Review: Luca

En las profundidades del océano, Luca (voz de Jacob Tremblay) es un monstruo marino que atiende la granja de su familia, lidiando con una rutina que lo mantiene a salvo, lo que agrada a sus padres, Daniela (voz de Maya Rudolph) y Lorenzo (voz de por Jim Gaffigan). Luca siente curiosidad por la vida en la superficie y descubre artefactos humanos en la zona, pero es consciente de que los humanos cazan a los monstruos marinos, asegurándose de que no se interpongan en su camino. Un día, Luca conoce a Alberto (voz de Jack Dylan Grazer), otro monstruo marino que ha hecho un hogar en Portorosso, un pueblo de pescadores. Luca, que se une a su nuevo amigo bajo una apariencia humana, está ansioso por aprender sobre este mundo prohibido y hace planes para viajar con Alberto en una motocicleta Vespa. A los chicos pronto se les une Giulia (voz de Emma Berman), que está feliz de tener a los nuevos amigos mientras entrena para la Copa Portorosso, una carrera del pueblo que está dominada por Ercole (voz de Saverio Raimondo), un chico peleón que percibe algo raro en Luca y Alberto.

Después de quedar atrapado en secuelas durante algunos años, Pixar Animation Studios regresa a las historias originales con Luca, que sigue a los exitosos lanzamientos de Onward (2020) y Soul (2020). Después de explorar los reinos de la fantasía y el jazz, la compañía ahora se centra en las delicias de Italia, presentando una historia de monstruos marinos que experimentan las maravillas de las motocicletas Vespa y los placeres celestiales de la pasta. El guión se divierte mucho absorbiendo los paisajes y los sonidos de una ciudad costera italiana, mientras crean personajes distintos que cobran vida a través de un trabajo de voz sobresaliente. Esa es la fórmula de Pixar, pero es un poco demasiado pesada esta vez, dañando el brillo de la película con una alegría interrumpida periódicamente por dramáticos mensajes sobre el poder de la amistad y la familia.

Mientras se sienten vibras de Finding Nemo (2003), Luca realiza un recorrido diferente por el océano, imaginando un mundo de trabajo de monstruos marinos acorralando peces y recolectando algas, con el personaje principal tratando de encontrarle sentido a su lugar en el orden de las cosas, mientras es alimentado por el miedo de su madre, que es demasiado cautelosa con los humanos. Sin embargo, la historia tiene lugar principalmente en tierra firme, con Luca haciendo una conexión con Alberto, un niño aparentemente rebelde que ama el aire libre, y trabajando para ocultar su piel de monstruo marino bajo piel humana, que construye una habitación para él en las afueras de Portorosso. Alberto le ofrece a Luca una muestra de libertad, mostrándole cómo son posibles otras formas de vida y brindándole una fantasía irresistible con la idea de una Vespa, que representa una oportunidad para alejarse de su hogar. Luca se divierte con la amistad, con Alberto ofreciendo a su nuevo amigo una educación humana, enseñándole a negar su "Bruno" interior, o duda. Eso está muy bien, pero el monstruo marino también está preocupado por su madre, que lo amenaza con tiempo en las profundidades del océano con su tío Ugo (voz de Sascha Baron Cohen) durante una temporada para calmar su curiosidad.

Luca abraza la experimentación de la vida humana, con los amigos descubriendo cómo construir y probar su propia Vespa, y visitan Portorosso, disfrutando del paisaje y aprendiendo más sobre Ercole, un peleón persistente. Giulia entra en la historia durante el segundo acto, con la enérgica humana emocionada de ser amiga de Luca y Alberto, presentando a los chicos a su padre, el pescador de un solo brazo Massimo, y las maravillas de la pasta recién preparada. Mientras que todo provoca una sensación de exploración mientras trabajan para proteger su verdadera apariencia, Luca encuentra un conflicto en la próxima Copa Portorosso, una especie de triatlón (que involucra un desafío de pasta), con Giulia buscando reclamar la victoria sobre el arrogante Ercole, y pronto entrenando con Luca y Alberto. Mientras tanto, Daniela y Lorenzo ejercen presión adicional al visitar con cautela el pueblo de Portorosso para encontrar a su hijo desaparecido. Luca también descubre las maravillas de la educación con Giulia, provocando problemas de celos con Alberto.

En general, la película está magníficamente animada, y examina la hermosa arquitectura y la cultura italiana mientras conserva su lado exagerado de dibujos animados para ayudar con la comedia, provocando muchas risas en el camino. Es una aventura animada y cautivadora con actuaciones optimistas hasta el tercer acto, cuando toda la película comienza a sentirse forzada, lo que lleva a la demanda del estudio de una ruptura para compensar el final. La película no concluye con tanta fuerza como comienza, pero el director Enrico Casarosa no pierde de vista la fórmula probada y verdadera de Pixar. Simplemente no pudo hacerla aceptable durante algunos tramos de la película, pero aún así conserva la calidez con los lazos familiares y los sacrificios de la amistad. Al final, Luca es una película encantadora y un gran deleite visual. Ahora... es tan notable como algunas de las otras películas de Pixar? En realidad no, pero a pesar de que esta película tiene muchas notas familiares, hay un encanto en el exótico lugar italiano y una historia inusual de mejores amigos que también son monstruos marinos. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Censor

Enid Baines (Niamh Algar) trabaja como censora de películas para la Junta de Clasificación Británica. Ella es responsable de editar cada baño de sangre, violación violenta y decapitación espeluznante que se muestra en películas de terror, en su mayoría difíciles de ver, que los tabloides llaman Video Nasties. Ella asume la gran responsabilidad de proteger al público de los horrores que, si ven tales actos en una película, podrían influir en su propio comportamiento. Una noche, Enid tiene la tarea de revisar una película particularmente inquietante que despierta algo en lo profundo de su psique. Lo que se desarrolla en la pantalla ante ella se siente como un paralelo a sus propios recuerdos nublados sobre la desaparición de su hermana Nina hace más de una década. Atormentada por su falta de respuestas sobre lo que realmente le sucedió a su hermana y siendo constantemente bombardeada por imágenes violentas en su vida diaria, la realidad de Enid comienza a virar hacia la fantasía, creando un mundo de sueños que amenaza con apoderarse de todos los aspectos de su vida.

