Review: The Black Phone

En 1978, Finney (Mason Thames), residente del norte de Denver, es un adolescente promedio que intenta mantenerse enfocado en sus intereses, que incluyen la ciencia, y mantenerse alejado de su padre alcohólico, Terrence (Jeremy Davies). Finney está lidiando con un problema de intimidación, y The Grabber (Ethan Hawke), un secuestrador enmascarado que reclama a los niños locales, está destrozando lentamente la seguridad en su ciudad. La hermana menor de Finney, Gwen (Madeleine McGraw), tiene la capacidad de ver estos horrores en sus sueños, pero no comprende su poder, más está preocupada por su vida hogareña abusiva y la falta de confianza en sí mismo de Finney. Una tarde, The Grabber se lleva a Finney y lo arrastra a un sótano cubierto con la sangre de víctimas anteriores. En la pared hay un teléfono desconectado, pero suena para Finney. Quién estará llamándolo?

Una de mis películas de terror más esperadas del año finalmente ha llegado, The Black Phone. Este regalo sádico trae un material nuevo al subgénero de niños en peligro y ofrece un terror de supervivencia espeluznante que persiste mucho después de que aparecen los créditos. La actuación de Ethan Hawke como The Grabber te estremece hasta los huesos, ya que cada una de sus palabras se pronuncia con un tono de júbilo infantil. Además, los dos niños en el centro de la acción, interpretados por Mason Thames y Madeleine McGraw, inyectan autenticidad y encanto a Finney y Gwen, respectivamente, que inmediatamente invitan a uno a invertir en sus personajes. Hablando a ese desconocido que todos llevamos dentro, The Black Phone finalmente se convierte en una historia de supervivencia, resiliencia y amistad.

Ambientada en el norte de Denver de 1978, la película establece instantáneamente una atmósfera con créditos siniestros que muestran autos al acecho y carteles de personas desaparecidas. Finney no es el chico más popular del equipo de béisbol, ni tiene muchos amigos en la escuela. Los pocos que tiene parecen estar siendo arrebatados uno por uno por un misterioso merodeador conocido como The Grabber. Su firma parece ser una camioneta negra y una variedad de globos negros. En casa, un padre alcohólico y abusivo atormenta constantemente a Finney y a su hermana, Gwen, hasta un grado casi enloquecedor. Gwen tiene sueños recurrentes sobre The Grabber que podrían resultar ser premoniciones ominosas. Gwen es valiente y ferozmente leal, y hará cualquier cosa para proteger a su hermano.

Eventualmente, Finney se topa con The Grabber disfrazado de mago que se ofrece a mostrarle un truco de magia. Finney es atrapado en una secuencia horrible en la que intenta defenderse, solo para recibir una substancia en spray en la boca. El director Scott Derrickson inicialmente se burla de la apariencia de The Grabber desvaneciéndo la imagen a negro cada vez que alguien está a punto de acercarse a su siniestra camioneta negra. Al sacar a relucir su presencia en pantalla, Derrickson convierte a The Grabber en un horrible asesino en serie que evoca a los de la vida real como John Wayne Gacy. Cuando Finney se despierta, The Grabber lo saluda en un oscuro sótano a prueba de sonido. Dentro de la pequeña habitación solo hay un teléfono negro con los cables cortados, un colchón sucio, un inodoro sin asiento y una pequeña pila de alfombras. The Grabber insiste en que "nada malo va a pasar", pero no hace falta ser un genio para darse cuenta de que esa promesa es falsa.

Justo cuando Finney más lo necesita, comienza a recibir llamadas extrañas en el teléfono negro, que claramente no debería estar funcionando. En la otra línea del teléfono está el giro de la película y el último gancho (que no voy a estropear). Ahora Finney debe luchar por su vida tratando de burlar a The Grabber en todo momento. Los sueños de Gwen también se vuelven significativos en este punto. Con dos torpes detectives en la investigación, Gwen y Finney compiten por separado contra el reloj para ayudarlo a huir de las garras de The Grabber.

La confrontación final es épica y se siente hecha expresamente para los desconcertantes miembros de la audiencia. Derrickson nunca olvida la tensión ni por un segundo. Mostradas con moderación, las máscaras de The Grabber sirven para desconcertar adecuadamente (estaba esperando constantemente a que su personaje se volviera loco), ya que su apariencia externa de jugar con niños es una fachada espeluznante. Lanzando un filtro vintage sobre los flashbacks y los sueños agrega una capa adicional de amor genuino por el período de tiempo, impulsado por un excelente soundtrack que incluye clásicos como On The Run de Pink Floyd, Fox On The Run de Sweet y Free Ride de The Edgar Winter. Group. Una banda sonora llena de suspenso por parte de Mark Korven es el toque inquietante que completa todo.

Una vez que The Black Phone se transforma en una historia completa de supervivencia, canaliza It y Stand By Me de Stephen King en el sentido de que los niños deben trabajar juntos para superar escenarios imposibles que serían difíciles de enfrentar incluso como adultos. Estos son el tipo de historias que, cuando se hacen bien, tocan absolutamente los nervios. Como alguien que tuvo sus propios problemas de intimidación, y mirando desde afuera durante mi tiempo en la escuela, pude identificarme mucho con Finney y sus luchas. Scott Derrickson ha creado una película aterradora que recuerda a los espectadores la realidad de los horrores que acechan al otro lado de la puerta y, a veces, en nuestro propio vecindario. Sorprendentemente, mientras miraba la película, me encontré al borde de mi asiento, sin saber qué estaba por venir. La película aumenta la tensión lentamente, lo que permite que uno forme un vínculo emocional con Finney y Gwen. Pero lo que realmente aprecié fue su enfoque y el tema no fue gratuito en lo que respecta a mostrar lo que The Grabber les hace a los niños. O sea, no se habla. En ese aspecto fue algo muy bien hecho.

En general, me impresionó The Black Phone. No iría tan lejos como para decir que es mejor que Sinister (2012), pero comparte un ritmo similar que será agradable para los fanáticos. Su mayor punto de venta? Da miedo. Scott Derrickson sabe cómo inquietar y asustar a su público y lo ha vuelto a conseguir con esta película. Siendo una de las mejores películas de terror del año hasta ahora, no querrán perderse esta llamada sin importar el terror que les espera al otro lado del teléfono. Al final, The Black Phone es una historia desgarradora de como luchar contra aquellos que intentan derribar a uno. Pero lo que la película hace extremadamente bien es capturar el peligro que enfrentan los niños en cada faceta de la vida. En el caso de Finney, la amenaza de ser golpeado con un cinturón en casa por su padre o ser golpeado con un cinturón por The Grabber está siempre presente. Estos peligros pueden comenzar a sentirse inevitables, pero al apoyarnos en nuestros amigos, nuestra familia y un poco de fe, esto puede convertirse en el salvavidas para resistir y fortalecernos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Beavis And Butt-Head Do The Universe

En 1998, Butt-Head (voz de Mike Judge) espera pasar el tiempo en la feria de ciencias de su escuela secundaria pateando a Beavis (también la voz de Mike Judge) en la ingle. Al darse cuenta de que existe la posibilidad de ganar un viaje al campamento espacial de la NASA, Beavis y Butt-Head intentan ganar la feria, solo para incendiar la escuela. Un juez benévolo decide enviar a los adolescentes al Centro Espacial Johnson, y los deja al cuidado de la capitana Serena (voz de Andrea Savage), quien lidera una misión para acoplarse a una estación espacial y ver las maravillas de un agujero negro. Beavis y Butt-Head se unen a la causa, malinterpretando el interés de Serena como algo sexual, y arruinan el transbordador espacial una vez que abandonan la Tierra. Serena toma la decisión de deshacerse de ellos, enviándolos a un agujero negro, que los lleva a la Tierra en 2022, donde Serena se postula para la reelección como gobernadora de Texas, y Beavis y Butt-Head todavía están interesados ​​​​en "anotar" con ella.

Desde sus inicios en 1993, dominando el canal MTV y narrando videos musicales de manera graciosa, Beavis y Butt-Head se han convertido en íconos de la cultura pop cuyos regresos son motivo de celebración. Este renacimiento más reciente viene en la forma de la secuela de Beavis And Butt-Head Do America (1996), esta vez titulada Beavis And Butt-Head Do The Universe. Esa primera película se estrenó durante mi adolescencia y, ciertamente, la ví en VHS más veces de las que puedo contar. Do The Universe puede no ser un clásico instantáneo, pero como fanático de la franquicia, logró exactamente lo que quería: más tiempo con estos tontos personajes.

Después de una absurda introducción en 3D al estilo Star Wars, Beavis y Butt-Head nos dan una cálida bienvenida desde la comodidad de su sofá familiar. El dúo promete una historia de “sexo, violencia, poder y fuego”, y eso es exactamente lo que obtenemos. La feria de ciencias de Highland High School está aquí y, naturalmente, Butt-Head se ha propuesto ver cuántas veces puede patear a Beavis en la ingle antes de que se desmaye. Sin embargo, cuando escuchan que el ganador irá al campamento de la NASA, cambian de idea. Un "accidente" de proporciones gigantescas resulta en su arresto. Un juez se apiada de ellos, y luego de ver la oportunidad de desbloquear el "verdadero potencial" de los chicos, envía rápidamente a Beavis y Butt-Head a una sentencia de ocho semanas al campamento espacial.

El ir al campamento espacial termina siendo el catalizador para el resto de la película. Beavis y Butt-Head se divierten jugando con la maniobra de acoplamiento de un nuevo telescopio gigante que se usará para observar un pequeño agujero negro. Cuando los encargados del proyecto se dan cuenta del compromiso de Beavis y Butt-Head de "acariciar" el telescopio hacia arriba y hacia abajo, son reclutados para dirigirse al espacio para ejecutar el acoplamiento en tiempo real. Eventualmente, la misión es un desastre y Beavis y Butt-Head son arrojados de la nave espacial y van a toda velocidad por el espacio hasta que se sumergen en el agujero negro.

