Review: The Last Blockbuster

Ubicado en Bend, Oregon se encuentra el último Blockbuster Video en el estado, que, en 2017, fue solo una de las 12 tiendas que permaneció después de que la compañía alcanzara un máximo de 9,000 durante su época de oro. Su propietaria es Sandi Harding, quien ha estado con Blockbuster durante más de dos décadas, ganando el apodo "Blockbuster Mom" por su cálida presencia, al ofrecer generaciones de empleados jóvenes sus primeros empleos. Ella ha mantenido la tienda durante mucho tiempo, y se convirtió gradualmente en el único lugar de alquiler en la ciudad, ganando atención a través de su compromiso al asegurarse de que las solicitudes de los clientes estén al día, además de los martes comprar y tener los estrenos en DVD y Blu-ray que salen para su tienda. También ha hecho una empresa familiar de toda la situación, poniendo a sus hijos y suegros como empleados a través de los años. Harding es la estrella de The Last Blockbuster, y el director Taylor Morden nos presenta lo más posible, centrándose en una crisis mientras se espera pacientemente para aprender el destino de la última tienda de Blockbuster.

Cómo pasaste tus noches de viernes como adolescente? Para muchos, salir con amigos y beber cerveza barata marcaba el comienzo del fin de semana. Pero para mí, era el viaje por la noche del viernes al Blockbuster Video local que anunciaba el inicio de mis dos días de libertad. Allí, en su seguridad y calidez, pasaría horas buscando a través de los anaqueles en busca de gemas ocultas para ver en mi habitación o en la sala de mi casa. Por supuesto, Blockbuster se ha ido durante mucho tiempo aquí en Puerto Rico, pero una tienda aún sobrevive en Estados Unidos. Este encantador documental nos lleva de vuelta a los días de los alquileres de video mientras muestra el poder de la lucha de una mujer para aferrarse al pasado, y redefinir el futuro. Pero, puede el negocio de alquiler de video realmente sobrevivir a un nuevo mundo de entretenimiento de acceso instantáneo? La respuesta a esa pregunta puede estar dentro de nuestro amor por la nostalgia, y los sentimientos de seguridad que creó.

Ese límite de nostalgia se pone a prueba en este documental, que le pide a la audiencia recordar con cariño los días de gloria de un imperio de alquiler de video. Para el director Taylor Morden, la oportunidad de entender la forma en que Blockbuster Video era irresistible, se basa en buscar y comprender el auge y la caída de la compañía y sus propietarios de corporaciones, también trazando los extraños días del establecimiento titular, ubicado en Bend, Oregon. Morden mezcla periodismo con recuerdos en este documental, y no está especialmente hábil para equilibrar los dos lados de esas características. La mayoría es bastante convincente, ya que se escuchan estos recuerdos por parte de una larga lista de entrevistados, que comparten sus experiencias como empleados y clientes, llegando al corazón de una experiencia social casi muerta.

El documental está ordenado de una manera muy extraña. La apertura nos muestra la experiencia de Harding como propietaria de una tienda, para luego darnos la evolución de Blockbuster, que comenzó su vida como una idea de obtener las mejores tiendas de alquiler de videos administadas por madres y padres. Se recuerda la historia de los alquileres de películas, el explorar las alegrías simples de visitar una tienda para recolectar títulos especiales por unas pocas noches, y la emoción de traer esas principales ofertas de Hollywood al hogar. Las tiendas independientes crearon una industria, pero Blockbuster se convirtió en una máquina, y con la ayuda de sus ingresos, y compartiendo ofertas con los estudios, les permitió tener múltiples copias de las principales películas. Además, el negarse a agregar películas de clasificación X los convirtió en un destino 100% familiar.

Con la popularidad, vinieron las ganancias, y con las ganancias, vino la propiedad corporativa, lo que convirtió a Blockbuster en el mayor negocio de alquiler en el mundo, conduciendo a la competencia fuera de negocio. Sin embargo, Blockbuster finalmente se declaró en bancarrota, con Morden conteniendo la razón real (no fue la competencia de Netflix, como muchos creen), y prometiendo revelar esa información mucho más tarde. La experiencia empresarial de Blockbuster no ocupa mucho espacio aquí, con Morden acelerando a través de los altibajos de la compañía en la primera mitad. El golpe financiero en la apertura del documental se comparte muy temprano, robandolo de un misterio a seguir, ya que viertes tu interés a través de años de malas decisiones, un liderazgo débil y una industria que cambia rápidamente. En su lugar, el lado comercial de Blockbuster se envuelve rápidamente, pero Morden parece estar más interesado en los olores de las tiendas, su primer tema después una gran lección de historia.

