Review: Knives Out

Harlan Thrombey (Christopher Plummer), un famoso autor de historias de misterio que vive en una majestuosa casa, acaba de celebrar sus 85 años con su familia, terminando las festividades con un suicidio en su estudio al cortarse la garganta. Si bien la noticia sacude a toda la familia, preguntas deben ser respondidas, con el Detective Elliot (Lakeith Stanfield) llegando al lugar para entrevistar a los hijos de Harlan, Linda (Jamie Lee Curtis) y Walt (Michael Shannon), y su familia extendida, incluido su cuñado Richard (Don Johnson), su nuera Joni (Toni Collette) y su nieto Ransom (Chris Evans). Observando la investigación está Benoit Blanc (Daniel Craig), un investigador privado contratado para explorar el extraño final de un hombre aparentemente querido. Uniéndose a la policía mientras buscan pistas en la casa, Blanc aprende más sobre la familia y la vivienda, ya que inspiró muchos de los mejores best sellers de Harlan. En pánico por toda la situación está Marta (Ana de Armas), la enfermera privada de Harlan que presenció cosas esa noche que no puede procesar por completo, y que trata de esquivar la atención de Blanc para proteger a su propia familia inmigrante.

Siempre es genial ver una divertida película de misterio/asesinato. Después del lanzamiento del remake de Murder On The Orient Express (2017), ahora tenemos una nueva película titulada Knives Out. Hacer una película de quién lo hizo teniendo lugar en tiempos modernos es bastante ambicioso, ya que es un estilo de película reconocido principalmente por su ambientación en el pasado. Escrita y dirigida por Rian Johnson, la película se eleva con la ayuda de un guión inteligente, personajes únicos y una cinematografía elegante, mientras establece maravillosamente un elemento misterioso en el presente. También tiene un conjunto de actores increíblemente talentosos como Daniel Craig, Chris Evans, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Michael Shannon, Don Johnson, Toni Collette, Lakeith Stanfield, Katherine Langford y Christopher Plummer.

Parte Agatha Christie y parte The Pink Panther, Knives Out es impulsada por sus sospechosos cómicamente engañosos y su detective sureño, Benoit Blanc. Interpretado con un acento muy particular por parte de Daniel Craig, Blanc es un investigador privado que entra en este pozo de víboras con una agenda desconocida. No cree por un segundo que Harlan se suicidó, que es la teoría popular entre, y convenientemente, una mansión llena de posibles asesinos. La única excepción es la dulce y amable Marta, la cuidadora latinoamericana y la confidente más cercana de Harlan. Si hay un corazón genuino en esta familia podrida, es ella. Mientras que los familiares parecen físicamente incapaces de decir toda la verdad, Marta literalmente no puede decir una mentira sin vomitar por todas partes. Es un regalo ridículo, y aparentemente misterioso. En cambio, Marta encuentra nuevas formas para que su "superpoder" cambie la investigación en diferentes direcciones.

Más importante aún, lo que Marta puede hacer nunca es más importante que lo que representa. La película puede comenzar como un thriller detectivesco ingenioso, pero se remodela constantemente hasta que se trata de mucho más. Marta es quien, solo con su presencia, revela la hipocresía dentro de gran parte de la familia Thrombey. Literalmente, la primera vez que la mencionan es cuando alguien se refiere a ella como "la ayuda". Richard es el único que se "preocupa" por ella, y vemos en uno de sus recuerdos que trata de animar a Marta para que se una a la fiesta de cumpleaños de Harlan, pero al mismo tiempo nunca recuerda su país de origen. Hay una confrontación racista de inmigración más adelante que dice mucho sobre la forma en que la élite blanca y rica se alimenta con sus valores superficiales a través de la cultura popular. Por supuesto, la corrupción causada por la tremenda riqueza también es un tema central. Ejemplificado y interpretado a la perfección con una alegría venenosa por Chris Evans, el personaje de Ransom es un vago y el único que ha abandonado todas las pretensiones. No quiere un trabajo, no ha buscado uno y está más que feliz con su condición de oveja negra de la familia. Realmente tampoco le gusta el detective Blanc, chocando con "El Gallo Claudio" en múltiples ocasiones.

En cuanto a la actuación, Daniel Craig, Ana de Armas y Chris Evans se destacan del resto del elenco. Estos tres se roban el espectáculo, y sus personajes son los que más recordarán. Es cierto que la primera vez que se escucha la voz sureña de Craig es un poco extraño, pero luego comienzas a acostumbrarte y aprecias su actuación algo exagerada. Los otros actores también son muy buenos cuando están en pantalla, pero no se ven mucho y eventualmente uno comienza a olvidarse de ellos a medida que la película avanza. Algunos de ellos simplemente están por el hecho de estar, y no agregan nada a la premisa. Realmente no son ni personajes secundarios, porque están solo en el fondo, lo cual es una lastima el desperdiciar su presencia así. Si bien la película presenta un elenco fantástico, la verdadera estrella es Rian Johnson. Su guión brilla como la mejor parte de la película, ya que ofrece muchos diálogos rápidos con los que muchos se divertirán. Incluso, para ser una película de quién lo hizo, es sorprendentemente histérica. El humor está bien escrito y es inteligente, sin comprometer la tensión creada desde el principio. La introducción establece de inmediato el tono de toda la película, y se está ansioso por ver todo lo que sucede. A medida que avanza la historia, te mantiene intrigado en todo momento. Nunca se sabe lo que va a suceder, y es una forma efectiva para que uno como espectador descubra el misterio y se sumerja en toda la experiencia.

En general, siendo una película de ficción criminal, Rian Johnson mantiene a uno alerta, reorganizando repetidamente a los jugadores y las apuestas con un buen lanzamiento de dados y con un diseño sacado de un juego de Clue. El objetivo de la película es ser más divertida que meticulosamente detallada. Johnson elige sabiamente darnos un misterio satisfactorio y placentero que tomar la vía facíl con un impactante giro final. Algunos pueden encontrar eso decepcionante, pero siempre he encontrado que un buen misterio es menos acerca de quién lo hizo que por qué lo hizo. El camino hacia el "por qué" muestra a Johnson haciendo una película que honra el cine clásico de Hollywood mientras habla con la voz de hoy día, y eso es algo que Harlan Thrombey definitivamente apreciaría. Al final, Knives Out es una película de quién lo hizo notablemente atractiva, con un gran guión, excelentes actuaciones y una brillante dirección de Rian Johnson. Hay mucho que apreciar de esta película, y les recomiendo que la vean con un grupo de amigos y se diviertan. Es sin duda una de las películas más entretenidas del 2019.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Togo

En 1925, la ciudad de Nome, Alaska, fue amenazada por un brote mortal de difteria hasta que un hombre y su equipo de perros de trineo, liderados por el improbable perro guía Togo, desafiaron los elementos helados para recuperar la medicina de la ciudad más cercana. El inmigrante noruego Leonhard Seppala (Willem Dafoe) cría perros de trineo, pero está perpetuamente molesto por la persistencia de un cachorro que él considera inadaptado para andar en trineo debido a su pequeño tamaño. Seppala intenta encerrar a Togo, pero este hace un túnel, trepa y salta para escaparse cada vez que tiene una oportunidad. Finalmente, impulsado por su esposa Constance (Julianne Nicholson), Seppala le da una oportunidad al perro y lo encuentra como el más rápido y decidido de su raza. Togo no solo se gana el corazón de Seppala, sino que también ayuda a su maestro a ganar carreras de trineos y, en última instancia, ayuda a salvar a la gente de la ciudad de Nome.

Disney+, la plataforma de streaming de Disney, ya tiene una película de mascotas con Lady And The Tramp. Cuando se anunció Togo, supuse que sería otra película general de perros en la nieve y en la misma línea de Eight Below (2006) o Iron Will (1994). Pero una vez que empecé a verla, supe que Togo sería mucho más que esas otras películas. Togo sigue la historia no contada del perro de trineo, Togo, quien dirigió la carrera de 1925 a Nome, Alaska, y que ayudó a salvar a muchas personas de la ciudad, en su mayoría niños, durante un brote de difteria. Esta historia puede sonar familiar, y eso se debe a que esta historia a menudo se le atribuye a otro perro que ha tenido su propia película animada, Balto (1995). Dirigida por Ericson Core, la película cuenta la historia de las dos figuras más grandes del Great Race of Mercy, Leonhard Seppala y su perro Togo. Con una extensión de casi 700 millas, el viaje usó múltiples mushers para completarse, pero al final, la pareja corrió el tramo más largo de casi 300 millas. Su misión tiene un alto costo, pero para Togo es mucho más que una carrera.

Cuando nace Togo, Seppala, el musher y el criador de perros está listo para sacrificarlo. Togo es demasiado pequeño y demasiado débil, pero a insistencia de su esposa, él perdona al cachorro. Esta historia, de la vida y el comienzo de Togo, se cuenta entre los momentos de peligro de los dos haciendo su viaje para llevar el suero a Nome. La película comienza mostrándonos qué tipo de perro de trineo es Togo, su poder y su determinación. Podemos ver por qué él y su musher fueron elegidos y, a medida que avanza la película, vemos de dónde vino. Como explica Seppala, el cachorro es "pequeño, poco inteligente e imposible de entrenar". Togo no puede ser contenido. Lo ponen en una perrera, el cava. Le ponen rocas a lo largo de la cerca, excava hasta que encuentra una salida. Lo ponen en una casa, encuentra una salida incluso si tiene que trepar y romper ventanas. A medida que la película avanza, se ve que esta determinación lo convierte en un compañero maravilloso y leal.

