Review: Mazinger Z: Infinity

Diez años después de que Koji Kabuto (voz por Shotaro Morikubo), montado en el super robot Mazinger Z, creado por su abuelo, ha traído paz al luchar el Imperio de Oscuridad y el mal del Dr. Hell (voz de Unsho Ishizuka). Hoy, Koji ya no es un piloto, y toma la decisión de tomar el camino de su padre y abuelo, convirtiendose en un científico renombrado. En sus estudios, descubre una estructura gigantesca profundamente enterrada debajo del Monte Fuji, detectando misteriosas y perturbadoras señales de vida. Con encuentros, amenazas nuevas y pronto, un reto nuevo para la humanidad, una vez más Mazinger Z tiene la carga pesada de salvar al mundo.

Mazinger Z: Infinity es una innecesaria entrega de la exitosa serie de anime de culto de los años 70 que carece de la vitalidad, frescura y la emoción de la serie original. Con una animación asombrosa pero un desarrollo pobre y carencia de ritmo, esta película es simplemente olvidable. La historia empieza 10 años después de la última batalla de Mazinger Z. Koji, Sayaka y el resto de los personajes ya no son adolescentes sino adultos. Sayaka ha tomado el sitio de su padre como directora del instituto atómico y Koji se ha convertido en un científico. Desde el principio la película se mantiene en un tono un poco deprimente, con escenas "sentimentales" que no componen a su desarrollo pero contribuyen para hacerla más lenta y bastante atenuada, fallando así en mantener el interés. Los personajes no se ven motivados, se ven desorientados y no encontrando su sitio en el mundo después de que se terminó la guerra.

Sayaka ya no es un personaje principal (Lisa lo es) y es bastante inexpresiva, mientras que su principal interés parece ser estar comprometida con Koji, quien no toma una decisión y parece estar perdido sin las guerras. De hecho, el papel de Sayaka es uno de los peores aquí. Ella es inútil y ni siquiera participa en la batalla final. La relación de amor/odio entre Koji y Sayaka que contribuyó a traer momentos divertidos entre batallas en la serie apenas se ve aquí. De hecho, uno de los principales intereses de la serie de televisión era ver al héroe peleando contra un nuevo monstruo mecánico en cada capítulo, cada vez mejorado y con armas cada vez más mortíferas, esto tampoco sucede aquí. Todos los monstruos mecánicos aparecen juntos principalmente en la batalla final. Y, al ser tantos, no pueden ser destruidos uno por uno (ya que tomaría demasiado tiempo de la película), sino que son al mismo tiempo en una especie de caos aburrido y desordenado que es del todo menos emocionante. Además, la razón del Dr. Hell para atacar la humanidad es muy torpe, mal planificada y peor explicada. De conquistar al mundo pasó a crear un universo paralelo?

Afortunadamente el original Mazinger Z aparece pero de una manera pobre. Me hubiera gustado que hicieran la batalla final el punto cumbre que incluyera armas nuevas para Mazinger. Eso hubiera sido un éxito y como fan realmente esperaba una clase de episodio más largo con más tiempo para desarrollar la historia y que las batallas fueran más largas. Por ejemplo, hubiera sido espectacular que los doctores utilizaran la 3D impresora para hacer falsificaciónes de Mazinger Z para confundir los monstruos mecánicos, por ello haciéndo la batalla final una grande. Puedo asumir que la intención del autor era hacer un tributo a la serie original ya que es el 45 Aniversario, pero quizás porque no tuvo el humor o tuvo una carencia de creatividad para traernos lo mejor de él, el resultado final es deficiente.

En general, tiene unas cuantas escenas buenas y apasionantes que sólo quienes vieron la serie original les traerá gratos recuerdos, como los títulos de apertura donde la música original se puede sentir con fuerza o las escenas de las luchas de los monstruos mecánicos. Al final, Mazinger Z: Infinity no es una película capaz de brindar vida nueva a la serie, si esa era la idea. Está hecha exclusivamente para quienes en los 70 y 80 eran niños y hoy en día quieren probar otra vez de alguna manera tener los sentimientos que experimentaron al ver la serie original.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Only The Brave

Eric (Josh Brolin) está tratando de asegurar una clasificación especial de "Hotshot" para su equipo de bomberos forestales de Prescott, Arizona, ya que está frustrado con que otros estén desafiando sus decisiones y tomando el control de sus hombres. Mirando a su jefe, Duane (Jeff Bridges), en busca de ayuda, se le ofrece a Eric una oportunidad para demostrar su valor, requiriendo hombres adicionales para reforzar su equipo. Un aprendiz es Brenden (Miles Teller), un ex drogadicto que recientemente se convirtió en padre y está tratando de limpiar su desastrosa vida. Al apreciar la determinación de Brenden, Eric le permite unirse a otros bomberos, como Chris (Taylor Kitsch) y Jesse (James Badge Dale). Al lograr la certificación, la unidad recibe el nuevo nombre de Granite Mountain Hotshots y ahora son habilitados para enfrentar grandes incendios en el suroeste. Sin embargo, el servicio de bomberos rutinariamente aleja a los hombres de sus familias, con Brenden perdiendo tiempo de vinculación con su hija en crecimiento, mientras que Eric intenta mantener el equilibrio con su esposa, Amanda (Jennifer Connelly), especialista en rehabilitación de caballos y que tiene problemas para justificar los sacrificios que está  haciendo para su vida juntos.

Las historias reales son lo único en toda la industria del cine que hay "a montón por chavo" porque casi la mitad de las películas actuales se basan en hechos reales. De esa mitad, diría que solo la mitad de esas historias se hacen con total justicia y cuidado. Por lo tanto, es realmente una sacudida el ver una película como esta. Dicho esto, Only The Brave es una presentación fantástica de los eventos y los hombres que arriesgaron sus vidas a diario. Aunque a veces puede parecer un poco lenta, creo que esta es una película para todo el mundo.

Cuando se trata de contar una historia posiblemente trágica sobre personas que pueden o no tener que dar sus vidas a raíz del peligro, realmente se requieren actuaciones poderosas y dedicadas para obtener una respuesta emocional a los acontecimientos que se desarrollan. Desde Josh Brolin a Miles Teller a Jeff Bridges, incluso a Taylor Kitsch y Jennifer Connelly, honestamente pensé que este elenco es uno de los mejores que he visto en una película en mucho tiempo, con los destacados obviamente siendo Brolin y Teller. Todos y cada uno de los personajes de apoyo dieron lo mejor de sí mismos, convirtiéndo al equipo en uno muy creíble y realista.

La premisa de esta película es relativamente simple. Un equipo de bomberos forestales se convertirá en el próximo equipo de "Hotshots", y harán lo que sea necesario, lo que también implica contratar talento fresco y dispuesto. La película se sumerge en sus vidas fuera del trabajo y realmente te invierte en cada uno de sus trabajos. Estaba fascinado con cada uno de los incendios, y me encantó que no se lo tomaron demasiado en serio hasta un punto de depresión. Con una buena mezcla de disputas y acción, estos personajes fueron más agradables de lo que esperaba, lo que realmente agregó un nivel de intensidad a la película en general.

Realmente el hecho de que esta película tiene un reparto excelente hace que uno sienta por los personajes cuando ocurre el clímax en el tercer acto. No estaba familiarizado con los eventos que ocurrieron, así que no estaba seguro de qué esperar del final de esta película. Aunque creo que hay algunos aspectos abruptos al respecto, siento que se trató con cuidado y respeto hacia las familias involucradas en los eventos reales. El acto final de esta película es sorprendente en múltiples formas y me hizo casi derramar una lágrima en el momento en que los créditos comenzaron a rodar.