Una película sobre Video Nasties inevitablemente contará con una buena cantidad de sangre y morbo. Y Censor cumple en ese departamento. Esta película de terror británica de la directora debutante Prano Bailey-Bond no es para los débiles. Pero si tienen estómago para ello, serán recompensados con una apasionante historia sobre el trauma, la obsesión e incluso una divertida (y sangrienta) revisión de las películas de terror de explotación y de bajo presupuesto que se reprodujeron en cintas VHS en los años 80's. De hecho, gran parte de la película rinde homenaje al género de los Video Nasties. Hay mucha violencia exagerada, no solo en las películas que Enid debe ver como parte de su trabajo como censora de películas, sino también en su propia vida. Algunas de las escenas son increíblemente sangrientas. Pero mientras que esas películas de los 80's a menudo carecían de una historia, aquí Bailey-Bond ha elaborado cuidadosamente una narrativa que cuando la sangre y las visceras vuelan, nunca se siente de forma gratuita.

Como dije antes, la película está dirigida por Prano Bailey-Bond, quien también la co-escribió. Bailey-Bond toma numerosas decisiones cinematográficas a lo largo de la película que funcionan increíblemente bien. Ella manipula los colores no solo para mostrar el estado oscuro y desolado del mundo, sino también la confusión interna de Enid. Enid se baña con frecuencia en color rojo o azul reflejando la lucha dentro de ella y mostrando la meticulosa y confiable Enid versus la imprudente Enid que está obsesionada con encontrar a Nina. Bailey-Bond muestra que Enid continúa por este camino traicionero a través de la distorsión del sonido y la vista, con Enid en un estado nebuloso, casi como en un sueño.

La película une flashbacks a lo largo de la narrativa para que el espectador pueda vislumbrar el pasado de Enid. Mientras Enid está desenterrando los recuerdos, el espectador también los está experimentando. Estos flashbacks no solo ayudan a avanzar la narrativa, sino que llenan valiosos vacíos del pasado de Enid y lo que la convirtió en su forma de ser. La directora Bailey-Bond también logra insertar breves momentos de humor. Solo una línea rápida o declaración en varios momentos durante la película, pero la mayoría del humor aterriza. A Bailey-Bond le ayuda enormemente una magnífica actuación de Niamh Algar como Enid Baines, que está en casi todas las escenas. Hay una escena en la que la cámara se enfoca en el rostro de Enid mientras mira una película y, aunque no somos testigos de la imagen, sus ojos capturan perfectamente el horror de lo que está viendo.

En general, la película se centra en el tipo de videos desagradables que Enid está tratando de ocultar al público. La película tuvo una premisa interesante y unos buenos primeros actos, pero comienza a ceder en la segunda mitad. Para una película de terror, está llena de sangre, pero los sustos son pocos y distantes entre sí. Vale la pena verla, pero asegúrense de mantener sus expectativas bajo control. Al final, Censor no es para todo el mundo y ciertamente no es el tipo de película para una noche familiar. Pero para aquellos que crecieron durante la década de los 80's y los Video Nasties (o saben de ellos), hay mucho que encontrar en esta sangrienta revisión de una era pasada. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Rurouni Kenshin: The Final

Es 1879. Hay un período prolongado de paz en Japón y un nuevo gobierno ha llegado al poder. Kenshin Himura (Takeru Satoh) se ha despojado del nombre Battosai, aunque no de su reputación de asesino, que parece seguirlo como una sombra, y se ha ajustado a su nueva vida con sus amigos. La dulce Kaoru Kamiya (Emi Takei) todavía dirige un dojo de artes marciales después de heredarlo de su padre, y Sanosuke Sagara (Munetaka Aoki), un ex samurai problemático, sigue siendo un fiel aliado y compañero de Kenshin. Kenshin se encuentra con oponentes del pasado, incluido un oficial de policía cínico y fumador que ahora se hace llamar Goro Fujita (Yosuke Eguchi), pero que una vez fue Hajime Saito, un capitán del Shinsengumi, un escuadrón de policía élite que lucha por el shogunato. Sin embargo, Enishi Yukishiro (Mackenyu Arata), un gángster armado de cabello plateado, y que aprendió su oficio en Shanghai, ha regresado a Japón para vengarse de Kenshin. Cuando era adolescente, Enishi fue testigo de cómo Kenshin mató fatalmente a su hermana Tomoe con su espada. Su rabia vengativa es ahora tan abrumadora que planea causar una destrucción como juez, jurado y verdugo autoproclamado, respaldado por un pequeño ejército de asesinos.

Rurouni Kenshin: The Final es una adaptación del manga Rurouni Kenshin de Nobuhiro Watsuki y que ahora se transmite por Netflix. Después de la derrota de Makoto Shishio, Kenshin y sus amigos comenzaron a vivir una vida tranquila en el Kamiya Dojo. Pero la vida tiene otros planes. Una figura misteriosa ha llegado a Tokyo con la intención de juzgar a Kenshin, incluso si tiene que quemar toda la ciudad hasta los cimientos para hacerlo. La historia de Kenshin siempre ha sido la de un hombre que busca la paz después de vivir una vida que casi lo ahoga en el caos y la sangre. Intenta desesperadamente dejar el pasado atrás, para poder ayudar a dar forma a un futuro mejor. Sin embargo, y inevitablemente, siempre hay alguien que no puede dejar de lado lo que fue. Y parece que Kenshin siempre está condenado a estar en el ojo del huracán.

