Review: Babylon

El cine mudo está de moda en la década de 1920, y Hollywood está lleno de actividad cinematográfica. La estrella de la pantalla Jack Conrad (Brad Pitt) está viviendo su mejor momento, mientras mantiene su atracción de taquilla, convirtiéndose en el ícono de Hollywood que todos quieren ser. Nellie LaRoy (Margot Robbie) es una mujer de New Jersey que está desesperada por convertirse en actriz, usa su inteligencia callejera y su estilo descarado para causar una gran impresión, convirtiéndose rápidamente en una gran atracción en la taquilla cuando finalmente le dan una oportunidad de brillar. Sidney Palmer (Jovan Adepo) es un trompetista de jazz que busca ofrecer grandes sonidos que están preparados para la exploración cinematográfica, dándole una muestra de la buena vida. Y Manuel Torres (Diego Calva) es un joven con aspiraciones en la industria del cine que sube la escalera del éxito mientras mantiene el foco en Nellie, su problemático objeto de deseo.

Pareciendo un hijo creado del amor loco de Boogie Nights (1997) y The Wolf Of Wall Street (2013), la emocionante, agotadora y descuidada oda de Damien Chazelle a la era de oro de Hollywood, Babylon, presenta excremento de elefante y una lluvia dorada en los primeros diez minutos. También presenta un Los Angeles como pocas veces lo han visto… tranquilo. Por un momento, de todos modos. La ciudad se encuentra en medio de una transición épica, no solo del cine mudo a cine de sonido o "talkies", sino que la ciudad en su conjunto pasa de un desierto tranquilo a un epicentro del mundo del espectáculo en expansión. Algunos dicen que Hollywood mastica a la gente y la escupe, pero esto siempre ha sido cierto. Ahora más con la presentación a la era trágica, esperanzadora y emocionante que Chazelle describe con amor y desgracia al cine clásico.

El acto de apertura es una maravilla hedonista, con miles de personas en una fiesta exclusiva donde un elefante pisotea los pasillos, las drogas se amontonan literalmente en montañas y todo el mundo juega algún tipo de ángulo. Los personajes se entrecruzan y chocan entre sí, con la cámara de Chazelle moviéndose de un lado a otro panoramizando todo. Para cuando termine la fiesta, y te hayan presentado al humilde soñador mexicano Manuel Torres, la caótica aspirante a actriz Nellie LaRoy y la superestrella del cine mudo Jack Conrad, creemos que ya los conocemos a ellos y a sus historias.

También se mezclan en esta velada prismática otros personajes que sugieren aspectos interesantes del Hollywood de antaño. Jean Smart interpreta a la anciana columnista de chismes Elinor St. John, que lo ha visto todo y conoce su lugar en la industria, Jovan Adepo interpreta a Sidney Palmer, un trompetista de jazz que se encuentra siendo abofeteado por la mano racista de Hollywood, y Li Jun Li como Lady Fay Zhu es una artista exótica con dos golpes en su contra, el ser asiática y ser gay.

Los intereses de Chazelle aquí son extensos... demasiado extensos. Solo el trío principal recibe la atención adecuada, y probablemente hubiera sido mejor dejar los otros temas por completo, ya que los problemas de racismo y homofobia no deberían ser objeto de burlas si no pueden explorarse por completo. Además, ya tiene suficiente que hacer examinando a la gente detrás de la maquinaria de Hollywood. Nellie, es una "chica salvaje" de New Jersey que cree que es una estrella o no lo es, y definitivamente lo es. Ella destila atractivo sexual y la energía de un espíritu libre. Manuel se enamora instantáneamente, y los dos se unen por sus sueños de estar en un set de películas de Hollywood. Mientras tanto, Jack está ocupado arruinando otra relación mientras busca a una futura ex esposa. Si Nellie es el alma de la fiesta, Jack es la persona genial con la que todos quieren estar cerca. No sorprende que Nellie, tan drogada con cocaína y bailando como un demonio, sea notada por los productores de Hollywood y le pidan que esté en un set a la mañana siguiente. Manuel se hace amigo de un Jack borracho y se convierte en su asistente, encontrando también su camino al set.

Después de ser bombardeados por una introducción tan loca, es difícil para Babylon adaptarse a un ritmo. Pero Chazelle encuentra su centro cuando, en una secuencia sacada de Hail Caesar! (2016) de proporciones cómicas, seguimos a Jack, Nellie y Manuel en varios rodajes de películas en un set desértico donde cada producción está tan cerca que crees que una podría mezclarse con la otra. Es aquí donde todos tienen su gran momento: la habilidad de Jack para dominar la pantalla incluso cuando esta borracho de la noche anterior, Nellie cautivando a su directora llorando bajo ordenes y Manuel saliendo en un momento decisivo para salvar toda la producción.

Aunque Chazelle traza el ascenso de sus personajes, sabemos que la caída será inevitable. El lado corrosivo y destructor del alma de Hollywood en esta era ha sido narrada muchas veces antes, y Chazelle juega con todos los aspectos hasta el límite. La película nunca es aburrida, pero vagabundea mucho. Chazelle salta de una extraña escena a la siguiente, y Nellie y Manuel reciben la mayor parte de la atención a medida que ascienden en la cadena alimenticia de Hollywood. En una secuencia muy extraña, Nellie y su padre (interpretado por Eric Roberts) luchan contra una serpiente en el desierto, mientras que Manuel, que ahora es un ejecutivo de estudio, trata de descubrir cómo remodelarla de la "chica salvaje" de New Jersey en una refinada dama de sustancia. Esta trama no tiene mucho tiempo en pantalla, como muchas otras en Babylon, antes de que Chazelle pase a otra cosa. El giro más extraño de todos es que Nellie y Manuel se adentran en el inframundo criminal, literalmente, donde conocen a un espeluznante jefe de la mafia interpretado por un espantoso Tobey Maguire. Todo tiene vibras de Dirk Diggler y Chest Rockwell, lo cual es entretenido pero difícilmente se siente parte de la película.

Impulsada por una banda sonora, la película es un recorrido rápido por un Hollywood en transición, y no todos van a sobrevivir. Si la historia de Nellie es la más predecible y la de Manuel la más conmovedora, la de Jack es la más trágica. Chazelle lo reduce un poco cuando relata los intentos fallidos de Jack de aprovechar su presencia en la gran pantalla. Siendo un accesorio y a la vez un abanderado de Hollywood, Jack apoya el cambio del cine a sonido cuando ve que es inevitable. Pero no puede evitar molestarse cuando ve que no está destinado a ser parte de esta nueva era. En una escena absolutamente aplastante entre él y Elinor, vemos la luz en sus ojos morir mientras ella arrasa con su gloriosa carrera. Es una mirada que, sin duda, miles de actores y actrices han tenido antes y muchos más volverán a tener.

Ahora, la película es muy insensata en muchas partes, lo que dificulta la conexión con los personajes o los temas que se presentan. También es demasiado excesiva para su propio bien. Tiene sentido retratar la naturaleza caótica de Hollywood durante la época de oro, pero varias secuencias equivalen esencialmente a un valor casi impactante que solo socava los elementos más reflexivos de la película. Es puro extremismo que tiene mucho en mente, pero no logra penetrar la superficie.

En general, Chazelle podría haber construido una película completa sobre el ascenso y la caída de Jack. En realidad, cualquiera de estas historias podría haber sido una película por derecho propio. Reunirlos a todos en una película es una movida ambiciosa que Chazelle logra hacer funcionar a través de su pura fuerza de voluntad y un elenco extremadamente talentoso. La película es (en pocas palabras) un retrato espeluznante y excéntrico de Hollywood durante la rugiente década de los 1920's, desde las fiestas extravagantes hasta la corrupción, al mismo tiempo que aborda la sensación de libertad creativa que existía antes de que se inventaran los "talkies" o el cine de sonido y el sistema de los estudios se hicieran cargo de todo. También explora los viajes de sus personajes principales a medida que sus caminos se entrelazan y experimentan la fama y el fracaso, todo lo cual conduce a un final desconcertante que seguramente dividirá a muchas personas. Al final, Babylon es una bestia absoluta de película con una técnica impresionante, pero carece de suficiente profundidad emocional y una narración sólida para respaldarla. A pesar de sus muchos defectos, es difícil no elogiarla, ya que contiene algunas de las mejores secuencias del año. Hay una gran película dentro de este monstruo de 3 horas de duración, pero tal como está, sigue siendo un logro impresionante que funciona la mayoría de las veces, incluso si no se acerca a ser el mejor trabajo de Chazelle. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordia.

Review: Till

En el verano de 1955, Mamie Till Mobley (Danielle Deadwyler) permite bajo protesta que su único hijo, Emmett Till (Jalyn Hall), de 14 años, se vaya de Chicago y visite a sus primos en Money, Mississippi. Una semana después, ocurre lo impensable: Emmett fue secuestrado a punta de pistola por hablar y silbarle a un comerciante blanca (Haley Bennett) y está desaparecido. Un par de días después, el cuerpo casi irreconocible de Emmett es recuperado en un río. Mamie, afligida y enojada, decide realizar un funeral público con el ataúd de Emmett abierto para que la gente pueda ver "lo que le hicieron a mi hijo". Las fotos de Mamie con el ataúd de Emmett son noticia nacional, lo que obliga a los estadounidenses a pensar en la maldad y el racismo en Mississippi. Los hombres responsables del asesinato de Emmett son, contra todo pronóstico, acusados ​​y Mamie testifica que pudo identificar a su hijo. Con el apoyo de su madre Alma (Whoopi Goldberg), su padre John (Frankie Faison), su prometido Gene (Sean Patrick Thomas) y la orientación del NAACP, incluido el director de campo de Mississippi, Medgar Evers (Tosin Cole), Mamie emerge como una de las primeras agentes de cambio para los derechos civiles.

