Estrenos En Blu-ray Para El Martes 28 De Abril Del 2020

Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Target y la Limited Edition Gift Set exclusiva de Best Buy)

The Rhythm Section

Review: Spenser Confidential

Después de cumplir cinco años de prisión por golpear al Capitán Boylan (Michael Gaston), el oficial de policía Spenser (Mark Wahlberg) ha vuelto a la libertad, con planes de mudarse de Boston a Arizona, soñando con una vida simple como camionero. Al reunirse con Henry (Alan Arkin), Spenser intenta acostumbrarse a su nuevo mundo, ayudando a su amigo y propietario de un gimnasio a entrenar a Hawk (Winston Duke), un aspirante a luchador de MMA que vive con ellos. Cuando Boylan es asesinado, junto con un policía aparentemente decente, la curiosidad de Spenser se activa, oliendo algo podrido en la escena del crimen, con pistas que apuntan a una conspiración de policías que tienen algún tipo de acuerdo importante con el bajo mundo. Trabajando en equipo con Hawk, Spenser intenta atrapar varias pistas que involucran a sus antiguos compañeros, pero el mundo real también exige su atención, ya que la libertad condicional trata de asegurarse de que Spenser tenga un futuro, y evita activamente enfurecer a Cissy (Iliza Shlesinger), la mujer que dejó atrás.

Spenser Confidential se basa en la novela Wonderland de Ace Atkins con personajes creados por Robert B. Parker. Robert Urich interpretó a Spenser en la popular serie de televisión Spenser For Hire en los años 80, seguida por el fracasado spin-off de 1989, A Man Called Hawk, interpretada por Avery Brooks. La película cuenta la historia del ex policía Spenser, un policía que es el epítome del código moral hasta que termina tras las rejas por agredir a su Capitán. Después de cumplir su tiempo en carcel, Spenser decide abandonar su ciudad natal de Boston para hacer un nuevo comienzo en Arizona. Con un sinfín de posibilidades de una vida reformada en el horizonte, Spenser está a un paso de una vida libre de caos hasta que surjen problemas. Con solo su anciano mentor, un compañero de cuarto amante del zen y la voluntad de corregir sus errores, Spenser hace su deber de descubrir la verdad detrás de un asesinato que la policía está dispuesta a cerrar el caso.

Empecé a ver Spenser Confidential, inicialmente con pocas expectativas, ya que el trailer prometía una "película de amigos ex policías" con una fórmula con la que muchos ya están demasiado familiarizados. Spenser es el paradigma de un típico bostoniano, es rudo, listo y lleno de estereotipos, un hombre que sabe lo que quiere y no tiene miedo de tomarlo. El compañero de cuarto de Spenser, Hawk, es pacífico, bueno con los animales, solo come alimentos orgánicos, y es un personaje reservado, todo lo contrario de Spenser. Ahora, dónde hemos visto esta combinación antes? En cualquier otra película de amigos policías que viene con la misma promesa de personalidades enfrentadas, malentendidos cómicos y amistades inesperadas. Esto puede significar que Spenser Confidential carece de originalidad, pero eso no equivale a una película que no se puede disfrutar.

La película personalmente me mantuvo atrapado, aunque es seguro decir que no es tan atractiva como una película de resolver un misterio o de un policía que busca venganza. Dicho esto, su narración es provocativa, fascinante y convincente, seguro que era predecible y, a menudo, cliché, pero en el fondo fue una alegría verla. Después de leer muchas críticas negativas, debo decir que, aunque no es una obra maestra de la cinematografía, Spenser Confidential tiene un gran valor de entretenimiento. Los personajes principales son muy agradables, leales a sus obligaciones morales y tienen una noción clara de lo correcto y lo incorrecto. Spenser Confidential es una película para aquellos que desean ver una historia alegre de un hombre que no sabe cuándo tirar la toalla, y que no se rinde ante una enorme adversidad.

Mark Wahlberg interpreta a Spenser, y es comprensible que sea perfecto para el papel, ya que parece estar fuera de su propia personalidad cuando se trata de todo lo relacionado con Boston. Wahlberg no ofrece nada demasiado impresionante, solo trabaja para ser el buen tipo, aunque a veces salga como un sabelotodo. Winston Duke, por otro lado, interpreta a Hawk, el compañero de cuarto de "buenas vibras" de Spenser, más recientemente conocido por interpretar a M’Baku en Black Panther (2018) y Gabe en Us (2019). Duke está demostrando constantemente su capacidad de diversidad con cada papel que toma y esta película no demuestra ser diferente. Sus talentos están siempre presentes, ya que su personaje es tranquilo y sereno, lo que hace que su personaje sea muy admirable. Las sutilezas y convicciones de Duke son apreciables para el espectador casual, lo que demuestra que un actor no necesita ser ruidoso o sincero para ofrecer un personaje benévolo.

Wahlberg y Duke, proporcionan una gran cantidad de risas y momentos de malentendidos, aunque su química no siempre florece. La pareja parece estar en paz y sin lugar a dudas se admiran, pero el público puede sentirse insatisfecho con la falta de momentos personales. A menudo, las escenas de acción se desarrollan con los dos luchando contra diferentes personas o yendo en diferentes direcciones, con poca colaboración para demostrar visualmente su amistad. Dicho esto, Spenser y Hawk a menudo lo compensan verbalmente en presencia de la prepotente novia de Spenser y de su mentor crítico. Su novia Cissy, interpretada por Iliza Shlesinger, ofrece una opinión franca y a menudo sin restricciones que puede parecer grosera y obscena. El mentor de Spenser, Henry, interpretado por Alan Arkin, es refrescantemente honesto en un sentido diferente, ha sobrevivido los días de caos y no tiene tiempo para nada que pueda interrumpir su rutina diaria. Ambos trabajan para agregar un alivio cómico en momentos alejados de la acción.

