Review: To Catch A Killer

Durante las festividades de despedida de año en la ciudad de Baltimore, un tirador usa la cobertura del ruido de los fuegos artificiales para matar a tiros a 29 personas en el área. Corriendo a la escena del crimen está la policía Eleanor Falco (Shailene Woodley), quien está tratando de mantener el orden en una escena caótica. Su dedicación a la aplicación de la ley es notada por el agente del F.B.I. Geoffrey Lammark (Ben Mendelsohn), que está a cargo de la investigación, y solicita su presencia en un grupo de trabajo dedicado a encontrar al asesino. A ella se une Jack McKenzie (Jovan Adepo), y el grupo se propone encontrar cualquier prueba posible, trabajando para aprender más sobre la motivación y la identidad de un monstruo escurridizo. Lammark se acostumbra poco a poco a Eleanor, que tiene antecedentes problemáticos y un buen instinto para la investigación, y los dos intentan entenderse mientras las pistas resultan infructosas, mientras que el asesino pronto regresa para aterrorizar a la comunidad.

To Catch A Killer se asemeja a un hijo entre el director Denis Villeneuve y el director de fotografía Roger Deakins. Este es fácilmente uno de los mayores elogios que se le puede dar a esta película y también sirve esencialmente como ingrediente la película Sicario (2015), al crear un tono y atmósfera siniestros. Sin embargo, si bien esta película se inspira en las figuras mencionadas, crea su propio espacio en un género que ha contado innumerables historias similares de una manera aún más similar, aunque con menos éxito.

La película se centra en los esfuerzos del F.B.I. por atrapar a un asesino en masa en Baltimore, Maryland. El investigador principal Geoffrey Lammark crea un equipo local de policía, que incluye a la oficial Eleanor Falco, para atrapar al asesino antes de que ocurra otro evento de asesinato masivo mientras la presión continúa aumentando para obtener resultados. Falco posee un talento sin explotar para analizar perfiles que coinciden con la descripción del asesino, lo que la convierte en un elemento valioso y confiable para el equipo. Mientras tanto, cuando no está en el caso, los demonios del pasado la persiguen constantemente y le impiden avanzar en su carrera. Lammark se desempeña como un líder experto que libra batallas en múltiples frentes y, al mismo tiempo, mantiene a su equipo y a la policía local trabajando para encontrar al asesino. A medida que avanza el caso, los dos se dan cuenta de que para atrapar al asesino, los únicos en quienes pueden confiar son ellos mismos, ya que rápidamente identifican fuerzas más allá de ellos que se mueven para manipular su investigación y promover sus motivos ocultos.

La película aborda los asesinatos de una manera muy directa al mostrar que ocurre en un tiroteo masivo, mientras que la policía investiga posibles pistas y intentan construir un perfil del asesino con muy poco que entender sobre él. Sin embargo, donde la película realmente brilla es a través de su enfoque inquebrantable en la maquinaria política invisible que motiva silenciosamente la investigación para satisfacer las necesidades del gobierno o futuras carreras. Es algo que se habla a menudo en las películas de este género, pero que rara vez se explora, y que a menudo resulta en monólogos sensacionalistas o figuras políticas exageradas que solo existen como dispositivos de la trama. En esta película, estas figuras están siempre presentes, a menudo moviéndose en contra de los mismos investigadores que pusieron a cargo, todo en nombre de la ganancia política, creando más contratiempos y pasos en falso para la investigación misma.

La película no solo captura estas ineficiencias, sino que se comunica con el espectador para que pueda ver y comprender el ciclo de ineptitud que llega tan lejos y que se puede aplicar a casi cualquier situación actual en las noticias. En resumen, es frustrante porque es muy preciso y durante grandes tramos de la película, el enfoque se vuelve sutilmente hacia esta máquina en lugar de la búsqueda real del asesino. Esto podría ser un impedimento para algunos, pero resulta mucho más impactante a medida que se acerca el acto final.

Lo que no se puede pasar por alto lo suficiente es su elenco. Ben Mendelsohn y Shailene Woodley son adiciones bienvenidas que salvan sus personajes y que fácilmente podrían haber caído en los clichés del género. Desarrollando pacientemente a Lammark y Falco, agregaron metódicamente capas que contribuyeron a la inversión emocional de sus personajes de una manera que los obliga a considerar cómo abordarían algunas de sus decisiones. El presunto asesino interpretado por Ralph Ineson, se destaca en sus pocos momentos en la pantalla. La forma en que la película crea su interminable laberinto narrativo con el asesino en el centro como premio final, solo para que llegue allí y tome un giro perversamente inesperado, pero natural, es espectacular.

En general, esto puede parecerse a películas que han ocupado un espacio similar en el género y, por lo tanto, puede parecer saltable para algunos. Sin embargo, la película se siente en sintonía con una idea preconcebida, lo que la motiva aún más a subvertir las expectativas al optar por centrarse en la mano invisible detrás de la aplicación de la ley al manejar un caso de esta magnitud, lo que finalmente da como resultado una conclusión que parece estar basada en la realidad. Es frustrante sin embargo necesaria. Después de todo, parece que el mensaje que más intenta transmitir es que la máquina siempre seguirá girando. Al final, To Catch A Killer profundiza en el mundo moderno de las enfermedades mentales, y emerge con un estudio convincente de la fractura psicológica en ambos lados de la ley. Hay una violencia sorprendente en la película que pretende llamar la atención de los espectadores, pero el director Damián Szifron aporta un equilibrio de realismo, lo que le da al esfuerzo una atmósfera inusual que mantiene al espectador interesado hasta el final.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Hypnotic

Danny Rourke (Ben Affleck) es un detective en Austin, Texas, que lucha por procesar la pérdida de su hija Minnie (Hala Finley), quien fue secuestrada en un parque local, sin dejar pistas. La situación ha destruido la vida y el matrimonio de Danny, pero él sigue comprometido con el trabajo, recién encargado de seguir un crimen especializado en un banco local, observando cómo Dellrayne (William Fichtner) controla a las personas para que cumplan sus órdenes, y pronto logra escapar dejando atrás una foto que sugiere que sabe dónde está Minnie. Desesperado por respuestas, Danny busca a Diana Cruz (Alice Braga), una psíquica que trabaja como adivina, pero una mujer que sabe exactamente lo que está pasando, compartiendo noticias de que Dellrayne es un hipnótico, personas dotadas capaces de manipular la realidad. Diana también es hipnótica y oculta sus dones, pero elige ayudar a Danny en su misión de encontrar a su hija, enfrentándose a un enemigo poderoso y astuto.

Es difícil creer que en el panorama cinematográfico actual, una nueva película de Robert Rodríguez y protagonizada por Ben Affleck pueda generar tan poca expectación como la película de acción y ciencia ficción, Hypnotic. Aparte de tal vez regarse la voz, es muy probable que la mayoría de la gente no tenga idea de que esta película exista. Por otra parte, aparte de Alita: Battle Angel (2019), no ha habido muchas razones para prestarle atención a Rodríguez, y Affleck parece estar más cómodo últimamente en dramas de prestigio o haciendo de Batman. Así que este último esfuerzo ocupa un espacio extraño. Es una película de género que podría haber sido enorme en una época diferente, lanzada sin ceremonias entre el último éxito de taquilla de Marvel y la próxima Fast And The Furious.

Si eso suena como si el estudio no tuviera mucha fe en Hypnotic, hay motivos para esa duda. La película está protagonizada por Affleck como el detective de la policía de Austin, Danny Rourke, que aún sufre por el secuestro y la presunta muerte de su hija. Está listo para volver al trabajo? Su terapeuta parece dudarlo, pero Danny la convence de lo contrario. Tan pronto como regresa al trabajo, recibe una llamada sobre un robo a un banco, solo para encontrar a un hombre misterioso en una banca de parque en las afueras. Donde quiera que vaya el hombre, la gente comienza a actuar de manera extraña. Danny sigue al hombre hasta el banco y descubre que tiene la extraña habilidad de hipnotizar a cualquiera con facilidad. Puede hacer creer a una mujer que está sufriendo de un calor horrible, a otra creer que es el momento equivocado del día y, peligrosamente, obligar a dos policías a dispararse entre sí. Danny parece ser el único capaz de resistir su influencia, pero se siente atraído cuando queda clara la posible conexión del hombre con la desaparición de su hija.

Hypnotic es una película rápida, con una duración de 1 hora y 28 minutos. Eso es genial, en cierto sentido, porque los thrillers de esa duración eran antes un estándar, pero se han ido en gran medida en los últimos años. El problema es que Rodríguez tiene un montón de exposición y construcción de mundo desordenado para establecer, lo que arrastra la película a un paso lento a pesar de una acción impresionante, siempre una fortaleza de Rodríguez. Danny descubre toda una sociedad de hipnóticos, revelada por la lectora de cartas del tarot Diana Cruz, ella misma hipnótica. Diana se lleva la mayor parte de los muchos vertederos de exposición de la película, diciéndole a Danny que los hipnóticos básicamente tienen el poder de la sugestión, y que las "construcciones hipnóticas" son las ilusiones que crean dentro de la mente, afectando la realidad de una persona. Básicamente te hipnotizan. No debería ser tan difícil de explicar.