Una de las líneas del trailer de Togo es también el corazón de la película, "Siempre pensé que él vivió para el trineo, cuando todo el tiempo, para lo que vivió, fue para mi". El vínculo que Dafoe tiene con el cachorro no tiene comparación. Él grita "buenos cachorros!" desde el trineo a los perros trabajadores, y el corazón de uno se derrite y cada momento que sus vidas están en peligro, el corazón de uno se desmorona. Temes por ellos, y cuando la película enseña sus experiencias creciendo juntos, se ve el por qué. Su vínculo lleva la película, y al final es de lo que se trata, no de la búsqueda del suero. Tan importante como eso es, mostrar el vínculo heroico entre Togo y Seppala es fundamental para su capacidad de superar los obstáculos, y es lo que mantiene a uno como espectador durante toda la película. Además, Togo es una película que podría haber estado en los cines. Los vastos paisajes blancos del desierto de Alaska proporcionan un telón de fondo épico para la historia, las montañas, y los árboles, todo merece ser visto en la pantalla más grande posible. Incluso, los efectos funcionan, específicamente cuando Seppala y sus perros cruzan un lago congelado que se rompe rápidamente. Está tan bien hecho que me puso en tensión con cada salto a través de las divisiones del hielo.

Con Togo, Disney flexiona sus músculos de producción. Si bien estoy acostumbrado a producciones de mayor presupuesto de servicios de streaming como Netflix, Togo me dejó anonadado. El aspecto de la película también está bien hecha, lo que la lleva a ser una pieza de época de una manera diferente, haciendo que todo se sienta viejo incluso cuando la historia es atemporal. Como Leonhard Seppala, Willem Dafoe es, bueno, Dafoe. Tiene una presencia poderosa pero, en última instancia, el más amable de los corazones, pasando de ser un hombre que considera que el cachorro no es más que un perro de trabajo para crear un vínculo tan fuerte que haría cualquier cosa por él. El monólogo que Dafoe ofrece mientras cruza el hielo por primera vez está acentuado por las grietas y los sonidos pulsantes del agua debajo, lo que agrega drama a sus palabras mientras los perros corren. Otra de las cosas hermosas de la película son los momentos en que Seppala encuentra descanso en diferentes estaciones de servicio, estaciones establecidas para proporcionar ayuda a los mushers. En estas estaciones nos encontramos con indios nativos de Alaska, escuchamos su idioma y, aunque no tienen papeles especialmente destacados, sus escenas son las más emotivas entre humanos en la película.

En general, la película es simple pero hace lo que tiene que hacer. Con todos los éxitos de taquilla constantemente producidos para nuestro consumo, es genial encontrar una historia conmovedora tan expertamente contada. Una vez que se dan cuenta de que esto se basa en hechos reales, es aún más sorprendente, ya que realmente no se puede creer que los eventos realmente ocurrieron, y se sorprenderán con esta verdadera historia de héroes. Al final, Togo es una película extremadamente emotiva que muestra la capacidad de Disney de proporcionar películas originales de alta calidad en su plataforma de streaming. El papel de Willem Dafoe como Seppala llegará a sus corazones y los hará querer abrazar a un cachorro. El final me hizo llorar y, aunque la película es simplista, alcanza todas las notas que se propone. La película tira de las cuerdas de tu corazón, proporciona momentos emocionantes de acción intensa y ofrece un vínculo maravilloso entre hombre y animal.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Two Popes

Con la muerte del Papa Juan Pablo II en 2005, la Iglesia Católica se encontró en una encrucijada, y con una necesidad de modernización que chocaba con el tradicionalismo del legado de Juan Pablo II. Mientras el legado de Juan Pablo como Papa persigue la búsqueda de su reemplazo, dos hombres se sientan en el corazón de la futura dirección de la Iglesia Católica, el incondicionalmente conservador Jospeh Ratzinger (Anthony Hopkins) y el más liberal Jorge Bergoglio (Jonathan Pryce). Sin embargo, y a pesar de una elección bastante cerrada, es Ratzinger quien gana el número asignado de votos necesarios para convertirse en el próximo Papa. Es una decisión con la que Bergoglio lucha, ya que teme los desafíos que enfrentaría para modernizar el trono papal en una iglesia perseguida por encubrimientos de abuso infantil y un número cada vez menor de seguidores y puntos de vista obsoletos. Con la iglesia pasando de una controversia a la siguiente, Bergoglio le escribe al Papa Benedicto XVI pidiéndole permiso para retirarse de su puesto de Arzobispo, solo para ser invitado a la casa papal para discutir sus puntos de vista y opiniones sobre el futuro de la iglesia, con ambos hombres chocando en desacuerdos, discusiones religiosas y debate social. No obstante, a medida que pasa el tiempo, ambos hombres encuentran consuelo en presencia del otro. Sus desacuerdos relacionados con una crisis de fe, conducen a un cambio y a la reconciliación, y a la sorprendente renuncia del Papa Benedicto XVI y la eventual transferencia del poder al Papa Francisco.

En el año 2013, fuimos testigos de un momento increíble en la historia, cuando la Iglesia Católica pasó su liderazgo al liberal Papa Francisco del renunciante conservador Benedicto XVI. Nadie renuncia a ser Papa. Simplemente no sucede, o al menos es  extremadamente raro. No ha sucedido en cientos de años. Esto fue un suceso enorme, y no se sabe mucho sobre cómo sucedió todo. The Two Popes probablemente no va a ser una historia 100% basada en los hechos de ese evento monumental, pero es una de las películas más sorprendentes que he visto este año. Entonces, qué depara para una película como The Two Popes para aquellos que no practican el catolicismo o que no le dan mucha importancia a la religión organizada? Resulta ser bastante, en realidad. Dirigida por Fernando Meirelles, director de City Of God (2002) y The Constant Gardener (2005), esta es una película que explora la división entre los valores liberales y conservadores con humor, perspicacia y sin escasez de contexto histórico. Pero también se trata de algo más que eso.

Debajo de toda la simple conversación ideológica en la superficie de la historia, está la pregunta de si el cambio puede ser real y eterno. Porque no solo la Iglesia necesitaba ser sacudida de las posiciones extremadamente conservadoras que tenía y adoptar reformas para igualar al siglo 21, sino que los hombres que instigaban ese cambio también tendrían que evolucionar. Aquellos que todavía no están convencidos de que el bienestar de la Iglesia hace que las películas sean entretenidas quizás quieran prestar atención a sus dos estrellas principales: Anthony Hopkins como el Papa Benedicto y Jonathan Pryce como el Papa Francisco. El mayor regalo de la película es poder ver estas dos leyendas de la pantalla elevarse entre sí. Esto es una actuación en su nivel más alto, refinado y perfeccionado. Alternativamente feroz y delicado, y con un ingenio emergente cuando menos se espera, Hopkins y Pryce forman un impecable duo de hombres santos.

A pesar del título, la película trata principalmente sobre la ascendencia del papa Francisco, quien antes era el Cardenal/Arzobispo Jorge Mario Bergoglio de Argentina. La película trata de encontrar un equilibrio en la exploración de las diferentes perspectivas de los dos hombres, y es relativamente exitosa, pero está claro que Bergoglio es la pieza central. Y eso está bien porque el Papa Francisco es el vehículo a través del cual la Iglesia Católica comenzó un cambio hacia valores más progresivos, luego de una ola de escándalos que sacudieron y obligaron a Benedicto a renunciar. Pero antes de todo eso, Francisco debe reconciliarse con su pasado. Visto a través de flashbacks, Francisco es presentado en la década de 1970 como un simple sacerdote (interpretado por Juan Minujín) que estuvo presente durante una brutal dictadura militar en Argentina. Benedicto puede no parecer el oído más comprensivo, y a menudo no lo es, pero tiene su propia cruz y eso los une de formas inesperadas. Ojalá hubiera podido ver más problemas de Benedicto, o al menos alguna respuesta a los gritos de Nazi que a menudo el público le gritaba.

El director Fernando Meirelles atenúa la dirección elegante vista en sus películas anteriores, empleando una que coincide con un docudrama. Esto frena un poco las cosas, y ni Hopkins ni Pryce pueden salvar esos pequeños momentos, lo que hace que la película se estanque en varios lugares. Dicho esto, los momentos cómicos son perfectos. No hay muchos chistes, pero vienen en el momento justo y pintan a estos dos hombres de Dios como personas reales. Francisco es un enigma para Benedicto, cuya vida ha sido protegida y vivida dentro de la Iglesia. Benedicto no entiende cuando Francisco silba Dancing Queen de ABBA, tiene conocimiento sobre The Beatles pero no conoce una sola canción ni nada sobre ellos y realmente no entiende ninguna referencia a la cultura moderna en absoluto. Solo se sabe que ama un programa policiaco de Austria sobre un detective canino.