En general, esto no va a ser un clásico, ni será un monumento en la historia del cine, pero cumple su propósito como una película entretenida. El guión, aunque no es único, aborda temas de corrupción policial, injusticia y abuso de poder. La historia es lo suficientemente apasionante como para mantener a uno en su asiento y ver cómo los villanos reciben su merecido. Al final, Spenser Confidential no es revolucionaria de ninguna manera, pero es una película de acción sólida que vale la pena verse, y hay un lugar en este mundo para películas que son simplemente un viaje divertido. Si les gusta el humor franco y la comedia física, entonces esto puede una opción. Tal vez si entran en esto con bajas expectativas como lo hice yo, al final, como yo, también se sorprenderán gratamente.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Lighthouse

Es la década de 1890, el trabajo es duro y el clima es húmedo y gris. Ephraim Winslow (Robert Pattinson) llega para trabajar como asistente en un faro, trabajando con el viejo y amargado marinero Thomas Wake (Willem Dafoe). Wake trata a Winslow sin piedad durante el día, pero por la noche, habla y trata de llenarlo con licor, para que se relaje. Al principio, Winslow no bebe, pero en poco tiempo comienza a hacerlo. Pronto, cosas extrañas comienzan a suceder en el faro. Winslow se cruza con una gaviota, a la cual mata, trayendo malos augurios como visiones de tentáculos retorcidos y una sirena en la playa. Al una tormenta aparentemente interminable azotar el faro, Winslow poco a poco comienza a enloquecer mientras se obsesiona con descubrir por qué Wake nunca lo deja entrar a la parte superior del faro.

Si hay algo que aprender tanto de la encantadora The Witch (2015) como de esta nueva película del director Robert Eggers, es que no parece importarle especialmente si entienden todo lo que dicen sus personajes. The Witch se estableció en New England en los 1600 y mantuvo fielmente el difícil dialecto y la dicción del período. The Lighthouse nos presenta a dos marineros a fines del siglo XIX con las jergas náuticas confusas de la época para que todo coincida. Definitivamente ha sido una elección audaz de parte del director ya que refleja su espíritu intrépido y que claramente quiere demostrar algo.

La belleza de esta nueva película de Eggers es cómo toma todo y lo lleva febrilmente a su sorprendente realización: pon a Willem Dafoe y Robert Pattinson en una isla juntos, cúbrelos con sucio, mugre y agua salada, hazlos que se vuelvan locos, ponlos en blanco y negro, y haz que Dafoe se tire muchos pedos. Es una premisa maravillosamente maníaca y una que está meticulosamente diseñada para enviar a uno por el agujero de la locura con los dos actores, cada uno de los cuales está extremadamente comprometido a dar un par de actuaciones desquiciadas. Es un placer observar cómo se desarrollan estos dos artistas y verlos cambiar en momentos de amistad genuina a estar al borde de matarse.

Siendo Dafoe y Pattinson los únicos dos actores en toda la película (literalmente), The Lighthouse captura la locura de sus personajes con detalles asombrosamente hermosos. La fotografía nítida en blanco y negro es asombrosa (me recordó a una película de fantasmas). Inteligentemente, te permite vivir en la isla con estos personajes durante un tiempo considerable antes de que las cosas se vuelvan totalmente locas, lo que hace que uno se pregunte... a qué se dedica exactamente esta película durante los primeros 45 minutos más o menos? Es un comienzo extremadamente lento, pero a mitad de camino la película cambia a medida que las tensiones aumentan con el movimiento de cada personaje y de los elementos naturales que enfrentan, ya que son más impredecibles que el anterior. La película golpea con tantas instancias de locura climática seguida que una pausa de regreso a la realidad nunca queda clara para uno como espectador, al igual que para los personajes, y no se sabe que es real y que no es.

El formato de la pantalla en 1.19: 1 también es notable, un método efectivo para atrapar visualmente al espectador en el espacio claustrofóbico con los personajes. También es de particular interés el diseño de sonido, específicamente el ruido de la sirena de niebla que se escucha en toda la película, y que podría ser difícil de soportar para muchas personas, junto con el constante graznido de gaviotas y tonos musicales misteriosos que impregnan gran parte de su tiempo de duración. Todos estos elementos combinados crean cierta sobrecarga sensorial y una sensación aterradora y real de manía psicótica que impregnan la percepción de la película misma. Cuando el personaje de Robert Pattinson comienza a sospechar que algo sobrenatural puede estar pasando, se dan pocas razones para no creer que sea así.

En general, algunos pueden encontrar esto como un simple ejercicio para crear una película de ilusión aterradora. Ese argumento es sólido y puede tener algo de verdad, pero no se puede evitar quedar hipnotizado por los placeres trastornados que se ven aquí. Es como una antigua leyenda popular urbana sobre dos hombres trabajando en un faro que se volvieron locos y que cobró vida con detalles vívidos, gloriosos y a veces gráficos. Cuando Willem Dafoe y Robert Pattinson se toman de las manos bailando alrededor de la cocina cantando canciones y bebiendo hasta morir, te das cuenta de que no te importa porque es todo parte de la locura. Al final, The Lighthouse, sin duda, es una película poco convencional y extraña, ya que le da al espectador nada más que dos hombres en un solo lugar. La actuación de Willem Dafoe es realmente uno los aspectos más fuertes de la película. Sus frases aterradoras, sus expresiones faciales, y el nivel de compromiso con su personaje son insuperables. Pero no se equivoquen, Robert Pattinson también hace un papel espectacular. Sin embargo, para mí, Dafoe es el que verdaderamente brilla aquí. Sin duda, es un trabajo único y una de las mejores películas de terror psicológico de los últimos tiempos. No diría que es una obra maestra debido a algunos problemas de ritmo y ciertos eventos que se sienten sin sentido y repetitivos, pero aún así vale la pena verla... si tienen paciencia.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Portrait Of A Lady On Fire

En 1760, Marianne (Noémie Merlant) viaja en un pequeño bote a una isla rocosa frente a las costas de Brittany, Francia. La Comtesse (Valeria Golino) le encargó pintar un retrato de su hija, Héloïse (Adèle Haenel), para enviarla al prometido de la joven en Milán. Habiendo abandonado recientemente el convento, Héloïse se opone a las nupcias. Aún lamentando la pérdida de su hermana, Héloïse reacia se niega a sentarse para cualquier retrato que promueva aún más la unión. Haciéndose pasar por una compañera contratada, para observar a Héloïse durante el día y pintarla secretamente por la noche, Marianne pronto se encuentra en conflicto con su arte. A medida que ambas se unen en caminatas y discursos intelectuales, se involucran en una relación emocional y amorosa, a pesar de saber que no hay un futuro para ellas.