En muchos sentidos, Rurouni Kenshin: The Final les resultará demasiado familiar a quienes hayan seguido el viaje de Kenshin hasta aquí. Con villanos del pasado, la venganza en un mundo corrupto y los pecados del pasado de Kenshin volviendo a visitarlo. A grandes rasgos, uno podría ser perdonado por ver esta última entrada de la serie como un retiro demasiado familiar de lo que ha sucedido antes. Pero hacerlo sería descartar cuán lejos lleva esta película su historia, cuánto más sumerge a sus personajes en el fuego alimentado por el pasado de Kenshin y, en última instancia, cuánta esperanza, espíritu y perseverancia puede inspirar un solitario vagabundo. Subestimar estas cosas sería perder todo el sentido de lo que Rurouni Kenshin: The Final aporta a la saga de Kenshin.

Como gran parte de la trama aquí está llena de spoilers, voy a aclarar los detalles para aquellos que pueden no haber leído el manga, visto el anime o las otras tres películas. Lo único que diré sobre el villano de esta historia es que él y el pasado de Kenshin están conectados con la característica más llamativa del protagonista: su cicatriz en forma de cruz. Desde la primera confrontación con el posible asesino de Kenshin hasta que los créditos comienzan a las 2 horas y 12 minutos, Rurouni Kenshin: The Final ofrece una experiencia que equilibra su acción fuera de lo común con momentos de revelaciones emocionales a la perfección. No entiendo cómo esta película se las arregla para meter tanto en su tiempo de duración sin sentirse abrumadora o agotadora. Pero de alguna manera, lo logra. Y hace lo que todo fanático de una serie quiere al final, tener una última oportunidad de deleitarse con algo que ama, pero con una historia que eleva todos los elementos al máximo. Y si bien muchos de los elementos son los que esperaría después de ver las primeras tres entregas, hay un área de la película que me tomó completamente desprevenido: la cantidad de personajes que regresan.

La película ofrece un verdadero quién es quién de los personajes que regresan. Todos los que quería ver, así como una pareja que nunca esperé que aparecieran, no solo aparecen, sino que tienen la oportunidad de realizar contribuciones significativas a este acto final. Cada actor y actriz entregan sus personajes con todas sus personalidades, y la combinación de una historia asombrosa y una actuación excelente para transmitirla hace que este acto final sea posiblemente uno de los mejores de la serie. Así como el elenco es más grande, también lo son las batallas. Con enormes peleas de espadas, explosiones masivas y porciones considerables de Tokyo en llamas, las amenazas físicas que enfrentan Kenshin y sus amigos se sienten fácilmente adecuadas para los niveles de intimidación. No se tiran golpes con la entrega de la marca registrada de la serie, son batallas de espadas de alto octanaje.

En general, la película aporta acción, emoción y un gran carácter a la entrega final de una de las franquicias de manga/anime más queridas. Las adaptaciones de Rurouni Kenshin no solo han demostrado que se puede adaptar el anime/manga al live action con éxito, sino que también se puede crear un final que alegrará a cualquier fan. Al final, Rurouni Kenshin: The Final es una película que crea una fusión perfecta de acción de alto impacto y drama emocional. También sirve como un final de dos partes de la saga de live action, con la quinta y última entrega titulada Rurouni Kenshin: The Beginning, que hizo su debut en los cines japoneses a principios de este mes de Junio. Al igual que esta película, esa precuela estará disponible en Netflix este año. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Infinite

Evan (Mark Wahlberg) siempre ha sido diferente, sufriendo una vida de enfermedad mental, lo que lo llevó a creer que es esquizofrénico. Tiene problemas para mantener un empleo y necesita medicación antipsicótica para calmar su mente, intercambiando armas hechas a mano con antiguas habilidades por pastillas. Después de meterse en un problema, Evan conoce a Bathurst (Chiwetel Ejiofor), un hombre maníaco que está ansioso por sacar algo de su mente, lo que sugiere que se conocen desde hace siglos. Salvando el día está Nora (Sophie Cookson), una miembro de Infinite, una organización secreta que trabaja para desarrollar habilidades especiales de reencarnación, y el poder que viene con tal regeneración. Ellos son los Believers, y necesitan la ayuda de Evan para encontrar the Egg, un arma del fin del mundo que Bathurst está buscando con su escuadrón rival de Infinites, empujándolo hacia la locura y buscando destruir toda la vida en la Tierra. Abrumado por estas revelaciones, Evan acepta unirse a los Believers, aprovechando su vida anterior como Treadway (Dylan O'Brien), un agente de Infinite que estaba en posesión del Egg antes de su muerte, lo que inspira a una carrera para descubrir dónde lo escondió.

Infinite es una adaptación de un libro del 2009 de D. Eric Maikranz, con los productores trabajando para inflar la comprensión de la novela sobre la reencarnación para alimentar una posible franquicia de fantasía que posiblemente podría dar la bienvenida a un nuevo elenco con cada entrega. Esto es un enfoque fascinante entregado al director Antoine Fuqua, que no es conocido por hacer películas tan refinadas. Casi todo funciona relativamente bien en esta película, que pretende convertirse en un tipo de extravaganza de comics con villanos desagradables, héroes con problemas y habilidades especiales que se desarrollan durante el tiempo de duración. Algunos errores debilitan la experiencia de visualización, pero la película es entretenida, transformándose en una aventura para el público adulto, con el esfuerzo trabajando especialmente duro para generar suficiente impulso para futuras entregas.