Podría imaginar una gran cantidad de escenarios o travesuras en las que Beavis y Butt-Head se involucrarían, pero en cambio, nuestros personajes adorablemente tontos terminan en el año 2022, donde se encuentran con versiones inteligentes de sí mismos, el Pentágono los considera extraterrestres, persiguen su obsesión con los nachos y tienen como misión ser las primeras versiones de Beavis y Butt-Head en "anotar" con una chica en cualquier dimensión. Sí, el final definitivo son dos adolescentes que compiten por perder la virginidad y, en cierto modo, no puedo imaginar nada más sano.

El alcance no siempre parece tan amplio como en Do America, pero sigue siendo muy divertido y muy estúpido, tal como debería ser una película de Beavis y Butt-Head. Una persecución de autos en reversa es un punto culminante tardío de la película, al igual que numerosas escenas que me hicieron reír a carcajadas, incluida una en la que una familia le pide a Butt-Head que les tome una foto frente a un muelle panorámico. El final es satisfactorio, e incluso con una inyección de modernidad, la película se mantiene fiel al tono de humor establecido y al núcleo de los personajes. Mike Judge ciertamente no ganará ningún nuevo fanático, pero Do the Universe me dio una gran alegría al revitalizar este mundo de Beavis y Butt-Head.

En general, es bueno saber que, si bien los tiempos pueden cambiar, Beavis y Butt-Head no. Todavía son un par de adolescentes que se entusiasman con que un día realmente se acostarán con una chica y perderán su virginidad. Puede que no crezcan como personas, pero están listos para complacer y Mike Judge mantiene el centro de atención en las tonterías que los fanáticos esperan de una aventura de Beavis y Butt-Head. Y sinceramente, qué más se puede pedir. Al final, Beavis And Butt-Head Do The Universe le falta el aspecto de la baja tecnología de Do America, pero ofrece una versión de Beavis y Butt-Head más ingeniosa con travesuras y risas que son relativamente consistentes, incluida una secuencia de fantasía que involucra la vida de ellos con novias. Do America fue una prueba, con Judge trabajando arduamente para hacer que su extraña epopeya animada llegara a una audiencia más amplia y aún así conservar su crudeza central. Do The Universe no comparte el mismo hambre creativo, pero ofrece situaciones divertidas y tonterías de viajes en el tiempo. Mike Judge se está divirtiendo nuevamente con Beavis y Butt-Head, y ofrece una agradable aventura para el futuro de estos personajes.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Elvis

En 1997, mientras vivía en Las Vegas, el "Coronel" Tom Parker (Tom Hanks) está a punto de fallecer, y los recuerdos de su tiempo con Elvis Presley (Austin Butler) le dan vueltas en la cabeza. Parker encuentra la presencia de Elvis, descubriendo al cantante como estudiante de gospel y R&B, trabajando para superar el miedo escénico y traer una nueva energía a un sonido antiguo. Consiguiendo un éxito mucho más allá de sus expectativas, Parker se lanza sobre Elvis y lo convirtió en una máquina de ganancias para un hombre que confiaba en la magia de una estafa después de pasar años en ferias ambulantes. Elvis se hizo cargo de Estados Unidos, se casó con Priscilla (Olivia DeJonge) y mantuvo a amigos y familiares en la nómina de su fama, pero los años pronto pasan factura y Parker siempre se queda con su mitad de las ganancias, creando una división entre los hombres a medida que la superestrella comienza a agotarse en la década de 1970.

Nadie va a una película de Baz Luhrmann por una pequeña experiencia. Baz no hace películas pequeñas. Este es el tipo que hizo que una película sobre bailes de salón se sintiera más grande que la vida y convirtió The Great Gatsby (2013) en una fiesta deslumbrante y glamorosa. Entonces, qué haría Luhrmann con la historia de Elvis Presley? Sería esto una historia del último showman y dios del rock, cuya vida infamemente se quemó en lugar de desvanecerse? En papel, la combinación es casi demasiado perfecta para ser verdad. Lo interesante de Elvis es que, sea lo que sea lo que estén esperando de la película, Luhrmann hizo algo completamente diferente.

Elvis, que presenta una actuación espectacular por parte de Austin Butler, y que realmente captura el espíritu y la esencia de Presley, es una batalla entre el bien y el mal bajo la apariencia de una película biográfica de rock. Esto no es Bohemian Rhapsody (2018) o Respect (2021). Esta es una película de Baz Luhrmann, después de todo, y palpita con los sonidos de la música soul y gospel, late como el latido del corazón de un joven Elvis cuando escucha por primera vez la combinación entusiasta de los dos sonidos. Este momento llega cuando Elvis está literalmente entre un estruendoso sermón en una iglesia y un hombre tocando blues en un antro cercano. La secuencia nunca se detiene y la música pulsa a todo dar. Es como el origen de un gran superhéroe. Se nos dice que el joven Elvis amaba los comics del Captain Marvel Jr. e incluso usaba una versión de su rayo en el pecho.

Pero esta grandiosa introducción no es solo para establecer a Elvis Presley como el héroe de esta historia, es el contexto para establecer a su polo opuesto. Tom Hanks interpreta al "Coronel" Tom Parker, quien eventualmente se convertiría en el notorio manager de Elvis. La película se trata tanto de él como de la estrella de rock, y está enmarcada en torno a los pensamientos finales de un Parker moribundo que, naturalmente, se trata de sí mismo y de cómo ha sido agraviado por los medios. Acusado por muchos de llevar a Elvis a una tumba prematura, Parker insiste en que él hizo a Elvis Presley, y eso es todo lo que debería importar.

Esto no es una inmersión profunda en la vida de Elvis Presley. Es muy superficial en ese sentido. Simplemente va directo al punto, y a menudo funciona a su favor. Uno de los muchos temas de la película es el miedo de la raza blanca a la música negra y cómo Elvis navegó con éxito en este espacio intermedio. Se hizo amigo de numerosos músicos de piel negra, incluido BB King, quien influyó mucho en su sonido y personalidad. En una escena, un Elvis enojado, que había visto neutralizado su acto debido a la forma en que sus caderas giratorias y su pelvis volvía locas a las mujeres, se esconde en una fiesta con BB King, Little Richard y otras leyendas del R&B.

Como alguien que nunca ha sido fanático y nunca ha pensado mucho de Elvis Presley, Luhrmann me ha abierto la mente para investigar más sobre su música. Por supuesto, al ser una película de Baz Luhrmann, los clásicos de Elvis están ligados a sonidos modernos indudablemente influenciados por él. Pero también, Luhrmann hace mucho para rendir homenaje a la música que también inspiró a Elvis. La combinación del gospel, funk, soul y hip-hop moderno es embriagante.

La interpretación de Austin Butler es poderosa y expresa algo sobre Elvis que mucha gente (incluyéndome a mí) simplemente no sabía: era un soñador y un hombre de familia. Mantuvo a su familia cerca, incluso a aquellos que querían hacerle daño, y los puso delante de él en casi todo momento. Y aunque a menudo fue víctima de las maquinaciones de Parker, Elvis vivió la vida que siempre quiso. La película repasa su carrera como actor, que tuvo éxitos definitivos antes de convertirse en blanco de las bromas. Entonces, Elvis tuvo que tomar una decisión, que era seguir siendo el títere de Parker o luchar por su propia libertad creativa, y la noche de un especial navideño televisado que sale mal es un espectáculo de regreso para Elvis.

Por otro lado, no está claro por qué Tom Hanks está en esta película. El acento que está tratando de hacer suena forzado, y no hay mucho en el personaje más que un simple villano. Es tan exagerado que es difícil perdonar a Elvis por ser estafado, y hace que Elvis parezca un idiota. Uno de los mayores problemas de la película es que no es desde el punto de vista de Elvis Presley sino de su manager, el "Coronel" Tom Parker. La otra cosa es que sufre de los mismos problemas que la mayoría de las películas biográficas. En lugar de centrarse en un momento singular de la vida de Presley, la película abarca toda su edad adulta. La decada de los 60's se reduce a un montaje, aunque hay un gran enfoque en 1968. Vemos cómo los asesinatos del Dr. Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy impactan a Elvis. Sus muertes dan como resultado una canción de protesta, If I Can Dream, para su especial de 1968 en NBC.

En un mundo perfecto, Elvis estaría cumpliendo 90 años en el 2025. Desde mi punto de vista, esto es lo que es tan difícil de creer porque está asociado principalmente con un período que abarca desde los años 50's hasta principios de los 70's. Fue triste ver a Elvis Presley cantando Unchained Melody antes de los créditos. No se parecía al Elvis de su juventud, sino a alguien que probablemente tendría entre 50 y 60 años. Quizás se pueden culpar las drogas y sus hábitos alimenticios. Pero también se le puede atribuir al abuso económico de Parker, y esto se nota. De todos modos, la película muestra imágenes del Elvis de Butler con el real.

