Review: Disco, Ibiza, Locomía

Xavier Font (Jaime Lorente) es un joven catalán, abiertamente gay, que emigró a Ibiza en los años 80's gracias a la fama libertina de la isla. Allí, con un grupo de casi todos chicos, pero también una chica, Lurdes Iríbar (Blanca Suárez), intentan sobrevivir como pueden de peluqueros, diseñadores de trajes y cosas que venden en la calle, e incluso, en la última etapa, como bailarines en la discoteca Ku. Es en Ku donde los atuendos extravagantes de Xavi y Lurdes llaman la atención del productor José Luis Gil (Alberto Ammann), quien los invita a lo que puede ser una aventura apasionante, formar un grupo, al que nombrarán Locomía, como ya se llaman a sí mismos los chicos, que revolucionará el panorama musical español e hispanoaméricano de finales de los años 80's y principios de los 90's.

En 2022 la serie/documental Locomía, dirigida por Jorge Laplace, trataba sobre un fenómeno sociológico de finales de los años 80's hasta casi mediados de los 90's que ciertamente sorprendió, la aparición del grupo musical Locomía, aunque también se puede escribir Loco Mía. Fue un grupo de electro-pop con vestimentas que cruzaban entre un payaso de circo y un torero con hombreras gigantes y bailaban de manera sincronizada con abanicos de mano. Con el vestuario diseñado por Xavier Font, fundador del grupo, y la visión comercial del productor musical José Luis Gil, Locomía se disparó con un potencial enorme y una estética andrógina ambigua. Ese documental, que sin duda fue muy bueno, podría ser el argumento de una historia muy atractiva, porque hay elementos más que suficientes para ello.

Por lo que veo no me equivoqué, porque aquí tenemos un largometraje en el que se dramatizan los hechos esenciales, la creación, el ascenso y la caída del grupo. La película comienza de manera peculiar, ya que es narrada por una chica, que dice, más o menos, que esta es la historia de Locomía, aunque se han cambiado algunos nombres y también algunas circunstancias, pero que en esencia esa es la historia. A partir de ahí conocemos a Xavier Font, Lurdes Iríbar y un grupo de personas con los mismos intereses, mayoritariamente chicos y algunas chicas. Sin embargo, Disco, Ibiza, Locomía tiene un aspecto personalizado que deja a uno sin aliento.

Debido a que la historia del grupo musical fue una oportunidad que no podía ni debía desperdiciarse, desde la peculiaridad de sus orígenes, y con varios de los chicos que no cantaban para nada, Locomía hizo de su extravagante vestuario y sus gigantescos abanicos sus señas de identidad, hasta su final, cuando Xavier Font y José Luis Gil se enfrentaron en una lucha despiadada que acabó por destrozar el nombre del grupo, poniendo así fin a la gallina de los huevos de oro.

Pero lo que resultó potente en el documental, sobre todo en el enfrentamiento entre Font y Gil (cada uno por separado en la entrevista que concedieron), y que dio una idea de hasta qué punto el rencor de Font, pero también del el cálculo y la táctica de Gil, destruyeron un fenómeno verdaderamente singular, no se encuentra en esta película y, por supuesto, son un poco menos que dignos de la historia, contada aquí en torno a una reunión que intenta llegar a un acuerdo antes de acudir a los tribunales. Desde esa perspectiva, tenemos los testimonios de Font, Gil y los otros miembros del grupo con la ayuda de una mediadora.

Jaime Lorente, en el papel de Xavier Font, parece muy poco convincente. Como el líder de Locomía interpreta a un personaje difícil de creer, a pesar de sus esfuerzos, que son reconocidos, como las falsas acusaciones que saca a la luz, pero son poco creíbles. Blanca Suárez se desempeña mejor como Lurdes Iríbar, diseñadora e integrante inicial del grupo, aunque en un papel secundario como corista. Pero el mejor de todos es Alberto Ammann, quien, acertadamente caracterizado interpreta de manera convincente a José Luis Gil, un tipo sistemático, pragmático y bien posicionado en la industria discográfica, que encontró en Locomía la piedra filosofal para transformar a cada uno de los integrantes (algunos que cantaban como gatos siendo torturados) en un grupo que fue el acontecimiento musical de su época.

En general, con el director Kike Maíllo tras las cámaras, hay que tener respeto por la historia que quiere contar, su elegante narrativa, y la cuidadísima estética de los visuales. Pero hay varios detalles y varios planos que no se ven en este tipo de producciones y que hace que la historia sea más atractiva. También tiene una duración bastante ajustada, apenas 1 hora 45 minutos, que hace que no se aburran nunca, pero es cierto que el tramo final se acelera demasiado y no deja espacio para muchos eventos interesantes. Pese a ello, es una película interesante. Al final, Disco, Ibiza, Locomía es un viaje no sólo por la historia del grupo, sino también por una época (y fuera de ella) en la que todo era posible. La película no esconde absolutamente nada, no sólo en el tema de sexo, drogas, y fiestas, sino en los más complicados temas de celos, traiciones, desamores y pérdidas, que son los que dan vida a una historia mucho más compleja de lo que puede parecer. Es realmente divertida y entretenida de ver, y está llena de matices entre las luces y las sombras.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Longlegs

La agente de FBI Lee Harker (Maika Monroe) se embarca en la búsqueda de un sospechoso de una serie de asesinatos y suicidios conocido como Longlegs (Nicolas Cage), y su jefe, el agente Carter (Blair Underwood), está ansioso por trabajar con las habilidades psíquicas de la joven. Lee está perturbada por toda la investigación, que cubre más de 20 años de ataques brutales a familias, y existe una conexión personal, ya que Longlegs se acercó a ella justo antes de su cumpleaños y le regaló unos criptogramas. Lee trabaja en soluciones y sigue cualquier pista que pueda encontrar, tratando de acercarse a un hombre extraño que parece tener control sobre los demás. Lee está preocupada por un posible rompecabezas de la muerte que Longlegs pueda estar tratando de resolver, y también habla con su madre, Ruth (Alicia Witt), quien regresa al hogar de su infancia que contiene muchos secretos.

El entusiasmo que se generó lentamente por Longlegs fue una de las campañas de marketing más atractivas y creativas que ha tenido una película en años. Desde avances con estructuras crípticas, hasta sitios web con archivos secretos y contraseñas para desbloquear que cubren los misteriosos asesinatos de Longlegs como si fueran eventos reales y, por supuesto, ocultando la apariencia radical de Nicolas Cage como el asesino. El marketing ha mantenido la premisa y la narrativa de la película bastante indirectas, que es la mejor manera en que alguien debería experimentar Longlegs, sabiendo lo menos posible.

La película sigue a la joven agente del FBI Lee Harker en su búsqueda del misterioso asesino conocido como Longlegs. Con casos que se remontan a más de 20 años, Longlegs sigue siendo un enigma que aparentemente es capaz de asesinar a familias enteras sin que haya ninguna evidencia física de que alguna vez estuvo presente, aparte de una carta codificada (impregnada de simbolismos ocultos) dejada en cada escena del crimen. Ambientada en Oregon durante los años 90, Longlegs evoca intencionalmente películas clásicas de asesinos en serie de la época como The Silence Of The Lambs (1991) y Se7en (1995), aunque con una inclinación más satánica. La narrativa del drama criminal de la primera mitad toca todos los ritmos familiares del género, con una atmósfera inducida por el miedo que lentamente se va introduciendo en la trama. El director Osgood Perkins enmarca casi todas las tomas con los personajes en el centro de la pantalla, dejando el amplio espacio a su alrededor completamente e inquietantemente vacío. Ese espacio se utiliza con gran efecto para intensificar la atmósfera, ya que el espectador queda constantemente al borde de su asiento y ansioso por cualquier cosa que altere ese vacío.

Nicolas Cage, como el titular Longlegs, ha sido la principal curiosidad en torno a esta película, ya que fue oculto y borrado en cada trailer. Sorprendente pero efectivamente, Perkins usa a Cage con bastante moderación a lo largo de la película, lo que permite que sus breves momentos permanezcan de manera más prominente a lo largo de la película. Cubierto con prótesis pesadas que lo hacen casi irreconocible, Cage ofrece una actuación espeluznante y fuera de lo común en la forma en que la gente espera de él. Mientras tanto, Maika Monroe es el polo opuesto. Ella interpreta a Lee como una persona fría y distante mientras alberga un trauma reprimido de la infancia que puede o no desempeñar un papel en la resolución de este caso. Su rostro atormentado complementa la película, ya que toca los rincones más oscuros del comportamiento humano, llenando los espacios en blanco de cada asesinato con explicaciones más inquietantes.

Si no hay evidencia física de que Longlegs haya hecho algo durante cualquiera de los asesinatos, entonces... fue un acto autoinfligido en el que participaron las propias familias o hay fuerzas sobrenaturales actuando aquí? El lento descenso mental de Monroe, en contraste con el uso cada vez mayor de Perkins de Cage en la pantalla, es una combinación potente que ejemplifica la película en su máxima expresión. Tristemente la recompensa en el tramo final es decepcionante. Después de una acumulación que impulsa la narrativa hacia adelante de manera agresiva durante los dos primeros actos, se vinculan los eventos de una forma que es simultáneamente subexplicada y sobreexplicada con grandes giros que son divertidos de experimentar pero que son francamente poco convincentes y ridículos de ver cómo se desarrollan.