En general, dejen a un lado la religión y, si es posible, aléjense de ella. La película no es una película religiosa. Es un homenaje a la amistad y a cómo se puede encontrar en las condiciones más adversas. A decir verdad, los dos Papas del título son realmente Anthony Hopkins y Jonathan Pryce, dos de los mejores actores de todos los tiempos. Hopkins construye el personaje del Papa Benedicto XVI mostrando toda la carga de ser consciente de sus limitaciones como jefe de la Iglesia Católica. Y lo logra magistralmente, de tal manera que uno se ve obligado a sentir simpatía por el "Rottweiller de Dios". Sin embargo, es Pryce quien tiene la actuación más emotiva y convincente, además de su increíble parecido con el actual Jorge Bergoglio. Fernando Meirelles fue capaz de aprovechar al máximo sus dos estrellas, ambos en la cima de sus carreras. Además, hay un toque final con una canción de The Beatles en una historia que enfatiza la importancia de lo que es lo más preciado que podemos tener en la vida: una verdadera amistad. Al final, The Two Popes es sin duda una de las películas más bellas e interesantes del 2019. Dirigida con gran énfasis y fluidez, la película pinta una imagen histórica muy importante en la historia de la iglesia. Ligera, pero extremadamente interesante, es la historia de dos hombres sumamente diferentes unidos por una llamado común. Se trata de la conexión humana, el orgullo, la humildad, la aceptación y una mezcla de altas y bajas. Si disfrutan de largas caminatas y de conversaciones largas e interesantes, les encantará esta película.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Pain And Glory

Hace 32 años, el escritor y director Salvador Mallo (Antonio Banderas) creó la película Sabor. Con su estreno, la relación con Alberto (Asier Etxeandia), su protagonista, se vió afectada. Ambos no se han hablado desde el estreno, pero Salvador ha sido notificado de que Sabor ha sido restaurada y está lista para su primera proyección pública en mucho tiempo. Salvador, que sufre de un inmenso dolor en todo su cuerpo, y paralizado por dolores de cabeza y esclavizado por medicamentos, está dispuesto a hacer una aparición en el teatro. Cuando se reúne con Alberto, bajo protesta, para ponerse de acuerdo con relación a la aparición en el teatro, Salvador se interesa en probar un poco de heroína que el actor tiene, finalmente encontrando algo que bloquea toda su agonía. Al Alberto descubrir una historia corta en la que Salvador ha estado trabajando, quiere hacer su regreso a los escenarios con el material, atraído por su intensa naturaleza personal. Salvador, luchando contra sus demonios, usa su mente para regresar a los recuerdos de su infancia, donde su madre, Jacinta (Penélope Cruz), luchó contra la pobreza para mantener a su hijo por el camino correcto.

Pain And Glory, o Dolor Y Gloria en su nombre original, es la nueva película de Pedro Almodóvar y es solo una reafirmación de su cine. El director español hace de gran parte de su filmografía una sesión de terapia en la que trata de lidiar con el pasado, exorcizando sus fantasmas mientras muestra en pantalla la soledad de un alter ego. Los colores tan característicos del cine de Almodóvar, que, como siempre, abusa de los tonos rojos y los colores vibrantes, hacen de cada etapa una obra de arte. Ahora, Almodóvar tuvo que lidiar con sus fantasmas nuevamente. Después de la comedia Los Amantes Pasajeros (2013) y Julieta (2016), lo que se ve en Pain And Glory puede no ser un Almodóvar en la exuberante forma de Hable Con Ella (2002), La Mala Educación (2004) o Volver (2006), pero es un Almodóvar que vuelve a discutir los temas que impregnan su cine: los dolores del alma, la relación con su madre, la influencia de la educación religiosa, la homosexualidad y su descubrimiento, los amores que van y vienen, las decepciones y las heridas que surgen de esto y los desajustes de la vida.

El cine de Almodóvar trata sobre las personas, sobre los conflictos del alma, sobre lo que debe decirse y las oportunidades que se pierden al no hablar y no permitirse sentir. Es una investigación del alma humana y sus sutilezas impulsadas por la ligereza de la cámara en contraste con los temas complejos que propone debatir. Aquí el texto de Almodóvar es claro y directo. A los 69 años, busca reevaluar su relación con su madre, exponiendo la división entre el homenaje, su exposición y las personas que lo rodean como fuente de inspiración para sus personajes. Es curioso cómo en la película, la madre dice que odia la forma en que ella y sus amigos del pueblo son retratados en el cine del personaje principal, mientras que él dice que cada película es un homenaje a quién lo hizo quien es.

En entrevistas, Almodóvar ha dicho que Pain And Glory es una película que lo representa íntimamente, aunque ciertas situaciones sufridas por su protagonista, como el uso de drogas y los terribles dolores, no son ciertas, sino solo una licencia poética para fines dramatúrgicos. "No es mi biografía, pero es la película que más me representa", dijo el director, asegurándose de que no está tan mal físicamente como el protagonista y nunca ha usado drogas. Para dar vida a este "peor" Almodóvar tenemos un António Banderas que no hemos visto desde La Piel Que Habito (2011), una de sus últimas grandes actuaciones, precisamente en una película del cineasta español. En la piel del director y guionista Salvador Mallo, Banderas retrata muy bien el alter ego de Almodóvar. Envejecido, lleno de un dolor físico y del alma, con relaciones sacudidas o perdidas durante décadas con diferentes personajes que han pasado por su vida y con un problema de drogas, Banderas ofrece una de sus mejores actuaciones emulando el alma del director. El actor español parece haber sido capaz de capturar perfectamente la personalidad de Almodóvar con sus silencios, miradas cansadas y discursos.

Al mismo tiempo, Mallo quiere volver a ser el centro de atención en el cine. Y la inspiración proviene del rico material que es su vida y la vida de las personas que lo rodean. Y eso es lo que hace Almodóvar. Usando los ejemplos de lo que vivió, busca conectarse con su audiencia, que también vive ansiedades y deseos similares. Después de todo, vivir, como el título de tu película, es una experiencia frecuente de dolor y gloria. La película también presenta a Penélope Cruz, quien ayuda a contar historias de un joven Salvador que también son los de un joven Almodóvar. Allí vemos lo que estamos acostumbrados a ver en diferentes pasajes de las películas del director. La infancia económicamente difícil, el estudio en la escuela secundaria y la vida para el arte que lo rescató de esos momentos de pobreza.

En general, extremadamente
gramática y llena de ajustes de cuentas con el pasado, la película tal vez solo peca porque es excesivamente clara y autobiográfica, lo que hace que la experiencia tenga un sentido de déjà vu y sin un signo de frescura que la acompañe. Es más una sesión de terapia que una película y tiene un texto más confesional y menos creativo en comparación con lo que solemos ver en la filmografía del director. Pero este es un punto de vista absolutamente personal. Y no hace que la experiencia de la película sea mala. Está lejos de serlo. La película tiene su valor y tiene un Antonio Banderas simplemente espectacular. La firma de Almodóvar también es una garantía para sus fanáticos, que no se sentirán decepcionados. Pero no creo que sea el tipo de película que genere nuevos admiradores para el director. Al final, Pain And Glory es una película lenta, reflexiva y meticulosamente elaborada sobre las elecciones del pasado que reflejan quién eres como persona en el presente. Es como redescubrir a un viejo amigo a quien uno admira por su delicadeza, inteligencia, perspicacia e incluso con imperfecciones. Y un Almodóvar imperfecto sigue siendo un gran Almodóvar.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Star Wars: The Rise Of Skywalker

Rey (Daisy Ridley) continúa su entrenamiento Jedi con la General Leia Organa (Carrie Fisher), tratando de llegar al corazón de la Fuerza y ​​buscar su herencia, que permanece nublada. Kylo Ren (Adam Driver) busca en la galaxia el Wayfinder, un antiguo dispositivo Sith que revela la ubicación del planeta Exogol, que alberga al Emperador Palpatine (Ian McDiarmid), el poderoso Sith Lord que ha estado creando una flota masiva en secreto, manipulando al First Order con planes para liberar el Final Order y controlar el universo. Kylo Ren se niega a aceptar un poder superior, pero la misión de Palpatine exige la destrucción de Rey, reuniéndolo a través de la Fuerza con su adversario. Con la Resistencia luchando, Poe Dameron (Oscar Isaac), Finn (John Boyega), Chewbacca (Joonas Suotamo), BB-8 y C-3PO (Anthony Daniels) buscan ayuda para enfrentarse al ejército de Palpatine y entran en contacto con Zori (Keri Russell), una amiga criminal de Poe, y Jannah (Naomi Ackie), quien lidera un ejercito tribal para combatir al First Order.

Esta nueva trilogía de Star Wars ha sido bastante divisiva desde el principio. Si eres uno de los que ha odiado estas nuevas películas, es poco probable que esta te haga cambiar de opinión. Aquellos que sintieron que The Last Jedi se desvió demasiado de su curso estarán felices de saber que J.J. Abrams ha corregido las cosas con The Rise Of Skywalker. El trío de Poe, Rey y Finn, que se separaron en gran medida en The Last Jedi, afortunadamente comparten mucho tiempo juntos en pantalla. He visto comentarios que dicen que esta película tiene demasiadas cosas sucediendo, pero en realidad pensé que fue más fácil de seguir que su predecesora y no me sentí tan perdido. Rey, que ha recibido todas las críticas e insultos, muestra que no es tan perfecta como algunos afirman. Su principal defecto es que parece decidida a hacer todo el asunto del lobo solitario, vagando por sí misma innumerables veces a lo largo de la película, lo que causa algunos problemas.