El secuestro y la golpiza de Emmett Till, de 14 años, en 1955 es uno de los actos de violencia racial más horribles y mejor documentados en la historia de los Estados Unidos. Es una historia con la que la mayoría de las audiencias está familiarizada, ya que la decisión de su madre de celebrar un funeral con el ataúd abierto e invitar a los periodistas a informar sobre el incidente fue un momento importante dentro del movimiento de los derechos civiles y expuso al mundo a la larga historia de actos racistas cometida con frecuencia en los Estados Unidos. Ahora, la historia de Emmett Till ha recibido un tratamiento para la pantalla grande en la forma de la película biográfica Till de la directora Chinonye Chukwu, que se centra principalmente en la madre de Emmett, Mamie Till y sus valientes contribuciones al movimiento de los derechos civiles.

Antes de que se lanzara Till, ya había un problema sobre si una historia que contenía un trauma de esta gravedad debería convertirse en una película, independientemente de la importancia de la historia que se cuenta. Till es obviamente una película inquietante y emocionalmente devastadora, por lo tanto, aquellos que se sientan incómodos al ver este tema representado en la pantalla deben proceder con precaución, ya que algunas de las escenas pueden desencadenar todo tipo de emociones. Dicho todo esto, aunque la película ciertamente no se abstiene de explorar el salvajismo de este incidente y los efectos devastadores que tuvo en las víctimas, Chukwu dirige la película a través de un lente empático y sensible. Ella logra milagrosamente un complicado acto de equilibrio que requirió un tremendo nivel de habilidad y precisión.

Chukwu retrata con autenticidad el trauma que Mamie tuvo que soportar y la naturaleza horrible de la paliza de su hijo de una manera extremadamente cruda. Si bien la golpiza se muestra fuera de la pantalla, aún estamos expuestos al cuerpo hinchado y desmembrado de Emmett durante un extenso período de tiempo. Si bien esto puede ser difícil de manejar y se prolonga demasiado, Chukwu honra los deseos de Mamie al someter al público a un funeral con el ataúd abierto y exponernos a la brutalidad de este incidente. Es extremadamente difícil de ver, pero nunca sensacionaliza la tragedia y transmite un leve rayo de esperanza en todo momento.

La película prospera gracias a la fuerza de la actuación principal, y Danielle Deadwyler se consolida aquí como un gran talento dentro de la industria del cine. Ella ofrece una actuación confiada y desgarradora como Mamie Till, y está al mando de cada escena que aparece en pantalla. Es un papel emocionalmente desafiante que requiere que ella enfrente la tragedia y encuentre la fuerza para superarla. Hay un aspecto físico en su actuación que hace que los momentos dramáticos, como el juicio y el funeral con el ataúd abierto, se sientan devastadoramente reales, pero también aporta un nivel de intimidad a los momentos más tranquilos de la película. Es una hazaña milagrosa y es, sin duda, una de las mejores actuaciones del año.

La mejor manera de ver esta película es saber que vas a terminarla sintiéndote molesto. Vas a tener sentimientos de ira y la pregunta de por qué está bien matar a alguien, y por qué un jurado completamente blanco deja que la parte culpable se salga con la suya. Posiblemente con problemas de salud, Emmett Till debería estar vivo hoy, pero no, un par de racistas de Mississippi, J.W. Milam y Roy Bryant, decidieron darle una paliza y arrojar su cuerpo a un río. Su madre sabía que era su cuerpo al igual que su tío en Mississippi. Podría el sheriff identificarlo? No, por todo el racismo en juego durante el testimonio en la corte. Cuando vean Till, asegúrense de hacer planes para ver algo más ligero al terminarla. Confíen en mí, lo van a necesitar. Puede ser brutalmente devastador de ver, pero la película, con sus poderosas interpretaciones y todo, es un vistazo esencial. Todos tenemos el poder de acabar con este odioso virus que es el racismo. Con suerte, ese día llegará más temprano que tarde.

En general, la película puede parecer demasiado ordenada para ser un drama sureño, pero el diseño de producción y los vestuarios son impecables. A medida que la película evoluciona hacia la búsqueda de justicia de una madre y una batalla judicial, Danielle Deadwyler da un paso adelante y ofrece una representación poderosa en todas sus facetas. Debido a que sabemos que no habrá un final feliz, la película a menudo parece que no va a ninguna parte rápidamente para retrasar la inevitable tragedia. Hemos visto imágenes horribles como esta antes, pero necesitamos ver algo más duro, algo más honesto, algo que no se ajuste a las restricciones esperadas de los dramas biográficos históricos. Emmett y Mamie exigen más que eso. Cuando la película reconoce esto, es tan necesario como cualquier otra obra de arte realizada sobre el tema, pero con demasiada frecuencia, se aleja del horror mismo al que tiene que enfrentarse. Al final, Till es una película poderosa, a pesar de un par de fallas, con una actuación central notable que vale la pena ver, dado si uno es capaz de soportar el material extremadamente perturbador de la película. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Glass Onion: A Knives Out Mystery

Miles Bron (Edward Norton) es un multimillonario tecnológico que organiza una fiesta misteriosa de asesinatos en su isla griega, que alberga Glass Onion, un adornado espacio de vida. Ha invitado a sus amigos, conocidos como los "Disruptores", a unirse a él, con la política Claire Debella (Kathryn Hahn), el streamer Duke Cody (Dave Bautista), la diseñadora de moda Birdie Jay (Kate Hudson), el científico Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr.), y Cassandra Brand (Janelle Monae), la ex socia de Miles, que llega para un fin de semana de reunión en el paraíso. También se une al grupo Benoit Blanc (Daniel Craig), un maestro detective que recibió una invitación de una fuente desconocida, a quien se le pidió participar en un juego de misterio en el que Miles se convertirá en víctima. Mientras se intercambian bromas y los amigos se ponen al día con Miles y sus futuros planes de negocios, no pasa mucho tiempo antes de que ocurra un desastre, con uno de los "Disruptores" asesinado durante la noche, poniendo a Blanc en el caso para averiguar qué está pasando.

La película Knives Out (2019) de Rian Johnson ciertamente se destaca entre el resto de su filmografía. Siendo un misterio de asesinato fácilmente apto para una franquicia al estilo de Agatha Christie y la vieja escuela de quién lo hizo, Knives Out es única en el sentido de que puede trasladar el genio torpe del detective Benoit Blanc de Daniel Craig a cualquier escenario dado. Esta vez, no hay mansiones góticas ni la decadencia de la primera película. En cambio, tenemos lugares coloridos e impresionantes y una trama de alta tecnología que apunta a cancelar la cultura y la energía renovable. A pesar de sus nuevas circunstancias, esta secuela nunca pierde el ritmo, incluso realizando la tarea casi imposible de igualar o incluso superar la primera película. Un importante punto de venta de la primera película fue su gran elenco. Esta no es diferente. Edward Norton, Janelle Monáe, Dave Bautista, Kathryn Hahn y Kate Hudson, solo por nombrar algunos, reciben una vez más un excelente guión que no solo es gracioso, sino que ofrece muchos giros y vueltas al crear un misterio apasionante para sustentar toda la belleza y la locura.

Glass Onion tiene lugar durante la pandemia, donde el famoso detective Benoit Blanc se encuentra necesitando otro caso para revitalizar su carrera y ponerlo en el mapa. Pronto encontraría uno después de que un multimillonario tecnológico llamado Miles Bron lo invitara a una escapada de fin de semana en una lujosa propiedad en una isla apartada de Grecia para una fiesta de misterio de asesinato con sus amigos cercanos y su círculo íntimo de "Disruptores". Sin embargo, como es de esperar, las cosas no salen según lo planeado. El título de la película definitivamente no fue un error, ya que ciertamente hay capas que despegar y la clave de la historia son las historias de fondo de Bron y su círculo íntimo, ya que su amistad se puso a prueba cuando una oscura verdad amenazó con derribarlos a todos. Muchos giros y vueltas pondrán al público al límite, ya que esas capas se van despegando y las cosas no siempre son lo que parecen. Gran parte de la diversión de la primera película es ver a sus personajes enfrentarse entre sí frente a una situación tensa. Esta secuela ofrece muchos de los mismos momentos, no obstante, el guión les da más profundidad esta vez a cada personaje y tienen mucho tiempo para brillar en pantalla.

La mejor parte de la película fueron las actuaciones estelares en todos los ámbitos. El diálogo ágil llega rápido y furioso aquí, pero el elenco estuvo a la altura de la tarea. Daniel Craig con su encanto y carisma lo impulsan una vez más como Benoit Blanc. Si bien cada uno de los actores secundarios tuvo sus momentos, Kate Hudson se robó la mayoría de las escenas de manera graciosa como una ex modelo problemática llamada Birdie Jay, que es una sátira demasiado obvia de la propia actriz mezclada con un estereotipo de rubia extremista, incluidas las sesiones de fotos de Hudson en portadas de revistas y una broma a su empresa de fitness, Fabletics. De manera similar a la que Ana de Armas fue la gran sorpresa de Knives Out, es Janelle Monáe quien emerge como la estrella de Glass Onion. Inicialmente parece la persona extraña en la fiesta, con un papel que es considerablemente menos llamativo. Pero, a medida que las capas de esta cebolla comienzan a caer, su papel evoluciona y se convierte en algo totalmente inesperado.

De alguna manera, Rian Johnson ha logrado exprimir la diversión de este conjunto de actores y actrices que en la primera película y claramente está disfrutando de los recursos económicos ampliados aquí. Glass Onion es una película mucho más grande, adecuada para un lugar exótico. La isla de Miles es algo que a un villano de James Bond le encantaría como su cuartel general. Johnson también usa los excesos para hacer algunos chistes visuales realmente divertidos, cómo comentar sobre la naturaleza frívola de los ricos, la cultura "cancelada" y presentar algunas apariciones increíbles de otros actores y personajes del entretenimiento que definitivamente no deberían ser estropeadas. Indudablemente, querrán ver la película varias veces para captar todas las bromas astutas que se presentan porque siempre está pasando algo.

