Review: Once Upon A Time In Hollywood

El año es 1969, y el veterano actor Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) se enfrenta al final de su carrera como un actor principal, siendo contratado como el villano de la semana en múltiples programas de televisión. Volviéndolo loco la perspectiva de la obsolescencia, confía en su amigo y doble de stunts, Cliff Booth (Brad Pitt), que le da apoyo además de ser su chofer, llevándolo por la ciudad mientras atiende la casa de Rick en Cielo Drive, justo al lado de los nuevos vecinos Roman Polanski y Sharon Tate (Margot Robbie). Rick intenta continuar trabajando, encontrando y luchando con interpretaciones y roles de segunda, cuando un día, el productor Marvin Schwarzs (Al Pacino) le presenta una oferta para hacer spaghetti westerns en Italia para ayudar a revivir su carrera. Mientras tanto, Sharon comienza a sentir la magia de Los Angeles, deleitándose con su estado de estrella en ascenso, rodeada de amigos cercanos, incluido Jay Sebring (Emile Hirsch). Cliff, que se mantiene al margen de la industria, encuentra la curiosidad cuando conoce a Pussycat (Margaret Qualley), una hippie que lo lleva al Spahn Movie Ranch para encontrarse con Charles Manson (Damon Herriman).

Hippies, el viejo oeste, faldas cortas, y canciones de pop pegadizas. Todas (en su mayoría) han desaparecido de nuestro mundo, pero de vuelta para salvar el día, los recuerdos, y retorcer un poco la historia, está Quentin Tarantino. Esta película nos recuerda a una época pasada de estrellas de cine y el cine de la vieja escuela, una industria que alguna vez fue adorada y que hoy se ha descrito como algo en soporte de vida. Han habido muchas cartas de amor en la. pantalla grande a Hollywood, pero pocas, si las hay, fueron filmadas con tantos toques personales y recuerdos del propio director. Esta crítica no incluirá ningún spoiler o detalles que puedan afectar la visualización inicial de la película, ya que es muy singular y está literalmente repleta de nostalgia y visuales y fragmentos históricos, algunos precisos y otros no tanto. Hay mucho que tomar y procesar, y el impacto inicial puede resultar en asombro, conmoción o disgusto... tal vez incluso todo lo anterior. Así que esta será una descripción bastante simple de una visión que debería mejorar en lugar de arruinar la experiencia.

La película cubre aproximadamente 6 meses del año 1969. Leonardo DiCaprio (posiblemente su mejor actuación) interpreta a Rick Dalton, un actor que tuvo una exitosa serie de televisión (ficticia) en los años 1950 y 1960, titulada Bounty Law.  Desde que terminó el programa, Rick no ha podido hacer una transición exitosa a las películas. A modo de comparación, piensen en Clint Eastwood, Steve McQueen y Burt Reynolds, todos actores en series de televisión del viejo oeste que encontraron un mayor éxito profesional en las películas. Brad Pitt (el epítome de lo cool) interpreta a Cliff Booth, el doble de stunts, amigo, conductor y handyman de Rick. Mientras Rick está desesperado por encontrar la siguiente etapa de su carrera para no quedarse en el olvido, Cliff, un veterano de Vietnam, está aceptando su suerte en la vida. Rick vive en una lujosa casa en Hollywood Hills, al lado del renombrado director Roman Polanski y su esposa, la estrella Sharon Tate, y Cliff vive en un remolque detrás del Van Nuys Drive-In con su bien entrenada Pit Bull Brandy.

Hay varias historias paralelas a seguir, y una clave es la mencionada de Sharon Tate. Margot Robbie se encarga del papel y camina por la ciudad con la energía y el dulce aura que posiblemente poseía Sharon. Los tres actores principales (DiCaprio, Pitt y Robbie) tienen escenas espectaculares que me encantaría poder mencionar, pero no estoy seguro de cómo hacerlo sin revelar demasiados detalles. Lo que puedo decir es que cada uno de estos tres actores demuestran que las estrellas de cine todavía existen. Esta es la novena película de Quentin Tarantino como director (él cuenta Kill Bill como una sola película), y afirma que dejará de hacer películas después de la número diez. Hay muchas características que puedo contar en una película de Tarantino, y un elenco de apoyo ridículamente profundo es uno. Repasar cada uno de los personajes interpretados por los actores que reconocerán tomará muchos párrafos, por lo que cubriré solo algunos aquí.

Margaret Qualley se roba algunas escenas como Pussycat, una de las chicas de la familia Manson. Emile Hirsch interpreta al peluquero Jay Sebring, uno de los que están en la casa con Sharon Tate en la fatídica noche, y Mike Moh interpreta a Bruce Lee de manera tan convincente que me confundí momentáneamente cuando se quitó las gafas. También hacen apariciones algunos de los típicos actores de las películas de Tarantino: Kurt Russell (como coordinador de stunts y narrador), Michael Madsen, y Bruce Dern como George Spahn (un reemplazo después de que Burt Reynolds falleció). Otros en el elenco son Maya Hawke, Austin Butler como Tex Watson, Rumer Willis como la actriz Joanna Pettet, Damian Lewis como Steve McQueen, Al Pacino como el agente Marvin Schwarzs, Dakota Fanning como Squeaky Fromme y el fallecido Luke Perry como el actor Wayne Maunder.

1969 fue hace 50 años, y Tarantino hace un trabajo extraordinario al recrear la apariencia del Sunset Boulevard, Hollywood Boulevard, Cielo Drive y los estudios de TV de la época. Mucho crédito va a los diseñadores de producción y los decoradores de escenografía. Los vestuarios son espectaculares y se ven naturales para el período, no cómo algo sacado de un armario. Robert Richardson, tres veces ganador del Oscar, vuelve a su sexta película con Tarantino y captura la apariencia, la sensación y el ambiente de un momento tan personal para el director. Ya han pasado tres años y medio desde The Hateful Eight, la película más reciente de Tarantino, y probablemente la peor recibida. Esta es claramente más personal ya que captura el tiempo y el lugar en el que se enamoró de las películas. El concepto de una estrella en ascenso y un vaquero en decadencia como vecinos es una manera brillante de señalar el cambio de los tiempos. Este fue un momento de transición en los Estados Unidos, una nueva cultura estaba sobre nosotros y, independientemente de la inocencia que quedara, seguramente se extinguió en la calurosa noche de Agosto 9 de 1969. Como de costumbre, Tarantino usa la música con un propósito. Con canciones como Hush y Kentucky Woman de Deep Purple, California Dreamin' de Jose Feliciano, Mrs. Robinson de Simon And Garfunkel, You Keep Me Hangin' On de Vanilla Fudge, Ramblin' Gamblin' Man de The Bob Seger System, Bring A Little Lovin' de Los Bravos, entre otras.

