Review: Top Gun: Maverick

Pete "Maverick" Mitchell (Tom Cruise) se ha convertido en un piloto de pruebas para las fuerzas armadas, manteniendo a los pilotos de caza en juego a medida que los programas de drones se vuelven la norma. Después de sobrevivir a duras penas a un truco de alta velocidad, Maverick es enviado de regreso a San Diego a la Escuela Naval de Armas de Combate, donde el almirante Tom "Iceman" Kazansky (Val Kilmer) ha instruido al vicealmirante Beau "Cyclone" Simpson (John Hamm) para convertirlo en un maestro, supervisando un grupo de pilotos que buscan ser los mejores en Top Gun. Maverick al principio duda, pero acepta la asignación, pronto a cargo de Jake "Hangman" Seresin (Glen Powell), Robert "Bob" Floyd (Lewis Pullman), Natasha "Phoenix" Trace (Monica Barbaro), Reuben "Payback" Fitch (Jay Ellis), Mickey "Fanboy" García (Danny Ramirez), Javy "Coyote" Machado (Greg Tarzan Davis) y Bradley "Rooster" Bradshaw (Miles Teller), el hijo de Goose, el mejor amigo fallecido de Maverick. Con poco tiempo para preparar a los pilotos para una misión para destruir un sitio de enriquecimiento de uranio detrás de las líneas enemigas, Maverick pone a los estudiantes a prueba, lidiando con sus temperamentos y sus propios demonios, y también se reúne con su ex amante, Penelope "Penny" Benjamin (Jennifer Connelly).

Los productores ciertamente intentaron armar una secuela de Top Gun durante los últimos 36 años, pero sigue siendo terriblemente extraño que no se materializara justo después del lanzamiento de la película de 1986. Después de todo, la original fue un enorme éxito de taquilla, convirtiéndose en la película más taquillera de su año de lanzamiento, y también se convirtió en un fenómeno de la cultura pop, lanzando un exitoso soundtrack, creando una locura por las gafas de sol e incluso se convirtió en una potente herramienta de reclutamiento para la milicia. Top Gun fue enorme, pero la estrella Tom Cruise mantuvo su distancia de una secuela, finalmente ahora regresa con Top Gun: Maverick, que retoma la saga de Pete "Maverick" Mitchell mientras regresa a las cicatrices de su pasado mientras tiene la tarea de entrenar a la próxima generación de pilotos de combate. El director Joseph Kosinski toma el mando del esfuerzo, y está muy consciente de las expectativas de la audiencia, obligando a la producción a cruzar la línea entre la nostalgia, las emociones y la alta tecnología, presentando una película que es increíblemente exitosa como una oferta de entretenimiento y mejorando esta Top Gun mucho más que la original en todas las formas imaginables.

Ambientada en la actualidad, Maverick es llamado de regreso a Top Gun después de realizar un truco loco que lleva sus habilidades de pilotaje al límite. El almirante Cain (interpretado por Ed Harris) lo envía a San Diego, California, con Iceman, ahora un comandante legendario, y el vicealmirante Simpson a cargo del programa Top Gun. Maverick ahora tiene una opción fundamental. O se convierte en instructor para entrenar a la nueva clase de pilotos para una misión vital, o nunca vuelve a volar con la Armada. Para Maverick, la decisión es fácil, pero para él es un desafío debido a los participantes involucrados. Maverick debe intervenir con su experiencia y preparar a estos nuevos pilotos para derribar una planta de radiación ucraniana. La misión requerirá varios milagros para llevarse a cabo, incluido volar peligrosamente bajo, y podría convertirse fácilmente en una misión suicida sin el entrenamiento adecuado. Goose, el mejor amigo y copiloto de Maverick, tiene un hijo, Rooster, que es uno de los candidatos a participar. Habiendo hecho la promesa de mantener a Rooster fuera de la Armada, Maverick tiene que tomar las mejores decisiones, incluida la reducción a solo seis pilotos, para que la misión sea un éxito.

Desde el principio, ya hay tensiones entre Rooster y Maverick. Miles Tiller y Tom Cruise juegan uno contra el otro con una determinación y emotividad que vibra con cada segundo en la pantalla. El resto del elenco es igual de bueno, y cada uno trae tipos de personalidad característicos. Una secuencia estelar en la que Maverick les pide a todos que "demuestren de qué están hechos" hace que Maverick se los coma absolutamente a todos, continuando con su reputación de ser el mejor de los mejores. Phoenix y su copiloto, Bob, se encuentran entre la sangre nueva, pero son un poco vacíos en sus interpretaciones y no tan involucrados como cabría esperar. Mi favorito de los nuevos personajes fue Hangman, interpretado por Glen Powell. Hangman es muy arrogante y se asume desde el principio que es el mejor de la clase. La vibra de Hangman con Rooster definitivamente evoca el conflicto de Iceman con Maverick de la película original.

Otros actores secundarios aparecen en la película. El regreso de Val Kilmer como Iceman es ejecutado maravillosamente. El guión refleja las luchas de la vida real de Kilmer, mientras se mantiene fiel a su trabajo previamente establecido. El nuevo interés amoroso de Maverick es Penny, la propietaria de un bar que comparte una historia romántica con el personaje, y su relación se reaviva cuando él regresa a Top Gun. Sin embargo, al final del día, el propio Maverick es el protagonista, y Cruise demuestra que está más que preparado para el desafío de volver a interpretar uno de sus papeles más icónicos. Sus habilidades pueden ser legendarias, pero la película nunca comete el error de establecer a Maverick como una especie de figura divina e intocable. Es un ser humano defectuoso con conflictos y emociones reales, y una persona mucho más compleja de lo que parecía en la primera película.

En términos de nostalgia, la película ofrece este elemento en abundancia. Nunca se siente como una repetición o como si tratara de copiar los ritmos exactos de la primera película, pero lleva ese tono de familiaridad y respeta todo lo que vino antes. Me sorprendió un poco que Charlie no reciba ni una mención, ya que ella era la protagonista romántica en la película original. Sin embargo, casi todo lo demás es perfecto. Una variedad de breves escenas retrospectivas y una adoración por el personaje de Goose crean un vistazo satisfactorio que a los fanáticos de la primera les encantará. La película original fue dirigida por Tony Scott, y esta secuela, décadas después, contiene una dulce dedicatoria a él al final. El acto final tiene una intensidad sorprendente, con la última hora en particular siendo una clase magistral sobre cómo hacer que funcione una secuela. Esta vez hay mucho en juego, acentuado con impresionantes montañas y una cinematografía maravillosa. Los altísimos efectos visuales y de sonido y las secuencias de vuelo capturan tanto la belleza como el horror de volar. Al albergar momentos espectaculares que complacen al público y la sensación de los años 80, la película lleva su corazón en la manga como una insignia de honor.

En general, la película no tiene que hacer mucho para mejorar la primera de 1986, pero Kosinksi hace un esfuerzo notable para darle algo de sensibilidad esta vez, aunque lo hace mucho mejor cuando se enfoca en ofrecer a los espectadores un viaje emocionante y reelaborando secuencias de entrenamiento y combate aéreo, creando un éxito de taquilla más intenso e inmersivo al estilo de los años 80. Al final, Top Gun: Maverick reconoce con orgullo a su predecesora, pero a diferencia de lo peor de estas "secuelas heredadas", nunca recurre a ningún servicio para fans barato. Hay varios momentos en los que uno se preocupa que una línea icónica de la original esté a punto de repetirse, pero la película se resiste a tal nostalgia. Han pasado 36 años desde la original, pero la película se contenta con ser una secuela en el sentido tradicional, retomando la historia en lugar de repetirla para una nueva generación. Mucho ha cambiado desde 1986. El director original Tony Scott y el productor Don Simpson fallecieron, Val Kilmer sucumbió a una condición de salud que puso fin a su carrera artística (reconocido en su aparición aquí), y la mayoría del elenco de apoyo original de Top Gun ha envejecido y desaparecido en la oscuridad, pero una constante permanece en el aparentemente inmortal Tom Cruise. Top Gun: Maverick nos recuerda de vez en cuando que Cruise no puede hacer este tipo de cosas para siempre. Algún día tendrá que enfrentarse a su mortalidad, pero por el momento no será.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Valet

Olivia Allan (Samara Weaving) se encuentra en medio de la semana más estresante de su vida. Es una estrella de cine a punto de estrenar su último largometraje, y el éxito de esa película está ligado al futuro de su empresa. También está involucrada con el magnate de bienes raíces Vincent Royce (Max Greenfield), quien está casado con Kathryn (Betsy Brandt), acordando encontrarse con su amante en secreto en un hotel tarde una noche. Cuestionando su tiempo con Vincent, Olivia sale corriendo del hotel, creando una escena para los paparazzi, quienes toman una foto de este conflicto justo cuando el valet Antonio Flores (Eugenio Derbez) choca contra ellos con su bicicleta. Temerosos de la prensa negativa, el equipo de Vincent le ofrece dinero a Antonio para que haga el papel del amante de Olivia, ayudando a cubrir la indiscreción y dándole al mexicano/estadounidense la oportunidad de recuperar a su ex esposa Isabel (Marisol Nichols) con el dinero que necesita para su educación. Abrumado por toda la situación, Antonio pronto se convierte en el amante de Olivia frente a las cámaras, y la actriz intenta mantener su vida en orden mientras aprende más sobre Antonio y su corazón dorado.

Existiendo fuera de la realidad de cualquier escenario creíble, la comedia romántica The Valet es la opción perfecta para el servicio de streaming Hulu. Eugenio Derbez y Samara Weaving encabezan esta peculiar película con un mensaje dulce y con mucho corazón. Aquellos que anhelan un retroceso o una versión metamoderna del género de la comedia romántica pueden buscar en otra parte, The Valet puede sentirse anticuada para los estándares del 2022, pero también es una película entretenida que lleva el corazón en la manga. La premisa de la película es la de un hombre modesto atrapado en una situación desordenada de Hollywood que parece jugar con las fortalezas teatrales de Derbez, que tiene a la estrella trabajando para interpretar a un buen tipo. Es un enfoque sencillo que pretende ser lo más benigno posible, a pesar de una historia que da la bienvenida a un enfoque más vanguardista de las formas del adulterio y los ataques de nervios.