A Hypnotic le encantan las palabrerías, y absolutamente prospera con eso, porque es su propio tipo de ilusión, convenciendo a la audiencia de que están viendo algo parecido a una película de Christopher Nolan. Es esencial para la película que todo lo que sucede sea cuestionado, creando esta atmósfera vagamente laberíntica donde nada puede ser lo que parece. En realidad, gran parte de la película es bastante genérica, y más cercana a un crimen con un toque de lo paranormal. Por supuesto, hay una conspiración del gobierno involucrada y una operación de alto secreto que amenaza con ser desatada por este hombre misterioso, Dellrayne, el hipnótico más poderoso que el gobierno haya entrenado.

Ben Affleck no parece particularmente interesado en su papel y muerde mucho de su rol al estilo de Clint Eastwood. Alice Braga siempre es excelente interpretando el factor x, y David Fichtner sigue siendo en silencio uno de los actores más amenazantes que existen. Es un gran villano, incluso aquí con un diálogo limitado para trabajar, que no quieres verlo perder, o al menos no fácilmente. Se presenta una serie de personajes que en última instancia no significan nada y solo confunden, como el hacker tatuado de Dayo Okeniyi o el mentor solitario de Diana interpretado por Jackie Earle Haley. Todos se sienten como un medio para aumentar el tiempo de duración.

En general, esto tenía todas las piezas para ser una película mucho mejor de lo que resulta ser. La pareja de Affleck y Rodríguez solo es interesante de ver, incluso si el resultado es un poco decepcionante. Su mayor problema es el guión, ya que atasca la película con tantas tonterías explicativas que le quita a Rodríguez lo que mejor sabe hacer, y eso es crear paisajes vívidos y emocionantes y crear secuencias de acción viscerales. Al final, Hypnotic es una gran idea en papel que afortunadamente se traduce en un producto que se puede ver, pero no se puede negar que su ejecución podría haber sido mucho mejor. Su historia debería haber sido contada con mucha más energía, especialmente viniendo de alguien como Rodríguez, quien generalmente es más conocido por sus imágenes y estilo (que sorprendentemente están silenciados aquí) que por la historia y los personajes. La película se parece más a algo escrito en la década de 1990 o 2000, pero tardó algunas décadas en realizarse. De cualquier manera, es bueno que exista una película como esta y que no haya sido desechada como podría haberlo sido.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Malum

La oficial de policía novata Jessica Loren (Jessica Sula) está en su primer turno de servicio con el Departamento de Policía de Lanford, custodiando una estación desmantelada en su última noche de servicio. Sin embargo, esta no es una estación de policía ordinaria. Exactamente un año antes, el padre de Jessica y el capitán de policía Will Loren (Eric Olson) arrestó a tres miembros del culto a la muerte Flock Of The Low God, incluido el líder John Malum (Chaney Morrow). El Capitán Loren rescató a tres niñas cuando el culto estaba en proceso de asesinarlas ritualmente y fue aclamado como un héroe por ello. En un extraño giro del destino, el capitán enloqueció poco después, asesinando a varios policías en la estación antes de quitarse la vida. Decidida a conocer la verdadera historia detrás de la muerte de su padre, Jessica se ofrece como voluntaria para el último turno en la estación de policía, con la esperanza de descubrir la verdad. Pero eligió una noche difícil para hacerlo. El culto no olvidó el aniversario y, como resultado, el mundo de Jessica se convierte en un infierno total donde las líneas de la realidad se desvanecen a medida que el mal se infiltra implacablemente en los pasillos de la estación abandonada.

Es el 2023 y hemos llegado a un lugar bastante asombroso donde el género del horror no solo está al rojo vivo, sino que también, y sorprendentemente, está en paz con las nuevas versiones o remakes. Creo que todos podemos estar de acuerdo en este punto que ha habido una gran cantidad de excelentes reimaginaciones/interpretaciones alternativas de películas que a menudo son clásicas por derecho propio. Lo que se puede debatir (y probablemente se debatirá) hasta el final de los tiempos es si un remake es necesario o no. Es la vieja pregunta sobre no jugar con la perfección, verdad? Last Shift, el gran éxito de 2014 del director Anthony DiBlasi es una de esas películas que golpea todas sus marcas con un propósito y una eficiencia despiadada. Habría dicho que es una película que no necesita una nueva versión, y estaría haciendo una declaración perfectamente precisa. No obstante, cuando consideras que es el mismo DiBlasi quien escribe y dirige el remake, ahora estás lidiando con uno de los proyectos más intrigantes en años. Se trata literalmente de regresar casi una década después con un presupuesto mayor para contar la historia una vez más de una manera más completa. Para un cineasta, es un sueño realidad. Para los amantes del terror, es un vistazo obligado.

Malum no es un remake toma por toma ni tampoco es una versión radicalmente diferente de un tema central. Los ritmos de la historia, las imágenes y la intensidad siguen siendo los mismos. La mayor diferencia viene en la forma de la historia de fondo de Will Loren y su papel en ella. “Fue un héroe hasta que dejó de serlo…” es un gancho narrativo sólido y confiable. Agregar eso cambia la narrativa y, de alguna manera, logra volverla aún más loca. Malum es Last Shift llevado al máximo. Pisa el acelerador con más fuerza que su predecesora sin sacrificar la humanidad de Jessica Loren. Cambiarla a una heroína a la que sus compañeros detestan activamente debido a quién es su padre agrega una capa de drama que no existe en Last Shift. En esa película, la historia del padre es más o menos una conexión expositiva. Aquí, esa historia es el sol en el centro de la galaxia expositiva, proporcionando una mitología y una historia de fondo mucho más profundas (sin mencionar el verdadero potencial de una secuela).

La película tiene una exhibición métrica de sangre y tripas. También hay un cerdo con símbolos satánicos dibujados con sangre en su espalda. Como todos sabemos, cuando hay un cerdo impío, todas las apuestas se cancelan y la pesadilla está a punto de hacerse realidad. También hay un ahorcamiento/decapitación, algunos efectos especiales de piernas realmente retorcidas, muchos disparos a la cabeza con varias armas y uno de los finales más locos que jamás hayan visto. Luego está el Temple Baron. Nunca ha habido un demonio tan espeluznante que salte de la pantalla y entre en tus pesadillas. El diseño de la criatura es completamente loco. Es sin duda una criatura que debe estar al frente y al centro en la portada de una revista de Fangoria. En una película con algunas imágenes memorables y múltiples vibras demoníacas, el Temple Baron está en un nivel por sí mismo. Nunca volverás a ver un pentagrama de la misma manera.

Jessica Sula lo da todo como una protagonista impresionante, permitiéndonos tener miedo con ella pero también motivados para explorar los largos y oscuros pasillos de la estación de policía. Su papel como una policía novata, motivada para probarse a sí misma y disputar el legado de su padre, mantiene la película rodando a un ritmo correcto. Si bien la película después de cierto punto trata demasiado de lanzarnos sustos, se las arregla para acertar en un par de ellos. La mayor preocupación es por qué se necesitaba una nueva versión, especialmente tan pronto después de la original. Para ser honesto, Malum ha absorbido lo mejor y lo peor de Last Shift. Hay algunos cambios de la original, pero son de menor escala. La estación de policía de Sanford ahora es Lanford. El líder del culto, John Michael Malum, se llamaba anteriormente John Michael Paymon, aunque el lanzamiento de Hereditary (2018) de Ari Aster quizás haya hecho que el significado demoníaco del apellido Paymon sea demasiado obvio. Al igual que Hereditary, pero también como Last Shift, Malum confunde por completo lo sobrenatural y lo psicológico. Aquí todo está presentado cuidadosamente y de una manera incierta. Jessica puede estar sufriendo una enfermedad mental hereditaria o el trauma generacional de uno, otro o ambos de sus padres, y recreando su legado familiar. También puede estar cayendo bajo los efectos del moho negro que crece desenfrenado en las paredes del área de espera de la estación, o realmente puede haber una intrusión, introducida como parte del "plan" a largo plazo de Malum, de un caos paranormal. De una forma u otra, Malum se ha metido en la cabeza de Jessica, como lo hizo antes con su padre (y tal vez con su madre).

En general, esta es una anomalía rara y maravillosa, una nueva versión totalmente innecesaria que mejora los defectos extremadamente menores de su predecedora mientras inyecta esteroides de horror que ya eran bastante potentes. La mitología se profundiza y ahora hay más historia que contar. Last Shift fue bien recibida en su momento de lanzamiento, pero necesitaba algunos elementos para funcionar mejor (especialmente ese final). Malum es ese raro ejemplo en el que un cineasta puede volver atrás y revisar su trabajo con una visión fresca. Es con eso que puedo decir con seguridad que el director Anthony DiBlasi hace de este remake un viaje más grande y espantoso al infierno. Al final, Malum es más aterradora que Last Shift y ciertamente hace más con su trama, y ​​aunque ciertamente no es una película perfecta, es francamente aterradora. La actuación es bastante buena y la historia es escalofriante. Tiene todas las características para ser una de las películas de terror más impresionantes del año, y si tienen la oportunidad de verla, háganlo.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Influencer

Madison (Emily Tennant) es una influencer que viaja sola a Tailandia y transmite todas las hermosas vistas y la comida que come a sus miles de seguidores. Pero lejos del botón de grabar, Madison es miserable. Se suponía que no debía hacer este viaje sola, pero su novio, Ryan (Rory J. Saper) la abandonó en el último minuto y la relación parece estar en sus últimas etapas después de un polémico FaceTime. Ella pasa los días en soledad en su hotel hasta que una joven, CW (Cassandra Naud), la salva de un encuentro incómodo. CW se ofrece a mostrarle la verdadera esencia del país, todo mientras es la antítesis de Madison. A CW no le gusta que le tomen fotos y no tiene redes sociales, pero tiene presencia, ese "eso" indescriptible que la gente naturalmente, aunque sin saberlo, sigue a lugares que no debería.

