Review: Nightmare Alley

Stanton Carlisle (Bradley Cooper) es un hombre que esconde su pasado, cruzando el país antes de encontrar un carnaval ambulante que ofrece pequeños trabajos, con Clem (Willem Dafoe) aprendiendo a confiar en el extraño. Stanton pronto se convierte en parte de la comunidad, acercándose a la mentalista Zeena (Toni Collette) y a su esposo borracho, Pete (David Strathairn), quien posee un libro especial que detalla los intrincados pasos de leer marcas y trabajar con códigos. Sintiendo una oportunidad, Stanton encuentra una manera de obtener el libro, escapando del carnaval con la artista Molly (Rooney Mara), con la pareja comenzando de nuevo en la gran ciudad con un espectáculo que crece en popularidad. Stanton trabaja en su totalidad sus habilidades ingeniosas como mentalista, impresionando a la psiquiatra Dra. Lilith Ritter (Cate Blanchett), quien tiene información clave sobre sus pacientes. Al reunirse con la mujer cautelosa, Stanton intenta encantar a Lilith, buscando ayuda con un plan para estafar a hombres poderosos en la ciudad, incluido Ezra Grindle (Richard Jenkins), que necesita una conexión con el otro lado.

Si hay algo que sabemos sobre Guillermo Del Toro es que él sabe cómo hacer una película alrededor del más aterrador de los monstruos. El reino del mal es, sin duda, donde reside su mayor fortaleza, y para algunos que no estén familiarizados con la versión original de Nightmare Alley de 1947, su remake sobre un delincuente, un criminal en ruinas y una psiquiatra retorcida puede parecer fuera de lugar para Del Toro. Pero solo porque no hay criaturas en la noche, Del Toro aquí encuentra que el monstruo más malvado de todos es la humanidad misma. Nightmare Alley es una película fuera de lo habitial para Guillermo del Toro. Dando un paso atrás a lo sobrenatural, del Toro abraza la mugre debajo de la piel de la humanidad. En la búsqueda del sueño americano, hay más historias de fracasos que de éxitos. Este último esfuerzo arroja luz sobre un hombre demasiado ciego para ver quién es realmente. Como verá el público su arrogancia y ego tras su éxito es una soga que se aprieta lentamente alrededor de su cuello. Si puede o no aflojarla a tiempo, bueno, depende de él.

La historia en sí es sencilla. El estafador Stanton Carlisle encuentra un espectáculo de carnaval ambulante. Se abre camino con éxito, pero no pasa mucho tiempo antes de que se conecte rápidamente con la clarividente Zeena y su esposo, el ex mentalista Pete. Aprende rápidamente todo lo que Pete puede proporcionar, cultivando las habilidades necesarias antes de poder pasar a algo más grande y mejor. Algo digno de su grandeza. Llevando a la ingenua Molly con él, empiezan un espectáculo con el fin de estafar a la élite adinerada. Sin embargo, su estafa amenaza con alcanzarlo cuando pone los ojos en el millonario Ezra Grindle y la Dra. Lilith Ritter interviene para ayudarlo. Las cartas del éxito se apilan en su contra, todo lo que se necesita es sacar una tarjeta para derribar todo su plan.

El Stanley de Bradley Cooper puede resultar un personaje familiar para algunos. El hombre ambicioso que busca todo, pero no puede llenar el vacío en su corazón. Nightmare Alley lo ilumina con ese foco. Su viaje es un recordatorio para todos nosotros de los peligros del orgullo. Cuando creemos en nuestra propia exageración, el fracaso está esperando tras bastidores para lanzarse en picada. El elenco de personajes que vemos en pantalla brillan individualmente, sin una mala actuación en el grupo. Desglosarlos podría resultar en muchos párrafos. Dicho esto, Cate Blanchett merece todos los elogios. Su Dra. Lilith Ritter es muy calculadora. Al igual que Stanley, solo muestra lo que quiere que los demás vean. Blanchett y Cooper son compañeros de escena convincentes. Es cuando están juntos que el Stanley de Cooper brilla. Por otra parte, Stanley brilla más cuando quiere llamar la atención.

Esta no es realmente una película de Del Toro sin su habilidad habitual que nos deja boquiabiertos. En serio, desde la cinematografía hasta el diseño de producción y el vestuario, todo se mezcla en Nightmare Alley. Fácilmente vende a la audiencia la inmersión que necesitamos para retroceder en el tiempo mientras captura una belleza oscura y visceral. Algunas tomas notables capturan la simplicidad total o los detalles asombrosos. Los detalles (grandes y pequeños) llamarán la atención de muchos espectadores. El uso de colores es tal que no distraen de las actuaciones. Lo mismo puede decirse de los vestuarios. Los artistas llevan su ropa cómodamente. Nada es demasiado elaborado como para desviar la atención de lo que sucede en la pantalla. Todo se combina para dar vida a la película y esta era de principios de los años 40.

En general, es una película lenta con una clara estructura de tres actos. El tercer acto en sí choca contra el espectador como un tren, y las cosas se intensifican con bastante rapidez. Sin embargo, a través de numerosos actos de presagio y migajas de pan esparcidas generosamente a lo largo de la historia, no es difícil ver hacia dónde va la película. De hecho, muchos podrían predecir lo que vendrá antes de que comience el tercer acto. Para mí, no fue un problema. Pero para algunos espectadores estos presagios pueden estropear la ejecución general. Al final, Nightmare Alley es una agradable sorpresa. Guillermo del Toro es conocido por su amplio conocimiento y amor por el cine. La película evoca un cine que no encajaría fácilmente en una sola categoría. Es una exploración del fracaso del hombre. Los pecados de la humanidad están al descubierto ante nosotros para nuestro examen. Nadie está libre de pecado en esta película. La moralidad está pintada en tonos de gris, con salpicaduras negras en todas partes. Podemos ver las advertencias y las señales que Stanley elige ignorar a través de flashbacks, presagios y más. Dicho esto, la recomiendo mucho. Si no están preparados para ver películas de superhéroes, este thriller psicológico los está esperando para que la vean.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Bruised

Jackie (Halle Berry) fue una vez una de las mejores luchadoras del circuito de MMA, pero algo salió mal antes de un gran combate, lo que la inspiró a salir de la jaula y escapar del deporte. Cinco años después, ella está luchando por ganar dinero, lidiando con su manager/novio, Desi (Adan Canto), quien abusa de ella, inspirándola en su alcoholismo. Preparada para una pelea clandestina, Jackie muestra pura rabia, impresionando al promotor Immaculate (Shamier Anderson), que busca dar forma a un regreso glorioso al MMA para la feroz "Pretty Bull". Poniendola en contacto con la entrenadora Buddhakan (Shelia Atim), Jackie es reintroducida a los horarios de entrenamiento y la disciplina intensa, acercándose a un potencial día de pago con una oportunidad por el título. Ahogando su progreso está la llegada de Manny, el hijo que abandonó hace años, quien ha regresado a su cuidado después de la muerte de su ex novio.

Hay ciertas películas que deseas que tengan éxito con solo ver un trailer. Para mí, el debut como directora de Halle Berry, Bruised, es una de esas. Si bien es una gran estrella e incluso una ganadora del Oscar, siempre he sentido que Hollywood la ha menospreciado, Berry toma las riendas de un proyecto construido solo para ella, un drama de MMA nada menos. En papel, Bruised puede parecer una película sobre una luchadora de artes marciales mixtas (MMA) envejecida que intenta recuperar su carrera, pero es mucho más que eso.

Berry interpreta a la ex estrella de MMA Jackie Justice, quien dejó el deporte en desgracia cuando huyó del octágono durante una pelea por el título ya que estaba perdiendo gravemente. Ahora con un trabajo mediocre, un manager abusivo y una madre despreocupada, Jackie enfrenta una vida cuesta arriba. Las cosas solo empeoran cuando su hijo Manny de 6 años, a quien abandonó, se queda en la puerta de su casa. Pero es cuando Jackie le da una paliza a la campeona de peleas clandestinas que llama la atención de un promotor dudoso, que promete llevarla de regreso a las grandes ligas si viene a pelear para él. Pero no será fácil, romper sus hábitos y ponerse en forma para la lucha no sería lo suficientemente difícil si no tuviera que lidiar con ser madre, algo de lo que huyó en primer lugar. Cuando Jackie tiene una pelea de mucho dinero contra la actual campeona Lady Killer (la luchadora de la vida real Valentina "Bullet" Shevchenko), las apuestas dicen que se derrumbará bajo la presión.

Lo que se desarrolla es un drama deportivo que golpea todas las notas esperadas, y el único giro romántico es telegrafiado como un gancho de izquierda. Jackie, que muestra destellos de su antiguo yo cuando está molesta, es llevada al límite por la conmovedora entrenadora Buddhakan, quien se convierte en lo más cercano que ha tenido a una amiga en años. Pero los lazos emocionales se transmiten a través de peleas, gritos y actos de abuso físico. Hay muy poca profundidad real que encontrar y menos conexiones que estimulen el crecimiento personal de Jackie. Especialmente superficial es la relación de Jackie con su hijo, quien se niega a hablar después de presenciar un evento violento. Lo entendemos, ella no es material materno y aprender a ser madre es una pelea tan fuerte como cualquier cosa que ella enfrente en el octágono. La película golpea repetidamente esta idea con tanto melodrama que se vuelve insensible.