En general, con increíbles actuaciones de todos los actores, una dirección que parece inspirada y secuencias que te mantendrán al borde del asiento, esta es una película memorable y muy bien hecha. Al final, Only The Brave es definitivamente una película lenta a veces y su tiempo de duración es un poco más larga de lo que el material necesitaba, pero cuando es lenta se toma su tiempo para invertirla emocionalmente en sus personajes. Esta película está bien hecha en todos los aspectos y es una experiencia seriamente emocional que vale cada una de las 2 horas y 14 minutos de su duración.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Mom And Dad

Es un día normal de disfunción para la familia Ryan, con Brent (Nicolas Cage) tratando de entusiasmarse con el día de trabajo, Kendall (Selma Blair) esperando seguir el ritmo del día, la adolescente Carly (Anne Winters) viviendo para atormentar a sus padres, y el pequeño Josh (Zackary Arthur) solo adorando ser un niño. Mientras el cuarteto se ocupa de sus asuntos diarios, el mal llega a su pequeña ciudad, con una plaga conocida como "savaging" que llega, inspirando a los padres a asesinar a sus hijos sin remordimiento. Con los padres reunidos fuera de la escuela para aniquilar a su descendencia, Carly y Josh logran encontrar su camino a la seguridad temporal dentro de su casa familiar mientras Brent y Kendall lentamente se vuelven locos, persiguiendo la locura con insatisfacción doméstica, y llegando a un acuerdo con las deficiencias de sus vidas individuales mientras buscan la forma de llegar a sus hijos, con planes de matarlos rápidamente y alimentar a la bestia que crece dentro de ellos.

Esta es una película en la que Nicolas Cage y Selma Blair son capaces de dar locas y desquiciadas actuaciones y ambos hacen un buen trabajo. La premisa de la película es sólida. Hay un virus o enfermedad desconocida que ha cambiado los instintos naturales de los padres de querer proteger a sus hijos a querer matarlos. No se da realmente una respuesta definitiva de cómo sucede esto, pero no es necesario. La forma en que lo tomé fue que una señal de un televisor desata este cambio en la química del cerebro de la persona, a juzgar por la repetición visual del ruido del TV. Hay aún más pistas y cosas que podrían decirse, pero de nuevo en realidad no importa.

Esta película no debe tratar de provocar ningún tipo de pensamiento ni es el tipo que intenta dejar a uno pensando. Es simplemente una sangrienta comedia que es casi una película de terror. El uso repetido de flashbacks que muestran cómo los niños tienen un vínculo con sus padres es completamente innecesario y es una pérdida de tiempo. Esos minutos podrían haber sido utilizados para agregar más suspenso o alargar algunas de las mejores escenas. Las escenas de Damon, novio de Carly, se reducen a él salvando a Carly y Josh, pero vi la película sin realmente preocuparme por él ni creyendo que él y Carly fueran realmente una pareja. Hay varias escenas incongruentes como una en la que un arma se dispara dos veces y aparentemente se olvida durante el resto de la película y pequeños puntos argumentales como Nicolas Cage comentando en un punto que gana $45,000 al año, pero tiene 2 autos, una casa en los suburbios y una sirvienta. Detalles como estos, y francamente hay muchos de ellos, hacen que la película sea menos agradable.

El final es un poco aburrido ya que los padres terminan siendo atrapados y eso es básicamente todo. Todo se reduce al virus y no hay una resolución. Había bastantes semillas plantadas que mostraban el carácter de Nicolas Cage como frustrado y tal vez no asesino pero al borde de un colapso emocional. En general, estoy frustrado ya que pudo haber sido una película mucho mejor con un buen escritor o guión y un poco más de tiempo de duración, solo dura 1 hora y 23 minutos. La película está llena de pequeños grandes momentos, que es su mayor debilidad y por eso sufre. Solo sobrevive por el valor de esos momentos. Al final, Mom And Dad es una película agradable, pero frustrantemente podría haber mucho sido mejor, y para ser justo, esta es la mejor película que Nicolas Cage ha hecho en años, pero eso realmente no dice mucho.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Proud Mary

Mary (Taraji P. Henson) es una asesina a sueldo de una poderosa familia mafiosa dirigida por Benny (Danny Glover), pero su interés en los negocios subterráneos se debilita después de que mata a un objetivo, dejando a su hijo, Danny (Jahi Di'Allo Winston), sin hogar. Un año después, Danny está llevando drogas para Uncle (Xander Berkeley), un títere ruso que es parte de la mafia, tratando de ganar unos pocos dólares mientras es maltratado por sus malvados tutores. Finalmente interviniendo para arreglar las cosas, Mary toma posesión de Danny, lo esconde en su apartamento mientras asesina a Uncle, desencadenando una guerra territorial entre su familia y los rusos, solo que nadie sabe que ella es la responsable del asesinato. Con la mano derecha de Benny, Tom (Billy Brown), sintiendo algo extraño sobre el comportamiento reciente de Mary, la asustada asesina comienza a planear su salida de la vida difícil, tratando de mantener a Danny cerca mientras los rusos llevan a cabo su venganza.

Mary es una asesina a sueldo que trabaja para una familia involucrada en el crimen organizado y acepta a un niño cuyo padre ella ha matado. Ella debe hacer todo lo posible para proteger al niño y, al mismo tiempo, mantener su identidad al ser la ya sospechosa de un asesinato. Con una trama bastante domesticada, esperaba que otras piezas de la película trabajasen a su favor, lamentablemente eso no sucede. Si bien se pueden ver algunos de sus límites presupuestarios, la película trae algunas interpretaciones decentes de Taraji P. Henson y Billy Brown y alguna acción decente al estilo "gun-fu". El final tiene un momento fugaz de acción interesante, pero se siente demasiado breve y muy poco iluminado como para abarcar el talento de Taraji. Hay momentos fugaces en los que la película no puede tomarse a sí misma tan en serio, particularmente una escena en la que los créditos comienzan a rodar.

Aunque no me sorprende que la subtrama del jefe sea irrelevante, todavía me sorprende lo poco que sabemos sobre el personaje de Mary, ya que su historia de fondo es casi inexistente. El villano tampoco tiene ningún impacto, ya que nunca desafía físicamente a Mary y se sienten como muñecos sin rostro para mostrar las habilidades de lucha del personaje. El niño pequeño puede ser muy molestoso a veces. En un momento juega como un niño malo de la calle y el próximo un niño llorón. Además, Danny Glover definitivamente no fue capaz de darle a su patriarca de la mafia el margen que necesitaba para ser realmente intimidante.

En general, la película afortunadamente no es el desastre que pensé que sería, pero no está tan comprometida con la acción exagerada que esperaba ver. Si bien la dinámica de madre/hijo permite una delincuente más suave, el impacto emocional no se siente satisfactorio. Esperaba más referencias a las películas de blaxploitation de los años 70 más allá del principio y algunas de las canciones de la época, pero realmente no las había. Al final, Proud Mary ciertamente no es tan épica como la canción, pero sorprendentemente entretiene para ser una película de bajo presupuesto. El ritmo acelerado mantiene a uno involucrado en la película, especialmente con el personaje de Mary, solo necesitaba algo más de tiempo para desarrollar su personaje.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: LBJ

Lyndon Baines Johnson (Woody Harrelson), con su esposa Lady Bird (Jennifer Jason Leigh) a su lado, es repentinamente puesto en la Oficina Oval, para disgusto de su adversario desde hace mucho tiempo, el Fiscal General Robert "Bobby" Kennedy (Michael Stahl-David) cuando el presidente John Kennedy (Jeffrey Donovan) es asesinado en Texas el 22 de noviembre de 1963. El caucus racista del sur, dirigido por el venenoso senador Richard Russell (Richard Jenkins), asume que LBJ torpedeará la contenciosa Ley de Derechos Civiles de Kennedy, solo para descubrir que, como nuevo presidente, LBJ está decidido a consolidar el legado de Kennedy al defender las causas por las que ganó las elecciones.

