Review: Booksmart

Las mejores amigas de toda la vida, Amy (Kaitlyn Dever) y Molly (Beanie Feldstein) están listas para graduarse de la escuela secundaria. Se han preparado para el momento, trabajando duro y siendo las mejores estudiantes de su clase, con Molly asistiendo a Yale en el otoño mientras Amy se dirige a Africa para ayudar a los más necesitados. Cuando Molly se entera de que sus compañeros/enemigos, incluida Triple A (Molly Gordon), también asistirán a escuelas prestigiosas después de pasar años haciendo nada, sufre un colapso. Cansada de ser la niña buena, Molly elabora un plan para asistir a una gran fiesta en la casa de Nick (Mason Gooding). Uniendo fuerzas con Amy, intentan crear algunos problemas y, al mismo tiempo, ambas adolescentes esperan sentirse cómodas con sus enamoramientos secretos. Sin embargo, la noche especialmente larga no va bien para ellas, ya que navegan con todo tipo de contratiempos antes de llegar a la fiesta y demostrar su espíritu fiestero a sus escépticos compañeros de clase.

Cada generación tiende a obtener esa película sobre la vida de la escuela secundaria que se merecen. Retrocediendo hasta Rebel Without A Cause (1955) y To Sir With Love (1967), lo que siguieron fueron películas memorables como Carrie (1976), Grease (1978), The Hollywood Knights (1980), Porky's (1981), Fast Times At Ridgemont High (1982), casi todas las películas de John Hughes de los años 80, Mischief (1985), Ferris Bueller's Day Off (1986), Say Anything (1989), Dazed And Confused (1993), Clueless (1995), 10 Things I Hate About You (1999), Mean Girls (2004), Juno (2007), y Superbad (2007). Es esta última de la lista en la que este debut como directora de la actriz Olivia Wilde probablemente tenga la mayor cantidad de comparaciones.

Kaitlyn Dever y Beanie Feldstein (hermana de Jonah Hill) interpretan a Amy y Molly, dos mejores amigas y estudiantes del último año de secundaria que han sacrificado toda una vida social por una académica para posicionarse en las mejores universidades. Amy decidió tomar un año haciendo trabajo de caridad en Botswana, mientras que Molly se dirige a Yale con su objetivo de tener una posición en el Tribunal Supremo. Imaginen su sorpresa cuando, el día antes de la graduación, Amy y Molly descubren que muchos de sus compañeros de clase menos disciplinados también asistirán a escuelas élite. Las mejores amigas se preparan de inmediato para compensar los 4 años de estudio asistiendo a la fiesta más grande del año y mostrando a los demás lo divertidas que pueden ser. Además, la fiesta les brinda a cada una la última oportunidad de acercarse a sus enamoramientos secretos: la patinadora Ryan para Amy y el atleta Nick para Molly.

Lo que más se destaca de esta película es que los actores parecen adolescentes de verdad. Eso no quiere decir que casi todos los aspectos no sean un poco exagerados, porque lo son. El alto nivel de homosexualidad en el club de drama es un poco difícil de aceptar, y los cuerpos de los adolescentes están idealizados en más de una oportunidad, sin embargo, la directora Olivia Wilde tiene una habilidad especial para hacer que la escuela secundaria parezca una obra cinematográfica. Dos secuencias son sobresalientes en particular por la forma en que se filmaron: la escena de la piscina con Amy bajo el agua, y la fiesta en la casa mientras los personajes entran y salen de las habitaciones. Los papeles de apoyo añaden profundidad a la comedia gracias a Jason Sudeikis como el director de la escuela/conductor de Lyft Jordan Brown, Billie Lourd (hija de Carrie Fisher) como Gigi, que siempre aparece de la nada, Skyler Gisondo como el adolescente adinerado Jared, Lisa Kudrow y Will Forte como los padres de Amy, Molly Gordon como la mal entendida Triple A, Victoria Ruesga como Ryan, Mason Gooding como Nick, y Diana Silvers como Hope, la rebelde que hace click con Amy.

La película presenta una amistad realista entre dos adolescentes y extrae algunas personalidades comunes y reconocibles para introducir la comedia. Los personajes femeninos inteligentes y divertidos son interesantes a cualquier edad, y el "nadie me conoce" es el himno de la mayoría de los estudiantes de secundaria desde los tiempos de los cavernicolas. Las inevitables comparaciones con Superbad probablemente sean favorables para esta película, y probablemente será el ajuste perfecto para esta generación, incluso si esperamos que la mayoría de los estudiantes eviten muchos de los acontecimientos que aquí suceden. Con Will Ferrell y Adam McKay como productores, deben prepararse para el lenguaje por el que son conocidos los adolescentes de escuela secundaria, así como una mezcla de descaro y inseguridad, tan común en la época.

En general, si bien la película puede no estar en todos lados en el departamento de comedia, sobresale en el lado dramático de las cosas. Parte de eso me recuerda a The Breakfast Club (1985), ya que siente que la verdadera fortaleza de la película reside en lo que tiene que decir sobre nosotros como sociedad y la generación a la que está dirigida la película. Cuando se trata de eso, la película se siente como el tipo de comedias de adolescentes de clasificación R que realmente ya no se ven en el mundo moderno, y es progresiva en casi todos los aspectos. También es consistentemente entretenida. Nunca hay un momento aburrido, de hecho, las bromas son rápidas y son divertidas. Los personajes y el mundo se sienten realistas, pero también ligeramente absurdos. Prácticamente todo el mundo en la película parece una persona real o, al menos, una persona totalmente con los pies en la tierra. Al final, Booksmart es una película la cual uno se puede relacionar en ciertos aspectos, ya que es honesta e incluso con sentido. Está tratando de decir varias cosas y termina diciendo la mayoría de ellas bastante bien. Olivia Wilde en este primer esfuerzo dirige con la facilidad de un veterano, cambiando el ritmo de la trama según sea necesario. Aunque ella sigue una fórmula común de este tipo de películas, lleva a nuestras protagonistas de manera positiva y negativa en un arco de experiencias, astutamente manteniendo la amistad de las dos chicas genuina y duradera. Y esa es la verdadera lección aquí: los verdaderos amigos son para mantenerse toda la vida.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Greta

Como una nueva residente en la ciudad de Nueva York, Frances (Chloe Grace Moretz) es una mujer joven lista para cambiar su vida después de experimentar la pérdida de su madre. Viviendo con su amiga Erica (Maika Monroe) en su lujoso apartamento, Frances mantiene un empleo como camarera de un restaurante, tratando de mantener su mente alejada de los pensamientos tristes. Un día, Frances encuentra una cartera en el metro, haciendo el viaje a la casa de la propietaria para devolverla. Ahí conoce a Greta (Isabelle Huppert), una anciana francesa agradecida por tener nuevamente sus pertenencias, que le ofrece té y conversación como recompensa. Las mujeres se conectan, con Greta proporcionando a Frances una presencia materna, comenzando una amistad que desconcierta a Erica. Sin embargo, cuando Greta revela los niveles malevolos que residen en su exterior, Frances se ve obligada a lidiar con las formas obsesivas de su nueva amiga, que se hacen más fuertes al no prestarle atención.

En muchos sentidos, Greta es como un regreso a los excéntricos thrillers psicológicos de la década de los años 90, como The Hand That Rocks the Cradle (1992) Single White Female (1992), Unlawful Entry (1992) o Fear (1996), y solo por esa razón, es una película entretenida. Este subgénero de películas, aunque no necesariamente conocido por sus aciertos a la realidad, siempre ha sido una fuente de gran diversión y entretenimiento. Esta es quizás la cosa más singular de Greta que el espectador debe tener en cuenta antes de verla, porque dividirá a su audiencia. Quienes disfruten de estas películas por lo que son se divertirán, mientras que aquellos que esperan algo innovador estarán decepcionados.

Siendo alguien que encuentra que las películas de acosadores son típicamente entretenidas, tomé a Greta bajo sus propios términos y la encontré como una película consistente y bien actuada. Es
inconcebible en muchas formas, sus personajes viven vidas que no tienen mucho sentido, y la amenaza y personaje de Greta se basa en gran parte en figuras o símbolos de otras películas, pero bien usadas. Entonces, por qué funciona la película? En gran parte, o quizás en su totalidad, debido al compromiso de sus artistas con el material. Isabelle Huppert fue la razón principal por la que vi esta película y no decepciona en lo más mínimo, robandose completamente el show como Greta. La clase y la sofisticación que aporta al personaje hace que sea atractivo, fascinante e incluso oscuro, a pesar de las cosas horribles y malvadas que termina haciendo. Absolutamente se puede decir que se está divirtiendo interpretando este personaje y definitivamente se puede ver por qué Frances comienza la película tan atraída a ella. Dicho esto, cuando se revela su naturaleza oscura, Huppert es genuinamente aterradora y aporta una locura escalofriante a este personaje.  Nadie podría haberla interpretado mejor.