Tal vez algunos espectadores apreciarán unos minutos de tiempo dedicados al olor de las tiendas, pero el documental no regresa al mundo salvaje de las malas decisiones corporativas, sino que cambia de nuevo a Harding y su vida diaria, que involucra las operaciones de la tienda, incluido el tiempo en busca de piezas para reparar el sistema obsoleto de las computadoras. Las personas entrevistadas son muy interesantes, incluidos los comediantes Doug Benson, Brian Posehn y Ron Forches. El director Kevin Smith tiene mucho que compartir, y el actor Paul Scheer proporciona anécdotas divertidas de su tiempo como empleado de Blockbuster Video. Varios personajes importantes de la industria también ayudan a iluminar las decisiones que tomaron lugar en la sala de juntas, y el dueño/creador de Troma Entertainment, Lloyd Kaufman, ofrece una visión discrepante de la compañía, maldiciendo la corporatización de la industria del alquiler de video. Eventualmente todo se vuelve muy suave, poniendo todo lo que resta del documental en Harding y su tienda (que se ha convertido en una atracción turística, convirtiendo a la propietaria en una estrella), y poniendo las cajas de VHS desgastadas en las manos de celebridades para el máximo placer, reproduciendo el romance que hubo con Blockbuster Video.

En general, para mí, y muchos otros, que crecieron en las tiendas de alquiler de video de los años 80 y 90, esto fue nuestra iglesia. Se visitaba semanalmente, se pasaban largas horas buscando películas, haciendo nuevos amigos y discutiendo los últimos estrenos en gran profundidad. Blockbuster fue el gigante supremo del alquiler de video, y dominó durante años. Y luego, a principios del 2010, se fue por siempre, víctima de malas decisiones y falta de fondos. Bueno, casi. Siendo la última tienda en Bend, Oregon, y el último bastión de la marca amarilla y azul, el documental es un viaje de nostalgia encantador, aunque poco profundo y superficial a los tiempos pasados. Probablemente no sea para todo el mundo, excepto para aquellos (como yo) que guardan gratos recuerdos de esos días de alquiler de video. Al final, The Last Blockbuster da a aquellos que dedicaron una parte temprana de sus vidas al negocio de alquilar videos la oportunidad de reconectar con un viejo y querido amigo, ya que se nos presentan varios recuerdos desvanecidos de la tienda, incluyendo los estantes de "staff picks”, los stickers de “be kind, rewind” en las cajas de los VHS y, por supuesto, la amenaza de los temidos recargos. Las tiendas de video son (eran?) un conducto social insustituible. Sin duda fueron responsables de dar forma a mi amor por el cine, y este es un documental hecho cariñosamente, incluso si a veces es un poco demasiado cursi con sus chistes y su edición muy suelta. Altamente recomendado!

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: More Than Miyagi: The Pat Morita Story

More Than Miyagi: The Pat Morita Story muestra a Pat Morita en toda su alegría, encanto y felicidad, pero también muestra los dolores para detallar su dura historia de infancia y crianza. Desde sus inicios como comediante de stand-up, y teniendo de manager a la madre de Lenny Bruce, Morita se convirtió en un actor establecido en la televisión estadounidense. Como Ah Chew en Sanford And Son o como Arnold Takahashi en Happy Days, Morita era un intérprete asiático americano muy querido, y único en ese momento al ser tan visible, prominente y generar dinero. Pero Morita también tenía sus demonios y luchas personales a pesar de que no las mostraba. En su mayoría, todos fueron gracias a la bebida, y en última instancia también sería su mayor enemigo.

Si crecieron en la década de 1980, probablemente tenían un lugar especial en sus corazones para Pat Morita. No solo lo conocieron como el Sr. Miyagi, el amable y sabio maestro de karate de la saga de Karate Kid, sino también como Arnold, el loco propietario de Arnold's en Happy Days. Pero como este nuevo documental revela (o más bien recuerda), Pat Morita era más que Nariyoshi Miyagi. En agosto del año pasado, un amigo me preguntó si había visto Cobra Kai, ahora transmitiendose por Netflix, porque me dijo que era increíble. La había estado evitando porque... no quería ver una secuela cursi hecha para la TV de una película de los años 80? Pero él insistió en que intentara verla. Bueno, tengo que admitir que me encantó porque representó exactamente los personajes caricaturescos de los años 80 y en que se habían convertido si hubieran sido personas de la vida real.

