Monday, January 28, 2019

Review: A Private War



En un mundo donde el periodismo está bajo ataque, Marie Colvin (Rosamund Pike) es una de las corresponsales de guerra más célebres de nuestro tiempo. Colvin es un espíritu totalmente intrépido y rebelde, conducido a las líneas del frente de los conflictos en todo el mundo para dar voz a los que no tienen voz, mientras prueba constantemente los límites de la valentía. Después de ser golpeada por una granada en Sri Lanka, y perder la vista en su ojo izquierdo, ella usa un parche distintivo y está aún más cómoda bebiendo martinis con la élite de Londres mientras entrevista y se enfrenta a los dictadores. Colvin sacrifica las relaciones amorosas y, con el tiempo, su vida personal comienza a desmoronarse a medida que el trauma de la que es testigo le pasa factura. Sin embargo, su misión de mostrar el verdadero costo de la guerra la lleva, junto con el reconocido fotógrafo de guerra Paul Conroy (Jamie Dornan), a embarcarse en la tarea más peligrosa de sus vidas en la asediada ciudad de Homs en Syria.

A Private War es menos una autobiografía sobre un ser humano excepcional y una mujer verdaderamente intrépida, y es más bien una explicación de una década de miedo, ira, guerra, terror y verdadero horror no ficticio. La película sigue a la periodista Marie Colvin de 2001 a 2012, siguiendo sus viajes desde Sri Lanka, Irak, Irán, Chechenia, Kosovo, Libia, y fatalmente, Syria. Si bien la historia está básicamente ambientada en países desgarrados por la guerra, el mostrar a Colvin, a la que le dispararon, le explotó una granada al lado de ella y se esquivaba constantemente o se cubría con las manos, muestra que la guerra no se desensibiliza para nadie. En cambio, el escenario de la guerra se convierte en este viaje terriblemente afligido de la verdad y la comprensión de por qué esta mujer decidió voluntariamente aventurarse a las partes más peligrosas del mundo por una historia.

Sin embargo, queda claro que el obtener una historia está lejos del objetivo de Colvin como periodista. En cambio, Colvin estaba interesada en solo en una cosa, y no, no es la verdad. La obsesión de Colvin fue siempre sobre las historias individuales de las personas que recibieron boletos de primera fila para ver los eventos terroristas que tienen lugar en sus hogares, sus patios, y literalmente, sus experiencias. Ya sea que las mujeres se lamenten por la muerte de sus esposos, hijos, hermanas o hermanos, que los hombres compartan sus pérdidas, o los niños que sangran junto a ella en las camas de los hospitales empapadas en sangre seca, Colvin descubre la verdad de muchos de los viciosos ataques de los dictadores y los funcionarios del gobierno a través de las verdades de los civiles, contrastándolos con las mentiras de estos funcionarios "civilizados" del gobierno y miembros del parlamento.

La película tiene muchos factores contribuyentes que la hacen un éxito, comenzando con el rendimiento fuerte y dominante de Rosamund Pike. Aunque nunca he visto entrevistas de Colvin antes de ver esta película y solo he leído sobre ella y sus historias en el pasado, ver videos de YouTube de ella y comparar su actitud y voz con la de Pike es casi increíblemente aterrador. Pike toma su voz ronca y llena cada línea y escena con el mismo nivel de fuerza intoxicante similar al enfoque de Colvin respecto al alcohol. Mientras que la película hace sus propias suposiciones sobre la vida privada y personal de Colvin, incluidas sus aventuras sexuales, uno de los aspectos de la película que realmente deseaba tuviera más tiempo fue el foco y la preocupación por el aparente trastorno de estrés postraumático.

El director Matthew Heinman decidió no hacer la película sobre la vida, los juicios y las tribulaciones de Colvin, sino más bien es un relato de la inhumanidad que ella había catapultado voluntariamente. Sin embargo, pequeños comentarios aquí y allá sobre la salud general de Colvin, especialmente por su colaborador y amigo Paul Conroy, afirma que "ella ha visto más guerras que la mayoría de los soldados", es una decente pero insatisfactoria explicación sobre el bienestar mental de Colvin. Aparte de Rosamund Pike, Jamie Dornan da una actuación muy buena como Paul Conroy, elevando sus habilidades de actor. Además, Tom Hollander da una magnífica actuación moral o inmoral como el editor de Colvin, Sean Ryan, un hombre que como amigo y consejero profesional de Colvin la empuja a seguir estas historias, a pesar del peligro que él sabe que la pone año tras año.

La película evoluciona con cada escena que pasa a través de su tiempo de duración. La evolución de una periodista cínica y quizás suicida brilla a lo largo de 1 hora y 50 minutos de realización cinematográfica con la intención de mostrar las verdaderas calamidades de la guerra. Y Rosamund Pike sin duda sobresale como Colvin, dando escalofríos como una corresponsal de guerra que escribe sobre personas y no sobre  bombas, explosiones o espectáculos violentos. Sufrimiento, muerte, dolor, ira, miedo, es la historia sobre la que escribe Colvin, pero la esperanza, el intelecto y el conocimiento del pasado es el producto final de su legado. Colvin inspira con su valentía y su actitud inquebrantable para compartir las historias de las personas y, sobre todo, al descubrir las realidades de la guerra y la naturaleza grotesca de la violencia y el caos. Tan convincente como es la historia de Colvin, así como su actitud hacia su profesión, no es de extrañar que su necesidad de estar en países devastados por la guerra no fuera solo una adicción, sino una obligación para ella. Su deseo, respeto y deber hacia su oficio es una inspiración no solo para los periodistas de todo el mundo, sino también para la gente. Nadie en su sano juicio ha hecho o hará lo que Marie Colvin ha hecho por el periodismo, y mucho menos por la cobertura de la guerra.

En general, Marie Colvin se preocupó por las personas que entrevistó. Vio lo peor pero hizo lo mejor para presentar la dura realidad, pero a qué costo? El de su vida? El trabajo de su vida? El término vida normal puede tener muchos significados diferentes para muchas personas, y aunque casarse, tener hijos y tener un trabajo estable puede definir el esquema de lo que es normal frente a lo que no es, la única constante que la película me mostró como un espectador normal fue que, sin importar lo que hagas, siempre que lo hagas con convicción, pasión y corazón, incluso el estar escribiendo esta crítica para una película tan conmovedora sobre una vida afligida, es que hacer lo que amas es mucho más importante que no hacer nada en lo absoluto. Al final, A Private War reitera que en una época de engaño universal, decir la verdad es un acto revolucionario. Además, nos permite vislumbrar los efectos psicológicos del periodismo y sentir el estrés constante de estar rodeado de tragedias y peligros. Es un homenaje apropiado para una mujer valiente y muy hábil y una película muy importante para ver. Altamente recomendada.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Sunday, January 27, 2019

Review: The Wife



El célebre autor Joe Castleman (Jonathan Pryce) acaba de recibir el Premio Nobel de literatura, y se enfrenta a una larga celebración en Estocolmo con su esposa, Joan (Glenn Close). Alimentándose de la gloria de la victoria, que le permite una oportunidad para deleitarse con su considerable ego, Joe da la bienvenida a las festividades, mientras que Joan es una esposa obediente, apoyandolo con apariciones públicas y cuidando los detalles de su medicación para el corazón. Mientras que la pareja trata con los sueños de su hijo David (Max Irons), un aspirante a escritor que completó su primer cuento, también se encuentran con la llegada de Nathaniel (Christian Slater), un escritor que busca dejar su huella al escribir una biografía sobre Joe. Fracasando al encantar al hombre de la hora, Nathaniel habla con Joan y la inspira a reflexionar sobre su historia personal con la persona con la que se casó, enfrentando la dura realidad de sus propios sueños desperdiciados de convertirse en una escritora.

La razón principal para ver esta película son las actuaciones de los dos intérpretes principales. Jonathan Pryce interpreta al profesor Joe Castleman, un autor que pronto recibirá el Premio Nobel de Literatura. Su personaje puede ser un escritor muy famoso y exitoso, pero también es narcisista, egoísta y adúltero. Decir que Joe no es una persona muy agradable es una subestimación. Jonathan Pryce es un experto en este tipo de papel y lo hace extremadamente bien. Al otro lado del espectro ético está su amada esposa, Joan. Ella ha dedicado toda su vida a su prolífica carrera, además de criar una familia y brindarle todas sus necesidades básicas. Actuada por Glenn Close, ella es ciertamente eso y más. Glenn Close es un tour-de-force. Ella ofrece una actuación reveladora llena de matices y vulnerabilidad. Ver la sutileza y el dolor sobrepasar a su personaje y, finalmente, construir una liberación de emociones es un festín notable de sus dotes de actuación.

También hay un buen elenco de apoyo de parte de Max Irons como su hijo David, un aspirante a escritor que desea la aprobación de su padre, y Christian Slater como un biógrafo imprudente que desea documentar la historia de vida no contada del escritor. Como la pareja más joven, Henry Lloyd y Annie Starke intentan completar las piezas faltantes lo mejor que pueden. La trama, ese secreto oculto (o no tan oculto), entre estos dos personajes es evidente en esta película debido a la dirección estándar de Björn Lennart Runge. Simplemente no eleva ni construye ningún suspenso real. El director recorre su película muy lentamente y cuenta su historia con poco encanto.

Si bien el guión carece de coherencia, contiene algunos momentos de ingenio con la pareja en disputa. El diálogo se convierte en un clímax fuerte pero demasiado melodramático. La trama es muy formulada... es la mujer detrás del hombre que hemos experimentado muchas veces antes. La historia de fondo, que involucra los flashbacks de una joven Joan y un joven Joe en los comienzos de su relación, exige mucha más claridad y un tiempo de pantalla más largo para desarrollarse de manera adecuada. Tal como está, uno como espectador nunca se conecta con las historias tan efectivamente como podrían haber sido presentadas.

