Review: Linda Ronstadt: The Sound Of My Voice

A fines de los años 60, mientras el blues, el folk, el pop y la música country celebraban abiertamente a las cantantes femeninas de esa época, el rock era principalmente un mundo de hombres. Algunas vocalistas poderosas se abrieron paso y dieron a conocer su presencia como Janis Joplin, Grace Slick... y una joven sin pretensiones y muy talentosa llamada Linda Ronstadt. Este documental, Linda Ronstadt: The Sound Of My Voice, es una biografía sobre esta pionera que defendió los derechos de las mujeres y muchas causas liberales. Uno queda maravillado con esta cantante enérgica que estaba más interesada en enfrentar sus propios desafíos vocales para sobresalir en su oficio que mantenerse con una exitosa y formidable carrera musical. No tenía miedo de probar una gran cantidad de géneros musicales incluso cuando los productores discográficos le dijeron que no a sus solicitudes. El documental muestra muchos de sus conciertos y imágenes de archivo que capturan su inconfundible arte y determinación. Su voz y su sonido distintivo que van desde lamentos vulnerables hasta gritos de hard rock hicieron de Linda Ronstadt un ícono musical. Dirigida con mucho cariño por los cineastas Rob Epstein y Jeffrey Friedman, este documental sigue el viaje de esta cantante desde sus primeros días con The Stone Poneys hasta una carrera solista que abarcaba el rock, pop, country, Broadway y música tradicional mexicana. Es un rico y variado legado musical sin igual para nadie más.

El documental recopila algunos segmentos musicales maravillosos y los mezcla con entrevistas dignas de elogio de amigos y colegas del ambiente musical. Entre ellos están: Jackson Browne, Emmylou Harris, Dolly Parton, Don Henley, Bonnie Raitt, Peter Asher y Aaron Neville, por nombrar algunos. Los directores Rob Epstein y Jeffrey Friedman elaboran este documental mezclando hábilmente la narrativa con las letras de las canciones de una manera tan perfecta que el resultado final nunca se siente como fragmentos cortos de un video musical. Uno se saborea las palabras y la música a lo largo de este excelente documental. Es muy entretenido aunque tiene un toque agridulce, ya que Linda Ronstadt se vio obligada a retirarse abruptamente debido a la pérdida de control muscular por su batalla con la enfermedad de Parkinson. (Hay un momento emotivo que muestra su fuerza interior y su fuerza de voluntad cuando ella y miembros de su familia cantan juntos una canción que es bastante conmovedora y hasta me hizo llorar).

Aún así, como muchas biografías, la narración se presenta convencionalmente. El documental utiliza la propia narración de Linda Ronstadt de sus memorias del 2011, Simple Dreams, lo que hace que su entrega resulte un poco torpe, pero profesional. Afortunadamente, los cineastas pierden ese enfoque muy temprano y se centran más en la música y los comentarios de otros para contar su historia de fondo, que funciona de maravilla. Un defecto menor fue evitar cualquier información negativa a medida que el documental corre, como pasar por alto su problema de adicción a las píldoras de dieta y sus relaciones románticas, manteniéndose estrictamente en línea solo con sus logros musicales. Mientras que su ex pareja J.D. Southern es entrevistado para el documental, la ausencia del ex gobernador de California Jerry Brown es bastante reveladora y una omisión enorme de su historia personal.

Para una mujer que fue tan audaz y grandiosa, entiendo y creo que merecía un tratamiento más valiente y arriesgado de la historia de su vida. Pero esa no es la intención de estos cineastas, o quizás de la propia Linda Ronstadt. En cambio, crean un tributo cariñoso y un testimonio de la larga carrera de Linda Ronstadt con una mirada a sus logros (10 premios Grammy, un Emmy, un premio Tony, nominaciones a los Golden Globes, entre muchos otros premios). Es un relato encantador de su vida y sus numerosos y destacados aspectos musicales. El solo hecho de poder ver y escuchar las interpretaciones de canciones como Blue Bayou, Long, Long Time, Lose Again, Get Closer o La Charreada confirman un repertorio musical notable que durará por las próximas décadas.

En general, este es un relato inspirador y hermoso de la vida y carrera de Linda Ronstadt. Su versatilidad, independencia, bondad, inteligencia y su increíble talento es inspirador. Muchos no saben que Linda tiene raíces mexicanas y que sus incursiones en tantos géneros (pop, country, folk, rock, ópera, música clásica y rancheras mexicanas) fueron generadas por el eclecticismo de su niñez al cantar con su familia en su hogar y sentada junto a la radio (su "mejor amiga" cuando era niña) escuchando transmisiones musicales. El documental enfatiza el verdadero amor de Linda por el canto, su compromiso de ser auténtica, y de ser una de las primeras mujeres en liderar la industria de la música dominada por los hombres y su amistad duradera con hombres y mujeres. Al final, Linda Ronstadt: The Sound Of My Voice puede ser el sonido más dulce que jamás hayan escuchado. Esto es un maravilloso documento de alguien que logra el sueño americano con honestidad y autenticidad, y que supera los límites para las mujeres a través del talento y la presencia mental. Y, en última instancia, nos enseña cómo ha vivido después de haber sido diagnosticada con Parkinson en el 2009. Vean este documental y queden totalmente cautivados con la voz de esta superestrella y su rica herencia musical.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Jexi

Phil (Adam DeVine) es un escritor solitario de listas de San Francisco que usa su teléfono inteligente para todo, desde encontrar la forma más rápida de trabajar hasta pedir su comida nocturna. Un día, cuando su teléfono se rompe accidentalmente, Phil compra un reemplazo que tiene una nueva asistente virtual llamada Jexi (voz de Rose Byrne). Malhumorada, sarcástica y obviamente defectuosa, Jexi quiere ayudar a Phil a tener éxito en la vida, por lo que utiliza su conocimiento de todas sus contraseñas para enviar correos electrónicos y mensajes de texto en su nombre, y ayudarlo a ascender en su trabajo e incluso entablar una relación romántica con la dueña de una tienda de bicicletas vintage llamada Cate (Alexandra Shipp). Pero pronto Jexi comienza a tener "sentimientos" por Phil y sabotea todo lo que ella le ayudó a crear.

Escrita y dirigida por Jon Lucas y Scott Moore, Jexi es una estafa de la comedia romántica de Spike Jonze, Her (2013). En papel, muchos cinéfilos se sentirán ofendidos por esto, como si fuera un asalto a las aguas vírgenes de la originalidad de las que todos piensan que el cine es (qué han estado viendo los aficionados y críticos en los cines en los últimos 30 años?) exclusivamente para estudiantes de posgrado para analizar una tesis. Jexi no es Her, es la actualización 2.0 de esa versión. Es una versión de palabras simples y sin metáforas que utiliza la comedia para impulsar su mensaje general del enfoque robótico de la generación de Instagram a las relaciones humanas.

Esto no es nada nuevo y se ha hecho durante años. Los profesionales pueden llamarlo un homenaje en lugar de pedir prestado o incluso robar. Por cada Dead Poets Society (1989), tienes una Mona Lisa Smile (2003). Incluso Star Wars de George Lucas (1977) fue influenciada por la película The Hidden Fortress (1959). Esto no tiene nada de malo, siempre y cuando no estén tratando de hacer un McDowell's (Coming To America, 1989). Jexi, aunque no es perfecta, tiene risas sólidas, protagonistas agradables y una comedia placentera pero un poco defectuosa. Eso si, siempre y cuando se entreguen a bajar sus expectativas, lo cual es casi una certeza ya que esta película prácticamente no recibió ninguna cobertura o marketing comercial.

Aún así, entiendo el dilema. Jexi no fue hecha para que las personas que van al cine vean arte. No tiene mucho humor desagradable, tiene la misma cantidad habitual de montajes que muchas comedias imploran al tratar de resaltar cualquier interés romántico. Aunque, tenemos una película aquí que ofrece una alternativa para sentir una fuerte emoción dramática. Ahora pregunto yo... es tan malo hacer reír al fanático del cine casual por un momento para olvidarse de sus tensiones y problemas de la vida cotidiana durante 1 hora y 24 minutos?

La película está muy anclada en la simpatía de sus protagonistas. Adam DeVine, cuyo factor juvenil y nerd está en su máximo aquí. Su personaje es un novato cuando se trata no solo de mujeres, sino incluso de simples amistades. Alexandria Shipp, siempre una presencia acogedora en una película, interpreta la contraparte despreocupada de DeVine. Michael Peña es tan exagerado aquí que está casi fuera de lugar, incluso en este entorno cómico. Lo que hace que esta comedia sea inesperadamente agradable es el trabajo de voz de Rose Byrne, quien interpreta a la asistente virtual, Jexi. Su entrega cómica, aunque robótica, está llena de gemas oportunas que incluso funcionan mejor cuando se juegan con las reacciones de DeVine, que van desde salvajemente inocentes o ingenuas hasta desastrozas. Sin embargo, el guión maneja torpemente un triángulo amoroso que nunca es creíble, en más de un sentido, pero tiene algunas observaciones sorprendentemente astutas cuando se trata de la capacidad de enmascarar la soledad con publicaciones engañosas en las redes sociales.

