Review: Ant-Man And The Wasp: Quantumania

La vida le va bien a Scott Lang (Paul Rudd), quien está sacando provecho de su fama como Ant-Man, completando sus memorias y disfrutando del resplandor de su éxito como un Avenger. El problema surge para Scott en la forma de su hija, Cassie (Kathryn Newton), que está experimentando con las partículas Pym, trabajando en un dispositivo con una conexión con el reino cuántico con la ayuda de Hank (Michael Douglas). Desafortunadamente, el dispositivo logra absorber al grupo, incluidas Janet (Michelle Pfeiffer) y Hope (Evangeline Lilly), al otro mundo, que está lleno de extrañas criaturas alienígenas. Para Janet, un regreso al reino cuántico no es agradable, pronto reuniéndose con Kang el Conquistador (Jonathan Majors), una fuerza letal con la que una vez se asoció, y ahora reconoce su búsqueda para borrar las líneas del tiempo y el multiverso con un orbe especial. Ante una gran amenaza, Scott y su familia trabajan juntos para frustrar los planes de Kang de destruir todos los mundos.

Mucho se ha dicho que el Universo Cinematográfico de Marvel estuvo un poco por todas partes en su fase cuatro. Tuvo algunas de las mejores obras de Marvel (Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings, Spider-Man: No Way Home), pero también algunos tropiezos (Eternals, Thor: Love And Thunder). Una gran parte del problema es que se dedicó mucho tiempo a establecer el Multiverso y unir ocho programas de televisión para definir una amenaza en particular que era casi imposible. La consistencia es clave, y al menos en la primera entrada de la fase cinco, las cosas vuelven a la normalidad. Peyton Reed regresa a la silla de dirección para continuar la historia de Scott Lang una vez más en la extraña película de acción, comedia y ciencia ficción Ant-Man And The Wasp: Quantumania. Esta película ofrece de todo, desde una icónica criatura sin agujeros que gotea baba, hombres de brócoli, grandes vibras de Star Wars, una conexión impecable entre padre e hija, Michelle Pfeiffer pateando traseros y el mejor villano del MCU desde Thanos.

Esta es la primera película oficial en la fase cinco del MCU y el comienzo de la mitad de lo que ahora se conoce como The Multiverse Saga. Para aquellos que tienen dificultades para mantenerse al día, las primeras tres fases, desde Iron Man (2008) hasta Spider-Man: Far from Home (2019), conforman lo que ahora se conoce como The Infinity Saga. The Multiverse Saga comienza en cierta manera con Black Widow (2021) pero más correctamente en Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings (2021). Quantumania pierde muy poco tiempo y va al grano, ya que pasa la mayor parte de su tiempo de duración en el reino cuántico. El comienzo se usa solo para establecer dónde está Scott con su vida y sus relaciones antes de que comiencen las cosas. Aunque por lo general se presenta a Scott como el tipo de persona que se deja llevar por las cosas, Quantumania lo ubica en una posición diferente donde el guión lo hace explorar cuál es su papel como héroe y cómo encaja con la relación con su hija. En las dos películas anteriores, Cassie era mucho más joven y realmente no podía salir de aventuras. Entonces, cómo se ve Scott cuando su hija, que siempre lo ha idolatrado, ahora desafía la forma en que Scott quiere vivir y mantenerla a salvo? Es un ligero reflejo de la dinámica de Hank y Hope en la primera Ant-Man, pero sin la animosidad. Esta decisión es lo que le da a Scott su arco interno y es probable que tenga un gran propósito en el futuro, ya que seguramente dejará pasar las riendas a medida que Rudd y su generación de actores se eliminen lentamente para dar paso a los personajes de los Young Avengers, muchos de los cuales ya se están en otras películas y series de Disney+.

Podría decirse que la película se ve mejor como una historia independiente en lugar de una película del MCU. Es más una película que tiene personajes de Ant-Man, lo que no es necesariamente algo malo. Si bien la historia puede parecer insignificante para aquellos que buscan más conexiones con el MCU en su conjunto, considerando todas las cosas, hay muchas emociónes mientras la escala y el espectáculo se mantienen, esta vez vestidos con un paquete increíble en contraste a las películas anteriores de Ant-Man y al MCU hasta el momento. Los escenarios de acción, aunque inconsistentes, están ahí y probablemente serán suficientes para muchas personas. Donde la película falla es en su capacidad para encontrar el tono correcto en medio de la historia. Hay drama y el humor es impredecible, pero esa falta de equilibrio tonal socava el impacto emocional, aunque ligeramente, ya que todas las tramas secundarias se unen hacia un clímax estándar del MCU. A lo largo de ese viaje, la película tuvo suficientes momentos para mantenerme comprometido, con la mayoría provenientes de Kang y su presencia encantadora pero aún amenazadora. Aunque todo lo que quería era salir del reino cuántico, hay una razón por la que fue exiliado allí cuando advirtió sobre una amenaza que puede o no ser él. El final de la película y sus dos escenas durante los créditos responden esa pregunta.

En última instancia, lo que hace que la película funcione fueron las actuaciones. El elenco que regresa, encabezado por Rudd, fue una maravilla para ver a pesar de que la película no utilizó su gran química tan bien como podría haberlo hecho. Al pasar más tiempo separados que juntos, el elenco tiene sus momentos de brillar. Si bien Rudd no perdió el ritmo, Pfeiffer tuvo la actuación más impresionante y profunda, cargando mucho dolor y emoción debajo de la superficie mientras reprimía un trauma a favor de su familia. Kathryn Newton como Cassie es testaruda, tonta, inteligente y desinteresada, al igual que la Cassie de los comics. Tiene mucho corazón y hace que sea muy fácil alentarla. Ese corazón también puede meterla en problemas, pero nunca pierde el deseo de ayudar a los demás y Newton la retrata de una manera extremadamente auténtica. Tristemente, Evangeline Lilly y Michael Douglas son los que sufren un poco aquí, ya que tienen muy poco que hacer aparte de reaccionar frente a quienes los rodean. Aún interpretando sus papeles bastante bien, son notablemente los menos interesantes de todo el conjunto. Sin embargo, Jonathan Majors se roba absolutamente el espectáculo como Kang, operando en un nivel completamente diferente con su increíble encanto y carisma. Al crear una presencia tan imponente, uno no puede evitar ser atraído y el MCU solo ha arañado la superficie de a dónde puede llevar a Kang como el presunto villano de la próxima saga.

En general, la película tiene muchas cosas buenas a su favor. Jonathan Majors ofrece una actuación que lo consolida como el villano más temible que los héroes y el público de Marvel jamás hayan visto. Kathryn Newton se une al MCU con una excelente actuación como Cassie Lang y ella y Paul Rudd forman un increíble dúo de padre e hija. Claro, las cosas pueden comenzar lentamente y ser un poco irregulares, pero lo bueno supera lo malo en esta película, que pone en marcha la fase cinco del MCU. Al final, Ant-Man And The Wasp: Quantumania es muy superior a sus dos predecesores, y aunque hay mucho humor, afortunadamente, no se pasa de la raya como en Thor: Love And Thunder. Puede que no se balancee tan ambiciosamente como las entradas recientes del MCU, pero toma los hilos dispares de la trama, que aparentemente son frecuentes de esta serie, y los convierte en un todo entretenido y cohesivo. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Huesera: The Bone Woman

Valeria (Natalia Solián) parece estar felizmente casada con Raúl (Alfonso Dosal), aunque no han podido concebir un bebé para completar su familia. Es entonces cuando Valeria y su madre Maricarmen (Aida López) se unen a una gran peregrinación de fieles para adorar a una enorme estatua dorada de la Virgen de Guadalupe para rezar para que quede embarazada. Cuando Valeria posteriormente queda embarazada, Maricarmen cree que es un milagro enviado del cielo. Pero no todos en la familia de Valeria están tan entusiasmados, ya que su hermana Vero (Sonia Couoh) expresa dudas sobre su capacidad para la maternidad debido a un accidente ocurrido hace mucho tiempo al dejar caer a un bebé. Con la noticia del embarazo, Valeria se emociona al principio, porque esto le trae mucha alegría. Pero a medida que pasa el tiempo, comienza a ver una serie de alucinaciones horribles. Estas visiones comienzan a afectar su vida, y ve una entidad oscura y sin rostro que está tratando de hacerle daño a ella y a su bebé.

La mayoría de las grandes películas de terror, si bien pueden tratar sobre un monstruo o un asesino en serie, sin duda tratan sobre algún tipo de ansiedad cultural. Después de todo, Freddy era un abusador de niños, Jason (y su madre), junto con muchos otros personajes del género slasher, despreciaban a los adolescentes que tenían sexo, Leatherface trataba de sobre cómo matamos animales y Candyman sobre el trauma generacional que los afroamericanos han sufrido a lo largo de los años. Pero una ansiedad cultural que a Hollywood le encanta abordar es el horror de la maternidad. El terror y la ansiedad asociados con el concepto de convertirse en madre y que su cuerpo (y su identidad) se transformen para traer una nueva vida al mundo, se ha explorado antes en películas como Rosemary's Baby (1968). La directora mexicana Michelle Garza Cervera aborda los horrores de la maternidad en su debut como directora en Huesera: The Bone Woman, que es una película escalofriante que trata el tema.

Huesera: The Bone Woman no es verdaderamente una película de terror en la forma en la que todos esperamos del género, lo diré por adelantado. La película sobresale como un thriller psicológico, pero también presenta increíbles imágenes de terror corporal que están inspiradas en la leyenda del folklore mexicano de La Huesera, una mujer que va desenterrando y recolectando huesos y, una vez que completa un esqueleto, realiza un ritual con fuego que hace que este tome vida. La película examina cómo una mujer podría hacer frente a todas las expectativas sociales de tener un hijo y el temor muy real que podría resultar de ello, en lugar de ofrecer una interpretación moderna de la vieja leyenda.