54 años después de su muerte, el presidente John Kennedy proyecta una sombra siempre presente sobre la carrera de Lyndon Baines Johnson como un político estelar y un presidente con logros significativos. JFK era un líder sacado de un libro de cuentos y directamente de las revistas de modas, mientras que LBJ era un vulgar adversario sacado de un comic que se veía y hablaba gracioso. Cada uno ha sido retratado en diversas películas numerosas veces y desde varias perspectivas. Woody Harrelson y sus prótesis faciales juegan LBJ, y parece disfrutar del arrogante y emocional hombre titular en el transcurso de la película.

Lo que esta película hace que sea un poco diferente de las demás es que abraza los elementos cómicos, tanto por el rendimiento del elenco como por el guión. Parece extraño (y algo incómodo) tener algunas risas en una película donde el infame desfile de automóviles presidenciales de 1963, y el posterior asesinato de JFK, forman el telón de fondo. El director Rob Reiner presenta a LBJ en toda su áspera gloria, pero también muestra al político y a un hombre que estaba constantemente negociando. La intimidación siempre fue parte de los motivos de LBJ, y la película muestra efectivamente las tácticas utilizadas por John y Bobby después de las elecciones para intimidarlo a el.

Hay recreaciones en toda la película que nos colocan de nuevo en medio de imágenes icónicas grabadas en la historia, como la caravana después de los tiros, la escena en Parkland, y la toma de posesión a bordo del Air Force One con Jackie todavía vistiendo su traje Chanel manchado de sangre. Este fue un momento increíble en la historia de los Estados Unidos, ya que la nación quedó destrozada emocionalmente. Es por esta razón que gran parte de la película parece desarticulada o equivocada. Demasiada atención es puesta en la tensa relación de LBJ con el senador de Georgia Richard Russell, uno de los hombres más racistas que he visto en una película. Su discusión sobre las relaciones raciales mientras una mujer negra le sirve la cena es incómoda, pero en cierta manera es muy drámatica. La mayor parte de la película se gasta en el tiempo de LBJ como Senador y Vicepresidente, con solo el acto final presentando su famoso trabajo al ascender a la Presidencia, después de lo cual todo el enfoque se centra en la Ley de Derechos Civiles. El flujo de la película parece un poco apagado, aunque la mayoría disfrutará ver la actuación de Harrelson, especialmente cuando se combina con Jennifer Jason Leigh.

Woody Harrelson es excelente como LBJ. El trae la elocuencia y la habilidad de un político que de por vida dice lo que piensa. Jennifer Jason Leigh es casi tan irreconocible como su esposa, Lady Bird Johnson. Ella hace un buen trabajo con el poco tiempo que tiene en la película. Ambos actores vencen el maquillaje pesado, demasiado pesado pienso yo, pero ambas actuaciones brillan. Ayudando a estos dos está el siempre confiable Richard Jenkins como el senador de Georgia Richard Russell, un aliado de Johnson que se convierte en su mayor adversario, Jeffrey Donovan como JFK, Bill Pullman como el senador de Texas Ralph Yarborough y C. Thomas Howell como el asistente de Johnson, Walter Jenkins. Debo mencionar especialmente por su actuación a Michael Stahl-David como el villano de esta pieza, Robert "Bobby" Kennedy. Si bien, y probablemente no del todo históricamente preciso, Stahl-David se mantiene firme en su interpretación y junto con Harrelson le da cierta dimensión a su personaje.

En general, es una buena película y una mirada histórica y política de una gran figura y un presidente que era para la gente, sus derechos y un cambiante de la sociedad, incluso cuando no era popular o no parecía la norma. Al final, LBJ es una película para observar por razones históricas y político sociales. Gracias a LBJ está la Ley de Derechos Civiles (la cual JFK comenzó), Medicare, Medicaid, protecciones ambientales y su guerra contra la pobreza. Es una lástima que todo lo que hizo fue eclipsado por la guerra de Vietnam.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 23 De Enero De 2018

Geostorm

Jigsaw (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The Killing Of A Sacred Deer

Review: The Post

En 1971, The Washington Post estuvo a punto de declararse en quiebra, y su estado financiero se le confió a Kay Graham (Meryl Streep), quien perdió a su marido al cometer suicidio, dejándola con la carga de hacer público el periodico. Insegura acerca de sus opciones, y también lidiando con el rechazo de los miembros de la junta directiva, Kay busca una conexión con el editor Ben Bradlee (Tom Hanks). Mientras se acerca la fecha límite para una oferta pública, llega un regalo del desilusionado analista militar de la Casa Blanca Daniel Ellsberg (Matthew Rhys), ofreciendo al New York Times y The Post la oportunidad de informar sobre un documento que remonta 30 años de encubrimiento gubernamental sobre la verdadera futilidad de la guerra de Vietnam. Si bien Ben está empeñado en explorar estos documentos del Pentágono, Kay duda en exponer a The Post a posibles problemas legales en un momento tan delicado. Con la sala de prensa repleta de actividad y Ben presionando para vencer a la competencia, la carrera está en marcha para asegurar la verdad mientras la administración del presidente Nixon comienza a entablar demandas, tratando de evitar que la información llegue a un público norteamericano ya volátil.

Steven Spielberg vuelve a la cima con The Post. Esta es la valiente y conmovedora historia real de The Washington Post, que utilizó el poder de la libertad de expresión, fue en contra del gobierno y expuso una verdad impactante que sigue siendo tan relevante como lo fue durante la administración de Richard Nixon. La película muestra a periodistas de The Washington Post y The New York Times que publicaron los documentos del Pentágono sobre la participación del gobierno de los Estados Unidos durante la guerra de Vietnam.

Spielberg ha hecho una película de persecución con periodistas. Vemos al equipo de The Washington Post hacer su misión para descubrir y publicar la verdad. Con un destacado elenco, Spielberg hace un histórico thriller político. Esta es una película implacable y valiente, que tiene un pulso en aumento cada momento y observa a sus héroes mientras descubren la verdad y van contra el gobierno con fuerza. The Post realmente trata de informar a la gente sobre la verdad y cómo los que perdemos en el campo de guerra, a veces se sacrifican en nombre de encubrimientos y políticas sin corazón. Es realmente una película que golpea a uno de una manera fuerte. El único punto negativo es que la película sufre de problemas de ritmo, con algunos elementos que obtienen más detalles que no agregan mucho al tema central de la película.

Ahora... las actuaciones. Meryl Streep como Kay Graham y Tom Hanks como Ben Bradlee, son excelentes. Streep está maravillosamente contenida en su interpretación de una mujer que enfrenta el chovinismo, a pesar de estar en el poder. Hanks es absolutamente fabuloso, representando el papel de un hombre en busca de exponer la verdad a cualquier precio. Hanks es heroico por completo. Del resto del elenco, Bob Odenkirk como Ben Bagdikian, Bradley Whitford como Arthur Parsons, Bruce Greenwood como Robert McNamara y Michael Stuhlbarg como Abe Rosenthal se destacan. Y, por supuesto, la dirección de Spielberg es fenomenal, ofreciendo una de sus mejores películas en años.