Chloe Grace Moretz también da una actuación sólida, aportando una verdadera dulzura e inocencia al personaje de Frances que constantemente alentaba a que escapara de las garras de Greta. Ella emite una sensación casi a lo Blanca Nieves, donde su amabilidad y capacidad para la confianza incondicional casi se convierten en su ruina y Moretz es honestamente bastante encantadora en este papel. Me impresionó mucho Maika Monroe, que es algo que nunca pensé que diría. Ella aporta una radiante confianza y fortaleza a su papel de Erica, la amiga de Frances. También daré crédito a la dirección visual. Mientras que el guión deja mucho que desear, la sensibilidad gótica y elegante del director Neil Jordan aporta una verdadera belleza y glamour a la producción. Esta es una película preciosa y Jordan definitivamente logra capturar la naturaleza encantadora de la ciudad de New York desde los ojos de una joven de Boston.

En general, la película cae en la categoría de "lo he visto antes", pero aquí hay muchas ideas y contenido original. Lo que se considera convencional a menudo se rompía y eso es algo refrescante en el cine moderno. Me encantó que el personaje de la amiga no fuera algo innecesario, en realidad ella agregó mérito a la película y tuvo un propósito. Además, la película no teme ser sorprendentemente oscura y aterradora, especialmente en el acto final. Al final, Greta es una película muy buena que explora temas cómo la soledad, la depresión mental y las emociones que se viven a partir de la pérdida o la ruptura familiar. La historia de una acosadora peligrosa podría no ser completamente nueva y algunos giros fueron fácilmente predecibles. Aún así, la ejecución de esta película es particularmente apasionante gracias a las brillantes actrices, la atmósfera sombría y la creciente tensión que lleva todo a un final memorable.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Poison Rose

Es 1978, y el investigador privado Carson Philips (John Travolta) regresa a su ciudad natal de Texas para investigar el caso de una cliente, solo para encontrarse con recuerdos y relaciones de su pasado, tanto buenos como malos, incluida la mujer que dejó atrás hace muchos años. Incapaz de resistirse a la súplica de una bella mujer, su viejo amor Jayne Hunt (Famke Janssen) le pide ayuda en una extraña muerte local plagada de preguntas y elementos curiosos que la rodean, y al no poder resistirse, acepta asumir el caso. Ahora, Carson debe adentrarse en el sombrío mundo de la ciudad con la que ya no está en contacto y el hombre poderoso que controla indirectamente la ciudad, Doc (Morgan Freeman), para descubrir la peligrosa verdad sobre el asesinato local, al mismo tiempo que logra sobrevivir a todas las personas que intentan evitar que él haga precisamente eso.

Desde el principio, se tiene la impresión de que esta película sabe lo que quiere ser, adoptando una serie de clichés de películas mixtas para establecer su trama. Siendo parte drama policial de la década de los 70 y parte neo-noir de la década de los 40, es un curioso enigma de extrañas narraciones, incluso actuaciones más extrañas y direcciones débiles que no se unen como deberían, dejando esta película con demasiadas fallas y siendo no tan memorable. Estamos en Hollywood en 1978 y la ex estrella de la NFL Carson Philips es ahora un detective privado, aún recordado por sus hazañas, pero más por su salida en desgracia. Un día, una mujer hermosa (su debilidad bien expresada) entra a su oficina pidiéndole que encuentre a alguien, obligándolo a regresar a su ciudad natal de Texas después de veinte años. Una vez allí, se enfrenta a viejos recuerdos mientras investiga el misterioso asesinato de un mariscal de campo de la escuela secundaria. Esto lo enreda con un viejo amor, Jane, un amigo llamado Doc, y un matón que siente que Carson lo traicionó.

Al igual que con cualquier otra película en el género detectivesco, la trama es complicada y desordenada, y sorprendentemente, hay suficientes elementos para que uno adivine lo que ocurre (más o menos). Donde la película mejor brilla (en cierta manera) es con el elenco. John Travolta hace un buen trabajo como un atleta convertido en detective. Famke Janssen hace lo que puede como la mujer rica en peligro. Morgan Freeman es el mejor actor aquí como el adinerado mafioso que resuelve las cosas, a pesar de que está en un par de escenas. También está Brendan Fraser como un médico gordo, calvo y sudoroso, que se gana el título de "qué demonios está haciendo en esta película?". Busquen también a Robert Patrick y un casi irreconocible Peter Stormare. De cualquier manera, donde la película se cae por completo es a través de las grietas de su trama. En realidad, a la película se le acreditan tres directores (George Gallo, Francesco Cinquemani y Luca Giliberto) en un intento por recordar el cine de los drive-in de los años 70, y en realidad no es tan importante como parece. La narración durante toda la película por parte de Travolta carece de vida y, en última instancia, es innecesaria, por no mencionar la historia de un "extraño" en la ciudad que hace demasiadas preguntas, haciendo que todos los locales se sientan incómodos.

En general, creo que la película es simplemente notable por el junte de John Travolta y Morgan Freeman, ya que es la primera vez que estos actores aparecen juntos en una película. Lamentablemente, los directores George Gallo, Francesco Cinquemani y Luca Giliberto no trajeron nada nuevo ni innovador, sólo una conversación melodramática inflada por un ambiente que rara vez se le da importancia. Los actores hacen lo mejor que pueden, pero están atrapados en una película que no tiene energía y vagan por varios lugares haciendo todo más lento. Es frustrante, especialmente cuando hay pequeños indicios de lo que podría haber sido una película con un gran potencial. Al final, The Poison Rose es una película sumamente lenta, aburrida y un regreso fallido a los clásicos del cine noir detectivesco de los años 40, y es una verdadera decepción dado que el comienzo fue bastante bueno. Es triste ver a actores potencialmente grandes de nuestro tiempo que, en el crepúsculo de sus carreras, están aceptando papeles que no solo son ridículos sino que arruinan su reputación, y que están ciertamente por debajo del conjunto de habilidades, experiencia y conocimientos que han logrado a lo largo de su larga e ilustre vida profesional.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Textless De La Semana

Godzilla: King Of The Monsters

Review: Charlie Says

Tres años después de participar en el asesinato de Sharon Tate, y Leno y Rosemary LaBianca, Leslie Van Houten (Hannah Murray), Patricia Krenwinkel (Sosie Bacon) y Susan Atkins (Marianne Rendon) están sobreviviendo en el corredor de la muerte, luchando contra el aislamiento y apoyandose unas a las otras. Las mujeres continúan siguiendo las enseñanzas de Charles Manson (Matt Smith), pero su rutina diaria se ve interrumpida por la llegada de Karlene Faith (Merritt Weaver), una estudiante graduada del Proyecto de Prisiones de Mujeres de Santa Cruz, que la envían para conectarse con las tres prisioneras, con la esperanza de proporcionarles información sobre sí mismas a través de la discusión y la literatura. Cuando las reclusas comienzan a mostrarse cómodas con el mensaje de Karlene, sus mentes regresan con frecuencia a los caminos de Charlie, y Leslie, la última en llegar al Rancho Spahn, es acogida en los brazos de un loco experto en el arte de la manipulación. Karlene tiene problemas para ponerse en contacto con las mujeres, pero Leslie se muestra receptiva a las visitas, reconsiderando la experiencia que le proporcionó Charlie, evolucionando desde el paraíso bohemio hasta los preparativos de un combate, y con el sueño de Helter Skelter a punto de hacerse realidad.

La directora Mary Harron y la guionista Guinevere Turner, quienes anteriormente colaboraron en American Psycho (2000) y The Notorious Bettie Page (2015), y inspiradas en el libro The Family de Ed Sanders, nos presentan el culto de Charles Manson a través del punto de vista de las mujeres, especialmente el de Leslie Van Houten. Y seamos honestos, ahí es donde está el verdadero misterio. Un supremacista dominante y arrogante no es tan interesante como la historia de cómo estas mujeres se sintieron tan encantadas con el hombre que estaban dispuestas (incluso ansiosas) a asesinar a personas inocentes en su nombre. Vemos a Leslie "Lulu" Van Houten, Susan "Sadie" Atkins y Patricia "Katie" Krenwinkel en un bloque aislado de una prisión de mujeres de California tres años después de los asesinatos. Pasan por sesiones de terapia con Karlene Faith, cuyo objetivo es recordarles quiénes eran antes de conocer a Manson.