En una década dominada por superhéroes y complicados universos, la simple historia de amor quedó en segundo plano. Las explosiones llenaron las pantallas grandes en todo el mundo, y aunque los efectos especiales continúan asombrando, la cinematografía tradicional se convierte en un arte olvidado. La película francesa Portrait Of A Lady On Fire tiene como objetivo complacer tanto a los ojos como al corazón, utilizando un hermoso telón de fondo y una premisa simple para hacer una historia de amor más que adecuada a fines del 1700. La escritora/directora Céline Sciamma crea un mundo que permite a uno conocer a estos personajes. La película comienza con Marianne contándole a sus estudiantes de arte sobre una pintura que hizo, que es el mismo título de esta película. Vamos atrás varios años, y nuestra artista se dirige a una isla remota para pintar un retrato de una joven para su matrimonio arreglado. El tema del proyecto de Marianne es Héloïse, que está muy en contra de esta propuesta organizada por su madre La Comtesse. La única regla que debe seguir Marianne es que nunca debe dejar que Héloïse sepa que está siendo pintada. Otros artistas han intentado pintarla pero no lograron capturar una imagen que La Comtesse encontraría adecuada. Después de días de dibujarla de memoria principalmente, las dos mujeres entablan una amistad que luego se convierte en un romance.

Noémie Merlant y Adèle Haenel ofrecen actuaciones muy personales, lo que hace que a sus personajes se les prohíba el amor y se disfrute aún más. Su relación se basa en una llena de confianza y especificidad, aunque debe terminar en la ruptura de dos corazones. Su instinto les dice que no estarán juntas, pero sus corazones no pueden resistirse, lo que lleva a un beso que significa que algo mágico está sucediendo. Mientras tanto, se siente que los personajes te están hablando directamente. Todo esto es gracias a la directora de fotografía Claire Mathon, quien no usa las clásicas tomas de conversación sobre el hombro, ni hay muchos momentos con varios personajes en pantalla. Incluso cuando las dos mujeres principales aparecen juntas, a menudo se bloquean entre sí, solo se hacen visibles cuando una se complementa con la otra, un símbolo de unión y una integridad cada vez mayor a medida que avanza la película.

Impresionante sería la única forma de describir el trabajo de cámara de Mathon a menos que quisieran usar la palabra hermosa junto con cada uno de sus sinónimos. La cinematografía de Mathon combinada con la dirección cuidadosa de Sciamma forman un retrato fascinante de una historia de amor lésbico, con actuaciones que elevan este hermoso retrato a una obra de arte con necesidad y significado. Juntos, el elenco y el equipo hacen una película que se extiende en su intimidad, manteniendo sus cartas cerca y sin revelar demasiado sobre las idiosincrasias de ninguno de los personajes. Al final de la película, se siente el peso del guión, la dirección y las actuaciones, que culminan en una historia que se queda en tu mente. Al igual que la relación que retrata, la película tarda en arrancar, inicialmente existiendo con precaución y una cantidad considerable de temor. Es sumamente lenta, pero en este caso es su punto más fuerte.

En general, incluso con todos estos aspectos complementarios, la película podría habernos dado mucho más, pero Céline Sciamma opta por un enfoque más empático y relatable. Ella le brinda al público honestidad, amor y una forma de dolor verdadero que a menudo se pasa por alto en el cine. Todos los involucrados en estas 2 horas, y aquellos consumidos por esta relación, experimentan una experiencia agridulce (más amarga que dulce). Marianne y Héloïse merecen esta película. Su realización y las actuaciones coinciden para crear esta pieza duradera, en lugar de solo un destello fugaz. Al final, Portrait Of A Lady On Fire es una película poderosa sobre mujeres (no solamente enamoradas), arte y hermandad, y es un excelente ejemplo de lo que debería ser el cine. No es una película para todo el mundo y claramente está pensada como una película de arte. En otras palabras, puede poner a prueba su paciencia ya que es una película muy tranquila que se mueve muy lenta y los personajes no se apresuran a decir cada palabra. A pesar de algunos problemas de ritmo aquí y allá, ofrece un espectáculo impresionante al ojo humano. Es magnífica de principio a fin, con cada cuadro cuidadosamente planeado como un dibujo. Los detalles, la historia, la cinematografía, los colores, la coreografía de las actrices y las actuaciones son increíbles.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 21 De Abril Del 2020

Ip Man 4: The Finale

Bad Boys For Life (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que trae un alternate slip cover y un poster)

The Turning

The Gentlemen

The Last Full Measure

Like A Boss

Review: Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge

Hanzo Hasashi (voz de Patrick Seitz) se ve obligado a presenciar el asesinato brutal de su esposa e hijo a manos de Sub-Zero (voz de Steve Blum) y el clan Lin Kuei antes de que el hechicero Quan Chi (voz de Darin De Paul) le ofrezca un trato tentador. Rebautizado Scorpion, se convierte en un ninja infernal con cara de calavera que solo quiere que la gente se acerque a él. Lo envían a la isla donde Shang Tsung (voz de Artt Butler) está organizando un torneo de artes marciales entre representantes del Earthrealm y Outworld, aunque naturalmente el torneo está manipulado a favor de los anfitriones para que puedan asegurar una décima victoria y tomar el control mundial. El Earthrealm está bien representado por el Dios del trueno Raiden (voz de Dave B. Mitchell), el noble guerrero Liu Kang (voz de Jordan Rodrigues), la arriesgada dama militar Sonya Blade (voz de Jennifer Carpenter), la estrella de cine Johnny Cage (voz de Joel McHale) y el militar Jax Briggs (voz de Ike Amadi). Juntos se enfrentan a los guerreros del Outworld Goro (voz de Kevin Michael Richardson), Kano (voz de Robin Atkin Downes), Baraka, Kitana (voz de Gray Griffin), Reptile y al astuto politiqueo de Quan Chi y Shang Tsung, que no mencionan sus propias rivalidades internas y la venganza titular de Scorpion, cuya lujuria personal por represalias amenaza con anular todo el torneo.