En general, la película es una vista obligada para los aficionados de la historia política, ya que muestra cómo comenzó la guerra entre los medios y el gobierno y cómo se convirtió en una pelea política para todos y cada uno de los involucrados. Al final, The Post está destinada a ser una película para nuestros tiempos, pero es una clásica historia estadounidense. Se trata de un gran periódico metropolitano y la lucha por la verdad y la justicia. Se trata de los valores a los que algunos todavía se aferran, y esos valores son el de un pueblo libre informado por una prensa libre en un mercado abierto de ideas.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: American Satan

Johnny Faust (Andy Black) es el cantante principal de una nueva banda de rock llamada The Relentless. Se traslada al Sunset Strip junto con los miembros Leo Donovan (Ben Bruce), Lily Mayflower (Jesse Sullivan), Vic Lakota (Booboo Stewart), Dylan James (Sebastian Gregory) y el manager de la banda, Ricky (John Bradley), en esperanzas de llegar a la fama. Cuando se encuentran con el enigmático Mr. Capricorn (Malcolm McDowell), hacen un pacto con él que le da a su banda éxito inmediato y fama, pero viene con más que unos pocos sacrificios. La banda firma un contrato con Elias (Mark Boone Junior), el jefe de una reconocida compañía discográfica, y contrata a Hawk (Bill Goldberg) como su manager de gira. Pronto, The Relentless se involucrará en una vida de libertinaje, sexo, drogas, alcohol y violencia. Las únicas personas que hacen todo lo posible para ayudar a Johnny son su novia Gretchen (Olivia Culpo), su madre Kat (Denise Richards) y un misterioso hombre llamado Gabriel (Bill Duke).

American Satan es el tipo de película que describirla no le haría justicia. Por un lado, es un amalgama refrescante e impredecible de drama, ciencia ficción, comedia, sátira, parábolas, romance y una cinematografía elegante. El guión contiene una agudeza ingeniosa y un humor perversamente gracioso y irónico. El director Ash Avildsen comprende claramente los gajes de la industria de la música mientras le lanza pinchazos satíricos. La película tiene mucha energía e incluso un poco de timidez. Ese elemento proviene principalmente del elenco. Resaltan Malcolm McDowell que es muy bueno en su interpretación de Mr. Capricorn y se ve que se divierte mucho con su papel y Jesse Sullivan como Lily Mayflower, que presenta su personaje con mucho carisma.

Afortunadamente, los realizadores de la película hicieron un buen trabajo al meterse en la cabeza del protagonista, Johnny Faust. Parte de lo que lo hace un personaje tan convincente y fácil de identificar es porque es muy deficiente y no un ser humano del todo decente. Un personaje 100% decente sería poco realista y aburrido de ver. El músico convertido en actor Andy Black tiene la capacidad de actuar para hundir sus dientes en el papel principal y encontrar la verdad emocional del personaje. Es igualmente cautivador y conmovedor observar cómo evoluciona su personaje a través de la película y cómo aprende valiosas lecciones de vida.

En general, debajo de toda la superficie, la película tiene corazón y alma, así como citas reales de algunos artistas y mensajes provocativos sobre egos inflados, el precio de la fama, la lucha creativa, las batallas con los demonios internos, el autodescubrimiento y los sacrificios que atraviesan los artistas, como... vender su alma artística. "La creatividad requiere un gran sacrificio y lucha" y "La fama tiene un precio" son mensajes explorados a través del simbolismo y temas oscuros, pero lo hace con ingenio y profundidad sin desviarse hacia la pretenciosidad, la prudencia o la insensibilidad. Al final, American Satan es una sátira inteligente, perversamente divertida y punzante para la industria de la música que merece convertirse en un clásico de culto y que todo fan del rock/heavy metal debería ver.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Professor Marston And The Wonder Women

En 1928, el Dr. William Moulton Marston (Luke Evans) es un profesor de Harvard Radcliffe College enseñando psicología e investigando más a fondo su teoría de la evaluación DISC, que se centra en los cuatro rasgos conductuales de dominación, inducción, sumisión y cumplimiento. Junto con su esposa, Elizabeth Marston (Rebecca Hall), quien completó todo su trabajo para recibir un Ph.D. de la Universidad de Harvard pero se le negó el grado debido a que ella es una mujer, desarrollan un detector de mentiras que funciona. Durante un semestre, el Dr. Marston y Elizabeth contratan a una asistente, Olive Byrne (Bella Heathcote), con quien ambos quedan fascinados y finalmente se enamoran, a pesar de ella estar comprometida con otro hombre. Después de rumores de que la relación del Dr. Marston y Elizabeth con Olive se extendió por el campus, promovida por Olive rompiendo su compromiso y revelando que estaba embarazada, los tres son expulsados Radcliffe College y comienzan a vivir juntos. Una vez nace el hijo de Olive, el Dr. Marston lucha por ganarse la vida como escritor, y finalmente recurre a los comics a principios de la década de 1940 con una idea nueva sobre una superhéroe femenina que encarna todos los ideales de feminismo que representan Elizabeth y Olive. Sin embargo, los temas y representaciones del comic atraen críticas y el Dr. Marston se ve obligado a asistir a una audiencia para discutir el origen del comic con Josette Frank (Connie Britton) del Child Study Association Of America. A través de esta historia, el Dr. Marston revela como nace Wonder Woman.

Pocas personas saben que Wonder Woman fue creada por el profesor de psicología que inventó el detector de mentiras. Esa es una de las razones por las cuales Professor Marston And The Wonder Women es un intrigante biodrama de época. Basada en una historia real ambientada en los Estados Unidos de 1940, William Marston es uno de los pioneros de la psicología. Su esposa Elizabeth es una brillante académica y una luchadora feminista, juntos reclutan a Olive Byrne para ayudarlos en su investigación de una máquina que pueda detectar mentiras. La química sexual entre los tres es inmediata y explosiva. Cuando comienzan su muy abierto menagé á trois, la conservadora Universidad de Harvard los expulsa por su inmoralidad y toman cualquier tipo de trabajo para sobrevivir. Con el deseo de convertirse en un escritor de ficción, William crea un personaje de fantasía basandose en las dos mujeres de su vida. Adornada con símbolos y un mensaje de empoderamiento femenino, crea a la superheroína llamada Wonder Woman. William se convierte en un exitoso dibujante y sus comics de Wonder Woman son un éxito en América. Sin embargo, en la era prefeminista, la cruzada moralista persigue al trío por las imágenes que el comic proyecta de esclavitud lasciva que presuntamente corrompe las mentes jóvenes.

Esta es una película transgresora y en muchas maneras. Además de tener algunas escenas bellamente representadas de la intimidad sexual entre tres, explora las relaciones poliamorosas y la psicología feminista de la esclavitud, ideas radicales que desafían la construcción conservadora de la heterosexualidad. En el proceso de mostrar al trío explorando sus límites emocionales y sexuales, uno se ve obligado a reflexionar sobre los suyos. Con el matrimonio entre personas del mismo sexo convirtiéndose en una nueva normalidad hoy en día, esta película sugiere que la evolución de la sexualidad humana está lejos de terminar. También explica que, en lugar de basarse en la psicología subversiva, Wonder Women es realmente un modelo a seguir para la paz, el feminismo y la liberación sexual.

Los tres actores principales actúan de forma seductora dentro de sus roles. Rebecca Hall representa un intelecto poderoso y una determinación fuerte, Bella Heathcote retrata una belleza extraordinaria y una sensibilidad femenina y Luke Evans, quizás la envidia de muchos espectadores masculinos, es un intelectual masculino y un auténtico feminista de la nueva era. El rodaje evoca la época con autenticidad, el guión es inteligente y la iconografía que condujo a la creación de Wonder Woman se ensambla como pistas dispersas en un thriller de detectives. La película también muestra cómo las grandes obras creativas son la encarnación de las experiencias de vida de su autor.

