Review: Crazy Rich Asians

Rachel Chu (Constance Wu) es una profesora de economía enamorada de su novio cariñoso Nick Young (Henry Golding). Cuando se acerca una boda familiar, Nick decide aprovechar el momento para llevar a Rachel a Singapur a conocer a su madre, Eleanor (Michelle Yeoh), y sumergir a su amor en la vida que dejó, dándole un recorrido por la mega riqueza de la familia. Rápidamente abrumada por una gran vida que Nick no mencionó, Rachel se apoya en Lin (Awkwafina), su antigua compañera de cuarto en la universidad, como guía para lidiar con las clases sociales y el sentido de la moda de la ciudad, tratando de mantenerse al frente del juicio masivo hacia ella como una extraña sin un nombre familiar conocido. Cuando se acerca el gran día de la boda, Rachel se da cuenta de que está perdiendo la batalla para encantar a la familia de Nick, en especial a su madre Eleanor que no la soporta.

Basada en el best-seller del mismo nombre (que no he leído), Crazy Rich Asians cuenta la clásica historia de Cenicienta y la lleva a los tiempos modernos. Chico se encuentra con chica, chica se enamora de chico, y el chico resulta ser extremadamente rico. Hay vuelos de primera clase, bodas costosas y varias exhibiciones obvias de la gran riqueza asiática que la familia Young ha adquirido a lo largo de los años. La película también trata el tema subyacente de la cultura y las guerras de clase. El verdadero giro aquí es que la película presenta el primer elenco de actores asiáticos en una película de Hollywood en más de 25 años.

Después de leer, escuchar y ver que ha estado rompiendo records de taquilla, tuve que verla para saber de qué se trataba. Sin embargo, mis expectativas fueron altas gracias a todo lo anterior mencionado, y lamentablemente terminé un poco decepcionado. Primero, hablaré sobre lo que me gustó. El trabajo general de cámara y la cinematografía hicieron un trabajo increíble al resaltar los estilos de vida vibrantes de los personajes y mostrar la cultura china de una manera increíblemente asombrosa. Las tomas del horizonte de Singapur, así como las tomas más íntimas del mercado de la ciudad fueron espectaculares. Otra ventaja de esta película es la actriz Awkwafina, que interpreta un papel secundario. Ella fue la parte más divertida de toda la película y se robó cada escena en la que estaba. Sin embargo, el robo de escenas no sería particularmente difícil en esta película ya que la mayoría de las escenas se desarrollan con poca o ninguna comedia exitosa. La actriz principal, Constance Wu, ofrece una interpretación completamente plana que no transmite humor ni accesibilidad. Como el personaje principal, es un problema masivo que se le presente como un personaje no relacionable y sin vida. Ninguno de los otros actores hacen un mal trabajo, solo que no se les da mucho que hacer en términos de actuación o comedia.

También tuve algunos problemas narrativos con la historia. El personaje principal de Rachel va de escena en escena con cosas que le suceden en el camino, a lo que ella nunca responde hasta los momentos finales de la película. Se sentía muy unidimensional. Otro problema que tuve fue el exceso de relleno de los hilos en la trama. No quiero meterme en el territorio de los spoilers, pero pensé que muchas de las líneas de la historia estaban mal configuradas o no estaban relacionadas con el clímax de ninguna manera. La historia general está bien hecha, pero no rompe ni presenta ningún terreno nuevo, a pesar de tener personajes y un entorno que a menudo están sobrepresentados en la pantalla. Creo la historia podría haber funcionado bien si la comedia hubiera sido mejor, pero sentí que la mayoría de las bromas fueron flojas. Curiosamente, hubo una o dos escenas divertidas, pero creo que esto fue hecho de forma involuntaria. Las escenas parecían ser tomadas en serio, pero tenían un toque ridículo.

Sospecho que la razón por la cual esta película no fue exitosa para mí fue por no tener personajes convincentes o comedias frescas debido al tipo de estilo de vida que vivían los personajes. Aunque es visualmente atractiva con su cinematografía, muy pocas personas pueden relacionarse con multimillonarios asiáticos que se describen como realeza china. En general, la película funciona como una película romántica, no cruza demasiado en el reino cursi, pero tampoco se puede escapar de él. Tiene algunas escenas divertidas, entretenidas y, en ocasiones, encantadoras, pero la película también es un espectáculo de lo que se puede hacer con cantidades obscenas de dinero. Aún así, la presentación de la película es bastante obsoleta e incompleta. Al final, Crazy Rich Asians es una película decente pero muy sobrevalorada. Es divertida, pero no mucho, dramática, pero no mucho, y romántica, pero no mucho. Vale la pena echarle un vistazo, pero es mejor verla como una película de cita o simplemente esperenla en Netflix, Lifetime o The Hallmark Channel.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 2 De Octubre Del 2018

Sicario: Day Of The Soldado (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The First Purge (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Blood Fest

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 25 De Septiembre Del 2018

Solo: A Star Wars Story (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la exclusiva de Target que es DigiBook y trae un Millenium Falcon figure y la exclusiva del Disney Movie Club que trae un limited edition lithograph)

Gotti

Uncle Drew

Review: Mandy

En 1983 y viviendo una vida pacífica en Shadow Mountains, el leñador Red Miller (Nicolas Cage) está dedicado a su novia, Mandy Bloom (Andrea Riseborough), una artista apasionada por la fantasía y el terror. Mientras caminaba por el bosque un día, Mandy llama la atención de Jeremiah Sand (Linus Roach), el líder de The Children Of The New Dawn, un culto satánico que perdió contacto con la realidad hace mucho tiempo después de comprometerse a la dedicación del LSD. Haciendo un llamado a las criaturas de la oscuridad para secuestrar a Mandy, Jeremiah tiene planes para la nueva incorporación a su zoológico humano, ofreciéndole el mundo a cambio de su sumisión. Cuando ella se niega, Jeremiah la elimina frente a Red, dejando al hombre arruinado con nada más que su ira. Negándose a someterse al mal, Red se arma con armas y enfoca su furia en Jeremiah, comenzando un viaje a la locura para vengarse de aquellos que destruyeron todo lo que él amaba.