Valeria y su esposo Raúl llevan mucho tiempo intentando tener un bebé y formar una familia. Incluso haciendo tanto como ir a una estatua de la Virgen de Guadalupe y rezar por el milagro del embarazo. Una vez que lo logran, las cosas comienzan a desmoronarse para Valeria. Su familia, demasiado crítica, ofrece sus opiniones sobre lo que debe hacer, su médico dice que ya no puede continuar con su trabajo de carpintería debido a los químicos peligrosos que usa, y la atención de su esposo se vuelve hacia su embarazo en lugar de a ella. Ya ni siquiera quiere tener intimidad con ella por temor a que pueda lastimar al bebé mientras tienen relaciones sexuales. Lento pero seguro, Valeria va perdiendo su individualidad y su mente.

Valeria, a quien se le muestra estrillarse los dedos cuando está bajo estrés, comienza a ver a una persona sin rostro cuyo cuerpo sufre todo tipo de contorsiones. Si bien no hay muchos de los sustos que se esperan del género de terror, es legítimamente espeluznante cuando vemos lo que ella ve. Al principio, las contorsiones son preocupantes, pero a medida que su embarazo continúa, se convierten en escenas de huesos rotos, en huesos que atraviesan la piel tanto de esta criatura sombría como de la propia Valeria en sus alucinaciones.

Una cosa en la que sobresale la película es en plantear la pregunta, es real lo que está sucediendo? O es solo el estrés y las alucinaciones de una mujer que atraviesa un embarazo traumático? Flashbacks revelan una vida más rebelde y más libre de Valeria antes de conocer a Raúl y decidir casarse y formar una familia. Era abiertamente bisexual, vivía al límite y no se ajustó a los estándares de su familia, pero luego cambió todo eso para ajustarse a los estándares establecidos por otros. Las manifestaciones por parte de la entidad se sienten como si fueran una conciencia culpable para alguien que se siente atrapado en una vida que no quería tener. Pero también suceden ciertas cosas a lo largo de la película que muestran que quizás esto no esté todo en su cabeza. La película también explora el folklore mexicano y las religiones paganas tanto como explora el cristianismo. La respuesta a esto nunca se define realmente en el clímax de la película, dejando todo a la interpretación del espectador.

El excelente uso de sonido y la iluminación realmente resaltan el horror aquí. Cada momento en que Valeria está pasando por un momento horrible es aún más aterrador por las imágenes retorcidas que se presentan en la película. Además de la dirección, las actuaciones son muy buenas, especialmente Natalia Solián como Valeria. Uno inmediatamente es empático con ella, ya que brinda una actuación muy convincente de una persona que atraviesa por el trauma de un embarazo. Ahora bien, todos los embarazos son así? Por supuesto que no. Pero gracias a una dirección sobresaliente, escenas muy tensas, imágenes y sonido excepcionales y espeluznantes, esto es un gran thriller sobre una ansiedad cultural muy real con la que al menos la mitad del planeta tiene que lidiar.

En general, cualquiera que tenga un interés pasajero en el género de terror probablemente sentirá una sensación de familiaridad con esta película. Ciertamente, desde una perspectiva temática, hemos visto historias de terror sobre la maternidad muchas veces antes. Pero hay una confianza real en la realización de la película y algunas imágenes sorprendentes que hacen que valga la pena verla. Algunas de estas imágenes son extremadamente inquietantes y, aunque nunca confía en los sustos, la directora Michelle Garza Cervera ciertamente sabe cómo helarte la sangre. Al final, Huesera: The Bone Woman se construye sobre la espectacular actuación central de Natalia Solián, tanto física como emocionalmente. Es una inquietante alusión de los horrores de la maternidad y un espantoso recordatorio de que el tener hijos no es para todo el mundo.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Knock At The Cabin

La pareja de Eric (Jonathan Groff) y Andrew (Ben Aldridge) buscan alejarse de todo y llevan a su hija, Wen (Kristen Cui), a su remota cabaña en el bosque para descansar y relajarse. Rompiendo esa paz está Leonard (Dave Bautista), un extraño que se pone en contacto con Wen, al que pronto se unen Redmond (Rupert Grint), Sabrina (Nikki Amuka-Bird) y Adriane (Abby Quinn). El cuarteto irrumpe en la vivienda, usando la fuerza física para abrumar y atar a Eric y Andrew, buscando mantenerlos contenidos mientras se preparan para revelar sus motivos. Esperando un allanamiento, pronto se informa a la pareja que son parte de un apocalipsis inminente, con Leonard y su grupo requiriendo un sacrificio personal para detener el día del juicio final, dándoles cuatro oportunidades de acordar una muerte antes de que llegue el fin del mundo. Mientras Eric y Andrew se niegan a creer tal historia, Leonard está decidido a compartir su verdad, confiando en el poder de sus visiones.

M. Night Shyamalan probablemente nunca obtendrá el crédito que se merece. Ya no, de todos modos. Comenzó con una carrera exitosa, cayó en una trinchera creativa demasiado profunda, y cada vez que lanza un nuevo thriller, el único buen trabajo que ha hecho fue al comienzo de su carrera. Eso ya no es cierto. Shyamalan ha producido un thriller de primer nivel que invita a la reflexión con Knock At the Cabin, una historia al estilo de Stephen King sobre una familia obligada a tomar las decisiones más terribles para quizás salvar el mundo. Knock At The Cabin es una rareza en la filmografía de Shyamalan. Siendo una adaptación de la novela de Paul G. Tremblay del 2018, The Cabin At The End Of The World, esta es una de las raras obras adaptadas de Shyamalan.

La película tiene un elenco y un escenario bastante pequeño a pesar de ser una película de gran alcance. En la escena inicial, nos encontramos con Wen, una niña de 7 años que se divierte recogiendo saltamontes. Wen es una niña pensativa y cariñosa que les dice a los insectos que no los lastimará, solo quiere "estudiarlos" por un tiempo. Este momento de observación inocente se rompe con la llegada del corpulento Leonard, interpretado por un Dave Bautista muy nervioso, sensible y, sin embargo, muy intimidante. A diferencia de su antiguo personaje en la WWE, Bautista ahora se ha convertido en un actor que es más aterrador cuanto más normal parece.

Aquí, Shyamlan no pierde el tiempo. No pasa mucho antes de que Leonard se haga amigo de Wen y le dice que necesita hablar con sus padres adoptivos, Eric y Andrew. Pero es entonces cuando Wen ve al grupo con el que viaja Leonard, todos con armas improvisadas. Redmond, Adriane y Sabrina se unen a Leonard para irrumpir en la remota cabaña de y tomar a la familia como rehén después de un poco de violencia.

Leonard ha llegado con un terrible escenario del fin del mundo. Eric y Andrew deben sacrificar a uno de los suyos para detener un apocalipsis que destruirá a toda la humanidad. Es una elección imposible, y Shyamalan no pretende que no lo sea. Hay escepticismo proveniente de la familia, por razones obvias. Uno de los muchos temas que giran en torno a esta película es lo fácil que es dejarse llevar por la teoría de la conspiración. O sea... de repente es el fin del mundo. Pero Eric y Andrew tienen otra razón para no tomarse esto en serio. Sospechan que todo es un plan maestro para convertirlos de la homosexualidad, no una idea del todo ridícula.

Pocos directores son buenos para aumentar la tensión en espacios pequeños, y Shyamalan saca el máximo al tener a estos personajes encerrados en una cabaña en un enfrentamiento ideológico que se sumerge en un debate moral. Pero hay consecuencias mortales cuanto más tiempo no se toma una decisión, lo suficiente como para que la fe de cualquiera de ellos se vea sacudida... o reforzada. Lo que hace que las cosas sean aún más tensas es que nadie en el grupo de Leonard quiere hacer esto. Todos son personas aparentemente normales que tienen un llamado superior que los ha unido. Si solo fueran criminales con rencor, todo sería muy simple.

La escena inicial de la película tiene una sorprendente cantidad de peso en todo momento, ya que presenta la idea de un poder superior que estudia a los humanos como insectos en un frasco, observando cómo se comportan, se aman y se destruyen unos a otros. Este ser poderoso los juzga, y las repercusiones son terribles si se encuentran causas problables. La película, sin duda, es la exploración de la fe más abierta que ha hecho Shyamalan desde Signs (2002). Además, para romper el enfrentamiento hay flashbacks de momentos en la relación de Eric y Andrew. Sus luchas como pareja homosexual, la adopción de Wen y el mal genio de Andrew. Este es el único aspecto de la película que se siente fuera de lugar. Muchas de estas escenas sirven muy poco a la trama. Probablemente sugieran un ángulo de homofobia, pero realmente no funciona en este escenario.

Las actuaciones aquí son sólidas. Bautista es tremendo (e ilustra cómo ha evolucionado su actuación) como Leonard, quien ha dado su vida por completo para llevar a cabo esta terrible tarea. Reconoce cómo esto destruirá a esta joven y amorosa familia, pero también que las cosas serán infinitamente peores si no se hace nada. Jonathan Groff y Ben Aldridge resaltan la dinámica de la atracción y oposición de sus personajes perfectamente como Eric y Andrew. Aldridge nos muestra la ira de Andrew contra el mundo a la perfección, aunque más niveles de su personaje habrían hecho que su actuación fuera espectacular. Nikki Amuka-Bird como Sabrina es cariñosa pero comprometida. Su actuación puede hacer que les conmueva el corazón, ya que nos muestra una lucha interna para llevar a cabo la tarea que tiene que hacer. Lo mismo puede decirse de Adriane, interpretada por Abby Quinn. La actuación de Rupert Grint como Redmond deja una impresión duradera a pesar de no estar demasiado en la película. Y Kristen Cui como Wen no se pierde en el mar de actores en pantalla. Ella es igual a todos los demás.