En general, a pesar de un final muy decepcionante, la película sigue siendo una historia de terror de asesino en serie eficaz y bellamente montada. La paciente dirección de Perkins genera una atmósfera poderosamente inducida por el miedo que solo se ve realzada por el memorable giro demente de Nicolas Cage y la implacable y enfocada actuación principal de Maika Monroe. Si bien puede que no reinvente el género, es una entrada sólida y espeluznante en el cine que debería satisfacer a quienes buscan una buena película de terror. Al final, Longlegs es una historia de detectives convencional con una fachada estilísticamente escalofriante extraída de una pesadilla. El director Osgood Perkins tiene una habilidad especial para infundir mucha tensión, incluso si el asesino en serie titular está infrautilizado y el tercer acto lleva demasiado tiempo para explicarse. La influencia del Diablo se encuentra constantemente en las sombras de esta investigación sobrenatural, que aprovecha la capacidad de la depravación de la humanidad con mucha técnica.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Blink Twice

Slater King (Channing Tatum) fue una vez el rostro de King Tech, su corporación, pero irregularidades expuestas a los medios lo han obligado a retirarse de la vista del público. Durante una gala para su organización filantrópica, Slater conoce a Frida (Naomi Ackie), una mesera de catering que se arriesga a infiltrarse en la fiesta con su compañera de cuarto, Jess (Alia Shawkat). Frida está increíblemente decidida a llamar la atención del multimillonario, y logra su objetivo, a tal punto que él la invita a ella y a Jess a unirse a él y a sus amigos en un viaje a su isla privada. Al aceptar, Frida se encuentra con Vic (Christian Slater), Cody (Simon Rex), Tom (Haley Joel Osment) y Lucas (Levon Hawke), que están listos para festejar el mayor tiempo posible, mientras otras visitantes, incluidas Sarah (Adria Arjona), Camilla (Liz Caribel) y Heather (Trew Mullen) quedan cautivadas por la belleza que las rodea. A Frida le encanta la experiencia, pero la rutina de las comidas y las drogas comienza a hacerle algo en la mente, y pronto se siente incómoda con la celebración a medida que lo extraño de todo comienza a aclararse.

Saber lo menos posible debería ser lo escencial en cualquier película, pero esa sensación de descubrimiento es muy vital en Blink Twice. Aquí, un estilo de vida lujoso se ve llevado a un límite inquietante. Hay muchas pistas de que algo malo está por suceder. Cuando todo parece demasiado bueno para ser verdad, y a medida que la película avanza y da vueltas, la directora Zoë Kravitz mezcla con confianza diferentes tonos, incluso en las mismas escenas, desde un bacanal de sonrisas y sin preocupaciones hasta una pesadilla que borra la memoria. El guión encuentra una manera ingeniosamente enfermiza y fresca de adentrarse en el movimiento cultural de mujeres a las que no se les creyó y a las que se les dijo que sonrieran más. Puede que sea necesario volver a ver cómo cada pieza encaja meticulosamente en su lugar, pero la idea de “perdonar y olvidar” ciertamente se vuelve loca.

Este tipo de película es realmente difícil de realizar. Kravitz es mejor en las cosas generales que en los detalles finos. El gran secreto de la isla es un misterio intrigante que se esconde detrás de chistes recurrentes, peculiaridades extrañas de los personajes y peligros ocasionales como serpientes venenosas. Kravitz mantiene los intercambios entre hombres y mujeres a un nivel superficial. Es todo puro placer y poca profundidad, lo cual tiene sentido dado el contexto pero también puede ser un poco irritante. Cuando la verdad de Slater King sale a la luz y Frida se da cuenta de lo que realmente está pasando, Kravitz lo pone todo demasiado sencillo. En resumen, hay muchas lagunas argumentales y preguntas que quedan sin respuesta, como si la trama no se hubiera pensado completamente para crear un estado de ánimo y hacer una declaración.

Una cosa si es absolutamente clara, todos los departamentos trabajan a un nivel elevado. La cinematografía es exuberante y elegante. Hay un ritmo ágil y introvertido en la edición, y momentos que desorientan cuando los personajes están tan sumergidos con alucinógenos, cannabis y alcohol. Todos los actores tambien son fantásticos. Al frente del espectacular elenco está Naomi Ackie, quien es un excelente conducto emocional, ya que es a través de Frida que el espectador entra y sale de esta realidad intensificada. Su química con una muy divertida Alia Shawkat como Jess es irresistible y se siente vivida. Luego, en un punto posterior de la película, Ackie y una espectacular Adria Arjona, como Sarah, la concursante de un programa al estilo Survivor, se convierten en un equipo, y su intrépido coraje es emocionante y catártico de ver. Como el todopoderoso Slater King, Channing Tatum es, como era de esperarse, encantador pero también aterrador. Hay un momento en particular que involucra una disculpa repetitiva que es simplemente escalofriante.

En general, la directora Zoë Kravitz no se lo tomó con calma aquí, ya que es posible que estén percibiendo vibras a lo Jeffrey Epstein. La infame isla pedófila del placer carnal de Epstein fue la inspiración para este thriller/fantasía de venganza. En un mundo post MeToo, este tipo de película se ve muy diferente a algo como I Spit On Your Grave (1978/2010). Los crímenes son atroces y la venganza es dulce, pero esta película no se contenta con ser tan simple. Esta es una película sobre el trauma, la memoria, la fama y una cultura de remordimiento performativo. Al final, Blink Twice es un thriller social que tiene algo que decir pero que nunca se olvida de entretener. Narrativamente, y aunque imperfecta, es provocativa y el tipo de película que hará que la gente hable de ella. Aún teniendo varios momentos lentos durante su tiempo de duración, tiene sus propios placeres retorcidos y debería inspirar, atraer y alterar expectativas como un viaje recreativo y amenazador.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Alien: Romulus

Rain (Cailee Spaeny) es una residente del Jackson's Star Mining Colony que mantiene cerca a su hermano "sintético", Andy (David Jonsson), mientras ella se ocupa de las obligaciones laborales cambiantes de Weyland-Yutani Corporation. A ella le ofrecen la oportunidad de trasladarse a un planeta más brillante, pero Tyler (Archie Renaux) planea tomar el mando de una nave fuera de servicio. A él se unen su hermana Kay (Isabel Merced), Bjorn (Spike Fearn) y la piloto Navarro (Aileen Wu), lo que requiere que Andy acceda a los tubos criogénicos necesarios para el viaje de nueve años. El grupo viaja a una estación espacial abandonada para obtener los tubos criogénicos, pero el complejo está a punto de estrellarse contra los anillos planetarios. Buscando acelerar el proceso, el equipo reanima accidentalmente un laboratorio que contiene muchos Facehuggers, comenzando una carrera por la supervivencia mientras Rain y los demás intentan manejar su confusión y luchar contra la amenaza Xenomorph, que se convierte en un problema mayor a medida que comienza el ciclo de vida alienígena.

Han pasado siete años desde el lanzamiento de Alien: Covenant, la segunda precuela de la serie Alien y la continuación de Prometheus (2012). En esas películas, el director Ridley Scott jugó con algunas ideas interesantes con respecto a la historia, particularmente cómo surgieron los Xenomorphs, y planteó algunas preguntas aún más interesantes en el proceso. Es desafortunado que Covenant no haya recibido una secuela para cerrar esos cabos sueltos, y con la compra de Fox por parte de Disney también durante este tiempo, finalmente dejó la franquicia en un estado de limbo, hasta ahora. En ese tiempo, la franquicia Alien pasó por varios inicios fallidos de ideas diferentes, e incluso una quinta película que tomaba lugar después de los eventos de Alien: Resurrection (1997) y que traia de vuelta a Sigourney Weaver como Ellen Ripley para ser dirigida por Neill Blomkamp.

Es aquí que entra Alien: Romulus, dirigida por Fede Álvarez, y siguiendo los pasos de una reanimación de franquicia similar al éxito de Hulu/Disney+ Prey (2022), la precuela de las películas de Predator. Fede Álvarez no es la elección más obvia para dirigir una película de Alien. No me malinterpreten, el cineasta de Evil Dead (2013) y Don't Breathe (2016) es experto en escenas gore y crea suficientes momentos espeluznantes como para hacer que se nos hiele la sangre. Pero, es eso necesariamente lo que queremos de la franquicia en la que Ridley Scott y James Cameron crearon dos de las mejores películas de ciencia ficción jamás hechas? Resulta que sí, es lo que queremos de Alien: Romulus, ya que Álvarez devuelve el miedo al espacio profundo mientras rinde homenaje al pasado y abraza la totalidad de lo que es la franquicia Alien.

Ambientada entre los eventos de la clásica Alien de 1979 de Ridley Scott y la secuela igual pero diferente de James Cameron de 1986, Aliens, la trama aquí es bastante simple: Rain, quien junto con un grupo de colonizadores espaciales y su hermano "sintético" Andy, irrumpen en una estación espacial fuera de servicio en órbita sobre ellos, que está muy cerca de quedar completamente fuera de servicio ya que está en curso acelerado hacia los anillos planetarios. A medida que la tripulación avanza a través de las ruinas, finalmente se encuentran con una especie que puede matarlos de maneras increíblemente violentas y perturbadoras, y aquellos que conocen las películas de Alien, probablemente puedan descubrir qué viene después. Con eso en mente, Álvarez lo entiende. Estas películas están destinadas a ser aterradoras, pero no deben tener miedo solo de los Facehuggers y los Xenomorphs que acechan en cada rincón de la nave espacial abandonada. También deben temer las frías garras de la avaricia corporativa y las demandas sin nombre y sin rostro que pondrán en peligro vidas humanas para generar ganancias potenciales por una súper arma extraterrestre.

Alien: Romulus se estrena 45 años después de la primera Alien, una película que originalmente se creó como una especie de película B en respuesta a la popularidad de Star Wars en 1977 y terminó convirtiéndose en una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos, generando una serie de secuelas, en la que una de ellas, Aliens de James Cameron la superó en algunos aspectos. Las dos primeras pueden compartir el honor de estar entre las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos, pero las entregas que siguieron, desde Alien 3 (1992) de David Fincher hasta Alien: Resurrection (1997) de Jean-Pierre Jeunet y las dos precuelas de Ridley Scott, no fueron muy bien recibidas. En un intento por resucitar la franquicia, Alien: Romulus vuelve a la fórmula básica, creando un tenso thriller de terror que comienza lento y avanza hasta un intenso acto final que hace volar las puertas. Es por eso que, en papel, contratar al hombre que hizo un excelente trabajo al realizar un exitoso thriller claustrofóbico como Don't Breathe es perfecto. El resultado? En algunos casos, la mejor película de la franquicia desde Aliens.

