y se sumó al tema de las luchas de poder desiguales dentro de la sociedad. Es un guión y una película incompleta sin ella. En general, con una historia rica en narrativa y poder de estrellas como Nicole Kidman, Colin Farrell, Kirsten Dunst y Elle Fanning, es de esperar un delicioso melodrama de suspenso con personajes de profundidad, complejidad y matices. Pero en su lugar es una película que perdió un gran potencial de ser excelente gracias a un ritmo muy lento, con una narrativa plana y personajes desprovistos de expresiones emocionales. Al final, vale la pena verla, al menos para los excelentes efectos visuales y la increíble actuación de Kirsten Dunst.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Thor: Ragnarok

Después de tomar el cráneo del demonio de fuego Surtur, Thor (Chris Hemsworth) cree que ha detenido el Ragnarok, un evento que destruye el mundo. Al regresar a Asgard, Thor se da cuenta de que todo no está bien con su reino, y se une a su hermano Loki (Tom Hiddleston) para encontrar a su padre desaparecido, Odin (Anthony Hopkins). Lo que los hermanos realmente descubren es el regreso de Hela (Cate Blanchett), la Diosa de la Muerte, que está libre para reclamar la totalidad de Asgard que se le negó hace mucho tiempo. Destruyendo a Mjolnir, Hela derrota a Thor en una batalla en el Bifrost, dejando que el guerrero se pudra en Sakaar, un planeta basura manejado por el Grandmaster (Jeff Goldblum), quien lo pone a trabajar en una arena de gladiadores, desafiando al actual campeón, Hulk (Mark Ruffalo) y es controlado por Valkyrie (Tessa Thompson), una cazarrecompensas desilusionada, frecuentemente borracha, que una vez tuvo sed de gloria en Asgard, solo para ser marcada por la extinción gracias a Hela.

La tercera película de Thor, el Dios del Trueno, lo encuentra reuniendo un equipo de "Revengers" para salvar a Asgard de Hela, la Diosa de la Muerte y el próximo Ragnarok. Lo que el director Taika Waititi trae a la mesa es único e interesante. No solo es esta la película más divertida en el Universo Cinematográfico de Marvel, también es la más graciosa y la más emotiva. Tiene muchas bromas, pero también tiene una profundidad emocional que no esperaba. No solo reemplaza las películas anteriores de Thor, sino que lo hace de la manera más placentera y entretenida. Ademas, es el cambio de carácter más poco ortodoxo dentro del universo de Marvel, la nueva dirección de Thor es gratamente única y llena de humor de principio a fin.

Sin embargo, Thor: Ragnarok es más que solo un acto de comedia. Hay matices oscuros que prevalecen a lo largo de la trama principal de la historia, y los fundamentos de una película de superhéroes están presentes. Desde la secuencia de apertura, la acción y las imágenes están en punto, la calidad nunca se detuvo por un segundo. Y ahora ha quedado bastante claro que Chris Hemsworth ha adoptado el papel de Thor Odinson, mostrando su rango de comedia y haciendo que el personaje sea inmediatamente más convincente que el más oscuro y menos divertido de los Avengers al que se estaba acostumbrado.

Las actuaciones del elenco principal son impresionantes y excepcionales. Esta película por fin muestra al verdadero Dios del Trueno. Por primera vez fue extremadamente poderoso sin su martillo. La iluminación que fluía por todo su cuerpo fue pura maravilla. Además, finalmente le dieron a Hulk una personalidad. A pesar de que se ve muy grande, formidable y aterrador... lo hicieron hablar, y sin duda esta es la mejor versión de Hulk en el  MCU, ya que mejoraron su CGI. Tessa Thompson realmente me sorprendió con su actuación. Lo hizo realmente bien. Hela es una de las mejores villanas del MCU hasta ahora. Cate Blanchett se ve sexy, furiosa y también tiene su historia en la película, que es un gran paso, pensando en las películas anteriores de Thor. Loki es el favorito nuevamente y cada momento con Tom Hiddleston en la película es increíble.

Para mí, lo único negativo es el ritmo. Esta película trata de equilibrar dos historias que podrían haber sido fácilmente una película por separado, y hace un muy buen trabajo, sin embargo, sentí como si la línea de la historia de Ragnorok la hubieran cambiado un poco al final. Ellos unen bien las dos historias, pero al final, Thor solo puede estar presente en una historia a la vez. En general, la película logra contar la historia genial de un superhéroe que salva a su gente. Y aún así, logra mantenerse fresca junto con la velocidad de un rayo. Al final, toda la película es una explosión total, llena de referencias, acción hermosa y tiene más risas genuinas que la mayoría de las comedias de hoy en día. Es una excelente película para terminar el Universo Cinematográfico de Marvel en 2017. Esperemos que Black Panther mantenga este nivel de excelencia. Oh... y hay 2 escenas más entre los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.