Daniel LaRusso se convirtió en un exitoso distribuidor de automóviles que "pateó" la competencia. Mientras tanto, Johnny Lawrence es un perdedor que esta tratando de recuperar parte de la gloria de sus días de escuela secundaria. Lo único que faltó fue Mr. Miyagi. Pat Morita, quien interpretó a Nariyoshi Miyagi en las películas originales de Karate Kid, falleció en el 2005 a la edad de 73 años. Pero su legado vive. Daniel tiene un pequeño santuario dedicado a su antiguo mentor e incluso visita su tumba. Mientras veía Cobra Kai, recuerdo haber pensado que espero que su personaje estuviera obteniendo regalías por la prominencia que le dieron a su personaje. Después de ver este documental, entendí que la reverencia que tenía el elenco hacia Pat Morita era muy similar a lo que los personajes sentían hacia Mr. Miyagi.

Aprendemos que Noriyuki 'Pat' Morita nació en California en 1932 de padres inmigrantes japoneses. Pasó gran parte de su niñez separado de su familia debido a tuberculosis espinal, que lo limitó a un hospital por la mayor parte de su infancia, solo para reunirse con ellos en un campo de internamiento japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque tuvo ambiciones de una vida mejor, la situación financiera de su familia lo mantuvo asistiendo a la universidad y trabajando en el restaurante familiar, incluso después de que su padre fue asesinado trágicamente. En el camino, se casó dos veces y tuvo tres hijas mientras intentaba escapar de las obligaciones de su vida. A través de una reunión casual con la madre de Lenny Bruce, hizo su marca en la escena de la comedia de stand-up dándose a conocer como "The Hip Nip".

La comedia fue el escape que necesitó, y se convirtió en parte de su arsenal personal y profesional mientras se dirigía a la pequeña pantalla en Sanford And Son y luego Happy Days. Fue una estrella al instante y continuó apareciendo en papeles de comedia. Eso es casi lo que le cuesta el papel más importante y dramático de su carrera, como Nariyoshi Miyagi, el hombre de mantenimiento sabio y querido que llegamos a conocer como Mr. Miyagi. Por su fondo de comedia por poco pierde el papel, pero finalmente lo obtuvo y terminó ganando una nominación al premio Oscar por mejor actor de apoyo.

Esa es la mayor parte de la historia que probablemente las audiencias ya conocen. El resto es donde aprendemos quién fue realmente Pat Morita. Aprendemos sobre su frustración al ser lanzado como un estereotipo asiático. Aprendemos sobre su difícil visita al campo de internamiento donde vivió con sus padres. En resumen, aprendemos sobre los muchos demonios que lo persiguieron a lo largo de su vida. Su tercera esposa, Evelyn Guerrero, pasa gran parte del documental, junto con amigos, celebridades y colegas, compartiendo lo que hizo que Pat Morita fuera único, divertido y amable en una ciudad que puede ser desafiante. Pero ella también comparte la larga y difícil lucha de Morita con el alcoholismo. Es una historia muy personal y casi se siente intrusiva a veces, pero todo es contado con la bendición de Morita con la esperanza de que otros puedan aprender de las elecciones que hizo.

En general, las celebridades a menudo se recuerdan como las personas que aparecen en la pantalla. Este documental es un recordatorio conmovedor de que cada persona es un ser humano con triunfos y luchas, y con altas y bajas. Y también es un recordatorio de que podemos dejar un legado que nos supere a nosotros. Al final, More Than Miyagi: The Pat Morita Story es un sólido documental sobre un pionero del entretenimiento asiático-estadounidense. Hay tanto pietaje de Pat Morita aquí que comprueba lo convincente que era como artista. No siendo tanto un activista como un sobreviviente siempre buscó ser gracioso primero, sin embargo Morita encontró formas increíbles, estructuras, y casos de racismo a lo largo de su vida y su carrera. Esto también es una mirada conmovedora a un hombre que hizo lo mejor con su talento a pesar de un comienzo difícil en la vida. Como la mayoría de los comediantes, su risa cubrió mucho dolor, y es evidente que Morita tuvo muchos demonios que lo atormentaron a lo largo de su vida.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Zack Snyder's Justice League

Superman (Henry Cavill) está muerto, exponiendo a la Tierra a fuerzas malignas, y inspirando el surgimiento de Steppenwolf (voz de Ciaran Hinds), una criatura imponente y similar a un Dios que está decidido a usar el poder inimaginable de tres cajas madre para reclamar la Tierra en el nombre de Darkseid. Con las cajas madre escondidas en diferentes partes del mundo Bruce Wayne/Batman (Ben Affleck) y Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot) deciden crear una unidad de héroes para luchar contra el malvado Steppenwolf. Reclutando a Barry Allen/Flash (Ezra Miller), Arthur Curry/Aquaman (Jason Momoa), y Victor Stone/Cyborg (Ray Fisher), tienen la esperanza de proteger a los inocentes del daño y de la destrucción del planeta. Decididos a encontrar las cajas madre, los héroes se encuentran con la brutalidad de Steppenwolf, con la criatura utilizando toda su fuerza para destruir la recién formada Liga de la Justicia y erradicar la humanidad.