Las películas de live action de Mortal Kombat son tan legendarias que son reliquias asombrosas de una época pasada, y hay un argumento para que todas las adaptaciones de juego a película sean como ellas. Por desgracia, eso no es posible, por lo que tendremos que conformarnos con Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge, la primera aventura de Mortal Kombat que produce Warner Bros. Animation, y es una película que se toma a sí misma un poco más en serio que sus predecesores clásicos. No tiene nada de aburrido, incluso si intenta fusionar una historia de origen para un personaje favorito de los fanáticos con el clásico torneo de artes marciales entre Earthrealm y Outworld.

Las cosas comienzan de manera bastante prometedora con una apertura muy sangrienta, pero naturalmente, hay mucho con que lidiar en una película de 1 hora y 20 minutos. Más allá de la interminable seriedad inmortal de Scorpion, nunca se tiene una idea de lo que le costó su pérdida personal o lo que significa para él sacrificar más y más de su humanidad para llevar a cabo su venganza. Al otro lado de las cosas, la construcción de la trama se acelera a un ritmo muy rápido, con héroes y villanos por igual, y las relaciones entre algunos de los personajes, como el romance entre Sonya Blade y Johnny Cage, que son parte integral de la franquicia, se sienten notablemente ignorados.

Pero, una pregunta: A alguien le importa tanto? Si están aquí, probablemente es por algunas cosas muy específicas, todas las cuales Mortal Kombat Legends: Scorpion’s Revenge proporciona de manera confiable. Escenas de lucha increíblemente violentas? Si, tiene. Una gran cantidad de apariciones de personajes y otros homenajes a la historia y la mitología del juego para beneficio de los fanáticos? Si, tiene. Un sentido de humor irreverente? Si, tiene. Estas cosas son parte integral de la identidad de la franquicia y esta película no escatima en ellas, por lo que al menos encarna todo el espíritu de Mortal Kombat. Si estamos siendo francos, Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge es una gran película incluso para los estándares que establece. De todos modos es muy divertida, y es un vehículo de servicio para los fanáticos. Es energéticamente sangrienta y entretenida con suficiente acción para romper huesos y satisfacer al espectador casual. No es una victoria perfecta, pero aún así sigue siendo una victoria.

En general, quienes me conocen saben que no me gustan mucho las películas animadas. Además, los trailers no le hicieron mucha justicia a esta película. Con lo que parecía una animación no muy satisfactoria, una historia aparentemente aburrida y algunas apariciones de personajes, simplemente no tenía intención de verla. Pero siendo un fanático de Mortal Kombat de toda la vida, decidí verla y en los primeros 5 minutos me atrapo. La historia es una nueva versión del torneo original, la acción fue dirigida increíblemente bien, la violencia fue hermosa y los personajes tenían grandes personalidades. La única queja que tengo es la voz de Shang Tsung, pero con todo y eso fue muy divertida de ver. Al final, Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge es todo lo que se quiere de una película animada de Mortal Kombat. Tiene momentos de rudeza, escenas de pelea increíbles, mucha acción sangrienta, humor, y también tiene una de las mejores muertes sangrientas de Fatality que he visto y en realidad lo lograron muy bien. Para ser honesto... esta es una película animada increíble para ver. Espero que hagan más secuelas de esta película.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Swallow

Hunter (Haley Bennett) es una mujer casada con Richie (Austin Stowell), un hombre rico a quien sus padres, Katherine (Elizabeth Marvel) y Michael (David Rasche) le entregaron todo. Viviendo en una casa de lujo sin nada que hacer todo el día más que atender tareas de limpieza, Hunter tiene sus propios impulsos, lidiando con una enorme cantidad de dolor que mantiene enterrada en lo más profundo de su ser. Cuando queda embarazada, nuevos desafíos y responsabilidades llegan a reclamar su mente, inspirándola a buscar consuelo en otro lugar, recurriendo al consumo de artículos domésticos peligrosos, que le brindan cierto nivel de aventura y autolesiones. Tratando de mantener su adicción en secreto, Hunter pronto se expone y enfrenta a la ira de Richie, cuyo egoísmo es ilimitado, llegando a sus padres para ayudar a controlar a su cónyuge. Y luego está Luay (Laith Nakil), un refugiado de guerra que es contratado para monitorear cada movimiento de Hunter, y que pronto llega a comprender sus problemas mientras observa su colapso mental y emocional.

"Todos los días, intenta hacer algo inesperado. Esfuérzate por probar cosas nuevas". Es un pasaje que Hunter lee de un libro. Su vida actual, por su propia admisión, va muy bien. Está casada con el amor de su vida, Richie, quien acaba de ser nombrado para un puesto lucrativo muy importante en la compañía fundada por su padre, Michael. Viven en una casa maravillosamente lujosa y ella espera un bebé. Todo esto está muy lejos de su vida enigmática y difícil con Richie. De la nada, Hunter siente el impulso de tragar cosas. Comienza con un cubo de hielo, y progresa a objetos más irregulares e indigeribles como canicas y tachuelas. Sin un final a la vista y nadie más sabiendo de su trastorno Pica, tiene que haber una razón por la cual Hunter ha decidido poner en peligro no solo su vida, sino también la de su bebé.

Miren detenidamente los últimos años en el cine (y probablemente también antes), y no es tan difícil ver temas consistentes que aparecen en los lanzamientos de un año. Algunas de las películas del 2018 tenían un enfoque pronunciado en la identidad (Crazy Rich Asians por nombrar una), mientras que 2019 dirigió la atención a la masculinidad tóxica (Ad Astra se destaca entre muchas). Todavía puede ser demasiado pronto para decirlo con certeza, aunque el 2020 actualmente es una tendencia como el año de la frustración femenina y frustración en general por parte del sistema. Ok, debe haber una descripción más corta para esto. Como sea que se llame, Swallow encaja en el tema. Haciendo su debut como director está Carlo Mirabella-Davis. Al ver esto, es difícil no imaginarlo mejorando a medida que adquiere más experiencia. Él, junto a la directora de fotografía Katelin Arizmendi y la diseñadora de producción Erin Magill, muestran la capacidad de combinar lo idílico con lo caótico, el confinamiento con la libertad. Swallow se siente muy vanguardista con su enfoque, y estética visual, lo que evita la estructura y el ritmo tradicional en una película. Todo esto funciona para crédito y perjuicio de la película.