Durante las sesiones de terapia en la prisión, recibimos flashbacks del Rancho Spahn donde Manson gobernó a sus seguidores, que también incluyeron a Mary Brunner, Squeaky Fromme, Linda Kasabian y, por supuesto, Tex Watson, quien inicialmente se muestra bastante distante, pero finalmente se entrega a las enseñanzas de Manson totalmente, y de la manera más violenta. Estos flashbacks están destinados a ayudarnos a comprender el lavado de cerebro que afectó a estas mujeres a través de los delitos, de su juicio y durante años de encarcelamiento. Escuchamos la canción de Garbage Dump, oímos hablar del dinero y del ego y aprendemos que "las nuevas reglas no son reglas". Vemos el sueño de Manson de convertirse en una estrella de rock destrozada por el productor musical Terry Melcher después de ser presentado por Dennis Wilson (el baterista de The Beach Boys), quien a veces pasaba tiempo en el rancho. Y escuchamos los comentarios de Manson sobre las correlaciones entre el White Album de The Beatles y la Biblia, y sobre cómo se avecina una guerra racial (y se llama Helter Skelter).

Ahora... la eterna pregunta siempre parece ser: Son estas mujeres víctimas o solo son parte de una pandilla que cometió asesinatos horribles? La película intenta abordar eso, y aunque a veces se muestra prometedora, al final la película carece de profundidad. Lo que obtenemos es algo que ciertamente no es para nada una mala película, pero dados los hechos, se siente más como una oportunidad perdida. Leslie/Lulu es interpretada con convicción por la actriz Hannah Murray y Charles Manson es interpretado por Matt Smith como si fuera Jim Morrison. Matt Smith lo interpreta de manera bastante extraña, pero parece que se divierte con el papel. Por otro lado, las sesiones de terapia en la prisión en realidad brindan más información sobre los efectos duraderos del hombre y el culto que les lavó el cerebro para cometer asesinatos a sangre fría y una vida tras las rejas, y el hecho de que estas mujeres serán forzadas a vivir con las inimaginables atrocidades que cometieron por el resto de sus vidas.

En general, creo que he visto todas las películas que se han hecho de The Manson Family, y esta es fenomenal. En realidad, se trata mucho más de las mujeres de Manson y no tanto en Manson, lo que de alguna manera es refrescante. Estas mujeres estaban completamente aisladas en un entorno donde se les decía cuándo moverse, qué comer, cuándo comer, y cada parte de su día ya estaba planeado. Me encantó el hecho de que esta película se centra más en las mujeres que en Manson, y da una nueva perspectiva a lo que fueron sus vidas antes, durante y después de los horribles crímenes ocurridos. Muestra su visión y el miedo que realmente sintieron. Los únicos puntos negativos son: la mayoría de los actores de la película se sintieron muy amateurs, los miembros masculinos del Manson Family están reducidos a personajes secundarios y no hay suficiente foco en las atrocidades que cometieron y demasiado se centró en las emociones y el estado mental de las mujeres. Al final, Charlie Says es una de las versiones más creíbles de la historia de Charles Manson que he visto y se cuenta con compasión tanto por los asesinos como por sus víctimas, pero no se escapa de la dura realidad. Parte del contenido cubierto se ha visto antes en otras películas, pero aún así se siente fresca. Esta película da voz a las mujeres del Manson Family, a quienes la historia ha reducido a vivir en la sombra del infame líder del culto. Es una película intrigante, bien dirigida y transmite una sensación atmosférica del verano del amor de 1969. Si tienen algún interés en los asesinatos de Manson y, en particular, en las mujeres que participaron en ellos, les sugiero que la vean y lleguen a sus propias conclusiones. Para una perspectiva diferente, busquen la película de televisión Helter Skelter (1976) que se basó en el libro del fiscal Vincent Bugliosi o la película The Manson Family (1997).

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Polaroid

Desde la pérdida de su padre, la joven Bird Fitcher (Kathryn Prescott) vive bastante apartada de todos. Un día, mientras trabaja en una tienda de antigüedades al lado de su escuela, su compañero de trabajo Tyler (Davi Santos) le regala una vieja y rara cámara Polaroid SX-70 que incluye accesorios. Bird, siendo una fanática de la fotografía, reconoce de inmediato la rareza de este espécimen de la década de 1970 y poco después, su mejor amiga Kasey (Samantha Logan) la convence para que vaya a una fiesta. En la fiesta, sus amigos necesitan un selfie, y Bird sugiere fotografiar al grupo con su nueva/vieja cámara instantánea. Pero pronto resulta que es un error, porque Tyler es encontrado muerto e incluso algunos de sus amigos. Bird tiene la sospecha de que hay una maldición en la cámara, que se manifiesta como una sombra que caza y mata a cualquiera que esté frente al lente. Bird y sus amigos tienen que encontrar una salida a una situación aparentemente desesperada, con el Sheriff Pembroke (Mitch Pileggi) no creyendo en las causas sobrenaturales de las muertes.

Esta película de terror de adolescentes se basa en un cortometraje de 15 minutos del mismo nombre del 2015, y el director noruego Lars Klevberg la infla para hacerla una película de Hollywood. En realidad, se suponía que esta película estrenara para Halloween del 2017, pero como muchas otras películas, fue víctima de la quiebra de la Compañía Weinstein (como resultado del escándalo de abuso del cofundador de la empresa Harvey Weinstein) y, por lo tanto, no fue lanzada hasta ahora en 2019. Lamentablemente, resulta ser una película de terror no tan aterradora, poco imaginativa y de bajo presupuesto, que trata de unir los mejores elementos de varios clásicos del género. El modelo más obvio de Polaroid es, por supuesto, The Ring, ya sea la versión original japonesa de 1998 o el remake americano del 2002 con Naomi Watts, en la que las personas mueren tan pronto ven una cinta de video misteriosa. Sin embargo, a pesar de la premisa similar, el estilo de Klevberg estuvo más fuertemente influenciado por la película de horror independiente y atmosférica de David Robert, It Follows (2014), y otras fuentes importantes de inspiración fueron Final Destination (2000) y la obra maestra de Richard Donner, The Omen (1976).

Sin duda, pudieron haber usado peores modelos a seguir. El problema es que, si dejas de lado la historia excelentemente construida y el asombroso antagonista fantasma (The Ring), no puedes reproducir el estado de ánimo espantosamente tenso (It Follows), pierdes el ingenio y el humor negro (Final Destination) y no alcanzas un nivel de perfección (The Omen), entonces el resultado es bastante olvidable. Pero no todo es malo. La actriz principal Kathryn Prescott es una simpática protagonista, con Mitch Pileggi y Grace Zabriskie como buenos actores secundarios y la misteriosa criatura asesina es bastante convincente. Además, solo hay una buena idea (la escena de la cafetería) y un (más o menos) giro sorprendente. Otro problema es que el libreto está lleno de estereotipos. Kathryn Prescott da pocas oportunidades de profundizar en su personaje y sus amigos parecen completamente intercambiables y revelan poco sentido del tiempo o diálogo auténtico. Además, hay algunos sustos baratos que se amplifican a través de efectos de sonido exagerados, y la criatura asesina toma demasiado tiempo en aparecer.

Por supuesto, esto último no es lo preferido por muchos fanáticos del horror, porque si el antagonista no humano se revela demasiado pronto en todo su "esplendor", siempre existe el peligro de que pierda rápidamente su efecto. Sin embargo, si uno quiere retrasar la revelación en el mayor tiempo posible, también debe proceder con habilidad. Exactamente eso es lo que sucede con Polaroid en general, porque los intentos por revelar muy poco de la criatura hasta el enfrentamiento final, es tan torpe que es casi involuntariamente divertido. Esto probablemente estará relacionado con su bajo presupuesto y también con la falta de experiencia del director. Después de todo, el final en sí mismo es de alguna manera decente, aunque los efectos especiales solo convencen parcialmente, ya que tanto los humanos como la criatura se comportan mal una y otra vez (y de manera estúpida).