También está luchando con los recuerdos de la familia que perdió, su conexión con Kylo Ren (lo que a veces hace que pierda la concentración) y otros problemas. Es mucho, y a veces no toma las mejores decisiones, pero Rey es una heroína, puro y simple (ya sea que algunos quieran aceptarlo o no). Ella comete errores, pero también hace sacrificios. Si bien finalmente obtenemos respuestas definitivas con respecto a su parentesco/herencia, el mensaje principal de esta película es que uno puede elegir a su familia... y de eso se trató el viaje de Rey. Finn, cuyo personaje fue perjudicado en The Last Jedi, se recupera gracias a su gran tiempo en pantalla con Rey y Poe. No está atrapado como un personaje cómico, sino que muestra que él también es un héroe. Su amistad con Rey y Poe fue una de las fortalezas de The Force Awakens, y es bueno ver eso recordado aquí. Poe y Rey comparten bastante tiempo de pantalla juntos. Discuten un poco, pero claramente se preocupan y se respetan mutuamente. El trío siempre fue el corazón de esta trilogía, y esta película lo demuestra.

Leia recibe la respetuosa despedida que merece debido al fallecimiento de Carrie Fisher. Es un crédito para estas películas que haya jugado un papel tan importante y haya dejado una impresión duradera. Su conexión con varios de los personajes principales tiene el peso emocional apropiado que se merece, y hay un par de sorpresas agradables con respecto a su personaje. Chewbacca, por su parte, no solo tiene momentos emocionales significativos, sino que finalmente obtiene algo que por mucho tiempo se le negó. Esa es una de las cosas que esta película logra, el hecho de que respeta la franquicia (a pesar de que algunos puedan pensar o afirmar lo contrario). C-3PO, que a menudo ha sido presentado como un personaje cómico, obtiene algunos momentos emotivos aquí y, por lo tanto, es tratado de manera adecuada. Sin embargo, R2-D2 no tiene mucho que hacer esta ocasión. BB-8 ha sido una adición positiva a la franquicia, mientras que un nuevo droide, D-O, se siente como un droide de relleno. Lando Carlissian está de vuelta, y aunque no tiene un papel tan significativo, sigue siendo importante. Si hay algo negativo en la película, es la introducción de varios personajes nuevos que realmente no tienen suficiente tiempo para que nos preocupemos por ellos. Seamos honestos, una tercera película de una trilogía es un poco tarde para introducir tantos personajes nuevos.

En lo que respecta a los villanos, el General Hux, sorprendentemente, demuestra ser realmente útil y más que solo el tipo malvado del universo que parecía ser en The Last Jedi, mientras que Kylo Ren ha reconstruido su máscara... y su personaje es mejor por eso. Recupera parte de ese aspecto amenazante que tenía en The Force Awakens antes de quitarse la máscara. Si bien no he sido un gran fanático de su papel de aspirante a Darth Vader, admito que esta película hace todo lo posible para darle algo de profundidad y complejidad real a su personaje. Su conexión con Rey también tiene una serie de capas. Algunas elecciones hechas con respecto a su relación pueden resultar controvertidas, pero al final parece una conclusión decente para su historia entrelazada. Para sorpresa de nadie (gracias a los cortos), el Emperador Palpatine está de regreso... y, afortunadamente, su maquillaje es más parecido a su antiguo yo de Return Of The Jedi (no a la abominación de Revenge Of The Sith). Tiene sentido que se necesitara traer un gran personaje malvado para reemplazar a Snoke después de lo que sucedió en The Last Jedi, ya que Kylo Ren simplemente no iba a ser suficiente.

Independientemente de lo que piensen de J.J. Abrams como director, no se puede negar su ojo para las tomas y escenas icónicas en las películas. Y esta película tiene bastantes. Algunas son muy hermosas, otras espeluznantemente atmosféricas, pero hay algunas extremadamente memorables aquí. Todo se ve genial. La acción es estimulante, fácil de seguir y no es caótica. Además, el ritmo de la película se siente mucho mejor que en The Last Jedi, y la historia se siente coherente. A diferencia de ciertas películas anteriores de la franquicia, los homenajes a la trilogía original aquí se sienten correctas y no exageradas, y las apariciones de ciertos personajes (físicamente o en voz) son la cantidad necesaria. Ahora... mucha gente todavía se aferra a la vieja era de Star Wars. Mientras que todos conocen y aman las películas originales, sería inútil hacer una película que fuera idéntica a ellas. Esta película no es perfecta, y definitivamente se puede ver la presencia de Disney, pero el presupuesto solo ayuda con la escala de la película y todavía se siente como Star Wars. Es entretenida tanto para el espectador general como para los fanáticos de Star Wars. Es una mejora definitiva de The Last Jedi, tiene una brillante coreografía en las luchas de lightsabers, finales amargos y dulces para muchos personajes y la introducción de varios nuevos.

En general, parece que el debate de lo que es y lo que no se considera Star Wars nunca terminará. Hubo quejas de que The Force Awakens era demasiado similar a A New Hope, luego otras quejas que The Last Jedi era demasiado diferente. Aparentemente ciertas personas no saben lo que quieren, mientras que otros han decidido que las películas de precuela (Episodio I, II y III) son excelentes en comparación con estas películas de continuación, olvidando e ignorando convenientemente la gran variedad de problemas que tenían esas precuelas. A eso digo: no se puede complacer a todo el mundo. Si has decidido odiar estas nuevas películas, nada va a cambiar eso. Sin embargo, para aquellos con mentes abiertas, espero puedan reconocer cualquier falla en las películas sin ignorar descaradamente todo lo bueno que hay en ellas. Por mi dinero, pensé que Star Wars estaba en una situación desesperada después de The Last Jedi, pero esta última película de esta trilogía dio vida a la franquicia nuevamente y estoy muy agradecido por eso. Al final, Star Wars: The Rise Of Skywalker no es la visión de George Lucas y los personajes principales no tienen la misma química de las películas originales. Pero sin duda es la primera (de esta nueva trilogía) con una historia original adecuada. The Force Awakens fue el primer vistazo de lo que estaba por venir y The Last Jedi... fue un desorden con momentos de The Empire Strikes Back y Return Of The Jedi. Esta tiene su propia idea, y es buena. Podemos discutir sobre algunos cabos sueltos y huecos en la historia, pero supera todas las expectativas y respeta la herencia y los conflictos de Star Wars (el principal, el conflicto interno de ir por un camino oscuro). Es frenética y tiene batallas increíbles, finos duelos de lightsabers, y le da a Rey una historia de fondo sólida. Olvídense de lo que dicen la mayoría de los críticos (sí, tu Rotten Tomatoes) y simplemente véanla y disfrútenla.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Black Christmas

Riley (Imogen Poots) es una "hermana mayor" de la sororidad Mu Kappa Epsilon en la Universidad Hawthorne, que se queda para el show anual de talentos y el Orphan's Dinner. Riley está luchando para hacer frente a una agresión sexual pasada cometida años antes por Brian (Ryan McIntyre), un miembro de la poderosa fraternidad Delta Kappa Omega. Los policías no creyeron su historia, y Riley se ha estado ocultando desde entonces. Inspirada por su amiga Kris (Aleyse Shannon) y sus otras "hermanas" Marty (Lily Donoghue) y Jesse (Brittany O’Grady), Riley es alentada a participar en el show de talentos exponiendo la naturaleza depredadora de Brian. Los chicos de Delta no están nada contentos con lo que ven, y poco después las chicas comienzan a recibir mensajes de texto ominosos del fundador de la escuela, Calvin Hawthorne, un hombre conocido por su racismo y misoginia. Kris también dirige una petición para que quiten el busto de Hawthorne de la universidad y para que despidan al profesor Gelson (Cary Elwes) por su currículum de solo hombres blancos. Cuando algunas de las chicas en Mu Kappa Epsilon comienzan a aparecer muertas, no es difícil entender por qué ellas podrían ser las siguientes victimas.

En 1974, Bob Clark, futuro director de la amada A Christmas Story (1983), abordó un tipo diferente de historia navideña. Una pequeña película de explotación/horror llamada Black Christmas. Ahora, decir que esa película es una obra maestra sería una gran exageración. Sin embargo, tenía un concepto que era bastante refrescante e incluso inspiró una obra maestra legítima en Halloween (1978), y tal vez fue un precursor no oficial de la explosión de películas slasher de la década de los 1980. Luego, en el 2006, se rehizo durante una serie de remakes de terror clasificadas R que salieron en ese momento, incluidos The Hills Have Eyes (2006) y The Amityville Horror (2005). No fue necesariamente una mejora de la original, pero tenía un reparto comprometido y un tono extraño e incómodo que era fascinante al mirarla. Ahora en 2019 tenemos un nuevo remake gracias a Universal Pictures. Por qué otro remake? Porque esta vez es más "relevante" que nunca, y trata desesperadamente de abordar el tema del hashtag Me Too, pero en cambio termina siendo insultante. De hecho, esta nueva película los hará llamar obras maestras de las dos entregas anteriores. Interesados en saber por qué? Sigan leyendo.

Estrenada por la siempre prolífica compañía Blumhouse, la película está protagonizada por Imogen Poots, Cary Elwes, Aleyse Shannon, Lily Donoghue, Brittany O’Grady y Caleb Eberhardt. Además, está dirigida por Sophie Takal. Manteniendo el ángulo de un asesino navideño en una sororidad de mujeres, pero dando un pequeño giro actualizado, esta versión se centra en un grupo de chicas que están siendo acosadas por un extraño encapuchado que eventualmente descubren que está conectado a una fraternidad/culto. Es el clásico motivo de hombre contra mujer y la película realmemte lo abarca. Dicho todo esto, hay que darle un aplauso a Sakal porque se arriesgó y trató de hacer algo diferente con el material de origen. Simplemente no era lo que los fanáticos del género querían o necesitaban. No obstante, Sophia Takal, un talento genuino por derecho propio, parece una elección extraña para dirigir esto teniendo en cuenta que proviene de dirigir películas independientes. Entonces, llevarla a bordo para dirigir lo que es esencialmente la película de horror convencional más génerica y predecible con un mensaje feminista forzado es bastante sorprendente.