Ahora... la pregunta que todos quieren saber: es Swallow una película inquietante, asquerosa y intolerable? Si y no. Ver a Hunter ingerir cosas que ningún ser humano debería y lidiar con las secuelas a veces espeluznantes no es una tarea fácil. Sin embargo, lo perturbador implica en que lo que se ve quede profundamente en manos del espectador una vez visto. Swallow, por sorprendente que sea, parece menos importante y no tan convincente/interesante como se imaginan, solo tiene el factor "Wow, mostraron eso?". Eliminen eso y el buen estilo, y lo que queda es una película bastante floja de 1 hora y 27 minutos. Al menos cuando se considera que The Invisible Man atravesó un terreno similar con su narración más fuerte, trajo niveles más altos de pensamiento, provocando un análisis sobre feminismo, cultura de abuso y poder.

Lo que Swallow elabora es un intento confuso de explicar el razonamiento por el cual Hunter hace lo que hace. Para no estropear nada, Mirabella-Davis trata el trauma con seriedad, pero también tal vez demasiado en blanco y negro (por insensible que pueda parecer). Hay una idea de causalidad implícita que es difícil de superar, aunque solo sea porque es un gran salto para atar el trauma al acto de tragar objetos peligrosos. El guión mediocre debilita la simpatía que se supone uno sienta por Hunter, lo que a su vez neutraliza una muy buena actuación de Haley Bennett que tristemente esta destinada a ser olvidada a medida que avanza el año. Incluso Austin Stowell, que se sintió como un personaje creado para un videojuego en Fantasy Island, presenta una actuación sólida que podría haber abierto ojos con una atención más reforzada al guión.

En general, una actuación destacada de Haley Bennett y una buena dirección del cineasta primerizo Carlo Mirabella-Davis lamentablemente no son suficientes para llevar esto a la par con películas recientes y con temas similares. Está lejos de inducir un reflejo de nauseas, pero definitivamente causará una leve indigestión. Al final, Swallow no es una película de terror ni un thriller. Es más un drama psicológico. Además de ser un drama, presenta problemas relevantes en las mujeres y, sinceramente, en toda la sociedad. También tiene fallas, como un ritmo que no es consistente, la falta de más historia de fondo y el hecho de que no satisfará a los públicos más convencionales. Solo recomendaría esto a aquellos que se intrigan por lo que se puede describir como "raro" o "extraño".

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Turning

En 1994, la maestra Kate Mandell (Mackenzie Davis) es ofrecida la oportunidad de convertirse en institutriz de Flora (Príncipe de Brooklyn) y Miles Fairchild (Finn Wolfhard), dos hermanos huérfanos que viven dentro de una mansión remota, cuidada por la Sra. Grose (Barbara Marten). Alejada de su vida cotidiana para tener la oportunidad de tener una oportunidad de empleo única, Kate se despide de su madre mentalmente inestable (Joely Richardson) e intenta hacer una diferencia en su nuevo entorno, tratando de establecer un vínculo con Flora mientras intenta acercarse a Miles, un maleducado  adolescente con un poco más que problemas. Con la esperanza de crear un espacio de aprendizaje y tutela después de la pérdida de su última institutriz, Kate se enfrenta rápidamente a lo inquietante de la enorme casa, y pronto descubre que la línea entre la realidad y sus pesadillas es muy fina. Incapaz de renunciar, y esforzándose por seguir comprometida con los niños y su trabajo, Kate continúa, gradualmente expuesta al mal oculto en los pasillos de la mansión y a toda la confusión que trae consigo.

The Turning es una adaptación de la novela de Henry James The Turn Of The Screw. La película toma lugar en 1994, anunciada de manera notoria en una escena al principio en la que Kate, el personaje de Mackenzie Davis, ve la muerte de Kurt Cobain anunciada en televisión. Kate es contratada para un puesto de tutoría y de vigilar a dos hermanos que recientemente perdieron a sus padres, en su enorme, majestuosa y totalmente atormentada propiedad que parece estar perpetuamente envuelta en niebla. Pero a medida que avanza la residencia de Kate, ella se da cuenta rápidamente de que la antagonista ama de llaves y el adolescente angustiado que parece odiarla son la menor de sus preocupaciones y que algo de naturaleza más sobrenatural está en juego.

Un trailer olvidable nunca fue una buena señal en cuanto a predecir la calidad de The Turning, pero quería darle el beneficio de la duda, y obtuve ese beneficio por una parte considerable del tiempo de duración. La mayoría de lo que se ofrece aquí no es nada revolucionario en el espeluznante arco cinematográfico de las películas de casas embrujadas, pero gran parte está bellamente filmada, y, en muy pocas ocasiones, es realmente terrorífica. La directora Floria Sigismondi parece tratar de establecer una línea entre un misterio gótico sobrenatural y apacible y los sustos de una casa embrujada moderna. No funciona exactamente, pero hay momentos notables de genuina inquietud y tensión. Una secuencia en la que Kate juega con una linterna con los niños la encontré particular para mantener a uno como espectador alerta mientras también logra subvertir las expectativas del desenlace. Por otra parte, también tienes una secuencia cómica en la que Kate se despierta de un sueño dentro de otro sueño. Esto no se trata de un clásico moderno, pero hay algo de diversión si encuentran este tipo de cine de terror tolerable, y en su mayoría poco memorable.

Mackenzie Davis cumple exactamente con lo que el guión de la película requiere de su actuación, que no es un golpe negativo contra ella, ya que no le hace ningún favor en cuanto a la profundidad de su personaje, y Brooklynn Prince demuestra ser una excelente joven intérprete. Ella interpreta a su personaje con un nivel de sensibilidad, naturalismo y matices que es difícil de encontrar en muchos actores adultos, y mucho menos en un niño. En cuanto a Finn Wolfhard, no creo que sea un mal actor, pero su papel aquí se sumerge en el territorio de una parodia ridícula. Es el último adolescente angustiado, con una selección de mahones azules sucios y suéteres, cambiando a un aspecto molesto en su habitación mientras escucha discos y mira por la ventana o se ve triste mientras amenaza vagamente a Kate. Una escena peculiar es en la que su personaje mata a un pez al pisarlo después de que un cuervo se lo come fuera de un estanque, se vira dramáticamente y dice que "nada debería sufrir", algo que se vuelve oscuramente cómico.