En general, ya sabemos cómo termina esta historia. Baz Luhrmann permanece en una espiral descendente durante demasiado tiempo, sin saber cómo culminar la carrera del Rey del Rock 'n Roll de una manera que no fuera humillante. Eventualmente lo encuentra y lo hace con mucho respeto por la vida del hombre, su música, su creatividad, su amor por la familia y su potencial aún no realizado. Elvis es exactamente como te gustaría que Baz Luhrmann contara la historia de Elvis Presley. Aunque no es del todo perfecta, y su ritmo tambalea de vez en cuando, nadie dirá que Baz Luhrmann le hizo una injusticia aquí a Elvis Presley. Al final, Elvis tiene mucho material para digerir. Lurhmann llena la pantalla con imágenes extraordinarias, actuaciones y energía pura, tratando de replicar la vida vertiginosa de Elvis y su confusión al lidiar con los elementos comerciales de su extraordinaria carrera. Es una película de 2 horas y 39 minutos de duración, y Lurhmann usa ese tiempo de para generar un huracán de emociones e información, intentando tratar la historia de Elvis Presley como una tragedia combinada con un asalto sensorial. Austin Butler es sin duda la estrella de la película. Simplemente brilla y da una actuación increíble con el material que le da Baz Luhrmann. No me sorprendería que reciba nominaciones cuando llegue la temporada de premios. 45 años después de su trágica muerte a la edad de 42 años, Elvis Presley sigue siendo el solista más vendido de todos los tiempos, y ese es el verdadero legado para el Rey del Rock 'n Roll. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Lightyear

Buzz Lightyear (voz de Chris Evans) es un guardián espacial a bordo de una enorme nave a la que apoda The Turnip. Al aceptar un desvío a un planeta cercano que necesita exploración, Buzz intenta hacerse de una idea del área con su compañera, Alisha Hawthorne (voz de Uzo Aduba), solo para abandonarlos accidentalmente a todos en el proceso. Con los habitantes de The Turnip instalando un campamento, Buzz trabaja para encontrar una forma de salir del planeta hostil y recurre a la creación de cristales de combustible para ayudarlo a dominar el vuelo hiperespacial. Sin embargo, cada ronda de prueba que toma lo envejece cuatro minutos y el mundo que lo rodea cuatro años, lo que lo pone en una carrera contra el tiempo mientras observa a Alisha envejecer. Acompañado por Sox (voz de Peter Sohn), su compañero gato robótico, Buzz está desesperado por generar la mezcla de combustible perfecta, pero problemas con el tiempo pronto lo ponen en la línea de fuego, con el emperador Zurg (voz de James Brolin) llegando para tomar control de The Turnip, inspirando a Buzz a formar equipo con un grupo de marginados para salvar a todos en el planeta.

Cuando Toy Story fue lanzada en 1995, no solo fue la primera película de Pixar, sino que fue su éxito más grande y su franquicia definitoria. La compañía ha evolucionado junto con la historia de esos juguetes favoritos de los fans, y Pixar demostró que podía hacer una secuela más grande que su predecesora con Toy Story 2 (1999), y que podía "aterrizar el avión" con éxito, por así decirlo, concluyendo la franquicia con Toy Story 3 (2010). Con Toy Story 4 (2019) casi una década después, fue un momento en el que muchos dijeron que Pixar estaba contento con las secuelas, volviéndose como cualquier otro estudio y sintiéndose, bueno, un poco menos especial.

Entonces, en dónde se ubica Lightyear, el primer gran spin-off teatral de Pixar? No es una película exactamente "hasta el infinito y más allá", sino un viaje entretenido a la estratosfera. Aunque, si eres un fanático de los detalles, la idea de que esta historia de la misión de Buzz Lightyear es la película que hizo que un joven Andy se enamorara del personaje no tiene ningún sentido. Aún así, es una extensión de la franquicia de Toy Story que trae un cambio drástico en la dirección y la inevitabilidad de las secuelas que llegan hoy día a la velocidad de la luz.

Para esta versión de Buzz Lightyear, Chris Evans reemplaza a Tim Allen como la voz del guardián espacial. El cambio no significa mucho, ya que Evans básicamente está hablando con el mismo tono ridículamente heroico y autoritario que hizo con Captain America. La historia encuentra a Buzz, su equipo de guardianes espaciales y la tripulación de una nave varados en un planeta lejano lleno de insectos alienígenas gigantes que buscan matarlos. Por qué están atascados? Porque un terco Buzz rechazó la ayuda de los demás cuando se la ofrecieron. En un esfuerzo por corregir un error que recae únicamente sobre sus hombros, Buzz experimenta con diferentes combinaciones de combustible para salir del planeta y que todos puedan regresar a casa. Pero con cada fracaso sucesivo pierde cuatro años de tiempo. Todos los que conoce envejecen, mientras que él permanece igual.

En la escena más conmovedora de la película, y al más puro estilo Pixar, este paso del tiempo es visualizado por Buzz en sus amigos. Eso incluye a su mejor amiga y comandante, Alisha Hawthorne, cuya vida transcurre en una serie de montajes. Se ve su matrimonio con otra mujer, el nacimiento de un hijo, un aniversario de bodas y la llegada de una nieta. Pero a medida que las personas que lo rodean envejecen y eventualmente mueren, Buzz siente todo el peso de lo que ha hecho. Todo su sistema de apoyo también se ha ido, dejándolo más perdido que nunca.

Eventualmente, una nueva misión le ofrece a Buzz la oportunidad de redimirse. Robots alienígenas bajo el gobierno de su eventual némesis, Zurg, comienzan a atacar a la población humana restante en el planeta. Buzz, que ha visto a la generación anterior pasar a una nueva, y que sigue estancada por su arrogancia, se encarga de acudir al rescate. Es una historia muy directa y lineal con mensajes claros. Buzz tiene que aprender a superar su terquedad y aprender a trabajar en equipo. Sus nuevos compañeros de equipo también son un grupo animado, que realmente le dan a esta historia una dosis de energía.

Keke Palmer da voz a la entusiasta Izzy Hawthorne, la nieta de Alisha. Taika Waititi da voz a Mo Morrison, un personaje obsesionado con un bolígrafo, y ​​Dale Soules le da voz a la ex reclusa Darby Steel. Pero la verdadera estrella de la película, y estoy casi seguro que obtendrá su propio spin-off y venderá millones en mercancía de Disney, es Sox, el gato robótico. Con la voz del veterano y director de Pixar, Peter Sohn, Sox tiene todos los mejores chistes y haría un equipo felino espectacular en Disney con el gato Goose de Captain Marvel (2019). Cada vez que la película comienza a desviarse de su curso, Sox está ahí para salvarla con una o dos líneas divertidas.

Sin embargo, desviarse de su curso es algo que Lightyear hace constantemente. Si bien es refrescantemente fácil de seguir en su mayor parte, el guión presenta una peculiaridad de viaje en el tiempo más adelante en la historia que complica innecesariamente las cosas y conduce a una exposición interminable. La diversión está en descubrir cómo Buzz y sus nuevos amigos saltan de un percance galáctico al siguiente, convirtiéndose en un verdadero equipo en el proceso. Cualquier cosa fuera de eso es gratuita y, como resultado, la película no puede evitar sentirse demasiado larga.

En general, esta es una de las películas más hermosas que ha hecho Pixar visualmente. Nunca antes los habíamos visto hacer este tipo de verdadera aventura de la era espacial y claramente se están deleitando con ella. Hay varias líneas o homenajes de películas anteriores que podrían haber parecido desechables, pero ahora tienen relevancia. Si bien se puede argumentar que Lightyear es la película menos importante de la franquicia, sigue siendo un entretenimiento agradable que traza un nuevo rumbo. No espero que esta sea la última misión que tengamos de Buzz Lightyear, pero la pregunta es si esto llevará a Pixar a desarrollar historias de origen para otros juguetes del cuarto de Andy. Al final, Lightyear es una forma increíblemente extraña de establecer una historia de semi origen para el personaje de Buzz Lightyear, pero esta rareza es solo la muestra de los extraños sucesos de la película, que se convierte en viajes en el tiempo como una forma de complicar la experiencia de exploración y rescate de Buzz. La película se mantiene en sintonía con la fórmula de narración de Pixar, pero toman algunas decisiones inesperadas con el guión, lo que podría mantenerla fuera del alcance de las audiencias más jóvenes. Nota adicional: hay 2 escenas durante y 1 después de los créditos.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Jurassic World: Dominion

Saltamontes agresivos y modificados genéticamente están destruyendo los cultivos en todo Estados Unidos, y la Dra. Ellie Sattler (Laura Dern) se da cuenta de que algo se está gestando en Biosyn Genetics, ya que sus cultivos no han sido tocados. Ellie recurre al Dr. Alan Grant (Sam Neill) en busca de ayuda, y la pareja viaja a Italia para visitar Biosyn, se reúnen con el director ejecutivo, el Dr. Lewis Dodgson (Campbell Scott), y también con el profesor Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum). En California, Owen Grady (Chris Pratt) y Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) están criando a Maisie Lockwood (Isabella Sermon), un clon especial con ADN apreciado por Biosyn, pero ella lucha contra el aislamiento por parte Owen y Claire. Tomada como una recompensa, Maisie es enviada a Biosyn, lo que asusta a sus guardianes, quienes emprenden acciones inmediatas contra sus enemigos. También está involucrado el bebé del velociraptor Blue, que se lo llevan en el secuestro, inspirando a Claire y Owen a abrirse camino para recuperarlos, encontrando ayuda de la piloto Kayla Watts (DeWanda Wise) y el agente especial francés Barry (Omar Sy) mientras navegan un mundo lleno de dinosaurios.

Jurassic World: Dominion es toda la serie resumida y repleta de situaciones apocalípticas, oscuros laboratorios secretos y monstruos mutantes. Si Dominion carece de los mordiscos de los dinosaurios y el horror feroz de las entregas anteriores, lo compensa con una acción constante y un cierre apropiado para sus personajes centrales. En última instancia, esta es una despedida finamente elaborada, visualmente estimulante y ridículamente divertida para una serie brillante. Combina lo antiguo con lo nuevo muy bien, de una manera que sigue siendo respetuosa con ambas épocas de la tradición de Jurassic Park. Los homenajes a entregas pasadas están dispersos por todas partes a lo largo de la película, que se dice concluye la saga con esta, y me divertí mucho tratando de encontrarlas todas.