En todo caso, se puede esperar que haya sido una experiencia agradable hacer Black Christmas, porque ver la película ciertamente no lo es. Aunque eso no quiere decir que no tiene algunas micro ventajas al respecto. En primer lugar, Imogen Poots continúa recordándome que es una buena actriz. Su personaje, Riley, tiene una historia oscura de ser agredida sexualmente por un miembro de una fraternidad y ciertamente interpreta su personaje de la manera más honesta. Ella fácilmente tiene el papel más desafiante, especialmente teniendo en cuenta que el guión es descaradamente ridículo. Más allá de esto, hay una escena de muerte muy bien hecha que apenas se muestra algo, pero aún así tiene un gran impacto. Lo que la hace convincente es que se realiza con un truco de cámara combinado con un zoom rápido que emula claramente la sensación de las películas slashers que está homenajeando. A pesar de estos dos elementos en esta película de 1 hora y 32 minutos, no son lo suficientes para salvar lo que es esencialmente una película de horror navideña desechable.

En general, no es ningún misterio que la directora y Blumhouse hayan recibido reacciones negativas por ponerle una clasificación PG-13 a esto, pero le aseguraron a todo el mundo que la clasificación no afectaría la película y que sería muy sangrienta y visceral. Se puede hablar mucho, pero cuando se trata de la ejecución, esas promesas no se ven por ningún lado. Al ver esto no pude evitar pensar en el remake de Prom Night (2008), otra película con clasificación PG-13 de una película de horror de 1980 clasificada R que fue un fracaso rotundo. Si Black Christmas al menos hubiera recibido una clasificación R y fuera un poco más fuerte con su contenido, tal vez las fallas que tiene podrían ser perdonadas. Aunque, dado que Hollywood trata de llegar a la audiencia más amplia imaginable, no se les puede culpar por querer atrapar a tantas personas como puedan con una clasificación PG-13. Puede que eso sea un beneficio, pero lamentablemente la mayoría de la gente no recordará esta película treinta minutos después de haberla visto. Al final, Black Christmas es absolutamente la peor película que he visto este año. Los personajes son aburridos, la historia es extremadamente diferente a la original, y todo el concepto sobre cómo todas las mujeres son buenas y todos los hombres son malos es realmente estúpido. Eso no es feminismo porque el feminismo se trata de la igualdad de género, y todos sabemos que hay hombres buenos y mujeres buenas, cómo también hay hombres malos y mujeres malas. Les aconsejo que guarden su dinero y vean la película original de 1974 o el remake del 2006 (sí, es una obra maestra en comparación con esta nueva versión), e incluso los personajes femeninos son más interesantes e icónicos que aquí.

Puntuación: No calenté el aceite para freír las alcapurrias.

Textless De La Semana

Star Wars: The Rise Of Skywalker

Review: The Nightingale

A principios del siglo 19 en Tasmania, en el apogeo de la hostilidad entre los colonos e indígenas, Clare (Aisling Franciosi) es una joven irlandesa que ha completado su período de servidumbre por contrato bajo el mando del teniente británico Hawkins (Sam Claflin), y desea una vida de libertad con su esposo y su hijo pequeño, pero el teniente y sus hombres tienen otros planes para ella. Su solicitud inútil de una carta de recomendación para liberarla de su sentencia desencadena una serie de eventos que culminan en un acto de violencia inimaginablemente horrible contra ella y su familia. Después de que Hawkins parte hacia un puesto en el norte con sus soldados para poder obtener un ascenso, Clare, quien ha sido herida y dejada por muerta, busca bajo protesta la ayuda de Billy (Baykali Ganambarr), un rastreador aborigen, para que pueda perseguir a Hawkins y sus atormentadores a través del bosque salvaje. Durante esta búsqueda de venganza empapada de sangre, su animosidad, impulsada por el racismo hacia su guía, disminuye gradualmente a medida que se da cuenta de que él también ha sufrido una inmensa pérdida a manos de los británicos. Sin embargo, la pesadilla no ha terminado para estos dos compañeros poco probables, y pronto aprenderán algunas verdades terribles sobre la naturaleza de la venganza.

Esta nueva película de Jennifer Kent, la directora de The Babadook (2014), es una mirada sin filtro a la Tasmania de 1825 a través de los ojos de una convicta irlandesa llamada Clare. Un acto horrible de violencia ocurre contra Clare y su familia, lo que la lleva a un viaje para encontrar al culpable. En el camino, hace amistad con un rastreador aborigen que la ayuda en su viaje. Esta no es una película fácil de ver. Contiene horribles actos de violencia que son terribles de ver y que son consistentes a lo largo de toda la película. Sin embargo, estos actos horribles son necesarios para mostrar la verdad de lo que sucedió en Tasmania en 1825. Jennifer Kent es muy cuidadosa para no glorificar la violencia de ninguna manera y describe más el impacto emocional en lugar de la violencia misma. Muchos cineastas evitarían representar estos eventos y dejar pistas sobre lo que está sucediendo, pero ella es brutalmente honesta y fiel al tema.

Si pusiéramos la película en una categoría, sería un western australiano. La historia de colonización de Australia tiene muchos puntos en común con la conquista del viejo oeste americano, y su reflejo en la cinematografía también ha pasado por etapas similares a las de las películas del viejo oeste americano, desde historias heroicas y películas de acción espectaculares, hasta versiones modernas que intentan ser más fiel a la verdad histórica. No conozco bien el ambiente político y la historia de la sociedad australiana, pero mi impresión es que los aspectos violentos de la colonización, los conflictos entre los recién llegados y la población local aborigen siguen siendo en gran medida un esqueleto que espera ser expuesto fuera del armario de la historia australiana. Clare, la heroína principal de la película, tiene que sobrevivir en un mundo sin ley, donde la violencia es la forma natural de resolución de conflictos. También es un mundo extremadamente duro. Uno en el que Clare es una víctima múltiple, como una mujer irlandesa que pertenece a un pueblo recientemente derrotado por los ingleses, y como una mujer convicta y deportada. Paradójicamente, hay una clase social debajo de ella en la jerarquía de este mundo, los aborígenes de Tasmania, que están librando una guerra desesperada contra los colonos blancos. Una guerra que perderán y su nación será exterminada.

La directora Jennifer Kent quiere resaltar dos mensajes políticos importantes, y no dudó en lo absoluto para que fueran lo más claros posible. Uno es un poderoso mensaje feminista, que hace que la historia de la película se una al género de películas en las que las mujeres que han pasado por terribles traumas (violación o asesinato de los miembros de la familia) busquen venganza. El otro es la exposición de las atrocidades y el genocidio cometido por los colonos blancos en el primer siglo de la conquista de Australia. El último mensaje cuestiona la legitimidad y la moralidad de una de las sociedades democráticas más pacíficas y civilizadas de la actualidad, al menos mientras estas pesadillas de la historia no sean conocidas y asumidas. Pero también hay un mensaje humano que se vuelve cada vez más claro cuando Clare encuentra solidaridad y apoyo de Billy, el rastreador aborigen. La interacción entre ellos comienza como una relación de subordinación social y racial para convertirse en una bella historia de amistad.

El papel principal interpretado por Aisling Franciosi, quien interpreta a Claire, es realmente una actuación digna de un premio de la Academia y hace sentir a uno como si fuera testigo de una persona real. Junto a Aisling Franciosi, está Baykali Ganambarr, que es asombroso como el rastreador aborigen. El antagonista, Hawkins, interpretado por Sam Claflin, da una actuación valiente y audaz. La película está bellamente rodada en los bosques de Tasmania con fantásticas escenas nocturnas y un tono general triste. Esto coincide perfectamente con la naturaleza deprimente del guión y también lo hace con una banda sonora hermosa e inquietante. El diseño de producción también es elogiable, dejando a uno inmerso en el medio ambiente. Estilísticamente, la película hace exactamente lo que necesita. No deja a uno asombrado por las imágenes, sino que usa las imágenes para acentuar las emociones de los personajes.

En general, con un tiempo de duración de 2 horas y 16 minutos, es una película muy difícil de ver porque es constantemente brutal y emocionalmente agotadora. No recomendaría esta película a personas que son muy sensibles, pero si pueden soportar su brutalidad, véanla. La directora Jennifer Kent nos revela que es importante mostrar nuestro pasado para que no olvidemos las atrocidades que la humanidad ha cometido para que no podamos repetirlas. Esta película destapa los horribles eventos que tuvieron lugar en Australia y Tasmania, y los muestra de una manera que no les permitirá olvidarlos. Esta es una película importante. Si tienen la oportunidad, y repito... si pueden soportar su brutalidad, véanla. Al final, The Nightingale es una de las películas más violentas y racialmente cargadas que he visto en mucho tiempo. Es una película que saca el odio en ti. Tiene escenas de violación, matanza de bebés, racismo, esclavitud, intolerancia, violencia y venganza, todo envuelto en una sola película. Es una historia muy oscura, y realmente no es para aquellas personas que son débiles o sensibles.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 17 De Diciembre Del 2019

Rambo: Last Blood (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Ad Astra

Abominable (teniendo 2 versiones: la regular y la 3D)

Review: Jumanji: The Next Level

Spencer (Alex Wolff) está pasando por momentos difíciles en la universidad en la ciudad de Nueva York, incapaz de mantener la confianza que sentía como el Dr. Smolder Bravestone en Jumanji. Al regresar a casa para quedarse, Spencer se ve obligado a compartir una habitación con su abuelo, Eddie (Danny DeVito), quien se está recuperando de una cirugía. Sintiéndose angustiado, Spencer vuelve al mundo de Jumanji, provocando la preocupación de sus amigos, Fridge (Ser'Darius Blain), Martha (Morgan Turner) y Bethany (Madison Iseman), quienes regresan de mala gana al videojuego para encontrarlo. Desafortunadamente, la transferencia de personajes no sale según lo planeado, con Eddie y su socio comercial, Milo (Danny Glover), uniéndose a los héroes en la nueva aventura, con Eddie como el Dr. Smolder Bravestone (Dwayne Johnson), Milo como Franklin Finbar (Kevin Hart), Fridge como el profesor Sheldon "Shelly" Oberon (Jack Black) y Martha como Ruby Roundhouse (Karen Gillan). La búsqueda implica la recuperación del Falcon Jewel, que el malvado y loco Jergan (Rory McCann) ha robado de una cultura indígena. A medida que el equipo trata de combatir los desafíos para alcanzar el boss level, también están buscando a Spencer, a quien se le ha asignado el personaje de una ladrona llamada Ming (Awkwafina).