En general, no es una mala película de terror, es terrible. Lo único redimible de la película son las actuaciones de Kathryn Prescott, Mitch Pileggi y Grace Zabriskie. En última instancia, cae en la categoría de ser otra película horror sobrenatural de adolescentes muy predecible que no trae nada nuevo o emocionante al género. Sorprendentemente, no es un remake de una película de terror japonesa, pero aún así se siente muy derivada y no se destaca en lo absoluto de la multitud de películas de este tipo. Se puede ser muy poco original, pero aún se tiene que entusiasmar de alguna manera a la audiencia, y aquí... eso no pasa. Al final, Polaroid es una película de terror de adolescentes terriblemente poco imaginativa que recopila elementos bastante malos de los clásicos de varios géneros. Debido a un guión moderado y probablemente por razones de presupuesto, no proporciona momentos de miedo exitosos.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Brightburn

Tratando con la infertilidad durante mucho tiempo, Tori (Elizabeth Banks) y Kyle (David Denman) les contestan sus oraciones cuando una nave extraterrestre aterriza en su granja de Kansas. Tori y Kyle, criando al niño que se encuentra dentro de la nave como propio, intentan dar a su hijo, Brandon (Jackson A. Dunn), una vida cómoda, viéndolo convertirse en un joven inteligente. En su cumpleaños número 12, las cosas cambian para Brandon, quien se siente atraído instintivamente hacia la nave estrellada enterrada en el granero, conectándose con una fuerza malévola en su interior, y encontrándose capaz de tener una gran fuerza, vuelo y una devastadora visión de calor. Incapaz de controlarse a sí mismo durante este período de cambio, Brandon se entrega a la oscuridad, poniendose una máscara y una capa, buscando venganza de quienes lo han ofendido o amenazado. Si bien Kyle reconoce la maldad que se está gestando, Tori no puede condenar al niño que tanto deseaba y no está dispuesta a aceptar la realidad de la ola de asesinatos por parte de Brandon.

Cuando comencé a ver esta película, esperaba ver una versión más oscura y sombría de la historia de un niño extraterrestre con superpoderes, pero en lugar de convertirse en el hombre del mañana, se convertiría en el villano. Esperaba que esta fuera una historia trágica de cómo un niño con grandes dones deseaba hacer el bien, pero en cambio se volvió al camino del mal debido a un sentido de justicia retorcido, a una tragedia, o la combinación de ambos. Estaba totalmente equivocado... y me alegro de estarlo. Esta no es la historia trágica de el héroe que se convierte en villano, o el descenso de un héroe a un villano. Esta es una historia de un trabajo de amor perdido, de una naturaleza terrible que triunfa sobre la crianza compasiva, y que la maldad simplemente gana. En resumen, es una historia de origen de un verdadero supervillano sociopático y desquiciado.

En esta época en que las películas de superhéroes reinan casi por completo en el género de la ciencia ficción, Brightburn trae un aire fresco a la industria cinematográfica. Es la idea detrás de esta película original? No. Es la idea detrás de esta película algo nuevo? Absolutamente. De la mente de (los genios locos) James, Brian y Mark Gunn, se nos presenta la historia de un niño (no Kryptoniano y no Clark Kent) llamado Brandon Breyer, y su transformación a su alter-ego (o su verdadero yo), el temido Brightburn. Olvídense de una trágica historia de un villano o antihéroe con el que podemos relacionarnos, esta es la historia de una criatura que cumple su biología inhumana, de un alienígena que cumple su propósito malicioso, de un lobo que finalmente se deshace de su piel de oveja. Sin embargo, en la ejecución de contar tal historia, esta película es todo menos perfecta.

La película trata de ser una historia de origen única de un supervillano con elementos de horror y películas sangrientas. Desafortunadamente, estos elementos no caen muy bien dentro de su trama. Algunas partes de la película que aparentemente están destinadas a dar miedo, simplemente no logran entregar ese terror. Algunas escenas son ridículamente divertidas incluso después de su elaboración, como la escena en el armario de la casa de un amigo de la familia y la escena en la que la figura paterna intenta resolver el "problema" por su propia mano, sabiendo bien que el niño no puede ser herido de ninguna forma (al menos terrenal). En cuanto a los elementos del gore, hay dos escenas significativamente chocantes (una es en un restaurante de comida rápida y la otra tiene que ver con un "accidente" de auto), pero nada que sea considerado extremadamente repugnante. Además, la narración de esta película a veces se siente inadecuada, especialmente en la parte donde el antagonista principal de esta película comienza a tener ideas malévolas, o donde empieza a aceptar sus cualidades inhumanas. En esas partes, la narración carece de más elementos, y es una pena porque la historia pudo haberse explorado y elaborado más profundamente.

Con todos estos defectos que he mencionado, es Brightburn una película mala? No, no lo es. Brightburn está lejos de ser una película perfecta, puede que ni siquiera gane ningún premio, o sea una joya en la historia del cine. Pero es una muy buena película. En mi opinión, la película sufre estas fallas debido a que la idea central de Brightburn, la historia original de un supervillano alienígena y sociopático, supera los otros elementos dentro la película. Es eso algo malo? No necesariamente, ya que se las arregla para ofrecer una historia de origen única de un niño/superhéroe malo, lo cual es bueno, especialmente en esta época de películas de superhéroes y antihéroes. En lugar de ajustarse a las normas de las películas de superhéroes y antihéroes, Brightburn tiene su propia identidad, una identidad que es extremadamente independiente de Marvel y DC. Los hermanos Gunn deben sentirse orgullosos de lo que han logrado con esta película, y espero que se esfuercen por mejorar, especialmente al explorar este universo único e independiente que han creado con Brightburn.

En general, la película es una historia de origen inolvidable, una que no se ha visto nunca antes, y que podría clasificarse como superhéroes en el género de terror. Me encantó la premisa del "qué pasaría si" un superhéroe fuera malo y los momentos de tensión fueron realmente geniales. Al final, Brightburn puede no ser un clásico, pero puede ser la película pionera de un aspecto diferente de las películas de ciencia ficción/superhéroes que se pueden explorar y llevar a la pantalla grande. A medida que la edad de los superhéroes y antihéroes entra en un crepúsculo, con Brightburn comienza la era de los supervillanos. Nota adicional: hay una escena extra que da a entender que hay más supervillanos, cada uno con poderes diferentes e igualmente horribles, y cada uno de ellos está aterrorizando el planeta a su manera, lo que implica una posible secuela.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 28 De Mayo Del 2019

Climax

Lords Of Chaos - Uncensored Director's Cut

Greta

South Park - The Complete Twenty-Second Season

The Police: Everyone Stares (Mayo 31)

A Vigilante

Review: Aladdin

Siendo una “rata callejera” sin hogar en la ciudad de Agrabah, Aladdin (Mena Massoud) se gana la vida como un ladrón, robando a los ricos y compartiendo con los pobres. A su vida llega una disfrazada princesa Jasmine (Naomi Scott), que quiere saber más sobre la vida fuera del reino de su familia, donde vive con su tigre Rajah, la doncella Dalia (Nasim Pedrad), y su padre, el Sultán (Navid Negahban). Aladdin se enamora de Jasmine, pero Jafar (Marwan Kenzari), el malvado consejero del Sultán, tiene otros planes, usar a Aladdin, o el "diamante en bruto", para encontrar una lámpara mágica en la Cueva de las Maravillas. Al descubrir el tesoro, Aladdin libera al Genie (Will Smith) de la lámpara mágica, quien le ofrece tres deseos, y también lo ayuda ofreciéndole consejos sobre la vida, el amor y las mujeres. Mientras que Aladdin usa el deseo de convertirse en un príncipe digno para Jasmine, Jafar encuentra algo extraño en la nueva figura de la realeza, buscando formas de exponer a Aladdin y reclamar el poder de la lámpara mágica.

Durante la última década, Disney ha estado buscando entre su tesoro de clásicos animados para hacer remakes en live action. Hasta ahora, los resultados no han sido lo suficientemente encantadores, aunque ninguno de estos remakes ha defendido de manera definitiva a favor o en contra de contar la misma historia en un medio diferente. La Aladdin original es una de mis películas favoritas de Disney de todos los tiempos. Todo es muy divertido para ver y la animación, la música, la comedia y la historia son espectaculares. Después de ver este remake en live action, tengo que decir que fue bastante pobre en comparación con la original. El ambiente se sintió como una película de televisión y, a pesar de los colores y la cinematografía, todo parecía hecho de una forma barata. Aladdin tiene la dudosa distinción de inclinar el debate a favor de dejar las películas originales en paz. A pesar de algunas chispas de color y de reinvención, esta nueva versión tendrá dificultades para convencer a cualquiera de que es necesario que exista. De hecho, proporciona una prueba concreta de que, por muy buenos y modernos que sean los efectos especiales hoy día, hay algunas cosas que funcionan mejor cuando son animadas.