En general, la película es buena para mostrar un matrimonio disfuncional interpretado perfectamente por Glenn Close y Jonathan Pryce. La excelente filmación y la edición le dan a esta película una voz clara para la demografía que aborda. Es una lástima que el material sea sumamente lento y nunca alcance el nivel de excelencia de sus actores. Al final, The Wife aborda el tema de que no hay un lugar para las mujeres en el mundo literario, y de la misma manera de como ayudaron e instigaron a este tipo de sociedad limitada. La película es en gran medida una pieza actoral que se presenta más como una obra teatral, que como una película. El director Björn Lennart Runge hace un trabajo admirable con el elenco, pero hace poco para disipar la noción de una producción semi-inerte. Lo único memorable de esta película es la actuación de Glenn Close.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Saturday, January 26, 2019

Review: Bad Reputation



Joan Larkin sabía que quería ser una estrella de rock desde que obtuvo su primera guitarra en Navidad a la edad de 13 años, pero no sabía de que habrían muchos obstáculos para hacer su sueño realidad. Cuando el manager Kim Fowley unió a Joan Jett (tomando el nombre de soltera de su madre como nombre artístico), Jackie Fox, Lita Ford, Sandy West y Cherie Currie para formar The Runaways, no habían otras bandas de rock femeninas en la escena musical o sonando en la radio... porque existía una política con respecto a cuanta música por artistas femeninas podían/tenían que tocarse por hora (el número era mayor que cero pero menor que dos). Aun así, las jóvenes perseveraron y, mientras los críticos de los Estados Unidos se burlaban de su ascenso a la fama, el mundo las aclamaba. Pero por mala suerte, malas administraciones llevaron al grupo a la ruptura y Jett quedó devastada. Entró en una depresión la cual se automedicaba con alcohol y drogas. Incluso pensó en unirse al ejército para enderezar su vida, pero fue el rock n roll lo que la salvó. Le presentaron a Kenny Laguna, un famoso productor que escuchó algo en Jett. Al formar una banda que se conoció como The Blackhearts, Laguna combinó sus conocimientos de la música pop con los instintos del hard rock de Joan para crear una especie de híbrido musical que llevó al éxito a Joan Jett And The Blackhearts.

Uno de los problemas que tienen los críticos de cine es que, con frecuencia, con los documentales tienden a revisar más el tema tanto como la película. Ciertamente soy culpable de eso y la tentación de hacer eso con un ícono como Joan Jett es casi irresistible. No se puede evitar admirar a Jett como músico. En una época en que la mayoría de las mujeres eran obligadas a tocar rock suave, baladas, música pop o música folk, Jett quería tocar rock. Quería ser como uno de los chicos en el escenario, como Pete Townshend, Jimmy Page, o Eric Clapton. La gente de la industria la miraría como si fuera de otro planeta y le decían que las chicas no rockean, que cantan dulcemente y ciertamente no gritan.

No se puede negar que Joan Jett es digna de un documental, pero el problema con este documental es la falta de profundidad. El director Kevin Kerslake no parece inclinado a examinar algunos de los temas más oscuros de la vida de Jett, como las acusaciones en el libro de Cherie Currie de que Kim Fowley había acosado sexualmente a las chicas de The Runaways. Jett ciertamente está al tanto de esas acusaciones y se pensaría que en esta era de MeToo, al menos querría comentarlas. También hay detalles asombrosamente pequeños sobre cómo llegó Joan de Pennsylvania a Hollywood, su tiempo en la escuela secundaria, si pudo volver a conectarse con sus ex compañeras de banda de The Runaways o incluso quiénes son sus influencias personales como músico. Ver este documental es muy parecido a poner una imagen a través de una trituradora para luego ser arrojada a la basura y ser rescatada para montar los pedazos. Faltan muchas piezas y las que se presentan están incompletas.

Sin embargo, y a pesar de todo, Jett es sincera. Ella no aborda en su sexualidad, y no creo que deba hacerlo, lo que ha sido tema de conversación durante décadas. En todo caso, creo que Jett está casada con el rock n roll y esa es la fuente de su sexualidad y su creatividad. Es su centro y su salvación, y a menudo su maldición. Es el amor más grande de su vida, y como todas las relaciones, ha tenido sus altas y bajas, pero todavía le es leal. Eso es muy admirable si me preguntan. Es probable que no respeten más a Jett como músico después de ver esto, o quizás si lo hagan. Si eres de esa mentalidad, puedes encontrarte respetándola más como persona como lo hice yo. Como parte del documental, también hay entrevistas con Billie Joe Armstrong de Green Day, Debbie Harry de Blondie, Ian MacKaye de Fugazi, Iggy Pop, Miley Cyrus e otras innumerables leyendas de la música que dicen anécdotas, elogian la carrera de Jett y presentan una imagen más clara de la persona real detrás de la fama. También hay entrevistas con los actores Michael J. Fox y Kristen Stewart, quien interpretó a Jett en la película The Runaways (2010).

En general, la historia de Joan Jett es un victorioso "vete a la mier.." para una industria dominada por hombres como una demostración literal de por qué se necesita el feminismo, entonces y ahora, más que nunca. No solo explora la imagen de Jett y las capas agregadas de hostilidad y confusión que su género le da al término estrella del rock, sino también cómo teje sus elementos dentro del mundo de la música, su estética y subculturas, y el cine, creando así su propio pequeño mundo. Al final, Bad Reputation es un documental con suficiente información para mantener al espectador interesado. Hace un buen trabajo presentando la vida de Jett desde el comienzo de su carrera hasta hoy. Aunque, mientras comienza a expandirse en los hechos, termina por señalarlos para luego apresurarse a los créditos. Sin lugar a dudas, Joan Jett es un ícono del rock que merece todos los elogios que recibe, pero podría haber deseado una mejor biografía de ella que esta. Vale la pena verse, pero deja a uno pidiendo más.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Fyre



Si alguna vez hubiera un tema perfecto para un documental, sería el fracaso del festival Fyre del 2017. Creado para ser una experiencia de concierto junto con las aventuras del estilo de vida de la era de las redes sociales, el festival le daba la bienvenida a los huéspedes a un paraíso en las Bahamas para que experimentaran lujos y pasaran el tiempo con famosas celebridades. Fue el sueño de los co-fundadores Billy McFarland y el magnate del hip hop Ja Rule, quien le prometió el mundo a los compradores de boletos, tratando de establecer el nombre de la marca Fyre como una nueva fuerza en la escena. Sin embargo, lo que realmente ocurrió durante el fin de semana inaugural de Abril 27 y 28 de 2017 fue un completo desastre relacionado con falsas promesas, una planificación deficiente y un fraude absoluto. El director Chris Smith arma un rompecabezas de desconcierto y culpa, emergiendo con Fyre, una visión sumamente detallada de la arrogancia y la desesperación que es absolutamente fascinante ver como se desarrolla.

Recuerdo haber visto el infame video promocional de este festival (no es que sea lo suficientemente rico para asistir a este tipo de evento, pero lo vi para poder contemplar el sueño que otras personas iban a vivir) y sentirme confundido al verlo. Qué es exactamente? Es un festival de música, pero todo lo que se ve es este paisaje caribeño con yates, jetskis y chicas en bikini. No es que pareciera un anzuelo, pero claramente fue una promoción que podría haber sido hecha por una de las miles de personas influyentes sin sentido en esta era de Instagram donde la gente está más ocupada convirtiendo su vida en una promoción en lugar de vivirla y disfrutarla. También recuerdo haber leído un artículo que documenta la magnitud del desastre que fue el evento. Ese artículo es lo que me hizo entender que en realidad se suponía que era un festival de música (por eso fue que ni me molesté en analizar ese tipo de detalle después de ver ese video promocional, ya que parecía la basura típica y sin sentido que aparece de vez en cuando en Instagram).

Luego, más de un año después, sale este documental de Fyre y decido verlo. Esta es una historia interesante en la que lo que inicialmente se percibe como pura ingenuidad se convierte claramente en un engaño, y donde las expectativas de grandeza y los sueños y promesas que se vendieron se inflaron artificialmente a través de las redes sociales. Y en ese último punto, creo que este documental hace un trabajo bastante decente al burlarse de cómo las redes sociales y las personas influyentes en el mundo de hoy tienen que ver más con el estilo sobre la sustancia, las expectativas frente a la realidad, y la cultura de atraer a las personas con artículos de lujo y estilos de vida. Pregunto... cuántas historias hemos escuchado a lo largo de los años de personas que viven la buena vida, solo para irse a la bancarrota unos años después? Tristemente hoy día este es el nuevo concepto de los 15 minutos de fama.

El documental reúne satisfactoriamente una cantidad de entrevistas con personas que trabajaron en el evento, imágenes y videos en el lugar antes, durante y después del evento, y otros momentos significativos que muestran los verdaderos colores de Billy McFarland y Ja Rule, los fundadores de esta estafa. Se obtiene una idea de sus mentalidades en todo momento, ya que Ja Rule y McFarland no tienen ningún conocimiento sobre la realidad y no aceptarán un no por respuesta, independientemente de si lo que quieren hacer está dentro del ámbito de lo posible o no. Simplemente no les importa. Están en el Caribe, siempre tienen una cerveza en sus manos, y no se preocupan por las logísticas del evento, hasta el último segundo, cuando se ponen de espaldas contra la pared, pero toman el dinero de sus clientes a pesar de todo. Como mencioné antes, parece que realmente estaban haciendo todo lo posible para materializar la visión que tenían. Sin embargo, esa visión se revela pronto como algo que obviamente no sucederá, con montañas de desafíos financieros y logísticos que simplemente no pueden lograrse, algo que podría haberse predicho fácilmente si los fundadores no hubieran sido tan tercos.

La estructura del documental se convierte rápidamente en una cuenta regresiva para el evento, y obviamente, todo aumenta a medida que se acerca y se sabe que todo está a punto de explotar a un nivel catastrófico. Si bien puede ser difícil sentir lástima o compasión por los jovenes que pudieron gastar $25,000 en ese fin de semana y ser estafados, Fyre desconcierta un poco la mentalidad que atormenta a la sociedad y revela el vacío detrás de cada imagen de la lujosa vida publicada por estos influenciadores en Instagram a una escala mucho más amplia dando un excelente ejemplo del vacío creado y promovido en las redes sociales.

En general, este documental ilustra la perfecta analogía de la ilusión de las redes sociales con el desastre del festival Fyre. Algunas cosas son demasiado buenas para ser verdad, e incluso pueden ser una apariencia de algo mucho peor. Es un documental importante para crear conciencia sobre los problemas de las redes sociales y el concepto de entender lo que se necesita para hacer algo que parece imposible. Al final, Fyre es la anatomía de un documental moderno sobre un desastre que está muy bien organizado, un momento tras otro. Vale la pena verlo si nunca han oído hablar de este fiasco o si tienen curiosidad acerca de cómo se desarrolló todo esto.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 29 De Enero Del 2019



Suspiria

The Nutcracker And The Four Realms (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Reign Of The Supermen (teniendo 3 versiones: la regular, la DigiBook Graphic Novel exclusiva de Best Buy y la SteelBook exclusiva de Target)

Hunter Killer (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Studio 54: The Documentary

The Wife

Friday, January 25, 2019

Review: Polar



Duncan Vizla (Mads Mikkelsen) está a punto de cumplir 50 años y se prepara para retirarse de Damocles, una organización de asesinos dirigida por Blut (Matt Lucas). Dejando el estilo de vida de asesino, Duncan está listo para cobrar una fortuna de pensión por sus esfuerzos y se instala en su remota casa en Montana, viviendo junto a Camille (Vanessa Hudgens), una joven que no se ha adaptado a la vida al aire libre. Desafortunadamente, Blut está en bancarrota, y para evitar que se le pague a Duncan, le ordena a su mejor escuadrón de asesinos, el A-Team, que encuentre a la figura sombría conocida como The Black Kaiser, y que lo maten. Duncan, un paso por delante del plan, intenta evitar la detección, utilizando sus habilidades naturales para encontrar respuestas sobre por qué está siendo atacado, confiando en la intermediaria Vivian (Katheryn Winnick). Mientras que el A-Team cruza los Estados Unidos en la búsqueda de Duncan, el asesino encuentra tiempo para hacer amistad con Camille, atraído por algo especial acerca de ella, con la esperanza de fortalecerla a medida que su amistad se desarrolla.

