Review: Parasite

Los Kim son una familia unida, parcialmente por necesidad, que viven en un sótano lleno de basura, ubicado en un vecindario pobre. El padre Ki-taek (Song Kang-ho) trata de sobrevivir con trabajos domésticos, recogiendo efectivo doblando cajas de pizza para un restaurante local, pero su hijo Ki-woo (Choi Woo-shik) finalmente ha encontrado una gran oportunidad para avanzar en la vida. Referido a un trabajo por un amigo, Ki-woo se convierte en un tutor de inglés para la hija, Da-hye (Jung Ji-so), de la familia Park de clase alta, mientras se maravilla por su gran y lujoso hogar. Comenzando un plan especial, Ki-woo recluta a su hermana Ki-jeong (Park So-dam) para asumir el cargo de terapeuta de arte para el joven Da-song (Jung Hyun-joon), Ki-taek asume el mando de las tareas de chofer del patriarca Dong-ik (Lee Sun-kyun), y la madre Chung-sook (Jang Hye-jin) se convierte en ama de llaves. Poco a poco, y tomando el control de la casa, los Kim pronto prueban la buena vida a través de fraudes elaborados, pero cuando Dong-ik decide embarcarse en un fin de semana de campamento con la familia, tal estabilidad percibida se ve amenazada cuando se revela un horrible secreto.

El 2019 realmente se convirtió en un año especial para el cine, y también contiene una gran cantidad de películas nominadas al Oscar. Tenemos Once Upon A Time In... Hollywood, la película muy nostálgica de Quentin Tarantino de los días dorados de Hollywood junto con el viejo estilo del cine en general. Luego está Joker, una película que, a diferencia de otras películas de superhéroes que recaudan miles de millones de dólares, intenta convertirse en un serio estudio de personajes con clasificación R inspirada en parte en películas de Martin Scorsese. Mientras hablamos de Scorsese, vale la pena mencionar que salió con 2 grandes películas el año pasado: una fue Rolling Thunder Revue, un documental semi-no ficticio sobre Bob Dylan, y la otra fue The Irishman, su mayor película criminal, esta vez presentando una mirada menos glamorosa a la vida en la mafia. Con todas estas películas únicas y altamente aclamadas por la crítica, quizás la mayor contendiente a la Mejor Película viene (por primera vez) de Corea.

Parasite es el último thriller político de Bong Joon-Ho, y definitivamente su película más compleja hasta el momento. De manera similar a su película de ciencia ficción Snowpiercer (2013), Parasite sigue a un grupo de personas que ignoran su lugar estándar en la sociedad y tratan de ascender en la escala social hacia los ricos y poderosos. Sin embargo, a diferencia de Snowpiercer, la visión de Parasite de las clases sociales es mucho menos simplista. Con solo 10 personajes y un solo hogar, Bong Joon-Ho cuenta una representación increíblemente sincera y realista de los tiempos modernos. Cuanto más la familia de 4 protagonistas interrumpe el orden social, más descubren cómo se maneja la sociedad.

La película sigue muchas perspectivas diferentes del mundo, y existen perspectivas que otros personajes desconocen. Principalmente, ignorantes ricos y los trabajadores que están estafando. Debido a la creciente cantidad de perspectivas a lo largo de la película, muchas cosas normales comienzan a parecer bastante ridículas. Lo que algunos personajes consideran planes maestros ya no parecen tan magistrales para el público, y los recuerdos agradables de diversión inofensiva de algunos personajes son las experiencias intensas cercanas a la muerte de otros. Este tipo de fragmentación en los puntos de vista muestra la división de las clases sociales y crea algunos de los momentos más divertidos de la película. Sin embargo, la película no es solo una sátira sobre la estructura social, sino también sobre el arte moderno, la educación, la tecnología, las normas sociales, los negocios y la política coreana, lo que constituye una historia que cubre múltiples aspectos de la sociedad.