En general, el humor hace que esta película sea un éxito. Es posible que no tenga suficientes bromas groseras para el público en general y probablemente habría sido más adecuada para un lanzamiento original de Netflix. No obstante, Jexi tiene más corazón y alma de lo que muchos pueden esperar y puede ser que encuentre una audiencia de culto en el mercado de alquiler y/o streaming. Al final, Jexi tiene que ser una de las películas más divertidas que he visto en mucho tiempo. Literalmente me estuve riendo durante toda la película, de principio a fin. También tiene un gran mensaje envuelto en su interior y ese mensaje es que no dejes que la vida te pase, solo vívela al máximo, y que la interacción humana es necesaria. Recomiendo esta película a cualquiera que quiera tener un festival de risas de principio a fin.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Roger Waters Us + Them

Producida por Roger Waters y dirigida por Sean Evans, Roger Waters Us + Them está ambientada en Amsterdam, un escenario de la gira mundial del co-fundador de Pink Floyd que tuvo lugar entre mayo de 2017 y diciembre de 2018 con 157 conciertos, totalmente vendidos y 4 millones de espectadores por todo el mundo. El mensaje detrás de la película/evento es claro, y Evans y Waters logran transmitirlo magistralmente con sets y coreografías que hacen de la exposición una experiencia sensorial única. Todo esto está acompañado por canciones de Pink Floyd de los álbumes The Dark Side Of The Moon, The Wall, Animals y Wish You Were Here integradas con las canciones del último álbum solista de Waters, Is This The Life We Really Want? A sus 76 años, Waters trae mucha energía al escenario y lo hace en el papel de portavoz de la resistencia que lo ha caracterizado a lo largo de su carrera como músico, condenando a los líderes políticos, especialmente al presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, representado como un cerdo durante la canción Pigs (Three Different Ones).

Roger Waters es conocido por ser uno de los miembros fundadores del legendario grupo británico de rock progresivo Pink Floyd. El músico, que una vez fue solo el bajista en el grupo, más tarde se convirtió en co-vocalista y también en el principal compositor de la mayoría de las canciones de la banda. Sin embargo, Waters también ha sido músico solista por algún tiempo. El excelente músico estuvo acompañado por un equipo de cámara en su última gira mundial titulada Us + Them, llamada así por una canción del mismo nombre de Pink Floyd. El material resultante ahora se puede ver en la película de concierto Roger Waters Us + Them. Esta es una secuencia de grabaciones de 2 horas y 2 minutos que Waters tomó durante tres conciertos en Amsterdam.

A nivel cinematográfico, esto es bastante difícil de juzgar, ya que se trata simplemente de presentaciones de conciertos, que a veces también se grabaron de manera algo inestable. Como una experiencia inmersiva, prácticamente permite a los espectadores participar de una actuación inolvidable de la leyenda de la música, lo que definitivamente hace que cumpla con su propósito. Al público se le ofrece un repertorio de canciones actuales de Waters y éxitos clásicos Pink Floyd, algunos de los cuales incluso se les da nueva vida. Sin embargo, aparte de las voces, Waters permanece completamente reservado hasta mediados del concierto y deja que el lenguaje universal de su música hable por sí mismo.

En primer lugar, el concierto y, en consecuencia, la película, como se puede esperar de Waters, conocido por su activismo, es una declaración política de carácter irritable y vocal que definitivamente resuena. Sobre todo, la crisis de los refugiados se discute entre otras cosas con la ayuda del video musical The Last Refugee. Del mismo modo, por ejemplo, la canción de título Us And Them se cambia aquí de tal manera que se convierte en una alegoría de la actualidad, con la cual las subdivisiones del racismo, así como a menudo egomaníacas, entre "nosotros" y "los que están allí" se desarman y se cuestionan. Pero es particularmente político cuando las declaraciones del presidente estadounidense Donald Trump aparecen en pantallas gigantes. En el nivel audiovisual, el concierto es acompañado de espectaculares luces y un espectáculo en el escenario enormemente complejo, cuyo efecto casi psicodélico apenas se puede dejar de ver y literalmente te permite mirar la cara enojada de Waters.

Como trabajo cinematográfico independiente, es difícil de juzgar también por el hecho de que solo se filmó como un concierto. No obstante, a los fanáticos de Waters y de Pink Floyd se les ofrece un concierto como una experiencia de lienzo, que les permite participar en la acción con un sentimiento de inmersión. Sobre todo, el concierto irradia principalmente una fuerza política que, en momentos en que la corrupción y el racismo han encontrado posiciones de liderazgo en todo el mundo, llama a uno para despertar y enfrentar estas injusticias. Y como se puede ver claramente a través de los espectadores, el espíritu político intemporal de la música de Waters se está extendiendo lentamente en esta nueva generación, lo que hace que la esperanza no esté completamente perdida.

En general, esto no es solo un concierto. Es una mezcla entre un espectáculo y una película dramática, que cuenta algunas historias paralelas sobre las minorías, la guerra, la humanidad y todo lo que puedes esperar de Roger Waters. Esperaba solo una película de concierto, pero el aspecto documental la hizo excelente y muy emotiva. Roger Waters sabe cómo realizar un concierto magnífico, y esta gira suena como un Pink Floyd moderno, a diferencia de sus viejas giras en las que la música sonaba como una segunda versión de Pink Floyd. Además, tiene una muy buena mezcla de sonido, al igual que Roger Waters The Wall (2014), que es una de las mejores mezclas de sonido en vivo que he escuchado. Al final, Roger Waters Us + Them es algo que debe ser compartido y visto por todos en todo el mundo. Cada minuto de este concierto ha sido pensado para presentar la realidad confrontante de lo que se ha convertido nuestro mundo. El simbolismo se usa para presentar al público ideas políticas fuertes que prevalecen en la sociedad actual. Para ser honesto, me tuvo tres veces casi al borde de llorar, y eso no es nada malo, al contrario. Es solo un concierto poderoso, y que lo puedes presenciar en la audiencia, ya que en varias tomas claramente todos están tocados por la experiencia. Este espectáculo es visualmente muy potente, y musicalmente es solo Pink Floyd, y eso es, por definición, siempre perfecto.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: In Search Of Darkness

In Search Of Darkness nos muestra que la década de 1980 fue un momento especial para el género de terror. Libra por libra puede que no haya sido la mejor década para el género, pero es indiscutible que la década de 1980 fue el mejor momento para amar el horror. La naciente tecnología del VHS y el Betamax y el súbito nacimiento de las tiendas de alquiler de videos dieron a los niños, adolescentes y adultos un acceso inaudito a décadas de clásicos nunca antes vistos. Revistas como Fangoria y Cinefantastique les dieron a los fanáticos un sentido de comunidad y una guía autorizada para el floreciente género. Y, gracias en gran parte a estos desarrollos, asesinos cinemáticos como Freddy Krueger y Jason Voorhees se convirtieron de repente en íconos de la cultura pop a la par de Bugs Bunny o Mickey Mouse. Quizás no sea extraño que hayamos visto un renacimiento de películas de horror en los últimos años, pero para los cineastas que eran jovenes en los años 80, fue difícil no inspirarse por la riqueza de la década.

Este exhaustivo documental presenta un quién es quién de los actores del género, cineastas, críticos y entusiastas, y es un testimonio destacado del amor y la pasión inspirada en las películas de terror de los años 80, y aunque puede que no convierta a muchas personas en fanáticos nuevos, seguramente reconfortará a sus más fieles fanáticos como una manta cálida. Tanto en formato como en peso, In Search Of Darkness recuerda de alguna manera una de esas enormes guías de alquiler en los centros de entretenimiento, llenas de reseñas y cápsulas de cualquier película que estuviera disponible. El documental se organiza más o menos en un estricto orden cronológico de año tras año, con caras conocidas como el director John Carpenter y la actriz Cassandra Peterson (mejor conocida como Elvira) acumulando de 2 a 10 minutos de elogios y ocasionales burlas cariñosas sobre las principales películas de cada año de la década. Entre los años, hay una gran variedad de temas, desde la explosión del VHS y la cultura de los fanáticos hasta las implicaciones del uso del sexo y la desnudez en el género. Esta estructura metódica se sigue hasta el último año, por lo que cuando se ve "1989", se sabe que el final está cerca.

En lo que el documental carece de estilo, lo compensa en cantidad. Con un tiempo de duración de 4 horas y 23 minutos, In Search Of Darkness se une a Never Sleep Again: The Elm Street Legacy del 2010 (3 horas y 53 minutos) y Crystal Lake Memories del 2013 (6 horas y 40 minutos) en el subgénero creciente de documentales de terror solo para fanáticos. Este enfoque podría haber sido tema de burla para una exhibición teatral, pero en realidad tiene mucho sentido en esta era del streaming. Es esencialmente un vistazo compulsivo de un documental, y su estructura claramente delineada hace que sea fácil tomar un descanso y retomarla más tarde.

Ahora... In Search Of Darkness abre nuevos caminos? Realmente no. Pocos de sus temas históricamente hablan sobre el género, y muchas de sus historias están bien establecidas en el folklore del terror. Y, por supuesto, incluso una película de esta longitud no puede afirmar que es 100% certera. Algunas figuras importantes del género están notablemente ausentes (Tom Savini viene a mi mente de inmediato) y, ya sea debido a la disponibilidad de los rostros familiares o al gusto personal por parte de los cineastas, hay algunas películas curiosas mencionadas (Full Moon High, Firestarter, Stepfather II, y 976-EVIL se discuten, y se excluyen Slumber Party Massacre, The Beyond, The Entity y Demons). También hay suficientes destellos de pensamiento crítico, como cuando Barbara Crampton señala cuántas actrices fueron explotadas para hacer escenas de desnudos, lo que hace que uno desee dedicarle un poco más de tiempo a interrogar estos temas de la época en lugar de simplemente deleitarse en ellos.