Basandome en el material promocional de la película, otra serie de acción reciente viene a mi mente y esa es la serie de John Wick. Esta comparación es justa, pero quizás la mayor diferencia entre las series Polar y John Wick son sus personajes principales. Mientras que las dos primeras películas de John Wick son más o menos historias de venganza, Polar asume el control de su asesino y lo obliga a enfrentar su vejez. La historia está basada en la novela gráfica del mismo nombre y se trata de un asesino a punto de retirarse llamado Duncan Vizla, también conocido como The Black Kaiser. Desafortunadamente para él, sus antiguos empleadores tenían otros planes, marcándolo para ser asesinado.

A lo largo de su carrera, Vizla se había ganado una gran reputación. Se nos muestra por qué, ya que la película presentaría recuerdos rápidos de su trabajo cuando intenta establecerse en una pequeña ciudad de Montana. El contraste entre su vida anterior y la de la pequeña ciudad es como la noche y el día (que probablemente fue la razón por la que eligió vivir allí en primer lugar). El mundo que Vizla pensó que había dejado atrás es cómicamente exagerado, desde sus personajes hasta sus entornos. Esto solo hizo que su nueva vida en un pequeño pueblo se sintiera aún más normal en comparación. Ver a un hombre de la talla de Vizla tratando de adaptarse a la vida de un pueblo pequeño era algo digno de contemplar, pero claramente no iba a durar mucho. A Vizla lo llaman para un último trabajo antes de la jubilación con un gran pago, pero resultaría ser una trampa para eliminarlo como una forma de no tener que pagarle su pensión. Sus empleadores eventualmente aprenderían que eliminar a el hombre conocido como The Black Kaiser sería más fácil decirlo que hacerlo, independientemente de su edad.

Desafortunadamente, Vizla tendría que compartir la película con un equipo más joven de asesinos que tenían la tarea de matarlo. El entusiasmo juvenil y la crueldad del equipo estaban destinados a contrastar con la naturaleza calmada y calculada de Vizla, sin embargo, todas sus diferentes personalidades, algunas más prevalecientes que otras, los hicieron casi caricaturizados e insoportables de ver. Aunque una gran parte de la película sería un juego de el gato y el ratón entre Vizla y el equipo, era difícil preocuparse por cualquiera de ellos, ya que Vizla era un personaje mucho más interesante que cualquiera de ellos, o de cualquier otro personaje. También reteniendo a Vizla y/o la película fue su relación con Camille, que tenía su propia historia trágica.

Basta con decir que la película se tarda un poco en tomar velocidad, pero una vez que lo hace, no hay marcha atrás. Esta película fue brutal y no se contuvo cuando llegó a su nivel de violencia. A pesar de que Vizla pudo haber estado envejeciendo, definitivamente no perdió sus destrezas. Verlo desechar a cualquiera y todos los que se interponían en su camino fue increíblemente satisfactorio de ver gracias a una gran coreografía de peleas y trabajo de cámara. Hubiera sido bueno haber visto más de eso. En última instancia, la película termina con un giro muy bien merecido y satisfactorio. La mejor parte de la película, sin lugar a dudas, fue la excelente actuación de Mads Mikkelsen como Vizla. Fue convincente de ver gracias a su encanto y su carisma. El podría estar haciendo cualquier cosa, pero es difícil quitarle los ojos de encima. Es casi perfecto como el tipo fuerte y silencioso. Vizla pudo haber sido un hombre de pocas palabras, aunque cada vez que hablaba lo hacía en voz alta. Vanessa Hudgens como Camille puede haber sido un personaje innecesario, sin embargo, tuvo una actuación pasable y una buena química con Mikkelsen. El premio para el cameo más raro en una película proviene de parte de Richard Dreyfuss, quien aparece brevemente cerca del final de la película.

En general, esta es una muy buena película de acción que no puede distanciarse mucho de la conocida serie de películas de John Wick, pero aún así ofrece una pieza de carácter convincente liderada por una excelente actuación de Mads Mikkelsen. Vizla es un personaje sumamente interesante que tenía algunas oportunidades de brillar, sin embargo, la historia evitó que él y la película explotaran todo su potencial. Definitivamente, habían muchas cosas que se podían hacer aquí y puede que a veces hayan cosas que sean demasiado exageradas, pero la película estaba en su mejor momento cuando se enfocaba en Vizla. Al final, Polar es una película de acción que entretiene de una forma pervertida. Está llena de humor negro, de adrenalina y de mucha sangre. Si bien la violencia de la película seguramente no será para todos, los fanáticos de las películas de acción a quienes les gusta la violencia extrema encontrarán mucho para disfrutar aquí.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Wednesday, January 23, 2019

Review: Death By Metal



Fundada en Florida en 1983, Death esencialmente sentó las bases para el metal extremo estadounidense que se conoce el día de hoy. Chuck Schuldiner es considerado como el padrino del death metal, una trituradora técnica en la guitarra que manejaba uno de los gruñidos más reconocibles de todo el metal. Vemos la evolución de Chuck a traves de su primera banda, Mantas, pasando a Scream Bloody Gore, uno de los mejores álbumes de debut del death metal de todos los tiempos, a las progresiones de sus álbumes posteriores como Human, Individual Thought Patterns y Symbolic, y luego con su otra banda Control Denied con The Fragile Art Of Existence. Chuck era un músico único que nunca se tomó a sí mismo o al género demasiado en serio, lo llevó más allá y nunca se preocupó por lo que otros decían que el death metal debería ser. Death By Metal es un documental que brinda a los fanáticos una idea de la vida de Chuck Schuldiner, desde su ascenso al estrellato en el heavy metal, hasta el tumor cerebral que lo llevó a su muerte prematura en el 2001.

Como amante de la música metal y fanático de la banda Death, tuve que ver este documental. Es un documental que profundiza en la historia de la legendaria banda de death metal, con entrevistas con familiares, amigos y, por supuesto, miembros de la banda. El cineasta Felipe Belalcazar ha creado un fantástico tributo con Death By Metal, pero lo que más admiro es que la película no cubre las cosas relacionadas con los asuntos personales y profesionales de Chuck. Los ex miembros ​​Steve DiGiorgio, Gene Hoglan, Richard Christy, Chris Reifert, Bill Andrews, Terry Butler, Shannon Hamm, Bobby Koelble, Sean Reinert, y otros, comparten sus historias de los buenos y malos tiempos. Desde la infame pelea con Dark Angel que llevó a Death a abandonar la gira, a la aparición de Chuck en Headbanger's Ball donde exhibió con orgullo una camisa cubierta de gatitos, Death By Metal está repleto de toneladas de información, incluso de historias que los fanáticos nunca han escuchado.

Otro aspecto de este documental que aprecié, es que no fue por completo una carta de amor para Chuck. Hubieron muchos puntos de vista y perspectivas acerca de que, a veces, era difícil trabajar con Chuck. Parecía que era muy callado, una persona hogareña, incluso tímido hasta cierto punto y eso le dificultaba tener comunicación a veces. Se dio cuenta de que era pasivo/agresivo, no comunicativo, y luego atacaba y despedía a los miembros de la banda, ni siquiera haciéndolo el mismo, sino dejando que alguien más hiciera el trabajo sucio, por decirlo así. Seamos realistas, hubieron más de 30 miembros en Death a lo largo de los años, por lo que era a su manera o adiós. En un momento dado, se revela que incluso su propio manager estaba demandando la banda. Todo ese triste episodio llevó a Schuldiner que dejara su propia banda brevemente y perdió la oportunidad de una gran gira europea, lo cual esta bien documentado aquí. Sin embargo, todo lo que se presenta es un buen homenaje al hombre, la banda y su visión.

A pesar de que el enfoque principal de este documental es Death y Chuck Schuldiner, también toca la historia y la evolución del death metal. Varios miembros de la banda hablan sobre la creación de los demos, el intercambio de los cassettes y la escena del death metal en Florida. Esto ayuda a crear una mirada completa e informativa sobre el género. Esto es un documental bien producido, ya que sigue un camino lógico y cronológico de la vida de Chuck Schuldiner y la alineación siempre en movimiento de la icónica banda. Tiene una duración de 1 hora y 47 minutos, y afortunadamente la película tiene los derechos para usar la música de Death. Alguna vez han visto un documental donde la película no tiene los derechos para usar la música de la banda? Eso molesta... y mucho, pero aquí la música, por suerte, es la mejor y la más pesada que podrán escuchar. Death By Metal es una montaña rusa de emociones de la mejor manera posible. Se reirán, levantarán sus manos con la señal de cuernos y lo más probable es que derramen alguna lágrima cuando el documental se adentre en la trágica pérdida de uno de los músicos más creativos del metal.

En general, el legado de Death realmente ha sido asegurado. Durante varios años, Relapse Records ha estado haciendo la campaña de reedición del catálogo de Death y ahora la joya de la corona es este documental. Cliché tal como es, esto es un vistazo obligatorio para todos los fanáticos de Death y más allá, todos los fanáticos del metal extremo para ayudarnos a comprender cómo un solo hombre se convirtió en la fundación y la figura icónica de una forma de música que continúa hasta el día de hoy. Al final, Death By Metal presenta la singular visión, el sonido y la constante evolución de una de las mejores bandas del death metal. Es probable que la mayoría de los metalheads ya estén familiarizados con la historia de Death, pero aquí tenemos una visión personal de que Chuck Schuldiner era un individuo exigente, y que nunca antes se había explorado la psicología personal detrás de su dinamismo. Esto es un vistazo absolutamente necesario para cualquier fan del metal o del death metal.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Sunday, January 20, 2019

Review: Robin Hood



En una época desconocida, Robin of Loxley (Taron Egerton) vive una vida como un aspirante a noble, enamorando a Marian (Eve Hewson), su compañera más consciente socialmente, y ambos construyen una vida juntos a la sombra del malvado Sheriff de Nottingham (Ben Mendelsohn). Ansioso por librar su tierra, el Sheriff envía a Robin a Arabia para participar en las Cruzadas, dejando que el joven se pudra en combate. Sin embargo, Robin se demuestra hábil con un arco y flecha y poderoso con honor, impresionando al guerrero islámico Yahya (Jamie Foxx), quien siente algo específico sobre su enemigo. Abandonado a morir, Robin regresa a Inglaterra, descubriendo cómo el Sheriff gobierna su tierra y le quita el dinero a la comunidad minera de Nottingham para alimentar su alianza secreta con la Iglesia Católica, destruyendo así el legado del Rey. Entrenado por Yahya, Robin se convierte en The Hood, utilizando sus dones para robar a los ricos y dar a los pobres, creando una imagen de justicia y rebelión que el malvado Sheriff quiere que se apague. Robin también se encuentra con Marian, que creía que su amado estaba muerto, y ahora comparte sus afectos con el aspirante político, Will (Jamie Dornan).