Aquí, Álvarez toma la idea de Don't Breathe en el espacio con varias secuencias de acción construidas en torno al uso de sonido y sombras, mientras Rain y sus amigos intentan atravesar la nave y salir de la historia vivos. El diseño de sonido se nota desde el principio, y es increíble. Una vez que la película toma velocidad, el grupo comienza a encontrar de todo, desde Facehuggers hasta Xenomorphs. Álvarez mantiene la tensión de manera experta con algunos momentos realmente impresionantes, una cinematografía magnífica y con los acontecimientos que se desarrollan. También hay un sentimiento nostálgico en el aspecto de la película, con un uso sutil de la imagen, que evoca la estética de la original. A esto se suma un énfasis en los efectos prácticos. Si bien se utiliza el CGI, de manera destacada en algunos casos, el trabajo animatrónico con los diferentes organismos alienígenas es fascinante y agrega una sensación de realismo a la amenaza que enfrentan los personajes.

Un elenco joven aporta una explosión de chispa a esta serie, pero es un elenco pequeño, lo que significa que Álvarez no tiene un gran número de cadáveres con los que jugar. Afortunadamente, demuestra ser igual de hábil a la hora de aumentar la ansiedad en la franquicia Alien. Como Rain, Cailee Spaeny es fantástica, continúa su impecable trayectoria como actriz y lleva su talento a otro nivel aquí. Cuando las cosas se ponen difíciles para ella, canaliza momentos que hacen eco de los esfuerzos de Ripley en Aliens, cargando un rifle mientras busca Xenomorphs para hacerlos pedazos. Sin embargo, la verdadera estrella del espectáculo resulta ser David Jonsson como Andy, quien ofrece una actuación increíblemente poderosa, a menudo expresándose sin palabras y simplemente quedándose quieto. La conexión fraternal entre Rain y Andy crea un marco sólido y es el aspecto más convincente de los personajes humanos, ya que ambos trabajan juntos para tratar de encontrar una salida. La película, no obstante, tropieza con sus otros personajes, a menudo manteniendo la mayoría de sus características con unas pocas líneas de exposición o simplemente en un breve momento en el que hacen algo por sí mismos. Como tal, no se forma mucha conexión con ellos, lo que hace que sea un poco difícil apoyarlos cuando la sangre comienza a correr. La excepción a esto es Kay, interpretada por una increíblemente resistente Isabela Merced, quien, al igual que Rain y Andy, termina justo en medio de algunas de las secuencias más locas de la película y hace algunas cosas serias en el proceso.

Donde la película también tropieza, a veces, es en sus significados más profundos. Las dos primeras películas plantean y evocan preguntas que conforman su columna vertebral temáticamente más rica, con Aliens incluso a menudo actuando como una respuesta a la guerra de Vietnam y el trastorno de estrés postraumático, y Prometheus preguntando sobre cómo surgieron los humanos, planteando sentimientos existenciales, y si todos los esfuerzos importan o no. Esa columna vertebral temática falta en Romulus y, en el proceso, conduce a una película un poco más ligera. A veces, parece más una versión de grandes éxitos de la franquicia, incorporando muchas de las marcas registradas de la serie en términos de imágenes, acción y diálogo para mantener las cosas a flote. Sin embargo, esto no es un simple vehículo de servicio para los fanáticos. Álvarez utiliza esas herramientas para que la historia avance, basándose en esos legados. Siente nostalgia por la serie de una manera que la respeta y la honra.

En general, el director Fede Álvarez pone la barra muy alta para Alien: Romulus al situarla entre las películas de Ridley Scott y James Cameron. Si bien la trama es bastante sencilla, hay algunos giros sorprendentes y una cara familiar que los fanáticos devotos de la franquicia reconocerán de inmediato. A medida que la película se acerca a los minutos finales, toma decisiones que sin duda serán discutidas por muchos espectadores y que incluso podría polarizar a muchas personas. En ese momento, Álvarez hace algo realmente loco y los resultados son dignos de verlos para creerlos. Al final, Alien: Romulus es, en última instancia, un vistazo muy gratificante y una de las mejores entradas de la franquicia. Puede que le falte algo de la profundidad de las dos primeras películas e incluso de Prometheus, y hasta cierto punto incluso de Covenant, pero proporciona un viaje fantástico y emocionante que logra la mayoría de sus objetivos creativos, brindando a los fieles otro enfrentamiento con el "organismo perfecto", al mismo tiempo que prepara las cosas para una nueva generación de espectadores.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: To Catch A Killer

Durante las festividades de despedida de año en la ciudad de Baltimore, un tirador usa la cobertura del ruido de los fuegos artificiales para matar a tiros a 29 personas en el área. Corriendo a la escena del crimen está la policía Eleanor Falco (Shailene Woodley), quien está tratando de mantener el orden en una escena caótica. Su dedicación a la aplicación de la ley es notada por el agente del F.B.I. Geoffrey Lammark (Ben Mendelsohn), que está a cargo de la investigación, y solicita su presencia en un grupo de trabajo dedicado a encontrar al asesino. A ella se une Jack McKenzie (Jovan Adepo), y el grupo se propone encontrar cualquier prueba posible, trabajando para aprender más sobre la motivación y la identidad de un monstruo escurridizo. Lammark se acostumbra poco a poco a Eleanor, que tiene antecedentes problemáticos y un buen instinto para la investigación, y los dos intentan entenderse mientras las pistas resultan infructosas, mientras que el asesino pronto regresa para aterrorizar a la comunidad.

To Catch A Killer se asemeja a un hijo entre el director Denis Villeneuve y el director de fotografía Roger Deakins. Este es fácilmente uno de los mayores elogios que se le puede dar a esta película y también sirve esencialmente como ingrediente la película Sicario (2015), al crear un tono y atmósfera siniestros. Sin embargo, si bien esta película se inspira en las figuras mencionadas, crea su propio espacio en un género que ha contado innumerables historias similares de una manera aún más similar, aunque con menos éxito.

La película se centra en los esfuerzos del F.B.I. por atrapar a un asesino en masa en Baltimore, Maryland. El investigador principal Geoffrey Lammark crea un equipo local de policía, que incluye a la oficial Eleanor Falco, para atrapar al asesino antes de que ocurra otro evento de asesinato masivo mientras la presión continúa aumentando para obtener resultados. Falco posee un talento sin explotar para analizar perfiles que coinciden con la descripción del asesino, lo que la convierte en un elemento valioso y confiable para el equipo. Mientras tanto, cuando no está en el caso, los demonios del pasado la persiguen constantemente y le impiden avanzar en su carrera. Lammark se desempeña como un líder experto que libra batallas en múltiples frentes y, al mismo tiempo, mantiene a su equipo y a la policía local trabajando para encontrar al asesino. A medida que avanza el caso, los dos se dan cuenta de que para atrapar al asesino, los únicos en quienes pueden confiar son ellos mismos, ya que rápidamente identifican fuerzas más allá de ellos que se mueven para manipular su investigación y promover sus motivos ocultos.

La película aborda los asesinatos de una manera muy directa al mostrar que ocurre en un tiroteo masivo, mientras que la policía investiga posibles pistas y intentan construir un perfil del asesino con muy poco que entender sobre él. Sin embargo, donde la película realmente brilla es a través de su enfoque inquebrantable en la maquinaria política invisible que motiva silenciosamente la investigación para satisfacer las necesidades del gobierno o futuras carreras. Es algo que se habla a menudo en las películas de este género, pero que rara vez se explora, y que a menudo resulta en monólogos sensacionalistas o figuras políticas exageradas que solo existen como dispositivos de la trama. En esta película, estas figuras están siempre presentes, a menudo moviéndose en contra de los mismos investigadores que pusieron a cargo, todo en nombre de la ganancia política, creando más contratiempos y pasos en falso para la investigación misma.

La película no solo captura estas ineficiencias, sino que se comunica con el espectador para que pueda ver y comprender el ciclo de ineptitud que llega tan lejos y que se puede aplicar a casi cualquier situación actual en las noticias. En resumen, es frustrante porque es muy preciso y durante grandes tramos de la película, el enfoque se vuelve sutilmente hacia esta máquina en lugar de la búsqueda real del asesino. Esto podría ser un impedimento para algunos, pero resulta mucho más impactante a medida que se acerca el acto final.

Lo que no se puede pasar por alto lo suficiente es su elenco. Ben Mendelsohn y Shailene Woodley son adiciones bienvenidas que salvan sus personajes y que fácilmente podrían haber caído en los clichés del género. Desarrollando pacientemente a Lammark y Falco, agregaron metódicamente capas que contribuyeron a la inversión emocional de sus personajes de una manera que los obliga a considerar cómo abordarían algunas de sus decisiones. El presunto asesino interpretado por Ralph Ineson, se destaca en sus pocos momentos en la pantalla. La forma en que la película crea su interminable laberinto narrativo con el asesino en el centro como premio final, solo para que llegue allí y tome un giro perversamente inesperado, pero natural, es espectacular.