No sé si esto va a ser más una crítica o adulación. Probablemente un poco más de lo último. Al entrar en Zack Snyder's Justice League, mi posición era que esta visión iba a ser lo mismo que la versión anterior con par de escenas adicionales. Para ser honestos, la versión Frankenstein de Josh Whedon del 2017 (con escenas dirigidas por Snyder), fue perfectamente buena. Así que no tomó mucho para darle rienda suelta a Zack Snyder, y $70 millones, para armar la visión que siempre quiso presentar para ganarme como espectador. La gran sorpresa es que esta versión de Justice League es (por mucho) mejor que la anterior. Lo que me deja con una pregunta para los ejecutivos de Warner Bros: Cómo es posible no hacer de esto canon dentro del DCEU y la única versión de esta película que realmente importa?

Mientras que una buena parte de la película se sentirá muy familiar, las diferencias son enormes. Estamos hablando de más de 2 horas de escenas adicionales que Snyder ha vuelto a poner y montar, junto con algunas nuevas escenas añadidas. Pero no todas esas escenas son momentos de acción excesiva y destrucción de la forma en que estamos acostumbrados a ver por parte de Snyder. Esto es un contexto crucial y una historia de fondo que faltaba, incluso para el villano principal, Steppenwolf, que se transforma de una creación CGI un poco deficiente a un personaje completamente realizado y uno de los mejores villanos, si no el mejor, del DCEU.

En términos de la trama, sigue siendo en gran medida la misma película que la anterior. Steppenwolf está en la Tierra para encontrar las tres cajas madre, objetos poderosos que básicamente pueden remodelar todo el universo. Los necesita para su amo, Darkseid, el gobernante de Apokolips y destructor de miles de mundos. Batman ha visto todo esto, y junto con Wonder Woman se ha propuesto armar un equipo de héroes que puedan enfrentarse a la invasión, y cumplir la promesa hecha a Superman cuando pereció en Batman V Superman (2016).

Realmente no puedo enfatizar lo épica que se siente esta Justice League, y con eso también me refiero a su tiempo de duración (4 horas y 2 minutos). Si bien nunca se vuelve aburrida o realmente se arrastra en ningún momento, también está claro que presentar esto en HBO Max como una miniserie hubiera sido la forma más inteligente. Aproximadamente, las primeras dos horas de la película son como Bruce Wayne y Diana Prince intentan juntar su equipo, reclutando al solitario rey de Atlantis Arthur Curry/Aquaman, al torpe y rápido Barry Allen/Flash, y al problemático hombre máquina Victor Stone/Cyborg. Seis capítulos y un epílogo se alinean perfectamente donde cada episodio debería haber terminado, según correspondía. No estoy seguro de por qué se cambió la decisión de mantenerla como una película completa, quizás sea para una transición más fácil a los cines en una fecha posterior.

De todo lo nuevo, son Flash y Cyborg los que brillan, ya que esta versión les da a sus personajes más historia que explica mucho sobre ellos. El humor de Barry Allen realmente sobresale aquí, y lo más loco es que la película de Whedon fue editada de tal manera que enfatizara su sentido de humor, ya que el corte de Snyder se consideró demasiado sombrío. También, y finalmente, obtenemos el tan esperado momento donde Flash rescata a su futuro amor, Iris West, todo envuelto alrededor de su intento de conseguir un trabajo para guardar suficiente dinero para sacar a su padre de prisión por asesinato. La historia completa de Barry es muy divertida. Es tan torpe que sus éxitos, como un increíble momento que salva el día en la batalla final, realmente son logros para él.

He leído que Snyder dijo que el desempeño de Ray Fisher como Cyborg es el corazón de Justice League, y no está equivocado. Gran parte de su historia fue dejada fuera por Whedon, y considerando todo lo que he leído sobre sus problemas en el set me deja pensando si es un golpe deliberado contra el actor. La razón por la que me quedo con ese pensamiento es porque el viaje de Cyborg ofrece gran parte de la riqueza emocional de la película. Una estrella de fútbol que pierde no solo a su madre sino su humanidad después de un trágico accidente, Cyborg se transforma en alguien que literalmente puede conectarse a cualquier tecnología en el mundo. Pero el problema más grande para él es conectar con las personas, y encontrar un nuevo propósito como héroe, protegiendo a un mundo al que ya había renunciado. Es un viaje que ya hemos visto de los otros héroes, pero con Cyborg podemos verlo paso a paso.