Es un cuento contado cientos de veces, de muchas maneras diferentes, Robin Hood y su banda de ladrones con Lady Marian a su lado. Esta última versión es protagonizada por Taron Egerton como el antihéroe epónimo, con Jamie Foxx como su compañero Yahya o John. Ahora, usaré el término entretenido de una manera muy diferente aquí, porque no hay otra manera de describir lo absolutamente ridículo que sucede en la película. Absolutamente ridículo, pero muy divertido. A medida que comienza la historia, se nos dice que ignoremos todo lo que hemos conocido sobre el héroe (para algunos eso no es una buena señal, para mí es algo intrigante). Se nos dice que Robin Hood es en realidad Lord Robin of Loxley, un descendiente rico con un corazón de oro. Después de evitar por poco la muerte durante una temporada en las Cruzadas, regresa a su casa para saber que ha sido declarado muerto, su enamorada está con otro hombre y su riqueza ha sido secuestrada por el Sheriff de Nottingham. Ahora, en las versiones antiguas de la historia, el Sheriff simplemente toma los recursos de la gente simplemente para enriquecerse. Aquí él usa el dinero para financiar la guerra en las Cruzadas.

Eso es todo lo que necesitan saber. No puedo decir nada más porque estropearé algunos otros giros en esta nueva versión, pero sí, eso es, y funciona. Hoy en día, muchos críticos le dan tanta importancia a las películas como si fueran un trabajo de nivel de los Premios de la Academia. Estoy aquí para decir que, de vez en cuando, una película debe aparecer y demostrar que no se debe tomar en serio. Robin Hood es una de esas películas. Al igual que Venom, es el tipo raro de película en el que se perdonarán todos los pecados del cine a medida que avanza. Hay momentos en los que la película intenta provocar algún miedo o te hace sentir tristeza por un personaje en particular, pero no funciona. Te hace reír, y eso está bien. En verdad, no quiero dar la impresión de que esta película fue "tan mala que fue buena", bueno, un poco. Para una película que simplemente debería fracasar, tiene éxito (en su mayoría).

Realmente aprecié esta versión moderna del cuento, pero definitivamente se encontrarán pensando en otro vigilante disfrazado en muchas partes de la película (sí, Batman). Ese personaje es obviamente la inspiración para lo que buscaban hacer aquí. Hay algunas grandes escenas de acción y algunos momentos de rudeza de parte de Egerton y Foxx. Sabes que se están divirtiendo con sus roles, especialmente Mendelsohn, quien creo que está tratando de arrinconar cada uno de los roles de villano que pueda encontrar. Todo es entretenimiento de grado A. Los efectos, la cinematografía y la coreografía de las peleas no pueden ocultar el hecho de que es una película que los críticos deben destruir como innecesaria o que no debería existir. Estoy aquí para decir que necesitamos más películas como esta. A veces, es suficiente que nuestra principal razón para ver una película es divertirnos y desconectar el cerebro por un par de horas. Con la temporada de Oscares acercandose, necesitamos películas como esta para descomprimirnos por un rato.

En general, si están esperando un cine de alto nivel, lo siento mucho. Se equivocaron de película. Pero si están dispuestos a ver entretenimiento de grado A en el que pueden perderse, entonces esta película es para ustedes. Incluso da indicios de una secuela. Las películas más pequeñas tienen la audacia de hacer una locura como esta, pero con Robin Hood estoy deseando que hagan la siguiente historia. Al final, Robin Hood es una película agradable y entretenida. La historia es un poco diferente y tal vez podría haberse desarrollado un poco más, pero tiene buenas escenas de acción, un buen diálogo y una buena historia. Si van con una mente abierta y no intentan visualizarla como otra película de Robin Hood, la disfrutarán.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Saturday, January 19, 2019

Review: A Star Is Born



Jackson Maine (Bradley Cooper) es un importante artista musical que llena estadios mientras comparte su versión de rock 'n' roll con folk con la nación. También es un adicto al alcohol y las drogas, que se mantiene en pie gracias a su manager/hermano Bobby (Sam Elliot), que trabaja horas extra para preservar lo que queda de la dignidad de su hermano. Una noche, mientras se encontraba en un bar, Jackson observa a Ally (Lady Gaga) en el escenario, quedándose completamente enamorado de ella y su talento para cantar y componer. Alejando a Ally de su vida cotidiana, Jackson entrena a la joven cantante en los caminos de la construcción de canciones, convirtiéndola en una artista de grabación muy solicitada mientras los dos se enamoran gradualmente. Al Ally convertirse en un importante acto de música pop con la oportunidad de conquistar el mundo, los problemas y adicciones de Jackson aumentan, lo que obligan a Ally a elegir entre la carrera que ella siempre ha soñado y el compromiso que ha hecho con un hombre que está en una situación psicológica terrible.

Si eres un aficionado casual del cine, es probable que ya hayas escuchado el argumento de que la originalidad está muerta en Hollywood. Vivimos en una era en la que incluso los Ghostbusters ya no son sagrados. Donde no te sorprenderías si alguno de los grandes estudios anunciara una nueva versión de The Godfather o Citizen Kane. Esos remakes podrían capturar a algunos miembros de la audiencia, pero la mayoría de las veces no capturan los corazones de la audiencia. Ciertamente no capturan a los críticos y no se llevan a casa ningún premio importante. Todo eso cambia con A Star Is Born. Sin embargo, cambio es una palabra clave cuando se trata de remakes (o remakes de remakes de remakes). Para que esto funcione, los cineastas no solo tienen que estar cerca de las ideas de la película original, sino que tienen que tener una razón para volver a contar la historia. Es un delicado equilibrio. Todas las versiones de A Star Is Born (esta siendo la cuarta) siguen a una celebridad en el declive de su carrera, dañada por los años de excesos que renace repentinamente cuando se encuentra con una joven cantante. Los dos se enamoran, pero mientras se desarrolla su relación, sus carreras van en direcciones diferentes.

El director y co-protagonista Bradley Cooper toma prestados elementos de la versión clásica de 1976 de Barbra Streisand y Kris Kristofferson de A Star Is Born, ya que la dinámica entre los dos depende de la industria de la música. Cuando Streisand y Kristofferson rehicieron la película, rompieron una de las expectativas antes mencionadas, ya que ambos ganaron Golden Globes por sus actuaciones. Quizás Cooper se inspiró más en el rendimiento que en la estética, ya que la actuación es un aspecto que brilla en esta versión. Los personajes de Jackson Maine y Ally manejan toda la historia en lo que es esencialmente una película con solo media docena de personajes notables. Bradley Cooper y Lady Gaga tienen una química increíble, y desde el momento en que los ves juntos en la pantalla por primera vez, sientes la conexión. Cooper crea hábilmente una intimidad entre Jackson y Ally, sin la cual la historia no sería tan exitosa. En estadios que albergan a miles de fanáticos, en pequeños camerinos llenos de Drag Queens, en una ruidosa barra, en el estacionamiento de un supermercado, Cooper utiliza tomas estrechas y un sonido impecable para que parezca que estás son las únicas dos personas en el mundo. Entiendes su encanto, ves su vulnerabilidad y los dos actores dan interpretaciones estelares.

Aún así, no le quitan mérito a un pequeño pero poderoso elenco de apoyo. Hubo algunos momentos brillantes y sorprendentes de Dave Chappelle como Noodles, un viejo amigo de Jackson que reitera lo mucho que Ally ha revitalizado su vida y carrera. La mayor sorpresa vino por parte de Andrew Dice Clay como Lorenzo, el padre de Ally. Tanto Clay como Chappelle trajeron grandes momentos de amor y humanidad en sus pequeñas interacciones con los dos personajes principales. Sam Elliot también me sorprendió en su papel de Bobby, el hermano mucho mayor de Jackson. Explican la discrepancia de edad, pero el resto se explica por sí mismo con toda la frustración, las peleas y la familiaridad que conlleva esa relación. Elliot en su tiempo practicamente pequeño en pantalla, muestra el lado más suave de su oficio, ocultando momentos de tristeza cuando se trataba de su difícil relación con su hermano, escondido solo ligeramente por su icónico bigote.

Todo esto plantea la pregunta: Bradley Cooper merece todos los elogios como director o el elenco? Lo que puedo deducir de la película es que Cooper definitivamente tuvo su elenco en la misma página, ya que independientemente del tiempo en pantalla, estos actores hacen que te preocupes por sus personajes. Hay innumerables momentos fundamentales de la historia donde estos personajes pueden hacer algo frustrante o impulsivo. En lugar de simplemente reconocer que estos son obstáculos para empujar la historia aún más, me encontré en varias ocasiones gritandole a un personaje como en una película de terror para que no vaya a la habitación donde se esconde el asesino. Esta película hace que desees que los protagonistas tengan éxito, incluso cuando se trata de subtemas relacionados con la celebridad, el arrepentimiento, la depresión y el abuso de sustancias. Y eso es porque estás en sumergido en lo que ocurre todo el tiempo. Eres parte de esta historia de amor. La película te atrapa desde el principio con la ruidosa audiencia en un concierto, el ritmo de la música en el escenario y Jackson con su hipnótica forma de tocar para miles de personas. Si eres una de las millones de personas que han visto el trailer de esta película, estoy seguro de que sabes exactamente de lo qué estoy hablando, se trata de una película extremadamente atractiva y poderosa.

La música es otro gran elemento ya que se mete dentro de ti, no solo dentro de tu cabeza, donde te encuentras tarareando una suave melodía campestre cantada por Cooper, se mete dentro de tu corazón y tu alma. Se repite una y otra vez hasta que eres tú quien no quiere dejarlo ir. Si bien se debe felicitar a Cooper por tomarse en serio su oficio y hacer un buen trabajo cantando, es aquí donde brilla Lady Gaga, para sorpresa de nadie. La carrera de Ally, al igual que en la primera mitad de la película, despega, y todo lo que puedes hacer es aguantar hasta que te das cuenta de que la cantante es una poderosa baladista. Te preguntas, al igual que su personaje "cómo llegamos aquí?", pero en ese punto, estás contento de ver este viaje. Es un testimonio de la capacidad de Lady Gaga, si no fuera por su entrega de sinceridad y humildad, el viaje de su personaje parecería forzado e insatisfactorio. Sin embargo, debido a la actuación de Gaga, se disfruta el momento en que Ally finalmente puede abrazar quién es ella y valientemente cantar sus canciones sin inhibiciones. En una película con tantos momentos que te atrapan, la música es sin duda uno de mis aspectos favoritos.