Si bien la primera incursión de la mayoría de los directores a otro género suele ser notablemente de mala calidad, la primera película principalmente cómica de Joon-Ho Bong es en realidad mucho mejor que la mayoría de las comedias escritas hoy en día. En lugar de adoptar el enfoque moderno de hacer bromas desagradables y luego extenderlas hasta que sea dolorosamente obvio para cada persona, Parasite sigue el viejo método de comedia utilizado por muchos de los primeros escritores de Hollywood, y más notablemente, la de los hermanos Cohen. También, muchos segmentos de la película contienen múltiples chistes ocultos en cada oración de su diálogo. Si bien es cierto que suceden demasiado rápido y para que cada persona entienda cada broma, también crea una película que es mucho más satisfactoria para ver, incluso en retrospectiva. 2 audiencias diferentes se reirán de 2 partes completamente diferentes de una escena. Por ejemplo, si bien el uso del teléfono celular puede parecer normal para los adolescentes, los adultos notarán más fácilmente la ridiculez de ellos. Las audiencias coreanas y de occidente leen los significados de las escenas en 2 aspectos diferentes, y algunas cosas solo son perceptibles para una de las culturas. Todo esto permite ver experiencias que realmente siguen la fórmula satírica mencionada anteriormente.

Además de la yuxtaposición (generalmente satírica), hay otra técnica importante utilizada en toda la película para hacerla más intensa e interesante. Esto está vinculado a uno de los mensajes principales de la película: la vida nunca sale como estaba planeada. Esto se insinúa o se prueba en casi todas las escenas, comenzando con la primera, en la que Chung-sook bromea con Ki-taek después de que su Wi-Fi deja de funcionar, "Cuál es tu plan?". A esta línea le sigue una toma de las medallas atléticas de Ki-taek, que obviamente muestra el hecho de que su plan de vida temprana para convertirse en un atleta profesional no salió como esperaba. Hay muchas otras líneas como esta. En un momento, Chung-sook admite descaradamente que su filosofía de vida es que "El mejor plan es no tener ningún plan". Parece que la técnica de Bong Joon-Ho al escribir las secuencias más intensas de la película fue asegurarse de que, sin importar lo que pasara, nada saldría según lo planeado para ninguno de los personajes. Esto asegura que uno siempre esté al tanto de lo que sucederá después, y la mayoría de los giros o avances principales y menores de la película se deben a esto.

Creo que el mejor ejemplo de todo esto es durante la secuencia cuando la familia rica está fuera de la ciudad. Los protagonistas esperaban poder relajarse durante los próximos días e incluso hablar sobre lo que querían hacer más adelante en la vida, como un día poder comprar una bonita casa como esa. Esto no sale según lo planeado cuando llega la vieja sirvienta y lo arruina todo. Más tarde, la sirvienta y su esposo actúan de la misma manera, abusando de su poder para relajarse y soñar despiertos sobre los viejos tiempos cuando se sentían libres y vivos. Hay muchas referencias a Corea del Norte, probablemente insinuando temas que el público occidental (como yo) no comprendió completamente. Sus expectativas también se vuelven locas cuando los protagonistas los atacan y toman el teléfono. Otro giro en la trama ocurre cuando la familia rica llama repentinamente a la casa diciendo que llegarán en unos minutos. Otro gran ejemplo de perspectivas diferentes se puede encontrar cuando la familia llega a su casa para disfrutar de una comida agradable y una casa limpia, sin darse cuenta de todo lo que sucede y de que están en medio de una secuencia de acción intensa y acelerada.

En general, esta película cuestiona cómo los ricos podrían ayudar a los pobres y, de hecho, retrata el esfuerzo de la humanidad por la supervivencia. Además, al final de la película, te das cuenta de que no hay un verdadero protagonista o antagonista, solo son personas. Personas que intentan vivir una vida más feliz. Por lo tanto, todo hace de esta una película perfecta donde no puedo criticar una sola cosa. El director Bong Joon-Ho definitivamente se ha ganado mi confianza en esta obra de arte y, en cierta medida, debería colocarse en la lista de entre los grandes directores. Al final, Parasite puede describirse mejor como sensacional, impresionante o cualquier otro sinónimo de asombroso. El punto más fuerte de la película es el guión, ya que combina impecablemente la comedia, el drama y el horror. Tiene una cinematografía impresionante y un elenco brillante que la convierten en una obra maestra. También presenta perfectamente el tema del clasismo, mostrándonos cómo tanto la clase trabajadora como la clase alta se ven entre sí y a las personas a su alrededor. Los temas del capitalismo también se pueden sentir a lo largo de la película, pero esto no debe confundirse con una película pro-capitalista, ya que no apoya ni odia a nadie de ningún lado. Su ambigüedad también contribuye a este factor. Teniendo todo en cuenta, Parasite es una verdadera obra de arte y una obra maestra rara y extraordinaria que debería ser vista por todos en algún momento de sus vidas, especialmente los amantes del cine.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Jojo Rabbit