En general, Quentin Tarantino es un fanático del cine que se ha ganado el derecho de hacer las películas que quiere hacer. Esta le tomó toda la vida, cinco años para escribir, y les tomará 2 horas y 41 minutos para ver. Bueno... nadie podrá "atrapar" todo lo que Tarantino ha servido aquí de un solo vistazo. Dicho esto, es probable que un vistazo sea demasiado para muchas personas, especialmente para personas menores de 40 años que no sepan nada de este Hollywood o que no sean fanáticos de las películas como yo. Algunos categorizarán esto como un viaje excesivamente nostálgico para los nerds de las películas. Y es probable que estén correctos. Pero para aquellos de nosotros que nos quejamos de que demasiadas películas son remakes o películas de comics o superhéroes, no se puede negar que Quentin Tarantino ofrece una experiencia visual única y creativa que no es para todo el mundo. Al final, Once Upon A Time In Hollywood es una carta de amor a todo lo que es Hollywood. Esta película es pura perfección y todo juega un papel en la experiencia. Desde el brillo y el glamour hasta lo oscuro y retorcido, quedé atrapado por el estilo, la música y la historia. La película tiene un tercer acto realmente espectacular y un final sumamente emotivo que no voy a estropear, pero considero que es la cereza encima del pastel a una película que ya de por sí es perfecta. La dirección, el guión, la música, la cinematografía, y las actuaciones son simplemente
extraordinarias. Es una película lenta (típico Tarantino), pero en general trata sobre Hollywood, sus diferentes aspectos, el ascenso y la caída de sus estrellas de cine, y las personas que acuden a ella con la esperanza de una vida diferente.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 30 De Julio Del 2019

Long Shot

Domino

The Intruder

Textless De La Semana

Once Upon A Time In Hollywood

Review: Stuber

Stu (Kumail Nanjiani) está tratando de ganarse la vida, trabajando en una tienda de artículos deportivos durante el día y conduciendo para Uber en las noches. Recientemente se convirtió en propietario de un pequeño negocio con su enamoramiento secreto, Becca (Betty Gilpin), pero en busca de horas adicionales se cruza con el Detective Vic Manning (Dave Bautista), que se mete en su auto exigiendo el acceso a un lugar donde puede atacar al peligroso narcotraficante Tedjo (Iko Uwais). Tras el rastro de Tedjo durante años, incluso perdiendo a su compañera en el proceso, Vic no se detendrá ante nada para llevarlo ante la justicia, incluso si eso implica tener que perseguir a los sospechosos el mismo día de su cirugía ocular LASIK. Con mucho en su camino, Vic necesita un chofer para detener a algunos tipos malos, solo que Stu es demasiado tímido para liderar la búsqueda, y está desesperado por por tener sexo con Becca. Con el tiempo corriendo para un importante negocio de narcotráfico en la ciudad, Vic y Stu se enfrentan a múltiples contratiempos y problemas personales mientras intentan llegar a la escena del crimen.

Hay un par de cosas buenas sobre Stuber, pero también hay un par de cosas malas, pero no nos preocupemos por ellas todavía y enfoquémonos en las cosas buenas. Por un lado, Dave Bautista y Kumail Nanjiani son exactamente un tipo de dúo/mezcla de aceite y agua. Uno es una fuerza física agresiva y enojada, el otro es un hombre nervioso y chistoso. Las escenas de acción son una locura aunque un poco exageradas, pero... qué es lo mejor de Stuber? Qué no es tan grave. Solo siéntense y disfruten del paseo. Stuber no está buscando cambiar el mundo ni nada. No va a ser la próxima película de los Avengers, y no parece tener grandes aspiraciones de ser una franquicia. No hace ninguna observación seria sobre nada, y por lo que puedo decir, no tiene un significado más profundo que cuestionar la facilidad de seleccionar accidentalmente un Uber. La película parece un flashback a una época en la que las comedias de amigos al azar no solo eran la norma, sino también el género más popular. Se siente bien volver a ver eso, aunque solo sea por un rato.

Como un desagradable detective de la policía de Los Angeles, Dave Bautista es el colmo de la masculinidad tóxica. Él es todo rabia e inseguridad, y una bestia que se propone derribar al infame narcotraficante Tedjo antes de un negocio. Pero Vic y su compañera Sara (Karen Gillan) son emboscados y ella es asesinada, con Tedjo escapando en el acto. Eso pone a Vic en modo de venganza, y en el día más caluroso que Los Angeles ha visto en décadas, finalmente consigue su oportunidad. Desafortunadamente, es el mismo día en que se realiza una cirugía ocular LASIK, y el día en que su hija Nicole (Natalie Morales) necesita que él asista a su exposición de arte. Eso es bueno, pero Vic necesita encontrar a Tedjo. El problema es que él no puede ver y Natalie hace lo poco que puede por su distraído padre, y eso implica llamar un Uber.

Es ahí cuando entra Stu. Stu es un tipo decente, tiene dos trabajos e intenta salir de la zona de amigo con Becca, su interés romántico secreto y futura socia de negocios en un gimnasio de spinning llamado Spinsters. Desde el momento en que Vic llega a su vida, golpeando literalmente sus manos contra el cristal de su vehículo alquilado de Uber, Stu es un pasajero aterrorizado en el viaje más extraño y peligroso de su vida. Si tan solo puede escapar con una calificación de 5 estrellas, podría haber valido la pena. La necesidad de Stu de obtener una calificación de 5 estrellas es una gran parte del humor de la película. Está tan desesperado por eso que hace casi todo lo que Vic le pide para ganárselo, incluso hasta el hecho de tener a un sospechoso a punto de pistola. Sí, la premisa es un poco arriesgada cuando miras los detalles, pero esta es una película que abarca sus ridículas cualidades. Es difícil tomar a Stu por su valor representativo, lo cual está bien porque poco de Stuber tiene sentido en la realidad. Eso es parte de la diversión, y la razón por la cual ver a un ciego Bautista conducir su auto en la carretera chocando contra todo lo que está en su camino es sumamente divertido.

Mientras que el director Michael Dowse mantiene a Stuber en un enérgico tiempo de duración de 1 hora y 33 minutos, la película se estira hasta el límite y ciertamente no hay suficientes momentos de risa. Los mejores momentos son cuando Vic y Stu no están ocupados persiguiendo delincuentes o involucrados en tiroteos, pero cuando se ven obligados a enfrentarse entre sí como semi-iguales. Por otro lado, Iko Uwais, que actúa como coreógrafo de las peleas, hace mucho por hacer que la acción se destaque. Una escena de pelea entre Stu y Vic dentro de una tienda de artículos deportivos es en todo momento graciosa, brutal, absurda y demasiado larga. Pero también es el único escenario en el que Nanjiani podría tener una oportunidad contra alguien como Bautista, cosa que no ocurre.

En general, las escenas de acción son geniales y las escenas de peleas están bien coreografiadas. Cuando obtienes un talento como Iko Uwais tienes que exprimir todo lo que puedas, y aquí hicieron todo lo posible con él. Me gustó la forma en que la cinematografía fue más handheld, y la sentí de alguna manera cruda. Diré que la película es un poco sangrienta a veces, pero eso es algo que no es necesariamente consistente. La película también intenta implementar algunos giros, pero la mayoría de ellos se sienten forzados y solo se sienten como si estuvieran por el simple hecho de tener un giro. Al final, Stuber es una película divertida. Kumail Nanjiani y Dave Bautista impresionan satisfactoriamente en sus actuaciones, pero su historia y las bromas que los rodean no impresionan mucho, solo en algunas escenas para ser honesto. Probablemente fue porque sufrió mucho de el uso de la publicidad excesiva. Tuvo al menos 4 trailers diferentes, incluido el red band trailer, así que cuando vi la película ya había visto muchos de los chistes que la película tenía para ofrecer. Aún así, fue bastante entretenida.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Yesterday

En un área remota de Inglaterra, Jack (Himesh Patel) está luchando para hacer realidad sus sueños de ser un cantante/compositor, a menudo tocando en lugares casi vacíos, mientras que su amiga y manager de mucho tiempo, Ellie (Lily James), sigue siendo su mayor fan. A punto de renunciar y seguir adelante con su vida, Jack es golpeado por un autobús mientras conduce su bicicleta. En ese mismo momento, se produce un apagón global, con el orden restaurado después de 12 segundos. Al salir del hospital con una nueva guitarra, Jack decide bautizar el instrumento con una canción de The Beatles. Sin embargo, todos están asombrados por la melodía, sin la menor idea de quiénes son The Beatles. Jack pronto se da cuenta de que nadie en el mundo sabe acerca de la banda, y con su historia borrada, el joven tiene el potencial de una mayor gloria al hacer las canciones de The Beatles como propias. Gradualmente, convirtiéndose en un artista querido, Jack se aleja de Ellie, es apadrinado por Ed Sheeran, y la manager Debra (Kate McKinnon) lo quiere convertir en la próxima gran estrella de la industria musical.