La película se centra en la estrella de cine Olivia mientras tiene una aventura con el multimillonario Vincent Royce. Su esposa, Kathryn, no tiene pruebas concretas ni nada más allá de sospechas. Eso es hasta que Olivia y Vincent discuten y los paparazzi toman una foto de los dos mientras Olivia se sube a un auto. Sin embargo, no están solos cuando el valet Antonio choca contra el auto de Olivia. Mientras Olivia intenta ayudarlo y asegurarse de que está bien, los paparazzi lo capturan y lo vinculan con el asunto ilícito. Cuando Vincent es detenido por Kathryn, explica que Antonio es, de hecho, el novio de Olivia y que él, Vincent, solo estaba siendo un ciudadano preocupado en la escena. Así, se pone en marcha un plan para sobornar a Antonio para que interprete al novio de Olivia y se desarrolla una verdadera comedia de errores.

Cuando las comedias románticas llegan al público, es sumamente importante que los dos protagonistas tengan química, y uno de ellos, si no ambos, tiene que ofrecer un verdadero alivio cómico. Afortunadamente, la química entre Samara Weaving y Eugenio Derbez es realmente apetecible a medida que avanza la película, a pesar de que su relación es una farsa solo para que ella proteja a su novio. The Valet ciertamente alienta a uno a buscar la comedia de Derbez, ya que las entregas sinceras de sus líneas no solo son perspicaces, sino que brindan humor y tienen un gran impacto. Weaving interpreta a la elitista de Hollywood absorta en sí misma que ahora se encuentra en una "relación" con alguien de un estilo de vida completamente diferente a medida que, lenta pero seguramente, se descubre a sí misma en el camino y tiene un viaje que la define a sí misma. Sin embargo, el personaje más sorprendente de la película es el de Vincent. Max Greenfield tiende a interpretar al mejor amigo, al interés amoroso y al chico bueno, pero, esta vez, es un villano despreciable, en cierto sentido. Definitivamente es un cambio de ritmo para Greenfield y interpreta el rol bastante bien, demostrando que no siempre tiene que ser el tipo bueno.

Algunos de los mensajes de la película funcionan, mientras que varios elementos fallan y se sienten obsoletos. Antonio es tan pobre que no sabe de los diferentes términos de asar la carne, y todos en un restaurante piensan que es un mesero y piden que les rellenen sus bebidas. A Antonio se le implora que "cuanto menos digas, mejor" desde el principio de esta relación falsa. Dejando a un lado los estereotipos, todo se siente un poco fuera de lugar a veces. También tiene una versión simplista del cansancio psicológico de la fama, pero nada en la película pretende ser algo más que un escapismo básico, creando una situación en la que Antonio de repente monta en bicicleta el error de Olivia, encontrándose atrapado en su órbita, sin comprender del todo la indiscreción que ha estado cerca de exponer.

En general, la película proporciona un vehículo divertido para Eugenio Derbez y Samara Weaving que complacerá a los fanáticos de las comedias románticas. La película se descarrila por un momento trágicamente triste de la nada y definitivamente interrumpe la trayectoria de la narrativa, sin embargo, este desafortunado escenario no dura demasiado. Me reí un par de veces con las tonterías y los tonos cómicos en ciertas escenas. A los espectadores menos exigentes puede ser que les guste, mientras que los aficionados a las comedias románticas han visto esto innumerables veces antes, pero deberían deleitarse con su ligereza. Al final, The Valet no se vuelve más ambiciosa gracias a la comedia de choque cultural, ya que trata de tener en cuenta los problemas de los ciudadanos de Los Angeles, al mismo tiempo que presenta una trama secundaria sobre la gentrificación. También contiene mucho corazón, comedia, amor y perspectiva en su tiempo de duración de 2 horas, que no se siente tan larga como lo es.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Operation Mincemeat

En 1943, Gran Bretaña anticipa un desastre a medida que avanza la Segunda Guerra Mundial. Winston Churchill (Simon Russell Beale) busca oportunidades, con ideas para invadir Sicilia, sorprendiendo a los enemigos del mundo durante un punto crítico del conflicto. Uniéndose al Comité de los Veinte están Ewen Montagu (Colin Firth) y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen). Los hombres apoyan una idea inusual para ayudar a proporcionar información falsa a las fuerzas alemanas. Se les ocurre la "Operación Mincemeat", que implica el uso de una identidad militar, un cadáver e información falsa sobre un próximo desembarco en Grecia, creando una historia capaz de llamar la atención de los nazis el tiempo suficiente para tomar Sicilia. Se unen a la misión la secretaria Hester Leggett (Penelope Wilton), la colaboradora Jean Leslie (Kelly Macdonald) y el oficial Ian Fleming (Johnny Flynn). Mientras el equipo se propone en crear una identidad para un hombre muerto, y trabaja con un plazo ajustado, dudando de lo que se avecina, también manejan el malestar de sus vidas personales.

Operation Mincemeat se basa en la historia de una misión secreta de la Segunda Guerra Mundial para proporcionar un plan de engaño utilizado para ayudar a los Aliados a invadir Sicilia en 1943. Es una historia extraordinaria de trabajo en equipo y talento, y hay una adición especial a esta parte de la historia de la guerra, con el autor Ian Fleming como parte de la planificación, usando su conocimiento militar para la eventual creación de su personaje más famoso, el agente/espía James Bond. La saga de Operation Mincemeat se ha explorado en producciones anteriores, pero esta versión aporta una sensación de suspenso, trabajando con los extraños detalles de la misión y la vida personal de los implicados, mientras que el director John Madden presenta un ritmo apretado a la mayor parte del esfuerzo.

La primera hora sigue a la formación de la misión, que consiste en encontrar un cuerpo recientemente fallecido capaz de pasar la inspección como víctima de ahogamiento. Encuentran un cadáver en Glyndwr, que se pone en hielo durante unos meses mientras se crea una historia de fondo para el hombre muerto, que se convierte lentamente en el comandante William Martin. Jean es parte de esta historia falsa, interpretando el papel de la novia de Martin, Pam, en fotografías y cartas, y Ewen y Charles trabajan en documentos que contienen información sobre planes para invadir Grecia. Las complicaciones son comunes en Operation Mincemeat, lo que le da un toque a la película a medida que el equipo maneja el riesgo y la exposición, incluida una trama secundaria en la que se sospecha que Ivor, el hermano de Ewen, es un espía ruso. Los asuntos del corazón también están aquí, ya que Ewen se siente atraído por Jean, quien es el objeto del afecto de Charles, lo que ejerce una presión adicional sobre los hombres. Afortunadamente, la película se niega a caer en el melodrama, manteniendo todo apropiadamente formal, con pequeñas fugas de emoción para humanizar a los personajes.

La segunda hora no es tan envolvente, intercambiando la rareza del plan por un seco debate militar y una ejecución que, curiosamente, no es tan animada como las escenas iniciales. Aún así, hay suspenso en los pasos de la Operación Mincemeat, que involucra actos de fe y varios juegos de espías, y las actuaciones mantienen la película en marcha. Operation Mincemeat también es valiosa para los fanáticos de Ian Fleming, ya que agrega solo una pizca de detalles sobre las inspiraciones del autor con James Bond (incluido el origen detrás de "M" y Q Branch), lo que le da a la película una historia literaria interesante para acompañar su fascinante historia de espionaje, tácticas de guerra y relaciones de la Segunda Guerra Mundial.

La mejor parte fue, por supuesto, las actuaciones. Con un elenco decente, la película brinda actuaciones sólidas en todos los ámbitos y al menos la mantiene visible a pesar de sus fallas. Todo comienza con Colin Firth y Matthew Macfadyen como Montagu y Cholmondeley. Lo que a los personajes les faltaba en profundidad, los dos actores lo compensan con encanto, aunque, eso solo podía llegar hasta cierto punto. Su química creó una dinámica algo divertida de ver. Ojalá la película confiara en ellos más de lo que lo hizo. Kelly Macdonald como Leslie se sumó muy bien a esa dinámica, defendiéndose junto a Firth y Macfayden, pero el personaje tenía el potencial de haber sido mucho más. Johnny Flynn hace un trabajo maravilloso dando vida a Ian Fleming. A menudo he escuchado y leído sobre el trabajo de Ian Fleming antes de escribir las novelas de James Bond. Esta es la primera vez que puedo ver a Fleming retratado en una película sobre su trabajo durante la guerra. Si no fuera porque Fleming trabajó como asistente del almirante John Godfrey (interpretado por Jason Isaacs), quién sabe cómo habrían resultado las cosas. Fleming fue el autor del Trout Memo que sirvió de base para la Operación Mincemeat.