Hoy en día, todos parecen estar enfocados en cómo se presentan en las redes sociales. No solo ellos mismos, sino también su estilo de vida, su entorno y, por supuesto, su alimentación. Tan inesperadamente como suele suceder, parece que he descubierto un nuevo género de horror/thriller que se desliza perfectamente en otro subgénero: la psicópata obsesiva. Influencer, del director Kurtis David Harder, se siente como Single White Female (1992) contada a través de un lente sorprendentemente femenino. Me sorprendieron muchos de los giros y vueltas de la película, y cuanto está dispuesto a aceptar este equipo creativo a CW y su sádico personaje.

Influencer es el tipo de película que se reinventa constantemente a medida que avanza. Justo cuando pensaba que lo tenía todo resuelto, habría otro cambio titánico en la trama. El thriller evoluciona lentamente hacia un tenso juego del gato y el ratón. Principalmente, este movimiento convierte a Cassandra Naud en una MVP de la manipulación sociópata. Uno puede perdonar fácilmente un par de fallas menores que incluyen actuaciones mixtas y molestias ocasionales en la edición. Pero cuando el guión es así de entretenido, no hay mucho que criticar.

Los entornos definitivamente pueden hacer que las películas sean mejores de lo que serían de otra manera. Aquí, los eventos se filmaron en locaciones tanto de Tailandia como en Canadá. Es una buena elección, ya que la primera, aparentemente donde se filmó la mayor parte de la película, funciona como un hermoso lugar de auténtica belleza, un lugar sórdido y fuera de la red. Kurtis David Harder, un director y productor con experiencia previa en el género de thriller y horror, utiliza un escenario abierto para lograr que no parezca claustrofóbico, sino sofocante. Instagram se usa para juntar lentamente las piezas del misterio en cuestión de una manera que tiene total sentido en la actualidad. Cuando se trata de las trampas modernas de las redes sociales, muestra el efecto a menudo dañino que puede tener en alguien que no está en el estado de ánimo adecuado.

Dado que no hay muchos personajes (quizás intencionalmente, ya que todos son falsos hasta cierto punto), gran parte del elenco es bueno pero con pocas oportunidades de ser algo más. A la única que no aplica es a Cassandra Naud. Ella es espectacular como CW. Ella es a la vez encantadora, capaz y extraña, y muestra una gran variedad de personalidad, desde ser amable hasta ser calculadora y astuta. Me encanta que las mujeres formen el elenco principal, excepto Rory J. Saper como Ryan. Las mujeres pueden ser peligrosas, quizás más aún porque la mayoría de las mujeres sienten camaradería hacia otras mujeres. Pocas películas muestran a las mujeres como villanas, y generalmente las ponen en un escenario de desprecio por los amantes. Algunas tomas se destacan, mostrando la soledad o el temor, y las escenas bajo el agua los dejarán boquiabiertos. El director Kurtis David Harder hace un trabajo fantástico construyendo la tensión con ángulos hermosos pero terribles.

En general, creo que esta película sorprenderá a mucha gente. Sería bueno verla en una doble función con una película como Ingrid Goes West (2017) o Sissy (2022). Sin duda estaría en buena compañía con la élite de las psicópatas obsesivas del género. CW se establece como una trepadora social compleja e inquietante con una mente propia. No solo eso, sino que la película también deja las cosas abiertas para una secuela si desean tomar esa ruta. Al final, Influencer saca a la luz lo fácil que es apoderarse de la identidad de otra persona en las redes sociales. La película nos lleva a lo largo de las no tan perfectas vacaciones de Madison en Tailandia, mostrando lo fácil que es tener una vida y experiencias falsas en línea. El comentario social sobre la cultura de los influencers está presente a lo largo de la película mostrando las dos caras de una misma moneda. Por un lado tenemos a Madison, cuya vida de influencer cubre su relación problemática e infelicidad, y por otro lado está CW, que anhela lo que tiene Madison. Este es un comportamiento común en la actualidad, donde vemos a influencers exitosos que mienten sobre su vida y otros que para llegar allí harán lo que sea necesario sin importar el costo.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Black Demon

Paul Sturges (Josh Lucas) es un ejecutivo de Nixon Oil que espera aprovechar un viaje de trabajo para pasar tiempo con su familia, llevando a su esposa Inés (Fernanda Urrejola) y a sus hijos Tommy (Carlos Solorzano) y Audrey (Venus Ariel) a la Costa de Baja California, donde visitará la plataforma petrolera Diamante, que está programada para ser desmantelada en el futuro. Al regresar a la zona después de un largo tiempo fuera, Paul se sorprende por la ruina económica que encuentra, pero está decidido a pasar un buen rato, instalando a sus seres queridos en un hotel mientras hace un viaje a la plataforma. En lugar de un viaje tranquilo, Paul apenas llega al Diamante, rescatado por los empleados Chato (Julio Cesar Cedillo) y Junior (Jorge A. Jimenez), quienes advierten al petrolero de las aguas peligrosas y contaminadas patrulladas por The Black Demon, un megalodón que devora cualquier cosa a su paso.

Las películas de tiburones son difíciles de hacer con éxito. No solo tienes que competir con la mejor película de tiburones que ya se ha hecho (Jaws, 1975), sino que hay literalmente miles de películas de tiburones en existencia y, entonces, cómo haces que la tuya se destaque? El director Adrian Grunberg se esfuerza al máximo para que el público solo pueda vislumbrar al tiburón, pero aun así, no se ve muy bien. Comenzaré con lo que me gustó de la película. Los valores de producción son realmente buenos. El escenario es agradable y algunos de los actores aportan mucho a la mesa. Fernanda Urrejola es particularmente convincente como la esposa de Paul, Inés, y tiene gran parte del peso emocional de la película. Julio César Cedillo como Chato y Jorge A. Jiménez como Julio agregan una simpatía muy necesaria a la película en sus papeles como los trabajadores sobrevivientes de la plataforma petrolera. El tiburón tiene una estética aceptable, lo cual es una buena característica para las personas que se sienten frustradas con los efectos CGI habituales de las películas de tiburones.

Sin embargo, donde estoy decepcionado es con el tiburón. No hay mucho. El tiburón realmente solo mata a una persona de una manera genial, y sucede bastante temprano en la película, adormeciendo al espectador con una falsa sensación de que veremos a un megalodón comerse a 10,000 personas. Ahora, algunos podrían argumentar que los avistamientos limitados de tiburones generan suspenso y hacen que el tiburón sea más aterrador, pero a veces eso está mal. En realidad, no hay mucho suspenso en torno al tiburón en sí y la mitología en torno a Tlaloc está subdesarrollada. Hay algunos indicios de misticismo y sucesos mágicos, pero la película no se centra lo suficiente en ellos.

En cambio, se enfoca en Paul Sturges. Pero lo que la película olvida es que no importa Paul Sturges. Es culturalmente ignorante, grosero con su esposa y criminalmente negligente para su propio beneficio financiero. No es particularmente útil a lo largo de la película y solo les grita a todos los demás. A partir de esta descripción, podría pensar que termina siendo el verdadero villano, pero de alguna manera termina como un héroe totalmente no merecido. El mensaje ambiental a lo largo de la película es de mano dura, lo que algunos no apreciarán. En lo personal no me molestó mucho. Eso si, hubiera preferido ver la tradición y las leyendas mencionadas más a fondo en la película como un medio para demostrar los temas ambientales. Pero tal como está, sería realmente difícil no entender que The Black Demon es un comentario ambiental, por lo que la misión se cumplió en ese aspecto.

Lo que me distrajo más es un tramo de escenas que casi parecían estar cortadas en el orden incorrecto. Paul va de una conversación a otra y tiene cambios de humor, va de gritar a estar tranquilo y racional. Todo se siente como un intento fallido de desarrollo emocional del personaje. Además, la catarsis del personaje de Paul al asumir la responsabilidad simplemente no funcionó. Cerca del final de la película, sucede la cosa más tonta. De hecho, tenemos que soportar el "toda mi personalidad es mi reloj y un polo roja" por parte de Paul dando un monólogo de héroe extendido. Creo que nunca había tenido tantas ganas de que un tiburón se comiera a alguien de inmediato. Sin duda, la película hizo un gran trabajo al hacerme odiar a Paul, y simplemente no logró convencerme de que estaba redimido.