"Nada tiene ningún sentido. Eran motociclistas, psicópatas y... pura maldad." Esa es una línea de Nicolas Cage en la película y no hay mejor línea para describir esto a aquellos que no están listos para contemplar su majestuosidad. Esta película es puro heavy metal. No es lo que hoy en día pasa por metal, tratando en vano de asustar a las personas dentro de los centros comerciales desde los brillantes entornos negros de Hot Topic, sino el tipo de metal que te envuelve en su oscuridad. Desde los créditos de apertura con la canción Starless de King Crimson, las lentas escenas en la primera hora, hasta el momento en que aparece el título de la película en la hora y 15 minutos y transforma todo en una espiral sacada de una canción de black metal, esta no es una película influenciada por el metal o hace referencia a ella, simplemente se convierte en puro heavy metal. Esto es como si se miraran todos los detalles en la portada del álbum de Somewhere In Time de Iron Maiden. Esto es como si se perdiera la cabeza mientras uno mira lenta y fijamente un blacklight poster en la habitación y se espera a que el bajo, la bateria y el riff de la guitarra desaceleren lo suficiente para que comiencen los gritos en la canción.

Déjenme aclarar una cosa: Nicolas Cage es la única persona que podría estar en esta película. Nadie más podría traer una intensidad tan salvaje a esta película. En el fondo, Mandy es una historia simple. En 1983, el leñador Red Miller vive una vida tranquila en el bosque con su alma gemela, una artista llamada Mandy. Un grupo de "fanáticos homicidas de Jesús" la secuestra cuando su líder, Jeremiah, se enamora de ella. Cuando ella rechaza sus avances y tiene el descaro de reírse de él y su música, Jeremiah y su grupo desatan su furia al torturar a Red y prenderle fuego a su gran amor. Mientras las cenizas de Mandy caen entre sus dedos, vemos a Cage haciendo lo que mejor sabe hacer: darnos pura emoción cruda, gritos y sollozos mientras se limpia la sangre y ahoga el dolor con una botella de vodka en un baño al estilo de los años 70. La película obliga a uno a ver el dolor de Red mientras concentra sus energías y comienza a planear su venganza.

Más allá del heavy metal, Mandy también se inspira en las obras de arte de los libros de ciencia ficción y terror de los años 70. Este es el tipo de trabajo que solo surge cuando un artista tiene el control completo de su visión y ese artista es el director Panos Cosmatos. Esta es una película que reconoce que la única diferencia entre Arthouse y Grindhouse es donde se presentará. Siempre me pregunto si las películas todavía pueden sorprenderme después de toda la locura que he visto y presenciado. Me complace informar que Mandy me ha mostrado (con una escena) que aún me puedo sorprender. Alguna vez han visto una película en la que el héroe se encuentre con uno de los villanos inhalando cocaína y viendo pornografía de los años 70, y luego ser atacado por ese mismo villano con su miembro en forma de espada demoníaca? Alguna vez han visto al héroe cortarle el cuello al villano mientras se ríe como un lunático y la sangre se esparce por toda su cara y dentro de su boca? Y luego ese héroe decide inhalar algo de esa cocaína que sobra? Eso es sólo un poco de lo que esta película muestra. Más allá de la actuación de Nicolas Cage, también hay grandes actuaciones de Andrea Riseborough como Mandy, Linus Roach como un demente Jeremiah Sand, Richard Brake como The Chemist, cuyas drogas de LSD han establecido el culto de Children Of The New Dawn en un camino del que nunca pueden alejarse y Bill Duke en un breve papel como Caruthers.

En general, es una película que tiene motociclistas endemoniados, batallas con motosierras, secuencias animadas que hacen homenaje a la película animada Heavy Metal de 1981, parodias de comerciales donde duendes que parecen demonios vomitan macarrones con queso (me hizo reír histéricamente), baños interminables de sangre, y después de todo eso... los créditos corren en un silencio total. Y para ser honesto, es la mejor actuación y película de Nicolas Cage en mucho tiempo. Al final, Mandy es una película Grindhouse/Arthouse a la perfección. Esta es una obra maestra de colores y sonido. La película comienza un poco lenta, pero luego desata un infierno de emociones y horrores. Comparo esta película con las de Alejandro Jodorowsky y David Lynch, que te sumergen profundamente en sus extraños e interesantes mundos a los que otros no acudirían.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 18 De Septiembre Del 2018

Jurassic World: Fallen Kingdom (teniendo 5 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae unos Funko Pocket Pop! Keychains)

Yessongs - 40th Anniversary Special Edition

Review: The Predator

Mientras está en México en una misión, el francotirador del ejército Quinn McKenna (Boyd Holbrook) tiene un encuentro cercano con un Predator tras estrellarse su nave. Saqueando la escena del accidente, Quinn envía los artefactos espaciales a su P.O. Box en Texas, pero los artículos terminan en posesión de su hijo autista, Rory (Jacob Tremblay), que los estudia atentamente, aprendiendo cómo funcionan. Al ser arrestado y interrogado, Quinn se empareja con otros veteranos que no creen en su historia de un encuentro alienígena. Cuando el Predator escapa una base militar, Quinn se junta con Nebraska Williams (Trevante Rhodes), Coyle (Keegan-Michael Key), Baxley (Thomas Jane), Lynch (Alfie Allen) y Nettles (Augusto Aguilera) para atrapar y matar al alienígena. Uniéndose a la lucha está Casey Bracket (Olivia Munn), una científica específicamente entrenada para estudiar monstruos de otro mundo. Con su experiencia ayuda a los veteranos a identificar por qué el Predator ha venido a la Tierra.

La franquicia de Predator no es algo que los aficionados del cine recuerden con cariño, más bien es por la película original por sí misma. Por esa sola razón, no tenía muchas expectativas para esta última entrega, aparte del hecho de que Shane Black la escribió y dirigió. El es conocido por agregar una historia de amistad en sus películas, así que tenía curiosidad por ver qué haría aquí. Aunque no puedo decir que me divirtió mucho esta película, es una buena adición a la franquicia y los fanáticos del estilo de Shane Black probablemente disfrutarán de varios momentos. Personalmente, esta película no funcionó para mí como una película de Predator, más bien parece una película genérica de Shane Black.