Durante la Segunda Guerra Mundial, Jojo (Roman Griffin Davis) es un niño de 10 años orgulloso y ansioso de unirse al movimiento de la Juventud Nazi en Alemania, con su educación siendo supervisada por el Capitán Klenzendorf (Sam Rockwell). Jojo no tiene padre y ha perdido a su hermana mayor, es por eso que encuentra consuelo en Adolf Hitler (Taika Waititi), su amigo imaginario y una fuerza guía para la vida Nazi, a la que el niño quiere desesperadamente pertenecer. Después de un accidente con una granada, Jojo queda con una pierna mala y cicatrices faciales, y es devuelto al cuidado de su madre, Rosie (Scarlett Johansson), quien lleva al niño a casa, donde trata de vivir una vida llena de ira y odio. Sin embargo, las creencias de Jojo se ven desafiadas por el descubrimiento de Elsa (Tomasin McKenzie), una niña judía de 17 años que Rosie se ha escondido detrás de la pared de su habitación, brindando seguridad a la adolescente mientras el país se vuelve loco. Al principio amenazando a Elsa con exponerla, Jojo pronto forja una amistad con ella, reconsiderando su vida Nazi mientras aprende más sobre la distorsión del odio ciego.

Las películas de la Segunda Guerra Mundial, o incluso las películas que representan a Adolf Hitler de manera cómica, están lejos de ser originales. Incluso durante e inmediatamente después del reinado de Hitler, los cineastas criticaron al dictador alemán, satirizando su apariencia, sus ideales y sus decisiones alimentadas por el odio. Eran tiempos llenos de aborrecimiento, no de risas, pero los cineastas continúan volviendo a este período. La nueva película de Taika Waititi, Jojo Rabbit, se puede agregar a esta colección de películas que representan el régimen Nazi. Sin embargo, difiere de una manera importante: toda la película se ve desde la perspectiva de un niño de 10 años llamado Jojo, un fanático Nazi y un niño que encontramos perdido en el tiempo. Al igual que muchos niños con padres ausentes, Jojo crea una figura paterna imaginaria de proporciones superheroicas. Desafortunadamente, su amigo imaginario no es otro que el propio Adolf Hitler, interpretado al grado de farsa por Taika Waititi. El führer idealizado por Jojo es un idiota masivo cuyas palabras de aliento ("Eres el Nazi más leal que he conocido!") y sus ridículas payasadas resaltan lo absurdo de la rígida agenda del Tercer Reich. Él come unicornios para la cena, salta por las ventanas como un superhombre de la raza aria y refuerza la creencia de Jojo de que todos los judíos son monstruos horribles con cuernos en la cabeza.

La introducción de la película muestra imágenes historicas de la juventud de Hitler saludando con el "Heil Hitler", un gesto que se convierte en una broma a lo largo de toda la película. Aprendemos sobre el fanatismo de Jojo por ser un Nazi a través de su tiempo en el campamento juvenil de Hitler, en el que a las niñas y niños alemanes se les dan cuchillos, granadas y se les muestra esencialmente cómo matar. Nos presentan el apodo de "Rabbit" de Jojo y su mejor amigo Yorki, que termina dando una de las actuaciones de apoyo más divertidas en bastante tiempo, a pesar de que no es un experto en lágrimas como Jojo podría implicar. Afortunadamente para Jojo, la propaganda Nazi y el campamento juvenil no es lo único que está metido en su ingenua cabeza. Su madre, Rosie, a menudo lo consuela y lo entretiene, lo que desafía a Jojo a cuestionar la autoridad y rechazar las enseñanzas que aprendió en el campamento de Hitler. Ella comparte mucho en común con el personaje de Roberto Benigni como Guido en Life Is Beautiful (1997), ocultando a su hijo la terrible realidad de la guerra y el fanatismo a través de un velo de risas y juegos. Pero esa realidad se derrumba sobre Jojo de todos modos cuando descubre a una joven judía escondida en las paredes de su casa. Aunque inicialmente rechazado por ella, Jojo pronto se da cuenta de que entregarla pondría en peligro la vida de su madre. Al lograr el tipo de trato que solo un niño podría hacer, Jojo acepta permanecer en silencio mientras Elsa le enseña sobre los judíos "astutos", para que pueda crear un libro que ayudará a Hitler a ganar la guerra. Por supuesto, los dos comienzan a formar un vínculo que cambia la vida de Jojo pero también frustra a su amigo imaginario.