En general, el mayor defecto de la película podría residir en las limitaciones de la trama. De todos modos, sigue siendo un thriller sólido bien filmado y bien actuado. Dave Bautista y Ben Aldridge son claramente los más destacados aquí, junto con un compromiso de Shyamalan de una narración emotiva e implacable que realmente llega al corazón. Al final, Knock At The Cabin es un maravilloso ejemplo de cómo el estilo y la fórmula de Shyamalan pueden funcionar incluso en las historias más sencillas al infundir su propia personalidad en las propiedades existentes, algo que ha sido fundamental para evitar algunas de las demasiado ambiciosas caídas de sus trabajos anteriores. Al dejar que la fuerza de la narrativa haga su función, así como la fuerza de su impresionante y sorprendente elenco, la película es un golpe de gracia y representa lo que creo que será la película mejor recibida de Shyamalan tanto por la crítica como por el público en mucho tiempo. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: A Man Called Otto

Otto Anderson (Tom Hanks) reside en el Birchwood Home Association, donde mantiene un control metódico sobre el vecindario, amonestando a otros que no viven de acuerdo con las reglas establecidas. No tiene paciencia con la gente y lidia con los recuerdos de su difunta esposa, Sonya (Rachel Keller), y decide suicidarse para poder reunirse con su gran amor. Mientras intenta suicidarse, Otto se ve interrumpido por la llegada de Marisol (Mariana Treviño), una mujer mexicana casada y embarazada con dos hijos que intenta encontrarle sentido a las formas retraídas de su nuevo vecino, con la esperanza de romper el hielo con él. Mientras Otto se ocupa de todo tipo de asuntos comunitarios y intenta encontrar maneras de cómo terminar con su vida, su tiempo con Marisol proporciona un ligero cambio en su comportamiento, aceptando su compañía y inspirando a Otto a confrontar sus problemas a su propia manera.

Tom Hanks es uno de los actores más queridos del mundo, pero aquí es un anciano gruñón que necesita una conexión humana en la encantadora película A Man Called Otto. Hanks interpreta a un viejo cascarrabias al borde del suicidio luego de la muerte de su esposa y la jubilación forzosa de su trabajo. Otto, que ha renunciado a la vida, hace cumplir sin descanso las muchas reglas de su vecindario, sus vecinos se acostumbraron a él y también le dio una reputación en el área. Listo para terminar con todo, las cosas comienzan a cambiar para Otto una vez que una nueva familia se muda al otro lado de la calle. Con esta nueva familia, Otto encontró la horma de su zapato en la matriarca Marisol, quien definitivamente estaba dispuesta a hacerle frente. Resignado a menospreciar a todos los demás a quienes consideraba idiotas, Otto ve algo diferente en ella. Marisol siempre encuentra una manera de involucrarse en su vida y él intenta alejarla. Tal vez se compadeció de ella, incluso la ayuda en varias ocaciones. Durante el tiempo que pasan juntos, Marisol y su familia parecen ablandar a Otto. Sin embargo, este hecho no lo disuadió de su misión de terminar con su vida para reunirse con su esposa.

Si bien los momentos más ligeros son sin duda los puntos que más se destacan, la película también brilla en los momentos contemplativos con el propio Otto mientras lidia con su dolor y reflexiona sobre su relación con Sonya. Una serie de convincentes flashbacks entre un joven Otto y Sonya ayudan a agregar contexto a su complicada y, a menudo, desgarradora historia de fondo y cómo lo llevó a la persona que es en el presente. Mientras intentaba constantemente terminar con su propia vida y luego fallaba, sirvió como un recordatorio de que valía la pena vivir la vida y que tenía algo por lo que vivir. Aunque puede que no haya parecido así a veces, impactó muchas vidas, ninguna más que la de sus vecinos con quienes comenzó a reconectarse. Descargando sus frustraciones con el mundo que lo rodeaba durante tanto tiempo, Otto fijó su objetivo en los verdaderos culpables mientras el destino de su vecindario pendía de un hilo. Finalmente, al decidir vivir, quedó claro que su vida no iba a durar para siempre, ya que ya estaba viviendo con tiempo prestado. A pesar de esto, la película todavía encuentra la manera de terminar con una buena nota.

No hace falta decir que la mejor parte de la película es Tom Hanks. Ofreciendo una de sus mejores actuaciones en mucho tiempo, Hanks brinda una profundidad emocional a Otto, poniendo capas de dolor detrás de una fachada gruñona. Hace que un personaje desagradable sea simpático y empático solo con encanto y simpatía mientras es empujado en diferentes direcciones. Se convierte en la figura paterna que siempre quisimos, el tío que nos da sabios consejos y el mejor amigo cuando más lo necesitamos. Incluso cuando es un viejo gruñón, la gran personalidad de Hanks se convierte rápidamente en el elemento vital de la película cuando comienza a sentirse demasiado liviana. La entrega de Hanks también mejora el guión, ya que sus frases ingeniosas seguramente provocarán algunas risas si es que no los está haciendo llorar. Mientras tanto, Mariana Treviño se defendió junto a Hanks, robando escenas con su energía y bromas graciosas, lo que era necesario para contrastar lo que algunos llamarían la falta de energía del Otto de Hanks.

En general, con esta película no van evitar reír y llorar. Sé que el suicidio es algo terrible y que el tema no tiene nada de divertido, pero no pude evitar reírme cuando todos los intentos de suicidio de Otto terminan en fracaso. Uno de ellos acaba convirtiéndose en una sensación viral tras salvar la vida de un hombre tras caer a las vías del tren. Eso es lo que pasa con ver a Tom Hanks. Él es capaz de hacernos reír en las peores circunstancias. Me alegra verlo haciendo comedia nuevamente, incluso si esta se encuentra en una línea muy fina entre la comedia y el drama. Al final, A Man Called Otto se enfoca en conectarse y encontrar comunidad, también se enfoca en dejar atrás el pasado. Otto está luchando con la muerte de su esposa y uno no puede evitar empatizar con lo que está pasando. Esta es sin duda una película a la que deben abrir su corazón. La familiaridad (buena o mala), las emociones, los destellos de esperanza y optimismo y las actuaciones de Hanks y Treviño aseguran que A Man Called Otto los llene de calidez y alegría. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Jung_E

El año es 2194 y una guerrera feroz, Yun Jung-yi (Kim Hyun-joo), la exlíder de las Fuerzas Aliadas, se enfrenta a una raza de robots empeñada en destruir la existencia humana. Eso se debe a que la Tierra ahora se está acercando al siglo 22 cuando los humanos tienen que vivir en refugios. Después de todo, el mundo se ha vuelto inhabitable debido a cambios climáticos. Yun Jung-yi es una mercenaria de renombre. Sin embargo, como la mayoría de los héroes, su leyenda ha crecido porque perdió la vida en batalla. Para continuar con su buen trabajo, después de su muerte, el gobierno firma un acuerdo con su familia para clonar el cerebro de la guerrera como una forma de ganar la guerra. Ahora que el mundo se ve obligado a vivir protegido del sol y los repentinos cambios climáticos, se libra una batalla interna mientras los científicos trabajan incansablemente para convertir a Yun Jung-yi en Jung_E, un robot militar que se puede multiplicar. Una de las científicas que trabajan en el clon es Yun Seo-hyun (Kang Soo-yeon), que era solo una niña pequeña cuando mataron a su madre Yun Jung-yi.

El director Yeon Sang-ho simplemente sabe cómo hacer películas de género que golpean al público directamente en el estómago. Train To Busan (2016) fue una película con una historia conmovedora y emocionalmente impactante detrás de toda la violencia asociada con las películas de zombies. En ese sentido, Jung_E es una película de acción y ciencia ficción que emociona pero tiene muchas capas que esperan ser reveladas en una historia emocional que es igual de impactante. La acción sin sentido por el bien de la acción sin sentido es algo que va y viene, sin embargo, algo poderoso para poner los pies en la tierra le da mucho más poder de permanencia. El escenario de esta historia post-apocalíptica es esencialmente irrelevante ya que es mucho más que eso. Es una historia épica que se siente mucho más íntima a pesar de su premisa, y aunque los efectos visuales pueden no estar todos allí, ese no es el punto. El punto es una gran narración y, por eso, la película definitivamente cumple. Con una duración de 1 hora y 38 minutos, Jung_E tendrá a los espectadores al borde de sus asientos y seguramente los dejará con ganas de más gracias al trío de actuaciones sensacionales de Kang Soo-yeon, Kim Hyun-joo y Ryu Kyung-Soo. Si bien no son necesariamente llamativos en el sentido tradicional, los tres son muy convincentes.

Teniendo lugar en un futuro lejano en un ahora inhabitable planeta Tierra destruido por el cambio climático y en medio de una guerra civil entre grupos de refugios del espacio exterior, la clave para poner fin a esa guerra es quizás clonar el cerebro de una renombrada soldado y estratega para crear un mercenario de combate androide de inteligencia artificial de élite conocida como Jung_E. Sin embargo, en su última misión, la que falló, la dejó en un estado vegetativo, lo que permitió un proceso de clonación. La película sigue a la hija de Jung-yi ahora, 35 años después, mientras lidera el esfuerzo como investigadora principal del proyecto Jung_E. Si bien el mundo que crea la película es indudablemente ambicioso, la relación entre madre/hija es donde realmente la trama prospera. A pesar de mucha presión externa para poner en marcha el proyecto, Yun tal vez lo ve como un medio para volver a conectarse con su madre, a quien perdió a una edad muy temprana. Su historia es complicada, pero la forma en que la película usa su premisa para simplemente contar una historia sobre el dolor fue tan poderosa que los flashbacks desarrollaron esa conexión de una manera impactante.