Han pasado tres décadas desde el incidente de Jurassic Park y los peores temores del Dr. Ian Malcolm se han hecho realidad. Los humanos y los dinosaurios ahora deben coexistir. En caso de que necesiten refrescarse, Jurassic World: Fallen Kingdom (2018) terminó con todas las especies rescatadas de la enorme erupción volcánica liberadas en la naturaleza por el clon humano, Maisie Lockwood. Dominion duplica este concepto con un segmento de apertura que profundiza en las muertes relacionadas con los dinosaurios, el mercado negro global y vislumbra las repercusiones en el mundo real de la decisión apresurada de salvar a los dinosaurios. En el centro del drama esta vez está Biosyn Genetics, que ha formado un santuario en Italia para estudiar los dinosaurios que han sido rescatados y llevados allí. La primera hora de Dominion actúa como una configuración elaborada, ya que tomamos a cada uno de nuestros seis personajes principales y establecemos las apuestas y la historia esta vez.

Claire Dearing, en la próxima evolución natural de su personaje, todavía está trabajando con sus viejos amigos en el Dinosaur Protection Group, ahora en la forma de atrapar dinosaurios de instalaciones de cría ilegales. Owen Grady sigue siendo un amante voraz de los animales y reúne animales a caballo para reubicarlos. Owen y Claire viven con Maisie en un lugar apartado en lo profundo del bosque, con cuidado de no dejarla pasar el puente para que no la vean. Han formado una especie de familia improvisada, con Blue, el velociraptor, y su nuevo bebé que viven justo fuera de su propiedad, anidados en un gran autobús escolar abandonado. Cuando cazadores le quitan a la bebé de Blue, Beta, y a Maisie, Owen y Claire recurren a Franklin y su experiencia con la C.I.A. para ayudar a rastrearlos.

Mientras tanto, el trío central de la trilogía original de Jurassic Park tiene su propia participación que se vuelve esencial para la narrativa. La Dra. Ellie Sattler, a quien vimos por última vez en Jurassic Park III (2001) escribiendo tranquilamente un libro y tratando de criar a sus hijos en paz, ahora tiene estudiantes que trabajan con ella para investigar los impactos de la agricultura industrial. Un enjambre de saltamontes de tamaño gigante está conquistando, multiplicándose y amenazando el suministro de alimentos del mundo. Después de recibir una invitación exclusiva al santuario principal de Biosyn de parte de su viejo amigo, el Dr. Ian Malcolm, Ellie recluta al paleontólogo Dr. Alan Grant, quien parece haber recorrido un largo camino desde que planteó la hipótesis de que los raptors serían la especie dominante en nuestro planeta. Juntos, el trío debe intentar resolver el misterio de los saltamontes mutantes para evitar que la humanidad se extinga permanentemente en cuestión de semanas.

Estas dos partes separadas forman un junte completo que puede que no siempre funcione a la perfección, pero sin duda sigue siendo cautivador en todo momento. Las mejores partes son los momentos oscuros y peligrosos que abarcan las características de la serie y los equipos inesperados que se forman creando una química fácil entre el elenco. Personajes adicionales, como un nuevo villano llamado el Dr. Lewis Dodgson, el científico de laboratorio Henry Wu (interpretado por BD Wong), la piloto a sueldo Kayla Watts y el amable empleado de Biosyn Ramsay Cole (interpretado por Mamoudou Athie), dejan su huella en la narrativa de maneras divertidas. Grandes escenas de acción que incluyen una persecución de raptors y motocicletas en Malta, un enfrentamiento que rompe el hielo en un paisaje nevado y un nuevo dinosaurio, el Gigantosaurus, muestran el trabajo estelar de los efectos especiales y capturan el suspenso de las películas de Jurassic Park.

El problema principal con la historia es que es difícil, especialmente para la segunda mitad, sentirse tan sorprendido con todas las especies, literalmente, luchando en la naturaleza. Para mí, uno de los aspectos más intrigantes de Fallen Kingdom fue el final. Prometiendo un nuevo futuro definido para nuestros héroes y dinosaurios, las emociones y escalofríos de Dominion son sólidas en el primer acto. Sin embargo, cómo se supone que supere el factor sorpresa de todos estos animales que coexisten con nosotros? El hecho que Dominion parece tener la misma ventaja que Fallen Kingdom en el sentido de que "debemos coexistir con los dinosaurios" se siente como un pequeño paso en falso. Fallen Kingdom hizo todo lo posible para establecer la ampliación del alcance, solo para que Dominion se redujera a una sola ubicación a medida que avanza la película. Me encantó la inyección de adrenalina de la nostalgia de esta serie, pero creo que anunciarla como la última película es cerrar el libro en un mar de otras posibilidades.

En general, esta es la película más familiar de la serie, que solo se ha vuelto más oscura con cada entrada. Fallen Kingdom vio una violencia, a menudo sangrienta, e incluso se sumergió en el horror gótico. Dominion nos lleva de vuelta a lo básico, evocando los primeros sentimientos de calidez y previsibilidad que trajo la primera película. Traer de vuelta a Laura Dern, Sam Neill y Jeff Goldblum fue, sinceramente, una decisión genial que me encantaría ver en futuras secuelas si deciden hacerlas. Como una película final, quería más, pero como otra entrada de Jurassic Park, Dominion reina sobre varias entregas menores de la serie. Al final, Jurassic World: Dominion es puro entretenimiento de verano. Aún así, Dominion nos recuerda cuán deficiente se ha vuelto esta franquicia desde la película original de Jurassic Park. La adición de los personajes originales es un esfuerzo por dar una apariencia de vida a una serie que ha perdido hace mucho tiempo lo que hizo a Jurassic Park especial... el corazón y, en última instancia, la humanidad. Si se supone que este es el final de la saga, logra todo para lo que fue creada. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Hustle

Stanley Beren (Adam Sandler) es un buscador de talentos para el equipo de baloncesto de los Philadelphia 76ers, que pasa sus años viajando por todo el mundo para descubrir los últimos talentos. Apreciado por el dueño del equipo Rex Merrick (Robert Duvall), finalmente le ofrecen un puesto de entrenador asistente como recompensa por su lealtad, pero el día de su ascenso, el anciano fallece, dejando el control del equipo a su hijo Vince (Ben Foster) que no comparte la fe de su padre en Stanley. Degradado nuevamente a buscador de talentos, Stanley tiene la tarea de encontrar la pieza faltante para los 76ers, encontrándose con un talento inusual en España, espiando a Bo Cruz (Juancho Hernangómez) en acción. Consiguiendo la atención del joven, Stanley trabaja para traer a Bo a Estados Unidos, con la esperanza de causar una impresión inmediata en Vince, restaurando su reputación en el proceso. Si bien Bo es un jugador talentoso, su pasado es preocupante y su control de impulsos es limitado, lo que obliga a Stanley a enfrentarse al gran hombre como un agente independiente, lo que ayuda a perfeccionar al atleta mientras intentan encontrar una nueva forma de ingresar a la NBA.

A primera vista, Hustle (de Netflix) puede parecer el estereotipo de un drama deportivo inspirador. Protagonizada por Adam Sandler en uno de sus mejores papeles dramáticos hasta el momento, Hustle ciertamente se ajusta a esa descripción, pero la película es en realidad una brillante carta de amor al deporte del baloncesto. Yo mismo soy fanático del deporte, pero no es necesario tener el más mínimo conocimiento sobre baloncesto para disfrutar de la película. Hustle no requiere un libro de texto con jergas deportivas para infiltrarse en su creciente historia. Sandler actúa junto al jugador de baloncesto profesional español Juancho Hernangómez para crear una amistad platónica para siempre.

Stanley ha sido un buscador de talentos en el baloncesto durante años y, con casi tres décadas en el negocio, finalmente tiene la oportunidad de ascender. Se ha perdido innumerables cumpleaños e importantes momentos familiares con su solidaria esposa Teresa (interpretada por Queen Latifah) y su hija cinéfila Alex (interpretada por Jordan Hull), pero todo parece estar a punto de cambiar. Después de un arduo trabajo insuperable, el propietario de los Philadelphia 76ers, Rex, finalmente nombra a Stanley como entrenador asistente del equipo. Sin embargo, antes de que Stanley pueda poner su pie en la puerta, Rex fallece inesperadamente, dejando a su incorregible e impulsivo hijo Vince a cargo.

Stanley y Vince normalmente no están de acuerdo. Esta tradición continúa apenas unos meses después, cuando los planes de Stanley de finalmente instalarse en casa para celebrar el cumpleaños de su hija por primera vez en mucho tiempo se ven en peligro. Vince asigna a Stanley para que vuelva de buscador de talentos una vez más antes de regresar a su papel de entrenador asistente, lo que se siente como una bofetada, pero qué otra opción tiene realmente? Espectacularmente, Stanley no tarda mucho en captar la atención de un talento en particular. Durante un viaje a España, Stanley asiste a un juego de baloncesto callejero en el que un jugador imponente domina absolutamente. Es ahí cuando sigue al trabajador de construcción Bo de regreso a su casa y logra convencer al jugador de que regrese a los Estados Unidos con él como un posible recluta. Stanley se está precipitando, o este potencial jugador podría realmente estar destinado al estrellato?