En general, esto puede parecerse a películas que han ocupado un espacio similar en el género y, por lo tanto, puede parecer saltable para algunos. Sin embargo, la película se siente en sintonía con una idea preconcebida, lo que la motiva aún más a subvertir las expectativas al optar por centrarse en la mano invisible detrás de la aplicación de la ley al manejar un caso de esta magnitud, lo que finalmente da como resultado una conclusión que parece estar basada en la realidad. Es frustrante sin embargo necesaria. Después de todo, parece que el mensaje que más intenta transmitir es que la máquina siempre seguirá girando. Al final, To Catch A Killer profundiza en el mundo moderno de las enfermedades mentales, y emerge con un estudio convincente de la fractura psicológica en ambos lados de la ley. Hay una violencia sorprendente en la película que pretende llamar la atención de los espectadores, pero el director Damián Szifron aporta un equilibrio de realismo, lo que le da al esfuerzo una atmósfera inusual que mantiene al espectador interesado hasta el final.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Hypnotic

Danny Rourke (Ben Affleck) es un detective en Austin, Texas, que lucha por procesar la pérdida de su hija Minnie (Hala Finley), quien fue secuestrada en un parque local, sin dejar pistas. La situación ha destruido la vida y el matrimonio de Danny, pero él sigue comprometido con el trabajo, recién encargado de seguir un crimen especializado en un banco local, observando cómo Dellrayne (William Fichtner) controla a las personas para que cumplan sus órdenes, y pronto logra escapar dejando atrás una foto que sugiere que sabe dónde está Minnie. Desesperado por respuestas, Danny busca a Diana Cruz (Alice Braga), una psíquica que trabaja como adivina, pero una mujer que sabe exactamente lo que está pasando, compartiendo noticias de que Dellrayne es un hipnótico, personas dotadas capaces de manipular la realidad. Diana también es hipnótica y oculta sus dones, pero elige ayudar a Danny en su misión de encontrar a su hija, enfrentándose a un enemigo poderoso y astuto.

Es difícil creer que en el panorama cinematográfico actual, una nueva película de Robert Rodríguez y protagonizada por Ben Affleck pueda generar tan poca expectación como la película de acción y ciencia ficción, Hypnotic. Aparte de tal vez regarse la voz, es muy probable que la mayoría de la gente no tenga idea de que esta película exista. Por otra parte, aparte de Alita: Battle Angel (2019), no ha habido muchas razones para prestarle atención a Rodríguez, y Affleck parece estar más cómodo últimamente en dramas de prestigio o haciendo de Batman. Así que este último esfuerzo ocupa un espacio extraño. Es una película de género que podría haber sido enorme en una época diferente, lanzada sin ceremonias entre el último éxito de taquilla de Marvel y la próxima Fast And The Furious.

Si eso suena como si el estudio no tuviera mucha fe en Hypnotic, hay motivos para esa duda. La película está protagonizada por Affleck como el detective de la policía de Austin, Danny Rourke, que aún sufre por el secuestro y la presunta muerte de su hija. Está listo para volver al trabajo? Su terapeuta parece dudarlo, pero Danny la convence de lo contrario. Tan pronto como regresa al trabajo, recibe una llamada sobre un robo a un banco, solo para encontrar a un hombre misterioso en una banca de parque en las afueras. Donde quiera que vaya el hombre, la gente comienza a actuar de manera extraña. Danny sigue al hombre hasta el banco y descubre que tiene la extraña habilidad de hipnotizar a cualquiera con facilidad. Puede hacer creer a una mujer que está sufriendo de un calor horrible, a otra creer que es el momento equivocado del día y, peligrosamente, obligar a dos policías a dispararse entre sí. Danny parece ser el único capaz de resistir su influencia, pero se siente atraído cuando queda clara la posible conexión del hombre con la desaparición de su hija.

Hypnotic es una película rápida, con una duración de 1 hora y 28 minutos. Eso es genial, en cierto sentido, porque los thrillers de esa duración eran antes un estándar, pero se han ido en gran medida en los últimos años. El problema es que Rodríguez tiene un montón de exposición y construcción de mundo desordenado para establecer, lo que arrastra la película a un paso lento a pesar de una acción impresionante, siempre una fortaleza de Rodríguez. Danny descubre toda una sociedad de hipnóticos, revelada por la lectora de cartas del tarot Diana Cruz, ella misma hipnótica. Diana se lleva la mayor parte de los muchos vertederos de exposición de la película, diciéndole a Danny que los hipnóticos básicamente tienen el poder de la sugestión, y que las "construcciones hipnóticas" son las ilusiones que crean dentro de la mente, afectando la realidad de una persona. Básicamente te hipnotizan. No debería ser tan difícil de explicar.

A Hypnotic le encantan las palabrerías, y absolutamente prospera con eso, porque es su propio tipo de ilusión, convenciendo a la audiencia de que están viendo algo parecido a una película de Christopher Nolan. Es esencial para la película que todo lo que sucede sea cuestionado, creando esta atmósfera vagamente laberíntica donde nada puede ser lo que parece. En realidad, gran parte de la película es bastante genérica, y más cercana a un crimen con un toque de lo paranormal. Por supuesto, hay una conspiración del gobierno involucrada y una operación de alto secreto que amenaza con ser desatada por este hombre misterioso, Dellrayne, el hipnótico más poderoso que el gobierno haya entrenado.

Ben Affleck no parece particularmente interesado en su papel y muerde mucho de su rol al estilo de Clint Eastwood. Alice Braga siempre es excelente interpretando el factor x, y David Fichtner sigue siendo en silencio uno de los actores más amenazantes que existen. Es un gran villano, incluso aquí con un diálogo limitado para trabajar, que no quieres verlo perder, o al menos no fácilmente. Se presenta una serie de personajes que en última instancia no significan nada y solo confunden, como el hacker tatuado de Dayo Okeniyi o el mentor solitario de Diana interpretado por Jackie Earle Haley. Todos se sienten como un medio para aumentar el tiempo de duración.

En general, esto tenía todas las piezas para ser una película mucho mejor de lo que resulta ser. La pareja de Affleck y Rodríguez solo es interesante de ver, incluso si el resultado es un poco decepcionante. Su mayor problema es el guión, ya que atasca la película con tantas tonterías explicativas que le quita a Rodríguez lo que mejor sabe hacer, y eso es crear paisajes vívidos y emocionantes y crear secuencias de acción viscerales. Al final, Hypnotic es una gran idea en papel que afortunadamente se traduce en un producto que se puede ver, pero no se puede negar que su ejecución podría haber sido mucho mejor. Su historia debería haber sido contada con mucha más energía, especialmente viniendo de alguien como Rodríguez, quien generalmente es más conocido por sus imágenes y estilo (que sorprendentemente están silenciados aquí) que por la historia y los personajes. La película se parece más a algo escrito en la década de 1990 o 2000, pero tardó algunas décadas en realizarse. De cualquier manera, es bueno que exista una película como esta y que no haya sido desechada como podría haberlo sido.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Malum

La oficial de policía novata Jessica Loren (Jessica Sula) está en su primer turno de servicio con el Departamento de Policía de Lanford, custodiando una estación desmantelada en su última noche de servicio. Sin embargo, esta no es una estación de policía ordinaria. Exactamente un año antes, el padre de Jessica y el capitán de policía Will Loren (Eric Olson) arrestó a tres miembros del culto a la muerte Flock Of The Low God, incluido el líder John Malum (Chaney Morrow). El Capitán Loren rescató a tres niñas cuando el culto estaba en proceso de asesinarlas ritualmente y fue aclamado como un héroe por ello. En un extraño giro del destino, el capitán enloqueció poco después, asesinando a varios policías en la estación antes de quitarse la vida. Decidida a conocer la verdadera historia detrás de la muerte de su padre, Jessica se ofrece como voluntaria para el último turno en la estación de policía, con la esperanza de descubrir la verdad. Pero eligió una noche difícil para hacerlo. El culto no olvidó el aniversario y, como resultado, el mundo de Jessica se convierte en un infierno total donde las líneas de la realidad se desvanecen a medida que el mal se infiltra implacablemente en los pasillos de la estación abandonada.

Es el 2023 y hemos llegado a un lugar bastante asombroso donde el género del horror no solo está al rojo vivo, sino que también, y sorprendentemente, está en paz con las nuevas versiones o remakes. Creo que todos podemos estar de acuerdo en este punto que ha habido una gran cantidad de excelentes reimaginaciones/interpretaciones alternativas de películas que a menudo son clásicas por derecho propio. Lo que se puede debatir (y probablemente se debatirá) hasta el final de los tiempos es si un remake es necesario o no. Es la vieja pregunta sobre no jugar con la perfección, verdad? Last Shift, el gran éxito de 2014 del director Anthony DiBlasi es una de esas películas que golpea todas sus marcas con un propósito y una eficiencia despiadada. Habría dicho que es una película que no necesita una nueva versión, y estaría haciendo una declaración perfectamente precisa. No obstante, cuando consideras que es el mismo DiBlasi quien escribe y dirige el remake, ahora estás lidiando con uno de los proyectos más intrigantes en años. Se trata literalmente de regresar casi una década después con un presupuesto mayor para contar la historia una vez más de una manera más completa. Para un cineasta, es un sueño realidad. Para los amantes del terror, es un vistazo obligado.

Malum no es un remake toma por toma ni tampoco es una versión radicalmente diferente de un tema central. Los ritmos de la historia, las imágenes y la intensidad siguen siendo los mismos. La mayor diferencia viene en la forma de la historia de fondo de Will Loren y su papel en ella. “Fue un héroe hasta que dejó de serlo…” es un gancho narrativo sólido y confiable. Agregar eso cambia la narrativa y, de alguna manera, logra volverla aún más loca. Malum es Last Shift llevado al máximo. Pisa el acelerador con más fuerza que su predecesora sin sacrificar la humanidad de Jessica Loren. Cambiarla a una heroína a la que sus compañeros detestan activamente debido a quién es su padre agrega una capa de drama que no existe en Last Shift. En esa película, la historia del padre es más o menos una conexión expositiva. Aquí, esa historia es el sol en el centro de la galaxia expositiva, proporcionando una mitología y una historia de fondo mucho más profundas (sin mencionar el verdadero potencial de una secuela).

La película tiene una exhibición métrica de sangre y tripas. También hay un cerdo con símbolos satánicos dibujados con sangre en su espalda. Como todos sabemos, cuando hay un cerdo impío, todas las apuestas se cancelan y la pesadilla está a punto de hacerse realidad. También hay un ahorcamiento/decapitación, algunos efectos especiales de piernas realmente retorcidas, muchos disparos a la cabeza con varias armas y uno de los finales más locos que jamás hayan visto. Luego está el Temple Baron. Nunca ha habido un demonio tan espeluznante que salte de la pantalla y entre en tus pesadillas. El diseño de la criatura es completamente loco. Es sin duda una criatura que debe estar al frente y al centro en la portada de una revista de Fangoria. En una película con algunas imágenes memorables y múltiples vibras demoníacas, el Temple Baron está en un nivel por sí mismo. Nunca volverás a ver un pentagrama de la misma manera.