Si son fanáticos de The Beatles, es probable que les encante Yesterday, la carta de amor del director Danny Boyle y el guionista Richard Curtis para la banda icónica. En pocas palabras, gira en torno a la premisa de que The Beatles es la mejor banda de la historia, literalmente capaz de cambiar el mundo. Jack, interpretado por Himesh Patel, es un desafortunado músico/empleado de tienda que aspira a ser una gran estrella de rock, pero no le ha valido de mucho. Sin embargo, tiene una fanática, y esa es su manager/mejor amiga, Ellie, quien lo alienta a que no renuncie a sus sueños sin importar lo que pase. Lamentablemente, o afortunadamente, como resultado, su último concierto está marcado por un repentino apagón global que lo lleva a una colisión con un autobús. Pero más que eso, han desaparecido de la existencia una serie de cosas que consideraríamos normales.

Piensen en esto como la versión musical del snap de Thanos. De repente, desaparece cualquier mención de The Beatles. Simplemente nunca existieron. No hay White Album, no hay Abbey Road, no hay Sgt. Pepper, nada. Una broma divertida se presenta cuando Jack está buscando en Google las cosas que faltan, pero solo aparecen búsquedas alternas (pueden imaginarse lo que obtiene cuando busca a John, Paul, Ringo y George). Así, Jack tiene una nueva oportunidad. Ya que ser él mismo y interpretar su propia música no lo ha llevado a ningún lado, decide recrear la discografía completa de The Beatles. De repente, está tratando de recordar las palabras de Eleanor Rigby y Let It Be. Cuando Jack comienza a cantar estas canciones, es una experiencia que cambia la vida de todos los que las escuchan. Su repentina transformación de un don nadie a un legendario compositor sorprende a Ellie, pero ella siempre creyó en él. Su relación, que ha estado en la zona de amigos, es dulce pero carece de profundidad real. No le resta valor a las actuaciones sinceras y atractivas de Himesh Patel y Lily James, simplemente podrían haber usado un poco más de realismo para mostrar cuán importantes son estos personajes entre sí. Cuando Jack es de repente el mejor cantante/compositor del planeta, se presenta Ed Sheeran (burlándose de sí mismo) y logra un gran acuerdo discográfico. De ahí en adelante la relación con Ellie es inconsistente.

Si bien los gustos musicales eclécticos de Danny Boyle siempre han sido un componente clave en sus películas, esta es la primera vez que hace algo así. Tampoco es alguien en quien se pensaría para hacer comedias románticas, pero se muestra sorprendentemente experto en ello. Siempre he apreciado su capacidad para tomar historias grandiosas y hacer que se sientan personales. Slumdog Millionaire, 28 Days Later, y otros son ejemplos de él haciendo esto, y Yesterday es otro. Esta es una historia bastante grande, ya que es un evento que cambiará el mundo, y es sobre la mejor banda de rock de todos los tiempos, todo en uno.  Todo puede volverse algo complicado, y ciertamente esta asombrosa premisa no se explora tan bien como debería haber sido, pero nos da esta simple historia de un joven y su amor por The Beatles.

Boyle tiene su habitual variedad de trucos visuales para energizar la trama cuando las cosas comienzan a decaer, y lo hacen. Hay mucha energía en su estilo de cortes rápidos, colores y palabras que recorren la pantalla como un tren a alta velocidad. Es una maravilla que Boyle no se haya metido realmente a hacer videos musicales, sería muy bueno en eso. También es muy bueno Himesh Patel, cuya voz clara y fuerte le da credibilidad al ascenso de Jack al superestrellato del rock. Otros en el elenco son excelentes, también. Kate McKinnon es apropiadamente detestable como una manager de música con muchas ganas de sacar provecho del talento de Jack, mientras que Joel Fry se roba el espectáculo como Rocky, el roadie/asistente de Jack.

En general, a veces el amor no es todo lo que se necesita. La película no es particularmente profunda, y algunos ciertamente estarán en desacuerdo con el exceso de sentimentalismo. Pero es el gran aprecio por el legado de The Beatles lo que es la mayor fortaleza de la película y podría crear una nueva generación de fanáticos en el proceso. Al final, Yesterday es una canción de amor épica para The Beatles, su impacto en nuestro mundo y el poder de la composición y la música en general. Desde el principio, hay un tema claro en esta película: The Beatles son los mejores músicos de todos los tiempos y el mundo es mejor con The Beatles que sin ellos. Ya sea que estén de acuerdo o en desacuerdo, es un buen caso para ello. Si nos alejamos un poco de The Beatles, la película argumenta fuertemente que la música une a la personas. Nos habla a todos, al igual que las historias. No importa quién eres o de dónde vienes, la música resuena en nuestros corazones, y The Beatles aprovecharon eso, y Yesterday nos recuerda por qué adoramos esa banda de rock de Liverpool en primer lugar.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 23 De Julio Del 2019

Alita: Battle Angel (teniendo 5 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la exclusiva de Target que trae un USB Charging Wristband, la exclusiva de Wal-Mart que trae un Funko POP! Keychain y la Limited Collector's Set exclusiva de Amazon)

Hellboy (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la Double Sided SteelBook exclusiva de Target y la exclusiva de Wal-Mart que trae la Digital Graphic Novel)

Master Z: Ip Man Legacy

Review: The Lion King

Mufasa (voz de James Earl Jones) es el rey león del Pride Lands, y está orgulloso de darle la bienvenida al mundo a su hijo Simba (voz de JD McCrary), que ha sido especialmente bendecido por el mandril/chamán Rafiki (voz de John Kani). Enojado por la adición está Scar (voz de Chiwetel Ejiofor), el hermano de Mufasa y una vez el heredero del trono. Aprendiendo acerca de sus responsabilidades mientras crece, Simba se hace amigo de Nala (voz de Shahadi Wright Joseph y Beyonce Knowles-Carter) y sigue siendo cuidado por el pájaro toco piquirrojo/mayordomo Zazu (voz de John Oliver), pero su curiosidad es demasiada al ir a un prohibido cementerio de elefantes y ser presa de las hienas Shenzi (voz de Florence Kasumba), Azizi (voz de Eric Andre) y Kamari (voz de Keegan-Michael Key). Cuando Scar se las arregla para asesinar a Mufasa, culpa de la muerte a Simba, quien desaparece. Devastado por el evento, pronto se hace amigo de la suricata Timon (voz de Billy Eichner) y del jabalí Pumbaa (voz de Seth Rogen), quienes le enseñan los modos de lo salvaje desde la perspectiva de una presa. Mientras Scar asume el poder y la oscuridad reina en el Pride Lands, Simba (voz de Donald Glover) se convierte en un león confundido, avergonzado de su pasado e inseguro sobre su futuro.