En general, aquí suceden tantas cosas que son parte de la distracción. El misterio en sí toma mucho tiempo para ponerse en marcha, pero la espera vale la pena porque cada interacción con este colorido grupo de inadaptados es genial. Blanc, de quien aprendemos más que en la primera película, se revela como mucho más que un detective común y corriente. Si Johnson se proponía crear un Hercule Poirot para la generación actual, va por buen camino. Al final, Glass Onion: A Knives Out Mystery es todo lo que los fanáticos de Knives Out podrían haber esperado, y Netflix ha hecho una inversión inteligente al asociarse con Rian Johnson. Si bien su título está inspirado en la canción de The Beatles de su White Album de 1968, Glass Onion es más directamente una referencia a la enorme cámara de vidrio en forma de cebolla que se encuentra sobre la mansión de miles de millones de dólares de Miles. Sin embargo, si conocen la historia detrás de la canción de The Beatles, probablemente puedan ver otra razón por la que Johnson la eligió. De cualquier manera, la película demuestra que Knives Out no fue casualidad, y Rian Johnson tiene una franquicia en sus manos. La película tiene algunos signos de interrogación, pero provoca muchas risas, te mantiene adivinando, tiene su propio sabor y es mucho más que un refrito de la película anterior. Si Johnson sigue así, tendremos muchas cosas buenas que esperar de él.

Una nota adicional: no vean Glass Onion esperando otra Knives Out. Expectativas como esas matarán la diversión. En cambio, permítanse experimentar esta nueva película de Rian Johnson. Glass Onion no es Knives Out y no intenta serlo. Experimenta, juega y está dispuesta a tomarse a sí misma un poco menos en serio en parte debido a los personajes en su centro, ya que son un grupo menos serio de lo que los Thrombey podrían imaginar. Ya sea que la vean en el cine o en la comodidad de su hogar, es una oportunidad de ver a un gran detective prosperar en medio de un misterio cuyas respuestas están justo delante de ti.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Strange World

En la tierra de Avalonia, Jaeger Clade (voz de Dennis Quaid) es un famoso hombre de aventuras que lleva a su hijo, Searcher (voz de Jake Gyllenhaal), a una expedición montañosa para ver qué les espera a los Clade y su legado. Cuando Searcher descubre una planta eléctrica especial llamada Pando, decide acortar el viaje y ve a Jaeger dejarlo atrás. 25 años después, Avalonia ha cobrado vida con la ayuda de Pando, que Searcher cultiva en una granja compartida con su esposa, Meridian (voz de Gabrielle Union), y su hijo adolescente, Ethan (voz de Jaboukie Young-White), que no está muy seguro de que la agricultura sea su futuro. Cuando la presidenta Mal (voz de Lucy Liu) hace una aparición repentina en la propiedad, Searcher se entera de que algo está matando las plantas de Pando, lo que requiere un viaje al origen del problema para ver qué se puede hacer. El grupo encuentra su camino hacia un mundo dentro de un mundo, y pronto se une el gelatinoso amigo Splat, quien ayuda a los exploradores a descubrir qué está pasando en este misterioso espacio de constante amenaza. Uniéndose al equipo está Jaeger, quien ha estado recorriendo este mundo durante décadas, recién reunido con su hijo, quien tiene sentimientos encontrados sobre el hombre y su influencia en Ethan.

La división de animación de Walt Disney Pictures nos brinda una película de aventura con Strange World. Esta película continúa con el tema del trauma familiar generacional, esta vez centrándose en el lente masculino. Centrada en una familia de tres granjeros, esta película trata sobre un padre que quiere ser para su hijo lo que su padre nunca fue para él. Sin embargo, se convierte en el mismo padre que no quería ser, lo que puede sonar familiar para muchas personas. Strange World es una película progresiva y definitivamente hace un par de cosas bien, particularmente por la representación en pantalla de como se muestran las cosas en el entorno familiar.

Al perder a su padre, Jaeger Clade, por las aventuras a una edad temprana, Searcher hizo sus esfuerzos para mantenerse con los pies en la tierra viviendo en su granja con su familia. Con su esposa e hijo crecen un tipo de cultivo único que es una parte vital de la existencia y el sustento de aquellos que habitan la película. Pero la familia se ve obligada a aventurarse en el centro de la tierra después de que sus cultivos comienzan a pudrirse, lo que podría poner en riesgo a toda la comunidad.

La familia y otros personajes viajan a una tierra extraña en el centro de la tierra que se siente casi como el mundo de Journey To The Center Of The Earth (2008). La tripulación se encuentra con criaturas extrañas y locas, y un mundo colorido que está realmente vivo en todos los sentidos. Es aquí donde se reunirá la familia del gran explorador Jaeger Clade, que originalmente se creía perdido en el mundo antes mencionado. A partir de ahí, el drama generacional cierra un círculo cuando Jaeger, Searcher y Ethan deben aprender a enfrentarse a sí mismos.

Si bien la película es una oferta sólida de Disney, es enormemente decepcionante. Tiene algunos momentos tiernos y una buena historia, pero la película es bastante hueca y expone en lo qué se ha convertido Disney. Hay una sensación real de que sus esfuerzos recientes se han quedado sin emoción e imaginación genuinas y hay una falta de innovación minuciosamente clara. En el momento en que la acción aumenta y la película está bien metida en la aventura, se siente como si estuviera operando en piloto automático. Aunque una película de Disney en piloto automático aún puede ser una película aceptable, también es una experiencia desalentadora.

En el departamento de voces, Dennis Quaid es fácilmente el más destacado como Jaeger Clade. Claramente se está divirtiendo mucho con este papel y es muy fácil divertirse con el personaje. Es un aventurero sacado directamente de una historia antigua y alguien de quien la película debería haber presentado más. Mientras tanto, el resto del elenco de voces es sólido, pero aparte de Quaid, no hay más destacados aquí.

En general, la película ofrece un enfoque progresivo a una historia bastante genérica. Si bien es un vistazo agradable en su mayor parte, es decepcionante en su conjunto. Dennis Quaid como Jaeger Clade sin duda se roba el espectáculo en una película que nunca podría lograr ser algo más que simplemente aceptable. Si bien no es horrible, es algo que muchos no recordarán después de que aparezcan los créditos finales. Al final, Strange World es una de las películas más débiles entre las películas modernas de Disney. Es tan inmensamente promedio que casi no hay nada que discutir al respecto. Apuesto a que esto se olvidará rápidamente en Disney+ y no explotará en popularidad. Es pasable, pero no es impresionante.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Fabelmans

Cuando era niño en New Jersey, Sam (Gabriel LaBelle) tuvo su primera experiencia de ir al cine al ver The Greatest Show On Earth, que contenía una secuencia de un accidente de tren que cambió su vida. Junto a sus tres hermanas, Sam es criado por su madre Mitzi (Michelle Williams) y su padre Burt (Paul Dano), recurriendo al poder de una cámara para hacer realidad sus sueños cinematográficos. Una mudanza a Phoenix, Arizona siendo adolescente cambia todo para Sam, quien comienza a satisfacer su ambición de director con la ayuda de sus compañeros Boy Scouts, y también comienza a comprender la tristeza dentro de Mitzi, quien es propensa a un comportamiento bipolar y permanece incómodamente cerca de Bennie (Seth Rogan), el compañero de trabajo y mejor amigo de Burt. Otra mudanza al norte de California ejerce una gran presión sobre los lazos familiares, mientras que Sam también lidia con el antisemitismo en la escuela, tratando de manejar todo el estrés y la confusión en su vida mientras las actividades cinematográficas le permiten alguna forma de escape y terapia.

Si le preguntas a alguien que nombre al primer director que se le viene a la mente, lo más probable es que diga Steven Spielberg. Spielberg se ha convertido en sinónimo de la profesión cinematográfica y del cine en general. A lo largo de su carrera histórica, ha creado innumerables clásicos que superan los límites del cine y contienen una cualidad escapista mágica que pocos cineastas han podido replicar. Ya sea que esté creando clásicos de la infancia, como E.T. The Extra-Terrestrial (1982) o Raiders Of The Lost Ark (1981), u obras serias, como Schindler's List (1993), el público siempre puede contar con Spielberg para ampliar las fronteras del cine y crear algo totalmente único.

Dicho esto, las películas de Spielberg a lo largo de la década del 2010 fue inusualmente corriente. Si bien sus películas se realizaron de manera competente y tuvieron éxito desde el punto de vista comercial y de premios, carecían de pasión y singularidad. Parecía que Spielberg se estaba convirtiendo en un caparazón de su antiguo yo. Lincoln (2012), Bridge Of Spies (2015) y The Post (2017) tenían mérito artístico, pero no contenían ninguna de las cualidades que hacen de Spielberg un cineasta único, mientras que The BFG (2016) y Ready Player One (2018) fueron intentos de recuperar sus días de gloria. Afortunadamente, su adaptación de West Side Story (2021) revitalizó su carrera y demostró a los críticos que Spielberg todavía es capaz de producir magia cinematográfica cuando se le da el material adecuado.

Spielberg continúa West Side Story con su película más personal hasta la fecha. The Fabelmans es un relato semiautobiográfico de la propia infancia de Spielberg, que se centra en la dinámica familiar disfuncional y los momentos que lo llevaron a enamorarse del arte del cine. Más de 50 años después de su carrera, Spielberg crea uno de sus mejores logros hasta la fecha. La mayoría de las audiencias han crecido y aprendido a amar el cine a través de las películas de Spielberg, por lo que ver al hombre que creó varios clásicos influyentes, hacer su carta de amor a la forma de arte a la que ha contribuido tanto, se siente como un momento verdaderamente especial.