Sé que a muchas personas les encantó la película anterior de Jumanji. O más específicamente, Jumanji: Welcome To The Jungle. No solo la película fue bien recibida por el público en general, incluso hizo un montón de dinero para convertirse en uno de los mayores éxitos de taquilla de Sony de todos los tiempos. Sin embargo, fui una de las minorías que descubrió que la película desperdició su prometedora transición de la configuración del juego de mesa original de la película de 1995 a un entorno de videojuego. Es por eso que tenía pocas esperanzas cuando el estudio decidió dar luz verde a la inevitable secuela. Y dada la forma en que la fórmula funcionó tan bien en la entrega anterior, el director Jake Kasdan pudo haber optado por la ruta ya probada repitiendo todo con solo unos pocos ajustes menores aquí y allá. Pero me sorprendió que Jumanji: The Next Level resultara ser una secuela un poco mejor de lo que esperaba.

Antes de dar más detalles, cuando Fridge, Martha y Bethany descubren que su mejor amigo Spencer desapareció, su única esperanza de localizar su paradero es volver a verse atrapados en el mundo del videojuego de Jumanji. Solo que esta vez, sus personajes habituales (Dwayne Johnson como el Dr. Smolder Bravestone, Jack Black como el profesor Sheldon "Shelly" Oberon, Kevin Hart como Franklin Finbar y Karen Gillan como Ruby Roundhouse) se confunden e incluso el juego ha cambiado dramáticamente. Si bien admito que Jumanji: The Next Level se toma un tiempo para encontrar una base adecuada en el transcurso de su lento primer acto, esta secuela logra recuperar su impulso una vez que los personajes del juego se reintroducen. Y aquí es donde realmente comienza la diversión. En lugar de verlos repetir sus mismos papeles una y otra vez, el director Jake Kasdan junto con sus co-autores eligieron incorporar una mejor idea de desordenar cada una de las personalidades de los personajes.

Esto lleva a algunos cambios inesperadamente graciosos, comenzando con Dwayne Johnson canalizando a Danny DeVito como el abuelo malhumorado de Spencer, Eddie Gilpin. Fue un cambio refrescante ver a Dwayne Johnson no interpretar el mismo papel que hace en la mayoría de sus películas mediocres. Kevin Hart es el que más brilla en esta secuela, ya que se hace pasar por Danny Glover como Milo Walker, también conocido como de mejor amigo de Eddie, y hasta hace el patrón de discurso del veterano actor. El resto del elenco es igual de divertido, con Jack Black interpretando el improbable personaje de Fridge del profesor Sheldon en lugar de Bethany de la película anterior. Karen Gillan se ve muy bien como la Lara Croft-tesca Ruby Roundhouse, y tiene un momento particularmente memorable que involucra un cambio divertido entre ella y el profesor Sheldon.

La película también presenta algunos nuevos personajes, incluida Awkwafina en el papel de una ladrona llamada Ming. Los veteranos Danny DeVito y Danny Glover causaron una gran impresión al interpretar a dos antiguos mejores amigos que se convirtieron en enemigos. Incluso los animales en CGI y las piezas de acción han sido mejorados grandemente, con dos de los aspectos más destacados de esta secuela implicando una persecución en las dunas del desierto con buggies y una manada de avestruces. Luego, está el set de acción emocionantemente escenificado donde el grupo tiene que sobrevivir a una tropa de mandriles enojados mientras saltan de un puente de madera colgante a otro. Esto último parece una escena sacada directamente de una película de Indiana Jones o de Pirates Of The Caribbean.

En general, la película conserva algunos defectos, en particular una repetición del mismo momento de baile de lucha de Karen Gillan, mientras que el aspecto característico de Dwayne Johnson de vez en cuando tiende a ser un poco cansón. Dejando a un lado algunas deficiencias, el director Jake Kasdan ha hecho un buen trabajo cambiando las cosas al darle a la película muchas buenas sorpresas e ideas frescas, todo sin afectar su potencial como lo hizo la última vez. Al final, Jumanji: The Next Level es sorprendentemente más divertida que Welcome To The Jungle. Agrega nuevos personajes, habilidades y chistes. Tengo que admitir que hubo algunos patrones repetidos de Welcome To The Jungle, pero en el camino también agregaron varias cosas que trajeron un aire fresco a toda la película. Además, creo que esta secuela transmitió mensajes más profundos que en la película anterior, enmarcados por los problemas de los personajes, en los que muchos de nosotros podemos relacionarnos en nuestra vida real. La lección que obtuve de esta secuela es que todos en nuestras vidas llegamos al final, pero eso no significa que todo haya terminado. Significa que todo lo que tenemos que hacer es vivir en el presente y mirar las cosas con diferentes perspectivas. La trama de la historia es un poco ligera y predecible, pero aún así es una secuela que muchos podrán disfrutar. Nota adicional: hay una escena durante los créditos finales que da paso una posible tercera película de Jumanji.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: A Beautiful Day In The Neighborhood

En 1998, Lloyd Vogel (Matthew Rhys) y su esposa, Andrea (Susan Kelechi Watson), le dan la bienvenida a un bebé a sus vidas. Lloyd también está muy preocupado por su pasado, y enojado cuando le piden reunirse con su padre, Jerry (Chris Cooper), para la boda de su hermana. Cuando la reunión termina en una pelea, Lloyd trata de bloquear todo en su vida, pero su trabajo al escribir para la revista Esquire lo lleva a Pittsburgh para entrevistar a Fred Rogers (Tom Hanks) y obtener un artículo sobre héroes estadounidenses, en contra de sus estándares periodísticos. Bajo protesta, al reunirse con Fred, Lloyd es desarmado por el anfitrión de Mister Rogers' Neighborhood, conociendo a la estrella del programa y captando su vida como un hombre de fe e interés en el valor emocional de los niños. Permitiendo que el cinismo y el dolor lo lleven por el mal camino, Lloyd crea una conexión con Fred durante su tiempo juntos, y le brinda la oportunidad de hacer las paces con su ira a medida que se desarrolla su amistad.

Desde el momento en que comienza la película y Fred Rogers abre la puerta para ponerse su cardigan rojo, las emociones comienzan a golpear. Estamos hablando de un verdadero héroe estadounidense que representa lo mejor que la sociedad tiene para ofrecer. Después de todo, él es Mister Rogers, el hombre que algunos de nosotros crecimos viendo en la televisión. Lo primero que deben saber es que Tom Hanks hace una representación extrañamente precisa del legendario presentador de televisión infantil Fred Rogers. Vestido con el icónico cardigan rojo, su recogido cabello gris, un comportamiento tranquilo y sereno, incluso ante una pregunta grosera o dos, Hanks hace un trabajo notable al capturar al menos la cara pública del artista, educador y ministro, un hombre que enseñó amor y empatía a millones de mentes y corazones todas las tardes durante décadas a través de la transmisión pública. Lo segundo que deben saber sobre la película en sí es que Mister Rogers no es el centro de la historia, sino más bien un personaje secundario. Eso significa que nunca tenemos suficiente tiempo o propiedades narrativas para profundizar en su personalidad, su historia de fondo o el viaje que lo convirtió en el ser humano aparentemente santo, reconfortante y pacífico que vimos en la televisión.

Eso nos lleva a la tercera cosa sobre A Beautiful Day In The Neighborhood. La película trata principalmente sobre el periodista Lloyd Vogel. Vogel (basado libremente en el periodista de la vida real Tom Junod) es un imbécil aburrido, autocompasivo y perturbado. Está tratando los problemas del mundo de la manera más desagradable posible y sus encuentros con Mister Rogers lo alivian gradualmente de su cinismo e infelicidad mientras lo perfila para la revista Esquire. Al igual que muchos protagonistas masculinos en las películas hoy día, Vogel tiene problemas con su padre (Chris Cooper, en una actuación inusualmente dominante) pero termina trabajando con ellos con la ayuda de su nuevo amigo y el apoyo de Andrea. Ella es su esposa, madre de su hijo recién nacido, y soporta las idioteces de su esposo mucho más de lo que debería.