Pensé que el manejo de Superman en la película anterior fue un poco descuidada, y no solo estoy hablando de toda la debacle del bigote. Su regreso a la vida no logró resonar porque se sintió muy apresurada en una historia en la que Joss Whedon no tenía ninguna inversión en mostrar. Pero aquí, la llegada de Superman en su traje negro, tiene un propósito real en establecer al hombre de acero como símbolo de esperanza en la hora más oscura del planeta. La relación entre las dos mujeres más importantes en la vida de Superman es más profunda, Martha Kent y Lois Lane, así como la importancia de las lecciones aprendidas de los dos hombres que lo formaron, Zor-El y Jonathan Kent. No solo vemos eso, sino la lucha entre un renacimiento, un Superman con amnesia contra la Liga de la Justicia que es absolutamente espectacular de ver, y la pista de un futuro oscuro que Snyder estaba creando que es poco probable que veamos. Esta versión establece a Superman como una fuerza imparable, incluso contra un frente unido de superhéroes.

Si bien es un poco decepcionante que nunca podemos ver a Darkseid en acción, al menos Snyder ha trabajado maravillas en mejorar a Steppenwolf. No solo recibe un nuevo traje blindado y una actualización visual, sino que también tiene una motivación de reivindicarse frente a los ojos de su maestro. Su cruzada en realidad tiene justificación, y no solo un deseo de ver el planeta en ruinas. Naturalmente, este es Zack Snyder, y no puede evitar sobrecargar las cosas aquí. Hay apariciones de otros superhéroes que ha prometido durante mucho tiempo, como Green Lantern y Martian Manhunter, con alusiones a muchos otros. Jared Leto regresa como el Joker en una secuencia de Knightmare que es muy confusa. No estoy seguro de por qué el príncipe payaso del crimen necesitaba estar aquí.

La realidad de todo es que incluso cuando Snyder sobrecarga las cosas, simplemente está entregando su amor por estos personajes y la historia que está contando. Es un fanboy en todos los sentidos de la palabra, y definitivamente eso es un arma de doble filo. Todo lo que hace Snyder es espectacular desde el punto de vista de los fans, pero para un espectador común muchas cosas no tendrán sentido. Snyder solo puede ver las cosas como un fanático y como alguien que está inmerso en ese mundo, y me incluyo. La pasión de Snyder es tan infecciosa que solo quieres ir en este viaje con él, con todas sus altas y bajas. La Justice League de Whedon inspiró un poco de ese tipo de lealtad, incluso de sus detractores. Esta versión de Zack Snyder no es solo es superior, sino que es genial por sus propios méritos y hace que el DCEU sea más fuerte. Mientras Snyder nos ha dicho que no hay planes para continuar con su "Snyderverse", algo me dice que esto no ha terminado. Y los fanáticos no permitirán que esto sea el final.

En general, esto es un animal completamente diferente. Y no es solo un poco ni unas escenas extendidas. Es una película completamente diferente que comparte la misma trama básica pero es salvajemente divergente en términos de caracterización, elaboración de escenas, acción, historia, visuales, ritmo, música y el impacto de la clasificación R. Para ser honesto, la versión de Josh Whedon se siente como un vistazo a una atracción futura extendida en pre-postproducción mal editada en comparación con esto, y es probable que nunca haya habido nada tan asombrosamente diferente en la historia del cine. La película también está formateada para los televisores en un open matte de 1.33: 1 e IMAX de 1.43: 1, que es una opción audaz por parte de Snyder, pero absolutamente impresionante en su realización. Claro, muchos gritarán cuando vean las barras negras en los lados de sus televisores (secuencias clave perderán imágenes complejas de la parte superior e inferior de la pantalla), pero aún así vale la pena verla. Al final, Zack Snyder's Justice League es una historia muy fundamentada en los comics, los alienígenas, y los superhéroes. Pero la diferencia es que tiene un enfoque en el amor. El amor de un padre, una madre, un hijo y una hija. Es el tipo de narración que hace que las películas de superhéroes trasciendan la acción habitual sin sentido. También es lo que hace que las películas de Zack Snyder sean tan atractivas, independientemente del género, y es un excelente ejemplo de cuando los cineastas se arriesgan a probar cosas diferentes y dejan su propia huella en su trabajo con grandes y audaces elecciones.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Raya And The Last Dragon

Hace mucho tiempo, en el mundo de Kumandra, una entidad malvada conocida como los Druun quiso destruir la tierra, convirtiendo todo lo que tocaba en piedra. Lo único que podría derrotar a los Druun era el poder de la magia de los dragones, con la última criatura, Sisu (voz de Awkwafina), logrando detener el desastre con ese poder concentrado en una gema especial. 500 años después, Kumandra se divide en cinco reinos, con Heart liderado por el jefe Benja (voz de Daniel Dae Kim), que mantiene la seguridad de la gema de dragón, y enseñando a su hija, Raya (voz de Kelly Marie Tran), formas de defensa mientras sueña con unir los reinos. Cuando las esperanzas de paz se rompen después de que Namaari (voz de Gemma Chan) traiciona a Raya para tomar la gema y llevarla al reino de Fang, la gema se rompe, con cada reino tomando una pieza para ayudar a alejar los Druun. Seis años más tarde, Raya se propone arreglar la gema, viajando por el mundo de Kumandra con la ayuda de su mascota Tuk Tuk (voz de Alan Tudyk), entrando en territorio enemigo mientras intenta cumplir la visión de la unidad de su padre.