Infinite comienza con una secuencia de acción introductoria ambientada en la Ciudad de México. Conocemos a Treadway, un tipo de agente secreto que usa un automóvil deportivo para dejar atrás a los villanos que lo persiguen, ya que tiene posesión del Egg, y no tiene ningún lugar donde esconderlo. Él está en contacto con versiones anteriores de Nora y su amante, Able, con el dúo tratando de facilitar un escape mientras Tredway usa todas las maneras posibles para evadir la captura, solo para darse cuenta de que no es probable que viva mucho más. Es un principio que llama la atención, ya que pone en escena una secuencia de persecución muy intensa con algunos toques de fantasía, incluida la capacidad de Treadway para lanzar ladrillos con sus neumáticos traseros. La película pronto se estabiliza mientras pasa a Evan, un hombre aparentemente apacible que intenta mantener el control de su comportamiento, manejando su enfermedad mental lo mejor que puede, pero también experimentando un sentido distante de propósito y habilidad mientras trabaja con sus manos, incluido el uso de métodos antiguos para fabricar una espada samurai, que espera intercambiar por bolsas de medicina necesarias para mantenerlo estable.

La trama de Infinite comienza una vez que Bathurst llega para comprobar la historia de Evan, y Nora atraviesa una estación de policía para recuperar al hombre desconcertado, que pronto será llevado a The Hub, la base de operaciones de los Believers. A lo largo de la película, Evan tiene que lidiar con grandes ideas sobre su futuro y su pasado, con Wahlberg luchando por comunicar la cantidad adecuada de asombro mientras se le informa a su personaje de su propósito. El actor no es del todo capaz de actuar de ese modo (Wahlberg fue una elección de último minuto, ya que Chris Evans era la opción original para el papel), pero siempre es mejor con los desafíos físicos, y Infinite tiene mucho de eso, siguiendo a Evan mientras se somete a un entrenamiento para abrir su cuerpo y mente, ayudándolo a acceder a los recuerdos de Treadway. El héroe está respaldado por un pequeño equipo de Believers, y los Nihilists tienen su propio escuadrón, con Ejiofor en el papel de Bathurst, un villano armado con The Dethroner, un arma que captura las vidas de los Infinites en chips de computadora para futuro encarcelamiento.

Hay mucho que asimilar con Infinite, pero el guión no pierde completamente al espectador. Se mueve sin problemas por diferentes entornos, mientras que los personajes se clasifican cómodamente, incluida la adición del Artisan (interpretado por Jason Mantzoukas), un excéntrico Infinite capaz de conectar a Evan con Treadway. La película mantiene en juego el paradero del Egg durante la mayor parte del tiempo, pero hay un enfrentamiento importante para el final, donde se intensifican los efectos visuales y se prueban las formas sobrehumanas de los Infinite. Todo está listo para que esto sea un futuro éxito de taquilla, pero la película también encuentra una manera convincente de mantener el nombre de la marca sin requerir a los mismos actores para posteriores actos de heroísmo. Es un enfoque completamente diferente para una franquicia, con esta película inicial siendo expositiva y quizás un poco ridícula, pero está conduciendo a algún lugar con mucho potencial.

En general, aprecio mucho la carrera de director de Antoine Fuqua. Desde su amado clásico Training Day (2001) hasta la muy entretenida The Equalizer (2014), Fuqua ha demostrado un hábil manejo de las secuencias de acción. Como es de esperar, Infinite ofrece varias escenas de pelea y persecuciones de autos, en su mayoría fascinantes y bastante agradables. El tercer acto se vuelve extremadamente exagerado con respecto a la acción, que solo son tolerables debido a rasgos de carácter poco desarrollados. Con relación a la historia, ahí es donde las cosas se complican. Sin embargo, la aburrida voz narrativa de Mark Wahlberg, que ofrece una buena actuación al igual que el resto del elenco, tiene una gran exposición que luego se repite a lo largo de la película, alargando innecesariamente su tiempo de duración. Al final, Infinite es una de esas películas que tiene un tremendo potencial narrativo pero nunca lo alcanza. Personalmente, encuentro el concepto intrigante, pero su desarrollo no sobrepasa la base de su premisa. Honestamente, en mejores manos esta película podría haber sido el comienzo de una nueva franquicia con posibilidades infinitas para hacer secuelas, precuelas, spin-offs o incluso desencadenar el inicio de un programa de televisión. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: The Conjuring: The Devil Made Me Do It

En 1981, Ed (Patrick Wilson) y Lorraine Warren (Vera Farmiga) están trabajando en un exorcismo que involucra al niño David Glatzel (Julian Hillard), con el demonio aterrando a su hermana mayor Debbie (Sarah Catherine Hook) y su novio, Arne Johnson (Ruairi O'Conner). Durante el exorcismo, el demonio hace el salto de David a Arne, mientras que Ed sufre un ataque al corazón, poniéndolo en el hospital mientras Lorraine se preocupa por su salud. Arne pronto se convierte en un recipiente para una fuerza demoníaca, cometiendo un asesinato, lo que lo pone en juicio, frente a una sentencia de muerte por un crimen que no tiene ningún recuerdo. Sintiendo el trabajo de una fuerza malévola, Lorraine y Ed presionan a la abogada de Arne para declararse culpable debido a una posesión demoníaca, lanzando su propia investigación sobre el delito y haciendo un descubrimiento crítico de un tótem satánico que lleva a los demonólogos de nuevo en peligro al entrar en un territorio desconocido.

Si están buscando más casos paranormales de Ed y Lorraine Warren, lo encontrarán en The Conjuring: The Devil Made Me Do It. Pero este no es del mismo festival de miedo como en las películas anteriores de la exitosa franquicia de horror. En lo que es la tercera y posiblemente la entrada final, los demonólogos casados son más detectives que investigadores de lo paranormal en un caso que gira en torno a un asesinato. El ser basadas en hechos reales ha sido todo el concepto desde el principio, y todos sabemos que ese detalle brinda la atención a cualquier película que lo reclame. El resultado se mezcla decididamente aquí, incluso si la religión y la investigación paranormal de los Warrens se mantiene firme contra los susurros del diablo.