La película tiene lugar después de los eventos de Predator 2. El personaje principal Quinn se va mano a mano con una criatura, pero puede escapar con artefactos de esta raza "recién descubierta". Siendo estos artefactos descubiertos por un niño llamado Rory, accidentalmente llama a la raza alienígena a la Tierra. A partir de ahí, como es de esperarse, se produce todo el caos. En términos de la acción que involucra la película, nunca encontré que se trajera algo nuevo. Claro, hay algunos momentos muy inteligentes en los que se utiliza el morbo, pero el Predator en sí es genérico como siempre. Dicho esto, hay algunos aspectos de la película que funcionaron en contra de esa noción. Nunca en mi vida pensé que vería una franquicia conocida por hombres llenos de testosterona y diría que la mejor parte de la película es un niño pequeño. Jacob Tremblay, junto con Boyd Holbrook son los que verdaderamente se destacan en términos de caracterización y actuaciones en general. Tristemente, aparte de Olivia Munn, el resto del elenco no tiene suficiente para hacer aquí. Durante toda la película se siente como si estuvieran presentes con el único propósito de proporcionar un alivio cómico, lo que me lleva a mi mayor queja sobre esta película.

Lamentablemente The Predator es más una comedia que una película de acción. Me reí bastante en varias ocasiones, pero esa fue la desventaja más grande de la película en retrospectiva. La franquicia de Predator ha sido conocida últimamente por tener acción cursi y diálogos poco serios, pero esta película fue una comedia por gran parte de su duración, con la acción tratando de parecer genuina y tratando de proporcionar algo. Este contraste no funcionó para mí y me encontré a mí mismo preguntandome que estaba viendo en múltiples ocasiones. La acción fue buena y la comedia fue divertida en ciertos momentos, pero esos dos elementos específicos parecían pertenecer a una película diferente.

En general, Shane Black ha dirigido una superproducción divertida, pero yo no la habría llamado The Predator. Si esta película hubiera reemplazado a los Predators con una raza alienígena diferente, creo que hubiera podido verla como una película de acción/comedia alienígena sólida de la mente creativa de Shane Black. En cambio, esta película es una adición muy confusa para esta franquicia, y como mencioné, no hubo nada nuevo para este universo. Desde la música (que es toda de la primera película) hasta la ejecución general de la acción, todo se sintió muy familiar. Al final, The Predator es más bien una divertida película de acción. Me divertí viendo esto por lo que era, pero el conjunto de los elementos antes mencionados no funcionó. Me decepcionó, pero aún así tuve una experiencia decente viéndola. Y como si fuera poco... el final da paso a otra secuela.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Studio 54: The Documentary

A finales de la década de 1960, Steve Rubell conoció a Ian Schrager en su fraternidad en Syracuse University y se convirtieron en amigos y socios comerciales para toda la vida. Juntos transformaron un antiguo teatro en la calle 54 en Manhattan, utilizado como estudio de televisión, en lo que esperaban que fuera una discoteca con espacios decadentes, luces elaboradas y un suministro interminable de brillo, sexo y drogas. Studio 54 se inauguró en abril de 1977 e inmediatamente se convirtió en el lugar más popular de New York, atrayendo prácticamente a todas las personas más famosas del mundo. Siendo un escape del mundo real, este era un lugar donde las celebridades y las personas podían ser ellos mismos sin temor a ser juzgados por raza, credo, color o identidad sexual. El director Matt Tyrnauer presenta los eventos cronológicamente, captando cómo se sentía dirigir un club que de repente se volvió tan popular que tuvieron que inventar un sistema de cuerdas y porteros exigentes. Durante dos años, el club fue la cumbre de la cultura pop. Luego, el estilo de administración de Rubell y Schrager los atrapó, ya que eludían las leyes de licencias de alcohol, suministraban drogas abiertamente y robaban dinero en efectivo para evitar pagar impuestos. El club cerró sus puertas en febrero de 1980 cuando Rubell y Schrager comenzaron condenas de un año en prisión por evasión de impuestos. Tras su liberación, intentaron revivir su antigua gloria en el negocio de los hoteles, pero todo terminó cuando Rubell muere en 1989 a causa de SIDA.

Al día de hoy, la música disco sorprendentemente recibe un trato injusto a pesar de ser uno de los movimientos musicales y culturales más importantes de los últimos 40 años. Es un género que ciertamente carece del respeto que merece, dado que proporcionó la base para la música electrónica y el rap, dos estilos que han dominado y moldeado el paisaje músical durante los últimos 20-30 años. A través de la popularización de la escena de los clubes, las discotecas también promovieron una inclusión que pocas veces se había visto antes, reuniendo a personas de color, hombres, mujeres y la comunidad LGBTQ en un espacio donde podían escapar del prejuicio cotidiano por ser ellos mismos.

Este documental repasa los inicios, auge y últimos años de la discoteca mundialmente famosa que se convirtió en el centro del mundo para artistas y muchas personas. Fue dirigida por Steve Rubell y Ian Schrager, dos hombres que entablaron una amistad de por vida después de conocerse en la universidad y decidieron hacer una fortuna creando un paraíso en un club nocturno. Schrager narra y reflexiona sobre las altas y bajas de su creación Studio 54 por primera vez desde su cierre en 1980, ya que Rubell falleció debido a complicaciones relacionadas con el SIDA en 1989. Schrager es la voz dominante en todo, pero se le unen varios empleados que ayudaron a dar vida a la discoteca, incluidos escenógrafos, diseñadores de iluminación, cantineros y porteros.

Studio 54 salió de las cenizas de un viejo estudio de CBS ubicado en una zona de mala reputación en New York, que resultó ser una bendición dado el diseño de su infraestructura. A pesar del espléndido diseño del escenario, lo que no tuvieron tiempo de asegurar antes de abrir fue una licencia de licor, en lugar de ello, trabajaron en torno a ella con una serie de permisos de catering de una sola noche, una decisión que al final acabaría con la discoteca. El sueño de Rubell y Schrager era crear la mejor experiencia dentro de una discoteca y desde el pandemonium de la noche de apertura hasta su cierre 33 meses después, Studio 54 se convirtió en el lugar para estar no solo en New York, sino en todo el país y en todo el mundo. Fue el lugar favorito de las celebridades del momento, dando la bienvenida a todos los actores, artistas y músicos famosos imaginables (incluso se ve a un joven Michael Jackson de 21 años hablando sobre el lugar). Su política de entrada selectiva también dejó cientos de personas afuera casi todas las noches, ya que el personal encargado de la entrada escogía a mano una mezcla de personas jóvenes y bellas, ricas y famosas para entrar a la fiesta de puertas cerradas.