Desde la primera escena, Spielberg invita al público a su propio mundo, creando un retrato familiar auténtico y vulnerable que se basa en el realismo y está lleno de magia y un amor genuino por la vida. Spielberg a menudo se limita a dirigir y confía en el escritor Tony Kushner para trabajar en el guión, pero esta vez ambos trabajan en colaboración para asegurarse de que esto sea un retrato preciso de su vida. El guión está increíblemente bien escrito, es sorprendentemente divertido y extremadamente inteligente. A través de una cinematografía impresionante y una banda sonora del colaborador habitual John Williams, The Fabelmans es un relato inmersivo de la infancia de Spielberg.

Spielberg reúne aquí a un elenco impresionante que es más que capaz de ofrecer actuaciones auténticas y potentes. Gabriel LaBelle tiene grandes zapatos que llenar interpretando a una de las figuras más reconocibles de la industria del cine, pero afortunadamente hace un papel espectacular. Su actuación abarca años de la vida de Spielberg, y hace un gran trabajo al retratar el crecimiento que experimentó Spielberg durante sus años de formación. El elenco de apoyo incluye actuaciones destacadas de Paul Dano, Judd Hirsch y David Lynch, por nombrar algunos, pero es Michelle Williams quien será la recordada cuando llegue la temporada de premios. Su actuación le da la oportunidad de demostrar de lo que es capaz como actriz. Ella muestra una variedad de emociones y da vida a un personaje moralmente complicado y en capas.

En general, la película no se trata solo del ascenso de Spielberg para convertirse en uno de los mejores directores de cine de la actualidad, o "creadores de películas". También se trata de la forma en que recordamos nuestros recuerdos más poderosos y recordamos a aquellos que más nos impactaron. La película se expande en complejidad significativamente en la mitad, y al mismo tiempo que Sam actualiza su equipo de cámara y edición, hay preocupaciones más adultas en el hogar de los Fabelman. Al final, The Fabelmans es una odisea verdaderamente sobresaliente que se encuentra entre los mejores logros de Spielberg y dejará a sus fanáticos completamente asombrados. Sin duda, es un magistral relato de la infancia de Spielberg que seguro será una experiencia emotiva para los seguidores de su impresionante carrera.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Empire Of Light

En 1980, el Empire Theatre está abierto al público y ofrece dos pantallas de entretenimiento cinematográfico, con el gerente general Ellis (Colin Firth) supervisando el cine. Hilary (Olivia Colman) es una gerente y empleada de mucho tiempo que se apega a su rutina sin prestar atención a las películas. Cuando un nuevo empleado, Stephen (Micheal Ward), llega a la escena, Hilary se siente inmediatamente atraída por el hombre de edad universitaria, buscando establecer una conexión mientras pasan días juntos en el trabajo. Stephen responde a algo sobre Hilary, y los dos comienzan una relación sexual, tomando su tiempo privado en un área cerrada del cine, con Stephen creyendo que están construyendo un vínculo. Sin embargo, Hilary está lidiando en privado con esquizofrenia, usando medicamentos para equilibrarse en público, pero las grietas en su comportamiento comienzan a mostrarse, alarmando a su amante a medida que se vuelve más maniática, exponiendo una larga batalla contra la enfermedad mental.

Siendo una de las películas más decepcionantes que he visto este año, Empire Of Light se esfuerza por combinar tensiones raciales, el trauma de la salud mental y el amor puro por el cine. Desafortunadamente, a pesar de tener una serie de momentos aislados que probablemente se verían geniales en un resumen de los Premios de la Academia, todavía se queda corta. El guionista y director Sam Mendes tiene aquí una visión extraordinaria, y aún más espectacular es la actuación de la ganadora del Oscar Olivia Colman y su compañero de pantalla, Micheal Ward. Por qué entonces la película está tan llena de problemas?

El Empire Theater se está desvaneciendo rápidamente, y es una sombra de lo que alguna vez fue. Sin embargo, todavía hay clientes fieles que vienen todos los días, ya sea para ver una proyección de The Blues Brothers (1980) o Smokey And The Bandit (1980). Hilary, una gerente de turno, hace todo lo posible por sonreír y saludar a cada cliente como si fuera un miembro de su familia. Reinando sobre Hilary está el gran jefe, Ellis, quien llama constantemente a Hilary para que vaya a su oficina donde ella lo masturba en secreto a su conveniencia. Stephen, un joven empleado nuevo, es entrenado por Hilary mientras se adapta al trabajo en el cine. En una película mejor, Stephen actuaría como nuestro personaje central, una ventana a este mundo y a la magia del cine. En cambio, el ángulo del "poder del cine" aquí se presenta a través del proyeccionista Norman (interpretado por Toby Jones), un personaje cuyo papel es tan mínimo que bien podría no existir en lo absoluto.

Cuando se produce un extraño romance entre Stephen y Hilary, Stephen también se enamora de cómo funcionan las proyecciones y los rollos de las películas. No obstante, estos dos elementos no se ejecutan de una manera unida. La amistad de Norman con Stephen ocurre tarde en la película, mientras que la relación de Stephen y Hilary es fundamental para la "historia". Utilizo el término historia de forma muy vaga aquí, principalmente porque el guión de Mendes está tan disperso que bien podría haber estado dividido en viñetas. El romance central es cuestionable en el mejor de los casos, y uno no puede evitar pensar que si los géneros se hubieran invertido, la mayoría de la gente gritaría.

Los empleados del Empire Theater ahora se preparan para el próximo y emocionante estreno de la película Chariots Of Fire (1981) con la asistencia del elenco y el alcalde, un evento que podría volver a ponerlos en el mapa. A medida que avanza la película, la amistad de Stephen y Hilary da muchos giros extraños. La esquizofrenia entra en juego, al igual que el concepto de Stephen sobreviviendo como un hombre de color en Inglaterra bajo el gobierno de Margaret Thatcher en 1980. Algunos momentos íntimos entre los dos personajes funcionan bien, uno bajo fuegos artificiales es impresionante de contemplar gracias a la cinematografía, y su conexión por un pájaro se siente especial. A pesar de ello, la mayoría de las veces, esta pareja simplemente no coincide. Parecen saber que lo que están haciendo está mal y también comienza a tener un efecto negativo en el desempeño laboral de Hilary. Ambos son buenos por separado como personajes, pero en general, sus historias juntos no tienen mucho sentido.

La mejor parte de la película fue la hermosa cinematografía y su excelente banda sonora que funcionó para establecer un tono, pero lo que finalmente unió toda la película fue la actuación estelar de Olivia Colman como Hilary. Tomando un giro diferente al que muchos probablemente están acostumbrados de ella, Colman crea una figura vulnerable pero empática con una historia interesante. Micheal Ward se nutre únicamente de su presencia en pantalla mientras se defiende junto a Colman. La química de Colman y Ward hacen que la película funcione a pesar de los problemas antes mencionados.

En general, si había una película que debía gustarme mucho, debería haber sido esta (porque fuí ujier en un cine). Un incidente que ocurre con un cliente con comida me recordó algunas de las cosas con las que tuve que lidiar a diario gracias a las reglas arcaicas del cine. La monotonía de los deberes de los ujieres y proyeccionistas, y el limpiar las salas después de cada tanda también se presenta con bastante precisión. Aún así, en su mayoría, el escenario del cine se usa sólo como telón de fondo. Al final, Empire Of Light no logra hacer nada remotamente emocionante con su premisa. Sin Colman y Ward en el centro, sería una película casi imposible de ver. Su tiempo de duración de 1 hora y 48 minutos realmente agota la paciencia de uno, ya que honestamente sentí que la película podría haber terminado al menos cinco o seis veces antes de que realmente lo hiciera. Luché por descubrir por qué Sam Mendes sintió que esto era digno de verse en una pantalla grande cuando su película anterior, 1917 (2019), fue una obra maestra.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Tár

Lydia Tár (Cate Blanchett) es una famosa directora de orquesta y compositora, que logró una carrera con la que pocos podrían siquiera soñar. Se está preparando para su mejor año, lanzando una autobiografía y mudándose a Alemania para comenzar a trabajar en una grabación de la Sinfonía No. 5 de Gustav Mahler, centrándose por completo en los finos detalles orquestales de la obra, decidida a agregarla a su impresionante legado. Ella comparte un hogar con su esposa y violinista Sharon (Nina Hoss), y comparte la crianza de su pequeña hija Petra (Mila Bogojevic), pero Lydia está motivada a ser la mejor del mundo, llevando a su orquesta al límite mientras ensayan y refinan la sinfonía. Obsesionada con la perfección, Lydia ignora a otras personas en su vida, descartando a su asistente Francesca (Noémie Merlant), al asistente de dirección Sebastian (Allan Corduner) y al banquero Eliot (Mark Strong). Confundida en su propia cabeza, Lydia pronto se distrae con la llegada de la violonchelista rusa Olga (Sophie Kauer), una joven que se pone a disposición de la directora de orquesta, y pierde su enfoque en un momento en que información confidencial de su pasado amenaza su carrera.

Todd Field puede ser un nombre desconocido para los fans del cine más jóvenes, pero en un momento fue considerado uno de los cineastas emergentes más prometedores de su generación. Originalmente actor, Field decidió dedicarse a estar detrás de las cámaras después de trabajar bajo la tutela de Stanley Kubrick durante la producción de Eyes Wide Shut (1999). Sus primeras dos películas, In The Bedroom (2001) y Little Children (2006), recibieron elogios y fueron nominadas a varios premios Oscar. Después de una pausa de 16 años, Field hace su tan esperado regreso con Tár, su película más ambiciosa y creativa hasta la fecha.

Para Tár, Field contrata a la legendaria actriz Cate Blanchett para interpretar a la compositora ficticia Lydia Tár, que está destinada a convertirse en un personaje icónico del cine. La película comienza con una larga entrevista a Tár, que revela su currículum casi demasiado bueno para ser verdad, que incluye el convertirse en la primera directora titular de una importante orquesta alemana y ser una rara ganadora del EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony). A pesar de sus muchos logros, Tár es una figura compleja, encantadora y brillante, pero su ego la ha aislado de muchos de sus compañeros. Mientras se prepara para dirigir la pieza final de su serie de sinfonías de Mahler, su carrera y su vida se salen de control a medida que su pasado comienza a acecharla.