La película original animada de 1994 es una obra maestra de Disney, eso es un hecho, y esta película captura eso, en su mayor parte, increíblemente bien. Pero... la película es solo una copia de la original, escena por escena, momentos, con la misma banda sonora, canciones y cinematografía. Hay algunas escenas adicionales agregadas, ocurren algunos cambios, y ocasionalmente, John Oliver como Zazu y Seth Rogen como Pumba insertan algunas líneas alternas y muy divertidas, pero la película es, en su núcleo, una imagen exacta de la original (algo que es surrealista). Admito que los efectos especiales son perfectos y realmente impresionantes de ver, pero es imposible distinguir esta obra de arte perfecta aparte de la realidad. Aparte de eso, sigue siendo una copia. Quién vio la Godzilla de 1954? Quién vio el remake americano de 1997? (Dios me ayude, en realidad estoy usando esta película para hacer un punto). Quién vio la Godzilla del 2014? Cada una de estas películas trae algo nuevo a la mesa, y cada proyecto es muy diferente. The Lion King, sin embargo, es completamente predecible.

Algunas personas argumentarán que eso es algo bueno, y lo entiendo. Vi la película y recordé mi infancia, viejos amigos y lo que solía hacer. Fue algo increíblemente nostálgico y melancólico para mí, y no puedo negar que de vez en cuando sentí escalofríos (de buena manera, claro está). Donald Glover y Beyoncé absolutamente la sacaron del parque con sus interpretaciones de las canciones, y sus voces para los protagonistas centrales fue realmente acertada. Florence Kasumba como la líder de las hienas Shenzi fue un personaje destacado, ya que aportó una innegable falta de sinceridad al papel que estaba ausente en la película animada, y Chiwetel Ejiofor como Scar fue simplemente sublime. La voz de Ejiofor dio una presencia asombrosa a la película, capturando la astuta crueldad de Scar, convirtiéndolo en un antagonista atractivo. En cuanto a James Earl Jones como Mufasa, qué puedo decir? Puedo escuchar la voz de ese hombre durante todo el día. Aún así logró ofrecer algunos cambios en la forma en que ejecutó sus líneas en contraste con la película original, y a pesar de tener grandes similitudes, fue brillante escucharlo dar vida al gran rey una vez más.

Los cambios en la escena del cementerio de elefantes fueron especialmente brillantes, y las muchas caras nuevas que se agregaron al hábitat de Timon y Pumba fueron adorables y añadían más carácter al ambiente, haciéndolo sentir más vívido. Un cambio masivo de la película es la falta significativa de cualquier emoción física. Si bien los actores merecen felicitaciones por las actuaciones emotivas que brindan, los rostros de los personajes animados que presentan se mantienen estoicos en el mejor de los casos, incluso en los momentos más emotivos. No me malinterpreten, esta característica aún tiene ocasiones emotivamente poderosas, aunque algunos de los momentos más trágicos no me afectaron tanto en esta adaptación, mientras que otras tuvieron un efecto aún más profundo.

En general, recomendaría esta película, sin embargo, el ser una copia es algo negativo. Tener tu propio toque y agregar tu propia personalidad a algo, la hace tuya, y es lo que lo hace genial. Solo hubiera deseado que el director Jon Favreau hubiese tenido la oportunidad de hacer algo más con este querido clásico. En términos de la historia, la película sigue la original tan de cerca que no puedo evitar sentirla como una versión de segunda clase. Escena por escena, y obedientemente, sigue la historia de la película original de 1994 con pocas sorpresas. Tampoco ayuda que el realismo fotográfico de la película limite inevitablemente la capacidad de los animales para transmitir emociones sin que parezca antinatural o (naturalmente) caricaturizado, y el resultado es una película que a menudo crea indiferencia donde debería haber maravilla. Al final, The Lion King es un espectáculo visual asombroso, con mucho humor y sólidas interpretaciones de canciones. Es difícil que esta versión moderna sea un fracaso rotundo, pero, como resultado, el mayor logro de la película también termina siendo su mayor defecto.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Textless De La Semana

The Lion King

Review: Crawl

Haley Keller (Kaya Scodelario) es una nadadora universitaria que lucha con problemas de rendimiento y está tratando de comunicarse con su padre, Dave (Barry Pepper), mientras un huracán de categoría 5 atraviesa la Florida, golpeando el estado con lluvias torrenciales y vientos brutales. Desafiando las órdenes de la policía de mantenerse alejada de las áreas propensas a desastres, Haley se dirige a la casa de su padre, acompañada por el perro de la familia, Sugar. Incapaz de localizar inmediatamente a su padre, Haley sigue pistas que la llevan debajo de la casa, entrando en un área de extrema suciedad y oscuridad, armada con solo una linterna. Finalmente, al hacer contacto con su padre, Haley descubre que un par de caimanes también residen ahí, y que ya lastimaron a su padre al este tener heridas abiertas y huesos rotos. A medida que el huracán se intensifica, los niveles de agua aumentan, lo que obliga a Haley a descubrir un plan de escape. Sin embargo, a medida que pasan las horas, los caimanes se vuelven más hambrientos y más atrevidos con sus ataques, aprovechando así la violenta confusión del huracán a su favor.

Honestamente esperaba que Crawl fuera solo una película de terror estúpida llena de clichés. No podría estar más equivocado. En primer lugar, esta no es una típica película de terror. La gente puede posiblemente esperar algo como Annabelle Comes Home, pero con caimanes. No es así. Ni siquiera la ubicaría en ese género, a pesar de que el desastre/horror no es exactamente una mala descripción. Definitivamente es una película de suspenso, casi como un thriller de sobrevivencia. Haley y Dave tienen que luchar por sus vidas en una carrera contra un huracán y depredadores, por lo que no catalogaría esto bajo el género de terror. Continuando... me encantan este tipo de películas con secuencias claustrofóbicas, una trama directa y (en su mayoría) en un solo lugar. Podría pensar que, dado que es en una sola ubicación y es un concepto tan simple, en general es más fácil, pero no podría estar más alejado de la verdad.

Con un gran presupuesto y varias ubicaciones, los directores y guionistas pueden ocultar sus fallas técnicas con tremendos efectos especiales. En un lugar especialmente pequeño como una casa modesta, no hay escondite. Si quieres ofrecer una historia entretenida y cautivadora, tienes que escribir un guión interesante. Si quieres brindar escenas de miedo, debes mostrar un poco de creatividad y demostrar que eres un cineasta talentoso. El director Alexandre Aja, que no tiene exactamente una filmografía muy notable, muestra que incluso con una idea tan simple y breve, es posible ser más divertido que un gran éxito de taquilla. Hay suficiente historia y caracterización de la protagonista principal para que uno como espectador no solo se preocupe por Haley, sino que también entienda qué habilidades tiene ella que la ayudarán a sobrevivir a lo que vendrá después. Me encantaron los pequeños detalles, como acercarse a ella para cerrar una puerta, cerrar una ventana o mover un mueble. Cada toma tiene un significado, ya que afectará la trama más adelante. Aja no está filmando algo solo por filmarlo, y esa es una habilidad que muchos directores luchan por tener hoy en día, ya que creen que el tiempo de ejecución de una película debe estar cerca de las dos horas para entretener o llevar un mensaje.

Al tener tantas secuencias de clichés y sustos espontáneos en películas de terror de este año, finalmente pude ver una película en la que el director sabe cómo realmente mantener a uno en tensión. No hay ruidos fuertes y no hay demonios o monstruos gritando como locos. Debo admitir que estuve al borde de mi asiento un par de veces, y estuve nervioso en algunos momentos en particular, donde el factor sorpresa y la creatividad detrás de la cámara fueron de primera clase. Obviamente, los efectos especiales y el diseño de producción en general no son la gran cosa. Eso sí, los caimanes parecen bastante reales, y si ese era el objetivo principal, cumplieron su misión. Además, el tener una clasificación R ayuda a la película a ofrecer grandes ataques de los caimanes con toneladas de sangre, y las lesiones con las que deben lidiar los personajes son muy sangrientas y repulsivas. Filmar una película en el agua es extremadamente difícil, especialmente en un espacio tan limitado. Sin embargo, Aja y su equipo pudieron producir una película en la que se puede entender lo que sucede durante todo el tiempo de duración.