El director Matt Tyrnauer también nos muestra una fantástica selección de imágenes antiguas de dentro y fuera de la discoteca, pietajes raros y una amplia cantidad de fotografías que nos transportan directamente a las embriagadoras noches de Studio 54. El sexo y las drogas fueron esenciales para crear el aura hedonista que rodeaba a Studio 54 y hay muchas historias que se cuentan al respecto. Schrager admite que la arrogancia de él y Rubell fue la culpable de la caída de la discoteca luego de una incursión del Servicio de Rentas Internas que los acusó de posesión de drogas y robar entre 2 y 3 millones de dólares. Gracias a eso fueron condenados a tres años de prisión (pero solo cumplieron uno), y en última instancia, Studio 54 cerró. Al mismo tiempo que la discoteca estaba cerrando, ocurre el Death To Disco Demolition Night (que se muestra), la llegada del SIDA, y el comienzo de la época del presidente Reagan. Al salir de la carcel, el estilo emprendedor del dúo los vio dirigirse hacia la industria hotelera, lanzando y eventualmente creando la frase
"boutique hotels". Tristemente Steve Rubell falleció antes de que realmente pudiera disfrutar de todos los logros y beneficios de su nuevo imperio.

En general, el documental captura de primera mano la experiencia del emblemático y mítico Studio 54. Definió una era de las discotecas y evocó una genuina sensación de glamour y admiración que los imitadores no han logrado capturar, incluso al día de hoy. Fue un atractivo abrumador para la comunidad gay y transgénero, quienes fueron perseguidos sin piedad en las calles de New York, pero que descubrieron una comunidad de aceptación en el interior de la discoteca, asi fuera con el amor y espíritu de la gente o de la música. Al final, Studio 54: The Documentary logra condensar de forma impresionante en 1 hora y 38 minutos esta iluminadora historia real de triunfo y tragedia con muchos de los éxitos más grandes de la era de la música disco. Studio 54 fue un momento y una experiencia como ninguna otra en la historia reciente, y era el lugar para estar (si podias entrar por la puerta). Es un excepcional documental y historia sobre la icónica discoteca.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Hotel Artemis

El año es 2028, y Los Angeles está cerrado debido a disturbios en toda la ciudad sobre el control del agua potable. Para los delincuentes, el día exige que todo siga igual, excepto para Waikiki (Sterling K. Brown), ya que necesita apoyo médico luego de un fallido robo en un banco con su hermano Honolulu (Brian Tyree Henry), que está a punto de morir después de recibir algunos disparos de la policía local. Los hombres buscan ayuda en el Hotel Artemis, un hospital secreto para delincuentes, donde los miembros pueden ser curados ​​por The Nurse (Jodie Foster) y seguir su camino sin preocuparse por la policía. Ya ahí se encuentran Niza (Sofia Boutella) y Acapulco (Charlie Day), lo que hace que la llegada de Waikiki provoque una gran perturbación en el orden de las cosas. Mientras The Nurse y su asistente, Everest (Dave Bautista), comienzan a trabajar en sus pacientes, los problemas llegan en la forma de una policía, Morgan (Jenny Slate), que conoce a The Nurse, mientras que el dueño del Hotel Artemis, el temido Wolf King (Jeff Goldblum), se dirige hacia el edificio para recibir atención médica.

Se podría decir que Hotel Artemis tiene una conmoción cinemática desde su estructura de la historia hasta el ritmo. Sin embargo, es muy divertida. Esto se debe principalmente a que tiene un elenco al que se le asignan roles en los que se pueden destacar. Es una variedad tan extraña de actores los que se unen para crear una película con estilo que parece familiar pero única al mismo tiempo. Hay reglas en el Hotel Artemis, ya que es un hospital secreto y de alta tecnología para el bajo mundo en Los Angeles. Para ser miembro de este hospital élite, se debe respetar al personal y a los demás pacientes, del mismo modo que The Continental de John Wick tiene reglas. Es un terreno neutral donde los egos, rencores y armas deben ser revisadas ​​en la puerta. La razón de estas reglas es porque alberga una extraña variedad personajes coloridos y de todos los ámbitos de la vida. Lo único que todos comparten en común es que son lo peor de lo peor cuando se trata de tratos sucios.

Jodie Foster interpreta a The Nurse, que dirige el Hotel Artemis. Ella es una mujer alcohólica que hace tiempo perdió su licencia médica, pero no sus habilidades cuando se trata de salvar las vidas de aquellos que probablemente no deberían ser salvados. Atormentada por la muerte de su hijo, no ha puesto un pie fuera del hotel por décadas debido a una terrible ansiedad paralizante. A pesar de esto, ella no es tonta y es muy cuidadosa, lo que la hace no dudar en llamar a su enfermero/guardaespaldas, Everest, interpretado por Dave Bautista, para expulsar a aquellos que no sean miembros del hospital. Su personaje es la pieza escencial de la película y de la que toda la trama y todos los personajes se basan. El resto del elenco es bastante bueno. Sophia Boutella interpreta a una asesina hermosa y mortal, Sterling K. Brown interpreta a un ladrón de bancos, y Charlie Day interpreta a un odioso traficante de armas. Los tres están en total desacuerdo, dado que el hotel alberga delincuentes en los que no se puede confiar, y para empeorar las cosas, están ocurriendo disturbios en toda ciudad de Los Angeles. Afortunadamente, hay honor entre ellos, pero eso no dura por mucho tiempo.

Mientras que los actores hacen lo mejor que pueden con los roles que se les asignan, el ritmo y la cinematografía se sienten un poco flojos en algunos momentos. Hay tanto interés en poner juntos a los protagonistas, que la amenaza que terminan enfrentando al final de la película no parece que realmente valga la pena. A pesar de los problemas cinematográficos que enfrenta la película, es divertido ver los acontecimientos desarrollarse. Eso no quiere decir que Hotel Artemis sea una gran película, porque definitivamente no lo es. Sin embargo, es una película divertida. Es una película que es entretenimiento sin sentido con suficientes conceptos interesantes (desde nanotecnología médica hasta órganos de impresión 3D) para mantener a uno intrigado con lo que está sucediendo. En general, es una película con grandes personajes y unas premisas interesantes, tanto así que casi se siente desperdiciada. Dicho esto, sigue siendo una película que disfruté mucho viendo. Al final, Hotel Artemis no es una película para todos, pero definitivamente les encantará a aquellos que disfrutan de películas de acción "trashy" con actores confiables y talentosos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Elizabeth Harvest

Elizabeth (Abbey Lee Kershaw) y Henry (Ciarán Hinds) son una pareja de recién casados ​​que llegan a una casa futurista donde hay una gran cantidad de ropa de lujo, incluso cenas lujosas y donde cualquier deseo o necesidad podría cumplirse para la nueva novia. Sin embargo, Elizabeth tiene un presentimiento negativo, y sus sospechas se complican aún más cuando Henry decreta que en la casa ella tiene libertad para hacer lo que quiera y entrar a todas las habitaciones, a excepción de una que Henry le prohíbe entrar. Las cosas no son tampoco color de rosa gracias a Claire (Carla Gugino) y Oliver (Matthew Beard), el personal de la casa, que aparentemente la observan desde lejos en cualquier momento dado. Cuando Henry se va en un viaje de negocios, Elizabeth naturalmente investiga la habitación a la que se le ha prohibido entrar. Lo que encuentra en su interior es impactante y cambiante para ella.