En un año repleto de películas originales y desafiantes, Tár se destaca como una de las mejores. A pesar de una ausencia prolongada de la industria del cine, Field ha crecido significativamente como artista y ha usado su tiempo libre para construir lentamente su obra pieza por pieza. La película es un retrato detallado y elegantemente escrito de una genio torturada que vive en un mundo claramente moderno donde la cultura de la cancelación se cierne sobre la industria, lista para atacar a aquellos que pierden el sentido de su moral. Mediante el uso de una edición inteligente y un diseño de sonido, Field crea una experiencia inmersiva que coloca a la audiencia en la cabeza de Tár y nos pide que la abracemos en sus mejores y peores momentos. Es un estudio de personajes en capas y sorprendentemente relevante que desafiará al público a cuestionar cómo las acciones y la personalidad general de una artista dictan la forma en que perciben el arte que crean. Field no inserta su opinión, sino que permite que la audiencia forme la suya, ofreciendo más preguntas que respuestas.

Tár es una pieza cinematográfica espectacular, anclada por la mejor actuación de su carrera por parte de Cate Blanchett. La película no hubiera funcionado si Blanchett no hubiera aceptado el papel, y ciertamente hay algo de verdad en eso. El papel de Tár es extremadamente exigente, y la complejidad del personaje es una parte central de la película que solo una actriz del calibre de Blanchett podría lograr. Blanchett obviamente ha ofrecido actuaciones increíbles en el pasado, pero Tár sin duda será su mayor logro. Hay una línea icónica en la película en la que Tár da una una clase y dice "si quieres amanecer con una máscara, baila con esa máscara, debes engrandecerte a ti mismo y a tu identidad". Blanchett claramente siguió este consejo, ya que desaparece por completo en el papel, creando un personaje que se siente auténtico y con múltiples capas.

En general, a pesar de lo genial que es la película, podría haberse acortado fácilmente. Sin embargo, las escenas largas tienen un propósito para el gran arco de la historia. Todd Field hace un excelente trabajo plantando herramientas que utilizará más adelante, y los detalles más pequeños se usan para presentar algo en un plano grande. Todo sobre la película funciona en armonía para crear un comentario sobre lo fácil que es caer desde arriba y nos recuerda que uno nunca puede escapar de su pasado. La película recibirá fácilmente algunas nominaciones y, potencialmente, otra victoria del Oscar para Cate Blanchett. Al final, Tár es una brillante obra cinematográfica que desafiará al público y, sin duda, es una de las mejores películas del año.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Violent Night

Es Nochebuena en Connecticut, y Jason (Alex Hassell) espera conectarse con Linda (Alexis Louder), su esposa separada, y sacar tiempo para su hija, Trudy (Leah Brady). Están visitando la mansión de Gertrude Lightstone (Beverly D'Angelo), la madre y titán corporativa de Jason, que apenas está interesada en una reunión navideña, que también involucra a su hija, Alva (Edi Patterson) y su desagradable familia. Scrooge (John Leguizamo), quien interrumpe la celebración, lidera un equipo de mercenarios que rápidamente toma el mando de la casa, con la esperanza de desbloquear una fortuna guardada dentro de una bóveda secreta. Mientras la tensión aumenta en el interior, Santa Claus (David Harbour) hace sus rondas navideñas afuera, y se involucra en la pelea mientras aquellos en su "lista de niños malos" intentan matar al héroe navideño, sin saber que el hombre mágico está completamente preparado para contraatacar.

Seamos realistas, la programación navideña, ya sea en el cine o la televisión, es repetitiva o obsoleta en su mayor parte, por lo que siempre es genial cuando surge algo diferente para cambiar las cosas. Cuando se trata de Violent Night, la película definitivamente ofrece lo que sugiere su título, ya que al público le espera una noche violenta. Siendo un cruce entre Die Hard (1988) y Home Alone (1990), la película convierte a Papá Noel en el próximo héroe de acción y es una delicia verlo. Dicho esto, la trama es entretenida, pero con una duración de casi 2 horas, fácilmente podría haber sido al menos 10 o 20 minutos más corta, ya que intenta rodear toda la premisa con una historia esencialmente sin sentido para fundamentarla y hacerla avanzar. Si bien los personajes son derivados de otros que ya hemos visto antes, la mayoría de las personas solo quieren ver a Santa Claus despachando enemigos y por eso, tiene éxito y será lo que la mayoría recordará. Aunque hay muchas películas en la misma línea, lo que se distingue es el giro navideño que le da al género, mostrando mucha visión y creatividad. No solo es emocionante, también es sorprendentemente divertida.

Basta decir que esta versión de Santa Claus es muy diferente a lo que la mayoría de la gente está acostumbrada a ver. Este Papá Noel se encontró en una posición que no entendía del todo pero que, sin embargo, siguió durante más de 1,000 años. Mientras tanto, los tiempos y las personas ciertamente han cambiado durante su mandato, por lo que es fácil que esté hastiado y haya perdido la fe, ya que el concepto de Santa Claus ya no era lo que solía ser. A pesar de esto, siguió adelante. Pero no sabía que esta Navidad iba a ser diferente, ya que una vez más se encontró en una situación precaria en la forma de una invasión en un hogar por parte de un grupo de mercenarios que atacaron la propiedad de una familia adinerada en Nochebuena. Dependerá de él salvar el día, aunque para hacerlo, necesitaría que le recordaran quién era. Ahora, romper la historia de Santa Claus y agregar tiempo excesivo de la película en la familia, no trae nada más que una disfunción común y varias otras tramas secundarias que se derivan de ella. No importan y son simplemente una distracción.

No es que realmente tuviera que hacerlo, pero a Santa Claus se le da una especie de historia de fondo para justificar sus acciones aquí. Cuando se trata de la acción, él es quien es y la película usa eso a su ventaja. Las escenas de lucha son una maravilla para ver, ya que Santa utiliza su entorno de manera ingeniosa, mientras que la música navideña que se reproduce por encima de las secuencias solo se suman a ellas. Toma un poco de tiempo llegar ahí, pero una vez que llega, no decepciona. Aún así, uno no puede evitar querer más, ya que la película parecía priorizar otras tramas secundarias, por lo que no logró encontrar un equilibrio adecuado. Mientras avanza la película, todo se vuelve cada vez más ridículo a medida que se presenta lo que está en juego. Sin embargo, todavía encuentra la manera de unirse mientras buscaba algún tipo de final para justificarse y dejar caer un mensaje que probablemente se pierda en el público. Además, el mensaje bonito y esperanzador que pretendía ser para hacer un punto no es tan sutil del todo.

En última instancia, la mejor parte de la película es la excelente actuación de David Harbour como una versión muy diferente de Santa Claus. Rompiendo el molde, tiene fallas, y no sabe todas las respuestas, pero el encanto y la simpatía de Harbour solo hicieron que este Santa Claus fuera más atractivo. Fue genial verlo resolviendo cosas a medida que luchaba contra varios mercenarios de manera creativa, por no mencionar brutales. Si bien Harbour es indiscutiblemente lo más destacado de la película, no se puede decir lo mismo de todos los demás que lo rodeaban. Aunque es bueno ver a Beverly D'Angelo una vez más en una gran producción, esta vez como la matriarca de la poderosa familia Lightstone, Gertrude Lightstone, su lado de la historia no fue tan interesante.

En general, con todas sus altas y bajas esta es la explosión navideña que muchos esperaban, ya que es probable que la actuación de David Harbour sea recordada durante mucho tiempo. En realidad, me sorprendería si esta es la última vez que vemos a Harbour como Santa Claus. Esta es una película construida para múltiples secuelas que pueden explorar el oscuro pasado de Santa, ya que la Navidad siempre va a estar bajo amenaza, verdad? Al final, Violent Night es una película que merece una rotación navideña. Es más, hasta me atrevería a decir que se puede convertir en un nuevo clásico navideño ya que está llena del tipo de diversión que no se ve en las películas navideñas con demasiada frecuencia. Llenará de satisfacción tanto la necesidad de buenas vibras navideñas como la lujuria por el caos de Santa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Poker Face

Hace mucho tiempo, Jake (Russell Crowe) y su socio, Andrew (RZA), establecieron un programa de poker durante los primeros días del Internet. Eventualmente vendieron la tecnología a los militares, convirtiéndolos en millonarios, dándole a Jake una vida de lujo que ha disfrutado al máximo y invirtiendo en arte. Sin embargo, con toda su fortuna Jake no puede comprar la inmortalidad, y una enfermedad terminal ha transformado su enfoque, dedicándose a la planificación de una noche de poker en su mansión, reuniéndose con sus viejos amigos Michael (Liam Hemsworth), Alex (Aden Young), Paul (Steve Bastoni) y Andrew. Se proporciona vino, cigarros y cartas, pero Jake está buscando algo más, ejerciendo una presión única sobre sus amigos para que confiesen sus pecados y miedos mientras juegan con una fortuna en fichas, orquestando una velada retorcida que eventualmente se complica por un agresor externo que el organizador de la fiesta no invitó.

Si bien es conocido principalmente como actor, Russell Crowe ha incursionado en la dirección varias veces durante su carrera, más recientemente con The Water Diviner (2014), que intentó ofrecer una historia épica de familia y pérdida a la sombra de la Primera Guerra Mundial. Crowe esta vez no va tan grande con Poker Face, supervisando un estudio en gran medida íntimo de amistad, contenido en su mayoría en un solo espacio y destacando las ansiedades de varios personajes. Aquellos que esperan un juego de cartas intenso y muchas apuestas busquen en otro lugar, ya que la película solo dedica pocos minutos a la competencia. El resto se divide entre momentos de antagonismo y angustia. Si bien comienza con un material misterioso y interesante, todo eventualmente se desmorona. Tratando de ser demasiadas cosas a la vez, Crowe trata de salvar la película con actos de malabarismo narrativo que no puede manejar.