Los detractores de Sandler pueden ver el logo de Happy Madison como una señal de alerta, pero personalmente nunca he tenido problemas con las películas que hace para la compañía. Por lo general, todo lo que pido de sus películas es que sean buenas para pasar un buen rato. Eso es lo que hace que sea aún más impactante que Hustle llegue al punto ideal dramático que pocos pueden lograr de manera convincente. Lo que funciona mejor aquí es cada interacción entre Stanley y Bo, así como los propios partidos de baloncesto, que se filman con intensidad. Sandler y Hernangómez son un dúo dinámico, ya sea que se unan por el amor que comparten por sus hijas, peleen en broma por sus hábitos pornográficos, desarrollen apodos tontos el uno para el otro o canalicen su pasión por el éxito para motivar su progreso. Stanley sigue comprometido con el viaje de Bo de principio a fin, sin importar lo que piensen los demás, ya que lo está apoyando en cada paso del camino. Una conclusión agridulce marca la mayoría de las casillas que uno esperaría. También hay un montaje de entrenamiento al estilo Rocky con música inspiradora. Independientemente, un nivel de previsibilidad no atenúa ni un gramo de la potencia de Hustle.

Completando el elenco con jugadores y entrenadores de baloncesto de la vida real, la película se unta con una gruesa capa de autenticidad. El amor de Sandler por el baloncesto está a la vanguardia. Su interpretación de un explorador de la suerte al que no le queda mucho en el tanque es acertada. Aporta un aire de realismo y tristeza a la película, pero con un rayo de esperanza y fuerza. Sandler sigue mostrando su versatilidad y, llegados a este punto, su rango no debería sorprender. Ha hecho películas de deportes en el pasado, pero ya pasó de la etapa de The Waterboy (1998) y Happy Gilmore (1996) de su carrera. Me gustaba Sandler a mediados de sus 20, pero recibo esta nueva era con los brazos abiertos. La película no reinventa la rueda y puede tener un pequeño puñado de clichés deportivos, pero eso no daña en absoluto el producto final.

En general, esta es una película impresionante que será la favorita de muchos, especialmente del público masculino. Lanzarla en Netflix también parece ser una apuesta sólida considerando la variedad de espectadores a los que podrá llegar. Simplemente, me encantó. Podría ser controversial decirlo, pero esta se convertirá fácilmente en una de mis actuaciones favoritas de Adam Sandler de todos los tiempos. Al final, Hustle ha aportado energía y un amor casi abrumador por el baloncesto, y aunque en ocasiones se vuelve empalagosa, la película sigue siendo lo más real posible para este tipo de entretenimiento, y también le presenta a Sandler otra oportunidad de mostrar su nuevo dominio de papeles serios en vez de actuaciones cómicas, haciendo que sus momentos cuenten en el largometraje. Vale la pena verla, pero los fanáticos del baloncesto no pueden perderse esto.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Crimes Of The Future

En el futuro, Saul Tenser (Viggo Mortensen) es el favorito del mundo de las artes escénicas y trabaja con su leal compañera, Caprice (Léa Seydoux). Saul tiene el síndrome de evolución acelerada, que le permite desarrollar nuevos órganos dentro de su cuerpo, trabajando con Caprice para eliminar sus entrañas que se multiplican a través de dispositivos especiales que le permiten a la audiencia la oportunidad de deleitarse con el proceso quirúrgico. Saul no se encuentra bien de salud, pero está concentrado en su próxima aparición, pronto interrumpido por Wippet (Don McKellar) y Timlin (Kristen Stewart), un par de investigadores que trabajan con el Registro Nacional de Órganos, que buscan tatuar los crecimientos del artista como una forma de rastrear las adiciones, obsesionándose rápidamente con las habilidades de Saul y su aura misteriosa. También involucrado en la situación está Lang Dotrice (Scott Speedman), un líder en un nuevo orden mundial dedicado al consumo de plástico, con la esperanza de llevar a Saul a su hijo de 8 años recientemente asesinado para que lo use en su última pieza, solicitando una autopsia pública del chico.

A finales de la década de 1970 y principios de los 1980, un nuevo y controvertido género de terror comúnmente conocido como Body Horror comenzó a ganar terreno. El subgénero era conocido por generar horror a partir de inquietantes violaciones y manipulaciones del cuerpo humano. Debido a su naturaleza grotesca y su indulgencia en la violencia gráfica y el contenido sexual, el Body Horror fue visto por los críticos y el público general como vulgar y estaba dirigido principalmente a la misma multitud que consumía películas de culto y, en aquel momento, los llamados Video Nasties. En ese momento, el cineasta canadiense David Cronenberg llevó el género a nuevas alturas al entrelazar el terror físico con el terror psicológico. Sus películas tenían menos que ver con el elemento de shock y son más un estudio de lo que sucede cuando llevas el cuerpo humano al límite. Cronenberg hizo una serie de clásicos de culto bajo el radar del Body Horror, que incluyen The Brood (1979), Videodrome (1983), The Fly (1986), Crash (1996), entre otras. Con el cambio de siglo, Cronenberg pasó a hacer cosas más serias, inclinándose más hacia los thrillers y los dramas psicológicos que hacia el terror. Alrededor de este tiempo, el Body Horror perdió su atractivo y retrocedió de alto entretenimiento intelectual a solo bajo entretenimiento.

En los últimos años, el Body Horror ha comenzado a ver un resurgimiento. El debut como directora de Julia Ducournau, Raw (2016), y su más recientemente película, Titane (2021), han rejuvenecido el subgénero y han inspirado a una nueva ola de cineastas que están haciendo estudios inteligentes y provocativos sobre el cuerpo humano y sus capacidades. Con el Body Horror de vuelta, David Cronenberg ha salido de su retiro para regresar al género con el que está fuertemente asociado y del que es considerado el maestro. Crimes Of The Future es la primera película de Cronenberg en ocho años y ve al legendario cineasta reuniéndose con su musa artística, Viggo Mortensen.

La película tiene lugar en un futuro post-apocalíptico donde individuos seleccionados comienzan a mutar al experimentar un trastorno conocido como síndrome de evolución acelerada, donde nuevos tipos de órganos se desarrollan al azar. Las personas que experimentan el síndrome de evolución acelerada tienen dificultad para digerir la comida y están insensibles al dolor corporal. Mortensen interpreta a Saul Tenser, uno de los primeros humanos en experimentar y estudiar este trastorno. Saul y su compañera Caprice son artistas que exhiben la extracción de los nuevos órganos de Tenser frente a una audiencia en vivo cada noche. Él tiene la creencia de que los órganos que están creciendo en su cuerpo no son naturales y podrían provocar daños si no se extirpan, mientras que otros creen que estos crecimientos son parte de la evolución natural de la raza humana. La película ofrece un estudio oscuro y sombrío del cuerpo humano que imagina un futuro en el que nuestros cuerpos se alteran físicamente para preservar y adaptarse al estado urgente de nuestro planeta con respecto al cambio climático.

Los fanáticos del Body Horror a menudo se sienten atraídos por el género porque buscan una experiencia cinematográfica única que los deje en absoluto disgusto. Si bien Crimes Of The Future es ciertamente inquietante, no es por las mismas razones que la mayoría de los primeros trabajos de Cronenberg. Su uso de prótesis y efectos visuales para representar la mutilación de cuerpos a menudo es tan detallado que es difícil de digerir. La película tiene su cuota de escenas quirúrgicas que muestran los cortes de la piel para mostrar el interior del cuerpo humano y el crecimiento de nuevos órganos, pero es bastante ligera en sangre para una película comercializada como repugnantemente grotesca. Los fanáticos de los primeros trabajos de Cronenberg que buscan otra experiencia desagradable del maestro del horror grotesco se sentirán decepcionados.

Sin embargo, podría decirse que esta película es más inquietante que la gran mayoría de la filmografía de Cronenberg. Si bien algunas de sus películas están llenas de imágenes sangrientas y extrañas, hay un cierto nivel de desapego de la realidad que las hace sorprendentes en el momento antes de perder su impacto con el tiempo. La razón por la que muchos fanáticos eligen a Crash (1996) como su obra más inquietante no es solo por su tema hipersexual, sino también por cómo se basa en la realidad. Crimes Of The Future es una película cruda y con los pies en la tierra que muestra un mundo no muy alejado del actual si el cambio climático no se toma más en serio. Su estudio del cuerpo humano es mucho más psicológico y meditativo que físico. En lugar de mostrar abiertamente la mutilación del cuerpo, la película da los materiales para imaginarlo vívidamente, lo que es tan perturbador como una prueba para la audiencia.

Desde un punto de vista visual, la película es extremadamente detallada y está bien filmada. Casi todas las escenas tienen lugar de noche o en un lugar con poca luz, lo que crea una atmósfera espeluznante. Los visuales y el diseño de producción estelar ayudan a dar vida al mundo postapocalíptico de Cronenberg. Las sillas con forma de huesos, las herramientas quirúrgicas que se asemejan a la materia cerebral y las personas con múltiples orejas pegadas a sus cuerpos son señales visuales que hacen que este mundo se destaque de las visiones imaginadas de un futuro post-apocalíptico. Mientras tanto, las actuaciones no son necesariamente innovadoras, pero sirven bien a la película. Léa Seydoux es la más destacada, dando una interpretación compleja como Caprice, una mujer dedicada a su arte, que adora y envidia el crecimiento único de los órganos de Saul y su resistencia al dolor. Viggo Mortensen es cautivador como Saul Tenser, el protagonista central de la película, ofreciendo una de sus actuaciones más sombrías hasta el momento. La actuación de Kristen Stewart como una mujer llamada Timlin es extraña, pero fascinante. Su entrega de líneas susurrantes y gestos poco convencionales ayudan a dar vida a un personaje realmente extraño que encarna la naturaleza represiva de la artesanía mundial de Cronenberg.