Elizabeth Harvest es una película un poco rompe cabeza, con algunas escenas escalofriantes, y que puede tener algunos vínculos con títulos más innovadores, pero deja una serie de preguntas duraderas y preocupantes. En su noche de bodas, la joven y hermosa Elizabeth es llevada por su esposo Henry, un genio extremadamente rico, a una mansión moderna con sirvientes devotos desde hace mucho tiempo. A Elizabeth la escoltan por la elegante casa diciendole que todo lo que ve es suyo, que es libre de ir y hacer lo que le plazca, y que su huella digital es una llave biométrica para cualquier habitación de la casa... excepto una, que le dicen que lo que hay adentro es solo para Henry y que nunca debe entrar. Naturalmente, cuando Henry se va a un viaje de negocios, el aburrimiento y la curiosidad finalmente la abruman y decide ver que hay. Gran error. Lo que ella encuentra es nada menos que un cuarto de horrores.

Mencionar el nombre de la película fácilmente se sentiría que casí estoy regalando toda la trama, pero basta decir que incluso cuando todo se siente ampliamente conectado, el director Sebastián Gutiérrez crea un estilo audaz de cinematografía nostálgica y de imágenes postmodernas tecno-noir que le dan a esto un toque visual sensacional. Es un deleite cinematográfico para los cinéfilos que ansían un desafío. Como The Shining de Stanley Kubrick o The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson, la casa es un personaje propio, con pasillos fríos, salas llenas de ventanas y innumerables escaleras con colores y formas brillantes que visten todo en una especie de angustia y inquietud. Gutiérrez transporta a todos a una pesadilla laberíntica que ciertamente se establece en un tono más expositivo a mitad de la película cuando literalmente explica todo, lo que se siente un poco innecesario, especialmente teniendo en cuenta lo bien que se cuenta la historia con imágenes y un diálogo cuidadoso.

La historia ofrece mucho ya que cada personaje tiene que jugar diferentes áreas de su personalidad. Nadie es bueno o malo, básicamente todo se trata de elección y razonamiento. Para mí, Carla Gugino es quién da la mejor interpretación. Sin embargo, Ciarán Hinds y Matthew Beard también ofrecen actuaciones notables, especialmente Hinds que es impresionante. Abbey Lee Kershaw tiene el papel principal, pero también es el factor más débil en este fuerte elenco. Para ser justo, se supone que debe comportarse como una joven inocente, asi que no se le puede culpar por hacer exactamente eso. Hacia el final, sus escenas se vuelven cada vez más intensas y ciertamente ella crece con su personaje.

En general, esta es una experiencia visual audaz que explora una narrativa comprometedora con secuencias creativas que golpean con sorprendente fuerza, y en parte tiene reminiscencias de varias películas experimentales de la década de los años 70. Al final, Elizabeth Harvest es definitivamente algo diferente. Es una fantasía oscura, violenta, sexual y científica que es interesante, entretenida y atractiva visualmente.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Textless De La Semana

The Predator

Review: KIN

En Detroit, Elijah (Myles Truitt) es recientemente suspendido de la escuela por pelear, lo que molesta a su padre, Hal (Dennis Quaid), que ha tenido dificultades para criar a su hijo después de la muerte de su esposa. A sus vidas llega Jimmy (Jack Reynor), el hijo mayor de Hal saliendo de una prolongada sentencia en la cárcel, y enfrentando a un padre que se dio por vencido con él. Jimmy está en problemas con el gángster local Taylor (James Franco), al ser incapaz de pagar una deuda sustancial. Cuando un robo planeado en el negocio de construcción de Hal falla, Jimmy se lleva consigo $60,000, sin darse cuenta, y fugandose con Elijah. Haciendo planes para cruzar el país, Jimmy y Elijah dan pasos tentativos hacia una relación más cercana como hermanos. Sin embargo, el preso en libertad condicional no puede controlar sus impulsos, y cuando Jimmy comienza a crear problemas nuevamente con su dinero recién descubierto, Elijah se pone en la posición de protección, armado con un rifle alienígena que encontró dentro de una fábrica abandonada. El poder del rifle envía una señal a los verdaderos dueños para que puedan recuperarla, mientras que Taylor está detrás de Jimmy con sed de venganza para cobrar la deuda.

Siempre estoy preparado para ver una película original de ciencia ficción. Siendo este uno de mis géneros favoritos del cine, tuve que ver de qué se trataba esta película. Los buenos elementos de esta película son la fotografía, la dirección, los efectos de sonido y sobre todo la actuaciones. James Franco interpreta a un espeluznante y atemorizante líder criminal, Jack Raynor es muy convincente como el hermano mayor que está fuera de control, y a pesar su poco tiempo en pantalla, Dennis Quaid interpreta muy bien su papel como un padre sobreprotector. Pero es Myles Truitt el que brilla con su buen desempeño. Si no fuera por su actuación esta película no hubiera funcionado.

Ahora... los puntos negativos. Esto es una película de ciencia ficción/drama con alguna que otra escena de acción que creo que decepcionará a mucha gente, por qué?, les diré por qué... la promoción. El trailer hace que esta película sea una película de acción de alto ritmo cuando realmente no lo es. Hay acción en ella, pero todo es al final. Para mí no es algo malo que tenga una historia emocional con un fondo de ciencia ficción, pero me hubiera gustado que hubieran comercializado la película de esa manera. Siempre me han gustado las películas de ciencia ficción que se ocupan de las emociones humanas reales y esta película lo logra. No trata de apresurarse creando mucha acción, ya que tiene una historia que contar primero.