Esta es una película que representa lo mejor que la sociedad tiene para ofrecer. Si le gustaba la frase o no, Fred Rogers era "un santo". Hay algunos momentos en la película que también muestran lo modesto que era el hombre mientras vivió. Durante una de sus sesiones de entrevista, Lloyd Vogel le pregunta a la estrella de televisión sobre ser famoso. "La fama es una palabra de cuatro letras" dice Rogers. "Lo que importa es lo que hacemos con ella". Rogers ciertamente tiene una forma de ver algo en personas rotas, incluso alguien tan cínico como Vogel. De toda la gente que Esquire quería perfilar como héroe, él era el único dispuesto a hablar con Vogel. Cuando los dos se conocen, Vogel comienza a convertirse poco a poco en una persona diferente.

Tengo que admitir que me encantó la forma en que la directora Marielle Heller aborda la dirección de la película. Hablando visualmente, las tomas se inspiran en el programa de televisión con muy pocas tomas establecidas. Es una idea genial si me preguntan. Incluso en el guión, me fascinó cómo decidieron abordar el tema de un periodista cínico. Puede que Vogel tenga una de las peores reputaciones del mundo, pero la película nos permite ver a Fred Rogers a través de sus ojos. No puedo pensar en nadie mejor para el papel de Fred Rogers que Tom Hanks. Uno es un héroe nacional. El otro es el actor más agradable de Hollywood según su reputación. No puedo enfatizar lo suficiente cuánto encarna a Rogers en el papel. Lo que es aún más sorprendente es cómo pudieron recrear el set del programa. No solo esto, sino que todo en sí se recreó en los estudios WQED en Pittsburgh. Lamentablemente, el mayor defecto de la película es Matthew Rhys en el papel principal. Tal vez sea el personaje tal como está escrito o tal vez sus propias deficiencias, pero Rhys da una de las actuaciones más desagradables e irritantes que he visto en una película este año, asfixiando irónicamente cualquier empatía que se pueda sentir por Vogel en una película que supuestamente se trata sobre descubrir alguna.

Fred Rogers tiene toda la razón cuando se trata de la fama. Uno puede usar su fama como una forma de difundir la conciencia o se puede elegir no hacer nada en absoluto. Lo que hizo Fred Rogers fue usar su plataforma (y uno también diría fama) como una forma de dirigirse a los muchos espectadores que lo veían a diario. Los temas no se limitaron solo a las cosas felices. También abordó temas oscuros, como las tragedias que golpearon a la nación, ya que eran asuntos que él consideraba importantes. Pero, una vez más, sabemos lo que representa Fred Rogers porque algunos de nosotros vimos Mister Rogers' Neighborhood de niños. A lo largo de los años, han habido películas que han sacado lo peor de la sociedad. Sin embargo, aquí hay algo para ver, ya que Fred Rogers nos da una sensación de calma. Él es la persona que nos hará saber que todo estará bien. Incluso si las cosas no salen bien, nos trae esperanza cuando viene la tormenta.

En general, esta película trata sobre el impacto de Mister Rogers en la vida de una persona. Sin embargo, mirando un poco más allá revela mucho más, ya que es una mirada a la condición humana y la comprensión excepcional de Mister Rogers. Explica la importancia que las personas tienen en la vida de los demás y cuánto dependemos unos de otros, algo que Mister Rogers entendió y ejemplificó mucho en el trabajo de su vida. A veces necesitamos que Mister Rogers lo explique, ya que siempre encuentra una manera de hacer que sea fácil de entender y que uno se sienta mejor. El mundo podría hacer más con Mister Rogers y esta película nos muestra exactamente por qué. Al final, A Beautiful Day In The Neighborhood es una película espectacular y una de las experiencias cinematográficas más maravillosas que he visto en mi vida. Tom Hanks ofrece lo que es nada menos que el rendimiento de toda una vida. Es simplemente increíble. Sutilmente, con arte y sensibilidad, Tom Hanks se convierte en Fred Rogers y es como si el propio actor desapareciera. Bellamente escrita y maravillosamente dirigida, esta es una película que vivirá en el corazón del público durante generaciones venideras. Tom Hanks les arrancará el corazón y se los devolverá lleno de amor y comprensión. Este es un logro histórico en una película que seguramente se convertirá en un clásico.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 10 De Diciembre Del 2019

Once Upon A Time In... Hollywood (teniendo 5 versiones: la regular, la DigiPack + LP Collector's Edition, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la exclusiva de Target que trae un Film Magazine y la exclusiva de Wal-Mart que trae 5 Vintage Postcard Set)

IT: Chapter Two (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Hustlers

Linda Ronstadt: The Sound Of My Voice

Freaks

The Fanatic

Review: Midway

Después de que Estados Unidos es sorprendido por la incursión de Japón en Pearl Harbor, el oficial de inteligencia y teniente comandante Edwin Layton (Patrick Wilson) advierte a sus superiores, el almirante Chester Nimitz (Woody Harrelson) y el vicealmirante William "Bull" Halsey (Dennis Quaid), que más ataques vienen en camino. Estados Unidos responde con la incómoda incursión del Doolittle's Raid bajo el mando del teniente coronel Jimmy Doolittle (Aaron Eckhart), y las tensiones posteriores provocan la culminante batalla de Midway. Allí, el temerario piloto y teniente Richard "Dick" Best (Ed Skrein) se distingue al derribar dos portaaviones japoneses, cambiando la ventaja en el Pacífico para las potencias aliadas.

Midway rinde homenaje a los héroes estadounidenses caídos, aunque la película también puede ser una secuela espiritual de una película de la Segunda Guerra Mundial ambientada en el Pacífico, Pearl Harbor (2001). Pero vamos a sacar algo del camino inmediatamente. Roland Emmerich ciertamente se siente atraído por dirigir películas que tienen una gran cantidad de acción en ellas. Al mismo tiempo, esta película no sufre de los problemas que perjudicaron a Pearl Harbor de Michael Bay. Por esto, estoy agradecido. Vemos algunas de las mismas batallas representadas en ambas películas, principalmente Pearl Harbor y Doolittle’s Raid. Aquí es realmente donde terminan las comparaciones. Para nuestra ventaja, el guión presenta más personas reales que en Pearl Harbor. Algún tiempo después de que Japón despertó a un gigante dormido el 7 de diciembre de 1941, los estadounidenses descubrieron que un plan japonés estaba tomando forma. Uno que vería a la Armada Imperial Japonesa ir tras las Islas Midway. Lo que sucedió después probablemente desafió todas las probabilidades en aquel momento.

Luego de los trágicos eventos en Pearl Harbor, la Marina de los Estados Unidos no estaba en su mejor forma, al menos en el Pacífico. Lo que nadie podría haber esperado es que las fuerzas estadounidenses le dieran una dura batalla a los japoneses. Sin embargo, esto es exactamente lo que sucedió. La película se centra en tres áreas. En el USS Enterprise, tenemos a Richard "Dick" Best, Clarence Dickinson y Bruno Gaido. En Pearl Harbor, la atención se centra en el oficial de Inteligencia Naval Edwin Layton, el descifrador de códigos Joseph Rochefort y el Almirante Chester W. Nimitz. Finalmente, y en el lado de Japón, tenemos al Almirante Isoroku Yamamoto, y los oficiales japoneses Tamon Yamaguchi, Kaku Tomeo y Chūichi Nagumo. Sin lugar a dudas, Midway es una mejora importante sobre Pearl Harbor. Una razón para esto es porque está contando la historia a través de las personas reales que estuvieron allí.

Por suerte, tenemos algunos momentos donde la película tiene tiempo para respirar. Estos momentos son necesarios en una película que de otro modo está llena de tensión sin parar. Mientras estoy en el tema de la edición, hay momentos en que la película se corta para dar conversaciones importantes que tienen lugar en ambos lados del Pacífico. Al mismo tiempo, la película juega más con la acción que estamos acostumbrados a ver en cualquier cosa dirigida por Roland Emmerich y el guión sin lugar a dudas aprovecha increíblemente la investigación disponible a lo largo de los años. Como resultado, se nos permite ver un lado de los japoneses que nunca antes habíamos visto. Además, no hay un desorden en términos de cronología. Hay un breve prólogo cuatro años antes de Pearl Harbor, pero esta película ofrece una batalla de Pearl Harbor mucho mejor que la vista en la película del 2001. Eso no dice mucho, pero le doy crédito a Roland Emmerich por querer que la película fuera lo más auténtica posible.

Para los fanáticos del cine, el director John Ford estaba en el lugar correcto y en el momento correcto. O sería el lugar equivocado y en el momento adecuado? En cualquier caso, el Comandante de la Reserva de la Marina de los Estados Unidos estuvo presente para filmar lo que eventualmente se convirtió en el documental de 18 minutos, The Battle Of Midway (1942), y que también ganaría un Premio de la Academia. Ahora... el aspecto más débil de la película son los interludios dramáticos de seres queridos preocupados, comandantes problemáticos y las representaciones de algunas de las personas involucradas, pero incluso esto es tolerable. También debería decir que la película no muestra tanta sangre como lo que realmente sucede en los combates, por lo que no tiene escenas gráficas como las presentes en Saving Private Ryan (1998). Realmente no me importó eso. Lo que impulsa esta película son las secuencias de acción y las batallas que muestran la destructividad de las herramientas de guerra en ese momento. La breve pero impresionante recreación del ataque de Pearl Harbor comienza la película con secuencias de barcos, aviones y personas hechas pedazos. Verán todos los eventos tanto a nivel micro como macro. Afortunadamente, la película no trata a los japoneses como personas sin sentido como lo hacen tantas películas de la Segunda Guerra Mundial, y presenta sus dilemas y sus comentarios de manera bastante justa.