Ya la historia se conoce, pero hay algunos elementos que son actualizados en la historia de Aladdin para reflejar mejor el mundo en el que vivimos hoy. En la original de 1992, siempre fue frustrante que una princesa con la inteligencia y el espíritu independiente de Jasmine tuviera que encontrar un marido para gobernar Agrabah. Este remake no descarta ese aspecto, pero sí hace que Jasmine sea un personaje con actitud, dejando claro que ella es la única en la relación con todo el poder (político). Es una pena que Speechless, la nueva canción que le han dado para explorar su confusión interna, se sienta tan fuera de lugar tanto en la película como en la trama. La melodía es desechable y frustrantemente genérica, pero el esfuerzo es apreciado.

Desafortunadamente, el resto de Aladdin nunca está a la altura espectacular de la película original. Está hecha decentemente, en su mayor parte, y las secuencias de acción son gratificantes de ver. En live action, Aladdin es algo así como un practicante de parkour, ya que la cámara lo persigue en sus carreras gravitacionales por las calles de Agrabah. Pero la magia se ha ido, desangrándose en escenas que deberían brillar con alegría y emoción, cómo por ejemplo los temas Prince Ali y A Whole New World. Aparte de un par de momentos divertidos que se sienten improvisados ​​de manera encantadora, no podrán distinguir o encontrar el toque del director Guy Ritchie en toda la película. Y casi todos los mejores fragmentos, específicamente la amistad entre Aladdin y el Genie, se eliminan en este remake.

Ahora... el Genie de Robin Williams es sin duda alguna uno de los logros más grandes de Disney. Cada uno de sus movimientos, expresiones faciales y transformaciones se asemejan a la captura de la iluminación en una botella, literal y figurativamente. Es verdaderamente uno de los matrimonios más sublimes de actor y animación en la historia. Robin Williams es el Genie, y el Genie es Robin Williams. En realidad, es injusto esperar que alguien llene los zapatos de Williams, incluso alguien como Will Smith, que tiene su propio carisma natural. Aquí, no solo se ve afectado por tener que dar un rendimiento ya perfeccionado por otra persona, sino que además tiene un diseño de personaje en CGI ocasionalmente deficiente (el gigantesco torso para ser más específico). No debería sorprender que Smith es más efectivo en las escenas cuando no es grande y azul. Se puede decir lo contrario de Jafar, quien se hizo aún más siniestro por su apariencia distintivamente arqueada en la película animada, algo que Marwan Kenzari no puede aspirar a aproximarse como una verdadera persona humana. Además, Mena Massoud y Naomi Scott como Aladdin y Jasmine no tienen química juntos y sus actuaciones son bastante malas. Al menos los animales de la película (Abu, Rajah y Iago) están representados maravillosamente, lo que da una esperanza para el próximo remake de live action de Disney, The Lion King.

En general, la película es básicamente la misma que la animada con algunos cambios y algunas cosas de relleno en la trama que realmente no van a ninguna parte. Es similar a Beauty And The Beast (2017), si la han visto. Las canciones clásicas no se interpretan tan bien, y las nuevas son bastante olvidables. El CGI puede variar de lo fino a lo ridículo, y en realidad no se hace de manera memorable. La música es decente, pero eso se debe principalmente a la original y la película no está realmente rodada de una manera especial, simplemente se siente convencional y nada de ella grita o representa que esto fuera una película dirigida por Guy Ritchie. Al final, Aladdin es simplemente otra película de remake de live action pasable/mediocre en el mejor de los casos. Por qué tenía que durar 2 horas y 8 minutos? No tengo ni idea, pero la película fue débil y Will Smith es realmente lo único bueno, a pesar de que Robin Williams sigue siendo extremadamente superior en la original. Esto es otro remake de Disney que no se necesitaba en lo absoluto. Quédense con la Aladdin original que tiene efectos superiores, actuaciones, bromas, atmósfera, personajes y profundidad sobre este intento de generar dinero de forma nostálgica.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Best Of Enemies

En 1971 en Durham, North Carolina, C.P. Ellis (Sam Rockwell) es el líder de la hermandad local del Ku Klux Klan, y se hizo un nombre para sí mismo como un hombre de acción, proporcionando una voz clara para la segregación racial en la comunidad. Ann Atwater (Taraji P. Henson) es una activista comunitaria y una mujer de singular poder, que intenta hacer que Durham sea mejor para las personas de raza negra, enfrentándose a tipos problemáticos y violentos que viven para dificultar la calidad de vida. Cuando la escuela negra se incendia, Ann presiona las autoridades gubernabentales para que los estudiantes asistan a la escuela blanca más cercana, y de forma alarmante C.P. no quiere tal integración. Como una manera de tratar el asunto de manera legal, los funcionarios piden una cumbre pacífica de 10 días entre los pocos seleccionados en ambos lados del tema. Obligados a estar juntos por este período de tiempo, C.P. y Ann están expuestos al estilo de vida del otro, con el Klansman comenzando a darse cuenta de que el odio no es la respuesta que él ha estado buscando.

Es fácil quejarse (y muchos lo hacen) acerca de cómo Hollywood generalmente explora el tema del racismo. A veces, las historias parecen un poco simplistas, como con The Help (2011), Hidden Figures (2016) y Green Book (2018). Sin embargo, en lugar de criticar, tal vez deberíamos estar agradecidos por cualquiera de estas películas que se hayan producido. Basada en una historia real que tuvo lugar en 1971 en Durham, North Carolina, la película presenta los notables acontecimientos que llevaron a la integración de las escuelas públicas y una amistad más extraña que la ficción. Taraji P. Henson interpreta a Ann Atwater, una activista afroamericana y organizadora comunitaria, mientras que Sam Rockwell co-protagoniza como Claiborne C.P. Ellis, el Exaltado Cíclope (básicamente el Presidente del Capítulo) del Ku Klux Klan. La descripción más extraña de la ficción se aplica aquí cuando una mujer negra combativa puede influir de manera efectiva en las creencias establecidas de un líder del Ku Klux Klan y forjar una amistad que duraría por 3 décadas.

La chispa proverbial que inició toda la cadena de eventos fue un incendio que destruyó parcialmente la escuela primaria a la que asisten los niños negros de la comunidad. Cuando la comunidad blanca se negó a compartir su escuela, los niños negros se vieron obligados a recibir las clases en las áreas menos afectadas por el incendio mientras se llevaban a cabo los procesos de demolición y renovación. Esto llevó a que la NAACP (Asociación Nacional Para El Avance De Las Personas De Color) se involucrara, lo que resultó en que un juez ordenó un Charrette, una combinación de un comité y un debate cívico, para determinar cómo la comunidad avanzaría. Bill Riddick fue el encargado para organizar el Charrette, y nombró a Ann Atwater y a C.P. Ellis como copresidentes. Tengan en cuenta que esto fue 17 años después de que Brown Vs. La Junta de Educación decidieron a favor de la integración escolar, pero muchos sectores del sur se tardaron en acatar esa ley.

La estructura de la historia nos ofrece una sincronía entre las vidas de Atwater y Ellis, ya que cada uno lucha con la pobreza y los desafíos familiares. Es solo una de las maneras de tratar de demostrar que eran más parecidos que diferentes, y se dedica mucho más tiempo a cómo la transición ocurre lentamente y personalmente para Ellis. Por supuesto, a pesar de que Atwater y Ellis se odian, es Ellis cuyos ojos deben abrirse cuando se aferra a la única forma de vida que conoce. Debido a esto, Sam Rockwell tiene el papel más prominente, pero es Taraji P. Henson (y su traje de mujer gorda) quien atrae más risas. Como es de esperar, Sam Rockwell y la ruidosa Taraji P. Henson son los que dominan toda la película, sin embargo, otros actores cumplen con muy buenos papeles de apoyo. Algunos son: Wes Bentley como Floyd Kelly, un soldado confederado con los Klansman. Anne Heche como Mary, la esposa de C.P. Ellis. Nick Searcy como Garland Keith, el representante del consejo de ciudadanos blancos. Bruce McGill como Carvie Oldham, el alcalde de Durham. John Gallagher Jr. como Lee Trombley, un ex veterano de Vietnam y dueño de una ferretería, y Caitlin Mehner como la ciudadana Maddy Mays.