Pero déjeme aclarar que Berry no carece de talento. Las escenas de entrenamiento son apropiadamente eficientes, con peleas que ofrecen un estilo más cercano a un reality show de UFC. Berry también es particularmente genial en estas escenas, y es capaz de llevar su destreza como ganadora del Oscar al límite como nunca antes había podido hacerlo. Las escenas de la vida doméstica son menos impresionantes y Berry trata de capturar esa penumbra al estilo de Monster's Ball (2001) o, peor aún, Precious (2009). La abrumadora seriedad de esas películas deprimentes aplasta a Bruised hasta paralizarla. Los personajes entran y salen de la vida de Jackie cuando la trama lo exige, en lugar de sentirse orgánicos. El peor ejemplo es lo que le sucede a Buddhakan, quien hasta cierto punto había sido la única impulsora positiva del crecimiento de Jackie. En última instancia, se reduce a una subtrama romántica que sirve para agregar algo de misterio a último segundo para la pelea final de Jackie, algo que realmente no tiene sentido.

En general, algunos aspectos de la película son predecibles. Por esa razón, es dudoso sorprenderse genuinamente en cualquier momento durante Bruised. Definitivamente algunos aspectos encajan con los clichés del mundo del cine. Pero, si lo que buscan es un viaje emocional, vean Bruised. La naturaleza de la película y su historia no justifica su duración (2 horas y 2 minutos) y, como resultado, la película podría haberse mejorado con un tiempo de ejecución más corto. Al final, Bruised es una película que podría haber sido mucho mejor con menos clichés melodramáticos y subtramas. El elenco y las actuaciones fueron buenas, al igual que la coreografía de las peleas. Si son fanáticos del MMA, sin duda la disfrutarán. Puede que no sea de la alta calidad de las películas anteriores de Halle Berry, pero vale la pena verla.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: The Matrix Resurrections

Viviendo en San Francisco, Thomas Anderson (Keanu Reeves) es un diseñador de juegos que se ha hecho un nombre como creador de The Matrix y sus dos secuelas, llevando a los jugadores a un viaje salvaje por la realidad. En estos días, está lidiando con la depresión, trabajando con The Analyst (Neil Patrick Harris) para comprender destellos de recuerdos que no puede explicar, que anteriormente inspiraron intentos fallidos de hazañas sobrehumanas. Aliviando su depresión están los encuentros en una cafetería con Tiffany (Carrie-Anne Moss), una mujer a la que se siente cercano, pero que no puede entender por qué. Sintiendo que se está volviendo loco, Thomas se ve afectado por una situación aterradora de salud mental cuando se enfrenta a Morpheus (Yahya Abdul-Mateen II), quien le ofrece a Thomas una pastilla roja para ayudar a romper el estrangulamiento de una realidad simulada, y pronto se le une Bugs (Jessica Henwick), una guerrera de Zion que busca devolverle la vida a Neo para frustrar un nuevo desafío de The Matrix.

De alguna manera, es asombroso que Warner Bros. haya dejado que The Matrix permaneciera inactiva tanto tiempo como lo ha hecho. The Matrix fue un verdadero viaje cinematográfico en 1999. Cumplió su promesa de Alice In Wonderland, creando un mundo de ciencia ficción, acción e intriga, con Neo llevando a los espectadores a la búsqueda del poder y un propósito por parte de los escritores/directores Los Wachowski con su visión de rebelión y uso de efectos visuales de vanguardia. The Matrix se convirtió en cultura pop y su impacto cultural no es solo en las películas de acción y ciencia ficción, sino en los videojuegos, la filosofía de vida e incluso la religión. Cosas como esas no suceden simplemente, y tampoco desaparecen. Las dos secuelas que siguieron, The Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions en 2003, tuvieron críticas mixtas, y básicamente el estudio mantuvo felices a las directoras Lana y Lilly (antes Larry y Andy) Wachowski al dejarlas hacer lo que quisieran hasta que salieron Cloud Atlas (2012) y Jupiter Ascending (2015).

Solo era cuestión de tiempo para enviarnos de vuelta a la madriguera del conejo, con The Matrix Resurrections llegando 18 años después para reiniciar todo el ciclo de nuevo. Al contrario de las palabras proféticas de la Oráculo, todo comienzo no tiene un final. The Matrix Resurrections, dirigida en solitario por primera vez por Lana Wachowski (la hermana Lilly se negó), es muy consciente de sí misma y muy meta. Es plenamente consciente de su lugar en la cultura y no puede evitar referirse a sí misma a muerte. Pero al mismo tiempo, también es una película que funciona mejor (si se le puede llamar así) cuando se enfoca en el amor entre Neo y Trinity que desafía la realidad.

En una película que se basa literalmente en la idea de que nada es lo que parece, todo sobre The Matrix Resurrections parece un spoiler. Han pasado unos 20 años desde los acontecimientos de las películas anteriores, y Neo, de regreso como su personaje civil de Thomas Anderson, es ahora un famoso diseñador de videojuegos, habiendo diseñado una trilogía completa de juegos basados ​​en The Matrix. Tiene un socio comercial (interpretado por Jonathan Groff), un terapeuta que lo ayuda a sobrellevar las extrañas visiones y las ganas de saltar de edificios altos. Neo también tiene el deseo de conocer a Tiffany, una mujer con la que se sigue encontrando en una cafetería cercana y siente que conoce de otra vida. Pero su vida, o lo que él cree que es su vida, se pone patas arriba con la llegada de Bugs y un hombre que dice ser Morpheus, pero que claramente tiene algunos problemas de crisis de identidad propios.

Wachowski, quien coescribió el guión, comienza a tener un momento meta real cuando se le revela a Neo que su empresa está a punto de hacer una secuela de su juego, con o sin su ayuda. Está claro que Wachowski está lidiando con la realidad de la existencia de esta película. Desde el principio, a medida que avanza a través de la naturaleza confusa y algo aburrida del misterio de Neo, queda claro que The Matrix Resurrections no es necesariamente un trabajo de amor, sino uno de requisito. Los “señores supremos” de Warner Bros., como dice su socio comercial, iban a hacer esta secuela de todos modos. Y por un tiempo, se siente superficial cuando un personaje hace referencia a algo de la película original, o una escena de acción refleja obedientemente a otra, sin agregar absolutamente nada. Mientras varios personajes discuten sobre los pros y los contras de las secuelas y los reinicios, y algunos aplauden que esta secuela necesita un nuevo "Bullet Time", todo se vuelve un estorbo y no es nada inteligente. El simple hecho de reconocer que no hay nuevas ideas en Hollywood no es un truco, pero a estas alturas creo que ya no hay.

Respecto a las escenas de acción, realmente no hay ninguna. Las escenas que obtenemos son en cámara lenta, correr por la pared y desafiar la gravedad, algo que fue revolucionario hace un par de décadas. No hay nada nuevo aquí y, en algunos casos, las peleas son simplemente mediocres. Hay una realmente buena a bordo de un tren en movimiento, al menos interesante por el hecho de que Neo está siendo atacado por colegialas. Y no, no es un nuevo truco de cámara "genial" o un nuevo debate entre el libre albedrío y la ilusión de elección lo que rescata a The Matrix Resurrections. Es amor. Amor puro y simple, algo que todas las máquinas del mundo no pueden cuantificar ni vencer. A pesar de que pasan gran parte de la película sin reconocer quién es el otro, Neo y Trinity están atados por el destino y sus experiencias compartidas. Es prácticamente lo único en este mundo que no es solo teórico o una serie de números. Cuando Neo finalmente se despierta y se da cuenta de quién es realmente, es su amor por Trinity lo que lo fundamenta y le da un propósito. Pero esta no es una historia en la que Neo vuela, pretende ser The One, y viene al rescate de su mujer. Esta tranquila historia feminista está impulsada por el poder dentro de Trinity. Y sí, todavía se ve ruda vestida en cuero ajustado peleando a través de agentes en su motocicleta. Eso nunca cambiará.

El resto del elenco da actuaciones aceptables en su mayor parte, con Jessica Henwick como Bugs siendo el faro de esperanza que empuja a Neo. La versión de Yahya Abdul-Mateen II de Morpheus es un poco extraño. Pasa demasiado tiempo de la película imitando literalmente a su predecesor, incluso hasta la clásica pelea de kung-fu. Luego, las revelaciones posteriores sobre él resultan considerablemente menos interesantes, y parece algo relegado a un segundo plano, que no es donde debería estar un personaje como Morpheus. Neil Patrick Harris y Jonathan Groff se divierten mucho en sus papeles, y ambos muestran niveles de amenaza diferentes e impresionantes.

En general, la película no es tan energizante como la primera, y se mantiene en línea con las secuelas. Wachowski regresa en gran escala en el acto final, brindando una grandeza emocionante para lidiar con preguntas sobre Thomas y Tiffany, y Neo y Trinity, con el objetivo de presentar la agresión de The Matrix con un enfoque más parecido a una película de zombies. Toda la película juega con ideas de la película original, explorando el "Bullet Time", preguntas de elección y juega como Reloaded y Revolutions, tratando de seguir siendo una comprensión densa que ahora incluye una gran creación similar a una manta para ayudar a los héroes. Wachowski también cambia el enfoque, creando una atmósfera intrigante de "el futuro es femenino" en la historia, que está destinada a ser explorada en futuras entregas, aunque es bastante sorprendente que esta película incluso exista. Reabrir la saga de The Matrix es una decisión controversial por parte de Wachowski, y aunque ella proporciona algunas piezas maravillosas, también ha regresado a algunos hábitos de narración deficientes que estoy seguro de que la mayoría de los superfans desearían que se purgaran de su sistema hace 18 años. Al final, The Matrix Resurrections es una película imperfecta que se apoya demasiado en la nostalgia y no logra traer nada nuevo de la manera que queremos que lo haga una secuela tan anticipada. Pero Wachowski merece crédito por, eventualmente, contar la historia de amor que quería contar, porque está claro que no confiaba en que nadie más le hiciera justicia.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Spider-Man: No Way Home

Peter Parker (Tom Holland) recientemente es revelado al mundo como Spider-Man por Mysterio, y entra en pánico, sin saber cómo lidiar con todos sabiendo exactamente quién es él. Tal conciencia pública y de los medios ha dejado a sus seres queridos expuestos a reacciones violentas, y MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) con sus sueños tronchados tras ser rechazados por M.I.T. debido a su asociación con Peter. Frustrado por el desastre que ha causado, Peter recurre al Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) en busca de ayuda, solicitando la creación de un hechizo único capaz de borrar la memoria de Spider-Man de todos, permitiendo un nuevo comienzo para el superhéroe. Al cuestionar su plan, Peter interrumpe la magia de Strange, creando una interrupción que abre las puertas al multiverso, dando la bienvenida a cualquiera que esté buscando matar a Peter Parker en este universo. Cuando el Doctor Octopus (Alfred Molina) llega para destruir a Spider-Man, Peter rápidamente se da cuenta de que algo misterioso y desastroso está ocurriendo, y regresa donde Strange en busca de ayuda para poner la realidad en orden.