El error mas grande en la película es el clímax y el final. El clímax de la acción final fue atractivo y algo divertido de ver, pero una vez que se piensa en la lógica de la situación, la suspensión de la incredulidad se esfuma. Veo lo que estaban tratando de hacer con la escena de acción, pero parecía que no se pensó por completo. Luego, con todo el drama humano a lo largo de la película que es muy interesante, estaba feliz de pensar que iba a obtener una gran recompensa de ciencia ficción al final. Lo hace, pero de una manera muy insatisfactoria. Se obtiene una explicación vaga y se siente que acabas de entrar en otra película. Además, la mayor decepción para mí es que deja la puerta abierta para una secuela.

Pensé que eso fue muy decepcionante porque quería llegar a una conclusión sobre esta historia en la cual estuve envuelto por 1 hora y 42 minutos. Quería respuestas a lo que estaba sucediendo, no una explicación vaga de cosas que no entiendí. Creo que el final hubiera funcionado mejor si dejaran pistas a lo largo de la película que nos llevaran a esta vaga explicación. Hay una pista, en realidad, pero solo se toca una vez y desearía que se hubiera explorado más. Supongo que debemos esperar una secuela para obtener más respuestas. En general, vale la pena verla? sí. Es un espectáculo cinematográfico? tristemente no. Si esta película se convierte en un pequeño éxito y genera una franquicia, creo que las secuelas no captarán el drama humano y la maravilla de esta primera película. Al final, KIN es una película de aventura mezclada con los géneros de ciencia ficción, drama y las películas de persecución. Los personajes tienen profundidad, tiene algunas sorpresas y tiene un elenco sólido con actores como Dennis Quaid, James Franco y Zoe Kravitz. Aquí se presenta y se construye un mundo, pero creo que esta película se habría construido mejor en el mundo de Netflix.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: The Nun

Una monja se suicida en una remota abadía en el medio de Rumanía en 1952, y el Vaticano quiere saber por qué una alma tan pura cometería un acto así. Los funcionarios de la iglesia le ofrecen voluntariamente al padre Burke (Demian Bichir) que haga el viaje a Rumanía, emparejándolo con la joven hermana Irene (Taissa Farmiga), que está a punto de tomar sus votos. Al llegar cerca de la abadía, la pareja conoce a Frenchie (Jonas Bloquet), el jóven que descubrió el cadáver de la monja muerta, lo que lo convierte en un guía ideal en una tierra posiblemente maldita. Trabajando su camino alrededor de la propiedad, los detectives sagrados hacen una conexión con la hermana Oana (Ingrid Bisu), quien se ha convertido en testigo de la creciente locura y miedo dentro de la abadía, siendo la principal amenaza del demonio Valak (Bonnie Aarons), que se esconde en las sombras, asesinando a los que se atreven a enfrentar los terribles secretos de la abadía.

Comenzaré diciendo que vale la pena ver la película por el factor de entretenimiento. Hay algunos momentos en los que Valak se retrata de una manera que se siente cuán grande y poderosa es. Se sentirán sin esperanza, al igual que los personajes, pero desafortunadamente estos momentos son escasos. Como seres humanos, encontramos la oscuridad atemorizante, la odiamos porque no podemos ver correctamente y porque es un territorio desconocido. Esto es lo que impulsa una buena película de terror, ya que no se sabe que va suceder ni de dónde vendrá el factor de miedo. Lamentablemente The Nun no logra transmitir este horror de lo desconocido ya que en casi todas las escenas vemos qué es lo que debería aterrorizarnos.

La cantidad de veces que vemos un primer plano de la cara de Valak quita el miedo que este personaje nos había dejado durante las películas de The Conjuring. Quizás fue la poca exposición y la oscuridad que rodeaba a este personaje lo que la hacía tan tremendamente aterradora e interesante en esas películas. En cierta manera me recordó a la cara de Pazuzu en la película original de The Exorcist, que no se ve mucho, pero cuando lo vemos nos aterra, porque no podemos decifrar todas las características de su rostro, ya que siempre está rodeado de oscuridad. Valak es descaradamente obvia, y su grito a la cámara hace que se sienta más como si se estuviera viendo The Mummy que a The Nun.

Luego está el guión. El añadir un personaje cómico es una buena idea, pero rara vez es divertido. La historia es un poco básica y repetitiva con un pasaje al infierno... otra vez, un demonio que necesita un cuerpo... otra vez, y un pasado que persigue a los personajes... otra vez, simplemente no ofrece nada que ya no se haya visto. Los sustos incluso se sienten como si supieran que uno sabrá que llegarán, por lo que solo intentan atacar desde una posición diferente a la esperada. Por ejemplo, la cámara hace un giro de 360 grados esperando que ocurra algo, no sucede y luego de repente algo cae desde arriba.

En general, la película decepciona. La historia es básica y los momentos de humor son tan risibles que hacen que la película sea algo que no esperaba en lo absoluto. Desafortunadamente su atmósfera y escenas horripilantes simplemente no pueden levantar esta película más allá de ser clasificada como otra película de terror. Al final, The Nun tenía un gran potencial para recrear la experiencia terrorífica de la franquicia de The Conjuring, pero por desgracia no pudo hacerlo.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Alpha

Hace 20,000 años, en Europa, Tau (Johannes Haukur Johannesson) es un líder tribal que supervisa el proceso de iniciación para la próxima generación de cazadores. Incluido en este grupo está Keda (Kodi Smit-McPhee), su hijo y un adolescente asustado que no sabe si tiene lo que se necesita para convertirse en un guerrero para su gente y participar en las tradiciones masculinas. Estando en una caza cerca del borde de un acantilado, Keda queda gravemente herido, y Tau creyendo que esta muerto, llora la pérdida de su único hijo. Sin embargo, Keda vuelve a la vida, y al darse cuenta de que lo han dejado atrás y con un pie lesionado, se ve obligado a emprender un arduo viaje a casa. Junto al niño está Alpha, un lobo que comienza a respetar al humano mientras cruzan el peligroso paisaje juntos, trabajando para recoger comida y defenderse de los ataques de varios depredadores. Al convertirse en amigos, Keda llega a pensar en Alpha como su hermano, con el par tratando de sobrevivir condiciones imposibles y cruzando terrenos peligrosos para volver a casa.