En general, los fanáticos de otras películas de tiburones podrían disfrutar esto. Deberían entrar a ver esto sabiendo que es sustancialmente más seria y menos engañosa que The Meg (2018). Al final, The Black Demon simplemente no hace lo suficiente. No hay suficiente emoción, no hay suficiente violencia y ciertamente no hay suficiente tiburón. Lo que hace es tratar de inculcar un mensaje ambiental. La película tiene una duración de 1 hora y 33 minutos, pero se siente mucho más larga a medida que avanza. Hay unas pequeñas tomas interesantes, pero son pocas y distantes entre sí. Sé que es difícil hacer una película de tiburones que sea única y memorable, pero esto necesitaba más tiburón, más leyenda y menos Paul Sturges.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Spinning Gold

Neil Bogart (Jeremy Jordan) es un hombre con un sueño, tratando de construir una presencia en la industria de la música, utilizando su encanto natural y conexión con el  mundo subterráneo financiero para hacerlo realidad. En 1973, Neil crea Casablanca Records, lanzando un sello discográfico con solo unos pocos artistas no probados, tratando de hacer nombres familiares con KISS y Donna Summer (Tayla Parx), pero el público no está interesado. Neil se endeuda poco a poco para mantener vivo a Casablanca mientras maneja egos sensibles, nuevos sonidos y los intereses de su esposa, Beth (Michelle Monaghan), y su amante, Joyce Biawitz (Lyndsy Fonseca). Al quedarse sin tiempo para transformar a Casablanca en el sello poderoso que imagina, Neil se esfuerza por hacer que algo suceda para los artistas, atrapado en ideas extrañas y grandes cantidades de riesgo que lo llevan al límite.

Ahora más que nunca, Hollywood está obsesionado con las biografías musicales y los dramas biográficos sobre personas famosas. Spinning Gold es un poco de ambas. La película explora los primeros días de KISS y Donna Summer, dos nombres que seguramente conocen. Puede que no estén tan familiarizados con Neil Bogart, quien ayudó a lanzar sus carreras a través de Casablanca Records. Después de todo, el ejecutivo discográfico murió a los 39 años en 1982. No es una de las figuras conocidas como Berry Gordy, Jerry Wexler, Clive Davis o Sam Phillips. Tampoco está en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto a los nombres más importantes de la historia del rock. De todos modos, esta es la película de Bogart y todos los demás simplemente viven en ella. Es un tributo hecho con amor a Bogart por su hijo Timothy, quien se desempeña como escritor, productor y director. Sin embargo, aquí muerden más de lo que pueden masticar, haciendo malabares con tantas leyendas de la música en solo 2 horas y 17 minutos.

No es casualidad que el fundador de Casablanca Records comparta el mismo nombre que el actor Humphrey Bogart. Su nombre original es Neil Bogatz pero lo cambió varias veces antes de aterrizar en Bogart. La película comienza con Bogart diciéndole a la audiencia que todo sobre la historia que sigue es verdad, incluidas las partes que no lo son. En este punto, estamos acostumbrados a que las películas biográficas se tomen libertades por puro romanticismo. Ya sea que la película sea históricamente precisa o no, captura el espíritu de un artista demasiado ambicioso que apuesta por sus propios instintos. A pesar de ello, la película podría haber hecho más para resaltar el ángulo del narrador poco confiable y brindar una mirada detrás de la cortina.

El ojo de Bogart tanto para el talento como para la música en sí es simplemente increíble. Quiero decir, tienes al productor sentado junto a Gladys Knight (interpretada por Ledisi) mientras interpreta Midnight Plane To Houston, ahora conocida como Midnight Train To Georgia. Como todos sabemos, el resto es historia. Hay otros momentos esparcidos a lo largo de la película, incluido Bogart jugando con una mezcla de sonido de The Isley Brothers mientras Ron Isley (interpretado por Jason DeRulo) canta It's Your Thing. La película se centra de 1966 a 1977 y muestra cómo el productor se lo jugaba prácticamente todo. Justo cuando uno pensaba que Casablanca Records estaba muerto, estaban de vuelta en el juego.

Jeremy Jordan interpreta a Bogart, y su carisma lleva gran parte de la película. Bogart sabe cómo elegir talento, pero el empresario discográfico independiente tiene dificultades para comercializar dicho talento. Al principio, reserva un concierto para KISS frente a un elegante salón de casino, que no es exactamente el grupo demográfico adecuado para la banda de maquillaje blanco y máquinas de humo. Incluso cuando KISS encuentra una audiencia, Bogart de alguna manera se encuentra cada vez más endeudado. Bogart insiste en que sus numerosas apuestas valdrán la pena mientras el pánico se filtra a través de su cara.

Si bien Bogart es una figura central intrigante, quienes lo rodean se sienten estafados. Durante su monólogo de apertura, Bogart nos presenta a sus socios en Casablanca, pero para el final no se puede recordar ninguno de sus nombres. Ayuda que el elenco, que incluye a Jay Pharoah, Dan Fogler y Lyndsy Fonseca, sepan cómo aprovechar al máximo su tiempo frente a la pantalla, incluso cuando no tienen mucho diálogo. Lo mismo ocurre con Tayla Parx como Donna Summer y Casey Likes como Gene Simmons. No hay un eslabón débil, pero las prioridades de la película residen completamente en Bogart.

En general, con prácticamente todas las películas biográficas musicales en estos días, el consenso parece ser que la historia podría haber funcionado mejor como una miniserie. Spinning Gold continúa esta tendencia. Si los cineastas hubieran dedicado episodios individuales a las relaciones de Bogart con KISS, Donna Summer, sus compañeros de trabajo y su familia, esto podría haber sido puro oro. Como película, apenas tiene tiempo para mencionar que trabajó con The Village People, Cher y Santa Esmeralda (por nombrar algunos), corriendo a toda velocidad hasta el gran final. Incluso si la película solo toca la superficie, la música es estimulante, las actuaciones son buenas y te quedarás con ganas de saber más sobre todos los involucrados. Tiene fallas con errores en la línea de tiempo en algunas canciones, pero aún así no es algo de lo que burlarse. Al final, Spinning Gold tiene una banda sonora increíble, pero también es un recordatorio para nunca renunciar a nuestros sueños, incluso frente a probabilidades insuperables. Si son fanáticos de KISS, Donna Summer, Parliament, Gladys Knight, The Isley Brothers, The Village People o Bill Withers, también tienen una deuda de gratitud con el difunto Bogart. No es una subestimación decir que su música impulsa la banda sonora de la película. KISS y Donna Summer, especialmente, juegan el papel más importante en la película. En cualquier caso, nada de esto habría sucedido si un niño judío de Brooklyn Projects nunca se hubiera atrevido a soñar. Si se hubiera quedado dentro de las cuatro cuadras de su vecindario, esta película ni siquiera hubiera sucedido. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Guardians Of The Galaxy Volume 3

Intentando construir un cuartel general en Knowhere, los Guardianes de la Galaxia están listos para establecerse, alejándose de sus días de heroísmo. Adam Warlock (Will Poulter), hijo de Ayesha (Elizabeth Debicki), a quien se le ordenó recuperar a Rocket (voz de Bradley Cooper), logró casi matar al mapache en el proceso. Al darse cuenta de que necesitan información especial para ayudar a salvar la vida de Rocket, Peter Quill/Star-Lord (Chris Pratt), Drax (Dave Bautista), Nebula (Karen Gillan), Groot (voz de Vin Diesel) y Mantis (Pom Klementieff) hacen su camino a una estación espacial corporativa para recuperar la historia de su amigo, que está ligada al ascenso del High Evolutionary (Chukwudi Iwuji), un científico retorcido que busca convertirse en un dios creando la sociedad perfecta. Rocket es la clave del éxito, con el mapache revisando su pasado mientras está en coma, poniendo a los Guardianes en una carrera contra el reloj para rescatar a su amigo. Pronto se unirá Gamora (Zoe Saldana), quien ahora es parte de los Ravagers, liderados por Stakar Ogord (Sylvester Stallone), sin memoria de los últimos años.

Consolidándose como una de las mejores trilogías de acción/ciencia ficción de todos los tiempos, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece un impresionante espectáculo de efectos y una emotividad deslumbrante para empezar. James Gunn hace todo lo posible para asegurarse de que los Guardianes reciban una despedida digna de celebrar. Un destacado particular de esta ronda es Rocket Raccoon. El personaje obtiene una cantidad de profundidad generalmente reservada para la gente que habla en cualquier película de Pixar. Solo pensando en la trayectoria del pasado histórico de Rocket como se establece en el Vol. 3 es suficiente para tener lágrimas en los ojos. Para los fanáticos de este elenco principal, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 será la pista final perfecta en un viaje que comenzó hace casi una década.

Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es el último capítulo de la franquicia antes de que el escritor y director James Gunn asuma por completo el papel de codirector ejecutivo de DC Studios. Como película final de la trilogía, basta con decir que la película tiene mucho que cumplir y lograr. Hay mucho en juego, y la trama lo refleja. La película sigue a los Guardianes mientras se embarcan en un viaje para salvar la galaxia una vez más. Sin embargo, esta vez, la vida de uno de los Guardianes corre peligro. Después de que uno de ellos se encontrara en una condición casi crítica, ahora depende de Peter Quill/Star-Lord y la pandilla salvar a uno de los suyos y en el proceso enfrentarse a un nuevo villano, el High Evolutionary, cuyo deseo es crear una sociedad perfecta que tiene ramificaciones personales para los Guardianes. La película es una odisea espacial emocional y, en comparación con las dos películas anteriores de la franquicia, esta última película es la entrada más oscura en el MCU y una salida bienvenida para el MCU en su conjunto.