El mundo de Peter Parker acaba de ponerse al revés en Spider-Man: No Way Home. Es algo literal cuando el Doctor Strange entra en la dimensión de espejo tratando de limpiar el desorden de Peter, pero también es en sentido figurado. Comenzando inmediatamente después de los eventos que se muestran en la escena de los créditos de Spider-Man: Far From Home, Mysterio ha transmitido al mundo que Spider-Man es de hecho Peter Parker. Peter tuvo una semana para experimentar una vida aparentemente "normal", con solo su novia MJ, su mejor amigo Ned, la tía May y Happy conociendo su verdadera identidad. Todo eso se ha ido ahora, ya que se ha convertido en la persona más famosa del planeta, y la más buscada.

El ser el amigable Spider-Man del vecindario ya era lo suficientemente estresante sin esta notoriedad adicional. Una cosa sería si Peter fuera el que cargara con la carga, pero todos los que ama se ven afectados. El gobierno está respirando en sus cuellos, su futuro educativo está en peligro, al igual que su seguridad. La mitad del mundo cree que Peter asesinó a Mysterio y no se muerden la lengua para que él lo sepa. Peter tomó la decisión de convertirse en Spider-Man, pero los demás son inocentes. No se merecen esto y Peter está desesperado por arreglarlo. Lo que lo lleva a la puerta del Doctor Strange pidiendo el favor de que si pudiera hacer que el mundo olvidara el mensaje de Mysterio para que todo volviera a la normalidad. Un lavado de cerebro mundial tiene que estar dentro de la magia del poderoso Strange, verdad?

Mientras Strange realiza el hechizo, Peter se da cuenta de que no lo ha pensado bien. No puede permitir que todos se olviden de que es Spider-Man. Y MJ? Y Ned? O la tía May? Tienen que saberlo! Con Peter constantemente haciendo que Strange cambie el hechizo, las cosas salen mal. En lugar de que todos no sepan que Peter es Spider-Man, comienzan a aparecer aquellos en diferentes universos que conocen la identidad de Spider-Man. Peter descubre esto por las malas cuando se encuentra con el Doctor Octopus. Están igualmente confundidos cuando Peter no es el mismo del universo del Doctor Octopus. Otros villanos comienzan a aparecer rápidamente, como Electro, The Green Goblin, Lizard y Sandman. Strange y Peter se dan cuenta de que deben intentar arreglar las cosas, pero Peter comienza a preguntarse qué es lo correcto a hacer.

Todo el elenco principal está de regreso para esta tercera entrega del Spider-Man de Tom Holland. El director Jon Watts está detrás de la cámara y la continuidad es evidente, ya que puede obtener lo mejor de Tom Holland y del resto del elenco. No Way Home les da la oportunidad de mostrar verdaderamente sus habilidades. La actuación de Holland es una que no olvidarán rápidamente. Aporta una profundidad al personaje que no habíamos visto en bastante tiempo. Con un tiempo de duración de 2 horas y 28 minutos, presionan casi todos los botones correctos. Había mucho que hacer en esta película, y aunque las cosas se complican un poco, está muy bien hecha. El internet está lleno de posibles spoilers de esta nueva versión de Spider-Man. No se preocupen, no encontrarán ninguna aquí, pese a lo que he escrito que ya se ha visto en los trailers. Lo que diré es que con personajes que abarcan casi dos décadas de película y tres versiones de Spider-Man, lo que Watts y compañía se propusieron hacer fue una tarea monumental. No Way Home es una carta de amor al personaje y una especie de recopilación de grandes éxitos.

En general, la película brindó la rara oportunidad de "arreglar" problemas pasados. Una oportunidad a la que Watts y su equipo no le huyó. Se sintió como si tuvieran la misión de abordar todas las quejas que los fanáticos pudieran tener de las películas pasadas, y tiene una mezcla única de nostalgia que encantará a los fanáticos del personaje. El ver las películas anteriores ciertamente no es una necesidad, pero puede ayudar para reconocer algunos easter eggs. Al final, Spider-Man: No Way Home es sin lugar a dudas un espectáculo. Pero la energía general de la película se detiene notablemente después de las entregas anteriores, encontrando que el guión alcanza grandes momentos emocionales que conectan de manera superficial con elementos del multiverso, ya que tratan con el legado cinematográfico de Spider-Man y obligan a la película a detenerse y mostrar lo que ha logrado, lo que no coincide con el impulso de Homecoming (2017) y Far From Home (2019). El director Jon Watts quiere un Spider-Man más impactante, pero el volumen adicional (y un tiempo de ejecución más largo) no encaja cómodamente, lo que reduce la exuberancia de esta serie. No Way Home tiene aspectos destacados y un impresionante poder de éxito de taquilla, y se siente la euforia de la base de fans, pero después de dos capítulos claramente inspirados, es difícil generar entusiasmo por una característica que se trata más de la marca Spider-Man que del increíble potencial del desarrollo de una historia. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Resident Evil: Welcome To Raccoon City

Claire Redfield (Kayla Scodelario) ha regresado a Raccoon City después de pasar su juventud dentro de un orfanato. El gigante farmacéutico The Umbrella Corporation es dueño de la ciudad, y ha pasado años creando una comunidad ideal antes de abandonar todo, dejando atrás a una tripulación de policías y miembros del escuadrón de rescate S.T.A.R.S., incluido el hermano de Claire, Chris (Robbie Amell). Claire ha vuelto para ponerse en contacto con Chris, pero sus planes se ven interrumpidos por algo siniestro que se está desarrollando en el área, y los lugareños se transforman en zombies sedientos de sangre. Claire se une al policía novato Leon S. Kennedy (Avan Jogia), en busca de respuestas sobre los horrores de su infancia, mientras que Chris se une a Jill Valentine (Hannah John-Kamen) y Albert Wesker (Tom Hopper), enviando a S.T.A.R.S. para averiguar qué está pasando en Raccoon City. Con los monstruos creciendo en tamaño y ferocidad, los sobrevivientes siguen las pistas sobre las formas experimentales de Umbrella, y el destacado científico William Birkin (Neal McDonough) se ve obligado a huir de su hogar mientras se propaga la pesadilla.

La franquicia de Resident Evil, que consta tanto de video juegos como de películas, ha existido durante 25 años y, según todos los pronósticos, no tiene planes de detenerse. Aunque han pasado 4 años desde que se estrenó la última película de Resident Evil, en 2018 se anunció que el director Johannes Roberts haría una nueva película titulada Resident Evil: Welcome To Raccoon City. Esta película sería su propia entidad separada de la franquicia ya establecida y se centraría más en ser fiel a los video juegos. Ahora los fanáticos tendrán la oportunidad de ver si la adaptación de Roberts está a la altura de los dos primeros juegos de Resident Evil.

Siendo alguien que nunca ha jugado los video juegos, estaba realmente emocionado de aprender más sobre estos personajes y cómo el horror se desarrolló inicialmente dentro de Umbrella Company. Para mí, las películas de Resident Evil siempre han sido sinónimo de Milla Jovovich como Alice, un personaje que fue creado específicamente para las películas. Pero lo emocionante de Welcome To Raccoon City es que los fanáticos finalmente tendrán la oportunidad de ver a las principales estrellas del videojuego, Jill Valentine y Leon S. Kennedy. El director Johannes Roberts dio a conocer que esta película iba a ser fiel a los video juegos, y por lo que he escuchado por parte de los fanáticos, parece haber tenido éxito.

Resident Evil: Welcome To Raccoon City es una película sólida. Sin embargo, se encuentra con algunos problemas en el departamento de actuación. Definitivamente hay algunas actuaciones muy buenas, sobre todo de Kaya Scodelario, Robbie Amell y Hannah John-Kamen. Los fanáticos de Jill Valentine estarán felices de saber que la interpretación de John-Kamen es tan ruda como parece, y personalmente, espero poder ver más de ella en el futuro. Además, la película presenta a los actores Neal McDonough como el Dr. William Birkin y Donal Logue como el jefe Brian Irons, quienes aportan ligereza a la película, especialmente Logue. Dicho esto, me gustaría que hubiera más tiempo en pantalla con el personaje de McDonough. Interpretando al investigador principal de Umbrella, me hubiera gustado saber más sobre su historia de fondo para que su personaje se desarrollara mejor y brindara más contexto sobre él.

El oficial de policía Leon S. Kennedy es otro personaje importante de los video juegos que también, como Valentine, obtiene una gran cantidad de tiempo en pantalla en esta película. No obstante, desearía haber podido conectarme más con el personaje. Mi mayor problema con la actuación de Avan Jogia fue que carecía de profundidad emocional. Mientras el caos caía sobre todos, su reacción parecía mucho más fría de lo que debería haber sido. Obviamente, todos reaccionamos de manera diferente a los traumas, pero nadie va a estar tan frío cuando una horda de zombies se acerca. El resto del elenco es completado por Tom Hopper, Chad Rook y Nathan Dales, que forman el resto del equipo básico del departamento de policía, junto a Valentine y Redfield. Al igual que con el personaje del Dr. William Birkin, me hubiera encantado pasar más tiempo con Tom Hopper, ya que descubrí que su personaje tiene varias capas y es complejo. Pero independientemente, este grupo cercano de amigos/compañeros de trabajo se sintió natural y sincero en la pantalla.