En general, esta es una película fascinante y muy bien elaborada, pero está lejos de ser perfecta. Cronenberg presenta muchas ideas densas sobre la evolución del cuerpo humano y el futuro de nuestro mundo, pero tal vez es un poco demasiado abierto, hasta el punto en que algunas de estas ideas se diluyen. Hay ciertos puntos de la trama y personajes que se sienten como ideas inacabadas y que no se realizan por completo. A pesar de sus deficiencias, es una de las mejores películas de Cronenberg de este milenio y prueba de que sigue siendo un maestro del cine de terror. Al final, Crimes Of The Future devuelve a David Cronenberg a un mundo de carne y fijación mientras revive su interés en las formas de la sociedad humana y la contaminación de la mente y el cuerpo, empujando el material a los mundos del arte escénico y la ficción detectivesca emergiendo con una visión muy original para una evolución siniestra. Apreciar la imaginación de la película es fácil, pero el esfuerzo requiere un poco más de paciencia al superar la habitual frialdad narrativa de Cronenberg, que limita la inmersión en este peculiar mundo de éxtasis quirúrgico mientras lidia con las perversiones de la humanidad en un futuro de horrores desconocidos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Last Seen Alive

Will (Gerard Butler) y Lisa (Jamie Alexander) están casados ​​y atraviesan un período difícil en sus vidas juntos. Lisa engañó a Will hace seis meses, y no han sido los mismos desde entonces, trabajando en la comunicación mientras manejan hacia la casa de los padres de Lisa, dándole un descanso de dos semanas a su relación. Al acercarse a su destino, Will tiene que detenerse en una gasolinera para llenar el tanque mientras Lisa compra una botella de agua en la tienda. Cuando Will termina su transacción, su esposa no se encuentra por ningún lado, y la ansiedad de darse cuenta que no aparece aumenta a medida que la busca por la propiedad. Temiendo lo peor, Will se pone en contacto con las autoridades locales y el detective Paterson (Russell Hornsby) llega para investigar. Sin embargo, la inacción y la sospecha de la policía frustran a Will, quien decide seguir buscando a su esposa, siguiendo pistas en el área que podrían identificar el paradero de Lisa.

Al igual que Jason Statham, Nicolas Cage y Liam Neeson, Gerard Butler se ha convertido en su propia industria, su propio estándar, en el género de las películas de acción. Si bien no alcanza las alturas de sus contemporáneos, ha logrado hacer un hueco bastante agradable con películas de acción delirantemente divertidas como su trilogía Has Fallen (2013, 2016, 2019), Den Of Thieves (2018) y Law Abiding Citizen (2009). Last Seen Alive no es diferente, aunque mucho más tenue. La película promete algo familiar y cumple con competencia, manteniendo todo en su lugar con la urgencia de mover las cosas mientras aún hay tiempo. Una cuestión de motivo es el último suspiro de emoción narrativa, que se revela como algo aún familiar, pero tiene sentido en el contexto y es lo suficientemente entretenido.

Gerard Butler es excelente como Will Spann, quien está haciendo todo lo posible para mantener unido su matrimonio. El éxito ha tenido un precio para Will, ya que las largas horas lejos de su bella esposa Lisa han afectado su relación. Butler interpreta a Will con los pies en la tierra con cantidades adecuadas de vulnerabilidad y machismo. Por supuesto, se convierte en una bestia enojada cuando llega el momento de encontrar a su amada desaparecida. Jamie Alexander es pasable en el papel secundario como su esposa distante, aunque las motivaciones de su personaje para dejar a su esposo parecen bastante egoístas dado que parece un gran tipo que haría cualquier cosa por ella... como se ve durante el transcurso de toda la acción. Russell Hornsby es muy bueno en el papel del detective que es asignado al caso cuando Lisa desaparece. Escéptico al principio y pensando que Will está detrás del secuestro de su propia esposa, el detective pronto revela un lado oscuro cuando se revela la verdad y demuestra ser un aliado digno del héroe.

La trama de esta película es sumamente similar a la de la película Breakdown (1997) de Kurt Russell, pero ahí es donde termina la similitud. Si bien Breakdown fue un thriller con secuencias de acción épicas y una revelación difícil de tragar, Last Seen Alive mantiene las cosas realistas y simples en su mayor parte. No hay grandes persecuciones de autos ni giros ridículos en la trama. Esta película trata sobre hasta dónde llegará un hombre para salvar a un ser querido y, sobre esa base, funciona bastante bien. Dirigida por Brian Goodman, la película mantiene las cosas tensas. Goodman es excelente y captura los matices entre las relaciones fragmentadas, y sus escenas de acción están bien escenificadas, bien filmadas y son brutales en una manera simplista.

El acto final, cuando Will alcanza a los villanos, es por mucho el más divertido. Will da algunas palizas horrendas, y una confrontación dentro de una casa de crack es intensa. Es refrescante ver que la producción usó una ubicación real, en lugar de un escenario. El principal problema de la película no es su familiaridad o sus personajes, sino su final. La película se desvanece un poco a medida que se acelera. Es una pena, considerando que las emociones y la tensión son casi insoportables.

En general, ya sea que el libreto o el presupuesto sean los culpables, la película no tiene mucho alcance, manteniéndose extrañamente pequeña en una historia que pudo haber visto algún beneficio de un área de búsqueda más ampliada. La pequeña ciudad de Georgia es un escenario interesante para esta historia, pero la insistencia de permanecer en gran medida en una estación de gasolina, una estación de policía y un área boscosa que los rodea hace que la búsqueda de Will se sienta más limitada de lo que debería y su llegada a áreas relacionadas con el el crimen aparece como accidental en lugar de deliberada. Al final, Last Seen Alive es una película con una trama demasiado familiar, un número limitado de ubicaciones, y problemas de edición extraños, pero aún así es satisfactorio ver una película con una buena construcción y buenos actores que ilustran la espiral descendente de una investigación nerviosa.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Black Glasses

Diana (Ilaria Pastorelli) es una prostituta de los hoteles romanos. Un día se encuentra mirando al sol durante un eclipse total de sol que arroja temporalmente la ciudad a la oscuridad. Sus ojos se irritan y no quiere quitarse las gafas. Lo que ella no sabe es que esas gafas no se las volverá a quitar. Al salir de un hotel, es atacada por un asesino en serie. Mientras es perseguida por una camioneta blanca, resulta gravemente herida en un accidente automovilístico. Ella pierde la vista y los pasajeros de otro automóvil cercano mueren. Ahora, para Diana comienza una nueva vida. Ella termina vinculándose con Chin (Zhang Xinyu), el niño chino cuya familia estuvo involucrada en el accidente y es un huésped en un refugio después de la pérdida de sus padres. Pero la cercanía entre ambos acabará poniendo en peligro al niño. El asesino, que ya ha matado a otras personas, sigue amenazando la vida de Diana, y ahora también la de Chin. Para ayudarlos estará la asistente Rita (Asia Argento), quien les entrega a Nerea, una perra pastor aleman que pronto se convertirá en su inseparable compañera.

Black Glasses marca el regreso de Dario Argento a la dirección después de una ausencia de 10 años. Es uno de los cineastas italianos más influyentes dedicados al género de terror y ayudó a popularizar lo que se llamaría Giallo, un subgénero que generalmente establece un asesinato/misterio espantoso en el contexto de una elegante ficción detectivesca. En otras palabras, un slasher más elegante. Su película Suspiria (1977) es probablemente la película de terror italiana más famosa de todos los tiempos y está considerada una obra maestra del cine de terror. Pero el nombre Argento también representa un enfoque idiosincrásico de la dramaturgia de suspenso, un diseño de color intenso, una atención especial a la dirección de arte, diseños de escenarios, escenarios visualmente impresionantes que marcan la pauta para un festival sangriento y bandas sonoras inquietantes, todo lo cual hace que sus películas sean tan vivas como atemporales. Sin embargo, su última película, Drácula 3D (2012), fracasó tanto que el lanzamiento de Black Glasses fue una completa sorpresa.

La atención a los detalles técnicos del arte vuelve a estar presente en Black Glasses, pero termina siendo una de las pocas cosas notables de la película. Así que, qué hay de malo? Bueno, mucho, francamente, pero el tema central, el que finalmente ha sido el problema todo este tiempo, es este: Argento está paralizado por su propia reputación. La película se siente como un tributo a Argento que está tan decidido a reproducir su estilo que incluso lo contrató como director. Eso probablemente no esté lejos de la verdad. Más que cualquier otra película, esta es una película creada con valores de producción ligeramente mejores que los que hemos visto en años. También tiene una insistencia en que la película sea en italiano y tenga subtítulos en lugar de que sea doblada, y una banda sonora de sintetizador de película de terror más moderna que hace referencia a la banda Goblin sin copiarlos.

Igualmente, incluye algunas actuaciones terribles, en particular de la estrella principal Ilaria Pastorelli, que es bastante mala, y tiene un ritmo terrible que permite que la película se detenga por completo durante gran parte de la sección central. Se siente extrañamente anticuada, ya que presenta un poco la idea de que Argento debe ingresar a la era moderna del cine de terror. Pero más que nada, se siente como una colección de grandes éxitos de Argento, aunque es más bien como una de esas compilaciones que nos dicen en letra pequeña que se trata de nuevas grabaciones de los artistas originales. Entonces lo que recibimos más o menos son momentos de The Cat O'Nine Tails (1971), Deep Red (1975), Suspiria (1977), Tenebre (1982) y otras, durante toda la película. Todos los cuales me recordaron cuán mejores eran esas películas.

Con muchos clichés desesperados, la película se esfuerza demasiado y constantemente pierde el punto. Se configura como un Giallo clásico (hasta el título) y luego descarta cualquier sentido de misterio porque no puede esperar para revelar inútilmente quién es el asesino. También parece una estafa en los slashers de terror de la era de Hollywood de los años 80's al hacerlo aparentemente indestructible sin una buena razón. Durante largos fragmentos de la narración, parece como si la película hubiera olvidado que es una película de terror, revolcándose en un sentimentalismo, y la escena final es agradable aunque continúa para siempre sin agregar nada. No tiene nada de malo agregar capas de drama en historias de terror, pero los personajes aquí son unidimensionales y apenas tienen personalidad.