Kaya Scodelario y Barry Pepper ofrecen muy buenas actuaciones y muestran una química increíble. Sus personajes tienen suficiente desarrollo, incluso si no tienen guiones imaginativos. Crawl es una de esas películas en las que no puedo señalar un problema preeminente porque es buena en muchos aspectos. Quiero decir, claro, hay un par de momentos raros de sobrevivencia extrema, en los que pensé que "él/ella debería estar muerto/a", pero son escenas tan divertidas y entretenidas que se pueden tener uno o dos momentos de incredulidad. No es como The Meg (2018), donde cada momento es extremadamente poco realista. El éxito de la parte ficticia de una película depende de sus bases y límites realistas. Si no están bien establecidas, entonces la película estará por todas partes, y uno como espectador no sabrá qué creer.

En general, esta es una de las sorpresas del 2019, y definitivamente recomiendo que la vean. Con actuaciones buenas y un concepto simple, Alexandre Aja ofrece una película entretenida de suspenso, claustrofobia y técnicamente creativa. Con suerte, esto puede catapultar a Kaya Scodelario a tomar papeles más importantes en un futuro. No puedo señalar ningún "defecto", es simplemente una buena película. Al final, Crawl es un thriller sencillo y sin pretensiones que presenta un escenario simple en poco menos de 90 minutos. Es entretenida y un tipo diferente de película de verano a la que se está acostumbrado a ver.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Maria

Lily (Christine Reyes) era una asesina feroz e imparable, que trabajaba para un capo de la droga junto con su novio, Kaleb (Germaine De Leon). Pero cuando tiene matar a una madre e hija inocentes, se niega y encuentra una forma de desaparecer, presumiendose que está muerta. En realidad, cambió su nombre a Maria y se casó con un hombre que trabaja para un político que hace campaña para ser presidente. Con su esposo e hija, Maria ahora vive una existencia relativamente pacífica, pero cuando el candidato presidencial niega cualquier participación con el capo de la droga para el que ella trabajaba, el capo envía a sus hijos, Kaleb y Víctor (KC Montero), para asesinarlo. Cuando llega al lugar donde está el candidato presidencial, Kaleb descubre que Lily/Maria sigue viva. Cambiando todos los planes, Kaleb y sus secuaces invaden la casa de Maria y matan a su esposo e hija. Devastada pero decidida a vengarse, Maria se esconde en la habitación de un bar propiedad de Sir Greg (Ronnie Lazaro), un jefe retirado del bajo mundo, y que originalmente había entrenado a Lily/Maria. Ahora Maria debe aceptar su pasado y usar sus habilidades de asesina una vez más, esta vez para vengarse de su familia, matar a Kaleb, y también localizar a Victor y al capo de la droga que alguna vez fue su jefe.

Al igual que The Raid y The Night Comes For Us, Maria demuestra que Asia aún hace que la acción, la sangre y la brutalidad sea mejor que prácticamente cualquier otro lugar de la Tierra, aunque la comparación directa con cualquiera de esas películas no le hace demasiados favores. Pero aún así está más cerca de esas películas en estilo, tono y en competencia general. Solo moderen esas expectativas un poco. Maria es buena, pero no es tan buena. Aunque para Netflix el ser buena es suficiente. La verdadera ventaja que tiene esta película es Christine Reyes, quien, si hay algo de justicia en el mundo, se verá forzada a volver como una ex asesina de un cartel para buscar venganza sobre sus antiguos empleadores tras el asesinato de su familia.

Esto es algo que ya se ha visto antes. Una asesina que no completa una misión una vez que se vuelve demasiado oscura, crea una muerte falsa y comienza una nueva vida. Esa es la configuración básica. Así que no es sorprendente que el antiguo amor de Maria, Kaleb, aparezca para causar algunos problemas, y tampoco es sorprendente cuando esos problemas se resuelven con balas, cuchillos y algunas herramientas. La película es menos estilizada (pero bien financiada) que John Wick, pero lo evoca mejor que, digamos, Atomic Blonde lo hizo, favoreciendo el mismo tipo de acción. Christine Reyes es una presencia física muy convincente y como muestra, Maria es virtualmente impecable. Sin embargo, su enfoque bien dirigido a la acción sobre todo lo demás deja poco para aferrarse emocionalmente. Aparte de eso, esto es entretenimiento por encima de lo promedio que, sin duda, va a satisfacer a los fanáticos del género y puede haber presentado a la próxima gran estrella de acción femenina.

En general, en esta era de mujeres guerreras que conquistan el mundo de las películas de acción, Maria planta su bandera con una historia simple pero convincente de una ex asesina que obtiene su recompensa después de perder la nueva vida que ella misma ha construido. Sin dudas no ganará ningún premio, pero nos invierte en la historia y búsqueda de su protagonista. Al final, Maria no es más que una B-movie con una trama simplista y una actuación moderada. Si son fanáticos de los puños contundentes y de las patadas sólidas, entonces ciertamente disfrutarán de esto. Y para aquellos que aprecian las mujeres exóticas, estas bellezas se ven muy hermosas pero ciertamente hay que tenerles un poco de miedo. Nota adicional: por qué tienen que caminar todo el tiempo con una especie de ropa de aeróbicos es un misterio para mí, y la postura de Maria como una supermodelo bajo la lluvia después de la pelea final es simplemente graciosa.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 16 De Julio Del 2019

Shazam (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook y la 3D Combo exclusivas de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Breakthrough

Abduction

Review: We Have Always Lived In The Castle

Merricat Blackwood (Taissa Farmiga) vive en un gran castillo cerca de un pequeño pueblo, acompañada por su hermana mayor, Constance (Alexandra Daddario), y su tío Julian (Crispin Glover). Hace años, los padres de Merricat fueron envenenados durante una cena, y mientras Constance fue arrestada por el crimen, nunca fue condenada. Ahora la familia vive aislada, con Merricat solo visitando el mundo exterior por necesidad, consciente de que la comunidad local las desprecia, y deseando que se muden. Al vivir una vida intensamente interna con interés en la magia negra para ayudar a protegerlas, la comodidad de Merricat se ve interrumpida por la llegada de su primo, Charles (Sebastian Stan), que está buscando un lugar para quedarse por un tiempo. Sin embargo, esta adición resulta complicada, ya que Charles desea la compañía de Constance en todo momento, lo que significa la posible amenaza de destruir el ritual que mantiene a salvo a la familia aparentemente maldita.

Hay cosas que son peculiares, otras que son extrañas, y otras raras. Nuestra sociedad tiene una comprensión general de cómo deben verse las cosas o cómo deben actuar las personas, y cuando nos desviamos de estas normas, utilizamos estas etiquetas para describir la falta de familiaridad. Si bien la falta de familiaridad puede hacer que algunos se sientan incómodos, en última instancia, no es malo ser peculiar, extraño o raro. Es simplemente diferente, y hay belleza en eso. We Have Always Lived In The Castle, de la directora Stacie Passon, es un excelente espectáculo de actuación y un estudio de personajes inmerso en una estética gótica, todo en un misterio peculiar. Es diferente, pero hay belleza en esa diferencia.