Jessica Sula lo da todo como una protagonista impresionante, permitiéndonos tener miedo con ella pero también motivados para explorar los largos y oscuros pasillos de la estación de policía. Su papel como una policía novata, motivada para probarse a sí misma y disputar el legado de su padre, mantiene la película rodando a un ritmo correcto. Si bien la película después de cierto punto trata demasiado de lanzarnos sustos, se las arregla para acertar en un par de ellos. La mayor preocupación es por qué se necesitaba una nueva versión, especialmente tan pronto después de la original. Para ser honesto, Malum ha absorbido lo mejor y lo peor de Last Shift. Hay algunos cambios de la original, pero son de menor escala. La estación de policía de Sanford ahora es Lanford. El líder del culto, John Michael Malum, se llamaba anteriormente John Michael Paymon, aunque el lanzamiento de Hereditary (2018) de Ari Aster quizás haya hecho que el significado demoníaco del apellido Paymon sea demasiado obvio. Al igual que Hereditary, pero también como Last Shift, Malum confunde por completo lo sobrenatural y lo psicológico. Aquí todo está presentado cuidadosamente y de una manera incierta. Jessica puede estar sufriendo una enfermedad mental hereditaria o el trauma generacional de uno, otro o ambos de sus padres, y recreando su legado familiar. También puede estar cayendo bajo los efectos del moho negro que crece desenfrenado en las paredes del área de espera de la estación, o realmente puede haber una intrusión, introducida como parte del "plan" a largo plazo de Malum, de un caos paranormal. De una forma u otra, Malum se ha metido en la cabeza de Jessica, como lo hizo antes con su padre (y tal vez con su madre).

En general, esta es una anomalía rara y maravillosa, una nueva versión totalmente innecesaria que mejora los defectos extremadamente menores de su predecedora mientras inyecta esteroides de horror que ya eran bastante potentes. La mitología se profundiza y ahora hay más historia que contar. Last Shift fue bien recibida en su momento de lanzamiento, pero necesitaba algunos elementos para funcionar mejor (especialmente ese final). Malum es ese raro ejemplo en el que un cineasta puede volver atrás y revisar su trabajo con una visión fresca. Es con eso que puedo decir con seguridad que el director Anthony DiBlasi hace de este remake un viaje más grande y espantoso al infierno. Al final, Malum es más aterradora que Last Shift y ciertamente hace más con su trama, y ​​aunque ciertamente no es una película perfecta, es francamente aterradora. La actuación es bastante buena y la historia es escalofriante. Tiene todas las características para ser una de las películas de terror más impresionantes del año, y si tienen la oportunidad de verla, háganlo.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Influencer

Madison (Emily Tennant) es una influencer que viaja sola a Tailandia y transmite todas las hermosas vistas y la comida que come a sus miles de seguidores. Pero lejos del botón de grabar, Madison es miserable. Se suponía que no debía hacer este viaje sola, pero su novio, Ryan (Rory J. Saper) la abandonó en el último minuto y la relación parece estar en sus últimas etapas después de un polémico FaceTime. Ella pasa los días en soledad en su hotel hasta que una joven, CW (Cassandra Naud), la salva de un encuentro incómodo. CW se ofrece a mostrarle la verdadera esencia del país, todo mientras es la antítesis de Madison. A CW no le gusta que le tomen fotos y no tiene redes sociales, pero tiene presencia, ese "eso" indescriptible que la gente naturalmente, aunque sin saberlo, sigue a lugares que no debería.

Hoy en día, todos parecen estar enfocados en cómo se presentan en las redes sociales. No solo ellos mismos, sino también su estilo de vida, su entorno y, por supuesto, su alimentación. Tan inesperadamente como suele suceder, parece que he descubierto un nuevo género de horror/thriller que se desliza perfectamente en otro subgénero: la psicópata obsesiva. Influencer, del director Kurtis David Harder, se siente como Single White Female (1992) contada a través de un lente sorprendentemente femenino. Me sorprendieron muchos de los giros y vueltas de la película, y cuanto está dispuesto a aceptar este equipo creativo a CW y su sádico personaje.

Influencer es el tipo de película que se reinventa constantemente a medida que avanza. Justo cuando pensaba que lo tenía todo resuelto, habría otro cambio titánico en la trama. El thriller evoluciona lentamente hacia un tenso juego del gato y el ratón. Principalmente, este movimiento convierte a Cassandra Naud en una MVP de la manipulación sociópata. Uno puede perdonar fácilmente un par de fallas menores que incluyen actuaciones mixtas y molestias ocasionales en la edición. Pero cuando el guión es así de entretenido, no hay mucho que criticar.

Los entornos definitivamente pueden hacer que las películas sean mejores de lo que serían de otra manera. Aquí, los eventos se filmaron en locaciones tanto de Tailandia como en Canadá. Es una buena elección, ya que la primera, aparentemente donde se filmó la mayor parte de la película, funciona como un hermoso lugar de auténtica belleza, un lugar sórdido y fuera de la red. Kurtis David Harder, un director y productor con experiencia previa en el género de thriller y horror, utiliza un escenario abierto para lograr que no parezca claustrofóbico, sino sofocante. Instagram se usa para juntar lentamente las piezas del misterio en cuestión de una manera que tiene total sentido en la actualidad. Cuando se trata de las trampas modernas de las redes sociales, muestra el efecto a menudo dañino que puede tener en alguien que no está en el estado de ánimo adecuado.

Dado que no hay muchos personajes (quizás intencionalmente, ya que todos son falsos hasta cierto punto), gran parte del elenco es bueno pero con pocas oportunidades de ser algo más. A la única que no aplica es a Cassandra Naud. Ella es espectacular como CW. Ella es a la vez encantadora, capaz y extraña, y muestra una gran variedad de personalidad, desde ser amable hasta ser calculadora y astuta. Me encanta que las mujeres formen el elenco principal, excepto Rory J. Saper como Ryan. Las mujeres pueden ser peligrosas, quizás más aún porque la mayoría de las mujeres sienten camaradería hacia otras mujeres. Pocas películas muestran a las mujeres como villanas, y generalmente las ponen en un escenario de desprecio por los amantes. Algunas tomas se destacan, mostrando la soledad o el temor, y las escenas bajo el agua los dejarán boquiabiertos. El director Kurtis David Harder hace un trabajo fantástico construyendo la tensión con ángulos hermosos pero terribles.

En general, creo que esta película sorprenderá a mucha gente. Sería bueno verla en una doble función con una película como Ingrid Goes West (2017) o Sissy (2022). Sin duda estaría en buena compañía con la élite de las psicópatas obsesivas del género. CW se establece como una trepadora social compleja e inquietante con una mente propia. No solo eso, sino que la película también deja las cosas abiertas para una secuela si desean tomar esa ruta. Al final, Influencer saca a la luz lo fácil que es apoderarse de la identidad de otra persona en las redes sociales. La película nos lleva a lo largo de las no tan perfectas vacaciones de Madison en Tailandia, mostrando lo fácil que es tener una vida y experiencias falsas en línea. El comentario social sobre la cultura de los influencers está presente a lo largo de la película mostrando las dos caras de una misma moneda. Por un lado tenemos a Madison, cuya vida de influencer cubre su relación problemática e infelicidad, y por otro lado está CW, que anhela lo que tiene Madison. Este es un comportamiento común en la actualidad, donde vemos a influencers exitosos que mienten sobre su vida y otros que para llegar allí harán lo que sea necesario sin importar el costo.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Black Demon

Paul Sturges (Josh Lucas) es un ejecutivo de Nixon Oil que espera aprovechar un viaje de trabajo para pasar tiempo con su familia, llevando a su esposa Inés (Fernanda Urrejola) y a sus hijos Tommy (Carlos Solorzano) y Audrey (Venus Ariel) a la Costa de Baja California, donde visitará la plataforma petrolera Diamante, que está programada para ser desmantelada en el futuro. Al regresar a la zona después de un largo tiempo fuera, Paul se sorprende por la ruina económica que encuentra, pero está decidido a pasar un buen rato, instalando a sus seres queridos en un hotel mientras hace un viaje a la plataforma. En lugar de un viaje tranquilo, Paul apenas llega al Diamante, rescatado por los empleados Chato (Julio Cesar Cedillo) y Junior (Jorge A. Jimenez), quienes advierten al petrolero de las aguas peligrosas y contaminadas patrulladas por The Black Demon, un megalodón que devora cualquier cosa a su paso.

Las películas de tiburones son difíciles de hacer con éxito. No solo tienes que competir con la mejor película de tiburones que ya se ha hecho (Jaws, 1975), sino que hay literalmente miles de películas de tiburones en existencia y, entonces, cómo haces que la tuya se destaque? El director Adrian Grunberg se esfuerza al máximo para que el público solo pueda vislumbrar al tiburón, pero aun así, no se ve muy bien. Comenzaré con lo que me gustó de la película. Los valores de producción son realmente buenos. El escenario es agradable y algunos de los actores aportan mucho a la mesa. Fernanda Urrejola es particularmente convincente como la esposa de Paul, Inés, y tiene gran parte del peso emocional de la película. Julio César Cedillo como Chato y Jorge A. Jiménez como Julio agregan una simpatía muy necesaria a la película en sus papeles como los trabajadores sobrevivientes de la plataforma petrolera. El tiburón tiene una estética aceptable, lo cual es una buena característica para las personas que se sienten frustradas con los efectos CGI habituales de las películas de tiburones.

Sin embargo, donde estoy decepcionado es con el tiburón. No hay mucho. El tiburón realmente solo mata a una persona de una manera genial, y sucede bastante temprano en la película, adormeciendo al espectador con una falsa sensación de que veremos a un megalodón comerse a 10,000 personas. Ahora, algunos podrían argumentar que los avistamientos limitados de tiburones generan suspenso y hacen que el tiburón sea más aterrador, pero a veces eso está mal. En realidad, no hay mucho suspenso en torno al tiburón en sí y la mitología en torno a Tlaloc está subdesarrollada. Hay algunos indicios de misticismo y sucesos mágicos, pero la película no se centra lo suficiente en ellos.