Lo diré a soltá: Raya And The Last Dragon es la mejor película animada de Disney que ha salido en años. Es preciosa de mirar, ya que llena su cielo con dragones de color de algodón dulce en una hermosa animación digital sobre paisajes del sudeste asiático. Incluso tiene un ojo agudo para la yuxtaposición. Sin embargo, ese no es el punto. Es una película bellamente hecha, que presenta una familiaridad que no ocurre con demasiada frecuencia.

Raya And The Last Dragon cuenta la historia de Kumandra, una tierra fantástica donde una vez los humanos y los dragones vivían juntos en paz. Sin embargo, cuando se enfrentan a los temidos y siniestros monstruos Druun, los dragones hacen el último sacrificio para salvar a la humanidad al crear una gema que mantiene a todos protegidos de los Druun. La gema se guarda en el reino de Heart y está protegida por el jefe Benja, el cual está entrenando a su hija, Raya, para ser la guardián de la gema cuando él ya no esté. Pero, cuando Namaari, una princesa guerrera del reino de Fang intenta robar la piedra, se rompe en cinco piezas. Luego son robadas, y se esparcen entre los reinos de la vasta tierra de Kumandra. El resultado es que ahora los Druuns han vuelto, y ya no están restringidos por el poder de la gema. Ahora Raya debe encontrar una manera de localizar los pedazos y volver a unirlos para salvar a su familia, amigos y la tierra que llama a hogar. En el camino, conoce a un dragón peculiar, Sisu, que la ayudará en su búsqueda.

La película está dirigida por Don Hall y Carlos López Estrada, y incorpora múltiples culturas asiáticas al mismo tiempo que se combina con una hermosa y espectacular animación. El guión es muy sincero, ya que tiene personajes frescos e interesantes. Además, no solo tiene una heroína femenina sino también una villana (con un buen corazón). El elenco es excepcional aquí. Awkwafina equilibra su voz para que salga con un toque cómico, si le puede decir así. Kelly Marie Tran y Gemma Chan tienen una buena química de amigas/enemigas y trabajan bien apoyandose una de la otra. El resto del elenco es muy bueno, debido a que incluye las voces de Daniel Dae Kim, Izaac Wang, Benedict Wong, Sandra Oh, Lucille Soong, Sung Kang, y Alan Tudyk.

El guión también integra varias influencias culturales del sudeste asiático en lugar de inspirarse en solo una. Mientras tiene un punto, la película se establece y tiene aproximadamente varias culturas que desean control de la gema de dragón. Ese punto se trata sobre poner tu confianza en alguien y que ese alguien la ponga en ti. El tema principal se trata de unirse y coexistir pacíficamente y Raya And The Last Dragon logra eso maravillosamente. El tercer acto y el climax definitivamente pasarán como unas de las escenas más grandes de la historia de las películas animadas. Es conmovedora, pero no abrumadora. Es solo una experiencia simplemente maravillosa.

En general, Disney realmente superó todas las expectativas visualmente aquí. Aunque sabía que la película se inspiraría en el sudeste asiático, sacaron todo su arsenal de animación para asegurarse de que cada reino tuviera su propia personalidad, desde los caminos fluviales artificiales del reino de Fang, los duros interiores estilizados del reino de Spine, hasta la tierra desértica del reino de Tail, y el bullicioso mercado del reino de Talon, todo es maravillosamente espectacular. Al final, Raya And The Last Dragon es prácticamente perfecta en todos los sentidos. Lo tiene todo, aventuras épicas, una animación impresionante, personajes interesantes, momentos sinceros y mucha comedia. Al igual que Mulan (2020), es una película que habría sido perfecta verla en la gran pantalla y tal vez algún día tendremos esa oportunidad. Pero por ahora la comodidad del hogar ofrece un montón de acción y aventura que todos pueden disfrutar durante todo el tiempo que quieran. Y para ser honesto, es una de las mejores películas de Disney hasta la fecha.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Coming 2 America