En general, si son el tipo de fanáticos lo suficientemente dedicados como para notar estas cosas, probablemente también sean lo suficientemente fanáticos como para que no les importe. Como mencionan muchos de los entrevistados en el documental, los fanáticos del terror están motivados en gran medida por la nostalgia y la camaradería, y In Search Of Darkness captura esta alegría. Las personas en pantalla son narradores de historias casi universalmente carismáticas y, dada la amplitud de su alcance, incluso los fanáticos más obsesivos probablemente conocerán datos y curiosidades nuevas. En última instancia, si eres el tipo de persona a la que le va a gustar este documental, probablemente ya lo sepas. Como probablemente puedan imaginar por ahora, a mi me encantó. Al final, In Search Of Darkness es el documental definitivo sobre el terror de los años 80. Es una inmersión profunda en todo lo que es el terror de la década. Tiene tantas entrevistas increíbles con actores y directores que casi componen y mencionan todas las películas clásicas de la época. Definitivamente esto es un documental hecho por alguien y para aquellos que tienen un amor genuino por cada una de las películas mencionadas aquí.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Way Back

Haciendo trabajos de construcción para pagar las cuentas, Jack Cunningham (Ben Affleck) está luchando contra el alcoholismo, pasando sus días bebiendo alcohol y sus noches saliendo de los bares. Una vez estuvo casado con Angela (Janina Gavankar), pero su matrimonio se rompió, dejando a Jack en un ciclo de soledad y depresión del que no puede salir. Al buscarlo su antiguo entrenador de escuela secundaria para entrenar a su equipo de baloncesto durante una corta temporada, Jack se enfrenta a su historia como jugador estrella hace 25 años, enfrentando a un grupo de adolescentes rebeldes que necesitan liderazgo, solo que Jack no está seguro si puede proporcionarlo. Controlando su consumo excesivo de alcohol con sus deberes profesionales, Jack comienza a tomar en serio al equipo, compartiendo su experiencia con los adolescentes cuando comienzan a jugar un juego más agresivo, lo que les permite competir con escuelas rivales. Comenzando a lograr algo de claridad después de años de tormento, Jack lucha con recuerdos de una vida que tuvo, y que nunca podrá volver a tener.

Hay tantas cosas que podrían haber salido mal en esta última película deportiva dirigida por Gavin O’Connor, The Way Back. Esto podría haber sido víctima de casi todos los clichés del género o el estudio podría haber atenuado el abuso de sustancias del protagonista principal y hacer que el equipo se uniera a su alrededor para envolver la película en una felicidad melodramática. Incluso, estoy seguro de que trataron de buscar a un comediante para que interpretara al asistente del entrenador para agregar un poco de alivio cómico. Pero no tan rápido, considerando que O'Connor se ha esmerado en clásicos deportivos como Miracle (2004) y, en mi opinión, la mejor película deportiva de la década, Warrior (2011), él sabe cómo poner el balón en las manos del jugador correcto. Ahí es donde entra Brad Ingelsby, quien escribió un guión inteligente que no devuelve el balón, por así decirlo, cuando llega ese momento deportivo crucial.

Ben Affleck, en una de sus mejores actuaciones al día de hoy, interpreta a Jack Cunningham, un hombre que vemos está en medio de una grave crisis de alcoholismo.  Está separado de su esposa, está atrapado en un apartamento en ruinas y tiene un trabajo de construcción que le da lo suficiente para lavarse la boca con alcohol todas las noches. Jack nunca ha encontrado un bar que no pueda cerrar o un paquete de 12 cervezas que no pueda terminar todas las noches. Beth, su hermana, está preocupada porque Jack no tiene ninguna dirección y teme que beba hasta morir. Luego, las cosas comienzan a cambiar para él cuando se le ofrece un puesto como entrenador del equipo de baloncesto de la escuela secundaria, su alma mater. El equipo ha atravesado tiempos difíciles, y no ha llegado a los playoffs desde que Jack era un jugador estrella allí.

Muchos supondrán que The Way Back se basa en una increíble historia real, pero en realidad es una obra de ficción. La película es notablemente discreta en casi todo lo que hace, y se puede ver por qué. El crédito para eso recae en el escritor Brad Ingelsby, quien escribió un guión inteligente que no toma atajos, y que toma en serio los problemas de abuso de sustancias en el trabajo y en el hogar. En lugar de que la palabra de un personaje diga toda su historia de fondo en las primeras escenas, Ingelsby revela oportunamente y estratégicamente todo usando el baloncesto como telón de fondo para lidiar con los problemas de la vida real. El guión subestima el alivio cómico, pero cuando lo hace, el padre Whelan (interpretado por Jeremy Radin) me hizo reír al tratar de mantener intacto el código moral de la escuela. Incluso Al Madrigal, que generalmente interpreta personajes de comedia extravagantes, es muy bueno aquí como el hombre justo de la película, y su personaje no tiene una nota falsa.

Luego está el asunto de Ben Affleck, ya que el actor ha tenido un problema de abuso de sustancias muy bien documentado y ofrece una actuación profesional aquí. No hubo un solo momento en que no lo compré como un hombre borracho que está en un modo autodestructivo constante y listo para tocar fondo en cualquier momento. Incluso su opinión sobre ser un duro entrenador de baloncesto es apasionante, y tiene un grito tan agudo que haría que Bobby Knight retroceda un paso. Sin embargo, al final de la película, se ve a Affleck, en una escena de gran ternura, contarle a alguien la fuente de su constante tortura interior. Es algo conmovedor, y redime a su personaje de todo lo que ha hecho.

En general, la película cambia constantemente las expectativas del género, teniendo una visión completa de lo que significa ganar en el juego de la vida. Ben Affleck, quien no ha ocultado el impacto que esta película tuvo en él, merece todos los elogios que se le presenten. Su carrera no está sufriendo y no necesita un comeback, pero es bueno verlo haciendo películas nuevamente en las que realmente está involucrado, y eso de por sí es una victoria. Al final, The Way Back no es una película perfecta. A pesar de todos los elogios que he mencionado, tiene algunos clichés deportivos que verán en cualquier película dentro del género. Además, algo que me molesta (o tal vez sea una manía mía) aquí y en muchas otras películas es que hace que parezca fácil ser ubicado en un agradable centro de rehabilitación sin pensar en las consecuencias financieras. No obstante, el director Gavin O’Connor ha creado una película escapista con mucho que decir sobre el abuso de sustancias y la salud mental que no puedo evitar admirar.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Bloodshot

Como un oficial militar con un orgullo extremo a su servicio, Ray Garrison (Vin Diesel) apenas sobrevive a una misión reciente en el extranjero para ayudar a cerrar una situación de rehenes. Tomando una bala por su país, la cicatriz se une a muchas otras, Ray espera sanar con una escapada especial con su esposa, Gina (Talulah Riley), reavivando su romance después de un tiempo separados. Rompiendo la diversión está el terrorista Martin Axe (Toby Kebbell), quien exige información sobre la operación de Ray, matando a Gina como una forma de demostrar su punto. Ray también es asesinado, solo para despertarse dentro de Rising Spirit Technologies gracias al Dr. Emil Harting (Guy Pearce), quien supervisa una operación de mil millones de dólares que resucita a los muertos utilizando tecnología especial para transformar cuerpos en máquinas de guerra especializadas. Ray descubre que su cuerpo está lleno de nanites, dándole una súper fuerza y ​​la capacidad de sanar instantáneamente, y aunque su memoria ha sido borrada para convertirlo en una computadora humana, se las arregla para recordar todo lo que perdió y se dispone a buscar y destruir a Martin Axe.

Si intentara lanzar un nuevo universo cinematográfico de superhéroes, Sony podría haber hecho algo peor que Bloodshot, un personaje cuya historia de origen es básicamente una estafa de Robocop y Wolverine. El héroe de Valiant Comics con el factor de curación impulsado por nanites, la fuerza sobrehumana y un ataque sobrehumano de amnesia consigue una sorprendentemente divertida película de ciencia ficción de clase B liderada por el actor Vin Diesel, que finalmente aparece en la pantalla y no simplemente expresa a un árbol parlante para Marvel. Solo queda ver si Bloodshot es lo suficientemente poderoso como para lanzar una franquicia duradera.

Bloodshot tiene una historia muy familiar de venganza, llena de imágenes geniales de ciencia ficción traídas por el director Dave Wilson en su debut cinematográfico. También hay un montón de actuaciones exageradas, manteniendo la película firmemente habituada en el territorio del cine de clase B donde pertenece. Toda la primera etapa de la película es un cliché ridículo tras otro. Vin Diesel interpreta a un personaje Vin Diesel-esco en Ray Garrison, un soldado estadounidense en una misión de rescate en Cambodia. Es un espectáculo de un solo hombre disparando a sus enemigos como algo sacado de un videojuego. Él salva el día y solo quiere volver a casa para pasar unas vacaciones en Italia con su bella esposa Gina. Solo que ella termina siendo secuestrada por el asesino en serie Martin Axe, que baila al ritmo de Psycho Killer de Talking Head antes de matar a sus víctimas. Ray también es capturado y solo puede mirar mientras Gina es asesinada frente a sus ojos para después Axe darse la vuelta y matarlo a el.