En general, a pesar de algunos defectos, esta es una película que vale la pena ser vista. Puede que no sea lo suficientemente reverencial como para inducir a los fanáticos del cómic a que la vean, ya que la película abarca décadas en el tratamiento de la creación de Wonder Woman como una ocurrencia tardía. Además, introduce algunas cosas de liberalización sobre el amor y el feminismo moderno. Al final, Professor Marston And The Wonder Women es una muy buena película histórica y informativa que vale la pena verla para explorar temas como la libertad sexual, los derechos de las mujeres y la libertad de género.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Darkest Hour

Las fuerzas de Hitler están en marcha para reclamar Europa, dejando a Inglaterra presa del pánico mientras el enemigo apunta a Londres. Con el primer ministro Chamberlain (Ronald Pickup) expulsado y dejando al Secretario de Relaciones Exteriores Halifax (Stephen Dillane) frustrado con el futuro de su amado país, se selecciona a un nuevo hombre para el puesto, Winston Churchill (Gary Oldman). Mientras es apoyado por su esposa, Clementine (Kristin Scott Thomas), y respaldado por su secretaria, Elizabeth (Lily James), Churchill se encuentra en medio de una situación imposible, dando forma a un plan de guerra mientras Halifax está decidido a ingeniar rendición, esperando  proteger a su país entregándolo a Hitler. Mientras que el Rey George VI (Ben Mendelsohn) observa la situación cuidadosamente, Churchill comienza a poner su visión en marcha, poniendose en la posición de vendedor mientras se esfuerza por inspirar orgullo y acción, pero también supervisando un desarrollo problemático en Dunkerque, donde el ejército británico está atrapado y necesita una evacuación radical.

Esta película no es solo un relato fascinante de uno de los momentos más importantes de la Segunda Guerra Mundial, sino que también es un drama estimulante que va más allá de ser una biografía simple al llevar el humor, la energía y la pasión a cada momento con una impresionante actuación de Gary Oldman, una dirección segura y apasionada de Joe Wright, y un brillante guión de principio a fin. Darkest Hour es una película simplemente excepcional. Cuando se cuenta una historia tan conocida como la de Winston Churchill y la Segunda Guerra Mundial, ser emocionante e históricamente preciso no siempre es fácil, pero ahí es donde aparece la visión única del drama histórico de Darkest Hour.

La película habla de la extrema intensidad de los primeros días de la guerra, las maniobras políticas en Westminster cuando Churchill fue nombrado primer ministro, y la amenaza muy real e inminente de que la caída de Gran Bretaña podría significar el fin de la libertad, que es absolutamente fascinante de ver, pero son todas partes de la historia que posiblemente ya se sepan muy bien. Es por eso que la decisión de la película de brindar un brillante sentido de humor y una gran pasión por los procedimientos es muy efectiva. La importancia de los eventos retratados nunca se minimiza, y de hecho hay momentos muy intensos y emocionalmente poderosos, pero hay mucho más en Darkest Hour que la historia, algo que la hace refrescante en comparación con la mayoría de las películas biográficas.

Lo que más me impresionó fue el hecho de que es muy graciosa. No es en lo absoluto una comedia, pero este no es un drama histórico seco, sino uno que se regocija al señalar las excentricidades de su personaje principal, excentricidades que son indudablemente una parte de por qué Churchill es tan elogiado y respetado al día de hoy. Mientras que la película elogia el espíritu de Churchill en la lucha contra los nazis, siempre está dispuesto a mostrarlo con una luz un poco más brillante, casi como si fuera un hombre que tropezó con el trabajo más importante de la historia por casualidad. Es por eso que hay tantas escenas que presentan la peculiar personalidad de Churchill cuando choca con los políticos más tensos de Westminster, una parte de la película que no solo sentí que era entretenida, sino que ayudó a darle a la película una energía increíblemente refrescante, permitiendome ver a Churchill en una luz personal muy identificable, y no solo como una figura histórica.

Además de ser francamente graciosa en algunos momentos, hay una pasión detrás de la descripción de las horas más oscuras de la guerra. Con Churchill obligado a abrir conversaciones de paz con Hitler, la película hace un trabajo increíble en poner a uno en un estado de nervios, respaldando completamente el espíritu de Churchill para luchar y defender la libertad hasta el último momento, lo que significa que el conflicto interno que él sufre a lo largo de la película es un punto focal sumamente fascinante. Esta es una película indudablemente patriótica, y es un gran elogio para Churchill. Puede haber casos en el que la gente que vea la película sienta más emoción por su increíble pasión, pero siento que la mayoría de eso proviene de cuán bien se desarrolla el personaje de Churchill, de un anciano torpe y no muy adorable a un líder verdaderamente honesto y de principios.

Finalmente, tengo que hablar sobre la actuación de Gary Oldman, que es increíble. Gracias, por supuesto y en parte al maquillaje, es bastante imposible decir que se está viendo a Gary Oldman en esta película. Todo su rendimiento, desde los más pequeños detalles sobre Churchill hasta su fantástica pasión y energía, atraen cada vez más a su personaje y crea una representación excepcionalmente convincente del gran hombre y la situación que lo rodea, lo cual me dejó totalmente impresionado. Otras actuaciones memorables son la de Lily James como Elizabeth Layton, la secretaria personal de Churchill. Fue un placer ver su personaje ya que ella presenta a una joven que está completamente desconcertada por Churchill, pero después de un tiempo se entusiasma con él, se vuelve leal a él y lo aprecia. La elegante Kristin Scott Thomas, la esposa paciente de Churchill, tuvo menos tiempo en la película, pero hizo que sus escenas valieran la pena, contribuyendo al tono y al carácter general de Churchill y Ben Mendelsohn interpreta al rey George VI con gracia y atrae a uno a simpatizar con él como un hombre honesto que no está seguro sobre dónde y en quién depositar su fe.

En general, me encantó. Es un drama histórico indudablemente fascinante sobre un punto crucial en la historia global, pero más que eso, está llena de energía increíble de principio a fin. Con un humor increíble, combinado con una pasión patriótica impresionante, se convierte en una experiencia verdaderamente emocionante y entretenida. Al final, Darkest Hour demuestra que una película no necesita ser emocionante en las formas convencionales para complacer al espectador. Una vez más tengo que enfatizar cuán increíblemente talentoso es Gary Oldman en este rol. Si no disfrutan de esta película, puedo garantizar que su actuación al menos despertará su interés en algunas escenas clave.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 16 De Enero De 2018

Blade Runner 2049 (teniendo 4 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Wal-Mart que trae un Spinner Model)

Happy Death Day

The Snowman

Review: The Disaster Artist

Greg (Dave Franco) es un joven con grandes sueños de estrellato en la pantalla grande que tiene problemas con la actuación, y encuentra inspiración inusual en otro aspirante a actor, Tommy (James Franco). Un tipo extraño con un acento indefinido, una cuenta bancaria sin fondo y una alergia severa a las preguntas personales, Tommy toma el compromiso vocacional de Greg, al hacerse amigo del joven ingenuo y finalmente ofrecerle una habitación en su departamento de Los Angeles, con planes de abrirse paso en la industria del cine. Desafortunadamente, las carreras no se hacen de la noche a la mañana, frustrando a Tommy, que cree que nunca será aceptado por la industria. Al tomar la desición de hacer su propio proyecto, Tommy escribe The Room, pero no tiene la minima idea de cómo hacer una película. Comprando todo el material de producción, emplea un pequeño equipo que no puede creer que esté involucrado con un hombre que perciben ser un idiota. Solo Greg entiende a Tommy de una manera remota, pero su paciencia se hace más lenta a medida que The Room pasa de ser un proyecto favorito a convertirse en un desastre, amenazando con romper su amistad.

The Disaster Artist es una historia real basada en la creación de la notoriamente mala película de culto The Room, dirigida por Tommy Wiseasu. Wiseau es interpretado por James Franco y su amigo Greg Sestero es interpretado por Dave Franco. Esto fue interesante, porque había oído hablar de la película y de su estatus de culto cómo una de las peores películas que se han hecho. Esta película tiene a los hermanos Franco y a Seth Rogen, y todos sabemos la reputación que viene con ellos. Ellos hacen comedias "stoner" y básicamente todos interpretan a los mismos personajes en cada película en la que están. Ese no es el caso aquí. Todos esos clichés de esas películas que vemos de estos tipos son arrojados por la ventana. Fue un agradable cambio y sorpresa ver a estos tipos después de ver las mismas comedias entregadas una y otra vez al público.