La película comienza de manera estimulante, con el tipo de posesión demoníaca que ha hecho de estas películas una emoción aterradora. Un espíritu malévolo se ha apoderado del niño David Glatzel, lo que lleva a un horror corporal al estilo Linda Blair en The Exorcist (1973) y una gran cantidad de cosas destrozadas en la casa de Connecticut de la familia. Entonces... a quién van a llamar? Ed y Lorraine Warren, por supuesto. Junto con un viejo sacerdote, luchan contra la entidad malvada, pero es demasiado poderosa. Se necesita un acto desinteresado de Arne, el novio de la hermana de David, para salvar el día. Él invita al espíritu a que entre a su cuerpo y deje el de David, que con gusto lo hace. Pero hay un precio.

Ed, quien fue atacado bruscamente por el demonio, sufre un ataque cardíaco masivo y es una sombra de lo que solía ser. Patrick Wilson casi siempre interpreta papeles fuertes, por lo que es interesante verlo tan frágil en la mayor parte de la película, con Vera Farmiga realmente haciendo todo el rendimiento físico. El demonio, ahora dentro de Arne, y que aparentemente está bien con todo esto, eventualmente sucumbe a su influencia y asesina al propietario de su hogar. Ahora... lo hizo o no lo hizo? Los Warrens son traídos nuevamente para hacer que el título de la película sea relevante, marcando la primera vez en la historia legal de los Estados Unidos que un acusado se declara culpable por medio de posesión demoníaca.

Crean o no que los Warrens realmente estaban en contacto con lo sobrenatural, estas películas cinematográficas creen en estas cosas de todo corazón. Eso pone esta película en una posición única ya que resalta más si la presencia del diablo es real, pero aún más si es capaz de que alguien cause el mal. Eso habla de la fragilidad humana, un tema que las películas anteriores no habían tocado antes. También se destaca por el estado frágil de Ed. Los Warrens nunca parecían personas reales de carne y hueso frente a una fuerza que es algo más que humano. Por supuesto, ser humano también le da a los Warrens una fuerza que los ayuda a soportar varias situaciones, y nos adentra en lo personal aún más.

El problema de una fe inquebrantable es que presenta algo de una oportunidad perdida. Vemos la posesión desde la perspectiva de Arne, con todos los monstruos espeluznantes y las visiones extrañas, por lo que no hay duda de que está bajo el control de una fuerza malvada. Una pequeña incertidumbre habría servido bien a la película, especialmente porque estamos tratando con un caso que se basa en el sistema legal, ya que Arne se enfrenta a la verdadera amenaza de ser puesto en el corredor de la muerte. Esto es realmente digno de la dedicación de los Warrens?

James Wan dirigió las dos primeras entregas de The Conjuring, pero ahora sede el paso a Michael Chaves. Chaves viene de dirigir The Curse Of La Llorona (2019), una historia adjunta al universo de The Conjuring con sabor latino que demostró ser lo suficientemente divisiva para que algunas personas no la consideren parte de la franquicia. Él obtiene todas las piezas para hacer un buen trabajo espeluznante, sin embargo nos dá como mucho un cadáver de aspecto putrefacto, algunos ratones en un río, y una experiencia casi de ahogamiento en una cama de agua. Lo único que faltó es el toque de Wan para darle la estética del período. La película se establece en 1981, pero realmente no se siente así. Wan podría haber convertido toda esa energía en una tensión amenazadora mejor que casi cualquier director. Chaves no tiene ese don, sus habilidades son eficientes y hacen el trabajo para hacer de esta una película de The Conjuring satisfactoria.

En general, nada de esto importa sin Vera Farmiga y Patrick Wilson como Lorraine y Ed Warren en la película. Teniendo en cuenta a los demonios y la sangre que se desata, hay algo muy puro en ellos que se rompe a través de la oscuridad. Vemos más de su historia de origen, y cada vez es más lindo, ya que sirve para conectar a sus personajes a estos expertos en lo oculto. Al final, The Conjuring: The Devil Made Me Do It está establecida en el amor entre los Warrens, y eso los ayuda a triunfar sobre las fuerzas del mal. Es una forma adecuada de finalizar esta trilogía de horror y sus días de cazar demonios de una manera apropiada.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Spiral: From The Book Of Saw

El detective Zeke Banks (Chris Rock) es un policía que hace 12 años expuso a un colega corrupto, lo que hizo que fuera desterrado dentro la fuerza policiaca. Cuando encuentran un cuerpo destrozado en el sistema de metro, envían a Banks a investigar, emparejandolo con el detective novato Schenk (Max Minghella), que está ansioso por hacer la diferencia en las calles, alabando al padre de Banks, el capitán de la policía retirado Marcus (Samuel L. Jackson). Al llegar a la escena del crimen, Banks y Schenk descubren que el asesino es una copia de Jigsaw, ya que ofrece una nueva ronda de juegos asesinos que involucran una serie de trampas elaboradas, con la figura misteriosa en contacto con la policía a través de flash drives que detallan sus objetivos. A medida que Banks junta las pistas y descubre más cuerpos, se reune con su pasado problemático, reevaluando la profundidad de la corrupción que una vez encontró, y con el nuevo Jigsaw dispuesto a castigar a los que han pervertido sus posiciones de poder.