Habiendo dicho eso, Yun tuvo que dejar a un lado todo ese equipaje emocional, equipaje que conocían los demás en su equipo y la compañía para la que todos trabajaban. No obstante, ese conflicto interno resultó ser cada vez más difícil a medida que avanzaba la película y esa tensión y sentido de urgencia aumentaron aún más con la noticia de que sus empleadores se estaban moviendo en otra dirección. El objetivo final, como mencioné, era crear un soldado de inteligencia artificial perfecto, pero prueba tras prueba y simulación tras simulación enfrentando oleadas y oleadas de oposición, siempre parecía que de alguna manera, necesitaban encontrar una manera de sacar más de su humanidad para motivarla, dándole algo por lo que luchar. Saber esto presentó una línea que Yun evitó cruzar mientras intentaba mantener su objetividad y retrasar esa reunión. Sin embargo, algo tenía que ceder, lo que resultó en un clímax emocionante y conmovedor que realmente puso a prueba a Jung_E/Jung-yi y su relación con su hija. El poder de esa conexión emocional legítima agregó a que el final fuera aún más desgarrador de ver.

En última instancia, Jung_E no habría funcionado si no fuera por las sensacionales actuaciones antes mencionadas de Kang Soo-yeon, Kim Hyun-joo y Ryu Kyung-Soo para unir esta película. Soo-yeon y Hyun-joo en particular le dan a la película un centro emocional a pesar de que esto último es deliberadamente robótico en su mayor parte. Mientras que la primera interpreta a Yun Seo-hyun en el lado moderado, todavía hay capas de dolor y arrepentimiento debajo de una superficie que se ve obligada a reprimir, pero ver una copia de su madre todos los días lo hace más difícil, aunque ese hecho claramente motivó sus acciones. Una vez que esos sentimientos volvieron a la superficie, fue algo hermoso. Aunque Kim Hyun-joo es absolutamente ruda como Jung_E, ya que pudo mostrar algunas de sus habilidades de acción, también pudo mostrar un lado más ligero para poner una cara más humana al personaje a través de los muchos flashbacks de la película. Ryu Kyung-Soo fue genial como el jefe de Yun Seo-hyun, Sang-Hoon, y es el alivio cómico de la película hasta que pudo mostrar un lado diferente en lo que fue una transformación completamente divertida.

En general, existe la posibilidad de que, dado que esta gran película se estrenó tan temprano en el año, para cuando lleguemos al final, muchas personas se olvidarán de ella. Yo, por mi parte, no dejaré que eso suceda. Y el primer paso para hacerlo posible es instarles encarecidamente a que vean Jung_E. Es aterradoramente cercana a la realidad en la que vivimos, no solo en términos de avances tecnológicos sino también en términos de degradación ética. Los gobiernos, las organizaciones privadas y las plataformas de redes sociales han convertido a los seres humanos en puntos de datos que se pueden usar o desechar. Aunque decimos que hemos evolucionado, el valor de la vida humana probablemente esté en su punto más bajo porque el capitalismo, el aumento económico y la opresión política desenfrenada nos han reducido a una estadística menor. Y la idea de luchar contra todo puede parecer algo desalentador. Sin embargo, si nos limitamos a preservar la memoria, el legado y el futuro de nuestros seres queridos, la lucha puede parecer un poco más factible. De eso se trata este último drama de ciencia ficción por parte de Yeon Sang-ho. Al final, Jung_E es una clase magistral de narración y va en camino de convertirse en un clásico de ciencia ficción. Es una película fantástica que presenta una historia emocionalmente impactante que romperá absolutamente los corazones de los espectadores. Altamente recomendada.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Venus

Lucía (Ester Expósito) es una bailarina que quiere dejar atrás su trabajo en una discoteca pero le resulta difícil hacerlo ya que el club está dirigido por organizadores y gente del crimen. Una noche, Lucía se escapa a mitad de su turno a una de las oficinas para robar una bolsa llena de drogas de éxtasis de sus jefes corruptos, pero la jugada no sale como ella planeó. La atrapan y apenas escapa con su vida y las drogas. Basada en su conocimiento de las personas con las que trabaja, a Lucía le preocupa que, si regresa a su casa, el jefe y sus secuaces la encontrarán y, si la atrapan, la matarán. Así que busca refugio con su hermana mayor Rocío (Ángela Cremonte), de la que está distanciada, y su sobrina Alba (Inés Fernández) en el Edificio Venus, ubicado en las afueras de Madrid. Lucía siente que algo anda mal, ya que su hermana y el edificio en el que vive tienen sus propios secretos. Cosas extrañas comienzan a suceder una vez que llega un eclipse solar inesperado y Lucía tendrá que dar un paso al frente y proteger a su sobrina contra horribles fuerzas cósmicas y los crueles mafiosos que la persiguen.

Aunque Cannibal Holocaust (1980) fue la película que conmocionó y horrorizó por completo al mundo del terror al "introducir" el subgénero del pietaje encontrado, fueron The Blair Witch Project (1999) y REC (2007) las que trasladaron este género a un panorama más amplio. Esta última, de Jaume Balagueró y Paco Plaza, provocó importantes movimientos en los mercados de terror internacionales y muchos cineastas quisieron hacer su propia versión de la película. Desde REC, Jaume Balagueró y Paco Plaza siguieron trabajando en otros proyectos, adoptando diferentes estilos, e incluso en otros géneros. Entonces, llegó la pandemia. Todos quedaron atrapados dentro de sus casas. El mundo exterior se estaba volviendo más oscuro cada minuto. Y ahí fue cuando Balagueró empezó a tramar las cosas. Este aislamiento le recordó la película que inició su carrera, lo que lo motivó a inventar una película que recordara a REC mientras agregaba elementos del horror cósmico Lovecraftiano.

Con la ayuda del productor Álex de la Iglesia, Balagueró dirige Venus, una actualización moderna del cuento corto The Dreams In The Witch House de H.P. Lovecraft, con elementos de acción y terror y una subtrama criminal adjunta a la historia. Si, todo puede parecer un desastre. Y en realidad es bastante desordenada. Sin embargo, en su mayor parte, Balagueró encuentra una manera de asustar y entretener, creando un viaje muy violento y lleno de sangre.

En esencia, Venus es una historia sobre la pérdida, la locura y la búsqueda de una vida mejor. Esa historia se pierde un poco en medio de toda la sangre que corre, los horrores Lovecraftianos y la mitología de la Reina de los Dolores o Perséfone. Como mencioné anteriormente, la película es un poco desordenada, ya que quiere mezclar varios subgéneros. Parte, si no la mayoría, de la historia de Venus tiene sentido, a pesar de su desorden narrativo. Necesita un poco tiempo para ponerse en marcha, y se pueden ver algunos giros desde el principio, pero es un vistazo bastante entretenido.

En papel, Venus no debería funcionar, ya que la combinación de géneros como el crimen, el humor negro y el terror cósmico es bastante difícil de manejar. Aún así, a pesar de que la estructura de la historia de la película está evidentemente fracturada, Balagueró encuentra una manera de divertir a través de algunos momentos sangrientos y empapados de sangre (presentados tanto en CGI como en efectos prácticos) y secuencias de alta intensidad. Aunque la película ofrece constantemente elementos de terror, Balagueró se centra en la situación de Lucía con los jefes del crimen, apoyándose en los clichés de las películas de crimen y la sensación de sentirse continuamente perseguida. Debido a que ese es el enfoque principal, los componentes de terror cósmico se desarrollan lentamente en el fondo hasta que llega el último acto. El problema con tal dinámica es que la narrativa de la película siempre está incrustada en el presente, lo que deja poco espacio para una historia de fondo y el desarrollo, principalmente de la relación fraternal entre Lucía y Rocío. Esto provoca que los emotivos momentos entre ellas tengan poco impacto. Al menos, las escenas en las que Lucía se une a su sobrina compensan de alguna manera esos momentos perdidos y desperdiciados.

En el departamento de actuación, Ester Expósito y Inés Fernández ofrecen actuaciones sólidas y tienen una gran química que hace el trabajo pesado en las escenas más débiles de la película. Entre las dos, Expósito es la protagonista y brilla en todo momento, mostrando su talento como imán en la pantalla y heroína en ese gran final que induce a la ansiedad. Sin duda, las partes que la mayoría de la gente recordará más son las secuencias de alta tensión de la película en lugar de los escalofríos de terror, debido a una sensación claustrofóbica. Puede que Balagueró no tenga el control total de la narrativa de Venus, pero hace un gran trabajo en las escenas de acción y terror de la película.

En general, la película tiene mucho en su plato. Puede tener éxito en algo, pero no lo logra todo. Su primera mitad se siente emocionante, y aterrizamos en medio de una excelente combinación de drama, suspenso y estudio de personajes, pero los hilos nunca se unen perfectamente. Una conclusión forzada con el mito de la reencarnación de la aterradora figura demoníaca Lamashtu debilita la premisa intrigante, y una sobreabundancia de música cursi suaviza los golpes emocionales. Aún así, está llena de sangre y vísceras, tiene secuencias intensas e inquietantes y hay una pizca de horror cósmico en todas partes. Al final, Venus logra asustar, disgustar y al mismo tiempo entretener al espectador. A pesar de algunos momentos lentos y una caracterización general bastante superficial de los personajes, la película es atractiva y muy agradable si buscan diversión llena de adrenalina y sangre. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Puss In Boots: The Last Wish

El Gato con Botas (voz de Antonio Banderas) sigue siendo un héroe célebre para la gente, usando su estilo y valentía para luchar contra el mal, incluido un gigante que busca aplastar al gato. Cuando la campana de una iglesia hace el trabajo, el Gato se entera de que ha perdido su octava vida, pasando a la última, lo que lo obliga a reflexionar sobre su amor por las aventuras arriesgadas. Aceptando su destino, el Gato se retira y se traslada a un centro de rescate de gatos, donde conoce a Perrito (voz de Harvey Guillén), un perro no amado vestido de gato que busca hacer un amigo. Perseguido por Ricitos de Oro (voz de Florence Pugh) y los Tres Osos (voces de Ray Winstone, Olivia Coleman y Samson Kayo), el Gato reconoce que la pelea no ha terminado y se entera de que la legendaria Estrella de los Deseos es real, lo que inspira una misión para buscarla y devolverle sus nueve vidas. Pronto se reencuentra con Kitty Softpaws (voz de Salma Hayek), con la pareja protegiendo un mapa hacia la estrella mágica, perseguidos por el mafioso Big Jack Horner (voz de John Mulaney), quien también quiere la estrella.