En general, la película es el aspecto más entretenido (aunque un poco liviana) de una cadena histórica de eventos, y está a la altura de la película de Spike Lee BlackkKlansman (2018), aunque no lo crean. El final de esta película se apoya en gran medida en la sensación de sentirse bien y de que como seres humanos podemos simplemente acercarnos y crear la paz, y quizás eso no sea tan malo. La secuencia de los créditos finales presenta algunos pietajes de la verdadera Ann Atwater (que murió en el 2016) y de C.P. Ellis (que murió en el 2005), lo que hace que sea un poco más fácil entender cómo se conectaron dos polos opuestos para un bien mayor. Al final, The Best Of Enemies es una hermosa película y la historia y el retrato de una amistad interracial. Es realmente una película edificante de cómo el odio más profundo y perseverante hacía otra persona se puede superar.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Textless De La Semana

Aladdin

Review: A Dog's Journey

Bailey (voz de Josh Gad) es un perro que vive su mejor vida con Ethan (Dennis Quaid), el hombre con el que pasó muchas vidas tratando de reunirse. Acompañado por Ethan y su esposa, Hannah (Marg Helgenberger), Bailey observa a la hija de Hannah, Gloria (Betty Gilpin), atacar a otros debido a problemas en su vida, lidiando con un futuro como viuda y luchando por sus sueños de ser cantante. Incapaz de sobrellevar el juicio doméstico percibido, Gloria se aleja de Hannah y Ethan llevandose a su hija CJ (Kathryn Prescott), poniendo distancia entre la niña y sus abuelos que la aman. Bailey, sintiendo un nuevo propósito, trabaja durante varias vidas para permanecer al lado de CJ, tratando de manejar la reencarnación para ayudar a su amiga, que crece sin una figura paterna adecuada, y encuentra el amor en todos los lugares equivocados. Al entrar en contacto con varios perros que se sienten naturalmente atraídos por ella, CJ mantiene cerca a estos peludos guardianes cuando se enfrenta a desafíos personales y profesionales.

A Dog's Purpose fue originalmente una película que decidí ver al azar hace dos años atrás y no tenía idea de qué esperar. La película logró sorprenderme al golpearme en un nivel emocional y para una película familiar tenía elementos oscuros que no esperaba, a pesar de ser un poco cursi en algunos lugares. La trama principal de la película era un perro, Bailey, que reencarnaba constantemente con comentarios desde el punto de vista de un perro, expresados por la voz de Josh Gad. Esta secuela continúa desde donde A Dog's Purpose terminó con Bailey viviendo con su amo Ethan y estableciendo un nuevo objetivo para seguir a su nieta CJ a través de diferentes reencarnaciones de perros después de prometerle a Ethan que la protegería.

Si han visto A Dog's Purpose, saben qué esperar. Pequeñas bromas y observaciones de lo que está en la mente de Bailey y, por supuesto, el perro muriendo unas cuantas veces. Puede ser un poco dura de ver en algunas partes, y como un amante de perros tuve que aguantar mis emociones en algunas escenas. Me gustaron los comentarios/voz de Josh Gad y me gustó ver a Bailey pensar de manera diferente a un humano y hacer chistes pequeños aquí y allá. La película tiene momentos cursi y tonalmente puede ser edificante. Me gustó eso, aunque la vida nunca sucede de la manera que uno espera y pueden ocurrir cosas malas cuando menos te lo esperas. La actuación es un poco inestable en algunos lugares, pero en su mayor parte los temas de crecer, intentar cosas diferentes y observar los recuerdos de Bailey a lo largo de los años hacen que las cosas sean atractivas. Es una película bastante sencilla.

El único problema aquí es que, a veces, los enlaces entre las líneas del tiempo son un poco débiles y el guión no permite ni siquiera a los mejores actores, entre los pocos que hay (de los cuales el protagonista principal no es uno, lamentablemente) dar sus mejores actuaciones. También vale la pena mencionar que el enfoque está realmente en Bailey como lo fue en la primera película, aunque a veces parece ser un personaje secundario. Pero no dejen que esto los desanime, incluso con todos sus defectos, es una película agradable.

En general, la película es básicamente A Dog's Purpose: Part 2, así que ya saben en lo que se están metiendo. Es una película que intenta llegar a un nivel emocional, no tiene miedo de mostrar el lado más oscuro de tener una mascota y tiene momentos ligeros gracias a los comentarios de Bailey. Aunque no es mala, prefiero la primera película porque me gustó más la dinámica entre Bailey y Ethan. En todo caso, diría que esto es un vistazo más fácil en comparación con A Dog's Purpose, ya que hay menos relleno y los momentos de desolación están ligeramente atenuados. Al final, A Dog's Journey es una película emocional con una historia lineal y suficiente valor de entretenimiento para que sea disfrutada por familias y los amantes de los perros. La película funciona mejor con personas que les gustan o son dueños de perros, pero si están buscando una película familiar, esta es una buena opción.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: I Trapped The Devil

Es Navidad, y Matt (AJ Bowen) no quiere ver a su hermano, Steve (Scott Poythress), en las vacaciones. Matt a regañadientes, decide hacer el viaje y visitar a su hermano gracias al consejo de su esposa Karen (Susan Burke). Cuando llegan, todas las paredes están tapizadas, la iluminación es limitada y Steve no está contento de recibirlos. Con la esperanza de reconciliarse después de un largo período de distanciamiento, Matt intenta ser amable con Steve, mostrando interés en su vida, pero él está guardando un secreto en su sótano. Encerrado detrás de una puerta hay alguien o algo que está desesperado por salir, con Steve asegurándose de que la fuerza maligna esté contenida. Mientras Matt intenta comprender la posible locura de su hermano mientras sospecha lo que podría ser un secuestro, Karen realiza su propio recorrido por la casa, haciendo ciertos descubrimientos que desafían su propia cordura.

I Trapped The Devil es una película de horror estilo art-house muy lenta, y con un presupuesto visiblemente bajo. El trailer me intrigó, pero lamentablemente después de verla fue decepcionante y bastante estúpida. De alguna manera, la película logra atrapar y encerrar la manifestación física del mal, pero podría haber sido útil tener algo parecido a un plan. Desafortunadamente, la película en sí tampoco parece saber qué hacer con su propia premisa intrigante, y el resultado es un ejercicio frustrante en anticipación a una paga que nunca llega. Hay una promesa temprana, cuando Matt y Karen llegan a la casa sombría de su hermano Steve para pasar la Navidad. Hay una tensión obvia en el aire entre los dos hombres, envuelta pesadamente sobre interacciones forzadas. Sin embargo, y claramente, hay algo aún más siniestro y no se tarda mucho en revelarse el secreto: Steve ha encerrado a un hombre en el sótano detrás de una puerta con una gran cruz de madera, creyendo que es el mismo diablo.

La eficiente apertura coloca a la película en una posición con un gran potencial de horror, pero... a donde irá? Habrá debates filosóficos sobre la naturaleza del mal, incluso si es posible contener tal fuerza? O podría jugar esto como un juego del gato y el ratón, donde tres humanos deben burlar al mayor engañador que el mundo haya conocido? Hay posibilidades de revelar defectos, explotar debilidades, exponer viejas heridas y explorar la antigua locura de los humanos que se atreven a desafiar a seres superiores? El escritor/director Josh Lobo crea un entorno extraño como telón de fondo, un hogar que implica una lucha desesperada por sobrevivir, con un televisor CRT incorporado, y quizás también algunos homenajes a Poltergeist (1982) y Videodrome (1983). Incluso hay algunos efectos agradables, como la iluminación repentina con luces de Navidad.

Uno de los principales problemas de esta película es el hecho de que la trama principal aquí no tiene ningún sentido y se presenta más como un esfuerzo cómico o una parodia que cualquier otra cosa que realmente pretende ser aterradora. Esto se presenta como una premisa aparentemente ridícula que no se desprende en lo más racional o creíble de que el diablo sea capturado y encadenado todo el tiempo en el sótano de una casa. El resultado final es una película que lucha increíblemente para que algo tan tonto se tome en serio. La situación no se ve favorecida por la casi completa falta de acción. Todos los personajes parecen estar esperando que alguien más haga un movimiento, o un enfrentamiento que no incurre en conflictos internos ni externos. Las reacciones humanas normales ante tal evento, ya sea escepticismo, conmoción, temor o pánico, se ignoran en gran medida para evitar un comportamiento razonable, como llamar a la policía o simplemente huir. Mientras tanto, está este personaje cuya voz emana de detrás de la puerta cerrada, pero rara vez se le da la oportunidad de interactuar con sus captores.