La mayor parte de esto es bueno y predecible para este tipo de película, excepto por el final. El final de esta película es lo más loco, ambiguo y mal calculado que he visto en una película en mucho tiempo. A medida que avanzaban los créditos, francamente no tenía idea de lo que sucedió. La secuencia final es desconcertante y comienza con una evasión y termina en un estado de perplejidad y desconcierto, tanto por la protagonista como por mí mismo. En ese sentido, uno podría decir que los momentos finales son el punto fuerte, aunque me inclinaría a estar en desacuerdo. Nada de eso se siente adecuadamente configurado, los elementos al respecto están claramente destinados a ser presagiados a lo largo de la película, pero los componentes más importantes no tienen ningún significado real de antemano, lo que resulta en una película sin cierre convencional y sin ambigüedad efectiva, incluso cuando trata de ir por ambos. Está tan fuera de lugar y es tan extraño que literalmente parece que hubo un error o hay una cinta de película que se perdió.

En general, esta es esencialmente una película de fantasmas que fluye bastante bien durante una considerable parte de su tiempo de duración, para luego irse de cabeza por un precipicio. Aquí hay suficiente para satisfacer a los fans de las películas de casas embrujadas, pero incluso ellos se quedarán boquiabiertos con esta decepción. Mi familiaridad con la novela The Turning Of The Screw es básicamente inexistente, pero sé lo suficiente como para tener la sensación de que Henry James se tiene que estar revolcando en su tumba. Al final, The Turning es una película de terror muy decepcionante. Por un lado, se tiene una película atmosférica bien elaborada con muy buenas actuaciones, y por el otro lado se tienen sustos baratos y un final muy abrupto e insatisfactorio. Esperaba un tercer acto que vinculara todo lo que sucedió, pero en su lugar obtuve los créditos finales. Aún con el final desastrozo y sus sustos baratos, disfruté de las actuaciones y los primeros 30 a 40 minutos de la película. El resto... hubiera deseado que fuera mejor.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: The Main Event

Leo Thompson (Seth Carr) es el fanático más grande de la lucha libre en el mundo, al menos en sentido figurado, porque físicamente es un niño de 11 años bastante pequeño y delgado. En la escuela, es acosado por un trío de niños que disfrutan atormentar a los marginados como él y sus amigos. Lo único que lo mantiene en marcha es su sueño de convertirse en un luchador de la WWE algún día. Un día, huyendo de sus acosadores, entra a una casa donde encuentra una máscara de luchador que le permite realizar sin esfuerzo todos los movimientos de los luchadores y le da una personalidad diferente. Su voz se vuelve más pesada y se siente más confiado. Además, la máscara también le proporciona velocidad y fuerza más allá de todos sus sueños. Justo a tiempo, un torneo de la WWE llega a la ciudad, junto con un contrato y un premio en efectivo para el ganador. Leo aplica con entusiasmo, pero el premio tiene una gran demanda, ya que el malvado Samson (Babatunde Aiyegbusi), más monstruo que hombre, finalmente quiere su gran oportunidad en la WWE.

Como fanático de toda la vida de la lucha libre profesional, lo primero que noté sobre The Main Event de Netflix, la última asociación del gigante del streaming con WWE Studios, fue que profundizaron en la jerga de los luchadores. Los nombres de las superestrellas se dejan caer como víctimas del RKO de Randy Orton, mientras que un niño habla sobre los valores de producción del programa semanal RAW (aparentemente RAW podría usar un nuevo director). Estaría de acuerdo, pero es extraño escuchar en una película para niños sobre el tema de la lucha libre. Pero ese es el extraño tipo de mundo en el que existe The Main Event. Al igual que la lucha libre en sí misma, está llena de contradicciones y no siempre tiene mucho sentido, pero para un niño enamorado del entretenimiento deportivo, esta fantasía de cumplimiento de deseos podría ser un sueño hecho realidad. Para nosotros, los adultos que hace mucho tiempo aprendimos los secretos de la lucha libre todo pasa bastante rápido, al igual que un conteo de 1, 2 y 3.

Dirigida por Jay Karas, The Main Event es básicamente la versión de lucha profesional de Like Mike (2002), la película en la que Lil Bow Wow encontró un par de tennis mágicos que lo convirtieron en un profesional del baloncesto. Solo aquí es Leo Thompson, de 11 años, quien descubre una máscara de luchador maloliente mientras huye de sus acosadores de la escuela. Al ponerse la máscara, descubre que le da niveles de confianza arrogantes al estilo de The Rock, pero también habilidades sobrehumanas. Como fanático de la WWE, qué va a hacer un niño como Leo? Bueno... participar en un torneo para convertirte en la próxima gran superestrella de NXT, el territorio de desarrollo de la WWE.

La acción dentro del ring, que cuenta con estrellas de NXT como Keith Lee (como Smooth Operator), Otis (como Stinkface) y Mia Yim (como Lights Out Leslie), se produce rápidamente y se ven como batallas de comics. Tomando el nombre de Kid Chaos, Leo salta alrededor del ring y lanza a oponentes mucho más grandes con facilidad. Es muy parecido a cuando Spider-Man se convirtió en un luchador profesional en las páginas de Marvel Comics. Pero, también lo hacen algunos de los otros luchadores. Stinkface, en un punto, suelta una flatulencia tan masiva que casi vuela a todos en la arena. Esto no sería una producción de WWE sin un poco de humor grosero para los niños. Otras superestrellas de la WWE como The Miz, Sheamus y Kofi Kingston, y los comentaristas Renee Young y Corey Graves aparecen como ellos mismos, lo que plantea la pregunta de por qué los luchadores de NXT no podían hacer lo mismo.