Alpha es una película de aventura histórica visualmente deslumbrante que trata sobre el coraje y la supervivencia. Esta película tiene algunas excelentes tomas de cámara y un escenario que muestra el viaje de un joven a través del paisaje Paleolítico de Europa. Los efectos visuales son increíbles y es una película hermosamente filmada, pero por desgracia es extremadamente aburrida. Tiene una trama de aventura y supervivencia de un joven que está aprendiendo a redimirse a sí mismo, ya que otros lo han despreciado. Con un tobillo roto aprende a encender un fuego, come lo que puede encontrar, y entrena a un lobo que lo acompaña durante este viaje. También tiene algunos efectos de CGI cuestionables con algunos animales que no parecen creíbles. Esto es una película con subtítulos ya que intenta estar un poco cerca de que los personajes hablen un lenguaje prehistórico, pero no es algo que distrae. No hay casi diálogos en la película pero si un lenguaje más corporal con las acciones de los personajes.

La película comienza con Keda en una expedición con su padre y la tribu, y encuentran otra tribu para prepararse para una cacería. La película frena el ritmo en el segundo acto cuando Keda se encuentra con el lobo y pasan un largo tiempo en una cueva mientras trata de recuperarse de su pierna y el perro está tratando de recuperarse de una herida causada por un cuchillo. Ademas, Keda trata de enseñarle al lobo a tener paciencia cuando llega la hora de comer. Luego aumenta un poco el ritmo cuando Keda intenta volver a su casa antes de que llegue la nieve. Una cosa que no me gustó es que no hay una sensación de conflicto con Keda durante toda la película. Todo fue resuelto fácilmente. Keda se encuentra tratando de mantenerse caliente durante una tormenta de nieve, se encuentra con lobos, hienas, un tigre y el clímax es Keda tratando de sobrevivir para llegar a su tribu. Uno se queda pensando si eso fue todo, y lamentablemente lo es.

En general, es una película con unos efectos visuales y una dirección bellamente realizada. Te da una sensación de aventura y la cinematografía fue genial, pero la película sufre de un segundo acto y un clímax con un ritmo lento y ningún conflicto con la trama. Al final, Alpha es buena en lo que respecta al hermoso espectáculo visual que es. El mundo prehistórico está vivo con detalles increíbles y el lobo adorable de Alpha (ya sea CGI o real) se roba por completo el espectáculo. Sí, la historia no es la más única, y es bastante predecible gracias a los trailers. Hay algo de suspenso, pero en general es una película de aventura bastante floja. Vale la pena verla? Por los efectos visuales sí, pero tristemente por la historia no puedo recomendarla.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 11 De Septiembre Del 2018

Ocean's 8 (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Rolling Stone: Stories From The Edge

The Big Bang Theory - The Complete Eleventh Season

Review: Down A Dark Hall

Después de que su rebeldía la lleva a los aspectos más oscuros de la destrucción, Katherine "Kit" Gordy (AnnaSophia Robb) tiene pocas opciones cuando sus padres deciden enviarla a Blackwood Boarding School, esperando que la disciplina y la distancia puedan ayudar a su comportamiento. Tratando de instalarse en su nuevo entorno, Kit se encuentra con Veronica (Victoria Moroles), Izzy (Isabelle Fuhrman), Ashley (Taylor Russell) y Sierra (Rosie Day), mientras Madame Duret (Uma Thurman) mantiene el orden y a las chicas en un apretado calendario de educación artística. A medida que Kit se acostumbra a la rutina, se encuentra floreciendo durante las clases de piano, logrando hacer piezas virtuosas sin plena conciencia de lo que está sucediendo. A medida que las otras adolescentes comienzan a desarrollar sus habilidades, y llevándolas a la locura, Kit siente algo acerca de la escuela, usando su ingenio y su paranoia para investigar a Madame Duret y explorar el edificio, que es hogar de siglos de oscuros secretos.

Las cosas comienzan bastante bien, ya que la película se inclina hacia la construcción de un ambiente de suspenso. A diferencia de las típicas ofertas de terror en este tipo de lugares, la sensación es más victoriana que gótica, pero predomina el ambiente muy oscuro. La falta de electricidad de la casa permite que las velas nos den luz, y el diseño bizantino del lugar permite suficiente espacio para actividades espeluznantes. Uma Thurman trabaja muy bien como la directora enigmática del internado, aunque en algunos momentos casi me hacen preguntarme si el papel habría sido más adecuado para otra actriz. AnnaSophia Robb, a pesar de tener 25 años, trabaja bastante bien como el personaje central, aportando la suficiente madurez para interprtear a Kit como una chica de gran voluntad que todavía tiene algo que demostrar. Y hay algo acerca en la forma en que Rebecca Front interpreta a la señorita Olonsky, el "músculo" de Thurman, ya que raramente habla pero es sumamente ágil y fuerte.

El director Rodrigo Cortés mantiene muy bien el tono de la película, gracias a los visuales y a una cinematografía llena de sombras. Todo tiene un buen ritmo... hasta que empieza el tercer acto. La revelación de los "dones" de las chicas ocurre de manera relativamente gradual, pero la revelación completa de las intenciones de Thurman llega con bastante rapidez, y todo el tercer acto se siente como que la trama se extendió innecesariamente por el bien del drama y la acción. Si los escritores se hubieran tomado su tiempo y hubieran hecho todo mucho más pausado y relajado, creo que la película no habría fallado casi al final de la manera en que lo hace. Hay muchos aspectos positivos en su premisa, pero la película simplemente no puede mantener su propio ritmo, lo que resulta en una especie de derrumbe. No es solo el ritmo, la atmósfera también se desmorona cerca del final, los sustos repentinos se convierten en la norma y los personajes entran en actos y diálogos francamente ridículos.

En general, la premisa es intrigante, la cinematografía y los escenarios son hermosos, los actores son bastante buenos, pero faltaba más historia y desarrollo de los personajes. El primer acto fue prometedor, el segundo fue cuestionable y al final simplemente todo se cayó. No tengo duda de que muchas de las cosas que suceden sonaron bien en página, pero las visualizaciones simplemente no se traducen de la manera mas correcta. Al final, Down A Dark Hall es dos tercios una película de terror atmosférica sólida y un cuento de fantasmas victoriano, pero lamentablemente el final deshace casi todo lo positivo que la precedió.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: A.X.L.