Quienes estén familiarizados con la franquicia Resident Evil no son ajenos a su aspecto visual y estético. Sin embargo, Roberts lo lleva a otro nivel con sus característicos colores neón y sensación atmosférica. Por mucho que me encantó su paleta de colores brillantes y eléctricos, la forma en que construyó el terror y la atmósfera que rodeaba la ciudad y la misteriosa mansión ubicada en las afueras fue impecable. En cierto modo, me recordó mucho a la atmósfera que creó James Wan para sus películas de The Conjuring, con destellos de niebla y su paleta de color azul y gris. Donde Roberts realmente brilla es en la ejecución de su visión creativa y eso no es diferente con Welcome To Raccoon City. Además, Roberts se aseguró de utilizar tantos efectos prácticos dentro de la película como pudo. Uno de los mejores ejemplos de esto es la aparición de Lisa Trevor (interpretada por Marina Mazepa). Si esto se hubiera hecho estrictamente con CGI, no creo que el personaje hubiera sido tan impactante.

Junto con su enfoque estilizado, Roberts trae una marca distintiva a la película: la música. Una de las mejores escenas de la película y un momento crucial de lo que está a punto de suceder tiene lugar en la estación de policía, mientras la canción Crush de Jennifer Paige de 1998 suena de fondo. Con la locura de esa escena, la canción no debería funcionar, pero lo hace y es probablemente uno de los aspectos más destacados de la película. También hay un momento fantástico dentro de un automóvil en el que el jefe Brian Irons se encuentra en una situación bastante difícil, mientras que Any Way you Want It de Journey suena de fondo. Y eso es lo bueno del enfoque de Roberts. Puede incorporar dos canciones pop a la mezcla de todo el horror y la carnicería, y es capaz de hacer que funcione a la perfección.

En general, la película no es en absoluto perfecta y tiene sus defectos, pero es sangrienta, violenta, divertida y (sorprendentemente) bastante memorable. Incluso iría tan lejos como para decir que es una de las mejores películas de toda la franquicia de Resident Evil y la adición del tono atmosférico realmente agrega una capa extra de inquietud a la película. Lo que ha creado Johannes Roberts es una película de acción y terror tenso que rinde homenaje a los video juegos originales, pero se separa como su propia entidad al ser emocionante y aterradora. No estoy seguro de a dónde irán las películas de Resident Evil desde aquí, pero estoy emocionado por lo que vendrá después. Al final, Resident Evil: Welcome To Raccoon City es un nuevo comienzo para este mundo de terror, con el director Johannes Roberts a cargo de hacer que todo vuelva a ser aterrador con una versión fiel del material original, trabajando para entusiasmar a los gamers una vez más a el universo de Resident Evil. La película establece una secuela al final y hay una escena durante los créditos en la que apearece un personaje específico muy importante.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Black Friday

Es el Día de Acción de Gracias para la mayor parte de los Estados Unidos, pero se espera que el personal de We Love Toys trabaje un turno nocturno, preparándose para la gran avalancha de compradores del Viernes Negro. Ken (Devon Sawa) dejará a sus hijas con su ex esposa por un día, pero la perspectiva de pasar tiempo con Marnie (Ivana Baquero) ha mejorado su moral, tratando de enamorar a su compañera de trabajo más joven. Chris (Ryan Lee) tiene problemas con su padre, lucha por ganar dinero para pagar su alquiler, y siendo germofóbico duda en tratar con el público. Archie (Michael Jai White) se encarga del reabastecimiento y el asistente del gerente Brian (Stephen Peck) está tratando de mantener el orden en una noche agitada. Luego está el gerente de la tienda Jonathan (Bruce Campbell), que espera grandes cosas de su personal, solo para ver cómo se desata el caos cuando un cliente zombieficado ataca a Chris. Inseguros de lo que está pasando, los trabajadores cierran la tienda y se esconden en el almacen cuando reconocen que algo extraño y violento está pasando por los pasillos de We Love Toys.

El horror navideño ha consolidado su estatus como un subgénero legítimo en los últimos años. Ha habido una película ocasional cada pocos años para satisfacer esa demanda, pero parece que la popularidad de las listas de "lo mejor de" ha ayudado a expandir el género. Las películas como Black Christmas (1974) y Silent Night, Deadly Night (1984) son probablemente las más populares. Black Christmas no solo sigue siendo un clásico, sino que ayudó a establecer el estándar para futuros slashers con temática de día de fiesta como Halloween (1978) y My Bloody Valentine (1981). Silent Night, Deadly Night fue conocida por enfurecer a los padres de los años 80 por interpretar a un Papá Noel malvado que empuñaba un hacha en su campaña de mercadeo. Si bien una publicidad como esa mataría una película en el pasado, es lo que la catapultó al estatus de culto con variantes que ahora enfatizan su supuesta crítica negativa.

En los últimos años, parece que hay varias ofertas nuevas que intentan convertirse en el próximo clásico de terror navideño. Krampus (2015) ha tenido el perfil más alto, con un lanzamiento amplio en los cines y protagonizada por actores de primera como Toni Collette. Ahora, tenemos a Black Friday intentando entrar en escena con algunas caras conocidas del género. Devon Sawa es Ken, un hombre destrozado en medio de un divorcio que trabaja en We Love Toys para mantener a sus dos hijas. Poco sabe él que mientras se prepara para enfrentar a los compradores enojados que buscan los especiales del Viernes Negro, el universo está preparando el terreno para un turno que no olvidará. Junto a sus compañeros de trabajo descontentos (Marnie, Archie, Chris, el asistente de gerente Brian y el gerente Jonathan), intentan sobrevivir a la noche luchando contra compradores zombieficados que tienen la misión de unirse y construir algo… Kaiju-esco.

Black Friday tiene éxito en su primer acto al darnos una mirada satírica al infierno de las ventas del Viernes Negro. Los empleados de We Love Toys necesitan el trabajo y las horas extra, pero se les hace difícil poner una cara feliz cuando los compradores navideños los tratan como basura. Stephen Peck como Brian se roba el show en estas escenas como el condescendiente asistente de gerente. Sus comentarios sarcásticos y su sonrisa falsa a los empleados le dan un toque jocoso a un guión bastante seco. No me sorprendería que el público lo señale y diga "Yo trabajé con alguien así". Devon Sawa ha estado actuando continuamente, pero últimamente ha vuelto a abrazar el género de terror. Para mí es uno de esos actores que se destaca independientemente del papel que interprete. Bruce Campbell se divierte un poco con su papel de Jonathan, un gerente corporativo que besa traseros y lleva a los empleados a creer que están recibiendo bonificaciones navideñas por trabajar el Viernes Negro. Campbell es perfecto para el papel, ya que ha hecho una carrera interpretando a antihéroes astutos que hablan rápido. Su casting se siente apropiado y su arrogancia ayuda a elevar las limitaciones de su personaje.

El problema principal de Black Friday es que es a pesar de ser una película de 1 hora y 20 minutos, tiene un ritmo increíblemente lento. Los personajes más interesantes tienen el tiempo de pantalla más corto y las secuencias de terror son en realidad las menos emocionantes. Las secuencias de persecución por parte de los zombies carecen de suspenso y algunos de los personajes no tienen química, dejando fuera cualquier tipo de remordimiento, o son personas molestosas que simplemente quieres que tengan una muerte espantosa, algo de lo que carece la película. Hay un acto final que fue muy ambicioso, pero el monstruo CGI que se convierte en algo parecido a Godzilla te hará sentir avergonzado por los actores. No obstante, esta es una película agradable que va directo al grano, y funciona bastante bien como una comedia de terror. Hay otro lado del material que es igual de interesante, y aunque la mayoría de los espectadores se inclinarán por los aspectos de las características de las criaturas, es muy probable que otros respondan a la pesadilla demasiado real del empleo por hora.

En general, aunque sé que habrá gente que la descartará por su previsibilidad o incluso por su humor cursi, disfruté cada minuto de Black Friday. Esta es una crítica al comercialismo y una película sobre el peor día de compras del año. Absolutamente puedo ver que esta película se convertirá en un clásico de culto. Nadie debería ver esto esperando ser una contendiente al Oscar, pero si les gusta el horror un poco cursi con un poco de ciencia ficción, háganse un favor y véanla. Al final, Black Friday definitivamente no es una película perfecta, pero está en su mejor momento (y más divertido) cuando acepta las quejas minoristas de sus personajes. Cualquiera que haya trabajado en una tienda (o cualquier establecimiento sea cual sea) puede sentirse identificado, ya que la dinámica del lugar de trabajo es bastante universal. Con todo y eso, será una adición entretenida para ver durante estas vacaciones navideñas.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: King Richard

A principios de la década de 1990, Richard Williams (Will Smith) trabaja como guardia de seguridad durante la noche, tratando de ganarse la vida mientras administra a su familia de cinco hijas, incluidas Venus (Saniyya Sidney) y Serena (Demi Singleton). Queriendo una vida mejor para sus hijas, Richard crea "El Plan", creando un libro que detalla los pasos necesarios para convertir a Venus y Serena en campeonas de tenis, decididas a perfeccionar su juego mientras viven en un área de Compton infestado de pandillas. Trabajando para mantener a las hermanas en el camino correcto, Richard se acerca a los clubes de tenis y entrenadores, con la esperanza de impresionarlos, y finalmente se decide por Rick Macci (Jon Bernthal), quien está ansioso por convertir a Venus y Serena en potencias del tenis capaces de dominar el juego. En el camino, el amor duro de Richard y su ego en desarrollo amenazan con detener el progreso de su sueño, pero él permanece enfocado en su visión para sus hijas, luchando por preservar su infancia a medida que gradualmente se convierten en contendientes.