En general, creo que Bradley Cooper debería ser felicitado simplemente porque como director unió todas las piezas de esta película de una forma perfecta. La música, los actores, la cinematografía, y el diseño de sonido estaban muy bien equilibrados para crear la mejor versión posible de esta historia, convirtiéndola en la estrella más brillante. Al final, A Star Is Born es una película que los llevará a otro mundo lleno de emociones. Lady Gaga tiene impresionantes habilidades de actuación, y lo muestra aquí. Las canciones son arte puro y su voz les dará escalofríos, simplemente se encontrarán llorando, o casi a punto de llorar. No necesito hablar sobre el legendario Bradley Cooper, es simplemente increíble. Esta es, literalmente, una de las mejores películas del 2018 y una de las mejores películas musicales/románticas de todos los tiempos.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 22 De Enero Del 2019



First Man

The Hate U Give

Friday, January 18, 2019

Review: Glass



Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) ha capturado a otro grupo de adolescentes, manteniéndolas encerradas en preparación para alimentarlas a The Beast, la más violenta y no humana de sus muchas personalidades. David Dunn (Bruce Willis), quien trabaja con su hijo, Joseph (Spencer Treat Clark), se está convirtiendo en el héroe The Overseer, que salva el día con su fuerza sobrehumana. Sin embargo, antes de que The Beast y The Overseer puedan luchar hasta la muerte, su pelea es interrumpida por la Dra. Ellie Staple (Sarah Paulson), quien dirige un hospital psiquiátrico especial en Philadelphia, y se especializa en curar a las personas que creen que están dotadas de superpoderes como en los comics. También en la instalación está Elijah Price (Samuel L. Jackson), un genio malvado que ahora es un zombi medicado, lo que le da a la Dra. Staple la oportunidad de concentrarse en Kevin y David, mientras que Joseph trabaja para liberar a su padre usando información del pasado, y Casey  Cooke (Anya Taylor-Joy) regresa a la vida de The Beast luego de escapar de su ira, esperando calmar la tormenta dentro de Kevin.

Para empezar, no soy el mayor fan de Split, pero después de ver el trailer de Glass, M. Night Shyamalan me atrapó y me convenció. Se veía emocionante e intrigante. La premisa de nuestros tres personajes principales (McAvoy, Jackson y Willis) es estar encerrados en una sala psiquiátrica mientras un médico intenta convencerlos de que sus poderes y habilidades están en su cabeza y que todo es el resultado de algún tipo de trauma del pasado. Son superhéroes o simplemente sufren de delirios de grandeza, tal como dice la psiquiatra? La película es tan inteligente en inculcar esta creencia dentro de sus personajes que incluso uno comienza a creerla, aunque se haya visto a estos personajes cometer actos sobrehumanos de increíble fuerza y ​​agilidad. Aún así se encontrarán pensando que tal vez todo esté en sus cabezas y tal vez no sean tan especiales después de todo. La película se pone un poco lenta una vez que llega al centro psiquiátrico, pero eso me pareció muy interesante, ya que las conversaciones que tienen los personajes siempre son atractivas, incluso si algunas estaban llenas de mucha exposición.

Las actuaciones fueron fenomenales, de verdad. Bruce Willis fue espectacular, Samuel L. Jackson interpretó al Mr. Glass a la perfección, y por supuesto James McAvoy fue increíble. Verlo cambiar de personalidad y actuar como personas diferentes sin esfuerzo fue increíble. Es suficientemente difícil pretender ser una persona, pero fingir ser diez? No puedo imaginar lo difícil que debe haber sido para él. En serio, realmente no puedo enfatizar lo fantástico que McAvoy estuvo en esta película. Y sí, Anya Taylor-Joy fue encantadora. Claro, ella podría no ser el personaje principal esta vez, y quizás tuvo una participación pequeña en un par de escenas, pero fue buena en todas las que estuvo. Y, gracias a Dios, porque algo que me molestó fue lo que le sucedió. Lo que le ocurrió a Anya al final de Split fue arreglado aquí (la situación con su tío), y me alegró que, al menos, esa trama tuviera un final feliz. Hablando de finales felices... Glass no tiene uno.

No necesito finales felices en mis películas, realmente no. Sin embargo, esperaba que, después del final de Split, Glass terminaría con una nota más alegre. En su lugar, M. Night Shyamalan me volvió a atrapar, sacando la alfombra de debajo de mí y terminando la película en una nota deprimente. Quiero decir, wow! Cuando el tercer acto estaba llegando a su fin, pude sentir literalmente que la luz, la alegría y la felicidad que había adquirido al ver los primeros dos actos de esta película se me fueron en cuestión de segundos. No estoy bromeando. Claro, hubo momentos de acción, aunque emocionantes, se sintieron un poco fuera de lugar en este género de superhéroes. Pero... cuándo el tercer acto estaba llegando a su fin, y la conclusión estaba llegando, y yo estaba sonriendo, Shyamalan tuvo que (triste y lamentablemente hacerlo) lanzar un giro en la trama, y mi sonrisa se desvaneció por completo. Literalmente no podía creer lo que estaba viendo.

La película se convirtió en una total miseria. Simplemente no entiendo lo que estaba pensando M. Night Shyamalan. Después de Split uno pensaría que querría un final feliz para sus personajes, pero no, en lugar de eso, obtenemos una solución abrupta, una resolución en la que se introduce una nueva trama y todo se desecha con la misma rapidez porque se presenta durante los últimos diez minutos de la película. Obtenemos un final que establece una historia de origen, y un final que, por alguna razón, trata de expandir y ampliar este universo cinematográfico. Shyamalan nos alimenta con su idea de lo que debería ser un final épico a gran escala, pero lamentablemente nos abofetea con uno de los finales más desastrosos que he visto en una película. Simplemente no entiendo. Sé que es su película y él puede hacer lo que quiera, pero déjale algo al espectador! Los sentimientos y emociones que que uno siente al final de una película es lo que más se recordará, lo que se asociará y juzgará en una película. Cuando te aseguras de que el final de tu película sea una de las catástrofes más grandes de la historia del cine, y sin ninguna advertencia, realmente no puedes culpar al público por no gustarle la película, verdad?

En general, no odio esta película. De hecho, me estaba encantando por completo... hasta los últimos 25 minutos. Sé que tengo que juzgar una película no basandome en lo que quería, sino en lo que obtuve, y desafortunadamente, lo que obtuve fue un final sombrío y deprimente que arruinó por completo lo bueno de la primera hora y 35 minutos de la película. Al final, Glass es una película que me encantó, pero, por otro lado, el final me llenó con una sensación de vacío que por desgracia no permite que pueda darle una puntuación alta. Y eso fue muy decepcionante. En lugar de seguir adelante con un gran final, M. Night Shyamalan decide dar un giro para sorprendernos, sin darse cuenta de que no todas las películas requieren un giro para ser satisfactorias.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Wednesday, January 16, 2019

Review: Vice



En 1963, el residente de Wyoming Dick Cheney (Christian Bale) vive en un estado de embriaguez y decepcionando a su esposa, Lynne (Amy Adams), quien le exige que limpie su vida y descubra cómo avanzar en la vida. La respuesta de Dick fue ingresar a la política como ayudante en el Congreso para Donald Rumsfeld (Steve Carell), estableciéndolo en una carrera en Washington a lo largo de los años 70 y 80, dándole acceso a la única cosa que él más valora: el poder. Incapaz de hacer realidad una carrera presidencial, Dick se retira y se hace presidente y CEO de una compañía llamada Halliburton, pero es llamado fuera de ese retiro para reunirse con George W. Bush (Sam Rockwell), quien le ofrece a Dick una oportunidad a la vicepresidencia, inspirando al político para hacer un trato con el candidato que se distrae fácilmente, posicionándose como el hombre a cargo de la nación sin importar el título que lleve.

Lo que realmente me motivó a ver Vice, junto con el trailer, fue la participación de Adam McKay como escritor/director. Su trabajo en Big Short fue increíble y ha mostrado un gran crecimiento como cineasta. Este era un tema importante y con su capacidad para explicar problemas complicados, estaba seguro de que me esperaba algo memorable. Me impresionó el hecho de que él pudo replicar el estilo de Big Short en Vice. El presenta explicaciones y bromas únicas y, aunque yo quería ver más de ellas, la película me mantuvo entretenido con muchas risas y un drama apasionante. Con McKay siendo un famoso partidario demócrata, creen que era un gran fan de Dick Cheney? La película definitivamente tiene en mente que Cheney es una fuerza manipuladora que se preocupa poco por las soluciones humanitarias a problemas terribles en todo el mundo, en oposición a un visionario patriótico.

A pesar de eso, me sorprendió que la película intentara darle a Cheney algo de humanidad a través de sus interacciones con su hija Mary (interpretada por Alison Pill) y también tiene un par de momentos tiernos con su esposa Lynne. He leído entrevistas que McKay hizo donde la pregunta era si su película sobre Cheney sería mal recibida por ambos lados del pasillo político estadounidense. Es demasiado dura para los conservadores pero demasiado ligera para los liberales? Creo que esto es correcto, Cheney está esculpido a lo largo de la película como un imbécil, pero poco a poco crece en su papel y desarrolla sus propios colmillos. El monólogo final de Cheney muestra cómo se siente realmente con respecto a su legado, pero le daré crédito a McKay por contenerse un poco en lugar de ir directo a la yugular.

Si el tema no llama la atención de inmediato, tal vez lo haga el espectacular elenco repleto de estrellas. Christian Bale interpreta a nuestro protagonista Dick Cheney. Bale es un camaleón y, sinceramente, olvidé que estaba viendo a alguien actuar como Dick Cheney. Amy Adams hace un trabajo maravilloso como la esposa de Chaney, Lynne. Ella es una veterana y se le debe dar tanto crédito como a sus co-protagonistas por tomar lo que podría ser un personaje olvidable y hacer mucho con el. Pienso que Sam Rockwell hizo un trabajo más discreto como George W. Bush del que esperaba. El juega con la confusión y la ignorancia de Bush, pero su representación no es tan maliciosa, y creo que fue genial. Steve Carell se ha convertido en un actor dramático de élite. El hace su trabajo aquí y, aunque tiene una cantidad pequeña de tiempo en pantalla, su actuación es sólida. Hubo muchos rostros reconocibles en cameos y en breves partes de apoyo, algunos de mis favoritos fueron Jesse Plemons, Alfred Molina, Tyler Perry, Alison Pill, Naomi Watts y Don McManus.