En general, no es exactamente el mejor de los títulos para una película, pero la historia es uno de los complots más audaces, y quizás más inconcebibles, para desviar a los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. Es sin duda una exposición detallada de uno de los mayores engaños de la historia y una película que muestra el espionaje de la época. Colin Firth y Mattew Macfayden se llevan bien entre sí, y la incorporación de Kelly Macdonald al grupo aporta una perspectiva femenina refrescante en el género de espionaje dominado por hombres. El director John Madden ofrece una historia sencilla de "es tan loco que podría funcionar" que exalta a los hombres y mujeres brillantes de la época. Al final, Operation Mincemeat es un atractivo drama de espías que humaniza a sus personajes centrales y examina el factor genial que imaginamos para aquellos que se dedican a esta línea de trabajo. En resumen, ser un espía no se trata de aparatos complicados, mujeres atractivas y fiestas lujosas. El propio Ian Fleming sería el encargado de meternos esas ideas en la cabeza. Pero el verdadero trabajo consiste en establecer una historia de fondo elaborada para el falso mayor, y luego reconstruir la falsificación documentada de tal manera que sea innegable para el enemigo. Es una película gratificante y profundamente respetuosa sobre los héroes cuyas victorias cruciales no han sido celebradas en gran medida.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Everything Everywhere All At Once

Evelyn (Michelle Yeoh) ha estado atrapada en la misma rutina durante décadas. Dirige una lavandería con su esposo, Waymond (Key Hu Quan), trata con su anciano padre, Gong Gong (James Hong), y es una madre cansada para su hija, Joy (Stephanie Hsu), quien está reuniendo el coraje para salir del armario con su novia, Becky (Tallie Medel). Evelyn está manejando los planes para una fiesta nocturna, pero también tiene que lidiar con el I.R.S. y encuentra que la agente, Deirdre (Jamie Lee Curtis), pierde la paciencia con los errores y malentendidos relacionados con los impuestos. Durante su reunión con Deirdre, Evelyn se enfrenta repentinamente a Waymond de una realidad alterna llamada Alphaverse, y le indica que siga sus instrucciones, enseñándole a la mujer confundida a manipular su entorno. Evelyn se sumerge en las profundidades de esta existencia fragmentada, aprendiendo sobre el poder de las elecciones y las experiencias de los demás, y Joy se convierte en una fuerza malvada conocida como Jobu Tupaki, empeñada en llevar a la luchadora recién desarrollada al otro lado de la oscuridad.

Hay muy pocas experiencias cinematográficas que se parezcan a Everything Everywhere All At Once, y puede que sea una de las películas más originales que he visto en mi vida. Es una experiencia cinematográfica genuinamente loca, estimulante, impresionante y alucinante. Te deja sin aliento con su pura creatividad mientras tiras de tus fibras sensibles. El elenco, que incluye a la gran Michelle Yeoh, Key Hu Quan y Jamie Lee Curtis, es sensacional. La película de Daniels es una explosión de pura velocidad impulsada por las emociones y tiene mucho que asimilar. Tiene sentimientos, kung fu, cosas de metafísica, mundos paralelos, dedos de hot dog y drama familiar. Imaginen una mezcla de The Matrix (1999), The Butterfly Effect (2004), Cloud Atlas (2012) y los comics de Marvel en esteroides, todo en una sola película. Es, por decirlo suavemente, agotadora, pero también reafirma elementos de la vida diaria y todo es extrañamente profundo.

Quieren una pista? O incluso un desafío? Imaginen una película en la que un universo alterno tiene hombres y mujeres con dedos de hot dog. Incluso uno donde "Racacoonie" reemplaza a Ratatouille. Un mundo en el que Short Round/Data se desabrocha su cartera de cintura para patearle el trasero a varios guardias de seguridad. Mientras estás en eso, vemos a Jenny Slate atando a su perro Terrier con su cinturón para usarlo como cadena voraz lista para destrozarte. Incluso un hay mundo alterno que usa los pies para tareas hermosas y conmovedoras, como tocar el piano mientras limpias una sola lágrima con el dedo gordo del pie. La gente incluso se convierte en confeti para mantener la película en marcha.

No quiero arruinar demasiado este largometraje por parte de Daniel Kwan y Daniel Scheinert, o mejor dicho, Daniels. Incluso con su tiempo de duración de 2 horas y 20 minutos, la película nunca se siente demasiado larga. La trama comienza bastante simple. Tienes dos inmigrantes chinos, la crítica Evelyn y el empático Waymond, que luchan por hacerse cargo de su negocio y están siendo atacados por la estricta agente del I.R.S. Dreidre. Si no solucionan su deuda tributaria, cerrarán su lavandería. Evelyn también protege a su hija Joy de su padre Gong Gong. Por qué? Es una desconexión generacional y cultural. Evelyn teme que no apruebe que su nieta sea lesbiana.

Pero, cómo se pasa de una pareja de inmigrantes que vive el “sueño” americano a un multiverso desquiciado con peleas, dedos de Oscar Meyer y Michelle Yeoh azotando a una empleada del gobierno llena de odio? Todo esto mientras salta de y a través de universos alternos? El guión de Daniels se desarrolla como un golpe de éxtasis con efectos eufóricos. Es una combinación de géneros de comedia, ciencia ficción, suspenso y acción de artes marciales que permite a los personajes "saltar" y utilizar diferentes líneas de tiempo donde la misma persona, Evelyn, posee varias habilidades adquiridas de diferentes caminos que ha tomado. Cómo? Al hacer algo fuera de lo común con su personaje.

Everything Everywhere All At Once equilibra y combina géneros de la misma manera que se une en temas subyacentes. Tienes temas de una pareja que se separa y mira hacia atrás con pesar mientras redescubre el amor y la vida. Sin embargo, la dinámica central de la película es que Evelyn y Joy se distancian y tratan desesperadamente de volver a estar juntas. Incluso se puede argumentar que todo esto es una metáfora de los inmigrantes de primera generación en los Estados Unidos. Uno en el que los padres utilizan el mundo exterior para conectarse. Y uno en el que Evelyn está tratando de evitar que su hija se desvíe demasiado, culturalmente, hacia la vida estadounidense moderna.

Deben prestar especial atención al elenco aquí. Michelle Yeoh es una maravilla con su don de acción, comedia y sorprendente profundidad en las escenas más pequeñas. Tendré que admitir que Jamie Lee Curtis es irreconocible en su papel al interpretar a la agente del I.R.S. Deirdre. Interpretar a su personaje con tanta severidad y mostrar un lado suave y tierno en mundos alternos es conmovedor. Luego está Key Hu Quan. La estrella de películas como Indiana Jones And The Temple Of Doom (1984) y The Goonies (1985) puede haber dado un giro de carrera que se extendió e incluso definió aquí. Es tan bueno, desde la acción hasta la comedia, que conseguir futuros roles ya no debería ser un problema.

En general, todo tiene sentido? Tal vez, y no digo detalles que quedan claros en la película (todo lo que he mencionado está en los trailers). Sin embargo, la película es una experiencia electrizante que crea una explosión colectiva de energía creativa. Será una película que te hará decirte a ti mismo que nunca has visto nada igual, y muchos intentarán duplicarla en los años venideros. Al final, Everything Everywhere All At Once probablemente no sea para todo el mundo. Está llena de una explosión de sentimientos, peleas y rarezas. Pasan muchas cosas a la vez, y al mismo tiempo lleva al espectador a un largo viaje hacia la confusión como una forma de detallar filosofías y amplificar intereses. Se escribe una carta de optimismo, y evita retratar a cualquier personaje como un verdadero villano. Cada uno tiene una eventual revelación de sus intenciones, y se vuelve difícil en general criticar a alguien.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Chip 'N Dale: Rescue Rangers

Siendo una nueva ardilla en una nueva ciudad, Dale (voz de John Mulaney) encuentra en la escuela secundaria un amigo en Chip (voz de Andy Samberg), y pronto llevan su amistad a Hollywood, convirtiéndose en las estrellas de Chip 'N Dale: Rescue Rangers, que se convierte en un programa de éxito en 1990. Después de que se cancela la serie, las diferencias separan a los amigos durante décadas. Dale ahora vende seguros, mientras que Chip se aferra a lo que queda de su fama, recorriendo el circuito de las convenciones, con la esperanza de lanzar un reboot de Rescue Rangers un día. La pareja se reúne cuando su coprotagonista Monterey Jack (voz de Eric Bana) desaparece, y se enteran de su adicción al queso y las deudas con el gángster Sweet Pete (voz de Will Arnett). El Capitán Putty (voz de J.K. Simmons) y la Detective Ellie (KiKi Layne) están en el caso, pero la policía solo puede llegar hasta cierto punto. Al encontrar una pista sobre el paradero de Monterey Jack, Chip y Dale deciden volver a formar equipo y se proponen salvar a su amigo en un mundo de personajes animados impredecibles.

Es curioso cómo Chip 'N Dale: Rescue Rangers es el gancho que me atrae de nuevo al amor por Disney. A fines de la década de 1980, Disney reinventó brillantemente a las ardillas amigas como investigadores privados, quienes resolverían crímenes y misterios con sus amigos, Gadget, Monterey Jack y Zipper. Al mismo tiempo, Ducktales y TaleSpin se unieron al programa para reutilizar otros personajes clásicos de dibujos animados. El programa me encantó, pero duró poco, lo que lo consolidó cómo un favorito de culto. Ahora, más de 30 años después, los Rescue Rangers están de vuelta y esto no es solo otro renacimiento que confía perezosamente en la nostalgia. En parte es una película de acción, comedia de amigos, y Who Framed Roger Rabbit? (1988). Es uno de los usos más inteligentes con personajes y una de las películas más divertidas del año.

Chip 'N Dale: Rescue Rangers vuelve a imaginar la serie clásica como un programa de televisión real del que Chip y Dale fueron las estrellas. La película nos lleva de vuelta a su primer encuentro como niños en la escuela, las únicas ardillas rodeadas de otros dibujos animados más grandes y algunos humanos también. Años más tarde, se fueron juntos a Hollywood y lucharon para triunfar como actores hasta que consiguieron el papel en la serie. Pero cuando Dale finalmente tiene su momento para brillar en un espectáculo propio a lo James Bond, Rescue Rangers se cancela y los dos antiguos amigos toman direcciones separadas. Chip renuncia a actuar para vender seguros, mientras que Dale se queda con la esperanza de que los fanáticos nostálgicos exijan un reboot.

Un inteligente recordatorio de la adicción al queso de su viejo amigo Monterey Jack (cuanto más apestoso, mejor) reúne al dúo. Cuando desaparece y se teme que sea víctima de "bootlegging", el proceso de alterar una caricatura popular para hacer malas películas, Chip y Dale acuden al rescate. Pero tienen que navegar por una sorprendentemente lista de íconos animados, muchos de los cuales provienen de los basureros de la historia de Disney, y algunos de estudios completamente diferentes. Es muy Roger Rabbit en ese sentido, y verán algunos personajes que nunca hubieran creído posibles verlos en una película de Disney.