Por otro lado, el terror en sí también está mal concebido, ya que el nivel de tensión de la película va disminuyendo a medida que avanza la historia. Más de una vez repite la fórmula de tirar personajes que no nos importan en la narrativa, para que mueran instantes después, creando una atmósfera decepcionante cada vez que el suspenso continúa. No se decepcionarán si esperan muertes espantosas y un montón de sangre derramada por todas partes, ya que los efectos sangrientos se ven tan brillantes como cualquier otro de una película de Dario Argento, pero las circunstancias que conducen a estas escenas están muy mal conducidas, y a menudo deja un sabor a indiferencia. Todos estos factores conducen a una confrontación directa entre los defectos de la película y sus notables cualidades.

En general, si se trata de un resurgimiento, debemos ponerlo en contexto. Es la mejor película de Argento en años o décadas, en el mejor de los casos. Es quizás la película que permitirá a los críticos de algunos de sus trabajos más "recientes" (dado que su última película fue hace una década, reciente es relativo, pero saben a lo que me refiero) admitir finalmente que fueron horribles. Nada de esto significa que Black Glasses sea realmente buena, al menos no para los estándares de las películas de Argento más promedio de los años 70's, pero es extrañamente fácil de ver y eso en sí mismo es un gran paso adelante. Al final, Black Glasses es ligeramente mejor que los últimos lanzamientos de Argento, pero al final se queda corta. Aunque es decepcionante como una película de terror/suspenso, las tensiones aumentan en los últimos 20 minutos con una serie de homenajes a películas anteriores de Argento y lugares atmosféricos. Con un poco más de presupuesto para darle vida a algunas muertes y tal vez un poco más de trabajo de cámara elegante, quién sabe lo que podría haber entregado. Si la película existe para redimir la reputación de Argento, entonces probablemente sea un trabajo a medias, y eso podría ser tan bueno como podemos esperar en estos momentos. A los 81 años, parece poco probable (aunque no imposible) que Argento vuelva a dirigir otra película, por lo que probablemente sea lo mejor, y lo último, que obtendremos de él.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Interceptor

La capitán JJ Collins (Elsa Pataky) ha experimentado los horrores de ser mujer en el ejército, tratando de volver al servicio después de un revés devastador en su carrera y estado mental. La envían al SBX-1, una estación de alerta en el Océano Pacífico dedicada a proteger a los Estados Unidos de un ataque con misiles nucleares. Acompañada por Beaver (Aaron Glenane) y Shah (Mayen Mehta), Collins está lista para volver al trabajo, pero se desencadena una emergencia una vez que llega, con otra estación de alerta atacada en Alaska, lo que convierte a SBX-1 en la única línea de defensa. Alexander Kesser (Luke Bracey) y sus ejecutores se escabullen a bordo de la estación para tomar su centro de control, haciendo planes para destruir un puñado de ciudades estadounidenses, demostrando su poder mientras recolecta una fortuna para sí mismo. De pie en el camino de la gloria está Collins, quien lucha contra los invasores, usando lo que puede para evitar que Alexander obtenga el control del sistema de defensa.

En los primeros momentos de Interceptor (de Netflix), estamos sin aliento por un montón de subtítulos narrativos, y informados de los dos sitios de defensa antimisiles capaces de detener un ataque nuclear contra los Estados Unidos. Uno está ubicado en Fort Greely en Alaska. El otro está en el SBX-1, una plataforma de defensa antimisiles en medio del océano. Pueden adivinar dónde eligió tener lugar la película? Interceptor, que actúa un poco como el primo lejano de otra película de acción del servicio de streaming, Extraction (2020), en realidad está protagonizada por Elsa Pataky, la esposa en la vida real de Chris Hemsworth, y ella se muestra bien en una película que fácilmente podría haber trabajado en los años de gloria del género de acción de los años 80's y 90's.

Pataky monta un espectáculo de una sola mujer peleando con terroristas y deteniendo la aniquilación nuclear. Es el tipo de retroceso exagerado que el género de acción ha encontrado con nueva vida en los servicios de streaming. El personaje de Pataky, la capitán JJ Collins, tiene una historia de fondo que Stallone y Schwarzenegger nunca tuvieron. JJ vio descarrilar su carrera militar cuando denunció a un vil general por acoso sexual. Los altos mandos no le creyeron, por lo que fue expulsada al SBX-1, donde puede estar fuera de la vista. Pero después de que una serie de ataques coordinados termina con 16 misiles balísticos intercontinentales robados de Rusia, y todos en Fort Greely asesinados, JJ vuelve a la acción cuando SBX-1 se convierte en la última línea de defensa del país.

La película es interesante porque es en parte una película de rescate y en parte un thriller donde JJ está escondida en un solo lugar luchando contra terroristas mientras trabaja para mantener el sistema de defensa en funcionamiento. Esto conduce a muchas peleas, incluida una buena batalla inspirada en kung-fu cerca del comienzo y muchos tiroteos en espacios reducidos. Pero también está el conteo regresivo del reloj, ya que JJ tiene que lidiar con un enemigo que está derritiendo las puertas reforzadas y entrando en la habitación donde ella y su tímido colega Shah y el macho tóxico Beaver están escondidos.

El villano es interpretado por Luke Bracey, y como Alexander Kessel es intrigante. Si bien me hubiera gustado verlo más maníatico, los juegos mentales de Kessel retuercen a JJ. Con 16 misiles nucleares apuntados a 16 ciudades estadounidenses diferentes, es claramente un traidor a su país. Pero Kessel juega con el maltrato de JJ por parte de los militares para tratar de ponerla de su lado. Kessel también representa una visión extremista de hombres que vemos impregnar el entorno actual. Pero JJ representa cómo se ve realmente el país hoy. La defensora de Estados Unidos y todo lo que representa es una mujer capaz de derrotar a cualquier hombre que se cruce en su camino. El coguionista/director Matthew Reilly salta con ambos pies en los clichés del género de acción y el salvaje patriotismo estadounidense, pero funciona como un contrapunto a la visión retorcida de Kessel.

Pataky impresiona en el aspecto físico, rompiendo huesos y rostros a partes iguales. Si bien su entrega de líneas parece un poco rígida, tiene las poses y el carácter de un héroe. En un momento, cuando se enfrenta a un enemigo aparentemente muy superior, simplemente ignora el momento y se mueve el cabello de la cara. Pataky parece una mujer ruda que podría derrotar hasta a Thor si quisiera. Hablando de eso, Chris Hemsworth aparece varias veces en un tonto papel de alivio cómico y, aunque al principio fue una distracción, debo admitir que me hizo reír por ser tan innecesario.

En general, la película se apoya mucho en los clichés, y de hecho creo que podría haber presionado más para hacer de Kessel una némesis más temible. El enfrentamiento final termina siendo bastante débil en comparación con todo lo que ocurre durante la película, pero es entendible ya que esta es una de las películas de acción con menos presupuesto de Netflix. La película demuestra ser una gran exposición para Pataky, quien con suerte obtendrá papeles destacados más importantes a partir de esto. Al final, Interceptor proporciona un escenario ligeramente diferente para su enfrentamiento entre el bien y el mal, y tiene a Elsa Pataky tomando el mando aquí, con la tarea de proporcionar poder físico e intimidación mientras interpreta a una capitán militar que defiende una estación de misiles de determinados enemigos terroristas. Pataky ciertamente se ve bien para el papel, y hay momentos de destrucción corporal que son lo suficientemente frenéticas como para proporcionar una situación entretenida. No es una película con un gran poder en la pantalla, pero tiene sus momentos positivos como una experiencia de visualización de película de clase B.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Memory

El asesino Alex Lewis (Liam Neeson) está listo para jubilarse, pero su empleador insiste en que acepte un último trabajo. Cuando se da cuenta de que lo contrataron para matar a una adolescente, este se niega a completar el trabajo. Esto pone un precio en su espalda, y a medida que aprende más sobre la peligrosa organización criminal que lo contrató, descubriendo una red de tráfico sexual de niños que está aprovechando las dificultades en la frontera sur de los Estados Unidos, Alex decide ponerles fin. Mientras tanto, los agentes del FBI Vincent Serra (Guy Pearce), Linda Amisted (Taj Atwal) y el agente de inteligencia mexicana Hugo Márquez (Harold Torres) son contratados para investigar el rastro de los cuerpos, acercándolos a Alex. Con el sindicato del crimen y el FBI persiguiéndolo, Alex tiene las habilidades para mantenerse a la vanguardia, excepto por una cosa: está luchando con una pérdida de memoria severa, que afecta todos sus movimientos. Ahora, Alex debe cuestionar cada una de sus acciones y, en última instancia, en quién puede confiar.

Las películas de acción protagonizadas por Liam Neeson se han convertido esencialmente en su propio género. Después de tantas en un período de tiempo relativamente corto, uno no puede evitar notar las mismas convenciones y peculiaridades más o menos repetidas una y otra vez, y que todas estas películas comienzan a sentirse igual. Dicho esto, el género continúa teniendo suficiente éxito como para garantizar más y más películas. Memory es, en cierto modo, la película perfecta para Neeson y el director Martin Campbell. Neeson ha sido el principal proveedor de películas de acción desde Taken (2008), mientras que Campbell es el director detrás de dos películas de James Bond y la sólida película de asesinos a sueldo del año pasado, The Protege. Con Memory, pueden escoger lo mejor del género de acción y unirlo con una trama de cómo sería para un asesino a sueldo después de años de trabajo sangriento y brutal. Qué tipo de impacto tiene eso en la psique de un asesino? Y qué sucede cuando los recuerdos comienzan a desvanecerse?