King Richard es una película que Hollywood tiene en escasez en estos días. Es una película que es entretenida, emocionante y contada con una seriedad refrescante. De la pobreza a la riqueza, y contra todo pronóstico, esto es una historia real sobre nunca renunciar a los sueños. Aunque, tal vez, contada a través de una lente de color de rosa. Sin embargo, eso está bien, ya que nunca deja que eso se interponga en el camino de su buena historia. Antes de que Venus y Serena Williams se convirtieran simplemente en Venus y Serena, estaba su exigente y controversial padre Richard Williams. Richard era un acto de circo de un solo hombre, peleando con la prensa, haciendo el ridículo frente a las cámaras y constantemente atrayendo la atención sobre sí mismo. Cuando se anunció una película sobre sus hijas, tenía perfecto sentido. El saber que en realidad se tituló King Richard y se centró en Richard... bueno, se sintió como un error no forzado esperando a suceder.

En su mejor actuación desde Ali (2001), Will Smith interpreta a Richard Williams. Un padre decidido que quiere ver triunfar a sus cinco hijas, especialmente a sus dos prodigios del tenis, Venus y Serena. Junto con su esposa, Oracene "Brandy" Price (interpretada maravillosamente por Aunjanue L. Ellis), sus horarios están abarrotados las 24 horas del día, los 7 días de la semana con cinco hijas en una casa de dos habitaciones donde Venus y Serena necesitan dormir juntas porque están cortas de una cama. Decir que proteger a cinco hijas es un desafío es quedarse corto. Richard es constantemente golpeado y amenazado por pandilleros locales que vigilan a su hija mayor.

El director Reinaldo Marcus Green ha elaborado una película extraordinariamente seria que nunca se aparta de su punto de vista, ya que Richard y Brandy se aseguran de que las niñas estén siempre ocupadas para asegurarse de que no estén en las calles. Es un tema sorprendente en el que su mayor trabajo e inversión es encontrar algo en lo que sus hijas sean buenas y moldean una ética de trabajo productiva. Sus hijas son su principal foco y atención. Y eso es refrescante porque incluso si estas niñas no tuvieran el potencial de ser futuras millonarias, siempre serían su mayor inversión.

Lo que hace que el guión de King Richard sea tan diferente es el tema central de Richard protegiendo a sus hijas para que no alcancen su punto máximo demasiado pronto y caigan en la desgracia de las celebridades adolescentes. El guión menciona con frecuencia a jóvenes estrellas del tenis que tenían conocidos problemas personales de salud mental, drogas y alcohol. Está Richard explotando a sus hijas día y noche? No. Quiere que tengan una infancia completa que incluya noches de cine y viajes a Disney World.

La actuación de Will Smith está impecablemente matizada, lo que permite a uno como espectador cuestionar las verdaderas intenciones de Richard. Muestra sombras de un padre amoroso, luego un astuto hombre de negocios. Puede ser un entrenador inventivo, pero luego uno se pregunta si solo ve a sus hijas como una forma de apoyar a su familia, lo que lo convierte en un genio del mercadeo. Puede ser cariñoso, luego una fracción de segundo más tarde, alarmantemente brutal. Pero nunca lo culpas porque está cuidando su reino. Él es el león, las niñas son sus cachorros y su familia es su orgullo en más de un sentido.

La fuerza de la película es su relieve cómico. Los mejores momentos llegan cuando Richard sigue interrumpiendo al reconocido entrenador de tenis Paul Cohen (interpretado por Tony Goldwyn) con su técnica de "postura abierta". No estoy seguro de haberme divertido más viendo cómo la frustración de Rick Macci se acumula continuamente con las tácticas de Richard que socavan su confianza y generosidad al asegurarse de que su familia salga con él al buffet de mariscos porque se supone que Rick pague.

La película tampoco tiene miedo de mostrar los defectos de Richard, pero se utiliza como comedia cuando lo hace. Una escena entre él y su esposa toca la historia de Richard, refiriéndose a que nunca vio a sus hijos de su primer matrimonio. La diferencia aquí es que no importa cuántos matrimonios fallidos tenga, el entorno familiar tiene una estructura amorosa. Si bien Richard fue retratado como un hombre autoritario, fue porque se veía e hacía las cosas de manera diferente a otros que habían estado antes. Si bien la película tiene una mirada crítica sobre el patrocinio de Richard en función de su estatus socioeconómico, rara vez toca el racismo que sufrieron al tratar de tener éxito en un mundo blanco. Incluso la "universidad" del tenis de Rick Macci fue cuestionada hace décadas porque se le veía como una fábrica para aprovechar a los atletas adolescentes para obtener ganancias. Aquí nunca se cuestiona eso.

En general, sean cuales sean sus pensamientos sobre Richard Williams, la película ofrece una explicación justa del hombre a pesar de la brillante interpretación de Hollywood totalmente respaldada por la familia Williams. Sin lugar a dudas, esta es una de las mejores actuaciones que Will Smith ha dado. Smith convierte a Richard Williams en un hombre raro que es tanto fanfarrón como padre amoroso, un entrenador de tenis, y una figura más grande que la vida que quieres ver triunfar porque sabes que eso significa que Venus y Serena triunfarán. Y si pueden tener éxito, las chicas negras de todo el mundo pueden tener éxito también. Después de todo, esta es una película, y la notable historia se centra en cómo Williams desafió las probabilidades para lograr una grandeza genuina y honesta. Al final, King Richard es un verdadero deleite con actuaciones sobresalientes de Will Smith y Aunjanue L. Ellis, y es esa película rara sin los clichés deportivos habituales. Esta es una película con una fórmula segura que destaca que criar una familia con amor siempre encuentra el camino hacia el éxito.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Last Duel

En la década de los 1300, Jean de Carrouges (Matt Damon) es un caballero francés frustrado que intenta dejar su huella en la sociedad, principalmente conocido por sus formas violentas, que ha ganado batallas para el Conde Pierre d'Alencon (Ben Affleck) y el Rey Carlos VI. (Alex Lawther). Jacques Le Gris (Adam Driver) es un escudero que intenta encontrarle sentido a Jean, cabalgando con él en las batallas, donde forman una amistad. Sin embargo, Jacques capta la atención del Conde Pierre, destacando su inteligencia y maneras libertinas, ascendiendo en las filas a medida que toma el mando del futuro financiero del reino. Jean se queda con poco y pronto se casa con Marguerite (Jodie Comer), solo para continuar con una fortuna limitada y sin heredero. Al perder su posición y honor, Jean se entera de una agresión sexual cometida por Jacques, cuya obsesión con Marguerite cambia repentinamente a la brutalidad, dejándolo acusado de violación, poniendo a los dos hombres en un camino para enfrentarse en un duelo a muerte para el entretenimiento de Francia.

Ridley Scott no recibe suficiente crédito por la gran diversidad de su cine. El mismo hombre que nos dio Alien (1979) y Blade Runner (1982) también se encuentra entre los mejores dirigiendo piezas brutales de la época medieval. Y eso ciertamente es cierto para su última película, The Last Duel, que está marcada por impresionantes choques de espadas y armaduras, lo que te lleva a creer que esto es lo que va a ser la película. Y si lo fuera, sería genial porque sabemos que Scott puede hacerlo. Pero lo que obtenemos es sorprendentemente mucho más, una mirada matizada al patriarcado, el poder, la política real y cómo todo se derrumba por las mujeres, o en este caso, una mujer interpretada por la extraordinaria Jodie Comer.

Si bien Matt Damon, Ben Affleck y Adam Driver son quienes acaparan todos los titulares de The Last Duel, Jodie Comer es la pieza central y la estrella aquí. Irónicamente, el tema de la película es que las mujeres siempre han estado sujetas a la voluntad de los hombres, sin importar cuán imperfectas puedan ser. Basada en una historia real en la Francia del siglo XIV durante la época del Rey Carlos VI, la película sigue un solo evento, la violación de Marguerite de Carrouges por el atacante acusado Jacques Le Gris, el mejor amigo de Jean de Carrouges, un caballero testarudo que ha caído en desgracia con el hedonista Conde Pierre d'Alencon, que en cambio favorece a Le Gris.

Escrita por Damon y Affleck, la primera vez que se juntan desde que ganaron un Oscar por Good Will Hunting (1997), la película no trata sobre el período de tiempo y lo peligroso que era. Una plaga ha arrasado el reino y arruinado a Jean, mientras que al mismo tiempo su supuesto mejor amigo está cosechando los beneficios de su caída. Le Gris reclama la herencia familiar de Jean, pero también la tierra que se le debe por casarse con Marguerite. En última instancia, también se lleva a Marguerite, con o sin su consentimiento, y nunca se pone en duda de que tuvieron relaciones sexuales.

Contar la misma historia tres veces desde diferentes puntos de vista tiene sus desafíos, pero es el mérito de todos los personajes lo que trae algo nuevo a la mesa. Las sutilezas en las actuaciones y el diálogo añaden nuevas capas, y cada versión muestra un personaje bajo una luz diferente. El papel de Matt Damon es particularmente complicado, lo que parece un acto de honor y lealtad en un relato parece arrogancia en el siguiente. Se presenta como un siervo justo de Dios y el Rey, pero también como un aguafiestas con un chip en el hombro. Ha sangrado y casi muere por Francia, y siente que no ha recibido todo lo que se merece por ello. Sus cualidades negativas se acentúan en los recuentos de temas, con Le Gries exaltándose a sí mismo. Lo interesante de Le Gries es lo poco que niega, ya que admite ser un mujeriego, desear a Marguerite e incluso ver el beneficio de la caída de Jean, aunque es pura coincidencia.