La película es parte de lo que parece ser una tendencia de los estudios de imaginar su vasta biblioteca como un universo cinematográfico conectado. Lo vimos recientemente en Space Jam: A New Legacy. Rescue Rangers se divierte más con la idea, creando un mundo que reconoce a Disney como este gigante multimedia que puede crear grandes estrellas pero también deja algunas en el olvido. Hay un par de escenas geniales con personajes descartados o cancelados, incluida la horrible primera versión de Sonic The Hedgehog que los fanáticos rechazaron (recuerdan eso?), Tigra de la caricatura de Marvel, entre otros. Dale, que se sometió a una cirugía de CGI para arreglarse, contrasta visualmente con Chip, que tiene una animación plana. A veces, cuando tienes CGI, animación y live action juntos, la apariencia puede ser incompatible, pero esos momentos son pocos. Estarán demasiado ocupados buscando los cientos de chistes visuales de fondo (mis favoritos son el cartel de Lego Miserables, Meryl Streep como Mr. Doubtfire y el de Batman vs E.T., incluida la escena). Personalmente, estaba emocionado de ver a Chip y Dale de vuelta con sus antiguos atuendos, Dale rockeando el look de Magnum P.I., y Chip, que tropieza con su atuendo de Indiana Jones sin quererlo.

Desarrollandose como la versión de Disney de Hot Fuzz (2007), la película está llena de acción y humor en dosis iguales, pero no es una sátira. El director Akiva Schaffer está disfrutando de su amor por las películas de acción, y todos los toques familiares están ahí, el más importante es que Chip y Dale son completamente opuestos que simplemente no pueden llevarse lo suficientemente bien como para ser socios. A quien se le ocurrió la idea de tomar estos clichés de género clásicos y agregar un giro de Disney merece elogios. Decir todos los personajes que aparecen estropearía parte de la diversión, así que dejaré eso en paz, pero basta con decir que hay muchos. El papel humano principal pertenece a Kiki Layne como la detective del LAPD Ellie Whitfield, una devota fanática de los Rescue Rangers ansiosa por unirse al caso. John Mulaney, Andy Samberg, J.K. Simmons y Will Arnett hacen un trabajo absolutamente bueno con sus voces, y el acento australiano de Eric Bana es perfecto para esta versión de Monterey Jack.

En general, esta película es mucho más de lo que esperaba. Si bien no quiero ver el regreso del programa semanalmente, el equipo de Rescue Rangers está de vuelta, mejor que nunca, y no pueden volver a disolverse ahora. En palabras simples... es pura nostalgia de las tardes de televisión. Al final, Chip 'N Dale: Rescue Rangers ofrece una actualización de la serie animada de 1989 para fanáticos apasionados que han pedido de vuelta a las ardillas que resuelven crímenes, pero también le da un cambio de imagen a los amados personajes en un mundo de héroes, villanos y monstruosidades animadas. El director Akiva Schaffer no está interesado en revivir el clásico programa. Va más con lo que está a la moda con este mosaico de estilos animados, marcas e historia, pero a la vez espera inhalar algo de humo de Roger Rabbit mientras reintroduce el concepto de los Rescue Rangers a una audiencia más joven en una película que no es realmente para niños. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Exorcism Of God

El padre Peter Williams (Will Beinbrink) es un sacerdote que fue poseído por el demonio Balban cuando intentaba exorcizarlo de una joven llamada Magali (Irán Castillo). Esto lo obligó a cometer un acto horrible que lo llevó a desaparecer de la vida pública. 18 años después, mientras trabaja para una organización benéfica para niños en un pequeño pueblo mexicano, Peter descubre que Balbán ha regresado. Ha poseído a una reclusa llamada Esperanza (María Gabriela de Faría) y ha desatado una plaga entre los niños del pueblo para recuperar el alma de Peter. Su única esperanza es que Peter lo exorcice y admita lo que hizo hace 18 años como resultado. Sin embargo, se condenaría a sí mismo a la excomunión y perdería su fe, su familia y sus amigos en el proceso.

Después de ver esto, llegué a la conclusión de que es una especie de híbrido del viejo estilo de películas de terror de explotación mezclado en un nuevo estilo, un cine con más conciencia social. La película comienza con un homenaje muy bien hecho y directo a una de las tomas más veneradas de The Exorcist (1973). Como fanático de The Exorcist, me impresionó. Se las arreglaron para evocar el estado de ánimo de esa película bastante bien. También me impresionó el reparto y las actuaciones de muchos de los actores secundarios y los protagonistas. Tengo que darles crédito por comprometerse realmente con sus roles. Muchas partes de esta película son totalmente asombrosas y funcionan gracias al compromiso del elenco y la dirección. Ahora, no a todos les va a gustar el contenido de algunas de estas escenas, pero dentro del contexto de la película y los parámetros de la historia, no engaña y tiene sentido.

La película, en su trama, caracterizaciones y temas, es una crítica directa a la Iglesia Católica y al Vaticano. El sacerdote con buenas intenciones es recompensado por mentir y perpetuar el dogma de la Iglesia en lugar de cuando trata de arrepentirse genuinamente y hacer penitencia por sus pecados. Ambos exorcistas en la película no parecen tener mucha fe en el ritual católico del exorcismo y la película amplía la idea de que tal vez los exorcismos en realidad no funcionan en absoluto. El problema es que los sacerdotes que tienen una fe inestable o que están desgastados por años de que se les haya pedido que luchen contra las fuerzas demoníacas critican un ritual que la Iglesia no ha mejorado durante siglos.

Esto es un contenido temático muy pesado pero importante para una película en la que escuchas a un sacerdote poseído por un demonio gruñir de placer sexual después de que el demonio lo libera. Lo único que parecía demasiado conveniente fue que el demonio lo liberó después de que agarró su cruz y gritó porque el exorcismo no parecía estar funcionando. También está bien hecha lo que podría ser una escena verdaderamente ofensiva que no se muestra nada pero que se sugiere con sonido. Se hace la distinción entre la maldad pasiva del sacerdote, su debilidad, su lujuria y falta de fe, y la maldad activa del demonio que lo usa como herramienta. Está mucho más alineada con las ideas de la espiritualidad que nos dice que cuando somos débiles nos convertimos en herramientas para el mal.

Es por eso que siento que aunque la película utiliza los aspectos del cine de explotación, no desciende a la verdadera depravación a pesar de lo que realmente sucede en la película. La película amplía las ideas en al menos dos de las películas de la serie The Exorcist, la original de 1973 y Exorcist III de 1990. O sea, los demonios usan a los sacerdotes débiles e infieles y a los lunáticos como recipientes fáciles de poseer. Mas o menos esa idea respectivamente. Por lo que es, la película está muy bien hecha. Hay limitaciones obvias en su realización debido al presupuesto, pero el director Alejandro Hidalgo aprovecha todo al máximo y utiliza las locaciones con las que tiene que trabajar y los actores que contrató para los personajes.

Respecto a los personajes, en particular, Héctor Kotsifakis como el Dr. Nelson fue muy agradable y dio una muy buena actuación, especialmente porque su personaje no tuvo mucho tiempo y no se le dio más caracterización. Él mismo completó los espacios vacíos e hizo que su personaje y su breve tiempo en la pantalla se destacaran. Irán Castillo como Magali hace un buen trabajo con una personalidad y amabilidad que muestra el alma buena de una mujer para luego volcarse completamente hacia el mal. María Gabriela de Faría como Esperanza aporta un rol físico que es de otro mundo al papel de la joven poseída. Will Beinbrink hace que su sacerdote tímido e infiel sea humano y fácil de identificar. Es una buena actuación de una persona que no es admirable. Se las arregla para crear una distinción entre él mismo como sacerdote 18 años antes y en la actualidad de la película. Joseph Marcell es el alivio cómico de la película. Sí, él interpretó a el mayordomo Geoffrey en la serie de televisión Fresh Prince Of Bel-Air. En esta película se suelta un poco como un sacerdote bebedor de mezcal y es divertido, pero a la vez ofrece una actuación con tal sinceridad que es escalofriante verlo.

Una gracia salvadora de la película es su rareza y sustos reales y efectivos, Hidalgo hizo que todo funcionara bien. Sin embargo, creo que los sustos más sutiles funcionan mejor para la película. El goteo de sangre en el rostro de una monja, una monja siendo empujada hacia una puerta oscura, y un Jesucristo poseído arrastrando una cruz por un pasillo iluminado por la luz del sol que entra por las ventanas son algunos ejemplos. La película es bastante elegante y efectiva para lo que está usando financieramente. Alejandro Hidalgo, adjunto como productor y director, ha hecho un muy buen trabajo con The Exorcism Of God. Tomó un material que podría haber sido un fracaso en manos de otro cineasta y le dio peso y propósito.

En general, yo soy de los que ve casi cualquier película sobre exorcismos, pero normalmente me siento decepcionado por la mayoría de esas películas. Esta película no me defraudó en absoluto. Tiene un buen guión que es verdaderamente alucinante y es atrevida y escandalosa como una película de cine de explotación, pero también tiene sutileza y un subtexto oculto que le da a la acción mucho más peso de lo que parece en la superficie. Es mucho más interesante y tiene más que decir que la típica película de exorcismo. Al final, The Exorcism Of God es una película aterradora de exorcismo/posesión que tiene una historia original y una gran historia sobre la redención. Los efectos especiales rivalizaron a cualquier producción de Hollywood, los efectos de sonido y la música fueron geniales, la actuaciones fueron de primera y se filmó en un entorno hermoso (se filmó en México). Conseguir una película de esta calidad con un bajo presupuesto y de forma independiente es un milagro. Si les gustan las películas de exorcismo que cuentan una historia significativa, deben ver esta. Además, la película atraerá especialmente a aquellos con una fuerte creencia en el bien contra el mal junto con las luchas reales que la iglesia y sus seguidores enfrentan con el Diablo.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Fantastic Beasts: The Secrets Of Dumbledore

Grindelwald (Mads Mikkelsen) busca reclamar el máximo poder sobre el mundo mágico a través de una próxima elección, trabajando con sus seguidores, incluida Queenie (Alison Sudol), para tomar el control de Qilin, una criatura capaz de ver el futuro. Mientras Albus Dumbledore (Jude Law) permanece obligado por un juramento de sangre a no comprometerse violentamente con su ex amante, recluta un equipo de magos para embarcarse en una misión para confundir a Grindelwald en su momento de triunfo, dando a los menos poderosos la oportunidad de salvar el dia. Newt (Eddie Redmayne) regresa a la batalla, junto con su asistente Bunty (Victoria Yeates), su hermano Theseus (Callum Turner) y los magos Eulalie (Jessica Williams) y Yusuf (William Nadylam), mientras que al muggle Jacob (Dan Fogler) se le da una varita para ayudar a unirse al plan. Grindelwald, que va por los héroes, está usando su nueva vista mágica para detectar intentos de asesinato, y Credence (Ezra Miller) lucha con los detalles de su linaje, expuesto como un Dumbledore mientras Albus y su hermano Aberforth (Richard Coyle) esperan comunicarse con él.