La mera idea de una película de cómics que intente algo que se sienta nuevo inevitablemente dejará a ciertas audiencias sintiéndose un poco cínicas y descartándola únicamente por esos méritos. Sin embargo, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es fácilmente la película del MCU más desafiante y catártica hasta la fecha. Dicho esto, muchos dirán que intenta hacer demasiados malabares, pero hay algo elogiable en una película que logra todo lo que esta logró en sus 2 horas y 30 minutos de duración. Su capacidad para equilibrar tantos temas y personajes dentro de la película y luego hacer que todos valieran la pena de maneras tan brillantes e inesperadas fue definitivamente impresionante. Gracias a otro guión brillante de Gunn, cada personaje tiene su momento para brillar.

Cada miembro tiene su tiempo como el centro de atención, cada uno de ellos tiene cosas muy divertidas que hacer en escenas de acción masivas centradas en el equipo. Gunn utiliza todas las herramientas en su caja, ya sea que eso signifique centrarse en algunas de las nuevas y llamativas tecnologías de Nebula, o en la impresionante funcionalidad regenerativa y de navaja suiza de Groot. La relación de Peter con la "nueva" Gamora es digna de mención, al igual que sus cuestionables pero adorables técnicas de flirteo. Rocket representa el corazón de esta película, en particular los flashbacks de su época como un verdadero experimento de laboratorio. Los amantes de los animales quedarán prendados de estas escenas. Cuando se trata de la "familia elegida" de Rocket, una morsa gigante, un conejito infantil que se hace llamar Floor y el león marino maternal Lyla con voluminosos brazos de metal, estas criaturas son los animales más lindos del mundo. Decir que la relación de Rocket con Lyla como una maternal poco convencional sería venderla por debajo de lo esperado.

Llenar los Guardianes con personajes secundarios extravagantes es prácticamente un requisito en este punto. El aprendiz de Yondu, Kraglin (interpretado por Sean Gunn), todavía tiene problemas para usar su técnica de silbato y flecha, mientras que el extraño superperro telequinético Cosmo (voz de Maria Bakalova) canaliza sus poderes psíquicos. Gunn hace tiempo para dejar que Nathan Fillion se presente para uno de sus papeles más ridículos hasta el momento en una producción de Gunn, e incluso deja espacio para una pequeña pero vital aparición de Gregg Henry. Las situaciones locas, como el grupo dirigiendose a un planeta llamado Counter-Earth que parece estar criticando fuertemente la eugenesia, son parte del curso. Algunos de los mejores momentos aquí involucran el extraño y gracioso mundo de Counter-Earth y sus extraños animales humanistas que coexisten.

Mientras tanto, la cinematografía aquí es hermosa, posiblemente haciendo de esta entrada una de las películas más atractivas que cualquiera verá en los cines este año. Los colores son vibrantes y llamativos en todo momento y no se siente como un espectáculo de pantalla verde barato como algunas de las ofertas más recientes de MCU. Hay un asombro genuino en cada pieza. Ese asombro se transmite a las secuencias de acción que son todas emocionantes, incluida una pieza de una toma ambientada con No Sleep Till Brooklyn de The Beastie Boys que rivaliza con las mejores piezas de acción de los últimos años.

A diferencia de algunas de las entradas más recientes del MCU, el humor aquí nunca socava los temas más pesados ​​​​de la película. Todo el humor proviene de los personajes y, a menudo, es relevante para lo que sucede en las escenas. Si bien la película es la temática más oscura de la franquicia, es en gran medida una película de Guardians y una afirmación de la vida. En todo caso, hará que el público aprecie un poco más la vida y esto es lo que hace que esta entrada sea única de otras películas de cómics que se encuentran actualmente en los cines. A pesar de ser la tercera entrada en la franquicia, esta película todavía se siente fresca y da vida a un género que ciertamente se había vuelto obsoleto durante mucho tiempo. Si bien esta admiración puede no ser compartida por la mayoría de las personas, la película será amada por la mayoría de las audiencias.

En general, en comparación con otras películas de cómics, la trama se siente mucho menos rígida. Si bien están sucediendo muchas cosas aquí, nunca compromete la capacidad de la película para tomarse su tiempo para desarrollar los personajes. El sentido de finalidad de ser la última entrega de la franquicia crea tanta tensión en comparación con la naturaleza aparentemente inmortal de los personajes en las dos primeras películas. Con esta última entrega, todo está en el aire y eso hace que sea mucho más emocionante de ver. Con Guardians Of The Galaxy Vol. 3, James Gunn ha creado una conclusión magistral para una de las mejores franquicias de la historia del cine. A medida que pasa el tiempo, la película está destinada a ocupar un lugar entre las mejores películas de cómics de todos los tiempos, simplemente por atreverse a hacer algo que se sienta fresco. Al final, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es más oscura, más compleja y está construida con más pasión que su predecesora inmediata. La única entrada perfecta puede ser la primera Guardians Of The Galaxy (2014), un éxito relámpago en una botella que sigue siendo una de las mejores películas de todo el Universo Cinematográfico de Marvel, pero el Vol. 3 cierra la trilogía con una explosión. Un epílogo y 2 escenas esenciales posteriores a los créditos parecen provocar el futuro de lo que puede estar por venir. Pase lo que pase a partir de aquí, James Gunn ha culminado su trilogía con un película emocionalmente satisfactoria que me dejó con ganas de más. Simplemente no hay forma de negar que Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece una conclusión magistral de una de las mejores franquicias de la historia del cine.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Evil Dead Rise

Beth (Lily Sullivan) es una roadie que recientemente se enteró de que está embarazada. Tomando un tiempo libre, Beth decide visitar a su hermana, la tatuadora Ellie (Alyssa Sutherland), que vive con sus hijos, Bridget (Gabrielle Echols), Danny (Morgan Davies) y la joven Kassie (Nell Fisher). Es una reunión familiar en una noche inquietante, con un terremoto sacudiendo el edificio donde viven, que está a punto de ser demolido, abriendo una grieta en los cimientos, exponiendo la historia de la propiedad. Danny elige explorar el área, desenterrando un libro único y álbumes de discos que lo acompañan, llevándolos de regreso a su habitación. Al explorar su hallazgo, Danny se entera de que ha encontrado el Libro de los Muertos, mientras que el audio detalla los horrores contenidos en las páginas, incluido un encantamiento especial. Cuando el mal entra en el edificio, Ellie se convierte en la primera víctima, transformada en una criatura poseída lista para masacrar a todos, extendiendo este mal vicioso como una plaga.

Evil Dead Rise ve el regreso de la aclamada y extremadamente popular franquicia Evil Dead 10 años después de Evil Dead (2013) y 42 años desde que se estrenó la película original, The Evil Dead (1981), en los cines. Esta vez, la película se centra en la retorcida historia de dos hermanas separadas, la madre soltera Ellie y Beth recién embarazada, cuya reunión se ve interrumpida por el surgimiento de demonios que poseen carne después de que los hijos de Ellie, Danny, Bridget y Kassie, leyeron accidentalmente del Libro de los Muertos escondidos en una bóveda debajo del estacionamiento en su edificio. Esto los empuja a una batalla primordial por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más aterradora que se puedan imaginar. Las franquicias Evil Dead y Scream han sido ampliamente conocidas como las dos franquicias de terror más consistentes de la historia y sus dos nuevas entregas este año continúan esa tendencia con fuertes adiciones por derecho propio.

Originalmente destinada a estrenar en HBO Max, Evil Dead Rise se actualizó para un estreno en los cines, que fue la decisión correcta. También es la primera entrega que tiene lugar en un edificio en lugar de una cabaña en el bosque, aunque el director Lee Cronin todavía utilizó una secuencia en una cabaña. El nuevo escenario funciona sorprendentemente bien, ofreciendo un refrescante cambio de escenario sin dejar de ser fiel a lo que debería ser una película de Evil Dead. El escenario se utiliza en todo su potencial, saltando de un lado a otro desde el apartamento de los personajes principales hasta los pasillos, las escaleras y los huecos de los ascensores que los rodean. No hay forma de superar la inquietud y el confinamiento que trajo el entorno de la cabaña, pero el entorno del edificio es un sustituto perfecto, ya que las apuestas siguen siendo altas y la película hace que todo se sienta claustrofóbico.

En cuanto al tono, la película está mucho más en línea con la Evil Dead del 2013, especialmente con lo sádica que es que la trilogía de Sam Raimi, pero si bien esta entrega tiene toda la violencia retorcida y la sangre brutal que uno esperaría, también tiene elementos y sentido del humor retorcido de las entregas anteriores. Aquellos que nunca hayan visto una película de Evil Dead antes pueden sorprenderse, pero Cronin encuentra un buen equilibrio entre esos tonos drásticamente diferentes, ya que sus momentos más tontos se usan con moderación y nunca quitan los más horribles. Honestamente, es una experiencia bastante desagradable, y el trabajo de violencia, maquillaje y efectos prácticos es genuinamente perturbador y espeluznante, pero afortunadamente, no hasta el punto de que el público se distraiga o se vuelva demasiado. Mientras tanto, algunas nuevas incorporaciones a la franquicia y la tradición son bienvenidas y encajan con el resto de las películas en términos de la naturaleza impactante y horrible.

La película ciertamente está compitiendo por ser la película más aterradora y espeluznante de la franquicia hasta la fecha y mucho de eso tiene que ver con la actuación absolutamente fenomenal de Alyssa Sutherland como Ellie. Ella es una adición tan bienvenida a esta franquicia y aporta mucho a su papel y a esta franquicia. Encaja perfectamente en línea con las versiones anteriores de Deadites, pero trae muchas cosas nuevas a la mesa y algunas de sus líneas son simplemente escalofriantes. Los movimientos de su cuerpo son honestamente asombrosos, y de alguna manera solo logra volverse aún más aterradora e inquietante con cada minuto que pasa. Lily Sullivan también es una gran protagonista y es muy fácil encariñarse con ella y la audiencia se encontrará apoyándola para salir de esta situación. El resto de las actuaciones también son sólidas, especialmente de los niños actores que cimentan la dinámica familiar, creando un grupo que el público querrá ver sobrevivir.