En cambio, se enfoca en Paul Sturges. Pero lo que la película olvida es que no importa Paul Sturges. Es culturalmente ignorante, grosero con su esposa y criminalmente negligente para su propio beneficio financiero. No es particularmente útil a lo largo de la película y solo les grita a todos los demás. A partir de esta descripción, podría pensar que termina siendo el verdadero villano, pero de alguna manera termina como un héroe totalmente no merecido. El mensaje ambiental a lo largo de la película es de mano dura, lo que algunos no apreciarán. En lo personal no me molestó mucho. Eso si, hubiera preferido ver la tradición y las leyendas mencionadas más a fondo en la película como un medio para demostrar los temas ambientales. Pero tal como está, sería realmente difícil no entender que The Black Demon es un comentario ambiental, por lo que la misión se cumplió en ese aspecto.

Lo que me distrajo más es un tramo de escenas que casi parecían estar cortadas en el orden incorrecto. Paul va de una conversación a otra y tiene cambios de humor, va de gritar a estar tranquilo y racional. Todo se siente como un intento fallido de desarrollo emocional del personaje. Además, la catarsis del personaje de Paul al asumir la responsabilidad simplemente no funcionó. Cerca del final de la película, sucede la cosa más tonta. De hecho, tenemos que soportar el "toda mi personalidad es mi reloj y un polo roja" por parte de Paul dando un monólogo de héroe extendido. Creo que nunca había tenido tantas ganas de que un tiburón se comiera a alguien de inmediato. Sin duda, la película hizo un gran trabajo al hacerme odiar a Paul, y simplemente no logró convencerme de que estaba redimido.

En general, los fanáticos de otras películas de tiburones podrían disfrutar esto. Deberían entrar a ver esto sabiendo que es sustancialmente más seria y menos engañosa que The Meg (2018). Al final, The Black Demon simplemente no hace lo suficiente. No hay suficiente emoción, no hay suficiente violencia y ciertamente no hay suficiente tiburón. Lo que hace es tratar de inculcar un mensaje ambiental. La película tiene una duración de 1 hora y 33 minutos, pero se siente mucho más larga a medida que avanza. Hay unas pequeñas tomas interesantes, pero son pocas y distantes entre sí. Sé que es difícil hacer una película de tiburones que sea única y memorable, pero esto necesitaba más tiburón, más leyenda y menos Paul Sturges.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Spinning Gold

Neil Bogart (Jeremy Jordan) es un hombre con un sueño, tratando de construir una presencia en la industria de la música, utilizando su encanto natural y conexión con el  mundo subterráneo financiero para hacerlo realidad. En 1973, Neil crea Casablanca Records, lanzando un sello discográfico con solo unos pocos artistas no probados, tratando de hacer nombres familiares con KISS y Donna Summer (Tayla Parx), pero el público no está interesado. Neil se endeuda poco a poco para mantener vivo a Casablanca mientras maneja egos sensibles, nuevos sonidos y los intereses de su esposa, Beth (Michelle Monaghan), y su amante, Joyce Biawitz (Lyndsy Fonseca). Al quedarse sin tiempo para transformar a Casablanca en el sello poderoso que imagina, Neil se esfuerza por hacer que algo suceda para los artistas, atrapado en ideas extrañas y grandes cantidades de riesgo que lo llevan al límite.

Ahora más que nunca, Hollywood está obsesionado con las biografías musicales y los dramas biográficos sobre personas famosas. Spinning Gold es un poco de ambas. La película explora los primeros días de KISS y Donna Summer, dos nombres que seguramente conocen. Puede que no estén tan familiarizados con Neil Bogart, quien ayudó a lanzar sus carreras a través de Casablanca Records. Después de todo, el ejecutivo discográfico murió a los 39 años en 1982. No es una de las figuras conocidas como Berry Gordy, Jerry Wexler, Clive Davis o Sam Phillips. Tampoco está en el Salón de la Fama del Rock and Roll junto a los nombres más importantes de la historia del rock. De todos modos, esta es la película de Bogart y todos los demás simplemente viven en ella. Es un tributo hecho con amor a Bogart por su hijo Timothy, quien se desempeña como escritor, productor y director. Sin embargo, aquí muerden más de lo que pueden masticar, haciendo malabares con tantas leyendas de la música en solo 2 horas y 17 minutos.

No es casualidad que el fundador de Casablanca Records comparta el mismo nombre que el actor Humphrey Bogart. Su nombre original es Neil Bogatz pero lo cambió varias veces antes de aterrizar en Bogart. La película comienza con Bogart diciéndole a la audiencia que todo sobre la historia que sigue es verdad, incluidas las partes que no lo son. En este punto, estamos acostumbrados a que las películas biográficas se tomen libertades por puro romanticismo. Ya sea que la película sea históricamente precisa o no, captura el espíritu de un artista demasiado ambicioso que apuesta por sus propios instintos. A pesar de ello, la película podría haber hecho más para resaltar el ángulo del narrador poco confiable y brindar una mirada detrás de la cortina.

El ojo de Bogart tanto para el talento como para la música en sí es simplemente increíble. Quiero decir, tienes al productor sentado junto a Gladys Knight (interpretada por Ledisi) mientras interpreta Midnight Plane To Houston, ahora conocida como Midnight Train To Georgia. Como todos sabemos, el resto es historia. Hay otros momentos esparcidos a lo largo de la película, incluido Bogart jugando con una mezcla de sonido de The Isley Brothers mientras Ron Isley (interpretado por Jason DeRulo) canta It's Your Thing. La película se centra de 1966 a 1977 y muestra cómo el productor se lo jugaba prácticamente todo. Justo cuando uno pensaba que Casablanca Records estaba muerto, estaban de vuelta en el juego.

Jeremy Jordan interpreta a Bogart, y su carisma lleva gran parte de la película. Bogart sabe cómo elegir talento, pero el empresario discográfico independiente tiene dificultades para comercializar dicho talento. Al principio, reserva un concierto para KISS frente a un elegante salón de casino, que no es exactamente el grupo demográfico adecuado para la banda de maquillaje blanco y máquinas de humo. Incluso cuando KISS encuentra una audiencia, Bogart de alguna manera se encuentra cada vez más endeudado. Bogart insiste en que sus numerosas apuestas valdrán la pena mientras el pánico se filtra a través de su cara.

Si bien Bogart es una figura central intrigante, quienes lo rodean se sienten estafados. Durante su monólogo de apertura, Bogart nos presenta a sus socios en Casablanca, pero para el final no se puede recordar ninguno de sus nombres. Ayuda que el elenco, que incluye a Jay Pharoah, Dan Fogler y Lyndsy Fonseca, sepan cómo aprovechar al máximo su tiempo frente a la pantalla, incluso cuando no tienen mucho diálogo. Lo mismo ocurre con Tayla Parx como Donna Summer y Casey Likes como Gene Simmons. No hay un eslabón débil, pero las prioridades de la película residen completamente en Bogart.

En general, con prácticamente todas las películas biográficas musicales en estos días, el consenso parece ser que la historia podría haber funcionado mejor como una miniserie. Spinning Gold continúa esta tendencia. Si los cineastas hubieran dedicado episodios individuales a las relaciones de Bogart con KISS, Donna Summer, sus compañeros de trabajo y su familia, esto podría haber sido puro oro. Como película, apenas tiene tiempo para mencionar que trabajó con The Village People, Cher y Santa Esmeralda (por nombrar algunos), corriendo a toda velocidad hasta el gran final. Incluso si la película solo toca la superficie, la música es estimulante, las actuaciones son buenas y te quedarás con ganas de saber más sobre todos los involucrados. Tiene fallas con errores en la línea de tiempo en algunas canciones, pero aún así no es algo de lo que burlarse. Al final, Spinning Gold tiene una banda sonora increíble, pero también es un recordatorio para nunca renunciar a nuestros sueños, incluso frente a probabilidades insuperables. Si son fanáticos de KISS, Donna Summer, Parliament, Gladys Knight, The Isley Brothers, The Village People o Bill Withers, también tienen una deuda de gratitud con el difunto Bogart. No es una subestimación decir que su música impulsa la banda sonora de la película. KISS y Donna Summer, especialmente, juegan el papel más importante en la película. En cualquier caso, nada de esto habría sucedido si un niño judío de Brooklyn Projects nunca se hubiera atrevido a soñar. Si se hubiera quedado dentro de las cuatro cuadras de su vecindario, esta película ni siquiera hubiera sucedido. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Guardians Of The Galaxy Volume 3

Intentando construir un cuartel general en Knowhere, los Guardianes de la Galaxia están listos para establecerse, alejándose de sus días de heroísmo. Adam Warlock (Will Poulter), hijo de Ayesha (Elizabeth Debicki), a quien se le ordenó recuperar a Rocket (voz de Bradley Cooper), logró casi matar al mapache en el proceso. Al darse cuenta de que necesitan información especial para ayudar a salvar la vida de Rocket, Peter Quill/Star-Lord (Chris Pratt), Drax (Dave Bautista), Nebula (Karen Gillan), Groot (voz de Vin Diesel) y Mantis (Pom Klementieff) hacen su camino a una estación espacial corporativa para recuperar la historia de su amigo, que está ligada al ascenso del High Evolutionary (Chukwudi Iwuji), un científico retorcido que busca convertirse en un dios creando la sociedad perfecta. Rocket es la clave del éxito, con el mapache revisando su pasado mientras está en coma, poniendo a los Guardianes en una carrera contra el reloj para rescatar a su amigo. Pronto se unirá Gamora (Zoe Saldana), quien ahora es parte de los Ravagers, liderados por Stakar Ogord (Sylvester Stallone), sin memoria de los últimos años.