Ha sido un camino difícil para la franquicia de Fantastic Beasts. En primer lugar, tener que estar a la altura de las películas de Harry Potter es una tarea casi imposible, especialmente dado que esas películas trataban en gran medida sobre las maravillas infantiles y el asombro que la magia puede traer. Estos nuevos spin-offs están compuestos por personajes adultos, asumiendo una historia mucho más oscura, y presentando una guerra racial entre magos y humanos normales. Fantastic Beasts And Where To Find Them (2016) recuperó la magia, pero The Crimes Of Grindelwald (2018) fue una secuela problemática que casi descarrila todo. Esta tercera entrada en la saga paralela del Wizarding World de Newt Scamander, Fantastic Beasts: The Secrets Of Dumbledore es un regreso a la magia y la diversión de la primera película, pero también una corrección de rumbo que da la bienvenida a la audiencia con su cálido abrazo de familiaridad mágica. En este punto, con tres películas, es relativamente obvio que el disfrute de uno dependerá de su familiaridad con esta franquicia. The Secrets Of Dumbledore logra poco en la forma de simplificar las cosas para los recién llegados, sin embargo, se mantiene fiel a todo lo establecido previamente, al tiempo que impulsa la historia de una manera audaz y emocionante.

A raíz de los eventos de The Crimes Of Grindelwald, el vil y malvado mago Grindelwald (ahora interpretado por el actor Mads Mikkelsen, quien reemplaza a Johnny Depp) ha comenzado a acumular una legión de seguidores en apoyo de sus esfuerzos por reinar sobre el mundo mágico y el de los humanos. Los sangre sucia, los muggles y los no-maj no tienen cabida en la visión distorsionada del futuro de Grindelwald. Gracias a un vial que contiene un pacto de sangre entre Dumbledore y Grindelwald, los dos no pueden causar ninguna forma de justicia en el otro sin consecuencias nefastas. El vial puede sentir la traición en el corazón de Dumbledore si tiene la más mínima duda de moverse contra Grindelwald. Ahora, Dumbledore busca desesperadamente una forma de destruir el vial, mientras confía en el magizoólogo Newt Scamander para idear un plan brillante y frustrar los planes de dominación de Grindelwald.

La película comienza con una confesión de amor de Dumbledore a Grindelwald. Quienes conozcan la complicada historia entre estos dos disfrutarán de la deliciosa conversación, en la que ciertos sentimientos se confirman de una vez por todas. Luego nos trasladamos a la pieza central de estas películas, el magizoólogo Newt Scamander. El compromiso y la alegría pura de Eddie Redmayne por interpretar este papel siguen siendo evidentes, tanto en la energía que le aporta al personaje como en el lenguaje corporal. Es en esta siguiente escena que se prepara el escenario para lo que vendrá en esta película épica de 2 horas y 14 minutos.

Con la autora J.K. Rowling habiendo escrito las dos películas anteriores por sí misma, regresa nuevamente a esta nueva entrega pero lo hace de manera sorprendente y vital. Para una película que tiene mucho que cubrir, nunca se siente cargada en lo más mínimo gracias a la relación armoniosa entre el autor, el director y el elenco cuidadosamente seleccionado. El mero alcance podría haber sido desalentador si no estuviera tan bellamente ejecutado. Cada vez que se hace una referencia a la tradición de Harry Potter, sale ganado en lugar de simplemente arrojarlo por nostalgia. Sin decir nada, un momento que tiene lugar en Hogwarts se hizo de manera verdaderamente espectacular.

The Secrets Of Dumbledore introduce varias bestias fantásticas nuevas, y se asegura de que las que regresan también obtengan momentos importantes en el centro de atención. Con el absolutamente adorable Qilin (una criatura rara que literalmente puede ver dentro del alma), un extraño pájaro reptiliano parecido a un pez globo, al igual que espeluznantes cangrejos/escorpiones que habitan en cuevas y llaman a Newt y Theseus para que hagan un caminar ridículo como un cangrejo, el director David Yates tampoco se olvida de darnos las travesuras en cámara lenta de Niffler, una marca registrada del robo de escenas de la película. El hecho de que todos y cada uno de estos animales se sientan tan únicos y con un propósito dentro del contexto de este mundo es un testimonio de la increíble construcción del universo que siempre ha sido un elemento básico de Harry Potter. Estar completamente inmerso cuando uno ve una película es esencial para digerir todo lo que tiene para ofrecer, y el trabajo inmaculado que J.K. Rowling logra con la ayuda de David Yates es simplemente asombroso.

En términos de los personajes, hay mucho terreno por recorrer. El hermano de Dumbledore, Aberforth, tiene un papel muy importante, y personajes como Theseus, Bunty y Eulalie en particular, que antes no tenían mucha presencia, de repente aparecen de manera audaz. Mi favorito del grupo es Newt. Sus peculiares encantos y adoración hacia los animales de todo tipo ahora también revelan una característica ferozmente protectora. El amor de Jacob por Queenie convierte su personaje en uno aún más vivo y apasionado que antes. Por otro lado, Queenie parece arrepentirse de unirse a Grindelwald, aunque ella es una de sus principales fuentes de información que utiliza sus habilidades para leer mentes a su beneficio. Casi todos los personajes se enriquecen por la dirección que toman o revelan, pero ninguno más que el propio Dumbledore.

Interpretado por Jude Law, finalmente nos estamos inclinando más hacia un profundamente complejo Albus Dumbledore. Tina Goldstein, interpretada por Katherine Waterston, todavía aparece al menos una vez con un papel drásticamente reducido, ya que se dice que fue promovida como jefa de la oficina de American Auror. Ver menos de Tina es un poco vergonzoso, pero encajarla en la trama habría sido un gran obstáculo, y probablemente resultaría en la marginación de varios otros personajes. El elefante más grande es la evidente ausencia de Johnny Depp. Parece ser una oportunidad perdida para no explicar su nueva apariencia recién cambiada a la de Mads Mikkelsen y, sin embargo, Mads encarna al personaje con un alma oscura y una humanidad complicada. En ausencia de Depp, en realidad fue una excelente elección para presentar esta nueva visión del tirano villano que se ha construido en las últimas dos películas.

En general, esta película la proclamaría como la mejor de las Fantastic Beasts hasta ahora. Llena de corazón, humor, criaturas deslumbrantes y maniobras políticas codiciosas, en lugar de sentirse como una reedición o una entrada intermedia, la película emerge como una adición crucial al Wizarding World. Increíbles efectos especiales y un final satisfactorio envuelven este capítulo de una manera que me dejó muriendo por saber en qué aventuras se embarcará Newt a continuación. Uno solo puede esperar que el mismo equipo creativo permanezca a bordo para ver cómo concluye todo. Al final, Fantastic Beasts: The Secrets Of Dumbledore tiene una energía que ha estado faltando en esta nueva saga o spin-offs del mundo de Harry Potter. El futuro de estas películas está en el aire ya que Warner Bros. se encuentra adoptando un enfoque de espera y observación para dar luz verde a futuras secuelas. Ahora, si simplemente nos basamos en calidad, esta película ha lanzado tal hechizo que dejar atrás a Newt, Jacob, Dumbledore y el resto de los personajes tan pronto sería un crimen por el que valdría la pena ser arrojado a la prisión de Azkaban.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Sadness

En Taiwán, el virus Alvin representa una amenaza para todos los ciudadanos principalmente porque los no científicos creen que todas las noticias sobre la enfermedad sirven como una táctica de miedo político. Y por eso nadie se fía de los médicos porque hay que politizar todo. Muchos habitantes se agotan en los hospitales y viven con miedo, y prefieren creer que la enfermedad no es más que un engaño. Sin embargo, los expertos en salud entienden la verdadera preocupación que rodea a la enfermedad. Aunque no se produjeron muertes a causa del Alvin, los científicos creen que la composición del virus podría mutar fácilmente en una enfermedad similar a la rabia. En medio de todo, la joven pareja de Jim (Berant Zhu) y Kat (Regina Lei) pasan su día con la mayor normalidad posible teniendo pequeñas discusiones, abrazándose y yendo a trabajar a pesar de la creciente evidencia de que gran parte de la población de la ciudad ha sucumbido al virus que se propaga rápidamente y que lleva a quienes la padecen a crueles orgías de sexo y violencia extrema.

The Sadness está ambientada en un mundo que lucha contra una pandemia. Hay un virus con síntomas similares a los de la gripe, que el público no está tomando en serio. Muchos piensan que es solo un engaño en torno a las próximas elecciones y, por lo tanto, todos bajan la guardia. Sin embargo, este misterioso virus Alvin muta espontáneamente dando lugar a una plaga que altera la mente y que debe tomarse muy en serio. Se produce el caos cuando los infectados corren como zombies (si se le puede llamar así) haciendo las cosas más crueles y desagradables que pueden. Asesinar, violar, torturar, todo vale. La era del orden se ha ido, y solo queda tristeza.