Los matices son sutiles y profundos, y esto es especialmente cierto cuando se cuenta la versión de Marguerite de la historia, "la verdad" se desvanece cuando comienza su capítulo. Jodie Comer es increíble aquí, ya que en gran parte es solo un personaje en las secciones centradas en los hombres. Uno podría sentir fácilmente, dada la historia de Ridley con epopeyas centradas en los hombres, que The Last Duel la dejaría como la pieza lateral de la rivalidad. En cambio, aparece como la única que ofrece una verdadera humanidad y una evaluación honesta de la forma en que los hombres, todos los hombres, trataban a las mujeres como propiedad u objetos sexuales. Incluso aquellos que aparentemente tienen buenas intenciones, como Jean, que antepone su orgullo personal para la justicia de una mujer. Para las mujeres, la compensación por un delito como la violación es algo inaudito. Jean es visto como la parte agraviada, mientras que Marguerite es la propiedad dañada. Peor aún, si Jean pierde el duelo, será ella quien será ejecutada por cometer perjurio.

Si bien esta es una narración dramática seria en su mayor parte, The Last Duel también puede ser bastante entretenida y no estoy seguro de que siempre sea intencional. La actuación de Damon es tan sombría, con esa fea cicatriz en su rostro tan visible, que quieres reírte aún de su acento tembloroso. Affleck se convierte completamente en el Conde, incluso si su voz llega a niveles de Bozo el payaso cuando le pregunta a Le Gries qué par de zapatos es mejor: "el plateado o el dorado?". Driver es una fuerza carismática que emana energía caballeresca, pero también es un poco aficionado. Es como si los hombres estuvieran haciendo aquí un sketch de comedia Artúrica y se olvidaran de contárselo a los demás. Pero es Comer quien realmente le da clase a la película y, al igual que Marguerite, se niega a quedarse en silencio en las sombras mientras los hombres reciben toda la atención. Ella es totalmente la dueña de esta película, y eso hace que sea decepcionante que su historia obtenga la menor cantidad de tiempo y que gran parte de ella se gaste innecesariamente en la violación. Es triste que la película no da en el blanco al no darle a Marguerite una voz aún más fuerte. La película concluye con una batalla de espadas que bien vale la pena para su tiempo de duración de 2 horas y 23 minutos.

En general, Ridley Scott está aquí en modo Kingdom Of Heaven (2005), ya que muestra la cruda realidad del juicio por combate, libre de las imagenes glamorosas que Hollywood a menudo pone en las batallas de caballeros. Y debido a la narración compleja y convincente que la precedió, cada golpe de espada o estocada de la justa tiene mucho peso emocional adicional. Al final, The Last Duel tiene como objetivo explorar los problemas políticos y de género de hoy en este escenario de período, ya que Marguerite está sujeta por el gobierno patriarcal, condenada sin importar lo que haga, y el guión hace un trabajo fantástico al explorar la masculinidad frágil, que habitualmente conduce a alguna forma de destrucción. Scott se deja llevar por el tiempo de duración (lo sentirán), pero está atento a la caracterización y especialmente a las actuaciones, con Comer, Damon y Driver ofreciendo actuaciones maravillosas y matizadas (Affleck roba algunas escenas con su papel secundario), mientras agita sentimientos en un entorno de invierno. El duelo final es un espectáculo cinematográfico, pero el viaje para llegar ahí, a pesar de ser muy intenso, vale la pena.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Encanto

Hace mucho tiempo en Colombia, Abuela Alma (voz de María Cecilia Botero) quedó viuda por una comunidad enojada, y se quedó sola para criar a tres hijos. Su amor por su esposo desencadenó una magia especial contenida dentro de una llama eterna, que se extendió a la creación de un pueblo escondido donde podría criar a su familia rodeada de seres queridos. Dos generaciones después, Mirabel (voz de Stephanie Beatriz) es una adolescente que intenta mantenerse al día con su familia, ya que todos están dotados de una habilidad que los hace especiales, incluidas sus hermanas, la súper fuerte Luisa (voz de Jessica Darrow) y Isabela (voz de Diane Guerrero), que puede hacer florecer las flores. Esa magia saltó a Mirabel, y se queda preguntándose exactamente por qué la han dejado fuera, sintiéndose distanciada de los demás a pesar de sus mejores intenciones. Durante una celebración, Mirabel presencia que se forman grietas en la casa, y la vela casi se apaga, con una oscuridad desconocida que amenaza al pueblo, lo que la Abuela Alma niega. Con el objetivo de comprender lo que está sucediendo, Mirabel emprende un viaje a la historia de su familia, aprendiendo más sobre Bruno (voz de John Leguizamo), un tío que abandonó el hogar hace mucho tiempo.

Este año, Walt Disney Animation Studios dio un cambio refrescante al integrar la representación cultural en sus características animadas habituales. Lo hicieron a principios de este año (Marzo, para ser exacto) con Raya And The Last Dragon, centrada en el sudeste asiático. Ahora, Disney recurre a la cultura sudamericana para su última película animada Encanto, donde el estudio la ha promocionado con orgullo como su película número 60. Aquí, la película se centra en la familia Madrigal, donde nos enteramos por primera vez de que el esposo de la joven Alma fue capturado y asesinado mientras intentaban huir de su aldea. Ahora sin su marido, todo lo que le queda son sus trillizos y una vela. Este último tiene poderes que no solo le otorgan a Alma una casa mágica, sino que también le dan a cada uno de los miembros de su familia respectivos regalos.

Por ejemplo, la hija de Alma, Julieta, puede curar a las personas, mientras que otras, como sus nietas Isabela y Luisa, tienen la capacidad de manipular el crecimiento de las plantas y la fuerza sobrehumana. Pero Mirabel, la protagonista principal que es la hija menor, resulta ser la única de la familia Madrigal sin regalo. Entonces, un día, cuando su amado primo menor, Antonio, está obteniendo su poder a través de una ceremonia, algo anda mal en la casa. Incluso la vela, que nunca se apaga, comienza a atenuarse.

En papel, Encanto parece una película animada prometedora. La película evita los elementos fantásticos que se ven típicamente en las animaciones de Disney a favor del realismo mágico y, por un tiempo, parece que el estudio se dirige positivamente hacia una nueva dirección. Sin embargo, la película establece ese tema del realismo mágico pero se enfoca más en la dinámica de la familia Madrigal. A pesar de todo eso, la historia es tristemente decepcionante, ya que la película carece de fuertes conflictos necesarios o cualquier destreza narrativa que podría haber convertido esto en algo atractivo y conmovedor. Encanto también tambalea en sus números musicales, incluso con Lin-Manuel Miranda a cargo del proceso de composición. Encontré que la mayoría de las canciones son bastante mediocres hasta el punto de que suenan como si todas fueran producidas en masa directamente desde una línea de ensamblaje.

Aún así, Encanto está lejos de ser un completo desastre. La animación es vibrante y colorida, mientras que el elenco de voces ofrece en su mayoría actuaciones por encima del promedio, en particular Stephanie Beatriz como la optimista Mirabel y María Cecilia Botero como Abuela Alma, particularmente cuando su personaje se convierte tanto en una abuela como en la matriarca sensata de la familia Madrigal. Luego, está la presentación del hijo desterrado de Alma, Bruno, donde John Leguizamo, con su excéntrica voz, no solo es el personaje más divertido de la película, sino que también roba escenas cada vez que aparece en pantalla.

En general, las películas de Disney no son conocidas por sus matices. Sin embargo, Encanto las exagera con una trama que se basa en la narrativa emocional. Después de 1 hora y 10 minutos de ver a Abuela Alma humillar a Mirabel (la duración de la película es de 1 hora y 31 minutos), todo se vuelve casi tedioso. Cuando la liberación emocional llega al final de la película, revelando cuánto perdió y sufrió Alma para buscar una vida mejor para su familia, el momento se siente demasiado tarde. Y es una pena, ya que la película se conecta en gran medida a la experiencia de los inmigrantes modernos. Al final, Encanto tiene su fuerza en su personaje principal. Como cabría de esperar del largometraje de animación número 60 de Disney, la animación y los visuales son espectacularmente deslumbrantes. Pero la emoción de Mirabel, solo fortalecida por la voz de Stephanie Beatriz, es la que lleva toda la película a algún lugar significativo.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Benedetta

En la Italia del siglo XVII, la joven Benedetta (Virginie Efira) es llevada a un convento remoto por sus padres adinerados, enviada al servicio de Dios y puesta al cuidado de la abadesa Felicita (Charlotte Rampling). Despojada de todo, Benedetta pasa los siguientes 18 años trabajando para el convento, tratando de acercarse a Jesús, y prometida como novia del santo. Benedetta se convierte en una de las mejores monjas de la orden, pronto convirtiéndose en cuidadora de Bartolomea (Daphne Patakia), una joven maltratada a la que se le ofrece una oportunidad de paz si se convierte en monja. Bartolomea es incapaz de disciplinarse y se siente atraída por Benedetta, que intenta fomentar el desarrollo de una relación sexual en secreto, aprovechando la energía de su mentora. Si bien Benedetta finalmente cede a tal tentación, encuentra que la relación lésbica es liberadora, derribando el muro entre la realidad y el cristianismo, y pronto sufre un cambio de comportamiento cuando llega al convento la noticia de que la peste negra se avecina para todos.