En general, es obvio que esta película quería alejarse del horror sensacionalista en favor de una experiencia más inquietante, y elogiable, pero exageran al mostrar muy pocas de sus cartas. Ese problema simplemente se resalta aún más con una trama que se vuelve más confusa. Con la película cobrando vida solo al final y manteniendo las cosas increíblemente basadas ​​en paranoias, uno termina increíblemente aburrido y totalmente desinteresado por lo que está pasando en la mayoría de la película, ya que las payasadas paranoicas no son en lo más mínimo emocionantes y realmente lo único que hacen es prolongar su ritmo. Al final, I Trapped The Devil no es la batalla explosiva que vende el título, pero a través de la película ese tema retumba a pesar de que nunca se ve nada. El director Josh Lobo podría cautivar audiencias con el trailer y con el principio, pero ese interés no se mantiene por mucho tiempo.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Kursk

El 12 de agosto del 2000, la armada rusa realizó su primer ejercicio importante desde el final de la Unión Soviética con la mejor tripulación de la Flota del Norte a bordo del submarino K-141 Kursk. La tripulación celebró la boda de uno de sus compañeros la noche anterior, con el capitán/teniente Mikhail Averin (Matthias Schoenaerts) asegurando la mejor noche posible para los recién casados. Al día siguiente, Mikhail se despidió de su esposa embarazada Tanya (Léa Seydoux) y de su hijo no nacido Kalekov, y emprendió su viaje. Poco después de salir del puerto, una explosión hace temblar el submarino e inmediatamente mata a muchos de los hombres, pero Mikhail y un par de docenas de otros sobrevivientes encuentran seguridad en un compartimiento sellado con suficiente comida y aire para durar hasta el rescate. A medida que Mikhail trata de mantener viva a su tripulación restante bajo el agua, Tanya se siente cada vez más frustrada por la forma en que los funcionarios del gobierno, incluido Vladimir Petrenko (Max von Sydow), mantienen a la comunidad en la oscuridad con respecto al estado de la tripulación y si Rusia aceptará la ayuda ofrecida por otros, incluido el comodoro de la armada británica David Russell (Colin Firth).

El hundimiento del submarino Kursk tuvo lugar el 12 de agosto del 2000, matando a los 118 miembros del personal a bordo. Los barcos cercanos al lugar registraron la explosión inicial y una segunda explosión, mucho más grande, que registró 4.2 en la escala de Richter en sismógrafos hasta Alaska, pero la marina rusa no se dio cuenta de que el submarino se había hundido y no inició una búsqueda hasta seis horas después de la explosión. Cuando se declaró una emergencia 11 horas más tarde, la tripulación (desconocido para todos) había muerto. Esta es la película de los eventos que llevaron al desastre, la tripulación que intenta sobrevivir en el fondo del océano, el gobierno que niega que incluso haya ocurrido un accidente y las familias que intentan averiguar qué les sucedió a sus esposos, padres, hijos y amantes. Más allá de la tragedia humana, la historia del desastre del Kursk es la crónica del final del sueño en el que Rusia aún podría jactarse de su excelencia tecnológica, su capacidad militar y su condición de potencia mundial, durante los primeros días en que Putin fue elegido presidente.

Para empezar, Kursk es una de esas películas que se conoce el resultado y las consecuencias incluso antes del comenzarla. La historia aquí es contada en cuatro ángulos. La primera es la de los sobrevivientes, la segunda es la de las esposas y las familias de las víctimas, la tercera es la de las autoridades rusas, principalmente militares y la última, la de las autoridades militares extranjeras. Lo que hizo que los rusos fracasaran en sus intentos de rescate es la obsolescencia de sus equipos. Ellos lo sabían y la comunidad internacional también lo sabía. Lo que dice la película es cómo las autoridades rusas postergaron la ayuda internacional. Ellos querían mantenerse firmes en realizar el rescate a pesar de los muchos intentos. Desafortunadamente, todos los intentos fueron inútiles y el resultado final fue algo más bien desagradable. Una cosa a debatir es el dioma del inglés como idioma único en toda la película. Es algo que tal vez se acepte o tal vez no, sin embargo, es una norma ampliamente utilizada por Hollywood y el cine de una manera más general para llegar a un público más amplio. Por supuesto, siempre es mejor ver a los rusos hablar en ruso (con subtítulos claro) y no en inglés, pero ni modo. En el aspecto técnico, Kursk ofrece excelentes valores de producción, cinematografía y buenas actuaciones.

En el departamento de actuación, el papel principal lo tiene Matthias Schoenaerts. Un actor belga que da una actuación muy tensa y llena de emoción. Schoenaerts encarna un hombre que se encuentra en una situación de desamparo, pero no se da por vencido y se mantiene vivo no solo a sí mismo sino también a sus colegas, a quienes está decidido a salvar. La actriz francesa Léa Seydoux aparece en el papel de su esposa. Ella da una interpretación emocionalmente tensa y lucha por la verdad y la justicia para los marineros atrapados en el fondo del mar, ya que a ella, junto con otras mujeres y miembros de familia, se les ha mantenido información en secreto por parte del gobierno. Seydoux interpreta con facilidad a una mujer decidida y fuerte en una disputa burocrática. A los 90 años, el actor sueco Max von Sydow da una actuación, que podría decirse despreciable, como un viejo almirante naval que quiere dejar de ayudar a los marineros y prefiere proteger la información secreta del gobierno a bordo del submarino. Aunque tiene un papel pequeño pero distintivo, Colin Firth asume el papel de un comodoro de la armada británica que trata de ayudar a salvar a los marineros.

En general, esta película es muy humana. Es tanto una crítica a la humanidad (la sociedad, en un momento u otro) como a la fragilidad humana, y una historia alentadora al mismo tiempo para mostrar lo mejor de los seres humanos, como sus miedos, corajes, enojos y esperanzas. Los acontecimientos a bordo del submarino son en su mayoría especulativos, y quizá sea políticamente sensible, dado el actual clima político ruso, en relación con el oeste, pero esta película no merece convertirse en una herramienta política para la nueva guerra fría. En el peor, o mejor de los casos, esta película es una visión única de cómo Rusia se convirtió en el país que es hoy día. Al final, Kursk es una película que se centra en temas interesantes. Ciertamente es algo que la gente debería ver y oír. Esta es otra película de desastre inspirada en eventos reales, lo que me recuerda un poco a Deepwater Horizon (2016), que también cuenta la historia verdadera de una explosión en el mar. Lo único que distrae un poco es el hecho de que es una película rusa con el idioma en inglés, pero después de un tiempo se acostumbrarán. Es una película muy buena con una fuerte trama emocional.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 21 De Mayo Del 2019

How To Train Your Dragon: The Hidden World (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que es un Gift Set que trae wearable dragon wings)

The Upside

México Barbaro - Limited Edition

Review: John Wick: Chapter 3 - Parabellum

Después de asesinar a un rival en el lobby de The Continental, John Wick (Keanu Reeves) es declarado excommunicado, con una recompensa de $14 millones publicada por el High Table por su asesinato. John Winston (Ian McShane), quien le ofreció una ventaja inicial, se dirige a su hotel en la ciudad de Nueva York, perseguido por una liga de asesinos listos para cobrar una pequeña fortuna al enfrentarse a una leyenda de la industria. Volviendo a sus raíces rusas, John se endeuda con The Director (Angelica Huston), quien ofrece un pasaje a Casablanca, con la esperanza de descifrar el código del High Table y apelar al liderazgo secreto de la organización. Interactuando con algunos colegas un poco menos hostiles, entre ellos Sofía (Halle Berry), John trata de poner en orden su desorden. Sin embargo, el High Table envía a The Adjudicator (Asia Kate Dillon) para encontrar al asesino rebelde, repartiendo castigos a cualquiera que haya ayudado a John Wick en el camino.

John Wick regresa en 2 horas y 10 minutos de violencia con persecuciones emocionantes y agotadoras por todo el mundo. Dirigida por Chad Stahelski, John Wick: Chapter 3 - Parabellum es un pandemónium épico, hecho para satisfacer a los fanáticos de esta franquicia, pero también para sorprender a los no creyentes con sus secuencias de peleas y excelentes coreografías. Siendo un thriller delirantemente entretenido, visualmente hermoso y maravillosamente simplista, la película mantiene el atractivo único de la franquicia de manera impresionante. Completa con acción electrificante, hermosa cinematografía y un gran sentido del humor, la película es entretenimiento puramente de acción.