Continuaría alabando esta película pero tiene algunos leves puntos negativos. La primera mitad de la película es un poco lenta, ya que contiene una gran cantidad de información pertinente sobre Dick y Lynne Cheney y, hubo estiramientos en algunas escenas en los que estaba esperando que acelerara el ritmo de la trama. Vice tiene el sentido salvaje y estilo que quería de ella, con cortes para bromas y representaciones visuales que me hicieron reír. Solo quería más de eso en la película. El trailer la retrata como una comedia, pero esta película también contiene mucho drama y afecta profundamente. Si bien hay algunas pequeñas concesiones a la familia Cheney (más de lo que esperaba), la dirección y la inclinación de la historia de Cheney es decididamente de una sola manera.

En general, me encanta la dirección en la que va el trabajo de Adam McKay, y Vice presenta una nueva perspectiva sobre un tema complicado. Mientras que él hace un trabajo decente al explicar las complejidades de los tratos de Cheney, nunca pierde de vista el punto que está tratando de presentar. El reinado de Cheney como vicepresidente dirigió no solo a los Estados Unidos, sino también al mundo en la dirección en la que ahora nos encontramos. Al final, Vice es una película que sabe quién es su audiencia y desprecia el resto, siendo conservador o no. Esto no es un relato heroico de Cheney, su familia o sus colegas, y aunque me sorprendió que le hayan dado a Cheney algo de humanidad, es el villano de toda la pieza. La recomiendo altamente si están interesados en ver una mirada divertida pero informativa sobre el gobierno de George W. Bush o desean ver lo que debería ser una gran competidora en la temporada de Oscares.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Sunday, January 13, 2019

Review: Suspiria



El año es 1977, y Susie Bannion (Dakota Johnson) se ha mudado de Ohio a Berlín para unirse a la Academia de Danza Markos, con la esperanza de impresionar a la estimada Madame Blanc (Tilda Swinton). Las bailarinas están entusiasmadas con Susie tras la pérdida de su colega Patricia (Chloe Grace Moretz), quien recientemente confesó a su psicoterapeuta, el Dr. Josef Klemperer (Lutz Ebersdorf, pero en realidad es Tilda Swinton) sus temores sobre la academia, declarando que está dirigida por un aquelarre de brujas. Susie se enfoca en sus habilidades y se hace amiga de Sara (Mia Goth), que se está volviendo insegura sobre su seguridad, mientras se gana la confianza de Madame Blanc y toma el control de la pieza central de la academia, que requiere una sumisión completa a los movimientos dramáticos. Buscando investigar las afirmaciones de brujería, el Dr. Josef hace descubrimientos críticos sobre las mujeres que dirigen la academia, mientras que Susie se entrega a Madame Blanc, quien siente algo especial acerca de la joven estrella.

Esta reimaginación de Luca Guadagnino de Suspiria sigue la misma trayectoria de la trama central de la película original de Dario Argento, que trata sobre una bailarina estadounidense que se encuentra en una academia de danza alemana dirigida por brujas. Mientras que la película de Argento fue un viaje de colores y un cuento de hadas de horror similar a una historia de Disney, la interpretación de Guadagnino de esta historia es una pieza de época ambiciosa ambientada por el tumulto político de 1977 en Alemania. Vi la Suspiria original cuando tenía 12 años, y siempre ha estado entre mis diez mejores películas de terror favoritas de todos los tiempos. Un remake/reimaginación de la película de Argento podría haber sido desastrosa en las manos equivocadas, y afortunadamente aquí hay un guión reflexivo (aunque a veces exagerado) que es apoyado por la dirección magistral de Guadagnino. Esta Suspiria no es un remake de horror común y corriente, está lejos de serlo.

Es una película visualmente impresionante y de una manera totalmente diferente a su predecesora. El color esta vez es mudo y pálido, pero la atención al detalle no es menos delicada. Más importante aún, es mucho más narrativamente involucrada, quizás a veces demasiado por su propio bien, pero aún así logró absorberme por completo. El fuerte tiempo de duración de 2 horas y 30 minutos honestamente pasó rapidamente, por lo que la sentí como quizás dos horas. Los horrores en la pantalla aquí son escasos, pero hacen que uno se retuerza, dejando poco tiempo para respirar antes de que volviera a atacar los sentidos. La ya famosa escena de la danza es casi indescriptible. Es en momentos como estos donde Guadagnino realmente brilla, entrando en un espacio raro entre lo visceral y lo sublime. Las actuaciones tambien ayudan enormemente, con Tilda Swinton retratando a la siniestra Madame Blanc, así como al anciano psicoterapeuta Dr. Josef Klemperer, que se encuentra con el mundo de las brujas. Dakota Johnson se convierte en una extraña (aunque apropiada) Susie, mientras que Mia Goth y Chloe Grace Moretz se roban las escenas como Sara y Patricia. Elena Fokina también es particularmente fuerte e inolvidable como Olga.

Se ha hablado mucho sobre el contexto socio-político y histórico de la película, y creo que el guionista a veces busca alguna correlación o metáfora que nunca se une. Dicho esto, el contexto del mundo real ofrece una base severa para los procedimientos, y quizás el mayor golpe de genialidad sea el amarre de la brujería con los movimientos del cuerpo. La brujería en la película de Argento parecía completamente arbitraria, pero en esta versión se contextualiza la magia y el ritual como parte integrante de los bailes en sí mismos (los cuales son coreografiados y puntuados por la música de Thom Yorke de Radiohead). Mi única crítica de la película está en la presentación visual del final, que muestra algunos efectos de cámara lenta que se sintieron muy hechos para una película de televisión y completamente opuestos a los visuales artísticos que la preceden. Esto se siente como una traición dada la abundancia de composiciones exquisitas y rigurosas hasta ese momento, algunas de las cuales parecen haber sido sacadas directamente de la película Salò de Pier Paolo Pasolini. A pesar de esto, la película es asombrosa en más de un sentido. Al final se presenta un desenlace que resuelve el argumento secundario con respecto al psicoterapeuta, que es inesperadamente conmovedor y a la vez escalofriante.

En general, la Suspiria de Guadagnino comete unos pocos errores en algunas áreas, pero se imagina y se realiza de manera vívida y, sin duda, es la película más hermosa que he visto en mucho tiempo. También la clasificaría entre las mejores películas de terror que he visto en esta década. Es una exploración verdaderamente honorable y digna heredera de su fuente original de material. Al final, Suspiria es una visión exigente de la belleza y el terror y, definitivamente, es una película que no todos podrán apreciar. Es muy raro encontrar una película que cuente una historia llena de riesgos y originalidad (a pesar de ser un remake). Los eventos que se muestran tienen la intención de provocar algún tipo de emoción en la audiencia, ya sea terror, temor, disgusto, incomodidad o incluso tristeza. Sin embargo, nunca es desinteresada o aburrida, bueno, al menos para mí.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 15 De Enero Del 2019



Halloween (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Once Upon A Deadpool

The Old Man And The Gun

Monday, January 7, 2019

Review: The Favourite



Durante el reinado de la reina Anne (Olivia Colman), Gran Bretaña sigue en guerra con Francia, poniendo a prueba su poder mientras conserva un estilo de vida decadente en su patrimonio, mientras que el país sigue sobrecargado para pagar las facturas, preocupando a Robert (Nicholas Hoult), un miembro del Parlamento. Anne tiene una amante en Sarah (Rachel Weisz), que sabe exactamente cómo interpretarla, usando juegos sexuales para hacer valer el poder en privado, tomando el control de los asuntos del gobierno. Abigail (Emma Stone), la prima de Rachel y una joven que ha perdido todo debido a la pobreza de su familia, llega buscando empleo. Abigail, despedida como empleada doméstica, anhela algo más, rechazando los avances del miembro de la corte real Samuel (Joe Alwyn), y fijándose en Anne, que se encuentra en constante estado de necesidad. Mientras tanto, Sarah busca frustrar los planes de Abigail, solo para encontrar una oponente inteligente que usa su ingenuidad para seducir a la reina.

Debo admitir que el cineasta Yorgos Lanthimos nunca ha sido uno de mis directores favoritos. Si bien sus películas tienen una agudeza visual que es distintivamente suya, carecen de una fuerte narración. Su premisa inicial es siempre intrigante, pero su complicado tercer acto y final nunca satisfacen. The Lobster (2016) contó la historia de dos personas obligadas a encontrar el amor o cambiarían a una forma animal en un mundo de ciencia ficción distópico. The Killing Of A Sacred Deer (2017) es una película en la que un padre debe decidir a cuál de sus familiares debe matar para salvar a los demás. Su uso característico de ángulos de cámara fuera de lo común, partituras musicales que se asemejan a sonidos extraños y personajes atrapados en situaciones extremas también están presentes en este último esfuerzo. The Favourite es un vivo ejemplo de que menos hubiera sido más. Sin embargo, esta película está cosechando muchos elogios de parte de los críticos. Incluso mis expectativas eran un poco altas, debido a un tráiler que enfatizó los aspectos ridículos de la película y la describió como una comedia... no lo es. Pero es una mejora de parte del director y, al menos, va en una dirección más positiva al controlar algunos (no todos) de sus toques excesivos. En realidad, la película hubiera sido bastante exitosa si hubiera sido dirigida como una farsa que le permitiera tener un espíritu humorístico. Teniendo eso en cuenta, tal vez mi experiencia cinematográfica podría haber sido mucho más entretenida.

La premisa de la película es: Abigail quiere un lugar en la aristocracia. Siendo nueva en la corte real, es una aspirante ambiciosa y astuta que anhela fama, fortuna y, lo más importante, poder. Su rival es una mujer igual de cruel y exigente, su prima, Lady Sarah Churchill, quien está firmemente adaptada en todas las decisiones que se toman en the House of Stuart. Estas damas tienen un plan de batalla para ganar el control de la corte. Se basan en la manipulación de una reina Anne muy inestable, cuya salud física y problemas mentales nublan su juicio. Si bien la película es defectuosa, tiene un trío de actuaciones maravillosas que mejoran enormemente la película. La intriga política y sexual puede ser la base de la película, pero son Emma Stone, Rachel Weisz y Olivia Colman las que aumentan el drama. Crean personajes memorables mientras entregan sus líneas con entusiasmo y un delicioso veneno.  Olivia Colman es particularmente conmovedora, ya que lleva a esta reina loca a áreas de melancolía y vulnerabilidad inesperadas, desde una arpía que grita hasta una figura solitaria y trágica con cambios de humor drásticos.