La película busca establecer lazos de vida con una escena de apertura que sigue a Jake y Andrew adolescentes para un día de natación. Se encuentran con futuros amigos y un nuevo enemigo, y el poker se convierte en una forma de combate para los niños, creando lealtades a medida que los adolescentes avanzan hacia la edad adulta. Nos ponemos al día con Jake como un anciano que enfrenta la amarga verdad sobre su mortalidad, aunque el guión mantiene en secreto los detalles de su sentencia de muerte hasta el final de la película. En cambio, hay un hombre que llora la pérdida de algo, tratando de encontrar la paz en un museo (donde se le acerca una estudiante que busca crear un retrato), y visitando a un sanador espiritual que le ofrece sabiduría y acceso a una sustancia que ayudará a terminar con su propia vida. Hay una quietud inesperada en las primeras escenas, y Crowe genera interés en el personaje principal, que está trabajando en algo mientras organiza planes para su futuro y el fin de semana, con la esperanza de atraer viejos rostros a su órbita con la promesa de una noche de juegos dentro de su enorme vivienda cargada de tecnología.

Poker Face se desarrolla lentamente pero convincentemente, creando un leve suspenso con la reunión de amigos, ya que Jake los lleva a su casa en autos de un millón de dólares, les ofrece buen vino y la oportunidad de juntar una fortuna con un juego de poker, como en los viejos tiempos. Es ahí cuando comienzan las coincidencias, ya que la noche incluye las preocupaciones de la esposa de Jake, Nicole, y su hija adolescente, Rebecca, quienes sienten que algo no está bien en la reunión. De hecho, Jake no está interesado en jugar a las cartas con sus amigos, escalando a un tipo diferente de juego en el segundo acto, usando el engaño para obtener confesiones de los invitados, incluido Michael, un alcohólico que lleva un arma para terminar con su vida en frente de todos. Se exponen más secretos y mentiras, y mientras Crowe se vuelve un poco loco a nivel interpersonal, la tensión crece, prometiendo un giro de eventos extrañamente acogedor.

En lugar de quedarse con los hombres y sus problemas, Crowe pierde interés en el drama para el acto final de la película. De repente, unos ladrones de arte asaltan la casa, con un viejo enemigo de Jake en busca de una fortuna en pinturas. Jake y sus amigos terminan en un cuarto de pánico viendo a los villanos recorrer toda la propiedad, con uno de los invasores brindando algunos datos sobre apreciación del arte en el camino. Con clichés de suspenso convencionales, Crowe deja de lado los elementos de culpa más prometedores para lidiar con una violencia leve y algo de sobreactuación. La película termina de la manera menos convincente posible, pero hay una hora de apertura a la que vale la pena prestar atención, que estudia los juegos mentales y la tristeza, lo que sugiere que Crowe tenía en mente una película totalmente diferente antes de perder los nervios con un clímax al estilo de Hollywood.

En general, para crédito de Russell Crowe, arroja algunas ideas inteligentes y abre una serie de temas convincentes, y su actuación restringida es una ventaja. Pero su narración nunca coincide con su ambición. Con demasiada frecuencia, la película salta de un lugar a otro, dejando de lado lo que se siente como detalles críticos y omitiendo oportunidades para desarrollar más su historia. Y el desarrollo de personajes prácticamente inexistente en algunos casos realmente duele, lo que dificulta invertir en cualquier persona o cosa que digan. Es una pena porque Crowe puede defenderse bien detrás de la cámara, pero su guión aquí simplemente no le da espacio para mostrarlo realmente. Al final, Poker Face es una película bien filmada y vale la pena verla solo por la escenografía y el trabajo de cámara. El verdadero problema es que quiere ser demasiadas cosas y no tiene éxito en ninguna de ellas. No es un drama sobre la vida y la mortalidad, aunque es un poco, y no es un thriller, aunque hay algo de crimen y traición. 

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Prey For The Devil

Toda su vida, la hermana Ann (Jacqueline Byers) ha luchado con el recuerdo de su madre esquizofrénica, incapaz de dejar de lado el abuso que soportó mientras estaba bajo su cuidado. Creciendo con la necesidad de ayudar a los demás, elige enfocarse en el mundo del exorcismo, pronto involucrandose en una escuela católica especializada en capacitar a sacerdotes para el deber contra el mal. Ann se enfrenta a una tradición dominada por hombres, pero cuenta con el apoyo del Padre Quinn (Colin Salmon) y la Dra. Peters (Virginia Madsen). Pronto es reclutada para ocuparse del caso de la niña Natalie (Posy Taylor), que actualmente está poseída por el diablo y necesita un cuidado especial. Al dar un paso adelante para luchar contra las fuerzas de la oscuridad, Ann se enfrenta a sus propios secretos y fracasos, desafiándola a superar sus dudas y salvar a Natalie.

Prey For The Devil ha tenido un viaje difícil. Eso incluye un cambio de título, pero también varios retrasos en su fecha de lanzamiento, originalmente programada para llegar a los cines hace más de un año en Enero del 2021. En un año lleno de grandes películas de terror, Prey For The Devil es lamentablemente una de las peores. La película sigue a la hermana Ann, que se prepara para realizar un exorcismo y se encuentra cara a cara con una fuerza demoníaca vinculada a su pasado. También explora cómo Ann se convierte en la primera mujer entrenada para realizar exorcismos.

No todas las películas de terror deben dar miedo para funcionar o ser efectivas, pero Prey For The Devil claramente solo está interesada en hacer que la audiencia salte en cada oportunidad posible. Está llena de sustos de principio a fin y la mayoría son completamente predecibles tan pronto como comienza la película. No hay uno solo que funcione, y comienzan a volverse bastante monótonos cuando eso es lo único en lo que los que hicieron la película parecen preocuparse o concentrarse. Tampoco ayuda que, a pesar de un montón de material espeluznante y una atmósfera llena de potencial, nunca da miedo ni hace nada remotamente interesante con eso. Nunca es bueno cuando una película de terror utiliza CGI en sus momentos más intensos, especialmente tanto como lo hace esta.

Mientras tanto, la película es casi idéntica a todas las películas de exorcismo que se han estrenado en los últimos 15 años. Fuera de quizás la premisa central, no hay absolutamente nada nuevo aquí y hace muy poco con las pocas ideas nuevas que tiene. Todo lo que sucede se puede ver desde una milla de distancia, incluida una de las revelaciones más grandes que es dolorosamente obvia desde el principio. Además, comete uno de los pecados más grandes que puede hacer una película de terror y es aburrir más allá de lo creíble. Cuando uno sabe todo lo que viene y los sustos no funcionan en lo más mínimo, se convierte en una experiencia bastante tediosa. A pesar de tener una duración muy corta de 1 hora y 33 minutos, el ritmo lento de la película hace que parezca mucho más larga.

Hay algunas cosas que evitan que esto sea un completo desastre y la más grande es la actuación principal de Jacqueline Byers. Ella es realmente buena y vende cada parte del viaje de su personaje mientras se convierte en una protagonista agradable a seguir. De hecho, todas las actuaciones son sólidas, con Colin Salmon destacandose como el Padre Quinn y Virginia Madsen haciendo lo mejor que puede con las pocas escenas que tiene como la Dra. Peters. Es una pena que la película tuviera una trama decente y un primer acto que tenía potencial, pero finalmente no va a ningún lugar que valga la pena o sea interesante.

En general, esta es una película que está destinada a ser completamente olvidada. No logra hacer nada nuevo con el género del exorcismo y ofrece poco más que aburrimiento. Puede ser mejor que muchas películas similares en años recientes, pero eso no es exactamente un cumplido ni una recomendación para verla. Para aquellos que aman este tipo de películas, al menos vale la pena intentar verla, pero cualquier otra persona, pueden omitirla y estar totalmente bien. Al final, Prey For The Devil es una película olvidable que no logra hacer nada nuevo con el género y lo único que brinda es aburrimiento.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Bones And All

Maren (Taylor Russell) es una adolescente de Virginia que vive en soledad con su padre, quien la mantiene encerrada por las noches. Cuando se escapa para visitar a sus amigas, decide alimentarse de carne humana de una de sus amigas, lo que inspira una mudanza fuera del estado y el completo abandono de su padre. Con un cassette que contiene la historia de su vida y un certificado de nacimiento, Maren decide dirigirse a Minnesota para localizar a su madre. No entiende su hambre ni su extraordinario sentido del olfato, y pronto conoce a Sully (Mark Rylance), otro “comedor” que intenta ocultar su locura. Maren finalmente descubre a Lee (Timothee Chalamet), un joven que acepta ayudar a la adolescente extraña a llegar a su destino, y la pareja se embarca en un viaje por carretera que explora su naturaleza salvaje y se convierte en una relación romántica.

Las historias de amor caníbal no aparecen muy a menudo, pero basta con decir que esa es la premisa principal de Bones And All. Dicho esto, aquellos que no son particularmente aprensivos serán tratados con una historia de romance. Sin embargo, Taylor Russell y Timothée Chalamet son, sin lugar a dudas, las estrellas de la película a pesar de que esta pareja se siente vacía. Ya sea que el público compre o no esta pareja, probablemente será el factor decisivo en el éxito de la película. Si bien cada uno de ellos ofrece actuaciones poderosas por derecho propio y fue convincente verlos juntos, el conjunto se sintió deficiente. Centrándose en su relación, lo que no es necesariamente una mala idea en papel, no fue del todo satisfactorio, aunque la química de Russell y Chalamet mantienen todo a flote. Aún así, una gran parte de la audiencia fácilmente pasará por alto esto.