Spiral se presenta como From The Book Of Saw, lo que le da un poco de respiro en términos de expectativas de la franquicia. Es la novena entrega de la serie de terror, que comenzó en 2004 y se convirtió en una tradición de Halloween para algunos espectadores antes de que finalmente comenzara a decaer alrededor del 2010. Los productores intentaron reiniciar la franquicia con Jigsaw en 2017, pero la película se encontró con la indiferencia de los fans, poniendo el nombre de la marca de Saw de nuevo en una gaveta. Ahora, Saw está de vuelta una vez más, esta vez trabajando ligeramente como una historia de detective con vibras de Se7en (1995) que intenta fusionar una historia de asesinos en serie con exhibiciones tradicionales de sangre y tripas. Spiral se presenta como una nueva versión de lo macabro, pero en realidad es más de lo mismo, ofreciendo una cansada historia de sufrimiento carente de cualquier inventiva capaz de hacer que la experiencia visual sea emocionante.

Regresando a la franquicia está el director Darren Lynn Bousman, quien trabajó anteriormente en  Saw II (2005), Saw III (2006), y Saw IV (2007). Bousman no es un cineasta inspirado, pero conoce el reino de Jigsaw, dándole a Spiral una sensación familiar cuando los personajes comienzan a experimentar los horrores de las trampas, incluida una secuencia introductoria donde un policía se ve obligado a luchar por su propia vida, y lengua, antes de que un tren lo atropelle. Es una secuencia espantosa, y de eso se trata todo esto, con Bousman tratando de cumplir con las expectativas con exhibiciones elaboradas de personas con dolor, luchando para liberarse de las máquinas de Jigsaw. Bousman también mantiene el aspecto de Saw, detallando las situaciones de pánico y exponiendo fracturas psicológicas.

Nuevo en la franquicia está Chris Rock, y lleva su típico carácter a la película, presentando su personaje de policía encubierto con un monólogo sobre Forrest Gump. Chris Rock nunca ha sido un actor potente, pero es un hombre divertido, y trabaja para traer un poco de material cómico a la producción, hablando sobre las mujeres infieles e incluso haciendo referencia a la película New Jack City (1991), que fue una de las primeras actuaciones de Rock. Por supuesto, el humor es limitado en Saw, con un nuevo Jigsaw que hace que la vida sea difícil para el detective Banks, ya que está tratando con una fuerza que lo odia, una ex esposa y los problemas con su padre Marcus, que una vez fue una fuerza poderosa dentro de la policía. Samuel L. Jackson aparece por unas pocas escenas, elevando notablemente la película con su presencia, antes de desaparecer, permitiendo que Chris Rock tome el mando la película. El plan de investigación de Banks en Spiral no implica mucho trabajo de detective real, ya que Jigsaw ofrece amenazas e imágenes de cerdos utilizando una voz electrónica para explicar los juegos de la muerte. Hay menciones de John Kramer, y aunque esta es una nueva amenaza, el villano no ofrece nada que no se haya visto en secuelas anteriores de Saw.

Spiral ofrece una búsqueda más colorida de Saw, y trata de mezclar las cosas al configurar la historia durante una ola de calor, ofreciendo un Banks y Schenk sudorosos mientras visitan escenas de crimen grotescos, examinan los regalos de Jigsaw y se reúnen con viejos enemigos, tratando de localizar al asesino. Bousman nos da aquí la mayoría de los clichés de las películas de policías, mientras le pide a Chris Rock más de lo que es capaz de dar como actor. Los fanáticos de la franquicia probablemente podrán averiguar todo el desorden de las amenazas y los cuerpos en el primer acto, pero Spiral permanece comprometida con un misterio débil, asegurándose de mantener las cosas lo suficientemente unidas para complacer a los fieles. La producción está una vez más intentando reiniciar la franquicia con esta última oferta, y al igual que Jigsaw, no toman la misión suficientemente en serio. Solo reciclan el contenido de violencia y trampas insustanciales.

En general, la película se siente muy genérica. Al hacer que esto sea más un procedimiento policial, ha perdido la única cosa que hizo que la franquicia de Saw sea única, que son las máquinas de asesinato y los castigos únicos. Chris Rock, quien a menudo suelta algunas líneas cómicas, no hace nada sobresaliente, convirtiéndolo en un personaje desechable como muchos otros que han pasado por esta franquicia. En el lado positivo, los intentos de humor de Rock aligeran el estado de ánimo, lo que supongo que es un anzuelo para atraer a un público general. Hubo un tiempo que Saw usaba la violencia como tema principal para abordar los problemas sociales actuales, no demasiado diferentes de lo que hacen las películas de The Purge ahora. Pero con Spiral, la causa es... Policías corruptos? De todas las cosas que podrían haberse hecho para atacar el tema de la corrupción policial, especialmente en este momento, la película elige el camino fácil, y uno que no es impactante en lo absoluto. Al final, Spiral: From The Book Of Saw es una película decente. Hay elementos que funcionan aquí, pero en última instancia, la suma de sus partes deja mucho que desear. Esperemos que pueda ser redimida por una secuela, pero no tendré mis expectativas altas. La calidad de la franquicia ha disminuido gradualmente con cada nueva película, y es obvio que el final de Saw está cerca. Tal vez no sea la mejor película de terror del año, pero vale la pena verla para un entretenimiento rápido.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Army Of The Dead

Un accidente en el desierto de Nevada ha desatado un tipo diferente de zombie. Estas criaturas son rápidas y difíciles de matar, consumiendo rápidamente a los humanos más cercanos que pueden encontrar, y difundiendo una plaga mortal. Han convertido a Las Vegas en su reino, con el gobierno amurallando la ciudad, dejando solo a quienes trabajan en campamentos de cuarentena. Bly Tanaka (Hiroyuki Sanada) es el propietario del Olympus Casino, y tiene una oferta especial para el ex militar Scott Ward (Dave Bautista), solicitando que sus servicios ayuden a recuperar una fortuna que se quedó atrás en la bóveda del casino. Con solo 96 horas para hacer el trabajo lucrativo antes de que el gobierno tire un arma nuclear en Las Vegas, Ward reúne a un equipo para la misión, incluida la mecánica Maria Cruz (Ana de la Reguera), el ladrón de bóvedas Ludwig Dieter (Matthias Schweighöfer), el soldado Vanderohe (Omari Hardwick), la piloto Marianne Peters (Tig Notaro), y el francotirador Mikey Guzman (Raúl Castillo), pronto apoyados por la rastreadora Lily (Nora Arnezeder) y el oficial de seguridad de Tanaka, Martin (Garret Dillahunt). También se les une a la misión Kate (Ella Purnell), la hija alejada de Ward, quien ha salido a rescatar a una familia atrapada dentro de la zona de los zombies, complicando todo el objetivo del equipo.