El fin? Apenas. Siguiendo la trama de Robocop, Ray se despierta en una instalación secreta dirigida por el Dr. Emil Harding, quien le dice que ha sido equipado con nanobots. Los pequeños nanites le dan a Ray una sanación rápida, superfuerza y ​​durabilidad. Él es solo una de las pocas ciberpersonas en la instalación, ex soldados equipados con tecnología avanzada. Solo una, KT (interpretada por Eiza González), parece tener una gran debilidad. Eso es porque ella sabe la verdad, que Ray, cuyos recuerdos trágicos lo obligan a cazar al asesino de su esposa, está siendo utilizado por una conspiración mucho más profunda.

Si la película hubiera sido sombría y directa, sería bastante insoportable de ver. Afortunadamente, todo está entrelazado en la diversión y algunas imágenes visuales, la mejor de las cuales encuentra a Ray rastreando a Axe en medio de un túnel vacío en Hungría. Después de causar destrucción con un camión de harina, el paisaje adquiere la palidez de una tormenta de nieve roja como la sangre. Mientras los láser rastrean y las balas vuelan, también observamos el alcance de los nuevos poderes de Ray. La ráfaga de una escopeta literalmente vuela su rostro del cráneo, pero los nanobots ponen la piel de vuelta en su lugar. Ray apenas pierde el paso antes de tomar el disparo que mata a su objetivo.

Desafortunadamente, no hay suficientes escenas bien hechas. Una batalla culminante que ve a Ray luchando contra sus hermanos cibernéticos mientras cae por el hueco de un ascensor se representa completamente en CGI. Los otros personajes estuvieron bastante bien, pero casi no hay nada que escribir sobre ellos. Una vez más, parecen estar sacados de Robocop... y del remake, es decir, en términos de la sensación visual del mundo de Bloodshot. Vin Diesel básicamente interpreta a sí mismo aquí, ya que Ray no es tanto un personaje como un medio para que Vin haga agujeros en las paredes y exprese sus sentimientos. No hay mucho en Ray por lo que se nos dé una razón para preocuparnos, y ninguna cantidad de disparates retorcidos pueden cambiar eso.

En general, la película no exige mucho de Vin Diesel aparte de golpear y disparar cosas, y a ayudar a mantenerla interesante. Guy Pearce es un veterano en este tipo de locura de ciencia ficción (recuerdan Lockout del 2012?), mientras que Lamorne Morris es el acto de comedia como el hablador y genio de la tecnología Wilfred Wigans. Eiza González también hace más con el personaje de KT de lo que le proporciona el guión, dándonos uno de los pocos personajes con un ángulo comprensivo. Al final, Bloodshot vendrá, se irá y será celebrada solo por los fanáticos incondicionales de Vin Diesel. No le veo un atractivo mundial para hacer de esto una franquicia, a pesar de todo el deseo de Sony de hacer un universo cinematográfico. De todos modos, las aspiraciones más grandes serían demasiadas para poner sobre los hombros de esta película. Aunque apenas es tan tediosa como cuando Vin Diesel vive su vida a 100 millas por hora, Bloodshot es lo suficientemente simple como para evitar ser un desastre total.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: The Invisible Man

Cecilia Kass (Elisabeth Moss) ya no puede permanecer al lado de su pareja, el magnate de la tecnología Adrian Griffin (Oliver Jackson-Cohen), negándose a aceptar su abuso diario. Al escapar de su mansión en el Bay Area de San Francisco, Cecilia termina al cuidado de su hermana, Alice (Harriet Dyer), y mudándose con su amigo James (Aldis Hodge) y su hija, Sydney (Storm Reid). Intentando retomar el control de su vida después de enterarse de que Adrian se suicidó y le dejó una fortuna, Cecilia lentamente comienza una nueva rutina doméstica, recuperando su confianza y esperanza para el futuro. Entrando en esta sensación de paz hay una fuerza invisible que solo Cecilia parece percibir. Cada vez más paranoica de que Adrian no murió, pero fingió su muerte, Cecilia piensa que él esta planeando vengarse de ella, buscando destruir su mente y libertad antes de reclamar el resto de su cuerpo usando una forma especial de mantenerse cerca sin ser visto por otros.

The Invisible Man está dirigida por Leigh Whannell y protagonizada por Elisabeth Moss, Oliver Jackson-Cohen y Aldis Hodge, y es el último intento de Universal de traer a la pantalla grande a uno de los grandes monstruos clásicos del cine. The Invisible Man es uno de los monstruos originales de Universal, en 1933 James Whale lo trajo por primera vez a la pantalla grande en uno de los clásicos del género. Esa película sigue al hombre invisible tratando de arreglar lo que le sucedió, mientras que esta vez tenemos una película mucho más apropiada que sigue a una víctima de abuso que ha sido atrapada viviendo con dolor y queriendo salir de una relación, solo para mostrar que continuará sintiendose atrapada incluso después de escapar del alcance de su pareja. La historia pronto se convierte en una de horror, con un trabajo de cámara cuidadosamente maniobrado que destaca que hay alguien en la habitación, solo que no sabemos lo que está haciendo, que es el truco más antiguo y el mejor en el libro para el género de horror, permitiendo que la audiencia decida por si mismos, aumentando el factor de miedo.

La película original de 1933 se realizó cuando el sonido sincronizado todavía era relativamente nuevo en Hollywood, por lo que jugó con la noción del espectáculo visual y la presencia corporal de actores que se desvanecen en favor de un enfoque en los medios de voz y audio, incluidos el teléfono y la radio. La secuela subestimada, The Invisible Man Returns (1940) elaboró ​​sobre las huellas que un cuerpo oculto sigue dejando atrás. La también subestimada The Invisible Woman (1940), se divirtió cambiando la mirada tradicionalmente masculina con un personaje femenino. En retrospectiva, esta versión, a diferencia de sus predecesoras, es desde la perspectiva de la víctima y la mujer en lugar del loco doctor o una figura transparente malévola o maliciosa. En parte, esta es una película de abuso/violación/venganza.

Como es de esperarse, la actriz principal Elisabeth Moss me dejó asombrado con su interpretación de Cecilia y personalmente, presenta la mejor actuación de su carrera y una que sin duda se une a la lista de actuaciones femeninas fuertes en el género de horror/suspenso. Pero no queremos limitarla a eso. Su interpretación del personaje principal aquí es la actuación femenina más fuerte que he visto en mucho tiempo. Su capacidad para transmitir la vulnerabilidad de su personaje es insuperable, pero si bien es increíble para mostrar esto, también permite que su personaje tenga un viaje claro donde crece como individuo y también es una maravilla verlo. Por mucho que Moss domine la pantalla, detrás de la cámara, el cineasta y escritor australiano Leigh Whannell es el que orquesta esta obra maestra.

Conocido principalmente por su trabajo de escritor, y que ayudó a redefinir el género de horror cuando Saw llegó a los cines hace 16 años, Leigh Whannell ha crecido como escritor y ahora, un aclamado cineasta que solo muestra signos de mejora después de cada proyecto. The Invisible Man, que solo es su tercer trabajo como director (Insidious: Chapter 3, 2015 y Upgrade, 2018 siendo los otros dos), es una clara evidencia de que tenemos a alguien que se siente cómodo dentro de este género y sabe cómo ejecutar una historia a la perfección. Esta película me mantuvo en tensión en todo momento, algo que no había sentido durante un buen tiempo y eso siempre es una señal positiva de que una película está haciendo lo que está destinada a hacer. Pero sobre todo, te hace sentir extremadamente incómodo, que es lo que mejor hace la película. Whannell de alguna manera se las arregla para mostrar espacios y habitaciones vacías e infunde miedo en sus tomas y crea un ambiente de paranoia e inquietud. Este tiene que ser el mejor trabajo en su filmografía y sin duda es uno de los mejores remakes hechos recientemente.

En general, The Invisible Man pasará a ser una de las mejores películas de horror del año y fácilmente podría llamarse la primera película de horror verdaderamente grandiosa de la década. Tiene una de las mejores actuaciones que he visto en cualquier película de horror, y muestra que Leigh Whannell ha salido de la sombra de su co-guionista de Saw James Wan para ser tomado en serio en el mundo del horror por sus propios méritos, y finalmente muestra cómo Universal puede hacer bien una película de monstruos. Al final, The Invisible Man es una increíble película de horror psicológico extremadamente tensa, aterradora y oportuna. Elisabeth Moss ofrece una actuación principal increíble y tanto Aldis Hodge como Storm Reid ofrecen excelentes actuaciones de apoyo. La dirección de Leigh Whannel es increíble, ya que utiliza espacios y sonidos vacíos para generar gran suspenso. Esta es una nueva versión de un monstruo clásico de Universal que no querrán perderse y que definitivamente vale la pena ver.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Verotika

Verotika es una antología de terror/fantasía que se compone de tres historias basadas ​​en los comics de Glenn Danzig titulados Verotik (una combinación de violencia y erotismo). Cada una de las historias es presentada por la anfitriona Morella (Kayden Kross). La primera historia: The Albino Spider Of Dajette se refiere a Dajette (Ashley Wisdom), una mujer que tiene ojos donde deberían estar sus pezones. El hombre con el que está al verlos enloquece, esto entristece sus senos y comienzan a llorar. Una de sus lágrimas cae sobre una araña blanca y la transforma en un extraño híbrido humano/araña (Scotch Hopkins) que sale a matar cada vez que Dajette duerme. La segunda historia: Change Of Face presenta a Mystery Girl (Rachel Alig). Ella es una bailarina exótica con cicatrices en su rostro que en lugar de someterse a una cirugía plástica mata a otras mujeres, les corta la cara y las usa. La última historia: Drukija Contessa Of Blood es una historia tipo Erzsébet Báthory. Drukija (Alice Tate) cabalga a través de su reino para encontrar jovenes vírgenes y llevarlas de vuelta a su castillo para matatarlas y luego bañarse en su sangre.