Bones And All sigue a una adolescente protegida llamada Maren que se vio obligada a valerse por sí misma y aprender a sobrevivir en el mundo por primera vez como caníbal. Sola y en busca de respuestas y/o ayuda, la respuesta parecía ser su madre que los abandonó a ella y a su padre a una edad temprana. Atravesando el medio oeste estadounidense de la década de 1980, Maren finalmente aprendió cómo era realmente la vida, ya que tuvo que profundizar y decidir quién quería ser realmente. Al encontrarse con múltiples puntos de vista en el camino, las cosas parecieron cambiar para ella al conocer a un joven llamado Lee, que también es caníbal y más experimentado. A partir de ahí, los dos se unen y la película se convierte esencialmente en una historia de madurez. Ver a dos jóvenes tratando de dar sentido al mundo y a ellos mismos juntos fue convincente hasta que su relación se convirtió en algo más.

A medida que Maren y Lee se convierten en algo más, esa relación se contrastó con la dura realidad de sus circunstancias. La película parecía más interesada en forzar el ángulo romántico que en desarrollar a cada personaje, ya que el ritmo estaba por todas partes. Los personajes podrían haber sido mejor utilizados para hacer que sus historias fueran mucho más convincentes. Al mismo tiempo, había mucho drama por vivir mientras se ponía a prueba la relación de Maren y Lee. Dos jóvenes que vivían el momento era una cosa, pero tener que volver a la tierra y enfrentarse a la realidad era otra, ya que añadía otra capa complicada a sus problemas.

Mientras tanto, siguiéndolos está otro caníbal llamado Sully que tenía la costumbre de aparecer en los momentos más inoportunos. Había algo en Maren que lo atraía hacia él. Comenzando como una figura mentora, su enamoramiento se convirtió en una obsesión. Siendo una fuente de tensión para la película, el personaje de Sully fue demasiado exagerado para tomarlo en serio o sentirse amenazado. Con una historia llena de brutalidad y tragedia, la única incógnita era si Maren y Lee estaban destinados a estar juntos y si sobrevivirían en el mundo real.

A pesar del tema, esta es una película que presenta una excelente cinematografía que muestra el medio oeste estadounidense de los años 80 y hace mucho trabajo en términos de establecer un estado de ánimo y proporcionar emoción. Destacando la belleza de la historia, también destacó la brutalidad. Podría decirse que no es tan brutal como se creía, pero sigue siendo brutal que para los aprensivos. Sin duda, la mejor parte de la película fueron las actuaciones antes mencionadas de Russell y Chalamet como Maren y Lee. Cuando se trata de Mark Rylance en su papel limitado como Sully, lo que sea que estaba haciendo era desconcertante, por decir lo menos, y es como si estuviera en una película completamente diferente.

En general, la película no necesitaba durar 2 horas y 10 minutos, ya que el director Luca Guadagnino se perdió en el momento demasiadas veces, olvidándose de atender su historia, que regresa abruptamente de vez en cuando. El objetivo del director de la película es claro al tratar de combinar lo grotesco con el deseo, generando un estado de ánimo especial para Maren y Lee mientras superan su confusión y se encuentran, dando forma a un tipo diferente de normalidad. Pero esto continúa durante demasiado tiempo, lo que hace que la película se sienta transparente en lugar de algo más perverso, silenciando su oscuridad prevista. Al final, Bones And All es una película agotadora y el final no es satisfactorio, pero las excelentes actuaciones de Russell y Chalamet llaman la atención, y mientras Guadagnino trabaja para vender el poder del amor en medio de la confusión de la mayoría de edad, él fabrica algunas escenas sorprendentes de horror e intimidación. Al final del día, esta es una película que significará diferentes cosas para diferentes personas, suponiendo que puedan superarla. 

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Dio: Dreamers Never Die

Desde el icónico Holy Diver de 1983, que muestra a una criatura bestial ahogando a un sacerdote católico (posiblemente una de las mejores portadas del heavy metal de todos los tiempos), hasta la portada al estilo Cthulu de Dream Evil de 1987, Ronnie James Dio todavía puede mencionarse como la figura más querida en el género del heavy metal. El tipo que popularizó el llamado gesto con la mano de los "cuernos del diablo" no era un demonio. Simplemente puso uno en MTV, o al menos disfrutó de poner imágenes siniestras, incluso si en la vida real parecía un niño amigable del norte del estado de New York que había triunfado con una inclinación por las imágenes místicas y una voz que podría llenar los salones más grandes. Dio: Dreamers Never Die profundiza en el increíble ascenso de un cantante de Doo-Wop de la década de 1950 a sus primeros días en el rock en bandas como Elf y Ritchie Blackmore's Rainbow, para reemplazar a Ozzy Osbourne en Black Sabbath y finalmente consolidar su estatus de estrella de rock con su propia banda, Dio. La película incorpora imágenes nunca antes vistas y fotos personales, además de ofrecer escenas íntimas con sus compañeros, familiares y amigos más cercanos, entre ellos su esposa/manager Wendy Dio, Tony Iommi, Geezer Butler, Glenn Hughes, Vinny Appice, Lita Ford , Rob Halford, Sebastian Bach, Eddie Trunk y Jack Black, mientras acercan al espectador a la vida de uno de los verdaderos héroes del heavy metal.

Naciendo en 1942 y trágicamente falleciendo en 2010, Dio, nacido Ronald Padavona, comenzó su vida como un travieso monaguillo. Su padre lo obligó a practicar la trompeta tres horas todos los días. Sin embargo, resulta que esto no fue tanto un castigo para el joven Ronnie, sino más bien una lección de vida sobre el valor y la determinación que necesitaría en el futuro del heavy metal. Haciendo su primer disco con Ronnie And The Redcaps en 1958, no sería hasta 1961 cuando la voz de Ronnie aparecería en un disco. En algún momento de esta época, Ronnie estaba convencido de que el nombre Padavona nunca se destacaría en el turbulento mundo del negocio de la música y decidió adoptar el nombre de un mafioso de New York, Johnny Dio. A partir de ese momento, el mundo lo conocería para siempre como Ronnie Dio, o más concretamente, Ronnie James Dio.

A lo largo de la década de 1960 y hasta la década de 1970, Ronnie pasaría por una serie de cambios, integrantes de banda, estilos, nombres y sonidos. Ronnie And The Redcaps evolucionó a Ronnie And The Prophets, luego a Electric Elves y finalmente a Elf. No sería hasta principios de la década de 1970 cuando los miembros de Elf, profundamente obsesionados con Deep Purple, tendrían su día bajo el sol. En una sesión de grabación de Elf, varios miembros de Deep Purple se sentaron para escuchar a este pequeño pero poderoso vocalista y poco después los llevaron de gira con ELO. El a menudo difícil y temperamental Ritchie Blackmore eventualmente tendría una de las muchas peleas con Deep Purple y se mudaría a crear una nueva banda. Con los estilos vocales de Ronnie James Dio, los dos se dispusieron a hacer cuatro de los álbumes más pesados ​​​​de la década de 1970 bajo el nombre de Rainbow. Cuando Ritchie Blackmore se sintió excepcionalmente frustrado por la incapacidad de encontrar un éxito en los Estados Unidos, comenzó a buscar canciones de amor orientadas en el pop. Irónicamente, su razón para dejar Deep Purple fue que la banda quería emplear un sonido más funk/heavy. Al igual que la molestia inicial de Ritchie por este sonido, Ronnie también quería algo más pesado y oscuro. Así que dejó Rainbow en Noviembre de 1978.

No sería hasta Junio de 1979, cuando el poderoso Black Sabbath estaba inmerso en montones de cocaína y una arrogancia de rock and roll igualmente defectuosa, que Dio obtendría una de sus mayores plataformas. El reinado de Black Sabbath se estaba desvaneciendo rápidamente, el público buscaba melodías menos cargadas de fatalidad, y Ozzy era un desastre envuelto en drogas y alcohol. Dio tenía 30 años, estaba sin trabajo y pasaba el rato en el Rainbow Tavern en Los Angeles. Un día, conocería al progenitor del heavy metal, Tony Iommi, y los dos comenzaron su plan para lanzar Black Sabbath 2.0 con el legendario álbum Heaven And Hell. Fue en este punto que los años de devoción por el metal de Dio serían completamente recompensados. Con dos álbumes de estudio y un álbum en vivo, la participación de Dio en Black Sabbath consolidaría por completo su grandeza vocal en el Mount Rushmore del metal.

El documental entra y sale fácilmente de las fases de la vida de Dio. Dividida con recreaciones dramáticas increíblemente filmadas y concebidas de las reacciones de las personas ante Dio, las escenas del documental crean un tejido increíble del poder del metal. Curiosamente, las recreaciones no tratan directamente de Dio, sino que se entrevista a la persona sobre Dio. Una pareja reaccionando al lanzamiento de Heaven And Hell, ejecutivos de radio sacando a Dio a favor del sonido grunge de Nirvana, un metalero que busca la salvación en la forma de Rainbow, y la creación de la portada del álbum Holy Diver son algunas de las recreaciones que se presentan. Cuando Black Sabbath 2.0 cayó en las mismas luchas internas de cocaína que su formación original, Dio partió por su cuenta en 1983. Trayendo al baterista Vinny Appice de Black Sabbath, el bajista Jimmy Bain de Rainbow y el guitarrista Vivian Campbell de Sweet Savage, Dio completó la perfección del metal en la forma de álbum Holy Diver.

Como el hombre mayor del metal en Los Angeles de la década de 1980, Dio actuaría como guía, confidente y asesor de muchas bandas de metal emergentes. Eventualmente, el metal daría a luz al hair metal y, posteriormente, todo el imperio sería destruido por el género conocido como grunge. Incluso para los conocedores de Dio, la película ofrece una visión increíble de su vida, su humildad y su impulso preciso por la grandeza. Gran parte del documental se centra en su esposa/manager, Wendy, mientras ella relata íntimamente su tumultuoso matrimonio de 32 años. Algunos de los elementos fascinantes del documental incluyen:

1. El elogio y la deferencia excepcional de Rob Halford por su viejo amigo y compañero de metal. 

2. Dio nombra arbitrariamente al demonio en las portadas de su álbum Murray. 

3. Don Coscarelli (director de Phantasm I, II, II y IV) dirigió el épico video musical The Last In Line. 

4. Desafortunadamente, el logo de Dio al revés no dice Devil. 

5. Dio se encontró con su esposa y Tony Iommi en el Rainbow Tavern. 

6. Cuando Dio se unió a Black Sabbath, tomó deliberadamente el gesto del símbolo de la paz de Ozzy y lo invirtió en los "cuernos del diablo" que hoy se conocen mundialmente.