Puss In Boots: The Last Wish es la secuela largamente esperada de El Gato con Botas del 2011 y marca la primera entrada en la franquicia de Shrek en 11 años. La película tiene lugar años después de los eventos de las películas de Shrek y sigue al Gato mientras descubre que su amor por la aventura y el peligro finalmente le han pasado factura. Una vez que descubre que ha quemado ocho de sus nueve vidas, su miedo a la muerte comienza a consumirlo mientras emprende un viaje para encontrar una mítica estrella de los deseos para poder restaurar sus nueve vidas. En este viaje, se encuentra con nuevos y viejos amigos, incluida Kitty Softpaws, y debe enfrentarse a varios villanos nuevos y amenazantes.

La primera película del Gato con Botas es una de las mejores y más agradables películas de DreamWorks Animation de la década de los 2010's, incluso si nunca alcanzó las mismas alturas que las mejores obras de DreamWorks. Puss In Boots: The Last Wish no solo es aún mejor y una gran mejora con respecto a la primera, sino que es fácilmente una de las mejores de DreamWorks en mucho tiempo e incluso podría ser de las mejores películas animadas del año. La película ofrece una secuela mucho más oscura y sorprendentemente más madura que aborda los temas de la muerte y la mortalidad sin dejar de ser un viaje increíblemente divertido, gracioso y de ritmo rápido que el público de cualquier edad puede disfrutar.

Para ser un personaje que se presentó al público hace 19 años y ha hecho varias apariciones desde entonces, es sorprendente todas las nuevas direcciones que los cineastas toman aquí con el Gato con Botas, ya que le dan un arco completo que no se siente repetitivo y es uno que el público no ha visto antes. Este es un Gato en su punto más vulnerable y maduro, y es bueno ver que el personaje tiene un crecimiento real cuando termina la película. También es genial ver a Kitty Softpaws una vez más y tener mucho que hacer. La dinámica de ella y el Gato es uno de los elementos más fuertes en ambas películas y agrega aún más corazón y capas a los personajes. Mientras tanto, todas las nuevas incorporaciones encajan perfectamente en este mundo, especialmente Perrito, que se roba el espectáculo por completo y tiene algunos de los momentos más divertidos de la película.

El estilo de animación ha cambiado bastante desde la primera película y se parece mucho más a la película más reciente de DreamWorks, The Bad Guys (2022), y más notablemente a Spider-Man: Into The Spider-Verse (2018), la cual claramente se inspiró en todas las mejores formas. Este estilo encaja perfectamente con el mundo y los personajes y es absolutamente impresionante de contemplar, se siente como un libro de cuentos que cobra vida. Las secuencias de acción son todas fantásticas y el estilo de animación las hace destacar. También es bueno ver una película dirigida principalmente a familias que no tiene miedo de incluir algunas palabrotas, muertes de personajes, historias oscuras y chistes que claramente audiencias más pequeñas pasarán por alto. También hay muchas referencias y homenajes a las películas de Shrek que se manejan muy bien y seguramente generarán un poco de emoción y nostalgia.

Antonio Banderas es una vez más perfecto como el Gato y ofrece otra gran actuación. A pesar de que ha interpretado a este personaje varias veces a lo largo de los años, siempre pone mucha pasión y energía en el personaje que se traduce perfectamente en el Gato y le agrega nuevas capas. Salma Hayek como Kitty Softpaws y Harvey Guillén como Perrito se destacan mucho, mientras que John Mulaney como el antagonista principal de la película, Big Jack Horner, es muy divertido. Wagner Moura como El Lobo Feroz/La Muerte es fácilmente uno de los mejores villanos que toda esta franquicia haya visto y su trabajo de voz le da a la película una presencia real y amenazante en todo momento. A pesar de que no son el foco principal y van y vienen a lo largo de toda la película, es muy divertido escuchar a Florence Pugh, Olivia Colman, Ray Winstone y Samson Kayo como Ricitos de Oro y los Tres Osos.

En general, hay muy pocas cosas negativas en Puss In Boots: The Last Wish aparte de algunos pequeños detalles. Tal vez dura demasiado, pero siempre es entretenida de ver y su ritmo rápido asegura que nunca se sienta aburrida. Es posiblemente la mejor película de esta franquicia desde Shrek 2 (2004), ya que recupera el ingenioso humor y la sátira que hicieron que las entregas anteriores fueran atractivas. Al final, Puss In Boots: The Last Wish hizo que la larga espera de 11 años valiera la pena, y hace que la franquicia de Shrek no parezca morir a juzgar por el final de la pelicula. Definitivamente este es el tipo de animación que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar. Quién hubiera pensado que DreamWorks superaría algún día a Disney en el departamento de animación? Sólo espero que esta calidad se mantenga constante de aquí en adelante. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Argentina, 1985

Julio César Strassera (Ricardo Darín) es el nuevo fiscal federal y ha sido elegido para conducir la investigación y el juicio contra la Junta militar que devastó Argentina con la Operación Cóndor durante casi diez años, desde 1976 cuando Jorge Rafael Videla (Marcelo Pozzi) inició la dictadura, hacia 1983, año de las nuevas primeras elecciones democráticas en el país. Se siente atrapado en su nueva posición, y en realidad piensa que es víctima de una emboscada, ya que siente que nunca tendrá éxito en su misión. Quién lo va a ayudar? Qué se puede hacer para acusar y condenar a los comandantes de tan sangrienta pero popular dictadura? Con el apoyo de su familia, construye un equipo de jóvenes investigadores y fiscales, entre ellos Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani), sin vínculos notables con ese terrible pasado que acaba de terminar, y en una misión contra viento y marea, protagonizan una peligrosa y difícil prueba para cambiar la historia del país y conseguir el apoyo de la opinión pública que todavía no está lista para dejar atrás su pasado.

Argentina, 1985 es una carta de amor al Juicio a las Juntas, que enjuició a todos los responsables de hacer desaparecer a 30,000 personas porque el gobierno consideraba inaceptables sus opiniones políticas. El guión narra poderosamente los esfuerzos conjuntos del equipo legal que luchó por la justicia de los desaparecidos, quienes fueron secuestrados y asesinados en secreto por el gobierno militar. La película toma forma a través de un elenco fenomenal entre las paredes de la casa de un ciudadano de clase media. Julio junto a su esposa Silvia (Alejandra Flechner), su hija Verónica (Gina Mastronicola) y su hijo Javier (Santiago Armas Estevarena), lleva la vida de un hombre que quiere garantizar un espacio seguro en su hogar, tanto como en las oficinas judiciales donde él trabaja. Su vida privada se extiende al público a medida que el deseo de Strassera de proteger a su familia se expande a su país.

El director Santiago Mitre se ha ocupado antes de la exploración de personajes que se debaten entre sistemas políticos corruptos y el afán de hacer prevalecer la honestidad. En su película La Cordillera (2017), Mitre ya le había asignado a Ricardo Darín el papel de un protagonista que se encontraba en el ojo de la tormenta. En esta ocasión el reto es mayor porque muestra el momento en que "Nunca más!" se convirtió en la expresión utilizada por el pueblo para repudiar el terrorismo de Estado.

La Guerra Sucia de Argentina es un capítulo abominable de la historia humana y el juicio que derribó a los máximos mandatarios de un gobierno fascista fue, como lo definió Strassera, “el más importante después de los Juicios de Nuremberg”. El juicio no es sólo una oportunidad para hacer frente a los crímenes de humanidad perpetrados y silenciados por el antiguo régimen, sino para asegurar de una vez y por todas la continuidad de la democracia en Argentina. La película muestra las etapas sobresalientes de los procedimientos judiciales como una circunstancia específica de la nación para difundir una advertencia universal. La descripción de este oscuro momento en la historia de Argentina es importante como un recordatorio para los países de todo el mundo de lo que puede suceder cuando las fuerzas antidemocráticas se infiltran en nuestras vidas. La película es mucho más que un cuento con una moraleja. No quiere predicar a las masas, pero sí rastrea eventos pasados ​​de una manera que pueden volverse extremadamente relevantes para este tiempo presente.

La película, sin duda, es hermosa de ver. Desde luces tenues hasta habitaciones llenas de humo, vistas enriquecedoras, junto con una producción y un diseño de vestuario impecables, esta película hace un trabajo admirable al llevarte a otro tiempo y lugar donde tener moral y coraje era la forma más rápida de una existencia sin trabajo o no existir del todo. Mitre también incorpora a su guión temas y comportamientos de personajes de “nunca más”, y eso se siente a lo largo de toda la película, nunca más evidente y efectivo que cuando el director presenta media docena de poderosos monólogos testimoniales, todos basados ​​en casos reales, describiendo las experiencias de personas desaparecidas forzosamente. Por supuesto, las historias orales son escalofriantes. Desde una mujer que describe dar a luz a su hijo mientras está esposada por la espalda, hasta un hombre que fue violado en grupo por sus captores militares, sus historias son inquietantes, pero nunca más que cuando una madre simplemente quiere saber si su hija está viva o muerta. Su respuesta? No tiene ninguna.