No clasificaría "técnicamente" esta película como una comedia. Definitivamente es más una comedia dramática con escenas cómicas mezcladas, pero esto se debe a que Tommy Wiseau, quien James Franco interpretó tan magníficamente en lo que es probablemente su mejor actuación hasta la fecha, es un individio muy raro, misterioso, excéntrico y extraño que sus palabras, acciones y su extraña pasión por hacer una película se vuelven cómicas. Las escenas dramáticas más intensas realmente funcionaron bien en esta película. Añadiré que las escenas de comedia no son las únicas escenas divertidas de la película. Definitivamente hay mucho más humor en la película aparte de esas escenas.

Mi problema con esta película realmente se reduce al ritmo. Tomó un buen tiempo para el desarrollo, y entiendo, hay que desarrollar la trama, los personajes y hay que explicar la relación entre Tommy y Greg, pero tomó demasiado de mucho tiempo. También diría que el personaje de Amber, interpretado por Alison Brie, realmente no movió mucho la historia y sentí que no era necesaria en lo absoluto. La mayor sorpresa de esta película es que es sumamente sincera cuando se adentra en la psique de Tommy y su relación con Greg. Tommy quiere ser el héroe y uno se siente tan mal que siente hasta lástima por él. Su amistad con Greg también es reconfortante. Se puede ver por qué estos chicos son amigos y cuando Greg consuela a Tommy al final, es un momento realmente agradable y resalta una de las grandes virtudes de la película.

En general, se puede decir que esta película es una carta de amor a The Room y toda la risa involuntaria que inspira. Le da a uno la idea de cómo esta película se convirtió en un producto horrible que la gente aún podría disfrutar. Para agregar, se obtienen buenas actuaciones, una lista de celebridades haciendo cameos y una linda historia de amistad duradera. Al final, The Disaster Artist es el tipo de película que presenta lo que hay detrás de las escenas y muestra la forma de cómo no hacer una película, ademas de realmente hacer un buen trabajo al capturar qué tan extraño y determinado es Tommy Wiseasu. No es la mejor película del año, pero es sumamente agradable y graciosa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred (Frances McDormand) es una empleada de una tienda de recuerdos que perdió a su hija en un crimen horrible hace siete meses, y los policías aún no han podido encontrar al criminal. Indignada con el sheriff Willoughby (Woody Harrelson) y su incapacidad para encontrar un sospechoso, Mildred elige decorar tres letreros publicitarios cerca de su casa en Missouri condenando a Willoughby y su investigación. Al recibir exactamente el tipo de atención que estaba buscando, Mildred se convierte en un problema para cualquiera que no esté de acuerdo con los letreros, lo que atrae el interés de los medios, manteniendo a Willoughby, que está lidiando con problemas médicos, al borde de la investigación. Particularmente perturbado está el oficial Dixon (Sam Rockwell), un policía sin cerebro y con poca paciencia que no toma amablemente la naturaleza provocativa de Mildred, espiando por su cuenta para mantener el caso abierto y encontrar un asesino.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una historia oscura, pero también divertida y sincera, sobre la búsqueda de una mujer para obtener justicia por la violación y el asesinato de su hija. Después de que Mildred Haynes compra tres letreros publicitarios con palabras escritas por ella acusando al popular sheriff de la ciudad de no haber encontrado al asesino de su hija, establece una serie de eventos que vuelven a los ciudadanos y la policía contra ella.

Lo que puedo decir sobre la película es que es tremendamente impredecible. En un momento en se que piensa que las cosas van en la dirección que uno espera, da un giro inesperado que solo se suma a la dinámica entre los personajes. A medida que aumenta la presión dentro de la ciudad y la ira se dirige hacia Mildred, vemos que muchos de estos personajes evolucionan para lidiar con la tragedia y el dolor para aprender a encontrar la paz. También la película atraviesa una montaña rusa de emociones. En un momento en que se está riendo de un colosal diálogo, de repente cambia a algo sumamente serio o trágico. En manos inferiores, la mezcla de tonos oscuros y cómicos no funcionaría, pero el director y escritor Martin McDonagh supo cómo equilibrarlos a la perfección.

Las actuaciones aquí son fuera de este mundo. Frances McDormand ofrece una actuación espectacular. Como Mildred, McDormand simplemente desata su actuación con cada línea de odio, cinismo y maldiciones hacia todos los que ella siente que no comprende realmente el dolor interno que está atravesando. Pero McDormand tambien muestra un lado suave de Mildred. Muestra que es una persona como cualquiera que tiene su propia forma de lidiar con la tragedia de perder a su propia hija. Sam Rockwell da una de las mejores actuaciones de su carrera como el oficial Dixon. El personaje de Dixon es de mal genio, volátil y no es brillante con algunos gajes del oficio, de los cuales varios de los ciudadanos lo acusan. Sam Rockwell aporta su encanto y sinceridad a lo que podría ser un personaje bastante desagradable, pero en la última mitad de la película, se ve a Dixon atravesar por un tremendo proceso de aprendizaje para preocuparse por los demás en lugar de simplemente enojarse con ellos. Otras grandes actuaciones que deben mencionarse son las de Woody Harrelson, Peter Dinklage, John Hawk y Caleb Landry Jones.

Hay un par de pequeños detalles en la trama que no tienen sentido, pero son pequeñas molestias en el esquema de un guión lleno de inteligencia emocional, una rareza en las películas modernas. En general, es una excelente historia de perdón y de aprender a aceptar y tolerar a aquellos con quienes no se está de acuerdo. El clímax y el final de la película también son invaluables. Tiene tanta carga emocional y es totalmente impredecible, que la película realmente deja a uno pensando mucho después de que se acabe. Al final, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una pieza de pensamiento asombrosamente y fundamentalmente humano, y es una de las películas más inolvidables del año.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: The Shape Of Water

Elisa (Sally Hawkins) es una muda que vive sola, manteniendo una amistad con su vecino, el artista encerrado Giles (Richard Jenkins). Trabaja como conserje en Occom Aerospace Research Facility, disfrutando de una rutina de limpieza con su elocuente compañera de trabajo, Zelda (Octavia Spencer). Manteniéndose sola, la curiosidad de Elisa se despierta cuando el coronel Richard Strickland (Michael Shannon), un hombre vicioso, se le encomienda investigar al "Asset" (Doug Jones), una criatura humanoide anfibia, con planes de utilizar su información para competir con la agencia espacial de los soviéticos. Dirigiéndose al laboratorio que alberga la nueva adquisición, Elisa hace un intento de hacerse amiga del "Asset", ofreciéndole huevos para comer y música para escuchar después de largos días soportando torturas a manos de Strickland. Elisa y el "Asset" crean un vínculo, pero el tiempo se acaba, cuando el simpático Dr. Robert Hoffstetler (Michael Stuhlbarg), un espía de los soviéticos, se da cuenta de que el gobierno de los Estados Unidos no permitirá que el "Asset" viva por mucho tiempo, presionando a Elisa para que piense un plan para protegerlo.

Siendo el padre de la fantasía oscura, Guillermo Del Toro sabe cómo dar vida a maravillas y pesadillas que podemos disfrutar y transformarlas en maravillosas y conmovedoras artesanías de comprensión y significado, y The Shape Of Water no es una excepción. Ambientada durante el conflicto de la Guerra Fría de los años 60, una muda pero oyente Elisa trabaja como conserje en una instalación secreta del gobierno, donde se siente atraída por el nuevo espécimen: una misteriosa criatura marina. Mientras Elisa comienza a enamorarse de él, el jefe de la instalación, Strickland, solo desea hacerle una disección a la criatura para obtener una ventaja experimental contra los rusos. El vínculo de Elisa con la criatura pronto comienza a afectar a quienes la rodean: su vecino Giles, su compañera de trabajo Zelda y el científico Robert Hoffstetler.