La premisa de la película encuentra a Neeson como Alex Lewis, un asesino que está comenzando a sufrir los efectos de la enfermedad de Alzheimer. Ahora, la fe de Alex también ha dado paso al resentimiento de sus elecciones a lo largo de su vida. Con un cambio de opinión cuando se trata de matar a Beatriz, de 13 años, Alex se propone hacer las cosas bien a pesar de que lo pone en la mira de algunas personas peligrosas, incluida una capo malvada y su familia psicótica. Si bien Alex puede haber perdido la fe en sus habilidades, no parecen haber disminuido mucho. En su mayor parte, Alex es el típico héroe de acción de Liam Neeson. Alex despacha fácilmente a sus empleadores que quieren que la adolescente muera, incluso condenando a uno a un coche bomba originalmente destinado a él. No quiere decir que Alex sea invencible, pero patea traseros como el Neeson al que estamos acostumbrados, solo que con un poco más de arrepentimiento y confusión. El ángulo real del Alzheimer no se desarrolla tan profundamente como podría, a favor de darles a los fanáticos de Neeson la película que sin duda pagaron por ver.

Lo que hace Memory es darle a Neeson un papel un poco más sustancioso al que estas películas tienden a ofrecer. No es que Neeson se haya deslizado por el camino de Mel Gibson y Bruce Willis, pero hace muchos de estos thrillers de acción cada año y, a menudo, se desliza hacia patrones familiares. Aquí, es más vulnerable, más atormentado, lo que lo convierte en una de las mejores actuaciones de Neeson en los últimos años. Sin embargo, Neeson está creciendo en edad y se nota que simplemente está siguiendo los movimientos en este punto mientras sobrevive solo en la presencia de la pantalla. Cuando se trata de Memory, todo esto sigue siendo así, para bien o para mal. En última instancia, la película hace lo suficiente para destacarse del resto, aunque un poco gracias a una premisa ciertamente interesante. Esa premisa se desperdicia al final del día por un guión derivado y una historia aburrida y serpenteante que conduce a un tiempo de ejecución más largo de lo que tenía derecho a tener.

Junto a Neeson en el elenco está el siempre confiable Guy Pearce como el agente del FBI Vincent Serra, quien sigue el rastro de cuerpos que quedan tras la estela de Alex. Cuando la situación crece y se convierte en un problema mayor sobre el tráfico sexual en la frontera entre Texas y México, los dos se vuelven aliados que operan en diferentes lados de la ley, y ambos hombres comparten el pesar de que podrían haber sido un poco más como el otro. Es una dinámica interesante, aunque resulta ser un poco superficial como gran parte de la película. Neeson y Pearce se cruzan con moderación, lo cual es una pena. Dicho esto, cuando Neeson y Pearce comparten la pantalla, como en una tensa confrontación en el acto final donde uno está más expuesto, ambos hombres modulan sus actuaciones a la perfección. Campbell, siempre con mano firme detrás de la cámara, interpreta la tensión y la violencia inminente con el respeto que merece.

En general, es una película que fue más una pieza de personajes que una película de acción, y simplemente no logra generar suficiente emoción para sostener su demasiado largo tiempo de duración. Aunque este género nunca ha sido conocido por su profundidad, la película todavía necesitaba al menos cierta apariencia de profundidad para crear algún compromiso. Como todas las tramas secundarias inevitablemente chocaron, la historia parecía incapaz de manejarlas en absoluto, y se abrió camino hacia un final fallido que carecía de cualquier tipo de impacto. También es una decepción que la película no aproveche al máximo el tapiz rico e ilícito de las redes sexuales infantiles, la inmigración ilegal y la corrupción política. Al final, Memory no es una película llamativa de ninguna manera. Es un thriller eficiente y maduro que hará el trabajo para aquellos que necesitan su dosis de Liam Neeson. Irónicamente, resulta que Liam Neeson es la mejor parte de una película que tiene más en mente darle sus típicos motivos de venganza. No debería ser así, aunque, en su conjunto, la historia se queda corta.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Father Stu

Stuart Long (Mark Wahlberg) es un boxeador de principios de la década de 1990 que no puede tomarse un respiro y pasa años de su vida tratando de escalar puestos, sin poder llegar a ninguna parte. Al envejecer fuera del deporte, Stuart se queda con poco, pronto enfocando su atención en una carrera como actor en Los Angeles, llegando a la gran ciudad con planes para convertirse en un éxito. Tal suerte lo elude nuevamente, pero encuentra empleo en un supermercado y conoce a Carmen (Teresa Ruiz), una mujer más joven que está profundamente conectada con su fe y su iglesia local. Haciendo cualquier cosa para llamar su atención, Stuart comienza a asistir a la iglesia, con la esperanza de causar una impresión positiva. Lo que cambia su vida es un accidente de motora, que dirige su atención a la fe, pronto buscando convertirse en sacerdote a pesar de todo lo que lo detiene, incluidos los problemas no resueltos con Kathleen (Jacki Weaver) y Bill (Mel Gibson), sus padres divorciados. Empujando el sistema con determinación, Stuart finalmente se ve desafiado por un diagnóstico de myositis, que gradualmente reclama su movilidad.

Father Stu cuenta la historia de Stuart Long, un tipo rudo que tropezó en la vida como boxeador que de repente encontró su vocación al sacerdocio, llevándolo a un viaje muy diferente. Es una película biográfica que se trata más de la odisea de la vida que de momentos selectos de drama, con la escritora y directora Rosalind Ross tratando de identificar el poder de la persistencia y la fe, ya que a Long finalmente se le diagnosticó una enfermedad muscular que amenazaba todo para lo que trabajaba. La película no es el típico entretenimiento cristiano, con Ross manteniendo las cosas crudas y lo más reales posibles mientras intenta atraer a la audiencia, a menudo recurriendo a la comedia para permanecer accesible. Ella tiene un sirviente fiel en la estrella Mark Wahlberg, quien hace todo lo que puede como actor aquí, trabajando muy duro para ofrecer una actuación que respete el desarrollo de la determinación única de Long de estar al servicio de los demás mientras se salva a sí mismo.

Esta es una película basada en la fe, pero es diferente a la mayoría de las películas de este tipo. Ross está haciendo una película de clasificación R, tratando de mantenerse fiel a la personalidad irritante de Long y una crianza rota, lo que implica la pérdida de su hermano, un evento que destruyó por completo la voluntad de su padre de permanecer invertido en el hijo que quedó vivo. Hay malas palabras a lo largo de toda la película y algunas escenas de sexualidad, lo que mantiene a esta lejos de ser un evento familiar al que las producciones religiosas suelen aspirar. Ross usa la terquedad de Stuart como una ofrenda de personalidad pura, con el personaje obligado a trabajar más duro por todo lo que tiene, incluida una carrera de boxeo estancada que ha afectado su cuerpo. El entusiasmo de Stuart por el deporte no es bien recibido por otros, y la película lo sigue desde un pequeño pueblo hasta Los Angeles, donde se concentra en convertirse en una estrella de cine a pesar de no tener antecedentes de actuación, usando su grandeza natural para ganarse a los demás. Tristemente, lo más lejos que llega es al departamento de carnes en un supermercado local.

La película cambia de forma en cada acto, transformándose en una historia de búsqueda romántica, con Stuart buscando encantar a Carmen, decidido a pasar por la fe para alcanzarla. Ross juega con enredos cómicos mientras explora las formas un tanto bufonescas de Stuart, y también hay audacia, tratando de encantar a una mujer a pesar de ser un hombre extraño para ella. En el camino, Stuart comienza a comprender la experiencia de la iglesia, y también tiene que lidiar con muchos demonios, incluida la muerte de su hermano y su relación tóxica con su padre Bill, un hombre loco y armado que no ofrece mucha orientación paternal. Un accidente de motora empuja la película en otra dirección, con Stuart repentinamente interesado en convertirse en sacerdote, lo que le otorga una búsqueda de fe y compromiso que nadie cree que pueda completar.

Es en esta etapa que Ross tiene el lapso para dramatizar la vida de Stuart, pero la película no es una epopeya, a menudo disminuyendo la velocidad para admirar la actuación principal de Wahlberg, que es autoritaria y emocional, empujando al rígido actor a hacer cosas que rara vez se le pide, incluida la representación de Stuart, su descomposición corporal y su sumisión absoluta a la palabra de Dios. Es una actuación fantástica, pero ese parece ser el objetivo creativo de la producción, que a veces se pierde un poco en fórmulas divertidas, aunque Mel Gibson aprovecha al máximo esa parte con el personaje de Bill. Ross espera inspirar con esta historia de resistencia, y lo consigue en parte, ya que la saga de Stuart Long está cargada de giros inesperados del destino y emociones complejas. La película de su vida no siempre está tan enfocada como él, pero ofrece claridad ocasional cuando se concentra en un llamado más alto para un hombre golpeado.

En general, la película sufre de los problemas biográficos habituales de cubrir demasiado terreno en dos horas. Como resultado, la película está en su mayoría por todas partes, y nunca llega completamente a casa el paralelismo entre el espíritu guerrero de lucha del boxeo de Stu y su disposición a servir como sacerdote a pesar de su delicada salud. También está el hecho de que no compré por completo el romance de Stu y Carmen. Claro, hay una atracción, pero la narrativa se preocupa ante todo por avanzar hacia el próximo gran obstáculo en la vida de Stu. Lo mismo se aplica a sus padres, que lentamente y de la nada se vuelven a unir. Al final, Father Stu, no es una película ordinaria basada en la fe. Esta es la historia de la vida de un hombre que encontró a Dios a pesar de su educación. Muestra una familia dividida debido a la pérdida y el alcohol y uniéndose y sanando debido a la transformación de Stu. La película tal vez no será del gusto de todos, pero aún con sus fallas es una gran historia con una moraleja aún mayor.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.