The Misfits es una gran banda, y también lo es Danzig. Glenn Danzig es un ícono, un legado, un músico talentoso y también el principal punto de venta de Verotika para mí. Después de leer algunas reseñas, mantuve la esperanza de que Verotika no fuera tan mala como lo que leí. Bueno, ya la ví y estoy en estado de shock. Después de 1 hora y 29 minutos de lo que podría llamar una experiencia visual considerablemente insoportable, tengo que concluir que Glenn no sabe mucho sobre cómo hacer películas. Los desnudos y la sangre por sí solos no pueden redimir el desorden indudablemente objetivo que es Verotika. Esto no es solo malo o incluso horrible, existe en su propio nivel de ineptitud. Olvídense de The Room (2003) de Tommy Wiseau, esto está profundamente en el territorio de Ed Wood a lo Plan 9 From Outer Space (1959). Pensándolo bien, la película de terror erótico de Wood, Orgy Of The Dead (1965) es una mejor comparación.

La película está plagada de una variedad de errores de filmación, decisiones creativas horribles o cuestionables, malas actuaciones, acentos horrendos, una edición y cinematografía fatal y la lista sigue y sigue. Comenzando ya hay varios problemas de continuidad desde primera escena en la primera de las tres historias y otros errores básicos. A pesar de ser una distracción, esos problemas podrían descartarse si todo lo demás estuviera en un nivel decente. Sin embargo, está lejos de eso. La mayoría de las actuaciones son simplemente malas, sin emociones, el diálogo es de aficionados y los acentos que se usan con frecuencia son muy cuestionables. Las historias tienen cero profundidad y no llevan a ninguna parte. Las tres son estructuralmente más o menos iguales e igualmente defectuosas, terminado en algo que resulta ser inútil, vacío y repetitivo.

Los valores de producción son muy, muy, muy bajos, los baños de sangre no impresionan y las mujeres desnudas tampoco. Dondequiera que se usa el CGI o pantalla verde, se puede notar rápida y fácilmente. En la segunda historia hay al menos 10 a 15 minutos de escenas de striptease, en teoría puede que no lo creas, pero todo se convierte en un festival aburrido. Al no tener giros o algo "grande", todo se convierte en una experiencia que no es nada gratificante. Para ser honesto, cualquiera de las tres historias en Verotika podrían haber sido buenas, pero la insistencia de Danzig en hacer todo por sí mismo y su forma de dirigir la película en todo momento simplemente arruina todo. The Albino Spider Of Dajette, por ejemplo, está ambientada en Francia, por lo que hace que todos hablen con un acento francés de dibujos animados estereotipados. Pepe LePew suena más francés que estos personajes. El elenco está lleno de estrellas porno y los efectos van desde risibles hasta simplemente terribles.

La toma del castillo de Drukija parece que proviene de una película de los años 70, hay una escena que produce un órgano del tamaño de la cabeza de un niño pequeño, los ojos en los pezones son prótesis que no se mueven, y la criatura araña sólo mueve dos brazos y los otros son un montón de brazos en látex inmóviles. Verotika es una película de terror con un supuesto presupuesto de un millón de dólares, con efectos de mala calidad que no tienen excusa. A pesar de todos sus defectos, no pude apagar Verotika. Sus errores (más bien horrores) te obligan a seguir viéndola, tal vez sean los cortes constantes en negro entre escenas lo que me hipnotizó o tal vez era necesario saber qué iba a salir mal después. Fue gracioso ver apariciones como la del ex luchador profesional de WWE/WCW Sean "123 Kid/X-Pac" Waltman, la scream queen Caroline Williams, el actor James Cullen Bressack y, como dije antes... estrellas porno.

En general, Glenn Danzig fracasa en la dirección, escritura y la cinematografía, y es aún más lamentable que la música original también sea decepcionante. La única canción entre todas que puedo sacar como pasable es Eyes Ripping Fire del mismo Danzig. Glenn afirmó que Verotika sería impactante, no lo es en lo absoluto. Es muy mansa en términos de contenido sexual y violencia y no hay nada demasiado impactante sobre lo que se muestra. Lo único sorprendente de esto es lo inepta que es. Al final, Verotika es una película terrible y aburrida que no vale la pena gastar la 1 hora y 29 minutos de tu vida que no vas a poder recuperar. Muestra claramente que Danzig no tenía a nadie diciéndole que esto era una basura mientras la producción avanzaba. La parte más entretenida y divertida de ver esto (y sí, fue una experiencia) es que se unirá al panteón más alto de los desastres cinematográficos de la historia. Por favor, quédate haciendo música Glenn.

Puntuación: No calenté el aceite para freír las alcapurrias.

Review: Richard Jewell

Richard Jewell (Paul Walter Hauser) es un hombre torpe que sueña con convertirse en un agente de la ley. Tristemente no le va bien con las oportunidades de empleo, ya que recientemente es despedido de un trabajo de seguridad del campus en una universidad local en Atlanta. Tomando una posición de monitoreo simple en el Centennial Park durante la celebración de los Juegos Olímpicos de Verano del 1996, Richard trata de mostrar su competencia con los oficiales de policía, y recibe una prueba cuando descubre una mochila que contiene una bomba cerca de una torre de control de sonido. Cuando el dispositivo explota, Richard es inicialmente elogiado por su valentía, pero el FBI, incluido el agente Dan Bennet (Ian Gómez) y el agente Tom Shaw (Jon Hamm), pronto lo identifican como el principal sospechoso. Al Kathy Scruggs (Olivia Wilde), una reportera de Atlanta, deleitarse con la presión de arrestar a Richard, el simple hombre recurre al abogado Watson Bryant (Sam Rockwell) para obtener asistencia legal, sin saber qué está sucediendo exactamente en su vida. Mientras tanto, el F.B.I. trabaja fuertemente para encontrar algo que ayude a condenar a Richard, posiblemente enviándolo a la silla eléctrica, pero el héroe de seguridad queda aturdido por toda la sitiación, tratando de consolar a su madre, Bobi (Kathy Bates), a medida que la opinión pública y la cobertura de los medios se vuelve violenta.

Es mejor estar loco que equivocado. Esa es la mentalidad que Richard Jewell lleva a su carrera policial. Es un fanático por seguir las reglas por el libro, desde su tiempo en Piedmont College como seguridad del campus hasta su trabajo de seguridad trabajando en los Juegos Olímpicos de 1996 en Atlanta. Su atención al compromiso y los detalles lo hacen notar una mochila sospechosa en el Centennial Park durante un concierto, siendo revelado que es una bomba. Si bien la bomba aún detona, el gran desastre que podría haber causado no ocurre debido a los esfuerzos de Jewell. Los medios televisivos lo aclaman como un héroe. Tres días después, los mismos medios afirman que él plantó la bomba y alertó a las autoridades para cumplir con su necesidad de reconocimiento, ya que Richard nunca se convirtió en oficial de policía. Personas como la reportera Kathy Scruggs y el agente del FBI Tom Shaw le han puesto vigilancia las 24 horas del día, los 7 días de la semana, no solo a él, sino también a su madre, Bobi. Ante una fuerte investigación, Jewell recurre a un abogado y amigo de su pasado, Watson Bryant, para limpiar su nombre.

Examinar a personas (tanto reales como imaginarias) arrastradas por los medios y la opinión pública ha sido durante mucho tiempo un tema de las películas dirigidas por Clint Eastwood que continúa una vez más con Richard Jewell. Entonces, Clint es consistente, y todas esas películas como Sully (2016), Mystic River (2003), True Crime (1999) y Changeling (2008) son, como mínimo, respetables. Richard Jewell, no sin opciones extrañas, continúa su producción de calidad en ese rincón de su filmografía. Aunque aquí, Eastwood no tiene su mejor comienzo. Los primeros 20 minutos están diseñados para arrojar luz sobre la personalidad y específicamente lo que haría que Jewell fuera explotable por los medios, que incluye desde su físico corpulento y bigote tonto hasta su intelecto mental percibido como un imbécil y su situación de vida. Este comienzo es la parte de la película que se siente torpe, filmada como si el propio Eastwood no estuviera seguro de si quiere que la audiencia se ría de su personaje principal o no.