Para ser justos, la película debería haber sido aún más loca de lo que parece ser. Si vas a tener un niño con superpoderes golpeando a un grupo de adultos demasiado musculosos, que de alguna manera no se dan cuenta de que es un niño, entonces ok, dejense llevar. Hay un intento de equilibrar las hazañas atléticas de Leo con una mirada a su problemática vida hogareña, pero la mayor parte se desarrolla poco. Adam Pally interpreta a su padre sombrío, que trabaja demasiado para evitar una conversación dolorosa, y Tichina Arnold da un papel cómico muy necesario como la abuela de Leo, una fanática de la WWE (siendo más una fanática de Kofi Kingston). Al ajustarse al grupo demográfico al que va dirigida, la película tiene un gran impacto ya que se enfoca en Leo y su grupo central de amigos. Siendo un niño delgado con poca voz propia, Leo usa la máscara para ganarse el amor de su enamorada Erica (interpretada por Momona Tamada), pero luego debe aprender a como ser un hombre. Incluso hay un giro en la trama (los fanáticos de la lucha libre lo entenderán) que se convierte en una gran parte de su crecimiento.

En general, todo esto es predecible, y la película se basa en eso. La película es tan directa acerca de sus mensajes que se repite un montón de veces en historias y personajes para asegurarse de que el público joven los capte, lo que es molestoso para uno como adulto y presumiblemente un poco condescendiente para los niños. Las secuencias supuestamente sinceras (con una notable excepción que rinde homenaje a "Rowdy" Roddy Piper) no se sienten ganadas. Como resultado, son solo recompensas lógicas por un trabajo obvio, y a los niños probablemente no les importará de todos modos, ya que se mantendrán pendientes buscando que otros luchadores saldrán aquí. Al final, The Main Event no está a la altura de decir... Fighting With My Family (2019). El humor no es tan exagerado como debería ser, y el drama personal no se trabaja muy bien. Por difícil que sea de creer, no será de mucho atractivo para los fanáticos de la lucha libre de todas las edades, y ciertamente la película no puede escapar de su intento de ser más que un anuncio corporativo.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: A Young Man With High Potential

Piet (Adam Ild Rohweder) es un estudiante de posgrado socialmente cerrado pero brillante al que se le acerca una compañera de clases llamada Klara (Paulina Galazka). Klara intenta romper las formas tímidas e inseguras de Piet mientras lo convence de colaborar en un trabajo para una de sus clases. Pronto, los dos se hacen buenos amigos. Sin embargo, Piet, inexperto sexualmente, malinterpreta la amabilidad de Klara como atracción y, después de un intento fallido de hacer un movimiento, Klara lo rechaza. Esto deja a Piet deprimido y toma medicamentos para dormir para ayudarlo con su dolor emocional. Klara trata de disculparse con él antes de tomar accidentalmente algunos de sus medicamentos. A partir de aquí, Piet cae a niveles despreciables que se agravan y empeoran a medida que se enfrenta a su horrible situación.

En primer lugar, debo decir que la película no es para personas débiles. Si bien la película está clasificada como un drama/thriller, ciertamente tiene elementos de horror. Las representaciones de violencia y el realismo de los eventos en la película son muy inquietantes a veces. Es casi seguro que esta película ofenda a víctimas de abuso sexual y, muy probablemente, a las mujeres en general. Sin embargo, se podría argumentar que los actos realizados por el personaje principal son circunstanciales en lugar de estar específicamente dirigidos a cualquier grupo demográfico. En pocas palabras, la historia de esta película podría ser sobre cualquier persona sin importar su género, creencias o ideales. El crimen de Piet es contra la humanidad y no se limita únicamente a las mujeres, como algunos quizás puedan argumentar.

Con eso fuera del camino, discutamos la película en sí. Solo hay unos pocos personajes y cada uno de ellos tiene un papel importante que desempeñar dentro de la historia. Personajes aparentemente insignificantes como el amigo de Piet, Alex, y Nathalie, una mujer que trabaja en una cafetería, resurgen para agregar suspenso adicional al dilema de Piet. La veterana actriz Amanda Plummer incluso abre y cierra la película con su papel de investigadora privada. Mientras Adam Ild Rohweder es la estrella, Paulina Galazka como Klara es el corazón y el alma de la película. Galazka se enfrenta a una tarea desalentadora de hacer que tanto Piet y uno como espectador se enamore de ella durante su tiempo en pantalla  Ella cumple con su deber y muestra una química increíble con Rohweder.

El espectro de Klara constantemente persigue a Piet y Rohweder hace un excelente trabajo mostrando su dolor mental y emocional mientras continúa con sus horribles acciones. Después de establecer la conexión entre los dos personajes, el resto depende de Rohweder para llevar la mayor parte de la trama. La trama de por sí es un poco escasa en general, no obstante, eso es realmente algo bueno en el caso de esta película. En lugar de estar llenándola con diálogos o acciones innecesarias, el escritor/director Linus de Paoli deja que la gravedad de la situación de Piet empeore a medida que las cosas se descontrolan. Aunque A Young Man With High Potential es una película lenta, su tiempo de duración pasa volando. Como espectador, uno se queda solo con Piet para experimentar las cosas como él las está experimentando. Es como un accidente de auto en el que no puedes mirar hacia otro lado sin importar lo mal que se pongan las cosas. Se llevan a cabo actos atroces, pero la película también ayuda a entender las cosas desde el punto de vista de Piet. Lo que está haciendo es horrible, pero se puede argumentar que lo hace sin malicia y que la experiencia no es insustancial para él.

Mucho de esto tiene que ver con el guión y la dirección magistral de Linus de Paoli. Para empezar, A Young Man With High Potential es una hermosa película para ver. Tiene una sensación muy limpia y estéril que mezcla perfectamente los eventos atroces que eventualmente ocurren. También hay muchos momentos sutiles o acciones que se reflejan más tarde, como Klara tomando lo que quiere del dormitorio de Piet, algo que parece rutinario o mundano en ese instante. Muchos de esos momentos aparecen nuevamente más tarde en circunstancias mucho más drásticas. En ese sentido, la película está extremadamente bien diseñada en todos los aspectos y ayuda a que sea una experiencia cautivadora y a la vez angustiosa. Ahora, volvamos a los aspectos impactantes de la película una vez más. No se equivoquen, esta es una película absolutamente horrible a veces. Sus representaciones realistas de atrocidades impensables no van a caer bien con algunos espectadores. Sin embargo, realmente no abre nuevos caminos cuando se trata del factor de shock, violencia y sangre. Películas como Cannibal Holocaust (1980), Hostel (2005) y Antichrist (2009) han ido más allá de la mayoría de las cosas que se muestran en esta película. La diferencia entre esos títulos y este es que A Young Man With High Potential en realidad muestra un sentido más artístico y narrativo detrás de esos factores.