Parte de la razón por la que la película funciona tan bien son las actuaciones. Como protagonistas, Ricardo Darín y Peter Lanzani sobresalen, siendo dueños de sus muchas escenas juntos sin importar lo que estén haciendo, tanto que, incluso si se habla mucho lenguaje legal en la película, nunca deja de ser apasionante y atractivo. Pero a Darín y Lanzani se unen una serie de talentosos actores, y es gracias a ellos que cada miembro del equipo legal siempre es creíble, lo que le da más personalidad a la película. Como la esposa de Julio, Alejandra Flechner brilla como Silvia, interpretando el personaje que se siente más cercano a la audiencia, ya que apoya a su esposo pero no está directamente involucrada en el juicio, y una fuente inagotable de sabiduría muy necesaria que ofrece más elementos para la reflexión. Otro personaje esencial de la película es el del hijo de Julio, y Santiago Armas Estevarena como Javier es excelente al presentar sus líneas en el momento exacto, haciendo que sus escenas no solo sean memorables sino también muy efectivas.

Si necesitan una comparación o una película para contextualizar, la más cercana puede ser Missing (1982), una película sobre Edmund Horman, quien buscó a su hijo Charles, y que desapareció durante el golpe militar de 1973 en Chile encabezado por el general Augusto Pinochet. La diferencia es que Argentina, 1985 te muestra las secuelas y el arrepentimiento. Si bien la película carece de un impacto cinematográfico, los argumentos finales por parte de Darín son conmovedores e incluso poderosos. Hay una frialdad inusual después de ese momento. Sin embargo, eso es solo para resaltar la verdadera nobleza de Strassera de que el trabajo no está hecho y muy posiblemente nunca lo estará.

En general, el director Santiago Mitre no reinventa la fórmula del drama judicial aquí, y una crítica que podría hacerse es que el director podría haberse atrevido un poco más, dándonos una película menos "pulida" pero más impactante. Pero eso es sólo un defecto menor. Esta es una película que les encantará, los molestará, los iluminará y les recordará que nunca es tarde para luchar por la memoria, la libertad y la justicia. Al final, Argentina, 1985 es una película hecha con gracia y, por momentos, con un toque notablemente ligero, junto a una destacada interpretación de Ricardo Darín. Es un drama apasionante y excepcionalmente bien hecho que recrea un momento crucial en la historia latinoamericana y una historia de gran valentía que honra a los disidentes y a los valientes hombres y mujeres que se les hizo justicia. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Candy Land

Riley (Eden Brolin), Levi (Owen Campbell), Sadie (Sam Quartin) y Liv (Virginia Rand), trabajan en Candy Land, una parada de camiones y un lugar popular para que los camioneros y otros viajeros encuentren trabajadoras sexuales con poca interferencia policial, a excepción del sheriff local corrupto Rex (William Baldwin). Han formado una familia, se protegen y se hacen compañía durante los tramos entre los clientes que se detienen en la parada de camiones. Un día, Remy (Olivia Luccardi), una refugiada de un pequeño culto cristiano, aparece sola y sin otro lugar a donde ir. Acogiéndola, se hacen sus amigos y, eventualmente, la inician en el trabajo sexual. Poco saben que Remy lleva consigo una cruz con un profundo y oscuro secreto relacionado con su pasado y el culto del que escapó.

Candy Land probablemente no es lo que creen que es. Al menos, no es solo lo que creen que es. Es una película slasher con toques de grindhouse que adopta un enfoque sensible al trabajo sexual y a la agresión sexual. También es una película de terror religioso que no le huye a las partes feas de la humanidad, y un thriller elegante, astuto y lleno de matices que realmente te hace preocuparte por sus personajes. Por encima de todo, es una entrada nueva, refrescante y emocionante al género por parte del escritor y director John Swab.

La película se toma su tiempo para presentar a sus personajes y la introducción al mundo del trabajo sexual. La película nunca juzga a esta familia encontrada, incluso cuando todas las personas a su alrededor lo hacen. Cuando Remy le pregunta a Sadie cómo pueden hacer lo que hacen, ella se burla mientras Liv y Levi se ríen. "Odio esa pregunta", le dice Sadie a Remy disculpándose, justo antes de que todos respondan honestamente y sin vergüenza. Liv dice que es mejor que tener un trabajo respetable por $6 dolares la hora, y Levi dice en broma que simplemente le gusta estar de fiesta.

Cada escena de estos amigos pasando el rato es naturalista y vivida. Los personajes realmente se sienten como una familia, con partes iguales de amor y familiaridad, y es un placer verlos discutir de manera juguetona sobre comida chatarra y cigarrillos en la parada de camiones. La película nunca quiere que les tengamos lástima o los juzguemos, sino que reserva ese juicio para el sheriff hipócrita Rex, que obliga a Levi a realizar actos sexuales para él, y una secta fundamentalista cristiana que santurronamente reza por Riley cuando hace un comentario sugestivo.

Aunque la película no pasa mucho tiempo con el culto, su presencia pesa mucho sobre la historia. Un detalle importante que los espectadores pueden pasar por alto es el enfoque de Swab en los pies de los personajes. Muchos grupos cristianos, especialmente las denominaciones evangélicas del sur de los Estados Unidos, practican el lavado de pies como una práctica religiosa. Al centrarse en los pies, Swab obliga al espectador a cuestionar sus nociones de santidad. La película muestra los pies de las trabajadoras sexuales con mayor frecuencia, recordándonos constantemente que dejemos de lado los prejuicios y veamos a estos personajes por lo que realmente son: personas normales que hacen lo que pueden para sobrevivir. La película se esfuerza por desestigmatizar el trabajo sexual, especialmente en sus toques naturalistas, pero en ninguna parte este esfuerzo es más agudo o sutil que en su evocación del lavado de pies religioso.

Algo especialmente fuerte en Candy Land es el final que no necesariamente lo llamaría un giro, pero ciertamente me tomó desprevenido. El final es una gran sorpresa, una pieza de dirección terriblemente aterradora con un poco de derramamiento de sangre inesperado. Es un gran final con elecciones sorprendentes y una escena sangrienta que nos envía en nuestro camino. No quiero estropear nada, solo diré que el final es apropiado, horrible y satisfactorio.

Riley en un momento dado dice que están "desbloqueando el cinturón de la Biblia en Candy Land", y tiene doble razón. La película descubre el miedo y el deseo que burbujea debajo del exterior evangélico de la América cristiana, y pinta un retrato de trabajadoras sexuales que, en un mundo de policías corruptos, clientes peligrosos y personas ansiosas por explotarlos, solo pueden confiar entre ellos. También examina lo que sucede cuando confías en las personas equivocadas. Lo que es más importante, nos pide que miremos en nuestro interior para descubrir a qué nos referimos realmente cuando decimos "las personas equivocadas".

En general, esta es una mezcla de horror de culto y grindhouse. Está llena de sorpresas, sexo, sangre y cambios maravillosamente inesperados. No será para todo el público, ya que contiene desnudez y sexualidad gráfica, agresiones sexuales y violencia sangrienta. Dicho esto, esas escenas están bien dirigidas, fuertemente tramadas, contienen niveles de entretenimiento de una película de terror y horrores que revuelven el estómago. Realmente la pasé muy bien viéndola, incluso con los elementos profundamente perturbadores incluidos. El nivel de disfrute se medirá por su tolerancia al sexo, la violencia y el gore de la película. Al final, Candy Land es partes iguales slasher, terror religioso, película grindhouse y drama basado en personajes. John Swab y su equipo han contado exitosa y respetuosamente una historia de personas de las que normalmente no escuchamos y, más que eso, nos hace invertir en ellos y en su supervivencia, lo cual es un buen cambio para el género slasher. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Plane

Brodie Torrance (Gerard Butler) es el capitán de una aerolínea que viaja de Singapur a Hawaii para ver a su familia después de estar ausente por oportunidades de trabajo. Se le une una pequeña tripulación y un puñado de pasajeros, uno de ellos, Louis Gaspare (Mike Colter), un delincuente convicto que está siendo transferido a una nueva ubicación. Durante el vuelo, y al sudeste asiático, el avión se encuentra con un clima violento, con un rayo que obliga al capitán a realizar un aterrizaje de emergencia, lo que lo convierte todo en un caos. Sin comunicación, Brodie decide buscar ayuda, junto con Louis, quien está listo para escapar cuando llegue el momento correcto. Cuando los hombres se dan cuenta de que están en una isla sin ley dirigida por un grupo de milicia, buscan nuevos objetivos para un plan de negociación de rehenes. Mientras Brodie y Louis descubren una manera de escapar la isla, un equipo de operaciones especiales, dirigido por Scarsdale (Tony Goldwyn), intenta encontrar el avión y envía un equipo de rescate para recoger a los sobrevivientes.

Plane es el último thriller de acción de Gerard Butler que involucra, lo adivinaron, un avión. Después de tener que hacer un aterrizaje forzoso durante una terrible tormenta, el piloto Brodie Torrance se encuentra atrapado en medio de una zona de guerra junto a sus pasajeros y un misterioso prisionero llamado Louis Gaspare que debe luchar para sobrevivir contra las milicias antigubernamentales fuertemente armadas y encontrar una salida de la isla mientras los expertos en rescate intentan encontrar su ubicación al mismo tiempo. El mes de Enero se conoce comúnmente como el basurero de Hollywood y la mayoría de las películas estrenadas durante ese mes no son de la mejor calidad o son absolutamente terribles, especialmente las que se estrenan durante la segunda semana del mes. Si bien Plane es genérica como su título, es un thriller de acción lo suficientemente útil y mucho mejor de lo que normalmente esperarían de un lanzamiento del mes de Enero.

Butler ha llegado a un punto en su carrera en el que esencialmente está interpretando exactamente el mismo personaje en cada película y esta no es una excepción, pero afortunadamente, todavía es muy bueno interpretando este tipo de personajes. Aunque es probable que este no sea un papel por el que se le recuerde en 20 años, Butler es un protagonista capaz y mantiene la película unida como la estrella que es, al mismo tiempo que agrega un poco más de profundidad a su personaje de lo que presumiblemente estaba en papel. Tan sólido como es, Colter ofrece la mejor actuación en la película y es el personaje al que el público se apegará más a pesar de no llegar a conocerlo muy bien o tener tanto tiempo en pantalla como Butler. Butler y Colter crean una dinámica bastante buena y tienen una química muy natural juntos a pesar de no tener el mejor guión o los personajes más profundos con los que trabajar. Fuera de ellos, la actuación de Tony Goldwyn y Paul Ben-Victor es bastante pobre y los personajes son completamente olvidables. Afortunadamente, los personajes secundarios no reciben mucha atención ni mucho tiempo en pantalla.