Esto, junto con las tomas extrañas de la multitud olímpica volviéndose loca por la Macarena, es difícil saber a qué se dirige Richard Jewell. Líneas de diálogo como "Saca el plomo de tus pantalones!" y "Tienes miedo de perderte el concierto?" mientras Jewell se lanza a toda velocidad para alejar a las personas a una distancia segura, se sienten extrañamente fuera de lugar. Se sabe que Eastwood prefiere hacer una sola toma, y ​​a veces funciona. Otras veces, es justo preguntarse si más brotes de paciencia podrían contribuir a una característica que tenga más matices y alma. Esa neblina se levanta de Richard Jewell una vez que el infame momento ocurre. Encaja todo en su lugar, y es aquí donde Eastwood y la película encuentran un tono más estable, transformándose en un drama bastante atractivo que, como es de esperarse, tiene paralelos con el mundo de hoy, un mundo que no tiene problemas con historias sin fundamento, independientemente de las afiliaciones políticas.

A través de imágenes reales combinadas con efectos voyeurísticos prácticos, Eastwood emite un ambiente como si estuviéramos viendo este escenario en vivo, solo que ahora podemos echar un vistazo a la vida del enemigo público # 1. Sin embargo, todavía existe la creencia de que hay más sobre la mesa sin examinar. El escritor Billy Ray usa el artículo de Vanity Fair, American Nightmare: The Ballad Of Richard Jewell, para darle vida a esta historia y poder a sus personajes. Pero Richard Jewell, a diferencia de... por decir Captain Phillips (2013), es extremadamente dependiente de su talento principal para llevar la producción y, de alguna manera, mantenerla a flote. Entra Paul Walter Hauser, quien tuvo actuaciones entretenidas en I, Tonya (2017) y BlacKkKlansman (2018) de manera cómica. Como Jewell, interpreta el papel increíblemente en capas, mostrando la mezcla de ingenuidad y conocimiento envuelto en un paquete físico único. Sus escenas con Sam Rockwell sirven como la historia de la transformación, ya que el personaje de Rockwell estimula a Jewell a crecer y ver cómo son realmente las cosas.

Tengo que decir que ha pasado demasiado tiempo desde que Kathy Bates ha sido tan genial y sorprendente actuando. Su interpretación aquí como el recipiente emocional de su hijo es simplemente espectacular. Lamentablemente, Jon Hamm y Olivia Wilde sufren al tener roles poco elaborados, ya sea por un caso de poca escritura o de sobreescritura. Es súper impresionante que Clint Eastwood aún se destaque como director en una edad en la que muchas personas ya se han retirado al pasar mucho tiempo trabajando constantemente, y que su enfoque profesional casi siempre asegura que sus películas se mantengan con un alto calibre constantemente. La película es muy buena, pero con un guión más estricto y una claridad sobre el tipo de película que estaba tratando de contar, habrían hecho que Richard Jewell fuera más evocadora.

En general, el hecho de que esto se base en una historia real la hace aún más emocionalmente impactante. La vida de un hombre y un héroe es destrozada por los medios de comunicación sin otra razón aparente que tratar de atribuir un crimen atroz a la persona más conveniente. Parece ser la historia de nuestro tiempo. Todas las actuaciones en esta película le hicieron a la gente de la vida real, en la que esto se basó, justicia. No es frecuente que se tenga tres actuaciones destacadas en una película, pero Paul Walter Hauser, Kathy Bates y Sam Rockwell merecen un reconocimiento por el gran trabajo que hicieron aquí. Esta es una historia que contiene un mensaje fuerte para estos tiempos, y Clint Eastwood lo retrata de una manera que seguramente se quedará con ustedes durante mucho tiempo. Al final, Richard Jewell es una gran historia sobre uno de los más grandes héroes estadounidenses que probablemente no recibió suficientes elogios por el trabajo que hizo. La historia misma y Paul Walter Hauser fueron suficiente para que realmente disfrutara esto. Desafortunadamente hubieron algunos defectos con la historia y con algunos de los personajes. Esta es una película que sin duda muestra que no importa cuán amable y genuino seas, siempre tendrás a alguien tratando de derribarte. Altamente recomendada.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Troop Zero

Christmas Flint (McKenna Grace) es una niña de nueve años que vive en Wiggly, Georgia en 1977, y sueña con las estrellas, obsesionándose con los misterios del espacio mientras llora la pérdida de su madre. Su padre, Ramsey (Jim Gaffigan), es un abogado local y solucionador de problemas, y su asistente administrativa es la señorita Rayleen (Viola Davis), una mujer que simplemente vigila a la niña. Cuando llega la noticia de que a las ganadoras del Jamboree Birdie Scouts se les permitirá grabar su voz para el disco de oro de la sonda espacial Voyager 2, Christmas convierte en su objetivo entrar en la competencia. El único problema es que ella no es una Birdie Scout, pero pronto construye su propia Tropa Cero con la ayuda de niñas marginadas locales como ella, incluido su mejor amigo gay Joseph (Charlie Shotwell), la religiosa Anne-Claire (Bella Higginbotham) y las problemáticas Hell-No (Milan Ray) y Smash (Johanna Colon). Al necesitar una líder, Christmas recurre a Rayleen, quien no está interesada en la responsabilidad pero acepta el desafío, encargada de llevar a las niñas al espíritu de las exploradoras y calificar para el Jamboree, enfrentando la intimidación de la directora escolar Massey (Allison Janney), también madre rival de una tropa de Birdies y directora de la organización local.

Realmente no sabía que esperar de esta peculiar historia de perdedoras de Troop Zero, pero esto no era. Tal vez me impresionó, como probablemente muchos, la presencia de Viola Davis y Allison Janney en el elenco, junto con la reciente compra de la película por parte de Amazon. Aquí hay todo tipo de créditos de actuación que sugiere algo más que una película más sobre niñas inadaptadas, pero eso es prácticamente todo lo que esta película tiene en cuanto a originalidad. Troop Zero es una película para simplemente sentirse bien. No tiene un significado profundo, pero terminarán con una sonrisa en su rostro. El soundrack fue una ventaja inesperada (como fanático de David Bowie, sentí que le hizo justicia) y la trama fue creativa, aunque un poco realista. Sí, el disco de oro sí existió, pero la idea de una competencia de tropas de niñas exploradoras para participar parece algo demasiado pequeño para un evento tan grande. Sin embargo, se las arregla para hacer que uno vea el mundo a través de los ojos de una niña, y esto se siente más como una pieza de carácter que una película basada en la realidad.

Aunque no es una película terrible, Troop Zero rara vez parece tratar con personas reales, en su lugar parece tratar con personajes de caricaturas de dibujos animados. La ironía es McKenna Grace como la protagonista, Christmas Flint, que se declara amar a los extraterrestres con los que está obsesionada. Ambientada en la ciudad de Wimbly, Georgia, en el sur de Georgia, en 1977, la película se centra en Christmas, quien recientemente perdió a su madre y ahora pasa sus días soñando con el espacio exterior mientras su abogado perdedor de padre lucha por mantenerla fuera de problemas. Cuando un representante de la NASA le ofrece a la tropa de exploradoras Birdie de la ciudad la oportunidad de ser incluidas en una grabación que se enviará al espacio, Christmas reúne a un escuadrón de niñas extrañas para derrotar a la tropa dirigida por la malvada directora Massey. El grupo de Christmas incluye a su mejor amigo gay y amante de Aretha Franklin, Joseph, la excesivamente religiosa y anémica Anne-Claire, y las problemáticas y peleadoras Hell-No y Smash.

Viola Davis como Rayleen, la asistente cínica del papá de Christmas, agrega algo de peso y equilibrio a todo esto. No tiene ningún interés en pasar tiempo con un grupo de niñas, pero no le importaría desquitarse con su vieja rival, la directora Massey. La película se balancea de manera desigual entre las desventuras de Christmas al ganar insignias de mérito para las Birdies y los problemas de la vida real que enfrentan las personas de los pueblos pobres. Un momento muy gracioso es cuando Anne-Claire vomita mientras intenta vender galletas, y luego hay un momento serio en el cual Rayleen lamenta todos sus problemas legales, sus problemas de relaciones y la dirección de su vida. Al mismo tiempo, también estamos destinados a sentir el dolor de Christmas, reconociendo que su necesidad de enviar un mensaje al espacio exterior es más que una fascinación tonta.

En el departamento de actuación, Viola Davis y McKenna Grace tienen más que su parte de escenas conmovedoras mientras Christmas mira a la reacia Rayleen como una figura materna sustituta. Allison Janney recrea un papel bastante similar a su actuación en Drop Dead Gorgeous (1999), mientras que Jim Gaffigan muestra una sensibilidad inesperada que vale la pena ver al final, después de un gran número musical parecido al de Revenge Of The Nerds (1984). Ahora... el problema principal aquí es lo exagerados y cliché que eran cada uno de los miembros de la tropa. En su mayor parte, la película se siente realista, pero la tropa de inadaptados logra sacar a uno de toda la ilusión. Otro problema era la cantidad de cabos sueltos. Al tratar de darle a cada personaje un motivo, recibimos fragmentos de historia de fondo que nunca se abordan nuevamente, y casi todos los personajes no cambian en absoluto a lo largo de la película.