Es un gran año para el director Zack Snyder. En marzo, el cineasta llevó su versión completa de Justice League a las masas, finalmente recibiendo elogios de un mal considerable en los ojos de muchos. Y ahora regresa con Army Of The Dead, lo que representa un descanso de los superhéroes, y presentando una secuela espiritual a su remake del 2004 de Dawn Of The Dead. Los zombies son similares en ferocidad y el fin del mundo está aquí, pero Snyder, siendo co-guionista también, brinda una película a gran escala para comenzar lo que parece ser una nueva franquicia. Army Of The Dead es un evento importante para Netflix, y el alcance de este proyecto es impresionante. Ahora... la narración es otra cuestión, con la producción torpemente transformando la película en un cuento de relaciones sinceras, y Snyder pidiéndole a la audiencia paciencia con la trama y personajes odiosos por 2 horas y 20 minutos.

El brote inicial del infierno de los zombies se muestra desde el principio de la película, con una pareja de recién casados ​​que chocan su auto en un convoy militar en su camino hacia el área 51. Esa es la primera indicación de que algo no está bien con la carga, y una de las muchas preguntas que Snyder presumiblemente responderá en las precuelas y secuelas a seguir. Zeus, el miembro alfa de los zombies se libera, y la producción utiliza la secuencia principal para mostrar el caos que lleva a Las Vegas, destacando los horrores sangrientos y la historia de fondo de los personajes principales, con Scott Ward identificado como un héroe quién se vio obligado a matar a su propia esposa en toda la confusión, dejándolo alejado de su hija Kate. Si bien es una película innecesariamente larga, Army Of The Dead establece un plan de ataque relativamente rápido, con Bly Tanaka ofreciendo una fortuna para proteger una fortuna, dando a Ward la posibilidad de un futuro más placentero. Ward acepta el trabajo y recluta una unidad capaz de pelear con un enemigo mortal y alcanzar una bóveda fortificada.

Hay algunos momentos de tensión durante el primer acto, ya que hay un conteo regresivo a una amenaza nuclear, instando a Ward a reunir sus mercenarios y adentrarse en Las Vegas, que se presenta como un infierno lleno de calor, destrucción masiva de edificios y autos, infestado de zombies, y incluyendo un tigre blanco que merodea la zona. El guión ofrece también tensión entre Ward y Kate, que se reúnen después de años de diferencia, agregando estrés a toda la situación, mientras que el resto de la unidad se le asignan amplios rasgos de personalidad (Vanderohe es un filósofo, Martin es un hombre de la compañía, y Dieter es nuevo en el mundo de la violencia), con la piloto Peters personalmente a cargo de traer humor a un esfuerzo en gran parte sombrío. La película no explota con acción una vez que la unidad ingresa a Las Vegas, ya que Snyder está más interesado introduciendo a los espectadores a la misión de Zeus, unido por The Bride, creando una fuerza especializada de zombies.

La película tiene sus momentos espeluznantes muy cargados de tensión, pero la mayoría de ella juega como un tutorial de un laberinto, rastreando los personajes a medida que se dirigen al casino y alrededor de las habitaciones, tratando de no desencadenar un ataque del feroz enemigo. Todo está altamente producido con un trabajo de maquillaje y actuaciones de zombies, y Snyder no se vuelve loco con su habitual dirección, pero ciertamente no hay nada aquí que no podía resolverse en 1 hora y 40 minutos. Además de tener personajes torpes, la película trata de crear un alma en el centro de la historia con Ward, que está luchando con problemas de crianza y un interés de amor en el acto final. El aspecto del guión no es tan pronunciado como se promete inicialmente, y mientras Bautista puede hacer muchas cosas, el fuerte contenido dramático no es una de sus fortalezas, dejando un gran agujero donde debería haber una emoción paralizante.

La película entra en posición de ataque para el gran final, que está lleno de peleas, stunts y mucha sangre. También hay algunos diálogos abismales, con giros en la trama y confesiones, y haciendo sorpresas inexistentes, pero sin duda la violencia está en todas partes. No tiene un final preparado, posicionandose a sí misma como el comienzo de una franquicia que vendrá, manteniendo a Snyder ocupado con algo que no sea superhéroes para el futuro cercano, sintiendo la necesidad de crear un universo zombie hecho de clichés de acción general para finalmente establecer una conclusión.