A pesar de su grandeza, hay algunos pequeños problemas que le impiden alcanzar las mismas alturas que el resto de la franquicia. Fuera de una gran secuencia de apertura, toma demasiado tiempo en comenzar. Con solo 1 hora y 37 minutos, es fácil decir que esta es la película más larga de la franquicia hasta la fecha debido a lo mucho que se arrastra en el primer acto. También hay demasiadas decisiones de carácter tontas que son imposibles de ignorar. Además, más que nada es un detalle, pero las pocas instancias de CGI son notablemente malas y le quitan mérito a los elementos más prácticos. Aunque esto no es una queja, aquellos que son sensibles a la violencia contra los niños, la película puede molestar a algunas personas por lo lejos que lleva algunas secuencias.

En general, incluso con algunos errores menores en el camino, la película ofrece todo lo que los fanáticos de esta franquicia podrían desear. Su nueva ambientación funciona sorprendentemente, y abre la puerta a un sinfín de posibilidades de hacia dónde podría ir esta franquicia en el futuro. Si esta película es un éxito, con suerte no pasará mucho tiempo hasta que el público vea el regreso de esta franquicia. Diez años fue una espera demasiado larga. Al final, Evil Dead Rise ofrece todo lo que los fanáticos anhelan y más en un plato brillante y llamativo. Entre momentos de terror y violencia que complacen a la multitud, conexión familiar, grandes frases ingeniosas y una espectacular Alyssa Sutherland como la Deadite principal, esta producción es increíble de arriba a abajo. Lo que comenzó como un simple lanzamiento a una plataforma digital se modificó para volverse un lanzamiento teatral debido a la solidez de sus proyecciones de prueba. Así que ven a pasar un rato con una familia "perfecta" en su aparentemente fatal morada. Aviso: habrá mucha sangre. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Sisu

En 1944, Finlandia está siendo devastada por los nazis, que eligieron destruir la tierra que van a perder mientras continúa la Segunda Guerra Mundial. Cruzando Lapland está Aatami Korpi (Jorma Tommila), un experimentado hombre de batalla que ya ha tenido suficiente, y se mantiene apartado de la guerra mientras se abre camino a través de terrenos peligrosos. Es un minero que ha encontrado un gran depósito de oro, recolectando algunas bolsas para cobrar, pero para llegar a un banco, debe lidiar con los ocupantes nazis que tienen frío, hambre y son feroces. Al encontrarse con una unidad nazi en el camino, Aatami llama la atención de Bruno Helldorf (Aksel Hennie), un capitán alemán que comete el error de subestimar al extraño. Cuando las fuerzas nazis se enfrentan al hombre finlandés, despiertan un lado oscuro dentro de Aatami, que es un soldado habilidoso e implacable con reputación de ser indestructible. Mientras Bruno tiene el ojo puesto en el oro, Aatami se enfrenta a los nazis, decidido a quedarse con su premio.

Los nazis siempre son buenos para carnicerías de sangre, ya que siempre están listos para recibir una gran dosis de violencia justa. Sisu, del director Jalmari Helander, sigue esta idea hasta la línea de meta para una película que puede describirse fácilmente como un récord de grandes éxitos de matanzas nazis. En ese departamento, Sisu obtiene una puntuación perfecta. En las partes restantes, algunas cosas evitan que sea realmente genial. Sisu es una palabra que no se puede traducir al inglés. Sisu le dice al público al principio que es una forma de coraje que se manifiesta cuando se pierde toda esperanza. La película sigue a Aatami Korpi, un veterano de guerra finlandés con un historial de supervivencia y brutalidad. Es una leyenda, un dios de la carnicería que se forjó en los fuegos de la guerra y la cruel pérdida de su familia ante el enemigo. Se dice que es imposible de matar, algo que los malos de la película tratan de refutar desesperadamente una y otra vez para su decepción.

Estamos en la recta final de la Segunda Guerra Mundial cuando un convoy nazi se dirige hacia Noruega a través de paisajes infernales que se hacen eco del mundo postapocalíptico parecido al de Mad Max (1979) en lugar de los lugares devastados por la guerra de Saving Private Ryan (1998). Dirigido por el oficial de la SS Bruno Helldorf, este grupo particular de nazis se presenta inmediatamente como el peor de su tipo. Tienen un camión lleno de mujeres que utilizan contra su voluntad y dejan un rastro de civiles muertos colgados de postes a su paso. Se encuentran con Aatami Korpi en el camino, sosteniendo bolsas llenas de oro que acaba de desenterrar del suelo. Intentan robarsela y desde entonces, la sangre nazi se derrama por galones.

Sisu proviene del mismo grupo de películas de héroes de acción como John Wick (2014), Taken (2008) y First Blood (1982). Korpi es una máquina de guerra de un solo hombre que soporta niveles inhumanos de dolor y aún encuentra la manera de sobrevivir. Es exageradamente violento y casi no habla. El asesinato y el caos es su forma de comunicarse, lo que hace que la actuación de Jorma Tommila sea exigentemente física. El desafío da como resultado un héroe asesino de nazis que te preocupa porque su lenguaje corporal es todo lo que tenemos durante toda la historia.

El escritor y director Jalmari Helander se apoya en el físico del personaje principal para generar tensión de manera bastante efectiva. Korpi es un hombre mayor y puede lastimarse gravemente en ciertos momentos hasta el punto de que realmente temes por su vida y sus posibilidades de éxito. De hecho, coquetea con la muerte en una medida más íntima que los John Wicks y Rambos del género. Es suficiente para diferenciar al personaje. La violencia perpetrada en el cuerpo de Korpi es también un elemento crucial para la historia.

Los fans del gore tienen mucho para disfrutar con Sisu. No hay un solo encuentro que no termine con partes de cuerpo esparcidas o cubos de sangre arrojados sobre Korpi y sus víctimas. Dicho esto, Helander se preocupa por crear algunas secuencias de acción visualmente impresionantes que separan aún más esta película del resto. Hay una en particular que lleva las cosas bajo el agua para algunos de los momentos más ingeniosos de la película. Otro, al principio, tiene lugar en un campo minado y presenta algunas de las cosas más locas que he visto hacer con minas en las películas. Sea cual sea la situación, la sangre nunca escasea y siempre es divertido ver cómo se derrama.

Dicho esto, a medida que avanza la película se vuelve más y más ridícula. Esto es más evidente en el encuentro final, que va de loco a algo increíble. Resulta ser un poco molestoso en este punto, ya que las peleas de Korpi anteriormente lograron aferrarse a una pizca de credibilidad que mantuvo las cosas tensas. Un final más discreto le habría servido mejor. Sin embargo, Sisu hace lo suficiente para diferenciarse de las demás películas, pero sigue siendo una sobre un asesino indestructible con una historia de fondo mítica. Korpi incluso tiene su propio perro aquí. Averiguar cómo va a terminar la película y qué ritmo de la historia deberíamos esperar de ella fue bastante fácil desde el principio. No obstante, cabe destacar lo que hace la película con los personajes femeninos que los nazis toman como rehenes. Tienen la oportunidad de darle la vuelta a sus captores en algunas de las partes más catárticas de la película. Es otro ejemplo de cómo Sisu se entrega refrescantemente a ideas que otras películas mantienen enterradas en favor de clichés.

En general, esta es una película divertida y ridículamente violenta que no reinventa ninguna de sus ideas. Sin embargo, no tiene por qué ser así. Lo que Helander pone en la pantalla está excepcionalmente bien hecho y filmado, y lo convierte en un viaje muy emocionante. Su disfrute dependerá de qué tan loco le gusten sus películas de acción y qué tan invertido todavía estén en las películas de acción actuales. Independientemente de dónde caigan, una cosa es segura: ver cómo asesinan brutalmente a nazis es algo grandioso. Al final, Sisu es una de las películas de acción más sangrientas de la última década, con una explosión de 50 megatones de sangre, tripas y partes del cuerpo. Es diabólicamente creativa en sus escenas macabras y la trama se mueve a un ritmo rápido desde el principio. Es bienvenida, no exagera su punto, y nunca se adentra demasiado en las sombrías realidades de la guerra para eliminar la diversión de sus secuencias de acción brutales y extremadamente locas. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always

Billy Cranston/Blue Ranger (David Yost) y Zach Taylor/Black Ranger (Walter Emanuel Jones) se encuentran en peligro cuando se enfrentan a una nueva encarnación villana de la bruja espacial Rita Repulsa conocida como Robo Rita (voz de Barbara Goodson). Ella convoca a otras versiones metálicas de Minotaur (voz de Ryan Cooper) y Snizzard (voz de Daniel Watterson), junto con los Putties, y procede a atrapar los equipos de Power Rangers de todo el mundo para consumir su fuerza. Billy y Zach, que todavía están de luto por la pérdida de una compañera Ranger en su equipo, acuerdan regresar a su antiguo cuartel general e idear un plan con algunos viejos amigos que incluyen a Rocky DeSantos/Red Ranger (Steve Cardenas), Katherine Hillard/Pink Ranger (Catherine Sutherland) y el robot Alpha 9 (voz de Richard Horvitz).