En general, la película transmite mensajes fantásticos que realmente deberían resonar en la mayoría de los niños hoy en día, que muestran cómo las palabras pueden doler, cómo lidiar con la pérdida, los niños abusadores y la derrota, así como también muestran que está bien ser diferente. Nadie ha marcado la diferencia al ser como todos los demás, verdad? Desafortunadamente, esta película estafa un poco a Little Miss Sunshine (2006) de muchas maneras. Comenzando con la niña que quiere ser genial de alguna manera, pero la gente la juzga porque es demasiado rara o fea. Toda la estructura de la película también está fuertemente inspirada en Little Miss Sunshine y el final es básicamente el mismo, aunque todavía tiene su propia magia. La comedia es divertida, con algunos chistes que deberían hacer reír a los niños, pero nada exagerado. Al final, Troop Zero no es en absoluto una película perfecta, pero la energía y la emoción, junto con el escenario de 1977 en Georgia, los pondrán de buen humor. Es una pequeña película familiar divertida que tiene excelentes actrices, buenos protagonistas y transmite mensajes muy importantes para los niños hoy en día sobre cómo deben comportarse con los demás e incluso consigo mismos. Lamentablemente, está tan fuertemente inspirada en otras películas que a veces carece de un sentido de originalidad, aunque nunca pierde su encanto.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 17 De Marzo Del 2020

Jumanji: The Next Level (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Richard Jewell

Black Christmas

Review: The Perfection

Charlotte Willmore (Allison Williams) fue una vez una niña prodigio del cello que vivía en la prestigiosa escuela Bachoff para músicos, trabajando en estrecha colaboración con su maestro, Anton (Steven Weber). Sin embargo, cuando su madre se enfermó, Charlotte tuvo que abandonar la escuela cuando era una joven adolescente, y pasó la siguiente década cuidando a su madre. Después de la muerte de su madre, Charlotte es libre de reclamar su vida perdida, yendo de Minnesota a Shanghai para reunirse con Anton y conocer a Lizzie Wells (Logan Browning), la actual estrella del mundo orquestal, cautivando al público con su manera de tocar el cello. Al principio nerviosa por volver a esta parte de su pasado, Charlotte se entera de lo mucho que significaba para una Lizzie un poco más joven, con la pareja teniendo una química inmediata. Después de una noche de bebida y sexo, Lizzie y Charlotte deciden pasar un tiempo en China, abordando un autobús y viajando a la mitad de la nada, vagamente conscientes de una poderosa epidemia de gripe que se está desarrollando rápidamente en la parte sur de el país.

Eres bueno haciendo algo? Quiero decir, puedes practicar un deporte realmente bien? Pintar un cuadro? Escribir una historia? Que ha sido lo que te impulsa desde que tienes memoria? Ahí es donde nos dejamos caer al comienzo de la espeluznante y retorcida pesadilla del escritor/director Richard Shepard con esta película llamada The Perfection, donde nada está fuera de los límites e impactante es su paso desde la primera escena, cada vez más a medida que avanza. Este es un viaje extraño, pero se gana su final? Charlotte Willmore fue una de las cellistas más talentosas del mundo y alumna estrella de la codiciada Academia de Música Bachoff. Luego, a los catorce años, su madre se enfermó y tuvo que irse para estar con ella, justo cuando Lizzie Wells, de nueve años, comienza su entrenamiento. Años más tarde, una vez que la madre de Charlotte fallece, es invitada a regresar a la academia como jueza en un evento en Shanghai, conociendo a Lizzie nuevamente y encontrando en ella una atracción casi salvaje. Las dos comienzan una aventura sexual y un viaje a través de China donde las cosas inicialmente son, bueno, perfectas.  Luego, en un autobús, todo va horriblemente mal. O... es real todo? Y qué tan bien podemos confiar en lo que vemos?

Estoy a punto de caminar ligeramente sobre un campo minado, ya que incluso el más mínimo detalle más allá de lo que ya he mencionado es dar rienda suelta a una gran cantidad de información que arruinará fácilmente gran parte de la violación mental que es The Perfection. Claro, ya hemos recorrido este camino antes de alguna manera, la necesidad obsesiva y compulsiva del éxito en las artes es el tema favorito en este tipo de películas. Piensen en Whiplash (2014) o en Black Swan (2010) como ejemplos. Sin embargo, The Perfection todavía se las arregla para forjar su propia historia, jugando más como un misterio que como un ejercicio de locura, aunque la locura reina claramente. En la parte superior de la cadena alimenticia está Anton, el jefe del conservatorio de música que descubrió a ambas chicas y tiene poder sobre sus destinos, por supuesto es un monstruo disfrazado por el actor Steven Weber ya que se envuelve en escalofriantes niveles y de manera espeluznante. Más aún, Allison Williams y Logan Browning dan un par de actuaciones inspiradas que son la definición misma de compromiso. Si bien la película en sí podría tener sus fallas, ninguna de ellas se refleja en el elenco.

Por lo tanto, estamos destinados a cuestionar todo mientras la historia reparte una escena críptica tras otra, aumentando la violencia y la perturbación al estómago a alturas espectaculares. Sí, algo de esto es transparente, las imágenes en sí debilitan parte del impacto, y se envuelve en un momento final que no tiene por completo el efecto que se espera, por preocupante que sea. Aún así, los temas profundamente preocupantes (y sinceramente un poco difíciles de ver) presentados aquí y la forma en que se presentan hacen de la película un título polémico, tal vez a propósito. El director Richard Shepard encuentra varios momentos clave gracias a un estilo visual inteligente y una atención a los detalles, no obstante, muchas de las primeras imágenes no son lo que parecen cuando se revela la verdad, dejando un abismo entre las expectativas y la realidad. La película comienza como una obsesión sobre el logro de la perfección mientras cambia para mostrar spoilers de eventos pasados. Eso no es del todo malo, pero la hace diferente de lo que parecía al principio.

En general, el escritor/director Richard Shepard se deleita absolutamente con las repentinas sacudidas en la trama de un lado a otro con las revelaciones cada vez más exageradas que se convierten en un crescendo sangriento que probablemente no resistirá ningún escrutinio. Pero el viaje para llegar allí (que se presenta en dos puntos separados, para agregar mayor claridad a los eventos) es toda la diversión de la película. Al final, The Perfection es una experiencia retorcida que no siempre tiene sentido, pero nunca es aburrida. Con algunas secuencias genuinamente efectivas, una terrible experiencia en un autobús que es un punto culminante y importante, y algunas actuaciones agradablemente elevadas ayudan a tejer todo el plan general. Y aunque no todo convence, y algo de eso podría estar demasiado lejos para algunos espectadores, se podría decir que la película nunca juega con seguridad. Si la película no está a la altura de su título, al menos se divierte intentándolo.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: 6 Underground

One (Ryan Reynolds) es un multimillonario tecnológico que se cansó de los males del mundo. Se retiró fingiendo su propia muerte para formar un equipo de personas capacitadas dispuestas a hacer lo que sea para participar en un grupo vigilante de "fantasmas" que atacan a los villanos intocables de nuestro tiempo. Junto a Two (Mélanie Laurent), Three (Manuel García-Rulfo), Four (Ben Hardy), Five (Adria Arjona) y Six (Corey Hawkins), One pone su mirada en Rovach (Lior Raz), el dictador de Turgistán, quien recientemente atacó a su propia gente con armas químicas, planeando demostraciones aún más grandiosas de poder contra los pobres e indefensos mientras se deleita con lujos. Capturando a Murat (Payman Maadi), el pacífico hermano de Rovach, el equipo se propone organizar un golpe de estado en Turgistán, viajando por todo el mundo mientras interrumpen los planes de Rovach para adquirir un arsenal de gas Sarin, con la esperanza de sacarlo del poder durante una celebración nacional del Día de los Muertos.

Lo que me gusta y admiro de Michael Bay es que no le importa lo que la gente piense. Y aparentemente, tampoco lo hace Netflix, quien le dio al hombre $150 millones para crear su película original más cara (Bright tenía el título con $90 millones). Esa película es 6 Underground. Protagonizada por Ryan Reynolds como básicamente él mismo, es demasiado larga, frecuentemente incomprensible, ridículamente autocomplaciente, y deja sin control todos los peores impulsos de Michael Bay. Si no eres fanático de Bayhem, odiarás esta película tal vez más de lo que has odiado sus titulos anteriores. La buena noticia es que a 6 Underground no le importa si la odias. La mala noticia es que tampoco le importa si te gusta.

Esta película trata de ser una película de Michael Bay y a la vez una de Ryan Reynolds como una declaración, haciendo un gran esfuerzo para ser la versión más exagerada de ambas cosas que una mente sensata podría conjurar. Y los bolsillos sin fondo de Netflix y la determinada indiferencia hacia el control de calidad lo han hecho así. Después de los primeros 15 minutos, todos los cuales están dedicados a una persecución prolongada que es esencialmente todo en el microcosmos, sabrán definitivamente dónde se encuentran con 6 Underground, y las siguientes dos horas tampoco cambiarán su manera de pensar.