La familia Blackwood siempre ha vivido en el castillo. Producto del capitalismo, su mansión se encuentra en una colina, albergando a Merricat, a su hermana mayor Constance y a su tío Julian en soledad sobre una ciudad de plebeyos y obreros. La familia Blackwood vive una tragedia, luego del misterioso envenenamiento del padre y la madre de Merricat y Constance hace algunos años, y estos tres miembros de la familia, incluido el tío Julian, son todo lo que queda. Si bien esta familia puede parecer que merece la compasión de sus humildes vecinos, su gran abundancia económica y comodidad aún generan hostilidad y enojo por parte de quienes trabajan duro. Un día, la soledad familiar de los Blackwood se ve desafiada por la aparición del misterioso primo Charles, quien amenaza sus riquezas y su bienestar.

Acompañando la extraña estética y cautivadora historia, la película presenta personajes interesantes y atractivos. Cada personaje está representado de manera excelente con más complejidad y profundidad de lo que parece. A medida que se desarrolla la historia, uno quiere saber más sobre cada persona, pero a través de la narración y el desarrollo inteligente, uno termina sintiéndose incómodo con los horribles antecedentes. En todo caso, este estudio de personajes explora cómo el trauma y la culpa pueden tener consecuencias problemáticas. Taissa Farmiga encarna a Merricat con extravagancia. La retrata como una joven nerviosa con ojos sombríos y un radar de peligro que nunca se apaga. Ella camina cabizbaja realizando magia y hechizos para mantener a su familia a salvo. Cuando la seguridad de su familia es cuestionada, Merricat pierde su magia y hace todo lo posible para restablecer el orden en la propiedad Blackwood. La profundidad y la rareza de Farmiga se complementan perfectamente con Merricat. Su peculiaridad característica viene con un pasado problemático y a medida que aprendemos más sobre esta familia perturbada, la autenticidad de Farmiga realmente brilla a través del personaje.

Luego está Alexandra Daddario como Constance, que es tan misteriosa como extraña. Ella nunca abandona el castillo, enviando a Merricat a la ciudad para hacer compras y todo lo que sea necesario. Ella es compleja, como un personaje materno inusual con claros problemas de abandono, y cuando el primo Charles entra en su vida, encuentra un sustituto del amor que ha perdido. Daddario transmite de manera excelente la necesidad de la humanidad de complacer constantemente a los demás, incluso cuando no parece apropiado, mostrando un personaje quebrantado y torturado que se esconde bajo el disfraz de la condición de una mujer estándar. Su historia es increíblemente compleja, invitando a uno a deducir sobre sus relaciones familiares inusuales.

Por último, está Crispin Glover como el tío Julian y Sebastian Stan como Charles. Julian sobrevive milagrosamente al envenenamiento familiar, pero vive una vida decrépita en una silla de ruedas como la sombra de un hombre que alguna vez fue. Todo lo que desea es terminar su libro, pero su demencia lo dificulta todo. Crispin Glover a menudo se roba el espectáculo, ya que su genuina actuación como un hombre indefenso y lisiado atrae la intriga y la simpatía hacia su personaje multifacético. Finalmente, vemos que Glover se transforma en Julian con ferocidad y dignidad, envolviendo al personaje con una profundidad irreconocible, es cautivador verlo. Sebastian Stan aquí parece haber dado en el clavo con el carácter de masculinidad tóxica. El intimida, es malo, y cuando no obtiene lo que quiere, ataca y agrede. Stan lleva al personaje de Charles a un lugar muy difícil de ver, pero es un excelente recordatorio de que puede hacer más que ser James Buchanan "Bucky" Barnes/The Winter Soldier.

En general, esta película es muy rara. Es inusual ver específicamente este tipo de estética, personajes que actúan de maneras muy extrañas y personas que son tan terriblemente malvadas. Pero esa es la belleza de esta película, su peculiaridad al traer personajes únicos que te recuerdan la toxicidad de la humanidad. Puede que no sea la gran cosa para muchos, pero sin duda presenta algo para poner a uno a pensar. Al final, We Have Always Lived In The Castle es un drama gótico, un thriller y, a veces, una película de terror, pero al final del día, es una historia convincente sobre el dolor que puede parecer extremadamente lenta para algunos. Ofrece una gran cantidad de elementos para ser apreciada, pero también se siente incompleta, como si estuviera a un paso de ser genial y memorable.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Escape Plan: The Extractors

Zhang Innovations ha decidido venir a Estados Unidos, trayendo consigo importantes fondos chinos, para establecer una tienda en Ohio. Pero la celebración es momentánea, ya que Lester Clark Jr. (Devon Sawa) irrumpe y secuestra a Daya (Malese Jow), la hija del fundador de la corporación, Wu (Russell Wong). Incapaz de proteger a su cliente, el guardaespaldas Bao (Harry Shum, Jr.) recibe un flash drive para entregarselo a Ray Breslin (Sylvester Stallone) y su equipo de seguridad, incluidos Hush (50 Cent), su esposa Abigail Ross (Jamie King) y Trent DeRosa (Dave Bautista). Mientras Lester quiere una fortuna de Wu para el rescate de su hija, también está buscando venganza sobre Ray, quien dejó a su padre Lester Clark (Vincent D'Onofrio) morir en un contenedor hace años, con la esperanza de atraerlo a una prisión de Latvia por el secuestro de Abigail. Al planear infiltrarse en la prisión, Ray se prepara para una gran batalla, llevando a su equipo y determinación a una instalación fortificada, y también espera poder reunirse con su esposa.

Sin lugar a dudas, Escape Plan 2: Hades fue una abominación cinematográfica, una triste mancha en la carrera de Sylvester Stallone. Esa secuela dirigida por Steven C. Miller fue barata, desagradable, y con un vacío visual de parte de un Stallone sonámbulo que recolecta un cheque para una película que solo se hizo para engañar a una audiencia china para que gastaran su dinero. Escape Plan 3: The Extractors también tiene su mirada en el mercado chino, pero esta tercera entrega es mucho mejor que su predecesora. Esta vez, Stallone se lanzó por completo con su amigo y colaborador, John Herzfeld, para coescribir y dirigir esta secuela, y esta vez se siente como una película real, teniendo en cuenta que tiene 30 productores.

Escape Plan 3: The Extractors nos presenta a Ray Breslin entrando en una prisión en Latvia para rescatar a su esposa y la hija secuestrada de un hombre de negocios chino. Están cautivas por el hijo del ex compañero de Breslin. Ayudando a Stallone están Zhang Jin (también conocido como Max Zhang), Harry Shum Jr. y Dave Bautista, tres hombres que saben cómo llevar a cabo escenas de acción y hacer crujir huesos. Esta tercera entrega de la franquicia de Escape Plan tiene un presupuesto bastante modesto y mientras que la mayor parte de la película tiene lugar en almacenes y una prisión en mal estado, el director John Herzfeld hace todo lo posible para expandir el alcance de la trama con el uso de drones, ángulos interesantes, luces y sombras. La acción está muy bien hecha y las actuaciones son bastante buenas para este tipo de película.

El guión ofrece algunos ángulos interesantes y tiene una banda sonora que hace mucho para aumentar el drama y la acción, a veces me hizo recordar al gran, y ya difunto, Michael Kamen. Sylvester Stallone ya tiene 72 años, pero el ícono de acción aún puede hacer peleas muy físicas. Puede que no haga tanto como sus compañeros de reparto, pero aún así es algo impresionante de ver. Esto es una buena señal para la próxima película de Rambo, Last Blood, la supuesta entrega final de la franquicia de Rambo y la largamente discutida cuarta película de The Expendables. Siendo violenta y sorprendentemente oscura, Escape Plan 3: The Extractors tiene mucho que ofrecer. Está extremadamente lejos de ser perfecta, pero es infinitamente mejor que Escape Plan 2. Esta vez, Sylvester Stallone está comprometido con el material y sus compañeros de reparto también lo hacen. Como mencioné, no es una película perfecta, ya que algunos de los puntos en la trama son un poco artificiales y las motivaciones de los personajes extienden un poco la credulidad, pero se las arregla para llenar las expectativas de una película de acción de bajo presupuesto.