El guión tiene muchos one-liners y representa a un tribunal al borde del desorden y la corrupción. Aunque siempre estuve involucrado con la trama y sus personajes, la película permite que se desarrolle la intrincada jerarquía del palacio y sus comportamientos extravagantes y extraños, aunque fuera demasiado lenta para mi gusto. El director Yorgos Lanthimos presenta esta película con mucha habilidad, llenando la pantalla con magníficos vestuarios y un impresionante diseño de producción. Aún así, el director confía demasiado en el uso excesivo de la fotografía con ojo de pez y un sonido molestoso con fragmentos de música clásica que interfiere con toda la suntuosa atmósfera de la época. Estos detalles se convierten en un gran punto negativo en una película que promete mucho... y, nuevamente, está el tercer acto que debilita toda la narración.

En general, la película juega como una comedia de malos modales sin mucha comedia. Sin embargo, cuenta con una técnica cinematográfica realizada con muchos detalles para ser admirada. También cuenta con algunas de las mejores actuaciones en una película. Tristemente, con todo este talento, la película todavía está buscando una mejor historia para ser contada. Al final, The Favourite tiene actuaciones estelares de sus tres actrices principales, pero esta película no parece ser capaz de decidir si es una comedia, un drama, una sátira o una pieza de relaciones, y falla al intentar ser las cuatro. A pesar de las grandes actuaciones, realmente no hay mucho que desear sobre esta película. Es posible que la disfruten si les gustan los dramas de época, pero en mi caso esperaba mucho más de esta película.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Sunday, January 6, 2019

Review: The Mule



Earl Stone (Clint Eastwood) es un horticultor de ochenta y tantos años que alguna vez fue lo mejor de Peoria, Illinois, pero ahora está cerrando sus puertas debido a la competencia de las empresas del Internet. Se ha quedado sin dinero, no tiene a dónde ir, pero se niega a prestarle atención a su familia, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Allison Eastwood). Haciendo una aparición no deseada en la fiesta de compromiso de su nieta Ginny (Taissa Farmiga), un invitado se acerca a Earl para conectar al viejo viajero con un cartel de droga mexicana, lo que lo convierte en una mula entre Chicago y El Paso, Texas. Aceptando el trabajo, Earl sale a la carretera con facilidad, identificándose rápidamente como un hombre de confianza para Boss Laton (Andy Garcia), quien gradualmente aumenta los envíos, lo que hace de Earl una fortuna. Si bien el dinero cambia su vida, surgen problemas con el monitoreo del agente de la DEA de Illinois, Colin Bates (Bradley Cooper), quien está desesperado por hacer una redada e intenta rastrear las conexiones del cartel con la ayuda de un soplón.

A pesar de que ha tenido una reputación como un derechista político, y una imagen ya sea como The Man With No Name o como Dirty Harry, Clint Eastwood, como actor y director, también ha mostrado una inclinación por asumir los desafíos. Si alguien observa lo que ha hecho como director especialmente, ya sea solo en esa capacidad o al mismo tiempo como actor, esa habilidad para ser desafiado y tener éxito es particularmente evidente, comenzando en 1971 con Play Misty For Me, y continuando con una gran filmografía que incluye High Plains Drifter, The Outlaw Josey Wales, Unforgiven, The Bridges Of Madison County, American Sniper y Sully, por nombrar solo algunas. Y a fines del 2018, realmente brilla en ambos lados de la cámara con The Mule. Sin lugar a dudas, Clint Eastwood no está haciendo clásicos cuando se ha puesto detrás de la cámara en la última década. Creo que Gran Torino fue su última película memorable. Dicho esto, en cuanto a las películas que ha dirigido, The Mule es lo suficientemente buena como para unirse a su club de clásicos recientes. A los 88 años, este hombre no muestra signos de parar y, todavía puede tener gemas como esta de vez en cuando. La pasé muy bien viendo esta película y he aquí por qué.

Después de perder su trabajo de muchos años, Earl Stone se dedica a contrabandear drogas en la parte trasera de su camioneta cuando se le presenta la oportunidad. Ganándose el respeto de muchos miembros dentro del cartel mexicano, se enreda un poco más con lo que había planeado originalmente. El disfruta de los grandes días de paga, pero su racha de suerte pronto está por acabar. Al ser cazado por agentes de la DEA, esta historia se vuelve rápidamente interesante. Recortando entre las dos historias, la de Earl y los agentes de la DEA, es una película muy agradable en general. Tampoco duele que Eastwood haya reunido un gran elenco de estrellas una vez más.

Obviamente, Clint Eastwood, como protagonista, complacerá a muchos espectadores. Además de una gran actuación principal, Bradley Cooper, Lawrence Fishburne, Michael Peña, Andy Garcia, Taissa Farmiga y algunos otros actores notables apoyan esta historia con una fuerza que se sintió necesaria. Honestamente, me encontré comprometido de principio a fin, independientemente de su ritmo. No es la película más emocionante que he visto en mucho tiempo o algo por el estilo, pero es una película que se preocupa por la historia que está contando y que simplemente va por ella. Es una película muy sencilla, que es donde encuentro mi mayor queja. Una vez que se inicia la historia central, se sigue una trama sin mucho que ofrecer. Uno se ve envuelto en una vida de crimen, se disfruta de la fama mientras dura, y finalmente todo colapsa de una forma u otra. Por esa razón, no me impresionó la película a nivel narrativo, sino más bien cómo se contó la historia en sí.

En general, la película seguramente complacerá a los fans de Clint Eastwood y a los fans de este género. Es probable que esta película no gane ningún premio, pero es una película con un guión muy bueno, actuaciones espectaculares y una narrativa satisfactoria en general. Al final, The Mule es una película que tiene carácter y una representación realista de alguien que busca cambiar incluso en la etapa final de su vida. Es una película excelente en cuanto a las actuaciones, el mensaje es directo y al punto, y la desición de agregar toques ligeros de comedia y felicidad hace que sea más entretenida. Aún así, la falta de suspenso y el uso de personajes que no componen nada le quita la historia y el suspenso necesario. Con todo y eso, es una película sólida y vale la pena verla.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Thursday, January 3, 2019

Review: Replicas



Will Foster (Keanu Reeves) es un científico que trabaja para un centro de investigación experimental en algún lugar de Puerto Rico. Su proyecto consiste en acceder a los datos neurológicos de los recién fallecidos e imprimir los datos en un cerebro sintético impregnando un androide con recuerdos humanos. Desafortunadamente, el progreso ha sido lento y preocupante. Una prueba reciente finalizó con un androide destrozandose a sí mismo porque su cerebro humano no podía procesar estar atrapado dentro del cuerpo de un androide, y la administración, en la forma de Jones (John Ortiz), desactiva el proyecto. Al proyecto cerrar, Will decide ir en un fin de semana de navegación con su esposa Mona (Alice Eve) y sus tres hijos, pero una tragedia ocurre durante una lluvia torrencial. Desesperado pero todavía con una mente sana para sentir que el giro de los acontecimientos podría llevar a un avance científico, decide realizar transferencias neuronales a su familia con la ayuda de su colega Ed (Thomas Middleditch). Excepto que solo puede salvar a tres de sus cuatro seres queridos, pero está bien ya que puede eliminar la presencia del que no puede salvar de los recuerdos de aquellos que si puede. Sin embargo, Will está jugando a ser Dios y todo está destinado a salir mal.

Qué pasaría si todos los seres más cercanos y queridos a ti murieran repentinamente pero tuvieras una manera de recuperarlos? Me refiero a copiar la parte esencial de ellos, lo que los hace exactamente ellos, en cuerpos biológicos recién clonados. Suena intelectual verdad? Aquí es donde comienza este nuevo thriller psicológico protagonizado por Keanu Reeves y Alice Eve, pero no se preocupen por que se vuelva demasiado intelectual, ya que es aburrida. Acabo de resumir todo de una manera más interesante de lo que realmente es. La verdad es que Replicas se vuelve aburrida gracias a una narración y una actuación deficiente. Es bastante floja y poco atractiva desde el principio, luego, en varios puntos, sugiere la posibilidad de evolucionar hacia algo, pero lamentablemente no ocurre.

El personaje de Reeves, el Frankenstein moderno, ocupa el lugar central, y su actuación es propiamente sin vida y sin inspiración, al igual que la historia. Lo que no es una sorpresa, ya que siempre ha tenido un rango limitado como actor, por lo que se adapta mejor a la acción que a cualquier cosa dramática. Hay otras películas comparativamente mal escritas donde parece perfectamente adecuado, pero Replicas no es uno de esos proyectos exitosos. El material no progresa, y tampoco lo hace su actor principal. Alice Eve, por otro lado, ofrece un desempeño convincente como una buena esposa que lucha con dudas y dificultades para perdonar a su esposo por ciertos hechos terribles. Pero ella no tiene mucho tiempo en pantalla, por lo que no tiene la posibilidad de rescatar la película.

El problema es que, a pesar del afán de la película por imitar otras mejores historias de ciencia ficción, la mayoría de lo que sucede transcurre sin una explicación adecuada ni una progresión lógica. En un minuto, el héroe no sabe cómo mover la conciencia humana entre cuerpos sin resultados horribles, pero pronto tiene éxito en el primer intento y en varias veces seguidas. Un minuto nos enteramos de que los chips de seguridad no se pueden sacar de los cuerpos de los clones, al siguiente lo hacen sin ningún problema. En una historia como esta, siempre hay una pregunta interesante sobre si los clones se volverían malos o fracasarían de alguna manera importante. La espera de algo en este sentido le da a la película algo de suspenso, pero digamos que los autores no buscaron o encontraron formas significativas de explorar ese tema.

En general, hay películas de ciencia ficción en las que se puede suspender la incredulidad porque la narración de las historias son muy buenas. Esta no es esa película. Replicas está llena de agujeros que se vuelven más ridículos por minuto y el diálogo antinatural en combinación con la mala actuación realmente hace que sea difícil sumergirse en la historia. Al final, Replicas desperdicia tanto a Keanu Reeves como a Alice Eve como actores. También es un concepto que hubiera funcionado si fuera realmente creíble o entretenido, además, el final no tiene sentido y los efectos de CGI son horrendos... para decirlo de una forma simple. Si quieren ver una clase magistral de actuación pésima y cómo hacer películas malas, veanla.

Puntuación: 1 alcapurria.

Wednesday, January 2, 2019

Review: Green Book



Es 1962, y Tony "Lip" Vallelonga (Viggo Mortensen) es un portero italiano en el club Copacabana que utiliza su fuerza y su actitud nuyorquina para mantener la paz, incluso si eso significa golpear personas. Abandonado y sin trabajo durante unos meses, Tony está buscando opciones para ayudar a su esposa, Dolores (Linda Cardellini). Finalmente recibe una invitación para reunirse con el Dr. Don Shirley (Mahershala Ali), un famoso pianista que está a punto de embarcarse en un recorrido por el sur de los Estados Unidos, bien consciente de que un hombre negro no cruzará esa parte del país sin previo aviso. Al contratar a Tony como su conductor y guardaespaldas, Don es muy particular con respecto a sus necesidades personales, encontrando la brusquedad de su chofer y su devoción cuando comienzan un largo viaje. A medida que pasan las millas, Don y Tony se conocen, y al mismo tiempo el italiano es confrontado con el alcance de su propio racismo al ver cuán horriblemente Don es tratado durante sus paradas para tocar ante las audiencias ricas y blancas.