Plane está dirigida por Jean-François Richet, cuyos trabajos anteriores incluyen la nueva versión altamente subestimada de Assault On Precinct 13 (2005) y la también subestimada Blood Father (2016) con Mel Gibson, por lo que afortunadamente esta película y las secuencias de acción están bastante bien dirigidas. La acción no es demasiado memorable y se vuelve un poco descabellada al final, pero Richet dirige bien cada pieza y son lo suficientemente sólidas. Esta es una película bastante común, pero avanza a un ritmo rápido, casi no pierde tiempo con la trama y logra entretener durante la mayor parte de su duración. Si bien la película no ofrece nada nuevo u original de ningún tipo, ofrece exactamente lo que un público objetivo esperaría ver de ella.

Habiendo dicho todo eso, de alguna manera esta película se siente bastante barata y un poco tonta para tener un presupuesto de $50 millones de dolares, pero, de nuevo, algunos espectadores pueden entrar a ver esto con la esperanza de que se sienta así. Los efectos visuales son notablemente terribles ya que el público tiene que suspender su incredulidad a veces, especialmente a medida que avanza la película, pero una vez más, algunos pueden esperar eso. Hay una trama secundaria que involucra a los pasajeros de Torrance que atrasa la película y podría haberse cortado para hacer que la película sea aún más entretenida. Pero al final del día, es un thriller de acción simple y poco exigente que le da al público exactamente lo que espera de una película llamada Plane.

En general, la película busca la aprobación de la audiencia con el acto final, pero gana algo de ridiculez. Butler hace un buen trabajo con su actuación al capturar una intensidad y un agotamiento físico, aportando algo de textura a su rol. Brodie no es un héroe, sino un líder natural desesperado por sobrevivir, y esa inspiración primaria le da a la película una cierta ferocidad. Al final, Plane tiene sus limitaciones, pero ofrece oleadas ocasionales de acción competente, y usa el valor de Butler en todas las formas correctas. Si los espectadores entran en la película con las expectativas correctas, es probable que pasen un buen rato. Si son admiradores de Gerard Butler o de este tipo de películas, es posible que no sea una gran recomendación, pero si tienen algún tipo de interés en verla, sería una película absolutamente perfecta para ver un domingo por streaming. 

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Project Wolf Hunting

Un grupo de presos son entregados a un buque de carga para transportarlos desde Filipinas a Corea del Sur. Algunos de los reclusos resultan ser increíblemente peligrosos, con la capacidad de asesinar y dominar a otros por capricho. Los reclusos, liderados particularmente por un joven asesino sediento de sangre, Park Jong Doo (Seo In-Guk), seguido por el silencioso pero ágil Lee Do Il (Jang Doon-Yoon), atacan para matar a los guardias y apoderarse del barco. Mientras tanto, un recluso misterioso conocido como Alpha (Choi Gwi-Hwa), una máquina de matar genéticamente modificada que se introdujo al buque en forma de contrabando, y que hasta ahora había estado en coma, es liberado de su sueño por accidente y desata el infierno cuando tanto los reclusos como los guardias sobrevivientes deben luchar contra un monstruo aparentemente imparable.

Siendo una película absolutamente loca de principio a fin, Project Wolf Hunting es una película de terror y acción coreana extremadamente sangrienta. Piensen en la horriblemente desagradable película del año pasado The Sadness, pero en un barco enorme. Si bien esto ciertamente no estaba en mi lista de ver (la encontré por pura suerte), me sorprendió descubrir que en realidad terminó encantándome. El director Kim Hong-Seon entrega a lo grande galones de sangre y violencia brutal y una acción implacable. Si esto suena bien para ti, no pierdas el tiempo y ve esta película tan pronto como sea humanamente posible.

Para el primer acto, la película pasa como un típico thriller de acción. Mientras parecía ir en una dirección, realmente va en otra. Los prisioneros tienen un objetivo claro desde el principio, y es provocar un motín y escapar de sus grilletes. Dando al espectador prácticamente a nadie a quien apoyar, los criminales ciertamente son geniales, ya que a cada uno se le permite tiempo en pantalla con su carisma y energía. La película encuentra un punto dulce, yendo por encima y realmente satisfaciendo al público con su diversión a nivel de los comics. Los policías son intrigantes debido a la línea emocional que el director Kim Hong-Seon establece para la mayoría de ellos al humanizarlos de una manera que los criminales no lo hacen.

El segundo acto es cuando los criminales proceden a tomar el control del barco, y es ahí cuando el verdadero horror de la película comienza. Pero... quién más está a bordo con ellos? Solo por la estructura, es difícil adivinar quién quedará en pie al final de la película y qué quedará de ellos. El elenco de personajes es particularmente grande, lo que brinda una amplia oportunidad para lograr asesinatos memorables. Un asesino imparable corta, acuchilla, y desmiembra a todos con los que entra en contacto. Su entrada es un punto que inmediatamente lo centra como una gran amenaza. La sangre brota por todas partes cuando se aplastan cabezas, se cortan brazos y se arrancan cajas torácicas. Pueden los criminales y los guardias tener una oportunidad para escapar o sobrevivir?

El director Kim Hong-Seon hace un muy buen trabajo al equilibrar diferentes géneros. Infundido en la acción y el gore hay algunos temas fuertes de ciencia ficción que se entrelazan con la historia. Puede parecer mucho, pero ver cómo se desarrolla todo es un placer absoluto. Es una locura cinematográfica en su máxima expresión. Si bien puede tomar algo de tiempo para ponerse en marcha, cuando lo hace, Project Wolf Hunting es un vistazo bastante emocionante. Se encontrarán sentados clasificando las muertes según lo espantosas, inventivas y lo francamente locas que son. Hay mucho más que se desarrolla aquí y, aunque a veces puede parecer que muerde más de lo que puede masticar, la película se encuentra al final, y vale la pena disfrutar del viaje.

En general, esto es una masacre interminable. Si bien esto personalmente no me molestó, puede resultar no ser adecuada para audiencias más amplias y débiles de estómago. Eventualmente, una elaborada historia de fondo que involucraba experimentos y conspiraciones hizo que esto fuera más interesante. Esto sin duda se siente fabricado específicamente para los amantes de los videojuegos en mente. En otras palabras: véanla por el escenario, quédense por la carnicería. Al final, Project Wolf Hunting presenta personajes únicos, emocionantes giros y vueltas, varias secuencias inolvidables y es (hasta ahora) la película más sangrienta del año. Si bien puede que no sea para todos, para los fanáticos del cine extremo es algo que no deben perderse.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: I Wanna Dance With Somebody

Criada por la cantante Cissy (Tamara Tunie), Whitney Houston (Naomi Ackie) fue entrenada para usar sus dones naturales de una manera autoritaria, desarrollando una poderosa voz y presencia en el escenario. Con el apoyo de su amiga Robyn Crawford (Nafessa Williams), Whitney pronto conoce al productor de Arista Records, Clive Davis (Stanley Tucci), quien presenta canciones capaces de lanzar su carrera. El mundo aprende a adorar los éxitos y la personalidad burbujeante de Whitney, lo que la convierte en una de las artistas discográficas más importantes de todos los tiempos, pero la vida encuentra formas de interrumpir ese éxito, incluida su atracción gravitatoria hacia Bobby Brown (Ashton Sanders), una estrella del pop y una mala influencia, ayudando a Whitney a alcanzar sus días más oscuros. A medida que pasan los años, Whitney lucha contra la adicción a las drogas y las demandas de la fama, buscando personas en las que confiar tratando de soportar el dolor por sí misma, dejándola vulnerable a las tentaciones mientras trata de mantener una carrera y ser una madre para su hija, Bobbi Kristina (Bria Danielle Singleton).

Si bien el breve papel de Naomi Ackie en Star Wars: The Rise Of Skywalker (2019) será recordado por un puñado de fanáticos, su verdadera actuación destacada es en la película biográfica de Kasi Lemmons, I Wanna Dance With Somebody. Interpretando a la artista femenina más condecorada de todos los tiempos, Whitney Houston, Ackie encarna el espíritu indomable de la cantante increíblemente talentosa, cuyo potencial se desarrolló por completo durante un tiempo demasiado breve. Sin embargo, es una pena que I Wanna Dance With Somebody sea tan escasa e intrascendente. Desafortunadamente, la película, que se inclina demasiado hacia el territorio de Bohemian Rhapsody (2018), intenta resumir toda la vida y la carrera de Whitney en un tiempo de 2 horas y 30 minutos. A medida que el guión salta los detalles de su vida sin detenerse a hacer un balance de cómo afecta a Whitney, Lemmons lucha por mantenerse al día. El resultado es una película que se siente como un drama realizado por Lifetime, no como una celebración de una figura tan querida.

La película fue desarrollada con el apoyo total de los herederos de Whitney Houston y producida por el legendario productor musical Clive Davis, el hombre al que se atribuye el descubrimiento de Whitney y el desarrollo de su sonido característico. Por supuesto, con ese tipo de respaldo, esta película nunca se vuelve tan oscura como los momentos más oscuros de la vida real de Whitney. Y, naturalmente, Davis es retratado como el mejor amigo y sabio consejero de Whitney, interpretado nada menos que por Stanley Tucci. Saltando como un CD rayado, cada escena es poco más que una instantánea y, por lo general, una respuesta inmediata a lo que sucede en la vida de Whitney.