En general, debido al desastre de Escape Plan 2 decidí ver Escape Plan 3: The Extractors con temor, pero debo decir que me sorprendió gratamente lo divertida que resultó ser. Al final, Escape Plan 3: The Extractors es una gran mejora de Escape Plan 2, no es tan buena como la original, pero obtenemos peleas, sangre y a un Sylvester Stallone en un papel mucho más predominante. Es fácil ver por qué estableció Balboa Pictures y no quiere que lo atrapen haciendo secuelas sin sentido y cobrando un cheque de manera rápida. Él se preocupa más por su carrera que Nicolas Cage, John Travolta o Bruce Willis en este momento y no quiere hacer esto solo por una buena paga. La película comienza un poco mal, a mitad mejora y al final termina bien. Vale la pena verla.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 9 De Julio Del 2019

Pet Sematary (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Silent Hill - Collector's Edition

High Life

Review: Anna

Anna Poliatova (Sasha Luss) es descubierta vendiendo muñecas rusas en un mercado al aire libre para luego convertirse en una modelo exitosa. Pero, como uno de sus pretendientes descubre demasiado tarde, también es una asesina altamente entrenada para la KGB. La historia de Anna se mueve hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, cubriendo sus humildes comienzos como la miserable novia de un ladrón y su reclutamiento inicial por Alex Tchenkov (Luke Evans), con quien forma un vínculo romántico. Su primera misión sale mal, pero su superior, Olga (Helen Mirren), bajo protesta, decide darle una segunda oportunidad. Anna también se cruza en su camino con el agente estadounidense de la CIA Lenny Miller (Cillian Murphy), lo que de nuevo cambia su destino. Pero sobre todo, Anna solo quiere liberarse de la vida de asesina, lo que la lleva a diseñar un plan extremadamente inteligente para que eso suceda.

Realmente quería que me gustara Anna, de verdad. Luc Besson es uno de mis muchos cineastas favoritos, a pesar de sus debilidades como narrador de historias, insensibilidad cultural y su inclinación por escoger a supermodelos que no pueden actuar en papeles principales. Un momento... pueden ser esas las razones por las que la mayoría de sus películas me gustan? Besson ha estado haciendo lo mismo durante tantos años que sorprende cuando hace algo diferente. Por desgracia, Anna no es diferente, es lo mismo. Lo mismo que numerosas películas de asesinas de mujeres que ha hecho en un intento de recuperar lo que encontró con su icónica La Femme Nikita (1990), y luego redescubrió momentáneamente con Lucy (2014).

En cierta manera existe una reacción visceral al ver a una mujer sexy, y asesina, luchar su camino a través de un grupo de hombres armados. Pero eso es algo fugaz si no hay nada llamativo en la historia. Es una idea de Besson sobre el empoderamiento femenino, supongo, aunque la forma en que la cámara se apoya en su musa, en este caso la supermodelo rusa Sasha Luss, se acerca mucho más a la objetivación. Luss, quien Besson descubrió y dio un pequeño papel en su mega desastre de taquilla Valerian And The City Of A Thousand Planets (2017), interpreta a la drogadicta titular, cuyas habilidades analíticas, calma bajo presión y absoluta desesperación la convierten en la perfecta recluta de la KGB. Estas películas siempre comienzan con la mujer en cuestión siendo una adicta a las drogas o una prostituta, por lo que puede ser rescatada, convertirse y tener una vida de asesina a sueldo, lo que parece ser una mejora a su situación anterior.

Para beneficio de la película, la trama se cambia un poco, ya que Anna está atrapada en una guerra entre agencias gubernamentales de espionaje en 1990. Reclutada por un espía de la KGB llamado Alex, a Anna se le da la opción de servir a su país o seguir viviendo en la miseria. Ella procede a cortarse las venas en lugar de tomar una decisión, esto es seguido de una conversación graciosa mientras ella se desangra. Alex la conquista, eventualmente, y en poco tiempo ella está en París haciéndose pasar por una supermodelo mientras trabaja para un grupo de asesinos rusos liderado por la asesina Olga, interpretada por la gran Helen Mirren. Por supuesto, siendo esto una película de Luc Besson, tiene una cierta idea
despectiva de la CIA, dirigida por un aburrido Cillian Murphy, que aparece y hace que la vida de Anna se vuelva muy complicada.

Entonces... Anna es otra más en una larga línea de bellezas esculturales con una puntería mortal. Y Anna mata a muchos hombres, por lo general con cualquier fondo musical que Besson considere apropiado para la era. Incluso usando Need You Tonight de INXS durante una secuencia, haciéndola una elección bastante extraña. Sin embargo, si desean una dosis de She Drives Me Crazy de Fine Young Cannibals o Pump Up The Jam de Technotronic, lo obtendrán aquí. No hay nada aquí que mantenga a uno atrapado en el suspenso. Hay demasiados saltos en la cronología para explicar los giros principales de la trama, lo que puede parecer una buena idea al principio, hasta que uno se da cuenta de que realmente no significa nada ni aporta a la historia. Si se hubiera usado con moderación sería otra cosa, pero rápidamente se convierte en un soporte narrativo en la que Besson se apoyó durante toda la película.

Las escenas de acción son bastante estándar y no están a la par con las de John Wick o las de Lorraine Broughton (Atomic Blonde, 2017). Besson no ha mejorado sus técnicas en lo más mínimo, y no considero a Luss responsable de las simples coreografías de las peleas. Ella en realidad tiene una buena cantidad de carisma, atletismo, y no es tan mala como actriz. Pero esto es un guión de Besson, y por desgracia no ha podido crear otra superestrella desde Milla Jovovich en The Fifth Element (1997). Sus personajes femeninos son recipientes vacíos, y tristemente él solo ve a las mujeres como seductoras u objetos de deseo. El personaje de Helen Mirren lo expone explícitamente en un punto, y dice que Anna es "útil como una trampa de miel". Es como si Besson estuviera hablando a través de ella. Yo diría que Luss se merece algo mucho mejor, y tal vez en una futura película lo consiga. Si Luc Besson viene llamando a proponer una secuela, ella debería negarse rotundamente.

En general, la película afirma que tiene lugar a finales de los años 80 y en 1990, pero nunca obtuve un sentido de autenticidad. Por otra parte, la película salta tanto en el tiempo que se vuelve un poco molestoso. Si esto hubiera tenido lugar durante la guerra fría de los años 80, hubiese sido divertido ver cómo se percibían los rusos y los estadounidenses en comparación con la situación actual. Pero no sucede. Luc Besson hizo muchas películas icónicas a principios de su carrera, y al ver que se unió con su compositor (Eric Sera) y director de fotografía (Thierry Arbogast), esperaba que Anna fuera un homenaje a sus películas más antiguas. Si Anna tuviera una mejor estructura de trama o incluso mejores secuencias de acción, podría vendersela, pero lamentablemente no puedo. Al final, Anna es un desastre, lo que es una pena porque pudo ser una B-movie de acción bastante divertida. La trama está por todas partes y, a menudo, es difícil entender de qué trata realmente la historia. La película hace un montón en interpretar una secuencia con la esperanza de desarrollar la historia, pero lamentablemente solo se repite más tarde para mostrar lo que realmente sucedió.