Todavía no sé de qué se trataba realmente. Debido al guión, todos hablan casi por completo en bromas sarcásticas, solo ocasionalmente se detienen para algún tipo de agenda ética a través de voiceovers e intercambios de diálogo que solo se sienten sinceros cuando en realidad son tontos. De vez en cuando, la maquinaria narrativa se detiene por completo para que Bay pueda sacar a las mujeres sexys en lencería para escenas de bajo perfil. Los Bay-ismos aquí, completamente libres de las limitaciones tradicionales de los estudios, son absolutamente insustanciales pero también admirablemente descarados, lo que plantea un desafío a los detractores de Bay para que nieguen su condición de autor, que por supuesto aquí lo está más que nunca.

De todos modos, lo esencial es que Ryan Reynolds interpreta a One, un magnate multimillonario huérfano sin nombre que reúne a su propio escuadrón de vigilantes para liberar a los países del Medio Oriente de hombres malvados. Durante un tiempo, 6 Underground finge que examinará a cada miembro del equipo individualmente y luego decide que explotará las cosas, que lo hace con entusiasmo y frecuencia, lo que lleva a lo que sin lugar a dudas es una de las mejores y más espectaculares piezas de acción tanto en Netflix como en la filmografía ya incendiaria de Michael Bay, ambos un gran logro. Lo negativo de Bay al caracterizar a este equipo, y lo negativo de One es permitir que se unan en un nivel personal, ya que casi hace que se convierta en una broma de la franquicia de Fast And The Furious, siendo el punto clave que hace de esta película, en lugar de pertenecer a todos los personajes, le pertenezca a Bay por completo.

Por un lado, Michael Bay no debería tener tanta libertad, es un cineasta demasiado indulgente, y cuando la correa es demasiado larga, o, en este caso, se dejó en las oficinas de Netflix, sus tendencias son libres de correr con disturbios y ahogar cualquier historia que se desarrolla en los momentos de calma con explosiones. Pero, por otro lado, siempre es agradable ver a alguien, sí, incluso a Michael Bay, recibir una cantidad de dinero deslumbrante para hacer exactamente el tipo de película que quieren hacer, sin ninguna restricción. 6 Underground es, en ese sentido, una victoria para el arte y el artista, y una extravagancia completamente loca por derecho propio, incluso si no es una gran película.

En general, esta es la típica película de Michael Bay, es todo estilo sobre sustancia. Con toneladas de explosiones, escenas entrecortadas, clichés y un villano a nivel de comic, la historia está plagada de agujeros en la trama. Pero no conocemos a Bay por sus grandes tramas, no, vamos directo a la acción. Y la acción está ahí para compensar todos los defectos. Dejando a un lado los problemas de continuidad, la película no es buena pero tampoco es mala. Las actuaciones son algo pasables, con Ryan Reynolds y Mélanie Laurent como los que realmente brillan. Tiene algunas cualidades redentoras y tiene algunas escenas de acción entretenidas, pero los personajes no están desarrollados adecuadamente, y la naturaleza incoherente de la película hace que a veces sea difícil de seguir. Al final, 6 Underground es Bad Boys mezclado con The Expendables con un toque de Mission Impossible y un poco de comedia de Deadpool. Para una película de 2 horas y 8 minutos no hay mucho que decir. Todo es persecuciones de autos, explosiones y tiroteos. Técnicamente está bien hecha, pero demasiada acción y poca narración hacen que esto sea decepcionante.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 10 De Marzo Del 2020

Bombshell

Uncut Gems

Spies In Disguise (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Charlie's Angels

The Witch: Subversion

Luz

Review: Onward

La tierra de New Mushroomton una vez estuvo viva con magia, pero la conveniencia ha eliminado gradualmente la necesidad de maravillarse. Ian (voz de Tom Holland) es un elfo dolorosamente tímido que le da la bienvenida a su cumpleaños número 16 con su madre, Laurel (voz de Julia Louis-Dreyfus) y su hermano mayor, Barley (voz de Chris Pratt), que espera darle una celebración adecuada. Los hermanos perdieron a su padre, Wilden, hace mucho tiempo, pero Laurel tiene un regalo especial para el dúo, revelando un bastón mágico que su difunto esposo preparó para sus hijos. El bastón tiene una gema Fénix adjunta, con instrucciones para usar un hechizo que le permite a Wilden volver a la vida por un solo día. Desafortunadamente, Ian, el inclinado a la magia, no tiene mucha práctica con el poder y solo es capaz de conjurar la mitad inferior del cuerpo de Wilden. Enfrentados a un día para hacer las cosas bien, Ian y Barley emprenden una "búsqueda" para navegar por el mundo de fantasía y encontrar una nueva gema, enfrentando todo tipo de amenazas en su misión de reconectarse con su padre.

Pixar, para mí, ha sido el estándar de oro para películas animadas desde Toy Story 2 (1999). Casi todas sus películas alcanzan el equilibrio perfecto de una hermosa animación, una sensación de diversión general y la nota justa de profundidad emocional que resuena y luego une todo. La serie de Toy Story, Up (2009), Inside Out (2015), Wall-E (2008), The Incredibles (2004) y Monsters Inc. (2001) siguen siendo el nivel máximo de los clásicos de Pixar. Onward tiene la mayoría de las cosas de todos esos clásicos, es ciertamente mejor que la serie de Cars o Brave (2012), pero pertenece en el estante con esas películas de nivel superior que no alcanza su completo potencial.

Onward se basa, bueno, en un mundo mágico donde los ciudadanos solían tener poderes sobrenaturales y un gran mago estaba en cada esquina (bueno, tal vez no). Dos hermanos adolescentes, Ian y Barley Lightfoot, reciben un bastón de mago, que fue un regalo acordado previamente por su padre que murió antes de que Ian naciera y Barley era demasiado joven para recordarlo. De hecho, Barley solo tiene tres buenos recuerdos de su papá. El bastón viene con un hechizo que devolverá a la vida al patriarca de la familia por solo un día para que sus hijos puedan conocerlo. Por supuesto, cuando utilizan el hechizo, algo sale mal y terminan solo con la mitad inferior de su padre. Luego deben hacer una "búsqueda" para completar el hechizo para ver a su padre antes de que se acabe el tiempo.

La película está escrita y dirigida por Dan Scanlon, cuyo crédito anterior incluye la injustamente criticada Monsters University (2013). Esta nueva película fue inspirada por su propia familia, ya que su padre falleció antes de que él naciera. No hay un video de su papá, solo un audio de él simplemente diciendo "Hola" y "Adiós". La inspiración para esto es desgarradora, para empezar, y lleva un tiempo alcanzar el ritmo de otras configuraciones convencionales de Pixar y personajes comunes si eres fanático del estudio. Cuando los hermanos salen en su "búsqueda" conocen a una pandilla de motociclistas duendes feministas, es ahí cuando la historia avanza hacia adelante y comienza a tomar forma.

El elenco de voces es siempre un punto culminante de muchas películas de Pixar. Chris Pratt y Tom Holland tienen una gran química como Barley y Ian. Julia Louise-Dreyfuss fue una elección correcta para interpretar a su madre, Laurel. También me gustó el casting del actor de comedia Mel Rodríguez como el agente de policía Colt Bronco. Por supuesto, ninguna película de Pixar está completa sin nuestro actor de estudio favorito, John Ratzenberger, quien interpreta al trabajador de construcción Fenwick. Ahora... para mí, Onward no tiene la misma seriedad que otras películas de Pixar. La gran razón es la forma en que crea escenas o hace homenajes a películas como Indiana Jones o series animadas de TV como Los Pitufos (en una escena cuando entran en una cueva, juro que hay un petroglifo gigante de Papá Pitufo) tan seguido que me pregunté si esto fue un homenaje a la infancia de Scanlon con su hermano.

Están ahí, y son muy obvios para cualquiera que sea un aficionado casual del cine. Con esa falta de originalidad, limita la película a su verdadera grandeza. Sin embargo, la película de Scanlon puede estar a la altura de los esfuerzos más famosos de la filmografía de Pixar, pero también podría ser un clásico con el tiempo. Eso sí, tienen que admirar su guión ligeramente divertido, ya que está lejos de ser evidente de muchas otras películas animadas. Eventualmente uno se termina sintiendo más involucrado en la aventura de los dos personajes principales mientras hablan más y más sobre lo que significaría volver a ver a su padre, y cuán desgarrador es cuando ese vacío emocional permanece vacío. Además, la animación puede no presentar secuencias tan asombrosas o espectaculares como en Coco (2017), Zootopia (2016) o incluso la reciente Frozen 2 (2019), pero lo que le falta en ese departamento ciertamente lo compensa en sentimiento y humor.

En general, esto es esencialmente una película de viaje/persecución de unos hermanos extraños. La fortaleza de Onward radica en cómo se desarrolla la relación central entre el hermano mayor, audaz, rockero y RPG obsesionado Barley y el más joven, introvertido y inteligente Ian. Tiene algunas líneas graciosas, visuales increíbles y tramas bastante divertidas con personajes tan memorables como en cualquiera de los grandes éxitos de Pixar. Tengo que admitir que los últimos diez minutos de la película me hicieron llorar, aunque eso puede tener más que ver con mi historia familiar que con cualquier otra cosa. Al final, Onward es una aventura animada dulcemente divertida y fascinante. Y aunque no está tan pulida como otras ofertas recientes de Pixar, la película ayuda a mantener las cosas optimistas e interesantes a la vez que captura temas entrañables de padres e hijos, el arrepentimiento, y segundas oportunidades que son universales para todo el mundo.

Puntuación: 4 alcapurrias.

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