Lo que es increíblemente profundo acerca de este último trabajo de Del Toro es su visualización excéntrica en el reflejo de las concepciones políticas y sociales del pasado, pero también de hoy. El fin más centralizado es el tratamiento de aquellos que son diferentes. Enfrentando directamente la fantasía de otras especies pero entrelazada con el tratamiento racial relevante para el momento en que se desarrolla la película, y luego, por supuesto, contra el telón de fondo de los conflictos nacionales, pero también el valor de aquellos con deficiencias.

Alejandose un poco de los tonos más oscuros como los de Pan's Labyrinth y Crimson Peak, pero no muy lejos de la fantasía surrealista, The Shape Of Water es diversamente más divertida. Con chistes frecuentes, la fantasía romántica es muy alegre, por supuesto no sin momentos de violencia sangrienta pero a un volumen moderado. Lo que puede ser un poco difícil de digerir para algunos, es esta idea de una relación amorosa y sexual entre especies y con el asombroso diseño de la criatura en sí misma se convierte en algo más que un simple disfraz de pez. El vínculo y la sexualidad de este romance es un hilo significativo para la película y es uno que destacó en gran medida con sus momentos repetitivos de contenido para adultos. Pero lo que Del Toro explora es la verdadera belleza en el amor y, en el contexto de la película, se convierte en algo notable.

Sally Hawkins es excepcional en su actuación como la muda Elisa, con un dinámico lenguaje de señas y expresiones faciales, vemos su aislamiento que hace que su conexión con la criatura sea más real. Junto a ella está el actor Doug Jones, que maneja el traje de la criatura de una manera brillante, superando sus actuaciones colaborativas anteriores con Del Toro. Michael Shannon interpreta sensacionalmente al verdadero monstruo de la historia en Strickland, el coronel dominante enfrentando su batalla con la masculinidad, así como con la criatura. Shannon ofrece una de las mejores actuaciones de su carrera, manteniendo la clásica yuxtaposición del cuento de hadas del hombre contra el verdadero monstruo.

Al igual que con todas las fantasías oscuras de Del Toro, todo se trata de los personajes. Elisa identificandose con otra persona como ella, Strickland intentando mantener su poder y masculinidad durante su pelea con la criatura y Elisa, Hoffstetler siendo atrapado entre dos bandos pero buscando su derecho propio, y Giles tratando de encontrar su significado en la sociedad. Como nunca falla con las películas de Del Toro, se encuentra el diseño de producción que da vida a estos magníficos mundos. The Shape Of Water, a pesar de no tener mucho del "cuento de hadas", tiene una construcción muy extraordinaria del mundo real, desde el apartamento de Elisa hasta la instalación secreta, haciendo eco del verdadero universo gótico del mundo real. Abriendo con una trascendental secuencia de títulos, Del Toro literalmente inunda la pantalla con deslumbrantes efectos visuales y segmentos, pasando rápidamente de una escena a la siguiente en una experiencia de inmersión mítica que atrae aún más a las profundidades de la historia y el trabajo de arte de la película.

En general, es una pieza de cine extraordinariamente extraña, extravagante y conmovedora. Para los fanáticos que hayan encontrado las obras anteriores de Del Toro demasiado oscuras o aterradoras, estarán encantados con esta fantasía mucho más encantadora. Al final, The Shape Of Water es un logro magnífico en el cine, y una de las mejores películas de Guillermo Del Toro.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Battle Of The Sexes

A principios de la década de 1970, la campeona de tenis Billie Jean King (Emma Stone) se preparaba para hacerse cargo del mundo deportivo a nivel profesional, solo para verse obstaculizada por la falta de igualdad con el dinero en efectivo y otras comodidades ofrecidas a sus contemporáneos masculinos. Aprovechando la oportunidad con su manager Gladys (Sarah Silverman), King y otras jugadoras establecen la Asociación de Tenis Femenino, permitiéndose una oportunidad de jugar con dinero de patrocinio, construyendo un futuro para las jugadoras. En el camino, Billie, casada con Larry (Austin Stowell), se encuentra con la estilista Marilyn (Andrea Riseborough), confrontando sus sentimientos lésbicos y comenzando una aventura secreta. En Los Angeles, el campeón de tenis y retirado, Bobby Riggs (Steve Carell) intentando esconder de su esposa Priscilla (Elisabeth Shue) su adicción a las apuestas, despierta la idea de un combate de "La Batalla de los Sexos" para probar las habilidades de King, imaginando una victoria fácil. King, sintiendo la oportunidad de probarse a sí misma y la independencia de su género, se propone callar a Riggs, aceptando a un partido público y televisado.

Battle Of The Sexes es un recuento del famoso partido de tenis de 1973 entre Billie Jean King, de 29 años, y Bobby Riggs, de 55 años. Fue el partido que desató el movimiento de las mujeres en el deporte y plantó el estatus de King como la mejor jugadora de tenis en el mundo. En la película se es testigo del viaje personal que ella realizó mientras luchaba por la igualdad de derechos en los deportes y la sociedad. Emma Stone interpreta a Billie Jean King como una oportunista tímida y reservada que busca sacar lo mejor de su situación actual. Ella es una verdadera pionera que está impulsando la igualdad de derechos para las mujeres en los deportes. Steve Carell como Bobby Riggs no podría ser más contrario a King. Es un campeón de tenis retirado que no puede dejar de apostar, lo que frustra a su esposa hasta el punto de no volver atrás. También es un machista que cree en la superioridad de los hombres y en cómo las mujeres deben permanecer en la cocina y en la cama. Todos estos eventos dan paso a una gran batalla entre personalidades y polos opuestos.

La película sigue los viajes paralelos que King y Riggs realizan para llegar a su famoso combate. King se esfuerza por ganar el mismo salario para las jugadoras de tenis, lo que finalmente lleva a la creación de su propia liga de tenis femenina. Mientras viaja para los partidos, descubre su homosexualidad con su estilista Marilyn y está dividida entre sus nuevos deseos y la vida que ya tiene con su esposo Larry. Mientras tanto, Riggs está estancado en una crisis y siente que su vida ha estado algo apagada desde que se retiró. Está pasando su tiempo jugando y apostando mientras planea un regreso importante al mundo del tenis. Eventualmente, sus caminos se cruzan, dando paso a uno de los eventos deportivos más grandes e importantes de la historia.

Con un tiempo de duración de 2 horas y 1 minuto, la película construye muy bien la historia de King y Riggs. Es interesante ver cómo se desarrollan sus historias, pero es demasiado latosa y lenta en las partes centrales justo antes del partido final y compartiendo el tiempo en pantalla también es muy desequilibrado para King, mientras que Riggs se trata casi como un personaje secundario durante la primera hora. Los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris usan sus habilidades para crear una película personal y emocional. El tono de la película es bastante alegre y nunca se toma demasiado en serio la situación de igualdad de derechos entre géneros.

Al ser rodada al estilo de las películas de los años 70, la hace que se sienta más cerca a un documental de televisión que una producción de Hollywood. Hay imágenes granuladas y tomas fuera de balance que hacen que la película se sienta más auténtica y basada en la realidad. El famoso partido se recrea con detalles deslumbrantes y es lo más que se destaca en la película. La actuaciones son lo que más sobresale de la película, ya que Emma Stone y Steve Carell hacen un trabajo excepcional interpretando a los jugadores de tenis. Sarah Silverman también brilla, en el poco tiempo que tiene, como la ruda y segura manager, Gladys. Andrea Riseborough es muy buena como la amante de King que saca a relucir sus secretos ocultos y es la principal contribuyente en el desarrollo de la trama emocional. Bill Pullman es la única persona que no sobresale mucho con su papel, ya que su personaje de jefe sexista es muy unidimensional y casi caricaturesco.