Antes de entrar en detalles, una de las mejores cosas que hace esta franquicia es lo simple que es su temática. Es posible que hayan visto John Wick y John Wick: Chapter 2, como es posible que no lo hayan hecho. Al entrar en esta tercera película, todo es bastante irrelevante, y si bien las dos primeras películas realmente merecen su tiempo para verse, absolutamente cualquiera puede ir a ver esta película sin ningún conocimiento previo, y simplemente sentarse y ver los fuegos artificiales. La trama se presenta efectivamente en el primer minuto de la película. John Wick está excommunicado, y hay una recompensa de $14 millones por su cabeza. Después de una breve exposición, hay 2 horas de acción bellamente simples pero infinitamente entretenidas, y mientras la película mantiene a uno sumergido con su sentido de misterio e intriga que rodea a este mundo de lealtades y engaños, lo que realmente importa es la emoción de la persecución.

Casi nunca hay un momento en el que la narración de la historia tenga prioridad sobre la acción, con la película cobrando vida a través de un acto de apertura estimulante. Sin embargo, al igual que en las dos primeras películas, no todos los momentos son combates y tiroteos, el misterio, la tensión y la intriga juegan un papel importante cuando John Wick se encuentra con numerosas personas de su pasado en diferentes escenarios. Hay momentos en la parte media de la película que la historia se arrastra y se vuelve un poco auto-indulgente, sin embargo, no se puede negar lo ingenioso y simplemente entretenido que es el suspenso. La acción en sí también es brillante. El acto de apertura es asombroso, lleno de una acción insana que presenta coreografías de lucha perfectas, un brillante trabajo de cámara y una fantástica sensación de autoconciencia que te permite reírte en los momentos más ridículos. A partir de entonces, la película continúa cobrando vida con secuencias de acción locas, enérgicas y deslumbrantes una y otra vez, promoviendo el atractivo de entretenimiento en todo el asunto.

El trabajo de cámara en las secuencias de lucha es ciertamente excelente, pero es la paleta de color caleidoscópica de la película y la cinematografía elegante lo que la convierte en un festín para los ojos, sacando el estilo de un thriller de manera brillante, y de manera intensa. Definitivamente estarán al borde de su asiento de principio a fin. El único defecto que encontré con la película fue que John Wick está demasiado a la defensiva. En lugar de estar molesto y en modo de cacería como en las dos primeras películas, en la mayoría de Chapter 3 está en modo de supervivencia. No me malinterpreten, todavía es muy divertido de ver, pero no es lo mismo que verlo tomar una venganza de manera brutal. Además, la película es extremadamente brutal y sangrienta. No recuerdo que las dos primeras películas de la serie me hicieran asombrarme tanto en términos de violencia. Hubo algunas cosas difíciles de ver en esta película, incluso para mí, y me enorgullezco en manejar ese tipo de cosas bien la mayor parte del tiempo.

En general, con cada capítulo esta franquicia se vuelve más audaz y más impresionante. Esto me lleva a la pregunta de si pueden mantener este nivel de acción y emoción al igual que otras franquicias exitosas, o si esta es la obra maestra de Keanu Reeves como John Wick? Yo diría "dulce periculum" (el peligro es dulce) y que vengan más. Al final, John Wick: Chapter 3 - Parabellum es una película de acción increíble que nunca pierde energía en su tiempo de duración de 2 horas y 10 minutos. El tiempo pasa volando debido a la acción y la coreografía a la perfección. Con imágenes brillantes y deslumbrantes, acción asombrosa y un inestimable sentido de diversión, la película demuestra ser una película de suspenso sólidamente entretenida, y tremendamente maníaca. No puedo esperar a ver si logran repetir todo lo que hicieron aquí en una cuarta entrega.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

John Wick: Chapter 3 - Parabellum

Review: The Professor And The Madman

En 1872, el doctor estadounidense William Chester Minor (Sean Penn) se ve envuelto en una ilusión paranoica, corriendo por las calles de Londres por temor a ser blanco de asesinato. Durante la persecución, mata a un hombre inocente frente a su esposa, Eliza (Natalie Dormer). Capturado y después de ser juzgado, es enviado a un centro psiquiátrico, donde el estadounidense demuestra ser un caso curioso para el doctor Richard Brayne (Stephen Dilane). El profesor escocés James Murray (Mel Gibson) es un brillante autodidacta con experiencia en idiomas que presenta su visión de un completo diccionario de inglés a los hombres de Oxford. Llevandose a su familia, incluida su esposa, Ada (Jennifer Ehle), para vivir cerca de la universidad, James lanza una odisea de varios años buscando citas y los orígenes de las palabras para su diccionario. Cuando el trabajo se vuelve demasiado, James busca ayuda externa, y pronto recibe la ayuda de William, quien proporciona una investigación más precisa mientras ayuda al equipo de Oxford a completar el trabajo. Mientras lucha con su inestabilidad mental, William se pone en contacto con Eliza con la esperanza de compensar su acción imperdonable, pero poco a poco su relación se convierte en algo más.

The Professor And The Madman es un drama histórico fantástico y brillante sobre la creación real de la primera edición del Oxford English Dictionary. Cuán históricamente correcta es no lo sé y no la juzgaré, lo que si sé es que es una película para todo el mundo. El tener un poco de conocimiento y interés en el alfabeto, y de la historia puede intensificar mucho la experiencia de esta película. También es una película para los verdaderos amantes de la filología. Lo único que realmente eché de menos en esta gloriosa producción es la información respecto a la línea del tiempo, porque la Tierra no se creó en un solo día, y tampoco el Oxford English Dictionary, se completó oficialmente en algún momento a finales de los 1920's. El elenco consiste de varios actores de peso pesado (británicos, estadounidenses y australianos), y se hablan varios dialectos a lo largo de toda la película.

La forma en que todos los personajes hablan o conversan en esta película es increíble, y eso se debe a un buen guión, y posiblemente la ayuda de un lingüista. La dicción y el tono están muy bien equilibrados, es una alegría simplemente escuchar todo lo que se dice. También el guión, afortunadamente, profundiza en algunos otros temas. La historia del personaje de Sean Penn en particular está bien desarrollada para crear empatía hacia los enfermos mentales, lo que todavía no es lo suficientemente común en la época actual. La palabra redención, una palabra rara pero supuestamente la más cristiana en sus virtudes, obtiene una definición muy fuerte en las historias de los personajes. También se menciona la palabra obsesión, aunque no es en muchas ocasiones, pero lo suficiente para ser digna de una mención. Lo único negativo en la película es que la cámara temblaba demasiado cuando se realizaban momentos de grandes diálogos y que algunos de los momentos de la trama serpentean tediosamente a través de una narrativa de amor (improbable), una redención religiosa y los caprichos de las enfermedades mentales y las instituciones académicas sin que uno como espectador no sepa bien a dónde se dirige todo.

En el departamento de actuación, la película presenta a Sean Penn y Mel Gibson retomando las características de algunos de sus papeles más conocidos, con Gibson regresando al acento escocés de Braveheart y Penn al asesino redimible de Dead Man Walking, resultando en una muy fuerte química en pantalla de parte de ambos. Me encantó la elección de Sean Penn para interpretar al loco doctor William Chester Minor. Él da una actuación espectacular y realmente tiene la apariencia de un loco. Mel Gibson también actuó de manera espectacular, y le da a esta película cierta gloria, ya que ambos interpretaron sus papeles bien juntos. Vale la pena mencionar los personajes de Mr. Munch, el guardia de la prisión/hospital interpretado por Eddie Marsan, Eliza interpretada por Natalie Dormer y Mrs. Murray interpretada por Jennifer Ehle. Los tres hacen excelentes actuaciones y le dan cordura, esperanza y humanidad a esta película.

En general, esta es una de esas películas raras que hacen que uno disfrute de una buena narración de la historia y las actuaciones con profundidad. No es una película tonta de Hollywood, sino un verdadero clásico. Sean Penn logra un trabajo de actuación espectacular, y Mel Gibson está en su elemento una vez más. Habría sido interesante ver lo que el director tenía en mente como su visión final antes de todos los problemas legales que tuvo este proyecto, así que tal vez veamos un director's cut en algún momento. Independientemente de los aspectos legales, es una película maravillosa, especialmente sobre un tema que podría haber sido bastante aburrido por cualquier otro equipo creativo. Al final, The Professor And The Madman es una película para los verdaderos amantes del cine que no necesitan efectos especiales ni imágenes espectaculares para emocionarse. Sinceramente no tenía altas expectativas y no me entusiasmaba ver una película biográfica sobre la historia de un diccionario, pero realmente me impresionó, ya que es una producción increíble. Las actuaciones son excelentes, los vestuarios de la época fueron maravillosos y el casting fue perfecto. Esto no es de ninguna manera un éxito de taquilla de Hollywood, sino que es una película biográfica histórica producida y actuada extremadamente bien.

Puntuación: 4 alcapurrias.