Podría decirse que no ha habido un programa más importante en la infancia de los niños de los años 90's que la serie de televisión Mighty Morphin Power Rangers que se desarrolló durante 145 episodios durante 3 temporadas desde 1993 a 1995. Dando origen a innumerables series y películas derivadas que continúan hasta el día de hoy y entreteniendo a innumerables generaciones más de audiencias jóvenes, la franquicia no muestra signos de detenerse. Casi 30 años después del debut de la serie que lo empezó todo, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always es un especial de reunión que ve regresar a la mayoría del elenco original (circunstancias detrás de escena que involucran a Austin St. John y Amy Jo Johnson y el muertes prematuras de Thuy Trang y Jason David Frank explican sus ausencias) en lo que equivale a un episodio extendido. Recuperando gran parte de la vibra de la serie original para bien o para mal, seguramente traerá sentimientos de nostalgia, especialmente para aquellos de nosotros que crecimos con la serie original. La única pregunta es si el especial se mantendrá o no después de tanto tiempo. Si bien nunca iba a sorprender a los espectadores en términos de diálogo o efectos especiales, hay algo atractivo en su sentido de autenticidad.

Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always ve a los Rangers enfrentarse a una nueva versión de Rita Repulsa. A pesar de verse diferente, su misión sigue siendo conquistar el mundo. Liberada sin darse cuenta y armada con sus monstruos y su ejército de Putties, Zack y Billy deben salvar a los demás Rangers antes de que sea demasiado tarde. Sin embargo, Rita no fue la única que recibió mejoras, ya que sus monstruos de confianza también recibieron una actualización malvada. Enfrentados a una crisis de proporciones mundiales, Zack y Billy solicitaron la ayuda de Rocky y Katherine para acabar con ella. Dicho esto, derribarla a ella y a sus secuaces resultó ser un desafío, aunque no fue uno que no pudieran superar. Mientras tanto, Zack y Billy tienen la carga adicional de atender a la hija de Trini, Minh (interpretada por Charlie Kersh). Además de los momentos de angustia adolescente y de intentar seguir los pasos de su madre, el objetivo del arco de Minh era simplemente llevarla a su inevitable destino.

Donde la mayoría de los espectadores sentirán la ola de nostalgia es una vez que el especial alcance su clímax. La naturaleza pura y exagerada de todo hará que los espectadores se sientan como en casa, ya que marca todas las casillas correctas. Tal vez no tenga el mismo impacto que la serie de televisión, ya que la edad del elenco se muestra a veces principalmente durante las muchas secuencias de acción, pero a pesar de eso sigue siendo entretenida. Aunque el final fue, por supuesto, predecible, deja la puerta abierta para más historias.

En lo que respecta a las actuaciones, fueron tan buenas como lo permitía el material, que ciertamente no fue tanto. Con un elenco de personajes originales y encarnaciones posteriores de la serie, la energía fue diferente, aunque no fue culpa de los actores que simplemente fueron víctimas de las circunstancias. Apoyándose en los miembros del elenco original Walter Emanuel Jones y David Yost como Zack y Billy, ellos solo podían hacer mucho con lo que tenían para trabajar. No había mucho en el camino del desarrollo de los personajes, por lo tanto, proporciona menos razones para estar emocionado por ellos y lo que sea que hayan hecho. Si bien la nostalgia es una cosa, todavía tiene que haber una conexión y Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always carecía de una lo suficientemente fuerte.

Además, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always rinde homenaje a aquellos que ya no están con nosotros, como Thuy Trang, quien interpretó a Trini Kwan, la Yellow Ranger original. A medida que avanza la trama del especial, los espectadores conocen a Minh Kwan, la hija adolescente de Trini. Minh está desesperada por estar a la altura del legado de su madre y a lo largo de la película se muestran memorias con imágenes reales de Thuy Trang. A través de la interpretación de Minh, ella encarna el espíritu que Thuy Trang aportó a su papel de Yellow Ranger, ya que Minh debe aprender los peligros de buscar venganza y lo que significa ser un Ranger. Para cuando comience una secuencia de flashback con el tiempo de Trang como Ranger, dudo que haya un ojo seco para los fans de los Rangers.

En general, el especial tiene éxito en traer nostalgia, aunque eso solo podría llegar hasta cierto punto. Sintiéndose como un episodio extendido de 56 minutos de la serie original, los fanáticos encontrarán mucha diversión aquí. Sin embargo, para todos los demás, es poco probable que los mueva de alguna manera. Al final, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always da en el blanco para un paseo por los recuerdos de esta franquicia histórica. Si bien la trama es un poco tonta y el guión y la acción se apoyan completamente en las cosas que hacen que los Power Rangers sean lo que son, el amor que el elenco y el equipo tienen por esta franquicia es evidente. Aquellos que crecieron con los Mighty Morphin Power Rangers podrán revivir algunos de los momentos icónicos del programa de televisión y pretender pasar por las secuencias de transformación. Una audiencia más joven que nunca ha visto el programa original puede perderse en la trama dado el trasfondo necesario para los personajes, pero cuando se trata de un proyecto inspirado en un aniversario, Mighty Morphin Power Rangers: Once And Always en su mayor parte tiene éxito.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Unlocked

Después de una noche de fiesta con unas amigas, Lee Na-mi (Chun Woo-hee) deja accidentalmente su teléfono celular en un autobús de la ciudad. Un extraño, Oh Jun-yeong (Im Si-wan), encuentra el teléfono y lo piratea. Él comienza a rastrear cada movimiento de ella a través del teléfono y se abre camino en su vida, alejándola lentamente de sus amigas y su padre. Mientras tanto, Oh Jun-yeong está siendo rastreado por la policía, que cree que es responsable de una serie de asesinatos. Uno de los detectives principales del caso es Ji-man (Kim Hee-won), quien cree que Oh Jun-yeong puede ser su hijo perdido hace mucho tiempo. Al Lee Na-mi darse cuenta de todo lo que está ocurriendo, comienza a trabajar con los detectives para tratar de capturar a Oh Jun-yeong y recuperar su vida.

Lo sobrenatural no es la única forma de hacer algo horrible. A veces, todo lo que tienes que hacer es tomar algo que todos tenemos y darlo por sentado. Desde sus inicios, la tecnología ha sido una mano amiga en nuestras vidas. A través de su desarrollo, ha abierto varias posibilidades no siempre agradables. Uno de estos aspectos desagradables es la invasión de la ciberseguridad. Unlocked es un thriller de misterio y crimen coreano que gira en torno al mismo aspecto. Todo lo que necesitas es un teléfono para cambiar tu vida por completo. Dirigida por Kim Tae Joon, la película está protagonizada por Im Si-wan, Chun Woo-hee y Kim Hee-won.

Comenzando con un teléfono perdido, la película usa la tecnología y cuánto acceso le permitimos tener en nuestras vidas para tejer un misterio emocionante lleno de obsesión, venganza y pura malicia. Cuando se queda dormida en un autobús de camino a casa del trabajo y una noche de fiesta con amigas, Lee Na-mi pierde su teléfono inteligente. Tiene sus contactos, sus redes sociales, su horario, y esa es solo la superficie de su vida que contiene ese pequeño cuadrado. Cuando Lee Na-mi recibe una llamada de que su teléfono está en un taller de reparación, piensa que la rareza de un extraño amable puede estar fuera de lugar, pero está agradecida de tener su vida en orden, hasta que todo comienza a desmoronarse.

Sin que ella lo supiera, Oh Jun-yeong, un trabajador de la tienda, le devuelve el teléfono, pero solo después de que él instaló un software espía... y ella no es la primera a la que le sucede esto. Al rastrear su vida cotidiana, aprende todo lo que puede sobre Lee Na-mi, su paradero, pasatiempos, gustos, trabajo, vida diaria, finanzas y redes sociales, y se acerca a ella ocultando su verdadera identidad. Al mismo tiempo, el detective de policía Ji-man encuentra rastros de Oh Jun-yeong en la escena de un crimen y comienza a investigarlo en secreto poco después, sospechando lo peor y poniendo a Lee Na-mi en más peligro que solo ser vigilada.

Unlocked usa la forma en que confiamos en nuestros teléfonos inteligentes y la forma cada vez más invasiva en que contienen nuestras vidas para hacer que la audiencia se pregunte cuánto acceso tiene Oh Jun-yeong a Lee Na-mi. Comenzando con algo pequeño, podemos decir que Oh Jun-yeong puede ver su pantalla mientras usa el teléfono. Puede leer sus mensajes de texto en tiempo real, registrar sus contraseñas y ver su cuenta bancaria. Después, vemos que él puede verla a través de la cámara frontal, lo que aumenta la intensidad de la invasión. Y luego, finalmente, nos enteramos de que él también puede operar su teléfono. Él puede arruinar su trabajo y su vida enviando mensajes, revelando su cuenta falsa de Instagram, retirando dinero y casi cualquier otra cosa. Cada nivel que Oh Jun-yeong profundiza en la vida de Lee Na-mi aumenta la tensión, girando la subtrama y también aumentando las apuestas físicas.