Quiero comenzar diciendo que soy producto de una escuela católica, y aunque no soy fanático de la Iglesia Católica, entiendo muy bien a la Iglesia y a los católicos. Ahora... he visto un titular de esta película que la compara con la película Showgirls (1995). No hay nada más lejos de la verdad que esa comparación. Las películas de Paul Verhoeven siempre han tenido un humor negro y siempre han tratado con franqueza el sexo y la sexualidad. Si tuviera que hacer una comparación, la compararía con la película más celebrada y a la vez despreciada del director Ken Russell, The Devils (1971). Verhoeven ha hecho sabiamente aquí una película que nunca te da una respuesta concreta sobre si Benedetta está o no divinamente inspirada.

La actriz Virginie Efira es muy hermosa, al igual que todo el elenco principal, que está compuesto principalmente por mujeres, pero también tiene esa presencia beatífica que tuvo Jennifer Jones en The Song Of Bernadette (1943), la película sobre el milagro de Lourdes y la historia de Bernadette Soubirous. No importa lo que haga Benedetta, su inocencia fundamental nunca cambia. Podría estar gimiendo de placer o estar completamente desnuda y esa inocencia permanece incorrupta. Del mismo modo, Daphne Patakia tiene una versión ligeramente diferente, pero más divertida, de la inocencia inmutable que irradia de ella. De hecho, Benedetta de niña se muestra tan traviesa como Bartolomea cuando llega al convento, lo cual es un toque muy agradable. Louise Chevillotte también se destaca como Sor Christina, obstinada y celosa, y una representación del resto de la Iglesia en el círculo íntimo del convento y la historia. Ella es conmovedora en su confusión e ira. Una de las mejores cosas de su actuación es que realmente no puedes odiarla. Sientes lástima por lo que sus emociones la impulsan a hacer. Y sin lugar a dudas, Charlotte Rampling da una interpretación exquisita y poderosa como la abadesa Felicita.

El director Paul Verhoeven ha creado una película que tiene una comprensión consumada del contenido temático de la historia y implanta sutilmente las ideas de la película en la cabeza de la audiencia. Sí, es una película de monjas lesbianas, pero también funciona a nivel filosófico y moral. Es un trabajo de inteligencia y artesanía de clase mundial. Pueden disfrutarla simplemente como un cuento erótico de monjas o puede participar en otros niveles también. Verhoeven ha dicho que no se propuso hacer una película activista o feminista, sino que simplemente quería contar una historia, y ya ha hecho esas cosas sin esfuerzo en el pasado. Una de las primeras notas discordantes sobre la religión es cuando se informa a la familia de Benedetta que lo único realmente necesario para que su hija se una a la orden es que paguen dinero. Benedetta ha sido criada para ser una monja con una sincera atención a la instrucción religiosa. Las miradas en sus caras cuando se enteran que en el convento nada de eso importa en lo absoluto, no tiene precio.

Aquí, encontrarán a Verhoven en un modo mucho menos cínico y agresivo. La naturaleza filosófica de la película es muy abierta. No se da ninguna respuesta sobre si Benedetta es o no una mística genuina, una mujer que se engaña a sí misma y que cree genuinamente en sus visiones, o que simplemente es una estafadora. Las tres son potencialmente la respuesta o tal vez una combinación de cualquiera de las tres. Verhoeven permite tomar una decisión sobre lo que realmente es Benedetta. Además, a través de esta exploración del éxtasis religioso, la palabra para el mayor placer sexual y la mayor experiencia espiritual son una misma cosa: éxtasis. Además, existe un claro paralelo entre el amor de los seres humanos entre sí y el amor de los seres humanos a Dios.

Para mí, lo que dice la película es que todo amor es igual a los ojos de Dios. Si crees en Dios, crees que él es todopoderoso y que nada en la creación de Dios está mal. Dios es omnisciente. Dios no comete errores. Todo lo que en la Tierra ha sido parte de nuestra existencia es parte del plan de Dios. Aparte de las cosas que Dios ha expresado específicamente como pecados o crímenes contra Dios, todo es parte del diseño de Dios. Una de las más grandes enseñanzas de Jesús, el hijo de Dios y parte de la Trinidad en la fe católica, es que el amor es todopoderoso. La película señala que la religión es algo que no fue creado por Dios, fue creado y controlado por el hombre. Es la interpretación, más probablemente defectuosa, de la Palabra. Dios nos hizo y Dios nos permite tener relaciones sexuales y amar a los demás de la forma que queramos. Son solo la Iglesia y el Estado los que tienen problemas con otros tipos de sexualidad.

Los actos sexuales entre Benedetta y Bartolomea son tratados con delicadeza pero son poderosamente lujuriosos y extremadamente explícitos. La concentración no está en partes del cuerpo, sino en las expresiones de los rostros de las mujeres. Hay una alegría en los actos que contribuyen en gran medida a normalizar la idea de que el sexo no es algo que deba considerarse feo o incorrecto. En especial, hace énfasis en el amor lésbico, pero puede interpretarse a cualquier forma de sexualidad. Ambas actrices brillan con una suave pureza, especialmente Bartolomea, quien se revela que fue abusada y violada sexualmente por miembros de su familia. Bartolomea nunca es vista como una mujer deshonrada. Esta es la clave de la idea de culpar a las mujeres por el delito de violación. En nuestra sociedad, en lugar de considerar a los violadores como escoria de la Tierra, son las mujeres las que se consideran sucias, no casables e indignas de amor después de haber sido violadas. En ningún momento el personaje de Bartolomea carga con ese peso.

La crítica de la película al establecimiento de la Iglesia, junto con su misoginia y homofobia, es muy profunda. También es una crítica a la sociedad, que está estructurada en gran medida por la religión, incluso si no está totalmente controlada por ella. Es maravilloso que Verhoeven esté usando la historia de Benedetta para decirle a todo el mundo exactamente qué está mal y lo qué es salvajemente hipócrita sobre el dogma de la Iglesia Católica y, por extensión, las religiones en general. Es sorprendente que haya utilizado la leyenda de una mujer profundamente religiosa para señalar que la fe en Dios y la religión no son lo mismo. Es inteligente que Verhoeven use la historia de Benedetta para señalar que Dios es infalible, pero la Iglesia no lo es. La fe está en el centro de la película. Es la cuestión central que debe decidir la audiencia. Tienes fe y crees en los milagros de Benedetta? Cuántas de tus creencias son decididas por ti por una Iglesia en la que probablemente no deberías confiar? Debe una Iglesia estar dirigida por aquellos que están motivados por la codicia y el interés propio en lugar de las enseñanzas de Jesucristo o de cualquier otro profeta? Si crees en Dios, tal vez no deberías creer en las personas que quieren decirte que el diseño de Dios está mal simplemente porque no les gusta.

En general, esta es una exploración filosófica extraordinaria y compleja de la religión y la moralidad que cuenta su historia en un escenario de época que no parece anticuado o aburrido de ninguna manera. Apela al intelecto y a los impulsos carnales de una manera que señala que el intelectualismo y la carnalidad no son enemigos. Involucra a estas dos partes del yo para señalar que nunca deberían haberse separado en primer lugar y que las personas no deberían sentir vergüenza por su propia sexualidad personal o sus necesidades sexuales. Al final, Benedetta no es una película blasfema. Es una obra de verdadera fe. Los líderes religiosos de hoy pueden cometer el mismo error que cometen algunos de los legados papales en la película, pero Benedetta se trata realmente de la fe en la palabra de Dios, más que en la religión del hombre. Es deslumbrante, sensual y cruel. Es muy relevante en estos tiempos, ya que se sitúa en el contexto histórico de la peste negra y realmente muestra cómo se transmite una enfermedad pandémica.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Titane

Cuando era niña, Alexia (Agathe Rousselle) sufrió un accidente automovilístico que provocó al distraer a su padre. Después de años de dolorosas cirugías, se ha convertido en una mujer que no quiere tener nada que ver con sus padres, a pesar de vivir con ellos, y se gana la vida como bailarina en exhibiciones de carros. Alexia también es una asesina en serie que tiene un historial de acabar con sus amantes. Pero lo único que no puede matar es la nueva vida dentro de ella. Después de que una de sus víctimas escapa, prende fuego a la casa de sus padres con ellos adentro y reacciona a ser una mujer buscada por las autoridades asumiendo la identidad de Adrien, el niño perdido de un capitán bombero solitario, Vincent (Vincent Lindon), que necesita desesperadamente alguna conexión humana.

La película más impactante y inquietante que verán este año es Titane de la directora Julia Ducournau, sin duda no se parece a ninguna otra. Después de su extravagante y grotesco debut con Raw (2016), Ducournau presenta un cuerpo de terror sacado directamente de una película de David Cronenberg, al mismo tiempo que explora y ofrece una relación retorcida entre padre/hijo/hija y una pasión por los autos tan profunda que hace que Fast And The Furious parezcan camiones Tonka. Y en medio de toda esta salvaje historia de amor psico-sexual, hay una actuación totalmente espectacular por parte de Agathe Rousselle que debe haber tenido un precio físico y emocional. En Titane, Ducournau hace una declaración audaz, pero cada movimiento tiene el trasfondo de la humanidad, a pesar de que los humanos no entienden cómo la crueldad a la que se entregan afecta al mundo entero de la misma manera que no se comprenden a sí mismos y sus necesidades.

La película tiene actuaciones extraordinarias que, a pesar de todas las otras cosas que podrían llamar su atención, son la base de la película. Lo extraordinario de ellos son los movimientos, la quietud y la vulnerabilidad de los actores. También está el hecho de que gran parte de las interacciones centrales de la película entre los personajes son completamente silenciosas. Muchos actores y muchas películas dan mucha importancia a que los personajes hablen. Existe la creencia de que la explicación y el diálogo son las únicas formas de comunicarse entre los personajes y, por lo tanto, con la audiencia. La audiencia está entrenada (o acostumbrada) para creer que si las cosas no se les explican de la manera más sencilla, la película no es buena. Mucha gente se queja cuando una película tiene "huecos en la trama" o "el guión no está suficientemente desarrollado", eso realmente demuestra su falta de voluntad para quedarse quietos y experimentar una película a través de canales de comunicación no verbal. Están hablando de su propia incapacidad o resistencia para escuchar realmente lo que dice la película. Ellos, los actores y el público, se resisten al hecho de que actuar no es solo tener una voz, con su entonación y palabras, son realmente tus emociones dentro de tu cuerpo y cómo esas emociones hacen que tu cuerpo se mueva y reaccione.