En general, esta es probablemente la primera vez en más de 50 años que Hollywood hace una película de guerra sólida sin incluir una trama romántica ingeniosa y artificial, empujando alguna agenda política radical o reescribiendo la historia. La película logra empacar mucho en su duración de 2 horas y 18 minutos. Cubre el ataque a Pearl Harbor, la tensión y dinámica del Commander/U.S. Pacific Fleet/Washington, la ascensión del almirante Chester Nimitz al mando del Pacífico, la contribución del teniente comandante Edwin Layton a la imagen de la inteligencia, el genio de Joe Rochefort, un vistazo a la conciencia del almirante Isoroku Yamamoto, la tenacidad del almirante William "Bull" Halsey, el ascenso de la aviación naval, una pequeña parte de la contribución de los submarinos a la batalla, y la batalla en sí, para incluir el increíble heroísmo de los aviadores navales del Yorktown y el Enterprise. Al final, Midway es una película excelente. No solo hace que la historia (en su mayoría) sea correcta, sino que es una representación justa, elegante y excelente que enorgullece a sus figuras históricas. No habían personajes ficticios o historias de amor cursis como en la Midway original (1976) o Pearl Harbor. Muestra la historia de la batalla naval y el heroísmo de sus protagonistas de la vida real al frente y al centro, y es la mejor y más históricamente precisa película de la Segunda Guerra Mundial de los últimos tiempos. Es una de las pocas películas que realmente presenta y destaca la guerra aérea en el Pacifico.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Irishman

Frank Sheeran (Robert De Niro) es un conductor de camiones de entrega de carne con antecedentes de asesinatos a sangre fría en la Segunda Guerra Mundial que entra en una nueva línea de negocios después de un encuentro casual con Russell Bufalino (Joe Pesci), un jefe de la mafia que busca a alguien para ayudar a hacer cumplir las reglas de conducta criminal. Convirtiéndose en un asesino a sueldo para Russell, Frank construye una reputación de ser confiable y despiadado con sus objetivos. Comenzando una familia y estableciéndose a su ritmo, Frank es presentado a Jimmy Hoffa (Al Pacino), cuyas batallas como jefe de la Hermandad Internacional de Teamsters lo han convertido en un objetivo, lo que requiere los servicios de un guardaespaldas para extender su poder. Mientras Frank sirve obedientemente a Jimmy y Russell durante tres décadas, el costo de su propia vida comienza a pasarle factura, ya que se divorcia de su primera esposa, pierde la conexión con sus hijas, incluida Peggy (Anna Paquin), y los hombres con los que se rodea comienzan a sucumbir a la violencia del estilo de vida.

En esta esperada película de mafiosos de Martin Scorsese, The Irishman, el tiempo fluye a lo largo de tres décadas de la manera que esperamos del cineasta que lo visualiza mejor que nadie. La música de la época y los escenarios cambian, los crímenes se vuelven más audaces y grandes, pero la gente no cambia. No donde cuenta, de todos modos. Esa parece ser una de las conclusiones extraídas por Scorsese aquí, ya que se asoma al alma del prolífico hitman de la mafia Frank Sheeran, quien al final de su vida está devastado por los recuerdos de las muchas personas que mató y amigos que traicionó. The Irishman en cierta manera me recuerda un poco al reciente éxito de Quentin Tarantino Once Upon a Time... In Hollywood, porque es una pieza de época y también porque se necesita saber un poco de historia para entender la dirección de la narrativa. La película, mientras sigue a Frank Sheeran como el personaje principal, gira en torno al presidente de la Unión Nacional de Teamsters James Riddle Hoffa (interpretado con intenso y gracioso fervor por Al Pacino). Afortunadamente, Frank hace todo lo posible para narrar la historia a el público y ofrece una buena dosis de contexto para aquellos que no somos de la era de Kennedy. Lo principal que se necesita saber al ver esto es que Jimmy Hoffa tenía vínculos con la mafia, que desapareció en 1975 y fue aparentemente asesinado por los jefes de la mafia por ser "poco cooperativo".

La película se desarrolla en cuatro actos y es contada durante varias décadas por Frank Sheeran. Frank es presentado como un veterano de la Segunda Guerra Mundial que maneja camiones de entrega de carne en Philadelfia y zonas cercanas. Un día tiene la brillante idea de robar algunos de los filetes que entrega y venderlos al mafioso local Felix "Skinny Razor" DiTullio. Finalmente, su descarada voluntad de violar la ley llama la atención del jefe de la mafia italiana Russell Bufalino, que resulta ser un mafioso a nivel nacional. Bajo su tutoría, Frank se convierte en un hombre despiadado para la mafia italiana y explica con un entusiasmo bastante entretenido cómo hace su trabajo correctamente. Russell luego presenta a Frank a Jimmy Hoffa, el presidente de la Unión Nacional de Teamsters. Su relación crece y Hoffa se convierte en el segundo mentor de Frank. Juntos utilizan la intimidación y el soborno para ganar influencia hasta la elección de John F. Kennedy, quien designa a su hermano Bobby Kennedy como Fiscal General e inmediatamente persigue a Hoffa.

Las primeras dos horas y media de la película son las más divertidas, y en particular el final del tercer acto es una de las partes más tensas y dramáticas que he tenido el placer de ver recientemente. En una cena para Frank (quien eventualmente se convierte en jefe de la Unión Nacional de Teamsters), las tensiones entre Hoffa, Bufalino y los otros mafiosos llegan a un punto de ruptura, y se toma la decisión de hacer desaparecer a Hoffa. Pero en un giro desgarrador, Frank es el encargado de hacer el trabajo. En una hermosa exhibición de cinematografía durante una acumulación de treinta minutos, Scorsese obliga a uno como espectador a estar al borde del asiento con el temor de lo que está por suceder. La actuación de Robert De Niro en estos momentos es de clase magistral. El conflicto interno es aún más evidente gracias a todo el tiempo que pasamos viendo a Frank ser criado por Bufalino y Hoffa en igual medida.

Alejándome un poco de la trama, la película es realmente y sorprendentemente divertida. En una escena en particular, alguien insulta a un viejo Bufalino en una cena. Él y Frank intercambian miradas, y la escena de repente se corta a una cama de hotel cubierta de armas. Luego, Frank narra con excesivo detalle y un cómico desapego el arma ideal para un asesinato público. Momentos como estos están plagados por toda la película y evitan que se atasque demasiado en su violencia. Es impresionante lo rápido que vuelan los chistes, dada la cantidad desproporcionada de personas que reciben disparos en la cabeza. Pero cualquiera que haya visto Goodfellas (1990) o The Departed (2006) de Scorsese se sentirá como en casa.

El corazón de la película es definitivamente Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci. De Niro, que es de edad avanzada, tiene un CGI demasiado excesivo, ya que se supone que es más joven que Pacino y Pesci. Si bien es bastante obvio, nunca me distraí demasiado para no disfrutar de lo que se desarrollaba en la pantalla. Además, De Niro ha hecho una carrera con una sola expresión facial, lo que probablemente fue un poco más fácil de editar. Al Pacino es un chiste (de buena manera) como Hoffa, y es sin duda uno de los personajes más arrogantes y exagerados que Pacino ha interpretado en mucho tiempo. Joe Pesci como Bufalino es escalofriante, y es divertido verlo de jefe de la mafia en esta película después de ser un mafioso de nivel menor en Goodfellas. La tutoría entre los personajes de De Niro y Pacino y Pesci es asombrosamente entretenida. Tristemente, lo único que me impide darle una puntuación perfecta a esta película es su duración. 3 horas y 30 minutos es mucho tiempo, y aunque ocurre con poca frecuencia, la película se arrastra en ciertas partes. Esto es más evidente en el cuarto acto donde Frank nos da una introspección de sus últimos años e intenta lograr la reconciliación por todos los asesinatos que ha cometido. Realmente no ofrece ningún cierre o parece necesario para concluir la narrativa.

En general, este es el final de una era. El resumen de la carrera de Scorsese, De Niro, Pesci y Pacino, y una declaración final de estos maestros de la actuación. Es una película épica y magistral de la mafia. Es una película reflexiva sobre la grandeza y las pérdidas. Finalmente, Scorsese ha traído el encanto perdido de las películas de mafiosos después de tantos años, pero no esperen que esta película sea tratada de la misma manera que Goodfellas, y la violencia en esta película no es tan extrema en comparación con sus otras películas de este género. Hagan lo que hagan, asegúrense de verla. Películas como esta no aparecen con demasiada frecuencia, y esta es una película perfecta para este grupo de leyendas que dudo veamos juntos de nuevo. Es algo agridulce, pero si esto es una despedida de parte de Scorsese, De Niro, Pacino y Pesci al género de mafia, entonces es una nota increíblemente alta para decir adios. Al final, The Irishman es la mejor película de mafia de Scorsese en años, y se siente como un producto de una era diferente. Que llegue y sea presentada gracias a los esfuerzos pioneros de Netflix debería ser una acusación a los principales estudios de Hollywood que se han deteriorado en los últimos años. Pero dada la reciente indignación por los comentarios recientes de Scorsese, y que muchos lo llaman viejo y fuera de contacto con la realidad, The Irishman es una prueba de que él es irreemplazable, es vital y está más en contacto con la realidad como nunca. Combinando comedia, violencia, hermandad y drama, Scorsese ha creado una fórmula que al día de hoy continúa funcionando. Y el hecho de que siga haciendo excelentes películas a sus 76 años me deja boquiabierto. Muy bien hecho Mr. Scorsese.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.