Nos presentan a la madre de Whitney, la formidable cantante Cissy Houston, y al duro pero intrigante padre John (interpretado por Clarke Peters). La película incluso reconoce la relación lesbiana entre una joven Whitney y su mejor amiga, Robyn Crawford. Vemos la primera vez que Clive Davis la escucha cantar una conmovedora interpretación de la canción Greatest Love of All y de ahí brinca a la firma de su contrato con Arista Records y su salto instantáneo a la fama. No vemos apenas nada de los momentos más felices de la carrera de Whitney. Es como si el guión estuviera ansioso por llegar a su inevitable caída.

Luego pasamos al momento que Whitney comienza a recibir críticas por no ser "lo suficientemente negra" con su música, a lo que responde con una dura entrevista y un matrimonio desastroso con Bobby Brown. Además, la prensa tenía curiosidad acerca de si ella y Robyn estaban en una relación lésbica. La siguiente escena muestra a Whitney empujando a su entonces amante a la zona de mejor amiga. Es en ese momento cuando las drogas entran en escena, completamente de la nada y libres de cualquier contexto. Es la presión de ser todo para todos lo que lleva a Whitney al límite? O es solo la terrible influencia de Bobby Brown? Realmente no lo sabemos porque la película nunca presenta lo suficiente como para que lo sepamos.

No debería sorprender tanto que lo mejor de la película sea la espectacular actuación de Naomi Ackie como Houston a pesar del guión. Capta la energía y la esencia de la cantante al menos cada vez que se le permite hacer algo. Sintiéndose como un personaje en otra historia más que el personaje principal, uno no puede evitar sentirse decepcionado por su potencial no realizado si le hubieran dado un mejor guión. La química entre Ackie y Stanley Tucci fue un punto culminante, especialmente antes de la fama de Whitney, ya que está descubriendo quién quiere ser. Trabajando con Clive, vemos a la luchadora en ella, y la niña que tuvo una educación dura en una familia llena de superestrellas como sus primas Dionne y Dee Dee Warwick, y una madrina en Aretha Franklin. También tiene que lidiar con lo que podría percibirse como celos de su madre, quien ve en Whitney el talento y el potencial de megaestrella que nunca pudo alcanzar. Un Ashton Sanders y Clark Peters fueron infrautilizados como Bobby Brown y John Houston, siendo el primero más desconcertante considerando su papel en la vida de Houston.

En general, al seguir el ritmo de demasiadas películas biográficas, la película intenta ser lo que el espectador quiera que sea. Es injusto echar toda la culpa al guión, pero la directora Kasi Lemmons también merece parte de la culpa aquí. Algunas de sus elecciones visuales son desconcertantes, y el peor ejemplo es la noche en que Whitney interpretó el himno nacional en el Super Bowl XXV, que Lemmons elige para filmarlo como un comercial de una marca de ropa deportiva de Whitney Houston. Por muy decepcionante que sea, nunca está demasiado lejos de ser un recordatorio de lo genial que podría haber sido esta película. Sin embargo, la actuación asombrosa de Ackie con un medley en vivo al final los dejará absolutamente sin aliento y apreciando el poder de la voz de Whitney Houston. Al final, I Wanna Dance With Somebody está por debajo de la grandeza total de la vida de Whitney Houston, pero la música siempre está ahí para levantar el ánimo. Los fanáticos de Whitney Houston probablemente apreciarán las canciones que fueron éxitos y sus apariciones famosas, pero el resto de la película es demasiado confusa. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: M3GAN

Siendo una ingeniera en robótica en Funki Toys, a Gemma (Alison Williams) le ha ido muy bien con su línea de muñecas Purrpetual Pets, pero su jefe David (Ronny Chieng) exige más de ella. Ella está lista para el próximo nivel con M3GAN, una muñeca inteligente programada para ofrecer seguridad física y emocional a sus jóvenes dueños, brindándoles una fiel compañera para los días de soledad. El enfoque de Gemma se ve interrumpido por la llegada de Cady (Violet McGraw), su sobrina, que recientemente quedó huérfana después de un accidente automovilístico, poniéndola en un papel de tutora para la que no está preparada. De repente, y a cargo de una niña, Gemma elige poner a prueba su idea de M3GAN, lo que permite que su prototipo se conecte con Cady, creando un vínculo que brinda apoyo y protección a la niña traumatizada mientras la diseñadora descubre cómo llevar su máquina al mercado. Sin embargo, no todo está bien con M3GAN, quien comienza a preguntar sobre la muerte y se niega a apagarse cuando se le indica, impulsada a vigilar a Cady y confrontar a cualquiera que se interponga en su amistad.

El primer trailer y luego la campaña de marketing viral que siguió convirtieron a M3GAN en una sensación de la cultura pop antes de que se estrenara la película. Después de todo ese trabajo para promocionar la película, la siguiente pregunta lógica era si la película valía la pena. Aunque no sin sus problemas, la respuesta a esa pregunta es sí. Cuando se trata de muñecos asesinos, están Chucky y Annabelle, pero después de esta película, M3GAN seguramente se convertirá en la próxima incorporación a ese panteón. En el pasado, una clasificación PG-13 a menudo ha sido un obstáculo para las películas de terror y este es un poco el caso aquí, ya que uno no puede evitar querer ver a la muñeca volverse aún más loca. A pesar de esto, la película sigue siendo genial, ya que claramente se tomaron medidas para garantizar esa calificación. Aunque fácilmente podría haber sido un festival de sangre, intenta fundamentar su premisa con una historia convincente sobre cómo superar el dolor mientras equilibra momentos de drama, terror y humor negro.

Aunque el trailer hizo un buen trabajo al poner a M3GAN en el mapa, también revela un poco la historia. La película sigue a Gemma, una ingeniera en robótica cuya muñeca androide casi real llamada M3GAN finalmente desarrolla una vida propia. Cargada con el cuidado de su sobrina Cady luego de la trágica muerte de sus padres, M3GAN se convirtió en una especie de regalo para ambas. Gemma no estaba lista para ser una figura materna de ninguna manera mientras Cady todavía estaba procesando su dolor y no estaba lista para seguir adelante. Gemma quería trabajar en algo que tuviera sentido y M3GAN era un proyecto que podía revolucionar la industria de los juguetes. Diseñada como una compañera que aprendería de los niños y se adaptaría, no sabía que su proyecto rápidamente se iría más allá de lo que se diseñó inicialmente, ya que estaba perdiendo el control lentamente. Llevando demasiado lejos su directiva de proteger a Cady del daño a toda costa, las acciones de M3GAN llevan a algunas consecuencias no deseadas, por decir lo menos.

Pero como con todas las cosas, el dinero habla y la necesidad de beneficiarse de la creación de Gemma se adelantó a la lógica y la razón, creando una tormenta perfecta para Gemma y Cady, ya que puso aún más tensión en su ya tensa relación. Al desarrollar una relación poco saludable con Cady, M3GAN amplió su división entre Cady y Gemma, quienes parecían haberla perdido. Cady necesitaba crecer y superar la fantasía de su relación con M3GAN antes de que fuera demasiado tarde. Establecer la historia con esa relación entre Gemma y Cady le da sentido a la película. Sin embargo, siendo esto un medio para presentar a M3GAN y lo que el público ya sabe más o menos sobre lo que hará, hubieron algunos problemas ya que su personaje parece estar un poco subdesarrollado. Si bien las muertes son geniales y el ambiente cursi es divertido de ver, gran parte de la película resulta vacía mientras M3GAN da saltos que no siempre encajan. Parecía que faltaba material para llenar al menos algunos de esos vacíos, por lo que uno no puede evitar pensar que parte de ella se perdió al reducir la clasificación de la película a PG-13.

Ahora, la sangre corre rápida y libremente, pero M3GAN no es sangrienta en lo absoluto. James Wan, quien creó esto como una versión de alta tecnología de su franquicia de la muñeca demoníaca Annabelle, ofrece aquí una comedia de terror. M3GAN lanza frases ingeniosas y citas asesinas más rápido que Chucky y se ve mucho mejor haciéndolo. El peligro en ella es que su apariencia es engañosa. Todos ven lo espeluznante que es, pero sospechan que no puede ser algo tan importante, hasta que la gente comienza a morir. En el corazón de la película está nuestra propia estupidez cuando se trata de la prevalencia de la tecnología en nuestras vidas. Gemma no puede preocuparse por todo el asunto de la crianza, por lo que crea a M3GAN como una herramienta para cuidar lo que ella percibe como las "cosas pequeñas", para que pueda volver a preocuparse egoístamente por sí misma. Pero para hacer esto, M3GAN debe aprender y evolucionar con lo que Gemma llama "capacidades emergentes". Y en poco tiempo, M3GAN tiene tantos talentos que puede matar con una pistola de clavos tan hábilmente como puede organizar una fiesta de té o crear obras de arte.

En general, si bien su clasificación PG-13 conduce a un enfrentamiento de carne contra metal menos que satisfactorio, no daña demasiado la película porque M3GAN siempre se trató de risas en lugar de sustos, y la mayor maravilla es el personaje en sí. Es un thriller tecnológico asombrosamente divertido que instantáneamente te hace pensar en ideas cruzadas de la muñeca asesina y el potencial de las secuelas con un software actualizado. Al final, M3GAN es una mezcla bien hecha de efectos prácticos y CGI que se siente como un personaje real en una historia que eclipsa a todos los humanos. Ella tiene una presencia, más allá de la icónica escena de baile, que será difícil de olvidar mucho después de que aparezcan los créditos. M3GAN puede parecer ordinaria en los bordes, pero es digna de un lugar en el panteón de otras películas de muñecos asesinos. El clímax de la película no sorprenderá tanto a nadie, no obstante, después de pasar tanto tiempo preparando ese momento, aparece y desaparece en un abrir y cerrar de ojos. A pesar de los problemas de su desarrollo con los personajes, la película deja la puerta abierta para una secuela, por lo que tal vez esas mejoras lleguen más adelante. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.