Frente a la pérdida del rey Jaffe Joffer (James Earl Jones), el príncipe Akeem (Eddie Murphy) se está preparando para tomar el control del país africano de Zamunda, unido a su esposa, la reina Lisa (Shari Headley) y sus tres hijas, incluida la mayor, Meeka (Kiki Layne), quien está lista para convertirse en una gobernante. Sin embargo, la tradición de Zamunda solo permite que un heredero masculino pueda gobernar. Akeem, no teniendo conocimiento, pronto se entera de que tuvo un hijo durante su primera aventura estadounidense. Junto con su ayudante, Semmi (Arsenio Hall), Akeem regresa a Queens, Nueva York con planes de buscar a Lavelle (Jermaine Fowler) y llevarlo a Africa. Al obligar a Akeem a que también lleve a su madre, Mary (Leslie Jones), Lavelle comienza su camino hacia el liderazgo, siendo abrumado por toda la experiencia y enamorandose de Mirembe (Nomzamo Mbatha). Pero todo se complica cuando el líder de la tierra vecina de Nextdori, el general Izzi (Wesley Snipes), promete la guerra con Zamunda a menos que Lavelle se case con su seductora hija, Bopoto (Teyana Taylor).

Después de 33 años, Eddie Murphy regresa como el príncipe Akeem. Coming To America (1988) se considera en gran medida como el final de la edad de oro de la filmografía de Eddie Murphy, ya que cuando joven Murphy saltó a la fama con éxitos de taquilla, convirtiéndose en realeza de la industria del cine con su característica humorística. En los años 90, Murphy tomó tareas de productor y protagonista mientras hacía comedias absurdas que, a la vez, lo convirtieron en un actor de renombre. Pero a partir del 2002, su carrera simplemente se estancó gracias a un sin fin de fracasos taquilleros. Sin embargo, la estrella ha estado de buen humor en los últimos años (teniendo un éxito con la película del 2019 Dolemite Is My Name), por lo que solo tiene sentido tener de vuelta a Murphy como el príncipe Akeem, buscando generar una secuela exitosa con Coming 2 America, y regresando al mundo de Zamunda, que en esta ocasión se enfrenta a una nueva crisis de liderazgo real.

Antes de que comience la historia de Coming 2 America, hay algunas cosas que hay que mencionar. La muerte del rey Jaffe Joffer es inminente, pero el gobernante sigue siendo fuerte aún en su cama, asegurándose de apoyar a Akeem mientras maneja el crecimiento de Zamunda, que recientemente ha abierto su primer restaurante de McDowell's (John Amos tiene un cameo como Cleo McDowell), mientras que su propia impaciencia por las festividades de su funeral resultan en un gran espectáculo de extravagancia. Es una celebración de apertura para el director Craig Brewer, quien revive el estado de ánimo jubiloso de Zamunda con canciones y bailes, destacando el impresionante trabajo de vestuarios. Es una oportunidad para volver a encontrarse con rostros familiares y un entorno africano gloriosamente idealizado antes de regresar al negocio de Akeem, que de repente le recuerdan su tiempo en Queens cuando fue drogado por Mary después de una salida de un club con Semmi (el flashback se crea con tecnología de de-aging), convirtiéndose en el padre de un hijo del que nunca tuvo conocimiento.

La película no pasa mucho tiempo en la ahora gentrificada ciudad de Queens, con Lavelle y su familia como personajes de apoyo, y regresando a la peluquería My-T-Sharp con Clarence y sus amigos de la tercera edad (Murphy y Hall regresando a interpretar varios papeles bajo maquillaje). La mayor parte de esta película permanece en Zamunda, donde el "bastardo de Queens" se pone a prueba para convertirse en un príncipe adecuado, y lidiar con desafíos personales, incluido el cortarle el bigote a un león dormido. Lavelle se ve obligado a probar su valor, y Coming 2 America ofrece algunos momentos encantadores de comedia, con el director Craig Brewer moviendo la película con un atractivo ridículo por parte del elenco, y encontrando a Wesley Snipes divirtiendose interpretando al amenazante (pero cómico) general Izzi.

El guión no intenta ser nada más que una versión rehabilitada de Coming To America, ya que pone a Lavelle en el lugar del príncipe Akeem, obligado a elegir entre el bien del reino y las necesidades de su corazón. La subtrama romántica entre Lavelle y Mirembe tiende a disminuir el espíritu de la mitad de la película, pero al mismo tiempo se encuentran complicaciones más interesantes con las mujeres de Zamunda, mientras Meeka y la reina Lisa enfrentan la tradición sexista del reino, abriendo los ojos de Akeem al futuro. La reunión con personajes de la primera película también se involucra, pero la producción permite demasiadas repeticiones. Aún así, las risas son abundantes en este esfuerzo, manteniendo las cosas familiares y divertidas.