Actuar es una experiencia corporal y ver una película, si lo haces bien, es lo mismo. Hay una razón por la que los puristas del cine consideran que la experiencia cinematográfica adecuada es en un cine en la pantalla grande. Debes sumergirte en lo que está sucediendo en la pantalla porque ese es el verdadero significado del cine, puedes experimentar la vida de otros a través del arte cinematográfico. Por eso las actuaciones de los actores en Titane y la dirección de Julia Ducournau son tan extraordinarias. No son solo los actores que leen los diálogos y tratan de retratar las emociones humanas a la cámara. Es que los actores, en particular Agathe Rousselle y Vincent Lindon, están sintiendo las emociones de sus personajes con todo el cuerpo y mostrándolo. Esa es la forma más elevada del arte de actuar. Emociones reales que utilizan todo el instrumento del actor. Es por eso que todo parece tan perfecto. Vincent, interpretado por Vincent Lindon, es un hombre de gran dulzura que es muy controlador al mismo tiempo, pero que es casi completamente estoico. Es una actuación brillante y valiente. Agathe Rousselle es una presencia completamente dominante incluso cuando está completamente desnuda, lo cual no es fácil ya que la mayoría de las personas son más vulnerables cuando están desnudas y ella es completamente creíble.

Titane es una película de personalidades dobles y de renacer. En ella, somos nuestros propios fantasmas. Los fantasmas de nuestro yo pasado que nos impulsan a ser la persona que somos y la persona en la que la crueldad del mundo nos ha convertido. Que como seres humanos, seguimos siendo la misma persona que fue traumatizada por una tragedia o por los males que nos hicieron. Que, de una manera muy real, ese trauma detiene nuestro desarrollo como seres humanos y nos atormentan a nosotros mismos. Estamos obsesionados por nuestro daño. Que el rechazo de alguien que se supone que nos ama o nos reconoce puede dañarnos tanto como la pérdida de la persona misma. En efecto, el trauma es el mismo. Tenemos una cicatriz que usamos para cubrir nuestra herida. También señala que la crianza de los hijos es uno de los trabajos más importantes de nuestra sociedad que con frecuencia se estropea. Nos muestra que las personas que no tienen porqué traer niños a este mundo todavía lo hacen y sus acciones solo crean monstruos que se sientan junto a nosotros en una oficina o un teatro.

Pero la película no es tan seria todo el tiempo. Verán cosas que nunca pensarían que verían. Ducournau tiene un sentido de humor caprichoso que tiene un borde entre lo oscuro y una imaginación salvaje. Ella encuentra humor en las cosas que muchos no encontrarían. Ducournau es una cineasta que no tiene los límites que la mayoría tiene. Gravita arriesgandose y confiando en las emociones, la sexualidad, sensualidad y brutalidad. Es tan valiente que creo que se duplica en la película. La directora y el personaje principal comparten un parecido asombroso. Creo que es correcto decir que Julia Ducournau es una cineasta que juega con la libertad en el cine y que disfruta con las formas del cine. Ella no va a dejar que su autoexpresión sea enjaulada por el establecimiento cinematográfico o por las expectativas de los fanáticos.

El aspecto y cinematografía de la película es maravilloso. Es principalmente una fuente de luz muy fuerte que ilumina a los personajes con charcos de tinta negra que fluyen alrededor de los bordes de la película, claro con algunas excepciones. Hay una sensación casi hiperreal en las imágenes que se convierte en una apreciación del cine retro del pasado, si es que tiene algún sentido. La cinematografía hace un excelente trabajo al darle a la película ese efecto retro hiperrealista, y las imágenes se sienten tan amplificadas que una percepción de irrealidad se apodera del espectador que es desconcertante en sí misma. También hay una iluminación púrpura primaria que es enfermiza y hermosa. Rara vez aparece y solo es para cierto personaje que está en un cierto espacio mental. Por lo general, este color primario tan brillante recordaría al género Giallo, pero en este caso, logra usar el color saliendose de los moldes establecidos.

En general, hay muchas cosas raras y perturbadoras que suceden en la película, pero tiene elementos humanos que son universales, incluso si están cubiertos de cicatrices y bañados en aceite de motor. Mientras Ducournau exploró los deseos de la carne con Raw, aquí va por algo más profundo. Alexia está buscando una conexión emocional donde sea, con quien sea y con lo que sea que pueda encontrar. Te hará reír, te hará llorar y probablemente también te dará muchísimo asco. Una cosa que no harás es olvidar toda la experiencia. Al final, Titane es fascinante, sorprendente, vívida, aterradora e invencible. Titane y Julia Ducournau no son el cine y la directora que nos merecemos, pero son los que necesitamos desesperadamente. Está película viene con mi más alta recomendación. Solo veánla. Expandirá sus mentes, sus almas, y ​​los llevará a un peligroso viaje emocional. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: 8-Bit Christmas

Jake Doyle (Neil Patrick Harris) ha estado reprimiendo firmemente las solicitudes de su hija Annie (Sophie Reid-Gantzert) de un teléfono inteligente, pero su persistencia está comenzando a desgastarlo. En la casa de sus padres para Navidad, decide contarle sobre su propio deseo de infancia no cumplido... el (literalmente) tener el sistema de entretenimiento de Nintendo. Jake (interpretado de niño por Winslow Fegley) está desesperado por tener la consola, pero sus padres están mucho menos interesados ​​en la idea. Y con el fervor de anti-videojuegos que se apodera del suburbio de Chicago en el que vive, parece imposible que obtenga un codiciado sistema de juego. No siendo alguien que se rinde fácilmente, Jake emprende una serie de planes, con la ayuda de sus amigos Mikey (Che Tafari), Jeff (Max Malas), Evan (Santino Barnard) y Tammy (Brielle Rankins). Con la Navidad acercándose, tendrán que pensar rápido si quieren tener la oportunidad de divertirse con la consola de 8-bit para las fiestas.

La combinación de referencias de los años 80 es algo que los millennials mayores y los jóvenes de la Generación X recordarán con cariño. No solo la locura de querer el sistema de entretenimiento que era el Nintendo original, sino también los Cabbage Patch Dolls, y si el Power Glove realmente valía la pena o no. Spoiler para lo último, no valía la pena. 8-Bit Christmas golpea todas las notas que la hacen sentir como una de esas películas navideñas de los años 90 que la gente todavía ama. La película sigue la historia de Jake Doyle, un niño que creció en los suburbios de Chicago en 1987. Como cualquier otro niño de su edad, espera un Nintendo para Navidad. Sin embargo, cada esfuerzo que hace para obtener este tesoro encuentra resistencia. La desesperación aparece y a Jake se le ocurre el plan definitivo para poner en sus manos la consola NES. Pero se necesitará un milagro navideño y mucha suerte para lograrlo a tiempo para el gran día.

Es divertido escuchar a Neil Patrick Harris narrando como el Jake adulto mientras pinta la película con grandes rasgos de autoediciones, exageraciones, detalles borrosos y declaraciones oportunas de lo que fueron los años ochenta. Winslow Fegley brilla al ser una versión más joven del Jake de Harris. Pero donde sobresale es en cómo mostró la emoción y la desesperación que todos los niños de finales de los 80 sintieron porque sin una Nintendo no eran nada. Para un niño que definitivamente no estaba vivo en ese entonces, fue impresionante ver esta emoción. El director Michael Dowse se ocupó de que todos los detalles de la vida en ese momento fueran correctos. Las modas, la obsesión por usar cupones, la ridiculez de los precios de anticipo, todo se prestó a cimentar esta historia con firmeza en los suburbios de los 80. La escena del centro comercial y el caos que se desarrolla allí es lo que hizo que esto se sintiera como una comedia navideña de los años 90.

Al igual que Jingle All The Way (1996), el público se reirá cuando presentan el daño físico a quienes buscan los últimos y mejores juguetes en el centro comercial. Es difícil culpar al padre de Jake (interpretado por Steve Zahn) por odiar este viaje anual de compras. Aunque la historia se centra principalmente en la búsqueda de Jake por el Nintendo, hay una trama secundaria sorprendente que involucra la relación de Jake con su padre. Ese trasfondo de la familia y la búsqueda de elementos en común entre las generaciones crea una profundidad sorprendente y sincera en una película que, de otro modo, se basa en la comedia. Ese mensaje completa el círculo al final, dejando una impresión duradera en los padres y tal vez en los niños mayores del público.

En general, al ser una película navideña con la que muchos pueden identificarse, mezclar recuerdos con el presente y proporcionar muchas risas es donde brilla 8-Bit Christmas. No es necesario ser un niño de los 80 o principios de los 90 para apreciar esta película, aunque ciertamente ayuda a explicarles a los niños más pequeños por qué el Nintendo era tan codiciado en ese entonces. La historia se siente como una carta de amor a la generación de gamers originales y algo que, a su vez, pueden vincularse con sus hijos (o sobrinos) durante esta temporada navideña. Al final, 8-Bit Christmas es una película familiar, ya que se centra en las aventuras de un grupo de niños y también podría traer un sentimiento nostálgico a aquellos que crecieron en los años 80 (o aquellos que tuvieron la experiencia de jugar Nintendo en ese momento). También intenta avivar las llamas con algo intrigante, divertido y un poco original. Puede que no siempre funcione, pero en una era repleta de películas de superhéroes, a veces hacer lo mínimo es todo lo que se necesita para destacarse.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.