El director Kim Tae Joon usa de manera experta la pantalla de un teléfono para generar tensión sutilmente. En lugar de pasar mucho tiempo mirando al propio Oh Jun-yeong detrás de la pantalla de la computadora todo el tiempo, vemos a Lee Na-mi haciendo su vida, pero con su teléfono parpadeando en el fondo. Mientras Lee Na-mi habla con su jefa, puedes ver a Oh Jun-yeong en segundo plano, desplazándose por sus mensajes de texto. Mientras ella duerme, puedes ver la velocidad con la que Oh Jun-yeong está aprendiendo todo lo que puede sobre Lee Na-mi mientras el teléfono se carga encima de su cama. Si bien el uso de pantallas es utilizado para mostrar las aplicaciones y los mensajes enviados, también ayudan a mostrar qué tan conectados están el mundo real y el virtual. Son estos pequeños momentos de violaciones de los límites los que se sienten como una invasión cuando Lee Na-mi simplemente sigue con su vida. Sabemos algo que ella no sabe como audiencia, lo que hace que el temor se intensifique.

Sin estropear un giro en el tercer acto, los únicos problemas de ritmo de la película entran en juego cuando la trama secundaria comienza a intensificarse y la búsqueda de un asesino se enfoca, y los hilos entre lo que le está sucediendo a Lee Na-mi comienzan a conectarse a una gran red de crímenes. Si bien colocarla en una situación más grande ayuda a que la película se diferencie de una simple trama de acosadores, se esfuerza por mantener las riendas de las dos fuertes narrativas que se manejan casi completamente independientes entre sí hasta los últimos 20 minutos de la película. Dicho esto, cuando chocan entre sí, las consecuencias violentas hacen que el viaje valga la pena.

En general, esto no está necesariamente haciendo nada nuevo en el género de suspenso, pero está utilizando efectivamente la tecnología para generar miedo. Im Si-wan y Chun Woo-hee ofrecen actuaciones que no solo venden cada emoción, sino que se destacan entre sí como fuerzas opuestas. Si están buscando un vistazo emocionante, esta película es una a la que deben prestarle atención. Al final, Unlocked es una película cautivadora que se enmarca en el género de crimen, drama e intenso suspenso que te mantendrá al borde de tu asiento de principio a fin. Ver esta película brinda a los espectadores información valiosa sobre la importancia de proteger la información personal, especialmente las contraseñas. Nuestros teléfonos contienen cantidades significativas de datos personales, por lo que es fundamental mantenerlos seguros y protegidos. Perder un teléfono a manos de una persona malintencionada puede tener consecuencias destructivas, como se ilustra en la película. Por ello, es fundamental prestar atención a la seguridad de nuestros dispositivos móviles. Si bien la película es informativa, podría beneficiarse de escenas adicionales de suspenso y drama, ya que algunas partes son predecibles. No obstante, ofrece valiosas lecciones sobre ciberseguridad y la importancia de proteger la información personal, lo que la convierte en una película imprescindible. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Kill Boksoon

Gil Boksoon (Jeon Do-yeon) es la mejor asesina de su agencia MK. Su don especial radica en poder prever perfectamente las situaciones, incluso en diferentes variantes. Ahora, sin embargo, se enfrenta a la decisión de renovar su contrato, que está a punto de expirar. Mientras su mentor, el CEO de MK, Cha Min-kyu (Sul Kyung-gu), está desesperado por conservarla, la asesina, apodada con reverencia Kill Boksoon en la industria, se pregunta si es hora de retirarse. Después de todo, ella también es la madre de Gil Jae-young (Kim Si-A), de 15 años, quien no sabe nada sobre su trabajo. Cuando Gil ataca a un compañero de clase con un par de tijeras, pero simplemente no quiere revelar por qué, la decisión de Boksoon parece haber sido finalmente tomada. Sin embargo, todavía tiene que llevar a cabo una última misión y llevar consigo a Kim Yeong-ji (Lee Yeon), una prometedora pasante asesina. No obstante, es precisamente este trabajo el que le da a Boksoon remordimientos de conciencia por primera vez en su carrera y, por lo tanto, viola la regla principal de su industria, razón por la cual la directora de MK, Cha Min-hee (Esom), la libera para que la asesinen.

John Wick no es el único gran asesino que existe en las películas. Desde que apareció en escena, algunas películas han tenido éxito y otras no han logrado replicar ese molde. Si bien muchos hombres y mujeres han tomado el relevo, muchos de esos intentos a menudo han carecido de la humanidad necesaria para fundamentar sus historias y vincularlas a su acción. Tal vez solo tomó la perspectiva correcta para ponerlo todo junto. Kill Boksoon es un thriller de acción de asesinos de Corea del Sur protagonizada por mujeres que presenta a una asesina que podría decirse que está al mismo nivel que el mencionado John Wick. Hacerla madre automáticamente agrega riesgos, lo que implica que tiene que hacer malabares con ser una asesina infame y una madre soltera con una hija adolescente. Esto agregó otra dimensión a la historia. Aunque la película no logra ponerlo todo junto de una manera fluida, presenta un mundo brutal que acecha en las sombras. Usando un mundo para informar al otro, apenas rasca la superficie en términos de lo que podría haber ofrecido su inframundo asesino, lo que resulta en muchos momentos intensos pero también en un vistazo menos completo.

Como mencioné, Kill Boksoon se centra en Gil Boksoon, una notoria asesina reconocida por sus innumerables asesinatos. Siendo una leyenda en la industria del asesinato y abarcando varias compañías, cada una con sus propios establos de asesinos, todos respetando el mismo conjunto de reglas, fue vista como una de las mejores, si no la mejor, que existía. Matar era algo con lo que Boksoon se sentía cómoda y era realmente buena, trabajando como la mejor para la compañía de asesinatos más grande de Corea gracias a su conjunto especial de habilidades. Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar para ella tras el nacimiento de su hija, ya que tratar de equilibrar ambas vidas resultó ser un desafío. A medida que Gil Jae-Young crecía, más momentos perdía su madre y esas ausencias no pasaban desapercibidas. Cuando su contrato con MK, la compañía de asesinatos más grande de Corea, estaba llegando a su fin, vio una posible salida y la oportunidad de pasar más tiempo con su hija. Queda por ver si su amigo, mentor y CEO de MK, el presidente Cha Min-kyu, y el resto de ese mundo lo aceptarán o no.

Con el peso de ese conflicto interno mientras aún realizaba sus deberes regulares agregó otra dimensión a Boksoon en el trabajo y con su círculo muy unido de amigos asesinos de otras compañías. A pesar de ello, ese conflicto también era de conocimiento común entre la mayor parte de su industria, ya que algunas fuerzas por encima de ella tenían un interés personal en mantenerla en el trabajo. Mientras tanto, esto también la puso en una posición vulnerable en la que otros podrían intentar derribarla suponiendo que no se lo hizo a sí misma primero. Por mucho que trató de nivelar su vida, criar a una hija adolescente cambia la perspectiva de uno y esa nueva perspectiva eventualmente la siguió a su otro trabajo para bien o para mal. Mientras las paredes se cerraban, si alguien iba a encontrar un camino, era Boksoon. Pero para seguir adelante, tendría que lidiar con su pasado y su relación con el poderoso CEO Cha Min-kyu, un hábil asesino por derecho propio, por lo que compartieron una profunda historia que se remonta a una edad temprana. Aparentemente el último obstáculo antes de que pudiera alcanzar su libertad, esa relación podría haber sido un poco más desarrollada para agregar al impacto emocional de su inevitable confrontación.

Siendo una película que ya abunda en estilo, las escenas de acción eran igual de estilizadas y no rehuían la violencia, con una coreografía enérgica y un trabajo de cámara llamativo que se adaptaba a su naturaleza exagerada. Tal vez su estilo y el uso excesivo de escenas de acción pueden ser demasiado a veces, pero es solo una pequeña parte de una historia más grande. Si bien es probable que algunos espectadores se diviertan con la acción, el drama de los personajes fue más interesante. Haciendo un trabajo decente en el equilibrio de tonos y fundamentando el tema brutal con algo de humanidad y dando a Boksoon apuestas emocionales, su arco fue la mejor parte de la película. Jeon Do-yeon ofrece una actuación poderosa como la asesina titular, mostrando variedad al darle encanto y confianza a su lado asesino del personaje y vulnerabilidad y relacionabilidad a su lado materno. En el transcurso de la película, esos lados se convirtieron en uno. En cambio, ella estaba más que preparada para el desafío. Su química con Kim Si-A como Gil Jae-Young es otro punto culminante de la película, creando el fuerte vínculo que guió a Boksoon. Aunque Sul Kyung-gu es amenazante como el CEO de MK Cha Min-kyu, es una pena que no haya podido mostrarlo más.

En general, esta película lleva a uno de regreso a los días del clásico género de acción/crimen coreano de principios de la década del 2000. Si disfrutaste de Sympathy For Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2003) o A Bittersweet Life (2005), entonces disfrutarás de esta película como yo lo hice. Es una gran película agradable que plantea algunos temas relacionados con la moralidad e incluso destaca algunos problemas sociales que harán pensar y reflexionar a las personas. Al final, Kill Boksoon es un sólido thriller de acción de asesinos llena de estilo y humanidad, dirigida por una poderosa actuación de Jeon Do-yeon. Tiene suficiente violencia para satisfacer a la mayoría de los fanáticos del género y, aunque puede que no todo funcione, su historia fundamentada ayuda a darle un poder de permanencia.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.