Miles (Alex Neustaedter) aspira a ser un campeón de motocross, pero sus sueños están fuera de su alcance, tratando con equipos inferiores y con el ego del campeón Sam (Alex MacNicoll). Su padre y mecánico, Chuck (Thomas Jane), apoya a su hijo, pero espera que tenga un futuro universitario, tratando de empujar a Miles hacia una vida más segura. Cuando Sam hace una broma para humillar a Miles al dejarlo en el desierto, el joven accidentalmente se encuentra con A.X.L., un perro robótico que se está escondiendo de algo y preparándose para autodestruirse. A.X.L. reconociendo las buenas intenciones de Miles, y estando en muy mal estado, acepta que lo repare, comenzando así una amistad. Ayuda adicional viene en la forma de Sara (Becky G), cuya vida también está enredada en el mundo de Sam. Mientras Miles y Sara exploran qué A.X.L. puede hacer, tratan de ocultar su presencia de los demás, el creador del perro, Andric (Dominic Rains), y el ejercito de Craine Systems quieren recuperar su invención, monitoreando la conexión especial de Miles con A.X.L.

A.X.L. trata sobre un adolescente que está muy interesado en las carreras de motoras. Se encuentra con un perro robótico de nivel secreto con un sistema sofisticado de inteligencia artificial que finalmente se hace amigo de él. El le enseña cómo ser bueno y distinguir lo correcto y lo incorrecto. Sin embargo, el gobierno y los creadores comienzan a interferir. No esperaba nada espectacular de esta película y por lo que pude deducir de los trailers, parecía otra película para niños. De alguna manera, no estaba equivocado, y creo que los niños la disfrutarán. Es una película hecha de manera competente, con una buena cinematografía, un ritmo decente, y una trama mucho mejor de la que se merece.

Sin embargo, esta película sufre de algunos problemas. Por ejemplo, tiene una trama romántica entre el personaje principal de Miles y Sara que no me lo creí en lo absoluto. Como tal, me resultó imposible que los personajes estuvieran enamorados. No comparten ninguna química real, es solo una trama secundaria inútil que se siente forzada. Otro gran problema es el líder masculino, su actuación es simplemente mala. Apenas muestra emoción o carisma en su actuación durante todo el tiempo de duración de la película. La co-protagonista sufre de simplemente no tener una personalidad distinta, aparte de ser una artista de graffiti. Por lo menos Miles tiene algunos rasgos memorables, como saber reparar una máquina, pero Sara no tiene carácter. No me malinterpreten, su actuación no es tan mala, pero se ve muy obvio que Becky G está intentado sobresalir con este papel.

En general, es una gran idea en concepto pero severamente deficiente en su ejecución y las actuaciones. El final queda abierto para una secuela, pero tengo la sospecha de que no van a recuperar el dinero de esta película, pero nunca se sabe. Al final, A.X.L. no tiene la mordedura de una película de acción, pero sin duda consigue la naturaleza de película familiar que quería. Mientras que el giro de un perro robótico está ahí, el resto de la trama es predecible y necesitaba un poco mas de ajustes, principalmente en el conflicto final. En definitiva, esta historia hubiera sido mejor como una serie de televisión o posiblemente en algún otro medio de entretenimiento.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Textless De La Semana

The Nun

Review: If I Leave Here Tomorrow: A Film About Lynyrd Skynyrd

If I Leave Here Tomorrow: A Film About Lynyrd Skynyrd cuenta la historia de la banda a través de imágenes, entrevistas recientes y de archivo. Desde Free Bird hasta Sweet Home Alabama, y ​​más allá, las raras entrevistas y materiales de archivo nunca antes vistos cuentan la historia de la banda que llegó desde Jacksonville, Florida a Muscle Shoals Sound Studio en Sheffield, Alabama. Más allá de las canciones, hay un momento crucial en la historia de la banda que, aunque emotivo, debe discutirse: el accidente aéreo de 1977 que mató al vocalista Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la vocalista Cassie Gaines. Gary Rossington es el último miembro fundador que todavía toca con la banda, por lo que es natural que sirva como narrador de la película de alguna manera. Es una forma de que él ofrezca sus pensamientos y recuerdos. Rossington se une a Johnny Van Zant en una gira por algunos de los sitios más importantes de la historia de la banda. El joven Van Zant reemplazó a su difunto hermano cuando la banda se reunió en 1987.

A través del material de archivo, hay algunas trivias divertidas de la banda. Originalmente se llamaron One Percent, pero no fue hasta 1969 en que se decidieron por el nombre que resistió el paso del tiempo. Si no fuera por Al Kooper, de Blood, Sweat, And Tears, que firma la banda con su sello Sounds Of The South, no se sabe qué futuro hubieran tenido. Su mayor oportunidad llegó cuando abrieron para The Who a sugerencia de Kooper. Free Bird se suponía que era "una simple canción de amor", pero se convirtió en una de sus canciones más legendarias, y gracias al solo de guitarra de Allen Collins, la canción pudo durar de seis a veinte minutos.

Otro tema importante que se discute es el uso que hace la banda de la bandera confederada como parte de sus espectáculos. Es algo muy controversial y eso es evidente. Rossington reconoce el odio que representa la bandera pero reconoce que solo querían tocar música sureña y dejarle saber al público que eran del sur de los Estados Unidos. No sería una historia completa sin contar la historia detrás de la respuesta de la banda a Neil Young en Sweet Home Alabama. Además, este documental usa material de archivo nunca antes visto y aprendí mucho sobre una banda que creía conocer.

En general, es un documental fascinante, aunque el tiempo de duración de 1 hora y 37 minutos podría ser considerado algo corto. Este es un documental muy bien hecho con mucha información, sin embargo, algunas cosas se omiten especialmente en los últimos años con los sobrevivientes después del accidente. Me hubiera encantado haber tenido más información sobre The Rossington Collins Band, que fue la banda que Gary Rossington y Allen Collins formaron después de Skynyrd con Dale Krantz como cantante principal. Desafortunadamente, eso se menciona brevemente, como lo es la gira del Tribute Tour de 1987 y no se menciona el accidente automovilístico de Allen Collins que lo dejó paralizado. Al final, If I Leave Here Tomorrow: A Film About Lynyrd Skynyrd rinde respetuosamente el homenaje adecuado que esta gran banda merece de los miembros originales a los miembros actuales. Lynyrd Skynyrd era una banda sólida como una roca y su leyenda y música aún resuenan con fuerza y ​​relevancia. Este documental arrojará luz sobre las raíces de la banda, su estatus cómo iconos del Southern Rock, y las altas y bajas de la banda con gran claridad. Hay algo que se puede aprender en este documental, incluso para el fan más devoto.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 4 De Septiembre Del 2018

Hereditary

Ghost Stories

Hocus Pocus - Anniversary Edition (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target, y la exclusiva de FYE/SPEC'S que trae unas glow in the dark postcards)

Adrift

Led Zeppelin: The Song Remains The Same (Septiembre 7)

Woody Woodpecker