En el camino, el documental se asegura de detenerse en cada obstáculo en la carrera de Dio para reflexionar sobre su impacto. Su ascenso a la fama fue difícil, principalmente debido a su falta de voluntad para cambiar su estilo ya que Dio siempre se mantuvo auténtico y se negó a venderse ante la presión de las nuevas tendencias. Además, destaca cómo Dio siempre usó su música y personalidad para intentar animar a los demás. Cantó sobre los sueños, nunca rendirse y defenderse. Era amado y trató de ser un modelo a seguir para aquellos que lo admiraban. En la década del 2000, Dio era reconocido en todo el mundo como uno de los vocalistas más grandes e influyentes en la historia del heavy metal. El cantante, que estaba grabando y de gira con Heaven And Hell, otro nombre para Black Sabbath, le diagnosticaron cáncer de estómago a finales de 2009. Se sometió a quimioterapias e hizo lo que ahora es su última aparición pública en Abril de 2010 en los premios Revolver Golden Gods en Los Angeles. Lamentablemente, Ronnie James Dio falleció el 16 de Mayo de 2010 a la edad de 67 años. La primera vez que escuché a Ronnie James Dio sentí que había descubierto el Santo Grial. Estoy convencido de que su voz podría matar dragones y hacer erupcionar volcanes, ya no hay nada como eso. Detrás de esa gloriosa voz había un alma hermosa que cantaba sobre los sueños y elevaba a quienes lo rodeaban sin sacrificar nunca su esencia.

En general, el documental carece de una exploración más profunda de ciertos temas. Por ejemplo, hubiera sido enriquecedor saber más sobre la fascinación de Dio por los libros y los temas medievales y su influencia en sus canciones, así como también cómo desarrolló su espectacular imagen teatral y presencia escénica. Pero no hay mucho que pueda cubrirse en 1 hora y 56 minutos. Después de un recuento tan épico de la vida de una leyenda, el documental entra en territorio emocional cuando llega el momento de hablar sobre su muerte. No importa si eres un metalero o si nunca has escuchado el nombre de Ronnie James Dio, sentirás la emoción de sus compañeros y seres queridos al final de la película. Más que eso, también aprenderán por qué fue un arcoíris en la oscuridad tanto para los fanáticos como para los músicos. Al final, Dio: Dreamers Never Die es un cálido y maravilloso tributo a una de las mejores voces de la historia del metal. Un hombre cuya voz nunca flaqueaba y cuya enorme personalidad escénica solo era superada por su amor por la música y sus fans, estos últimos compuestos tanto por gente corriente como por todos aquellos músicos que crecieron a la sombra de Ronnie. Para el espectador general, cuenta la historia de un legendario vocalista que logró alcanzar la cima del éxito en tres de las mejores bandas de rock/metal del siglo 20. Pero también contiene una gran cantidad de material de archivo y detalles que mantendrán a los fanáticos más extremos pegados a la pantalla. El apasionado y enigmático personaje de Ronnie James Dio vuelve a la vida mientras ves el documental, al igual que el dolor de su muerte al final. Es un documental que debería ser visto por todos los que les encanta el rock y el metal.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: The Menu

Tyler (Nicholas Hoult) es un fan de la comida que finalmente tiene la oportunidad de visitar Hawthorn, un restaurante isleño de alta cocina dirigido por Julian Slowik (Ralph Fiennes), un famoso chef. Acompañado por su compañera Margot (Anya Taylor-Joy), Tyler se prepara para la experiencia de su vida, con un pequeño grupo de clientes también listos para una aventura, incluido un actor (John Leguizamo), su asistente Felicity (Aimee Carrero), los críticos gastronómicos Lillian (Janet McTeer) y Ted (Paul Adelstein), Anne (Judith Light) y su esposo Richard (Reed Birney), y los empresarios financieros Soren (Arturo Castro), Bryce (Rob Yang) y Dave (Mark St. Cyr). Llevados a un lugar remoto, los comensales ingresan al dominio de Julian, donde él comanda un equipo de chefs y personal de servicio, con Elsa (Hong Chau) velando por todo. Cuando comienza el servicio de comida, Julian prepara platos exóticos destinados a vincularse con un tema especial para la noche, utilizando su habilidad para desencadenar emociones especiales, lo que emociona a Tyler. Margot no está tan interesada en la comida o el ambiente, comprendiendo gradualmente que algo más grande está sucediendo en la cocina y encuentra a Julian concentrado en un plan que tarda en revelar a sus clientes.

The Menu es una sátira social deliciosamente refinada que revela la naturaleza más oscura y los atributos más superficiales de la clase élite. El sarcasmo se incorpora delicadamente en cada intercambio entre el personal y los invitados. La disfruté mucho, pero desearía que hubiera más cosas más allá del nivel superficial para descubrir. Cada curso del menú funciona para presagiar la trama, pero una incorporación más grandiosa de metáforas puede haber proporcionado capas para fortalecer la conclusión de la película. El público general se comerá cada momento, mientras que los espectadores analíticos pueden ir más allá. Sin embargo, los elementos de comedia y terror son suficientes para pasar un buen rato.

Doce clientes han reservado a $1,250 por cabeza para disfrutar en privado de las delicias culinarias del chef Julian Slowik. Slowik no es solo un chef, es un narrador que teje una parábola o una anécdota en la presentación de cada plato, y sirve con precisión la cantidad correcta de comida para que uno no se llene. Margot y Tyler son una pareja aparentemente evasiva. Tyler es un fanático de Slowik, y se devora cada palabra y bocado preparado, mientras que Margot solo lo acompaña. Esta falta de química definida se vuelve obvia cuando nos enteramos de que Margot es un reemplazo a última hora para la ex novia de Tyler, y su relación debe ser muy nueva.

John Leguizamo interpreta a una estrella de cine frustrada sin nombre que cena con su asistente privilegiada, Felicity, quien planea pasar a un mejor trabajo. Anne y Richard son una pareja mayor con problemas que regresan a cenar por duodécima vez a Hawthorn. Lillian y Ted son críticos gastronómicos pretenciosos que se esfuerzan por proporcionar un significado complejo detrás de cada plato, así como señalar sus fallas. Su incorporación se siente muy dirigida a la audiencia y los futuros críticos que analizarán esta película. Tres empresarios sombríos y manipuladores, Soren, Bryce y Dave, creen que pueden salirse con la suya sin importar qué, por lo que son. Y, por último, la madre de Slowik proporciona un alivio cómico en el fondo como una borracha que se mueve lentamente en espiral.

La única advertencia a esta exquisita oportunidad? Deben confiar en el equipo del chef para transportarlos a la apartada isla Hawthorn para cenar. Esta masa de tierra tiene un tamaño de 12 acres, destacando un motivo constante en el número 12, que irónicamente tiene un lugar importante en la Biblia. Todo el personal vive en la isla, en espacios muy reducidos, y todos los ingredientes se cultivan o crían en el lugar. Es en gran medida la definición de la granja a la mesa. Cada día comienza a las 6 de la mañana y el servicio de cena dura más de cuatro horas, finalizando todo a las 2 de la madrugada. Aquellos que se comprometen a trabajar para Slowik esencialmente entregan toda su vida. Desafortunadamente, esta ubicación remota carece de servicio celular y de cualquier medio para comunicarse con el mundo exterior. En cambio, la cocina está a la vanguardia, y el menú, así como los comensales, han sido seleccionados cuidadosamente para una noche de deliciosa perfección. Hay un cuidadoso equilibrio entre los que dan y los que toman. Pero… qué podría salir mal?

El elenco es sobresaliente y cada uno de los personajes obtiene una buena parte del tiempo en pantalla. Una mención memorable es para Hong Chau, quien es sarcástica como la anfitriona Elsa. El atractivo más obvio de la película es la actriz Anya Taylor-Joy. Ella está en su mejor momento como la protagonista Margot. Su carisma y encanto únicos se manifiestan mientras conduce a la audiencia a través de toda la narrativa. Luego está Ralph Fiennes, cuya presencia seca y solemne puede ser escalofriante o encantadoramente divertida. Astutamente nos vende un personaje inquietantemente complejo cuyo genio solo es superado por su presunción. Sin embargo, hay una capa más oscura en el chef Slowik que Fiennes se burla pero mantiene cómodamente oculta hasta el momento adecuado. Es una actuación notablemente medida y la que evita que toda la película se vuelque.

En general, la película es un estudio maravillosamente demente y lento de la locura proveniente de sorprendentes espacios creativos. Es una fealdad elegante dirigida por Mark Mylod, y su dominio del tono y el terror es una revelación, con el equipo de producción generando una comprensión oportuna de la ira de clase y la caricaturesca culinaria, construyendo una odisea de humor negro pero completamente inquietante en una sola noche de servicio de cena que está repleta de giros y vueltas. Además, los temas de acoso sexual, la asistencia financiera para la industria de los restaurantes y la falta de satisfacción en la carrera de uno a lo largo del tiempo se tocan de manera sugestiva. Al final, The Menu lleva a los espectadores a un viaje de elegancia mezclada con amenaza, y las sorpresas son comunes durante su tiempo de duración. Mark Mylod maneja los extremos con cuidado, sin perder nunca el control de la película, mientras que el guión tiene una vívida comprensión de la locura, jugando un exquisito juego de revelaciones que conduce a una resolución placentera.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.