Consolidándose como una de las mejores trilogías de acción/ciencia ficción de todos los tiempos, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece un impresionante espectáculo de efectos y una emotividad deslumbrante para empezar. James Gunn hace todo lo posible para asegurarse de que los Guardianes reciban una despedida digna de celebrar. Un destacado particular de esta ronda es Rocket Raccoon. El personaje obtiene una cantidad de profundidad generalmente reservada para la gente que habla en cualquier película de Pixar. Solo pensando en la trayectoria del pasado histórico de Rocket como se establece en el Vol. 3 es suficiente para tener lágrimas en los ojos. Para los fanáticos de este elenco principal, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 será la pista final perfecta en un viaje que comenzó hace casi una década.

Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es el último capítulo de la franquicia antes de que el escritor y director James Gunn asuma por completo el papel de codirector ejecutivo de DC Studios. Como película final de la trilogía, basta con decir que la película tiene mucho que cumplir y lograr. Hay mucho en juego, y la trama lo refleja. La película sigue a los Guardianes mientras se embarcan en un viaje para salvar la galaxia una vez más. Sin embargo, esta vez, la vida de uno de los Guardianes corre peligro. Después de que uno de ellos se encontrara en una condición casi crítica, ahora depende de Peter Quill/Star-Lord y la pandilla salvar a uno de los suyos y en el proceso enfrentarse a un nuevo villano, el High Evolutionary, cuyo deseo es crear una sociedad perfecta que tiene ramificaciones personales para los Guardianes. La película es una odisea espacial emocional y, en comparación con las dos películas anteriores de la franquicia, esta última película es la entrada más oscura en el MCU y una salida bienvenida para el MCU en su conjunto.

La mera idea de una película de cómics que intente algo que se sienta nuevo inevitablemente dejará a ciertas audiencias sintiéndose un poco cínicas y descartándola únicamente por esos méritos. Sin embargo, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es fácilmente la película del MCU más desafiante y catártica hasta la fecha. Dicho esto, muchos dirán que intenta hacer demasiados malabares, pero hay algo elogiable en una película que logra todo lo que esta logró en sus 2 horas y 30 minutos de duración. Su capacidad para equilibrar tantos temas y personajes dentro de la película y luego hacer que todos valieran la pena de maneras tan brillantes e inesperadas fue definitivamente impresionante. Gracias a otro guión brillante de Gunn, cada personaje tiene su momento para brillar.

Cada miembro tiene su tiempo como el centro de atención, cada uno de ellos tiene cosas muy divertidas que hacer en escenas de acción masivas centradas en el equipo. Gunn utiliza todas las herramientas en su caja, ya sea que eso signifique centrarse en algunas de las nuevas y llamativas tecnologías de Nebula, o en la impresionante funcionalidad regenerativa y de navaja suiza de Groot. La relación de Peter con la "nueva" Gamora es digna de mención, al igual que sus cuestionables pero adorables técnicas de flirteo. Rocket representa el corazón de esta película, en particular los flashbacks de su época como un verdadero experimento de laboratorio. Los amantes de los animales quedarán prendados de estas escenas. Cuando se trata de la "familia elegida" de Rocket, una morsa gigante, un conejito infantil que se hace llamar Floor y el león marino maternal Lyla con voluminosos brazos de metal, estas criaturas son los animales más lindos del mundo. Decir que la relación de Rocket con Lyla como una maternal poco convencional sería venderla por debajo de lo esperado.

Llenar los Guardianes con personajes secundarios extravagantes es prácticamente un requisito en este punto. El aprendiz de Yondu, Kraglin (interpretado por Sean Gunn), todavía tiene problemas para usar su técnica de silbato y flecha, mientras que el extraño superperro telequinético Cosmo (voz de Maria Bakalova) canaliza sus poderes psíquicos. Gunn hace tiempo para dejar que Nathan Fillion se presente para uno de sus papeles más ridículos hasta el momento en una producción de Gunn, e incluso deja espacio para una pequeña pero vital aparición de Gregg Henry. Las situaciones locas, como el grupo dirigiendose a un planeta llamado Counter-Earth que parece estar criticando fuertemente la eugenesia, son parte del curso. Algunos de los mejores momentos aquí involucran el extraño y gracioso mundo de Counter-Earth y sus extraños animales humanistas que coexisten.

Mientras tanto, la cinematografía aquí es hermosa, posiblemente haciendo de esta entrada una de las películas más atractivas que cualquiera verá en los cines este año. Los colores son vibrantes y llamativos en todo momento y no se siente como un espectáculo de pantalla verde barato como algunas de las ofertas más recientes de MCU. Hay un asombro genuino en cada pieza. Ese asombro se transmite a las secuencias de acción que son todas emocionantes, incluida una pieza de una toma ambientada con No Sleep Till Brooklyn de The Beastie Boys que rivaliza con las mejores piezas de acción de los últimos años.

A diferencia de algunas de las entradas más recientes del MCU, el humor aquí nunca socava los temas más pesados ​​​​de la película. Todo el humor proviene de los personajes y, a menudo, es relevante para lo que sucede en las escenas. Si bien la película es la temática más oscura de la franquicia, es en gran medida una película de Guardians y una afirmación de la vida. En todo caso, hará que el público aprecie un poco más la vida y esto es lo que hace que esta entrada sea única de otras películas de cómics que se encuentran actualmente en los cines. A pesar de ser la tercera entrada en la franquicia, esta película todavía se siente fresca y da vida a un género que ciertamente se había vuelto obsoleto durante mucho tiempo. Si bien esta admiración puede no ser compartida por la mayoría de las personas, la película será amada por la mayoría de las audiencias.

En general, en comparación con otras películas de cómics, la trama se siente mucho menos rígida. Si bien están sucediendo muchas cosas aquí, nunca compromete la capacidad de la película para tomarse su tiempo para desarrollar los personajes. El sentido de finalidad de ser la última entrega de la franquicia crea tanta tensión en comparación con la naturaleza aparentemente inmortal de los personajes en las dos primeras películas. Con esta última entrega, todo está en el aire y eso hace que sea mucho más emocionante de ver. Con Guardians Of The Galaxy Vol. 3, James Gunn ha creado una conclusión magistral para una de las mejores franquicias de la historia del cine. A medida que pasa el tiempo, la película está destinada a ocupar un lugar entre las mejores películas de cómics de todos los tiempos, simplemente por atreverse a hacer algo que se sienta fresco. Al final, Guardians Of The Galaxy Vol. 3 es más oscura, más compleja y está construida con más pasión que su predecesora inmediata. La única entrada perfecta puede ser la primera Guardians Of The Galaxy (2014), un éxito relámpago en una botella que sigue siendo una de las mejores películas de todo el Universo Cinematográfico de Marvel, pero el Vol. 3 cierra la trilogía con una explosión. Un epílogo y 2 escenas esenciales posteriores a los créditos parecen provocar el futuro de lo que puede estar por venir. Pase lo que pase a partir de aquí, James Gunn ha culminado su trilogía con un película emocionalmente satisfactoria que me dejó con ganas de más. Simplemente no hay forma de negar que Guardians Of The Galaxy Vol. 3 ofrece una conclusión magistral de una de las mejores franquicias de la historia del cine.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Evil Dead Rise

Beth (Lily Sullivan) es una roadie que recientemente se enteró de que está embarazada. Tomando un tiempo libre, Beth decide visitar a su hermana, la tatuadora Ellie (Alyssa Sutherland), que vive con sus hijos, Bridget (Gabrielle Echols), Danny (Morgan Davies) y la joven Kassie (Nell Fisher). Es una reunión familiar en una noche inquietante, con un terremoto sacudiendo el edificio donde viven, que está a punto de ser demolido, abriendo una grieta en los cimientos, exponiendo la historia de la propiedad. Danny elige explorar el área, desenterrando un libro único y álbumes de discos que lo acompañan, llevándolos de regreso a su habitación. Al explorar su hallazgo, Danny se entera de que ha encontrado el Libro de los Muertos, mientras que el audio detalla los horrores contenidos en las páginas, incluido un encantamiento especial. Cuando el mal entra en el edificio, Ellie se convierte en la primera víctima, transformada en una criatura poseída lista para masacrar a todos, extendiendo este mal vicioso como una plaga.

Evil Dead Rise ve el regreso de la aclamada y extremadamente popular franquicia Evil Dead 10 años después de Evil Dead (2013) y 42 años desde que se estrenó la película original, The Evil Dead (1981), en los cines. Esta vez, la película se centra en la retorcida historia de dos hermanas separadas, la madre soltera Ellie y Beth recién embarazada, cuya reunión se ve interrumpida por el surgimiento de demonios que poseen carne después de que los hijos de Ellie, Danny, Bridget y Kassie, leyeron accidentalmente del Libro de los Muertos escondidos en una bóveda debajo del estacionamiento en su edificio. Esto los empuja a una batalla primordial por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más aterradora que se puedan imaginar. Las franquicias Evil Dead y Scream han sido ampliamente conocidas como las dos franquicias de terror más consistentes de la historia y sus dos nuevas entregas este año continúan esa tendencia con fuertes adiciones por derecho propio.

Originalmente destinada a estrenar en HBO Max, Evil Dead Rise se actualizó para un estreno en los cines, que fue la decisión correcta. También es la primera entrega que tiene lugar en un edificio en lugar de una cabaña en el bosque, aunque el director Lee Cronin todavía utilizó una secuencia en una cabaña. El nuevo escenario funciona sorprendentemente bien, ofreciendo un refrescante cambio de escenario sin dejar de ser fiel a lo que debería ser una película de Evil Dead. El escenario se utiliza en todo su potencial, saltando de un lado a otro desde el apartamento de los personajes principales hasta los pasillos, las escaleras y los huecos de los ascensores que los rodean. No hay forma de superar la inquietud y el confinamiento que trajo el entorno de la cabaña, pero el entorno del edificio es un sustituto perfecto, ya que las apuestas siguen siendo altas y la película hace que todo se sienta claustrofóbico.