Ahora, si están pensando que todo este asunto del virus durante un año electoral que el público no se toma en serio suena un poco familiar, pues bueno, tienen razón. La película se desarrolló en su totalidad durante la pandemia del COVID-19 en 2020. Ciertamente, la película no es para todos, si no quieren ver sangre de manera extrema o si no quieren ver una película sobre un virus y una pandemia, entonces definitivamente no deberían verla. Pero si quieren ver ese tipo de película, la pasarán en grande.

The Sadness es el debut como director de Rob Jabbaz, quien hace un excelente trabajo con su primera película. Se las arregla para crear una película tan rápida y llena de suspenso que te tiene al borde de tu asiento durante todo el tiempo de duración. Te sorprenderá hasta la médula el increíble nivel de sangre y violencia que contiene. Ninguna película de Hollywood se atrevería a alcanzar los niveles a los que llega Jabbaz aquí y es realmente genial ver algo tan sumamente cruel y violento y obtener un valor de entretenimiento tan grande de ello.

Los componentes sociales de la película son donde vemos más a George A. Romero, el padre del género y su influencia. Los "zombies" no caminan despacio como en la serie Night Of The Living Dead de Romero, pero lo que nos da Jabbaz es una evolución natural del género. La misoginia inherente a la sociedad, que aumenta cuando desaparecen los inhibidores de la violencia y la empatía social, es visible desde muy temprano. Incluso antes de ser infectado, se muestra a un personaje acosando sexualmente a una mujer en el tren, aunque se victimiza y culpa al mundo que no le permite ser auténticamente él mismo.

Además de satirizar fuertemente la politización de los asuntos cotidianos, la película también aborda el uso de la tecnología por parte de las personas y el papel de los medios. Jabbaz confronta la tendencia de las noticias de igualar lados y perspectivas que no son ni remotamente iguales y dan primacía al entretenimiento sobre los hechos. También en un estilo de terror más clásico, ya que la película aborda algunos excesos de la comunidad científica, cuestionando si se deben implementar medidas dañinas en nombre del progreso. Es mucho decir en una película que, superficialmente, solo quiere retratar una violencia sádica.

Y ciertamente lo hace! Nadie ve una película de este género esperando ver flores y un arcoíris. Pero el nivel de sangre y morbo en The Sadness está entre los más repugnantes y viscerales que he visto en una película en mucho tiempo (y eso es mucho decir viniendo de mi). Jabbaz sorprende con cada muerte y él lo sabe. Rompe muchos pactos del género (incluidas violaciones a mujeres y violencia contra los niños) asegurando que impactará a las mentes occidentales que la despreciarán, prefiriendo criticarla por una posible falta de elementos narrativos (como si eso alguna vez fuera el motor de una sociedad caótica sin reglas). No se equivoquen: si ocurriera una situación similar, sería así. O peor.

Todo el espantoso espectáculo se muestra a través de excelentes efectos prácticos. Hay varias escenas que permanecerán en mi memoria para siempre, desde un increíble anuncio de gobierno convertido en masacre hasta el arrastre de intestinos de metros de largo por el suelo, y una secuencia en un hospital que realmente es para aquellos con estómagos fuertes. En el departamento de dirección, Jabbaz demuestra que sabe filmar y crear una inminente sensación de claustrofobia que pone a su audiencia justo en el centro de la acción.

En general, imaginen un pariente lejano de Train To Busan (2016), pero más cruda, salvaje y menos sentimental. La trama no es el elemento más importante, es el pánico y la desesperación de un mundo ultraviolento, con toda la sangre y las tripas a las que tenemos derecho. Aunque los infectados son bastante rápidos, y las referencias a las películas de Romero están en todos los rincones, la película no logra sostenerse del todo y pierde un poco de impulso a medida que avanza. Comienza a agregar un elemento de violencia y, aunque toda la película es inquietante, la violencia sexual realmente eleva ese sentimiento desconcertante, quizás demasiado. Al final, The Sadness es una película contada con una gran cantidad de habilidad y estilo, así como con galones y galones y aún más galones de sangre. Es increíblemente horrible y visceral y, en pocas palabras, es la película más brutal que verán este año.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: La Abuela

Susana (Almudena Amor) está en el mejor momento de su vida. A pesar de ser una de las modelos más viejas de la industria a los 24 años, lleva una vida glamorosa como una cara publicitaria prometedora en el mundo de la moda parisina. La única conexión con su vida anterior en su ciudad natal de Madrid es su abuela Pilar (Vera Valdez) con quien mantiene contacto telefónico habitual. Susana perdió a sus padres en un accidente de auto hace muchos años y Pilar ha sido una persona importante para ella desde entonces. Cuando Pilar sufre una hemorragia cerebral, Susana deja todo para cuidar a su abuela, al menos hasta que encuentre una enfermera adecuada para cuidar de la anciana indefensa. Pilar está confinada a una silla de ruedas, no puede moverse ni hablar y requiere atención las 24 horas. Pero el esfuerzo físico y mental que conlleva cuidar a un pariente no es lo único que preocupa a Susana. Desde que se mudó con su abuela, ha estado plagada de terribles pesadillas y visiones. Podría ser que una fuerza invisible la persigue?

La búsqueda de la eterna juventud siempre ha sido un tema que acompaña a la humanidad. Basta un rápido vistazo al televisor o al celular para comprobar que el elogio de la belleza y la apariencia juvenil es omnipresente. Estamos inundados de ideales manipuladores de belleza en las plataformas de redes sociales, comerciales de cremas antienvejecimiento para contrarrestar el proceso de envejecimiento, y estrellas y aspirantes a estrellas que no envejecen ni un día gracias a tratamientos regulares de botox y cirugías estéticas. Pero el deseo de conservar la juventud hasta bien entrada la vejez no es un fenómeno moderno, sino que ha estado presente a lo largo de la historia humana. Hay historias del siglo XVI sobre la condesa húngara Elisabeth Báthory, de quien se dice que se bañaba en la sangre de mujeres vírgenes después de asesinarlas. Ningún precio parece demasiado alto para la belleza eterna.

Por qué entonces la gente está dispuesta a tirar todos los valores morales por la borda cuando se trata de su propia juventud? La respuesta es sencilla: el miedo, el miedo a envejecer. Así lo pensó también el director español Paco Plaza, que se hizo un nombre junto a su colega el director Jaume Balagueró con las películas [REC] (2007-2014) y luego alcanzó el éxito como director en solitario con la película de horror Verónica (2017). Con su último trabajo La Abuela, el experto en terror de España lamentablemente muestra los primeros signos de fatiga a pesar de un punto de partida emocionante.

Qué pasa si nuestra propia belleza es todo lo que buscamos? Hay aún lugar para la moralidad a la hora de recuperar la juventud? Y hasta dónde está dispuesta a llegar la gente por ello? La película utiliza estas preguntas interesantes, que no son desconocidas en el género de terror, y las presenta en una película de terror tranquila y reducida que se centra menos en los sustos y más en el drama humano. Durante mucho tiempo, sin embargo, Paco Plaza no consigue crear una atmósfera lo suficientemente densa como para cautivar de verdad. Para una película lenta de este tipo, es fundamental crear una cierta tensión a través de sutiles imágenes atmosféricas, que se esparcen pausadamente solo para tensarse en el acto final. Desafortunadamente, la cinematografía y la banda sonora escalofriante no son suficientes para llevar esta película con una trama predecible. Durante mucho tiempo, la historia se cuenta de manera muy lenta y vagamente, sin crear una sensación de horror tangible.

Lo que le falta a La Abuela en atmósfera y emoción, lo compensa con imágenes, simbolismo y profundidad de contenido. Susana es joven, bonita y codiciada. Pero también lo era su abuela hace muchos años, antes de que el tiempo pasara factura y la transformara en la frágil anciana que es hoy. Las fotos en las paredes recuerdan los viejos tiempos cuando ella misma era una mujer hermosa e impecable. Era un tiempo anterior a las enfermedades de la vejez, ante la piel arrugada de todo su cuerpo y ante los ojos enmarcados por profundas arrugas cuyo fuego parece haberse extinguido hace mucho. Su decadencia física también se refleja en su apartamento. Las plantas se han marchitado, los muebles están gastados y el espejo del baño ha sido removido por miedo a enfrentarse a la realidad.

La Abuela como película de terror sobrenatural falla, pero es su premisa la que genera un auténtico terror que te pone la piel de gallina. La verdadera fuente de horror en la película es la vejez en sí misma y la pérdida asociada de autodeterminación y claridad mental, y no la pérdida de la belleza. Cuando la risa estruendosa de la abuela de Susana continúa viendo el televisor cuando su nieta lo apaga y casi se convierte en gritos histéricos mientras sus ojos vacíos miran a través de la pantalla negra hacia la nada, esa es una imagen que es simplemente inquietante. Desafortunadamente, hay muy pocas de estas escenas fuertes en la película, por lo que, como espectador, desearías que la atención se hubiera centrado más en el drama real de la decadencia mental y no en la parte sobrenatural.

Si bien las películas con un trasfondo temático similar (que no nombraré para no crear spoilers) mantienen sus motivos ocultos durante mucho tiempo, La Abuela revela con la primera escena a dónde conducirá el viaje. Dado el tratamiento bastante genérico de los clichés de terror bien conocidos, La Abuela habría hecho bien en agregar otra capa de como resolver un misterio. Además de lo antes mencionado y el motivo emocionante, lo único que queda es el elenco. Vera Valdez con sus 85 años resulta ser el papel ideal de la mujer débil y bastante aterradora como la abuela Pilar, sobre todo por su frágil presencia física. Pero es Almudena Amor la que llena bastante de vida al personaje de Susana a través de una actuación creíble para poder empatizar con la joven modelo.