En general, admito que mis expectativas eran muy altas, no es mala, para nada, pero no le llega a la primera película. Sabes cuando amas tanto una película que casi la aprendes palabra por palabra? A diferencia de la primera, no tiene esa sensación en lo absoluto, pero la disfruté y la veré de nuevo. Al final, Coming 2 America realmente triunfa como una secuela que proporciona a los fans un regreso brillante y divertido a Zamunda y a todos sus personajes locos. No es una secuela aventurera, ya que salta cualquier riesgo creativo, pero el ambiente es irresistible a veces, con Eddie Murphy tratando de supervisar una experiencia de visualización simple que está llena de mucho encanto, corazón y humor.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: In Search Of Darkness Part II

Continuando con la profunda inmersión en el horror de los años 80, la completa y salvajemente entretenida In Search Of Darkness Part II cuenta con 4 horas y 22 minutos adicionales de entrevistas con directores, estrellas y fanáticos del género del horror de los años 80. In Search Of Darkness Parte II, cuenta con grandes conversaciones por parte de leyendas del horror, como Robert Englund, John Carpenter, Tom Savini, Joe Dante, Nancy Allen, Linnea Quigley, y muchos, muchos más. Esta secuela cuenta con 15 nuevos invitados, además de más de 40 expertos en el género que estaban en la primera parte. Junto con docenas de segmentos específicos de las películas (en orden de fecha de lanzamiento), esta secuela tiene un mayor enfoque en el horror internacional (específicamente el italiano), junto con una serie de mini retrospectivas en cineastas y tendencias específicas.

"La década del horror de los años 80 proporcionó un tesoro de películas en el género que los fanáticos del horror mantienen cerca de sus corazones", dice el escritor/director David Weiner. La primera parte de In Search Of Darkness solo rascó la superficie de lo que el horror de los años 80 tuvo que ofrecer, en esta segunda parte se lanza una red más amplia y también se profundiza más. Este documental cuenta con nuevas entrevistas, nuevas películas, títulos de horror internacionales, conversaciones de movimientos de género controversiales, entrevistas retrospectivas en las carreras de leyendas del horror como Robert Englund, Tom Savini, Linnea Quigley y Nancy Allen, y tal vez algunos títulos que incluso los fanáticos más hardcore del horror nunca han oído hablar o visto antes. También se comparte todo un nuevo mundo de sustos y gore en esta nueva carta de amor al horror de los años 80, hecha por fanáticos para los fanáticos. Además, se incluye una variedad de perspectivas que garantizan la diversidad y la corrección política dentro del género, junto con algunas reflexiones muy interesantes en diferentes eventos y (las muchas) controversias durante las producciones de algunas películas.

Mientras presta respetuoso homenaje a las estrellas y los cerebros detrás de cada película, el documental ofrece una mirada detallada, cronológica y sin spoilers a una gran cantidad de películas de clase B, los infames Video Nasties, clásicos de culto y películas de criaturas. Las películas no solo son presentadas y referenciadas, sino que se exploran por igual a nivel social y ético, lo que a menudo es surrealista cuando películas como Cannibal Holocaust (1980) y Nightmare In A Damaged Brain (1981) se mencionan. No solo, como esperaba, hizo que agregara muchos títulos a mi lista para ver, sino que también amplío mi perspectiva en más de una ocasión.

Todo sobre In Search Of Darkness Part II se presenta brillantemente, desde su aspecto de colores neón hasta su banda sonora con un sintetizador atmosférico. Estos elementos se combinan para atraer al espectador al brillo hiper-nostálgico de los años 80, encarnando perfectamente una década completa de cine. Todas las bases están cubiertas, desde las películas italianas de Dario Argento y Lucio Fulci hasta series icónicas como A Nightmare On Elm Street y Friday The 13th. En lugar de simplemente actuar como una espeluznante enciclopedia de horror, el documental trata al espectador a varios puntos de vista de actores, al indeseable error del reductivo apodo de "scream queen" y conversaciones a temas sucios y cuestionables dentro del horror. Donde la primera parte comenzó la discusión, esta la retoma justo donde la dejó y demuestra que más de lo mismo no siempre es algo malo.

En general, esto realmente se siente como si hubieran unido todas las piezas, aunque habían algunas cosas para trabajar desde la primera In Search Of Darkness, pero ahora han hecho algo que hace que esto sea una experiencia visual divertida e interesante. Al final, In Search Of Darkness Part II es básicamente el primer documental pero con muchas cosas arregladas y agregadas. Es un viaje fascinante a través del género de horror que sería útil para todos sus fanáticos y para aquellos que no saben y quieren una lista de sugerencias para ver. La gran parte de todo es que claramente quedan tantas películas más en este género que fácilmente podrían hacer al menos 3 o 4 más de estos documentales. Tienen una gran fórmula y yo no me opondría a otro lote de extrañas películas de horror de las que hablan un montón de profesionales. Realmente es una carta de amor al género, y no puedo esperar a ver si hacen In Search Of Darkness Part III.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.