Esta es una película que no se basa en la sutileza para entregar sus mensajes. Jojo lanza discursos de odio con facilidad durante la primera mitad de la película, y para algunos, puede ser demasiado horrible de escuchar. Además, Jojo y su madre ven a un grupo de personas ahorcadas en el centro de la ciudad. Pero esta es una película desde la perspectiva de Jojo, una en la que ansía una comunidad, busca validación y comienza a comprender el amor. La primera instancia de esto llega cuando Jojo ve los cuerpos ahorcados. Jojo pregunta: "Qué hicieron?", con una mirada de confusión. Rosie responde: "Lo que podían". Jojo pasa la mayor parte de la película en esta confusión. No entiende el alcance de la guerra, del odio Nazi y de la muerte infligida a millones de personas. Él es solo un niño rodeado de Nazis y por eso sigue su ejemplo. Aunque esta batalla entre el amor y el odio se desata en la mente de Jojo, Waititi nos recuerda de vez en cuando que todavía es una comedia. Hitler constantemente le ofrece a Jojo un cigarrillo en momentos de estrés, Sam Rockwell aparece como el glorioso y guardián Capitán Klenzendorf, y una vez que Jojo encuentra a Elsa escondida en la habitación de su madre, las risas y la alegría comienzan a filtrarse.

A partir de ese encuentro, la relación de Jojo con Elsa y con la raza judía se altera y se funde en una de amor. Elsa, le presenta a Jojo una opción todos los días, lo que puede conducir a su muerte o al desmoronamiento de sus ideales Nazis. La elección es obvia, pero para un niño sin padre y que pronto pierde a su madre, todo es confuso y difícil. Está procesando la guerra y las pérdidas acumuladas a una velocidad diferente mientras sigue aprendiendo a como atarse los zapatos. Aunque la película proporciona algunos momentos divertidos y algunas escenas ridículas, prospera en su ternura. El diálogo es directo y al grano, y no tiene que ser otra cosa. Escuchamos conversaciones entre Rosie y Elsa, Rosie y Jojo, y Elsa y Jojo, todas combinaciones de nuestros tres personajes principales. Cada conversación se suma al sentimentalismo de la película, su mensaje de bondad y su afinidad por bailar en momentos de alegría. Es la relación entre Elsa y Jojo la que proporciona gran parte del encanto y la cordialidad de la película. Jojo es un niño y uno dolorosamente protegido. Para que él se aleje de todo lo que ha estado escuchando durante gran parte de su vida, va a tomar más que palabras suaves de su madre. Todo tiene que venir de experiencias contradictorias, y Elsa puede ser muchas cosas, pero un monstruo no es una de ellas.

Las actuaciones de todos los actores son comprometidas y llenas de corazón. Roman Griffin Davis y Tomasin McKenzie brillan como Jojo y Elsa, mientras que Scarlett Johansson nos da razones para ser optimistas durante la primera mitad de la película, que en gran parte está llena de discursos de odio de un niño que se siente abandonado. Donde todo se desmorona es en la inconsistencia y las vagas representaciones de los villanos. Sam Rockwell interpreta a un Capitán torpe y amable que dirige el campamento juvenil Nazi, con Rebel Wilson y Alfie Allen como sus asistentes más tontos. Son divertidos, especialmente Wilson, pero Waititi juega con ellos y evita confrontar lo que han hecho como miembros del Tercer Reich. Se contenta con irse a la segura hasta que una escena reorienta la imagen completa de la película y añade una capa adicional de tragedia. Es tremendamente efectivo pero también se siente un poco tramposo. Es entonces cuando Waititi pretende que la película sea algo reconfortante en lugar de ser algo contundente. No hay nada realmente malo en eso, pero no pude evitar esperar un poco más. Aún así, la película demuestra ser una súplica de compasión divertida y poco convencional, y Waititi nos está dando un servicio al presentarla al mundo.