En general, la inmortalidad tiene su precio y no conoce la moral. La película siempre funciona mejor cuando el director Paco Plaza se enfoca en los horrores reales del envejecimiento y cuenta una historia deprimente sobre una nieta que enfrenta las presiones físicas y mentales que trae consigo el cuidado de un ser querido. Sin embargo, como película de terror sobrenatural no es muy convincente. La trama lineal se trata con muy poca tensión y la puesta en escena genérica de conocidos clichés de terror nubla los puntos fuertes reales de la película. Al final, La Abuela no es una película de sustos. Despliega su efecto lentamente. Probablemente demasiado lento para muchos fanáticos del terror. Durante largos tramos, la película se siente más como una película de terror art-house que socava las expectativas habituales del ritmo frenético que la audiencia actual espera. Si puedes involucrarte, recibirás un ingenioso relato sobre los temas que se tocan y también podrás preguntarte cómo lidiamos todos con el tema de la eterna juventud. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Firestarter

Cuando eran universitarios, Andy McGee (Zac Efron) y Vicky Tomlinson-McGee (Sydney Lemmon) participaron en un experimento químico organizado por el Dr. Joseph Wanless (Kurtwood Smith), que quería probar la actividad psíquica con la ayuda de la droga "Lot Six". Hoy, Andy y Vicky están huyendo, trabajando para proteger a su hija, Charlie (Ryan Kiera Armstrong), quien está en posesión de un poder pirocinético peligrosamente inestable, que le permite destruir a la gente con fuego. Mientras el trío intenta esconderse en un pequeño pueblo de Estados Unidos, a Andy le preocupa que Charlie se esté transformando en una gran amenaza y busca enseñarle a controlar sus sentimientos y disminuir su infierno interior. Charlie no está preparada para ese nivel de sumisión, lo que obliga a Andy a seguir huyendo con su hija. El último acto de violencia de Charlie despierta la atención del DSI, una organización secreta dirigida por Jane Hollister (Gloria Reuben), quien trae al asesino John Rainbird (Michael Greyeyes) para atrapar a Charlie, con la esperanza de estudiar sus poderes y matar a Andy, quien está en una batalla perdida con sus propias habilidades mentales, conocidas como "The Push".

Firestarter de Stephen King se publicó originalmente en 1980, inspirando rápidamente una adaptación cinematográfica en 1984, donde Drew Barrymore, recién salida de su papel en E.T. The Extra-Terrestrial (1982) interpretó a la niña piroquinética. La película intentó ser fiel al material de King y resultó en un intento un tanto lento de fusionar elementos de fantasía y terror con varios dramas de relaciones. No funcionó del todo, pero ciertamente tenía una idea clara de lo que quería ser. Esta nueva versión de 2022 no posee tanta confianza, apenas presta atención a la trama de King mientras el escritor Scott Teems inventa su propia historia de guerra mental, trabajando para condensar el libro original de manera que básicamente elimina la caracterización y el suspenso. Esta nueva Firestarter deja a uno rascandose la cabeza a veces, ya que busca ideas y conflictos, y es muy consciente de que la mayoría de los espectadores que se sienten a verla probablemente no tengan idea de que la película de 1984 (o el libro) existe.

Aparte de eso, esta versión de Firestarter es fácilmente la mejor de las tres producciones cinematográficas (sí, Firestarter: Rekindled sigue siendo el punto más bajo de esta serie). Leí la novela de Stephen King en la secundaria y recientemente volví a ver tanto la película original de 1984 como la secuela para televisión del 2002 para prepararme adecuadamente para esta visita de regreso al retorcido mundo de King. Mostrando traumas horrendos por quemaduras, efectos visuales espectaculares, una banda sonora espeluznante por parte del director/compositor John Carpenter y un tiempo de duración bastante rápido, se tiene un entretenido thriller de terror, incluso si, en mi opinión, sigue siendo una de las historias más pobres de King.

Aquellos que hayan leído el libro o visto la película original encontrarán mucha familiaridad aquí, pero las actualizaciones modernas y los ajustes al guión funcionan a favor de la película. Cuando Andy y Charlie escapan juntos, la película evoca a Logan (2017), mientras que Carrie (1976) sigue siendo una influencia obvia en el acto final. Hablando de Carrie, los paralelos en la historia y una historia de la mayoría de edad con superpoderes no se perdieron. Sin embargo, es por esta razón que Firestarter nunca ha sido realmente uno de mis cuentos favoritos de King. Con una rica bibliografía que abarca cientos de novelas, Firestarter no es ni la más original ni la más emocionante de todas. Tampoco estoy seguro de que esta nueva versión se ubique entre las diez mejores adaptaciones cinematográficas de su trabajo pero, no obstante, la pasé muy bien. Para aquellos que puedan quejarse de que se siente demasiado familiar y no abre nuevos caminos, Firestarter sigue adelante de todos modos. Uno tiene que admirar una película que tan descaradamente va a la yugular al representar crueldad animal y misericordia indeleble en cuestión de minutos.

El potencial de una nueva franquicia está salpicado por todas partes. Uno podría imaginar fácilmente que este trabajo continuará en muchas interpretaciones diferentes gracias al potencial infinito de los humanos con poderes. Tanto Ryan Keira Armstrong como Zac Efron muestran un nivel de conexión que se desangra para tirar de las fibras del corazón. El trabajo de los efectos prácticos es impresionante, y la música por parte de Carpenter te perfora el alma. Algunas de las muertes aquí son súper desagradables, y no es para los débiles de corazón. El elemento de terror es ligero, pero el cociente inquietante es alto, incluso si nada se acerca a igualar la pura locura y la ridiculez extrema del clímax de la película original, esta nueva Firestarter no tiene miedo de abrir un nuevo camino de muerte.

En general, esta nueva Firestarter se siente demasiado ligera, con el guión buscando convertir la búsqueda de Charlie en un escenario de venganza, lo que conduce a una secuencia de infiltración sin vida y mal escrita, y no es una gran demostración de las habilidades piroquinéticas de una niña angustiada. Falta profundidad emocional, historia y el porqué de las motivaciones de los personajes. El director Keith Thomas hizo un gran trabajo con The Vigil (2021), pero su espíritu independiente es aplastado por Blumhouse Productions, que anhela algo fácilmente comercializable y digerible, y también ofrece un final insatisfactorio que prepara una secuela. La película de 1984 ciertamente no está bien ejecutada, pero al menos trató de poner el mundo de King en la pantalla grande. Al final, Firestarter es una película agradable que te mantiene interesado. Desafortunadamente, el ritmo es pobre con algunas escenas en las que la película se detiene y todo se acumula hasta obtener una recompensa que está bien pero no es completamente satisfactoria.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Ambulance

El veterano militar Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II) está luchando por una cobertura de atención médica, tratando de establecer un tratamiento experimental para su esposa enferma. Incapaz de pagar por tal procedimiento, Will se arma de valor para reunirse con su hermano, Danny Sharp (Jake Gyllenhaal), un ladrón de bancos que está a punto de embarcarse en un plan para robar 32 millones de dólares de una institución financiera de Los Angeles. Al ofrecerle una buena cantidad de dinero para vivir, Will acepta un puesto en el equipo. Durante el atraco, los planes para una salida tranquila se ven complicados por el oficial Zach (Jackson White), un policía de Los Angeles, que nota algo mal en la situación, y le disparan una bala en el estómago por su curiosidad. Con el policía desangrándose, Danny se da cuenta del problema en el que se encuentra y trabaja con Will para tomar posesión de una ambulancia, lo que obliga a la EMT Cam Thompson (Eiza González) a mantener vivo a Zach mientras recorren la ciudad, perseguidos por la policía, dirigida por el capitán Monroe (Garret Dillahunt) y el agente del FBI Anson Clark (Keir O'Donnell).

La reputación del director Michael Bay es algo evidente. Es sin duda una celebración al exceso, ya sean explosiones grandes y ruidosas o una edición frenética, sus películas nunca han sido acusadas de ser intelectuales. A veces, el público solo quiere apagar sus cerebros y entretenerse, y eso no tiene absolutamente nada de malo, ya que sus películas continúan encontrando una audiencia. El escapismo puede ser algo poderoso. Pero cuando se trata de Ambulance, no es diferente. Con todo el elemento Bayhem que el público ha llegado a conocer y amar para bien o para mal, la mayoría se entretendrá con toda la locura en la pantalla. Rodada en medio de la actual pandemia del COVID-19 con un presupuesto sorprendentemente bajo, esto hace que la producción sea aún más impresionante. Aún así, sigue siendo una película muy entretenida aunque increíblemente estúpida.

Ambulance fue filmada en Los Angeles y quieren que lo sepas. De una manera extraña y realmente desordenada, casi sirve como un recorrido por la ciudad, si por un recorrido te refieres a una persecución de 2 horas y 15 minutos con vehículos policiales volcados, tipos grandes y musculosos que hablan demasiado y fuera de lugar, y muchos disparos y explosiones. Pero lo que también se obtiene son muchas tomas del paisaje de Los Angeles, durante los breves momentos en que los hombres musculosos se detienen y se quitan las gafas de sol el tiempo suficiente para admirarlo. La acción es excesiva, vibrante e impresionante al estilo de Bay. La cámara se sumerge y gira cada vez que puede, incluso cuando no es necesario. La trama es, para decirlo de manera caritativa, bastante estúpida, pero el trío de actuaciones atractivas por parte de Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II y Eiza Gonzalez son suficientes para creer casi todo.

La película sigue a un par de hermanos de diferentes ámbitos de la vida que se encuentran en problemas después de un fallido atraco a un banco. Si bien el por qué de todo esto realmente no importa, esto fue solo el comienzo para ellos, ya que las cosas empeoran cada vez más a partir de ahí. Al entrar en toda la situación por diferentes razones, están atrapados por las consecuencias de sus decisiones. La más grande es el secuestro de una ambulancia como medio de escape con una EMT (técnico médico de emergencia) y un oficial de policía herido a bordo. A partir de ahí, se produce una persecución a alta velocidad entre ellos y las autoridades que parecía que iba a durar para siempre. Por supuesto, esta no es la persecución habitual a alta velocidad que se suele ver en una película. Al final, lo que mantuvo la persecución fue el vacío de lógica para los crear dichos momentos del Bayhem.