En cuanto al tono, la película está mucho más en línea con la Evil Dead del 2013, especialmente con lo sádica que es que la trilogía de Sam Raimi, pero si bien esta entrega tiene toda la violencia retorcida y la sangre brutal que uno esperaría, también tiene elementos y sentido del humor retorcido de las entregas anteriores. Aquellos que nunca hayan visto una película de Evil Dead antes pueden sorprenderse, pero Cronin encuentra un buen equilibrio entre esos tonos drásticamente diferentes, ya que sus momentos más tontos se usan con moderación y nunca quitan los más horribles. Honestamente, es una experiencia bastante desagradable, y el trabajo de violencia, maquillaje y efectos prácticos es genuinamente perturbador y espeluznante, pero afortunadamente, no hasta el punto de que el público se distraiga o se vuelva demasiado. Mientras tanto, algunas nuevas incorporaciones a la franquicia y la tradición son bienvenidas y encajan con el resto de las películas en términos de la naturaleza impactante y horrible.

La película ciertamente está compitiendo por ser la película más aterradora y espeluznante de la franquicia hasta la fecha y mucho de eso tiene que ver con la actuación absolutamente fenomenal de Alyssa Sutherland como Ellie. Ella es una adición tan bienvenida a esta franquicia y aporta mucho a su papel y a esta franquicia. Encaja perfectamente en línea con las versiones anteriores de Deadites, pero trae muchas cosas nuevas a la mesa y algunas de sus líneas son simplemente escalofriantes. Los movimientos de su cuerpo son honestamente asombrosos, y de alguna manera solo logra volverse aún más aterradora e inquietante con cada minuto que pasa. Lily Sullivan también es una gran protagonista y es muy fácil encariñarse con ella y la audiencia se encontrará apoyándola para salir de esta situación. El resto de las actuaciones también son sólidas, especialmente de los niños actores que cimentan la dinámica familiar, creando un grupo que el público querrá ver sobrevivir.

A pesar de su grandeza, hay algunos pequeños problemas que le impiden alcanzar las mismas alturas que el resto de la franquicia. Fuera de una gran secuencia de apertura, toma demasiado tiempo en comenzar. Con solo 1 hora y 37 minutos, es fácil decir que esta es la película más larga de la franquicia hasta la fecha debido a lo mucho que se arrastra en el primer acto. También hay demasiadas decisiones de carácter tontas que son imposibles de ignorar. Además, más que nada es un detalle, pero las pocas instancias de CGI son notablemente malas y le quitan mérito a los elementos más prácticos. Aunque esto no es una queja, aquellos que son sensibles a la violencia contra los niños, la película puede molestar a algunas personas por lo lejos que lleva algunas secuencias.

En general, incluso con algunos errores menores en el camino, la película ofrece todo lo que los fanáticos de esta franquicia podrían desear. Su nueva ambientación funciona sorprendentemente, y abre la puerta a un sinfín de posibilidades de hacia dónde podría ir esta franquicia en el futuro. Si esta película es un éxito, con suerte no pasará mucho tiempo hasta que el público vea el regreso de esta franquicia. Diez años fue una espera demasiado larga. Al final, Evil Dead Rise ofrece todo lo que los fanáticos anhelan y más en un plato brillante y llamativo. Entre momentos de terror y violencia que complacen a la multitud, conexión familiar, grandes frases ingeniosas y una espectacular Alyssa Sutherland como la Deadite principal, esta producción es increíble de arriba a abajo. Lo que comenzó como un simple lanzamiento a una plataforma digital se modificó para volverse un lanzamiento teatral debido a la solidez de sus proyecciones de prueba. Así que ven a pasar un rato con una familia "perfecta" en su aparentemente fatal morada. Aviso: habrá mucha sangre. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Sisu

En 1944, Finlandia está siendo devastada por los nazis, que eligieron destruir la tierra que van a perder mientras continúa la Segunda Guerra Mundial. Cruzando Lapland está Aatami Korpi (Jorma Tommila), un experimentado hombre de batalla que ya ha tenido suficiente, y se mantiene apartado de la guerra mientras se abre camino a través de terrenos peligrosos. Es un minero que ha encontrado un gran depósito de oro, recolectando algunas bolsas para cobrar, pero para llegar a un banco, debe lidiar con los ocupantes nazis que tienen frío, hambre y son feroces. Al encontrarse con una unidad nazi en el camino, Aatami llama la atención de Bruno Helldorf (Aksel Hennie), un capitán alemán que comete el error de subestimar al extraño. Cuando las fuerzas nazis se enfrentan al hombre finlandés, despiertan un lado oscuro dentro de Aatami, que es un soldado habilidoso e implacable con reputación de ser indestructible. Mientras Bruno tiene el ojo puesto en el oro, Aatami se enfrenta a los nazis, decidido a quedarse con su premio.

Los nazis siempre son buenos para carnicerías de sangre, ya que siempre están listos para recibir una gran dosis de violencia justa. Sisu, del director Jalmari Helander, sigue esta idea hasta la línea de meta para una película que puede describirse fácilmente como un récord de grandes éxitos de matanzas nazis. En ese departamento, Sisu obtiene una puntuación perfecta. En las partes restantes, algunas cosas evitan que sea realmente genial. Sisu es una palabra que no se puede traducir al inglés. Sisu le dice al público al principio que es una forma de coraje que se manifiesta cuando se pierde toda esperanza. La película sigue a Aatami Korpi, un veterano de guerra finlandés con un historial de supervivencia y brutalidad. Es una leyenda, un dios de la carnicería que se forjó en los fuegos de la guerra y la cruel pérdida de su familia ante el enemigo. Se dice que es imposible de matar, algo que los malos de la película tratan de refutar desesperadamente una y otra vez para su decepción.

Estamos en la recta final de la Segunda Guerra Mundial cuando un convoy nazi se dirige hacia Noruega a través de paisajes infernales que se hacen eco del mundo postapocalíptico parecido al de Mad Max (1979) en lugar de los lugares devastados por la guerra de Saving Private Ryan (1998). Dirigido por el oficial de la SS Bruno Helldorf, este grupo particular de nazis se presenta inmediatamente como el peor de su tipo. Tienen un camión lleno de mujeres que utilizan contra su voluntad y dejan un rastro de civiles muertos colgados de postes a su paso. Se encuentran con Aatami Korpi en el camino, sosteniendo bolsas llenas de oro que acaba de desenterrar del suelo. Intentan robarsela y desde entonces, la sangre nazi se derrama por galones.

Sisu proviene del mismo grupo de películas de héroes de acción como John Wick (2014), Taken (2008) y First Blood (1982). Korpi es una máquina de guerra de un solo hombre que soporta niveles inhumanos de dolor y aún encuentra la manera de sobrevivir. Es exageradamente violento y casi no habla. El asesinato y el caos es su forma de comunicarse, lo que hace que la actuación de Jorma Tommila sea exigentemente física. El desafío da como resultado un héroe asesino de nazis que te preocupa porque su lenguaje corporal es todo lo que tenemos durante toda la historia.

El escritor y director Jalmari Helander se apoya en el físico del personaje principal para generar tensión de manera bastante efectiva. Korpi es un hombre mayor y puede lastimarse gravemente en ciertos momentos hasta el punto de que realmente temes por su vida y sus posibilidades de éxito. De hecho, coquetea con la muerte en una medida más íntima que los John Wicks y Rambos del género. Es suficiente para diferenciar al personaje. La violencia perpetrada en el cuerpo de Korpi es también un elemento crucial para la historia.

Los fans del gore tienen mucho para disfrutar con Sisu. No hay un solo encuentro que no termine con partes de cuerpo esparcidas o cubos de sangre arrojados sobre Korpi y sus víctimas. Dicho esto, Helander se preocupa por crear algunas secuencias de acción visualmente impresionantes que separan aún más esta película del resto. Hay una en particular que lleva las cosas bajo el agua para algunos de los momentos más ingeniosos de la película. Otro, al principio, tiene lugar en un campo minado y presenta algunas de las cosas más locas que he visto hacer con minas en las películas. Sea cual sea la situación, la sangre nunca escasea y siempre es divertido ver cómo se derrama.

Dicho esto, a medida que avanza la película se vuelve más y más ridícula. Esto es más evidente en el encuentro final, que va de loco a algo increíble. Resulta ser un poco molestoso en este punto, ya que las peleas de Korpi anteriormente lograron aferrarse a una pizca de credibilidad que mantuvo las cosas tensas. Un final más discreto le habría servido mejor. Sin embargo, Sisu hace lo suficiente para diferenciarse de las demás películas, pero sigue siendo una sobre un asesino indestructible con una historia de fondo mítica. Korpi incluso tiene su propio perro aquí. Averiguar cómo va a terminar la película y qué ritmo de la historia deberíamos esperar de ella fue bastante fácil desde el principio. No obstante, cabe destacar lo que hace la película con los personajes femeninos que los nazis toman como rehenes. Tienen la oportunidad de darle la vuelta a sus captores en algunas de las partes más catárticas de la película. Es otro ejemplo de cómo Sisu se entrega refrescantemente a ideas que otras películas mantienen enterradas en favor de clichés.

En general, esta es una película divertida y ridículamente violenta que no reinventa ninguna de sus ideas. Sin embargo, no tiene por qué ser así. Lo que Helander pone en la pantalla está excepcionalmente bien hecho y filmado, y lo convierte en un viaje muy emocionante. Su disfrute dependerá de qué tan loco le gusten sus películas de acción y qué tan invertido todavía estén en las películas de acción actuales. Independientemente de dónde caigan, una cosa es segura: ver cómo asesinan brutalmente a nazis es algo grandioso. Al final, Sisu es una de las películas de acción más sangrientas de la última década, con una explosión de 50 megatones de sangre, tripas y partes del cuerpo. Es diabólicamente creativa en sus escenas macabras y la trama se mueve a un ritmo rápido desde el principio. Es bienvenida, no exagera su punto, y nunca se adentra demasiado en las sombrías realidades de la guerra para eliminar la diversión de sus secuencias de acción brutales y extremadamente locas. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.