En general, por más inquietante y controvertida que sea, es una buena película. Incluso con un par de fallas, es una película que te hace preocuparte por un personaje aparentemente vil en Piet mientras simpatizas con lo que está pasando. También está extremadamente bien filmada y editada, lo que la hace muy fácil verla. Con un tiempo de duración de 1 hora y 26 minutos, la película pasa volando y exige tu atención de principio a fin. Como mencioné anteriormente, esto es un título que generará odio debido a su temática, pero es completamente injustificado. Se cuenta una historia intrigante y, si se le da una oportunidad imparcial, la película puede terminar dejando una impresión duradera. Al final, A Young Man With High Potential es un drama psicológico escalofriante y está maravillosamente muy bien hecha. El horror existe de manera excesiva, así que no piensen que esto es cine de explotación. Es más reservado de lo que uno espera, pero sigue siendo un espiral descendente totalmente conceptualizado de un evento horrible. La película se filmó muy bien y los efectos prácticos y la atmósfera oscura, combinados con una historia fuerte, hacen que valga la pena verse.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: We Summon The Darkness

En un viaje por carretera a través de Indiana durante el verano de 1988, Alexa (Alexandra Daddario), Val (Maddie Hasson) y Beverly (Amy Forsyth) planean asistir a un concierto de Soldiers Of Satan, disfrutando de su tiempo juntas. Al llegar al concierto, el trío se encuentra con Kovacs (Logan Miller), Mark (Keean Johnson) y Ivan (Austin Swift), conociendo a los 3 chicos mientras lidian con la inminente ruptura de su banda debido al traslado de Mark a Los Angeles. Vinculados por su amor compartido al heavy metal, los extraños deciden extender la festividad de la noche, y pronto se retiran a una casa gigantesca propiedad del padre de Alexa, quien está fuera por negocios. A medida que se descubren posibles encuentros sexuales, las chicas tienen cuidado al ofrecer grandes cantidades de alcohol a los chicos, solo que no están ingieriendo alcohol. Poco a poco y perdiendo el conocimiento, Kovacs, Mark y Ivan se dan cuenta de que algo no está bien con sus anfitrionas, ya que tienen algo más en mente que un simple juego de seducción.

Usando sabiamente el movimiento del Pánico Satánico de la escena del heavy metal de la década de los años 80 para desarrollar su propio escenario de pesadilla, We Summon The Darkness no tiene un factor de miedo lo suficientemente fuerte, pero es una presentación ordenada del mal comportamiento, con algunas sorpresas para mantener a los espectadores pegados a una historia que es grande en escenas prolongadas de sufrimiento. La película lleva a los espectadores a un momento en la historia que el heavy metal era considerado peligroso. En 1988, la música heavy metal fue considerada satánica por algunos, con el personaje del pastor John Henry Butler (interpretado por Johnny Knoxville) presentado aquí para representar la derecha religiosa y su incansable búsqueda para proteger a los niños de América de las fuerzas del mal.

Para Alexa, Val y Beverly, la música es todo lo que aman, abrazando su fanatismo y vistiendose elaboradamente. Ellas viven para el heavy metal y hacen un viaje a un pequeño club para ver a su banda favorita, Soldiers Of Satan. Ahí se encuentran con Kovacs, Mark y Ivan. Ambos lados disfrutan de una reunión de Heavy Metal Parking Lot, intercambiando datos y bandas favoritas, con cervezas compartidas que consolidan su vínculo mientras disfrutan de su noche en el concierto, con los chicos esperando un poco más de tiempo con las chicas después del espectáculo. Todo se vuelve más íntimo después del primer acto, llevando la acción a la casa de Alexa, donde ofrece un espacio privado para que continúen sus conversaciones y se sientan cómodos bebiendo. Los chicos no pueden creer su suerte y, a medida que siguen bebiendo, y comienzan a perder el control, pronto se enfrentan a la realidad de su situación, ya que las anfitrionas buscan un poco más que trivias de Metallica.

Luego comienza una lucha por la supervivencia entre ambos bandos, con Alexa escenificando escenas de intimidación y tortura, pero también conflictos internos, ya que Beverly está insegura de si quiere participar en algo tan extremo. La violencia entra en acción, golpeando a Kovacs especialmente, y Mark teniendo momentos de pánico y autoconservación cuando la noche se sale del control de Alexa, y se ve forzada a limpiar un gran desorden en desarrollo. Mientras tanto, la ubicación segura no es tan segura, encontrando algunos visitantes no anunciados que pasan por allí, lo que complica todo. Hay algunos giros en la trama, pero, antes del final, la historia y el ritmo comienzan a perder impulso y no ocurren muchas sorpresas. La violencia es exagerada, pero nunca llega a la línea de impresionante. Honestamente no podría llamar a esto una película sangrienta. Además, dijeron que está infundida con heavy metal (sí, mencionan muchas bandas), pero para ser sincero, estoy más decepcionado en ese departamento que de cualquier otra cosa.

En general, la película es hostil, pero mantiene todo controlado y contenido, ofreciendo solamente algunas ideas extravagantes, incluida Beverly, que finalmente se arma con un motor de bote para enfrentarse a sus amigas. Algunas ideas no se conectan, como por ejemplo un encuentro con la madrastra adicta a la cocaína de Alexa, y las escenas de angustia tienden a durar demasiado. Aún así, es una producción enérgica con una actuación agradablemente desquiciada de Alexandra Daddario, y rinde homenaje a las canciones del heavy metal de la década de los 80 al inventar su propia crítica de los depredadores televangelistas. Al final, We Summon The Darkness, sin lugar a dudas, utiliza muchos temas familiares y toma prestados tramas de películas similares y mejores, pero el resultado es una película independiente de terror satisfactoria con una dosis divertida de terror, los años 80, cualquier cosa satánica y, por supuesto, heavy metal.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 14 De Abril Del 2020

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