En última instancia, el resultado final podría haber ido en muchas direcciones, pero estaba claro que algo cuestionable iba a suceder para mantener la persecución en el centro de Los Angeles. En ese punto, es mejor dejarlo pasar y no cuestionarlo, aunque todo se vuelve repetitivo. Dejando todo eso a un lado, Ambulance sigue siendo un vistazo tenso y entretenido con suficiente brillo para mantener al espectador interesado. La edición (o sobreedición), el diseño de sonido y los efectos especiales le dieron una sensación de escala y espectáculo, presentando algunas piezas de acción geniales en el camino. Lo que une a Ambulance son las actuaciones de Gyllenhaal, Mateen II y González como Danny, Will y Cam. Gyllenhaal definitivamente entendió el personaje y fue un placer verlo interpretar al desquiciado Danny. Parecía estar divirtiéndose mucho en un papel diferente al que la mayoría está acostumbrado a verlo. Él y Mateen II como Will crearon una dinámica divertida, ya que este último ayudó a equilibrar al otro como una especie de brújula moral. Su química vendió su relación de hermanos, ya que se puso a prueba en el transcurso de la película. Sin embargo, González fue el corazón de la película y una presencia sólida, defendiéndose en su interpretación como Cam.

Dicho esto, son las cosas improbables las que hacen que Ambulance sea divertida. Cuando apunta a la seriedad, nada funciona realmente. Entonces, cuando una pandilla callejera fuertemente armada se involucra a mitad de camino, solo queremos levantar las manos y seguir adelante. Cuando, después de que unos 50 autos han sido aplastados y hechos pedazos, Monroe dice, con toda seriedad, que está preocupado por el tráfico en las horas pico y cuán mortal podría ser la persecución, es tan tonto que lo único que podemos hacer es reírnos. Y eso no es nada comparado con la cirugía de precisión que se realiza dentro de la ambulancia a toda velocidad mientras cirujanos dan instrucciones a Cam a través de una videollamada. Es tan ridículo y a la vez me encantó cada momento.

En general, es Ambulance una de las mejores películas de Michael Bay? No, pero también ha pasado mucho tiempo desde que tuvimos una película que es tan esencialmente de él, y seré honesto, fue un respiro de aire fresco. Esto tuvo la sensación de una película de éxito de taquilla de verano y todavía me sorprende que Universal no esperó para lanzarla durante la temporada más popular del año. Al final, Ambulance es divertida, entretenida y absurda en todas las formas en que se espera que sea una película de Michael Bay, pero también es diversión rápida y frivolidad furiosa que logra sacar provecho de su premisa básica. La falta de moderación no es un problema, ya que es una de las mejores cualidades de una producción de Bay, pero su duración excesiva te deja más exhausto que eufórico. En resumen, es una película agradable. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Doctor Strange In The Multiverse Of Madness

El Dr. Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) está tratando de restablecer su propósito, trabajando para procesar cómo ha continuado su vida anterior sin él, incluida su ex, Christine Palmer (Rachel McAdams), que se va a casar con otro hombre. Acosado por sueños extraños que presentan una figura misteriosa en el multiverso, Strange pronto se pone en contacto con America Chavez (Xochitl Gomez), una adolescente que huye de una fuerza letal que busca reclamar su habilidad para crear portales en todo el multiverso. Junto con Wong (Benedict Wong), Strange tiene la intención de proteger a la enigmática joven, solo para descubrir que Wanda Maximoff/Scarlet Witch (Elizabeth Olsen) está detrás de todo, buscando apoderarse de America, que es capaz de proporcionar a Wanda acceso a la experiencia de la maternidad que está desesperada por proteger.

No se contrata a Sam Raimi para no hacer una película de Sam Raimi. Si bien muchos tomarán eso como "horror", es mucho más que eso. Al igual que las películas anteriores de Spider-Man de Raimi para Sony, Doctor Strange In The Multiverse Of Madness abarca todo lo bueno de los comics en su máxima expresión. Lo raro, las tonterías, lo bizarro, el humor y sí, el horror de los comics está todo ahí en una de las películas del MCU más ambiciosas y ciertamente más aterradoras hasta la fecha. Es perfecta? No, pero abre una puerta a mundos de posibilidades ilimitadas y eso es emocionante para un universo cinematográfico que a menudo se ha sentido estancado.

Después del megaéxito de Spider-Man: No Way Home el año pasado, que tomó el concepto del multiverso y lo explotó a niveles de servicio para fans, Multiverse Of Madness toma todo eso y lo mete en una licuadora mágica. Esta es una película que tiene lugar en múltiples universos, a veces todos a la vez, y es el tipo de locura que se podría esperar. No hay escasez de cosas que suceden en todo momento, todas gigantescas, y pueden ser tan agotadoras como estimulantes.

La película tampoco pierde el tiempo. En los primeros minutos, Stephen Strange es invitado a la boda de Christine Palmer, lucha contra un pulpo gigante de un solo ojo que se parece a Shuma-Gorath y salva a America Chavez de la captura y una muerte segura. Mencioné que la película comienza con una secuencia de persecución demoníaca en una realidad mística? Con Wong a cuestas, Strange se da cuenta de que quién está perseguiendo a America es alguien experto en magia oscura. A quién él conoce que pueda tener alguna idea de esto?

Es ahí cuando llega la introducción y el arco del personaje de Wanda Maximoff/Scarlet Witch, que sin duda va a ser controversial. Para decirlo sin rodeos: ella es pura maldad. Los eventos de WandaVision, que la vieron estudiar la todopoderosa magia del caos del Darkhold, la han llevado al límite. Consumida por el deseo de reunirse con sus hijos, Wanda usará los poderes de salto de dimensión de America para viajar a otro universo y hacerlo realidad, sin importar el costo. Esta es, en parte, una historia sobre cómo el amor de una madre puede ser torcido y corrompido.

Esa es la versión simple de la trama, pero hay mucho más en juego, y no envidio a los fanáticos casuales que vienen a ver esto esperando la relativa simplicidad que esperan del MCU. Pero para los ya iniciados, esta película es genial, y la diversión de Raimi es contagiosa. Un viaje a Kamar-Taj conduce a un enfrentamiento masivo entre la malvada Wanda y un ejercito de hechiceros. Es un infierno de espectáculo. Sus escudos de fuerza dorados se ven bastante débiles contra los hechizos carmesí de Wanda. A partir de ahí, es una carrera loca a través de múltiples universos, incluido un mundo de pintura, un mundo de dibujos animados y algunos otros que resultarán muy familiares para los fanáticos de Marvel con ojos de águila. Es una secuencia asombrosa que insinúa cómo podría verse una película live action de Into The Spider-Verse.

La película está llena de momentos como este, que provocan el potencial de mucho más. Los trailers ya delataron la presencia de Master Mordo (interpretado por Chiwetel Ejiofor), quien forma parte de Los Illuminati, junto a un líder calvo de un cierto grupo de mutantes. Hay una razón por la que Marvel estaba dispuesto a estropear esto, y es porque solo esa escena contiene sorpresas aún mayores. También es donde la mejor secuencia de acción pura de superhéroes lleva la película a otro nivel, con muertes impactantes que son más espantosas que cualquier cosa que Marvel haya hecho antes. Es servicio a los fans al máximo y, si el pasado de Marvel es un preludio, esto es un adelanto de lo que podríamos ver en el futuro cercano.

Multiverse Of Madness salta de espacio en espacio a un ritmo tan rápido que nunca encuentra realmente su núcleo emocional. Simplemente están sucediendo demasiadas cosas para insistir demasiado en los asuntos del corazón de Strange, que se cruzan en múltiples realidades, o con el instinto maternal corrosivo de Wanda. America Chavez es un personaje genial, y Xochitl Gomez interpreta el papel de manera convincente. Pero Chavez también se presenta a veces como un dispositivo de trama ambulante, simplemente acompañándo a Strange en el viaje. Strange, Wanda, Christine… todos vislumbran diferentes universos y ven versiones de sí mismos donde encuentran la felicidad que han estado buscando. Sin embargo, alguna vez lo encontrarán por sí mismos? Esta pregunta se resuelve hábilmente con las actuaciones de Benedict Cumberbatch, Xochitl Gomez y otros personajes, pero es Elizabeth Olsen, cuya interpretación desgarradora de Wanda Maximoff/Scarlett Witch podría hacerte simpatizar con su giro hacia el lado oscuro. Ella realmente es la estrella aquí, haciendo que Strange, Wong y muchos más parezcan débiles a su merced.

Esto sin lugar a dudas es una película de Sam Raimi, por lo que sus fanáticos sabrán que deben estar atentos a ciertas personas con las que está estrechamente asociado, pero también a un cierto estilo visual y comedia. Es un placer verlo convertir esto en una película de horror legítima de Marvel, con una Wanda empapada de sangre acechando a nuestros héroes como una asesina en la noche. Un zombie Dr. Strange no solo lucha, sino que dice palabras de sabiduría, y estalla en una batalla orquestal verdaderamente inspirada con notas musicales mortales como armas mágicas. Raimi no escatima en violencia ni en risas, y apoya a Marvel por permitirle hacer lo que mejor sabe hacer. En su primer largometraje desde Oz The Great And Powerful del 2013, Raimi ha demostrado con esta película que no solo debería regresar para Spider-Man 4, sino también hacer más cosas sobrenaturales para Marvel.

En general, esto es un desastre glorioso multiversal y un espectáculo increíble. La película arroja un montón de cosas al espectador, y no todas tienen sentido. Pero también es increíblemente entretenida y tiene suficientes momentos impresionantes para mantener a la gente hablando hasta que salga la próxima gran película de Marvel, y eso es una especie de hechizo por derecho propio. Al final, Doctor Strange In The Multiverse Of Madness mejora a su predecesora, y aunque hay muchos más nudos dramáticos para desenredar aquí, está el elemento Sam Raimi que sacude el Universo Cinematográfico de Marvel, presentándolo con su primera película y historia de horror. Sam Raimi hace un trabajo increíble aquí mientras se basa en logros anteriores, pero también proporciona su propia potencia como director, creando una de las entregas del MCU más distintivas y memorables hasta la fecha. Nota adicional: hay 2 escenas extra durante los créditos. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.