En general, esta es otra de esas historias que es tan importante ahora como lo fue hace casi cuarenta y cinco años, ya que trata sobre la igualdad, el superar barreras, y simplemente sentirte bien por como eres. Al final, Battle Of The Sexes es una película deportiva sumamente bien actuada y edificante que sufre de ser demasiado lenta a veces y demasiado larga. No funciona tan bien como debería, pero es lo suficientemente agradable para clasificarla entre las mejores películas de deportes, y definitivamente la mejor película en el tema del tenis.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 9 De Enero De 2018

IT (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la Lenticular cover con unas tarjetas de colección exclusiva de Target y la versión en DVD exclusiva de Wal-Mart)

The Foreigner

Friend Request

Review: The Killing Of A Sacred Deer

Steven (Colin Farrell) es un cirujano que ha trabajado arduamente para recuperarse de fallas debido al alcoholismo, manteniendo su matrimonio con Anna (Nicole Kidman), mientras cría al joven Bob (Sunny Suljic) y la adolescente Kim (Raffey Cassidy). Steven también pasa tiempo con Martin (Barry Keoghan), un adolescente de 16 años con problemas que mira al médico como una figura paterna, aceptando regalos mientras disfruta de su compañía. Cuando Bob es golpeado repentinamente con parálisis, Steven no puede entender por qué, y tiene a todos los expertos confundidos por su repentina inmovilidad. Luchando con la potencial pérdida de su hijo menor, Steven se siente nervioso por la nueva audacia de Martin, se presenta en el hospital y se insinúa en la casa de Steven creando un vínculo secreto con Kim. A medida que la condición de Bob empeora, llegan afecciones adicionales para los seres queridos de Steven, lo que lo obliga a reconsiderar su paciencia con Martin, quien no parece particularmente afectado por los horrores que sufre la familia del médico.

Después de ver Mother! de Darren Afonofsky, pensé que no me encontraría con una película extraña en bastante tiempo, estaba equivocado. En primer lugar, esta película tiene algunos elementos cinematográficos de David Lynch, Stanley Kubrick y Martin Scorcese. Tiene un ritmo sumamente lento y se siente aberrante y fatídica. En segundo lugar, todos los elementos de terror son de naturaleza totalmente psicológica. Aquí hay una combinación que solo unos pocos podrán soportar, y mucho menos disfrutar. La película es la obra más reciente del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Su tiempo de duración es exactamente de 2 horas y cuenta con las actuaciones de Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan y Alicia Silverstone. Aparentemente la película tiene una fuerte conexión con la mitología griega, pero realmente no sé nada de eso, así que voy a profundizar en la película en general. Esta es la historia de una familia cuyo orden se destruye cuando un adolescente entra en sus vidas y comienza a tomar venganza por lo que le han hecho a su padre.

El objetivo de esta película no es incomodar al espectador, sino que quiere que nos sintamos totalmente abatidos por la tensión. El diálogo parecía nervioso, a veces absurdo y, a veces cómico, pero servía para llenar el ambiente de ansiedad e inquietud. Su franqueza y ritmo son algo surrealistas. Como la información se revela cautelosamente me sentí cautivado e incómodo. Los personajes toman un rol activo en la historia, con decisiones consecuentes. Sin embargo, el último acto, parece carecer de consecuencia y se siente débil. Además, muchos aspectos de la trama quedan sin explicación, dejando huecos en la historia. Algunos personajes también se sintieron subdesarrollados, independientemente de su impacto en la trama. Más allá de la trama de la psico-venganza se encuentra una historia de supervivencia y castigo, lo que es terriblemente inquietante a medida que el tono de la película pasa de incertidumbre a intenciones oscuras y siniestras.

Respecto a las actuaciones, Barry Keoghan realmente me hizo sentir que al principio había algo que no estaba bien con él, sospeché por completo algún tipo de trastorno mental. Colin Farrell estuvo al mando de la película y de su personaje como un hombre exitoso y seguro de sí mismo que es degradado y humillado. Nicole Kidman actuó como normalmente lo suele hacer. En general, la película es decepcionante. Como película, es genial, pero fue una decepción por el uso excesivo de los abstractos y la experimentación. La historia es demasiado simple y pareció mas la crisis de un hombre tratando de salvar a su familia que cualquier otra cosa. Al final, The Killing Of A Sacred Deer es una película extremadamente difícil de ver, pero no por causa de sangre derramada o por violencia, es más a causa de los terribles acontecimientos que impulsan la trama. No creo que la vuelva a ver una segunda ocasión, y no la recomendaría a menos que sea para apreciar su cinematografía.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Mayhem

El virus ID-7 se está propagando, causando enrojecimiento en un ojo y una colisión interna de violencia y razón, convirtiendo a las víctimas en monstruos incontrolables capaces de una agresión extrema. Para Derek (Steven Yeun), el día comienza como cualquier otro, ocupándose de su trabajo en la firma de consultoría Towers & Smythe, reuniéndose con Melanie (Samara Weaving), una joven desesperada que intenta engañar al banco para proteger su casa de ser hipotecada. Haciendo un descubrimiento de que alguien está tratando de acusarlo por un trato fallido con un cliente crítico, la paranoia y la ira de Derek se amplifican pronto por un brote del ID-7, que lo lleva a un punto de ebullición, gracias al virus, mientras el edificio está en cuarentena, dejándolo encerrado en el interior con sus compañeros de trabajo y Melanie, que ofrece una asociación, mientras tratan de abrirse camino hasta el último piso para deshacerse de los ejecutivos que les causaron todos los problemas.

Primero fue The Belko Experiment, ahora esto, que es prácticamente la misma película pero con un virus. La película comienza con la premisa de que hay un virus que causa que los infectados pierdan inhibiciones y actúen según sus peores impulsos... convirtiéndose en salvajes. Incluso al principio muestran esto con bastante claridad, sin embargo, en su mayoría, el caos se encuentra contenido, mientras que convenientemente se suspende para que la historia se pueda desarrollar. Esto se hace con bastante torpeza y la película está llena de excentricidades que en su mayor parte se pueden ignorar, ya que finalmente se vuelve evidente que la sátira social, la acción y el equivalente de un mundo zombi (que a menudo desciende a la comedia) es el tema aquí.

Esta película está en una especie de "tierra de nadie" en lo que está tratando de representar y eso fue un poco extremo para mí. Me resultó difícil adentrarme en ella incluso mientras la miraba y disfrutaba mucho de lo que se estaba desarrollando. Teniendo en cuenta que no sabía qué esperar, me tomó un tiempo relajarme y disfrutarla. No me malinterpreten, entiendo que las películas puedan transformarse en algo extraño, inesperado e incluso fantástico y a menudo eso me gusta, pero esta me confundió por la secuencia de apertura, y eso no funcionó bien para mi experiencia inicialmente.

Ya dicho esto, la película es bastante entretenida. La trama podría funcionar mejor con un poco de trabajo, y el guión es demasiado caricaturesco incluso para la sátira que se presenta. También es bastante grosera en algunas partes, pero en realidad funciona razonablemente. Para ser justo, hubo algunos errores y bloopers en esta producción, pero también hubieron algunos actores pasables aquí y no diré que la dirección es mala, pero sí tuve la impresión de que los actores parecían estar en desacuerdo con lo que estaban haciendo en algunos momentos.

En general, es una producción de presupuesto razonable y, aunque la disfruté, no puedo evitar sentirme un poco frustrado por la trama desgastada y los personajes reciclados de otras películas. Tuvo demasiados clichés, algo de originalidad habría sido mejor, especialmente porque creo que eso es lo que parece se propuso con las escenas de apertura. Al final, Mayhem es una excursión decente a algo muy entretenido. Si están buscando una película de acción con mucha sangre, suspenso y pequeños indicios de comedia, pueden darle un vistazo.

Puntuación: 3 alcapurrias.