En general, todo se convierte en un montaje con escenas de diálogo intercaladas, muchas de las cuales carecen de resonancia. Con un gran elenco de personajes de apoyo, Omari Hardwick y Matthias Schweighöfer son los más que se destacan. Dave Bautista continúa creando un lugar para sí mismo en Hollywood, descansando en un punto medio entre la fuerza y la ternura, aunque podría tener más que mostrar en los próximos años. La película de Snyder alcanza su dosis anticipada de acción en los últimos 45 minutos, con un flujo interminable de zombies, balas y dinero volando. Dejando a un lado un nivel de sentido y narrativa, el acto final sella la película de Netflix con un sello de aprobación de acción. Al final, Army Of The Dead aunque se rodea de muerte, mantiene su levedad permaneciendo entusiasta y divertida. La película de Snyder contiene la energía que ha estado perdiendo la mayor parte de su trabajo últimamente, y debería ser una indicación de como las películas de robos, zombies, o robos con zombies deberían venir en el futuro.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Cruella

En 1965, Estella (Emma Stone) es una chica traviesa que ve a su madre esforzarse mientras la apoya en perseguir una carrera en el diseño de moda. Una noche, su madre es asesinada por perros Dálmatas durante una lujosa actividad en una mansión, obligandola a hacer una vida para sí misma en las calles de Londres. Es ahí donde encuentra a los ladrones Jasper (Joel Fry) y Horace (Paul Walter Hauser), pasando la próxima década convirtiéndose en una ladrona mientras nutre su amor por la moda. Encantando a la Baronesa von Hellman (Emma Thompson), la principal diseñadora de Europa, con sus habilidades creativas, Estella se une a su equipo de trabajo, con la esperanza de forjar su camino a la fama. Sin embargo, ella es empleada por una mujer fría y vengativa que disfruta tomando el crédito por el trabajo de otros. Estella crea un plan para derribar el imperio de la Baronesa con la creación de un alter ego, Cruella, usando sus mejores formas criminales en contra de su jefa en publicidad y estilo, creando una guerra de moda.

La novela de Dodie Smith de 1956, The Hundred And One Dalmatians, ha demostrado ser bastante valiosa para la corporación de Walt Disney. La compañía creó una adaptación popular de animación en 101 Dalmatians de 1961, y no ha mirado atrás, volviendo al concepto, no necesariamente al material de origen, para inspirar secuelas, programas de televisión, videojuegos, parques temáticos, spin-offs, y un remake en live acción de 1996 protagonizada por Glenn Close como la villana malvada, Cruella de Vil (y incluso hay una secuela). No es sorprendente ver a Disney regresando a la creación de Smith una vez más con Cruella, pero esta no es una continuación de la historia original. En su lugar, Disney está comenzando de manera fresca, dando a Cruella un cambio de imagen a lo Maléfica, intentando transformar a una mujer que una vez quería la piel de los cachorros para usar su piel en un personaje simpático en un tiempo de duración de 2 horas y 14 minutos.

Ahora, para ser honesto... Cruella es extremadamente brillante. Sé que muchos tienen una opinión sobre los live action remakes de Disney, pero retrocedamos por un segundo. El director Craig Gillespie no ha hecho un remake, sino una historia de origen. Una precuela que supera la última encarnación en todos los sentidos, incluida la actuación implacablemente malvada de Emma Stone, que es aún mejor que el desempeño de Glenn Close de hace 25 años. Gillespie demuestra aquí que es un cineasta ecléctico que se siente igual de cómodo detrás de la cámara de una película familiar de Disney y una película de cine independiente. Cruella tiene una trama confusa que es mejor que cualquiera de las películas de Oceans que han surgido recientemente.

La película tiene una temática más oscura de lo que uno esperaría. Tanto es así, que espero que Disney haga una trilogía completa del descenso a la locura de Cruella. Eso es lo que hace que esta loca creación sea absorbente, ya que toman su historia de origen y la empapan en un trauma. Contrariamente a la creencia popular, los villanos no nacen malos. El origen Cruella es un subproducto de esto y Emma Stone es fabulosa en el papel. Los mejores villanos tienen atributos fundamentales de problemas de salud mental incontrolados. Stone pinta a Cruella como una mujer impulsiva y autodestructiva, con grandes cambios de humor, enojo explosivo y problemas de abandono. Ella también es divertida, adictiva y, a menudo, lleva su personalidad al límite. Es una película que tiene muchas facciones, pero eso mejor que explicar que su maldad es producto de que la mitad de su cuerpo cayó en una tina de blanqueador.

Toda la película también está perfectamente actuada. Emma Thompson, como siempre, es un deliciosa villana que ofrece una cantidad infinita de ingenio oscuro. El alivio cómico viene por parte del magnífico Paul Walter Hausser, que evita hacer que su Horace sea demasiado un cliché, complementando lo que debería ser un personaje de apoyo a la iniciativa y la historia. Gillespie también trata la trama como una vellonera, llenando la película con un soundtrack de los más grandes éxitos de los años 60 y 70 (con canciones de los Bee Gees, Black Sabbath, The Rolling Stones, David Bowie, Blondie, Nancy Sinatra, Rose Royce, Ohio Players, Ike and Tina Turner, Queen, Supertramp, The Doors, Electric Light Orchestra, Deep Purple, The Zombies, The Animals y muchos más) para inspirar diversión. Además, tiene una clasificación PG-13 que la mantiene alejada del entretenimiento familiar de Disney, con la oscuridad siendo el estado de ánimo general de la película, ya que se produce un asesinato y los esquemas de venganza que se trazan son un poco violentos.

En general, esto es un triunfo de manera siniestral y una película hecha fenomenalmente que es mucho más responsable en como presenta a su villana que la mayoría de las películas de personajes principales. Y, sin embargo, hace que de una heroína salga de una criminal. Al igual que muchos villanos cinematográficos antes de ella, Cruella se presenta aquí como mal entendida y el producto de tratar de sobrevivir en un mundo frío e antipático, superando toda adversidad para encontrar su verdadero yo en una relación con su jefa, la Baronesa von Hellman. Cuándo está trabajando para poner su pasado atrás, vuelve con una (literal) venganza, cambiando a algo terrible, glamoroso y rebelde. Maravillosamente interpretada por Emma Stone, Cruella busca su desquite con tal estilo que es fácil de creer que podría animar a algunos para abrazar su propio lado malo. Al final, Cruella es una película casi perfecta. Es ingeniosa, con suspenso ultra genial, y definitivamente es un logro para Disney en el ámbito del live action. Véanla, no se arrepentirán. Nota adicional: hay una escena más durante los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.