Una de mis experiencias cinematográficas favoritas es cuando una película sale de la nada y termina siendo increíble. Esa es prácticamente la historia de Green Book, una película que entró con poca publicidad pero, cuando todo está dicho y hecho, podría ser catalogada como la mejor película del año en muchas listas. Green Book cuenta la historia real de 1962 del Dr. Don Shirley, un pianista de renombre que se embarca en una gira por el sur de Estados Unidos. Su raza afroamericana podría plantear algunos problemas, por lo que contrata al arrogante Tony "Lip" Vallelonga del Bronx para que sea su chofer. Al principio, cuando los dos emprenden su viaje parece una relación extraña, pero a medida que experimentan más de la compañía del otro, así como las injusticias raciales del territorio, llegan a confiar y a aprender el uno del otro.

Esta es una película que realmente te acecha, por decirlo así. Comienza relativamente sencilla y se podría perdonar uno mismo por pensar que quizás sea un poco lenta. Pero el desarrollo de los personajes se redime de manera enorme, ya que al final retendrán las lágrimas (o no lo harán) después de presenciar el vínculo que estos hombres forman en el camino y frente a la adversidad. Para que una película como Green Book funcione, la actuación debe ser acertada, y definitivamente eso está aquí. La combinación ganadora son los dos líderes, Viggo Mortensen y Mahershala Ali. Ambos tenían roles desafiantes, ya que podrían haber caído en las trampas de los estereotipos. Pero gracias a un buen guión, ambos actores abrazan a sus personajes y hacen que cada uno de ellos sea más humano al hacerlos susceptibles a las sugerencias de las demás personas.

Esta no es una historia donde todo se cambia, pero esa es también la idea. Se trata de tolerancia en lugar de aceptación. Ambos hombres están claros acerca de sus diferencias, pero aún así encuentran la forma de hacerse amigos. Nunca es aburrida e incluso nos lleva a bromas que me parecieron más divertidas que muchas comedias regulares. Viggo Mortensen hizo todo lo posible para este papel, configurando tanto su voz como su cuerpo para adaptarse al personaje. Mahershala Ali ha desarrollado lentamente una carrera fantástica, y no hay nada que detenga ese proceso aquí. Su personaje proporciona la mayor parte de la emoción en la película, y sus escenas van desde desgarradoras a graciosas. Hablando de gracioso, tengan en consideración que esta película es dirigida por Peter Farrelly (sí, de los Farrelly Brothers de Dumb And Dumber). Si bien parece ser una elección extraña para dirigir un proyecto tan emocional, demuestra que es exactamente la decisión correcta, ya que el humor en la película ayuda a establecer una buena relación entre los dos protagonistas.

Ni siquiera he mencionado el soundtrack, que es otro papel integral en la película. Ya sea por el mismo Shirley o simplemente por las melodías en la carretera, la música de la película es una de las mejores que he experimentado en mucho tiempo. Es una gran mezcla de jazz, piano y secciones orquestales. Creo que tal vez la razón más importante por la que Green Book recibe todo el tratamiento estelar de mi parte es porque hace un poco de todo, y de alguna manera destaca todas esas pequeñas áreas para producir una obra maestra. En general, el mensaje de la película es excelente, ya que a veces todo lo que se necesita para que dos personas se entiendan mejor (en este caso es en blanco y negro, pero en realidad podría ser cualquier cosa) es la proximidad.  Si el destino no hubiera atraído al Dr. Don Shirley y a Tony, habrían pasado el resto de sus días probablemente atrapados en sus propios mundos. Resultó que solo tomó un viaje por carretera para que cada hombre aprendiera un poco del otro. Al final, Green Book tiene muchos temas. Familia, cultura, honestidad, dignidad, genio, respeto, aceptación, estereotipos, racismo, música, clase, amistad y... pollo frito. Independientemente de sus puntos de vista, raza o edad, debe apreciarse por ser un retrato honesto de un momento y un lugar difícil en la historia. Usaré el término de una amistad improbable, pero el saber que los dos hombres fueron reales la hace fantástica. Gran historia, actuación, dirección, humor, música y emoción. Qué más puede se puede pedir?

Puntuación: 5 alcapurrias.

Tuesday, January 1, 2019

Review: Fahrenheit 11/9



El cineasta Michael Moore mira la noche de las elecciones presidenciales del 2016 cuando Donald Trump desafió las expectativas de muchas personas y venció a Hillary Clinton y se pregunta: "Cómo ca.... sucedió esto?". Moore presenta lo que él argumenta son los diversos crímenes y manipulaciones de Trump, señalando que siempre se han cometido a simple vista y que a sus seguidores no les importa. Moore también explora una situación que involucra al amigo de Trump, el gobernador de Michigan Rick Snyder, quien intentó obtener ganancias cambiando el suministro de agua para los residentes de Flint, Michigan, a agua de río venenosa y se salió con la suya. Moore identifica paralelos entre la Alemania de 1930, el auge de Adolf Hitler y la situación actual en los Estados Unidos. También sigue a activistas jóvenes que desean desesperadamente cambios en la violencia con armas, la atención médica y otros problemas importantes. Pero deja todo con una advertencia... No estamos tan seguros como podríamos pensar.

Si uno pensó que las elecciones presidenciales del 2000, que de alguna manera "proclamaron" a George W. Bush a la presidencia sobre Al Gore fue una farsa, entonces las elecciones del 2016, que le dieron al magnate racista de bienes raíces Donald Trump la presidencia sobre Hillary Clinton por ganar el voto popular en cuatro estados clave y capturar los votos de los colegios electorales de esos estados puede haber sido la sentencia de muerte para la democracia en Estados Unidos. Y nadie parecía más experto en relacionar los puntos del auge del autocrático Trump que el cineasta político y renegado Michael Moore. Después de todo, es Moore quien, desde 1989, ha hecho saber sobre las corporaciones de America a través de películas como Roger And Me, Bowling For Columbine, Sicko y Capitalism: A Love Story. Por supuesto, también hizo conocido todo sobre Bush en su famoso documental Fahrenheit 9/11. Pero ahora, se ha superado claramente con esta pieza complementaria, Fahrenheit 11/9.

Refiriéndose a la fecha del 9 de Noviembre del 2016, cuando el Associated Press declaró a Trump el ganador de la elección, a las 2:29 AM, el documental con cuidado, y con bastante justa razón, disecciona las formas en que la misoginia, el fanatismo, y el racismo de Donald Trump no solo se normalizó por la prensa y el Partido Republicano (Gran Partido Antiguo), sino también porque el Partido Demócrata se mostró muy complaciente y seguro de sí mismo acerca de las posibilidades de Clinton contra Trump, y el hecho de que tanto 100 millones de personas no se presentaron en las urnas el 8 de Noviembre del 2016 para detener a Trump de forma permanente. Moore no escatima en su análisis de la culpa en todo el espectro político, incluidos los "establecimientos" demócratas, incluido incluso el presidente Obama, quien, aunque sin saberlo, permitió el ascenso de Trump. Moore también se enfoca, como lo ha hecho antes, en su ciudad natal de Flint, Michigan, que desde 2014 se ha visto afectada por una crisis del agua en la que miles de sus residentes han sido envenenados por la contaminación de plomo en su suministro de agua, y cómo el maltrato corporativo del gobernador del Partido Republicano de Michigan, Rick Snyder, no solo condujo a eso, sino que incluso las muertes de algunos de esos residentes a traves del contagio de la Enfermedad del Legionario.

Pero en medio de todos los horrores que Trump ha desatado en Estados Unidos desde que bajó la escalera de su Trump Tower para anunciar su candidatura, casi como un truco publicitario a NBC por pagarle a Gwen Stefani de The Voice más de lo que recibió por ser el anfitrión de The Apprentice, Moore, también nos muestra las muchas formas en que los movimientos de resistencia se han manifestado en contra de su presidencia, y en lo que parecen ser los lugares más improbables, incluidas las huelgas masivas de maestros en estados como West Virginia y Arizona, y, más prominentemente, las protestas contra la NRA de los estudiantes de Marjorie Stoneman Douglas High School en Parkland, Florida, que vieron a 17 de sus compañeros estudiantes y maestros morir en un tiroteo masivo el 14 de Febrero del 2018. Para ir un paso más allá, Moore también se enfoca en los candidatos de tendencia progresista que intentan recuperar al Partido Demócrata de los llamados "centristas" corporativos, incluida Alexandria Ocasio-Cortez, quien ganó el escaño al congreso para el distrito del Bronx durante el verano del 2018.

Sin embargo, gran parte de su ira, al igual que la de muchos estadounidenses, se canaliza en Fahrenheit 11/9 a través del propio Trump, quien se muestra como un maestro manipulador absoluto de lo que parece pasar por la verdad en esta segunda década del siglo XXI. Moore muestra los paralelos entre el aumento tóxico de Trump en nuestro tiempo y el de Adolf Hitler en la Alemania de la década de 1930 a través de noticieros alemánes antiguos y imágenes que son alarmantes, trágicas y deprimentemente prescientes. Trump, al igual que Hitler antes que él, hace que sus seguidores crean todo lo malo sobre el mundo y les hace descartar las historias negativas sobre él como los "Fake News", procediendo a desatar su xenofobia, racismo y sexismo en aquellos con los que no están de acuerdo. Después de que el tiempo de duración de 2 horas y 8 minutos ha transcurrido, uno se siente como si le hubieran pasado por encima con una aplanadora. Incluso, las revelaciones son más fuertes que en Fahreinheit 9/11.

En general, Michael Moore, un hombre tradicionalmente no partidista (aunque de tendencia liberal), dice que los estadounidenses no tienen que tomar toda la basura tóxica que Trump y sus secuaces arrojan. Insta a levantarse y ponerse activos, no solo votando sino también (como Ocasio-Cortez) postulandose para cambiar un sistema político roto que le permitió a Trump hacerse presidente en primer lugar. Eso es algo muy positivo para quitar o calmar el horror psicológico que este documental realmente es. Al final, Fahrenheit 11/9 es una mirada demasiado honesta a los problemas sistemáticos en los Estados Unidos. Vean este documental con una mente abierta, ya que ambos partidos políticos tienen la culpa del estado actual en el que se encuentra la nación americana y realmente muestra que no todo está perdido y que hay algo de esperanza, pero al mismo tiempo, tal vez todo esté perdido y el final esté cerca. Como nota adicional, el documental es emocionalmente intenso y de contenido gráfico.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.