Puntuación: 1 alcapurria.

Textless De La Semana

Spider-Man: Far From Home

Review: Spider-Man: Far From Home

La sociedad se está recuperando de "The Blip", que encuentra a aquellos perdidos por The Snap trayendolos de vuelta a la normalidad. Con esa normalidad viene un viaje de ciencia a Venecia por parte de la escuela, y Peter Parker (Tom Holland) está decidido a aprovechar la ocasión para revelar sus verdaderos sentimientos hacia MJ (Zendaya), solo que Brad (Remy Hii) también la está persiguiendo. Junto con su amigo Ned (Jacob Batalon), quien anda de novio de Betty (Angourie Rice), Peter intenta planificar sus movimientos para ganarse el corazón de MJ. Desafortunadamente, Nick Fury (Samuel L. Jackson) necesita la ayuda de Spider-Man, informando al superhéroe de la amenaza de bestias extradimensionales conocidas como los Elementales, que están a punto de destruir el planeta, con el ex residente del multiverso Quentin Beck (Jake Gyllenhaal) emergiendo para buscar venganza sobre las criaturas que destruyeron a su familia. Al unirse a Mysterio y sus poderes inusuales, Peter tiene que hacer maniobras para proteger a sus compañeros de clase y las principales ciudades europeas mientras intenta descubrir su futuro papel en los Avengers, recién armado con la tecnología especial de Stark.

Spider-Man: Far From Home es una película que no solo tiene que seguir una de las películas más grandes de todos los tiempos, sino que también es un epílogo serio y una comedia romántica para adolescentes. Las probabilidades de un éxito parecerían imposibles para cualquier otra compañía, pero no para Marvel, ya que desafía esas probabilidades con una secuela que es emocionante, increíble y espectacular de principio a fin, y que es un cambio muy bienvenido desde el sombrío final de Avengers: Endgame. No tengo nada en contra de Avengers: Endgame, pero uno aquí se da cuenta de cuánto se necesita un aumento de espíritu hasta que se ven los primeros minutos de la película. Un homenaje a los héroes caídos se presenta para luego involucrar a los compañeros de clase de la escuela secundaria de Peter Parker, como si todo estuviera bien. El Universo Marvel vuelve a ser ligero y divertido, aunque sea por un momento. Un viaje aparentemente trivial de su escuela secundaria a Europa eleva las apuestas para Peter a nivel personal, mientras que al mismo tiempo la película juega con el efecto del multiverso.

Tras la inversión del Snap de Thanos, el mundo es un lugar muy diferente. Los Avengers no se encuentran por ninguna parte, y todos están mirando a Spider-Man para recoger la carga. Pero Peter Parker solo quiere volver a la escuela y, con suerte, contarle a MJ lo que realmente siente por ella. Un viaje de ciencias de la escuela secundaria a Europa parece ser el lugar perfecto para hacerlo, y tal vez es buena idea dejar a Spider-Man en su casa en New York. Por supuesto, nada es tan simple y los problemas siguen a Peter al otro lado del mundo en forma de gigantescos Elementales, criaturas que controlan los inmensos poderes de la tierra, el aire, el fuego y el agua. Cuando Nick Fury y Maria Hill vienen pidiendo la ayuda de Spider-Man, Peter se ve obligado a elegir entre lo que su corazón quiere, que es permanecer en el viaje con MJ, y su responsabilidad de ayudar a salvar al mundo.

Es un escenario clásico de Spider-Man, dado una nueva vida por la dirección enérgica de Jon Watts y un guión lleno de humor, giros impactantes y nuevos personajes increíbles. La perfección directa es el casting de Jake Gyllenhaal como Quentin Beck, también conocido como Mysterio, quien llega para luchar contra los Elementales, habiéndolos enfrentado en su propio multiverso. Más que un hombre con un traje genial y poderes místicos, Mysterio se establece rápidamente como un mentor de Spider-Man, llenando el vacío dejado por Tony Stark. Habrá mucha conversación, posiblemente divisiva, sobre el personaje de Mysterio, pero para mí es uno de los personajes nuevos más emocionantes que se presentarán en mucho tiempo y su impacto se sentirá. Por supuesto, el corazón y alma de esta película es Tom Holland, quien continúa madurando en el papel y lleva a Peter Parker de un niño asombrado a un Avenger. Su facilidad de cambiar de momentos de travesuras adolescentes a un héroe de acción es impresionante. El elenco de reparto también es genial. El alivio cómico está a cargo de Jacob Batalon como Ned, y Angourie Rice es estupenda y tiene mucho más que hacer como Betty Brant. Lo mismo ocurre con Marisa Tomei como Aunt May, que comparte mucho tiempo en pantalla con Jon Favreau como Happy Hogan, para disgusto de Peter.

En cuanto a la relación de Peter con MJ, sigue una montaña rusa bastante tradicional de romances de escuela secundaria, solo que con monstruos acuáticos, espías y ilusiones por parte de un hombre con cabeza de cúpula. Zendaya continúa estableciendo a MJ como un personaje singular gracias a su cinismo y su ingenio, dándole una dinámica diferente a la que hemos visto antes con Peter. Suceden tantas cosas que probablemente se pudo haber visto más de esa dinámica, pero los incómodos intentos de Peter de tener un romance con ella fueron divertidos de ver. Sin lugar a dudas, Far From Home es una gran mejora de Homecoming en muchas maneras. En primer lugar, la película quita el enfoque del entrenamiento y se enfoca única y exclusivamente en Spider-Man. Anteriormente, recibía tanta ayuda que a menudo se sentía como un pasajero en su propia historia, pero aquí debe afrontar por completo la enorme carga que conlleva ser un Avenger. Además, la acción ha recibido una mejora seria, casi rivalizando con Spider-Man: Into the Spider-Verse. Hay algunas secuencias realmente extrañas que los enviarán en un viaje increíble, y la batalla final puede ser la mejor que he visto hasta ahora en una película de Spider-Man.

En general, la película es una maravilla, aunque toma algún tiempo para que realmente comience. La primera parte descansa sobre los hombros de Tom Holland y sus compañeros de reparto, quienes interpretan a sus compañeros de clase para llevar a cabo un emocionante comienzo de su viaje, por no mencionar una explicación súper rápida del nuevo estado del Universo Cinematográfico de Marvel después de Avengers: Endgame. Luego, el segundo y tercer acto superan los límites de lo que se espera, no solo en una película de Spider-Man, sino también en las de superhéroes en general, ya que se vuelve ambiciosa con su narración y sus escenas de acción. Al final, Spider-Man: Far From Home ofrece una experiencia diferente a otras películas del Universo Cinematográfico de Marvel del 2019 (Captain Marvel y Avengers: Endgame). Es capaz de defenderse como la primera película del Universo Cinematográfico de Marvel después de la épica Avengers: Endgame, en gran parte por centrarse en uno de los personajes principales más nuevos y convincentes de la franquicia. Además, Far From Home realmente funciona como una continuación de lo que sigue en este mundo posterior a los Avengers, introduciendo algunos temas interesantes que los fanáticos estarán encantados de ver explorados en futuras películas. Aún así, aunque es una gran película de superhéroes por sí sola, pueden sentirse más entusiasmados con lo que viene, tanto para Peter Parker como para el Universo Cinematográfico de Marvel. Nota adicional: quédense después de que la película termine para dos escenas adicionales que incluyen algunas apariciones inesperadas y una sorprendente revelación que lo cambia todo para Spider-Man.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.