En general, la película no es perfecta, pero al igual que su personaje principal, es dulce, divertida y llena de amor. Es una película sobre un niño confundido e impresionable que se encuentra a sí mismo luchando una guerra interna y externa, aprendiendo a bailar y experimentando mariposas en su estómago por primera vez. La película se puede resumir en una línea reciclada pero afectuosa que Rosie le dijo al joven Jojo: "El amor es la cosa más fuerte del mundo". Al final, Jojo Rabbit es una sátira ingeniosa que probablemente no siente bien con aquellos que piensan que no ha pasado suficiente tiempo para justificar o burlarse de las atrocidades de los Nazis. Es divertida y pesada emocionalmente, y trata un tema que invita a la reflexión de una manera inusual. La película se mete en tu cabeza, ya que es una extraña mezcla de Schindler's List (1993), The Diary Of Anne Frank (1959) y un sketch de comedia extendido de Monty Python. Es sumamente raro que una película que raya en la comedia tenga tantos momentos emotivos. Los actores son realmente buenos aquí, especialmente Scarlett Johansson y Tomasin McKenzie, y Roman Griffin Davis, que tiene un peso significativo en la película. La historia es básicamente una prueba del dicho, "Mátalos con amabilidad", cuando lo que realmente estamos es matando el odio. En esencia, esta es una historia de humanidad y de la naturaleza humana, y cómo absorbemos lo incorrecto hasta que la verdad se hace evidente.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Color Out Of Space

Nathan Gardner (Nicolas Cage) es un artista que trasladó a su familia al pueblo de Arkham, Massachusetts, tomando posesión de una granja remota en medio del bosque, con el sueño de criar alpacas. Se le une su esposa, Theresa (Joely Richardson), que lucha contra el cáncer, tratando de mantener su vida unida. Su hija Lavinia (Madeleine Arthur) es una adolescente que incursiona en los poderes del Wicca, mientras que su hermano, Benny (Brendan Meyer), es un imbécil, lo que deja a su hermano menor, Jack (Julian Hillard), para tratar con el mundo por su cuenta. Una noche, un meteorito se estrella contra la propiedad, con la roca brillante emitiendo una extraña energía púrpura. Inicialmente molestos por el inconveniente, la familia pronto cae bajo el hechizo de la fuerza alienígena que llegó a la Tierra. Supervisando un proyecto está el hidrólogo Ward (Elliot Knight), quien comienza a sentir que hay algo en el agua, y poco a poco se introduce en los horrores que se gestan dentro de la casa de los Gardner.

Color Out Of Space es una vívida pesadilla escrita y dirigida por Richard Stanley, y está basada en la historia de H.P. Lovecraft del mismo nombre. En Color Out Of Space, Stanley combina maravillosamente la ciencia ficción y el horror corporal, equilibrando el pesado argumento de la ciencia ficción con imágenes morbosas que empujan a uno hacia atrás en el asiento, cuestionandose si apartar los ojos o inclinarse más cerca para ver. Han habido muchas adaptaciones fílmicas del trabajo de Lovecraft a lo largo de los años, especialmente del director Stuart Gordon, quien demostró ser bastante hábil en pisar la línea del horror cósmico alucinante por el que Lovecraft es famoso. El trabajo de Lovecraft a menudo ha sido descrito como indescriptible, ya que sus narraciones tienden a centrarse en una atmósfera evocadora y en describir el temor y el miedo que sienten sus narradores.

Muchas de sus historias contienen tramas bastante simples construidas en torno al horror existencial experimentado por sus personajes (generalmente académicos o investigadores) cuya intromisión en textos prohibidos pone en tela de juicio todo lo que es cierto sobre la existencia humana, a medida que se abren puertas interdimensionales de horrores cósmicos que atraviesan nuestro mundo. La locura y la muerte generalmente se producen a medida que los personajes se dan cuenta de la insignificancia y la inutilidad propia de la vida humana, y varias deidades o Old Ones perforan los bordes de nuestra realidad desde los confines del espacio y el tiempo. Este extraño panteón de deidades y abominaciones fue descrito por el autor de tal manera que dibuja una imagen que permite a los lectores llenar los espacios en blanco con su propia imaginación.

Cuando Lovecraft escribió Color Out Of Space en 1927, estaba reaccionando a una representación popular de la vida alienígena como humanoide, que posee características y rasgos similares a los humanos. Su intención era crear algo verdaderamente extraño e incomprensible. La historia, que también forma la trama básica de la adaptación de Stanley, es bastante simple. Un asteroide se estrella contra la granja remota de una familia y contamina el agua de su pozo. Gradualmente, las plantas y la vida animal alrededor de la granja, incluida la familia, comienzan a cambiar. Los cultivos crecen abundantemente y grotescamente grandes, pero no son comestibles. Los animales sufren cambios desagradables que nadie puede explicar y las atroces desintegraciones son comunes. Finalmente, los miembros de la familia comienzan a volverse locos y uno por uno son encerrados en el ático por el padre, o desaparecen mientras recuperan agua del pozo.

En las escenas iniciales, Stanley crea y mantiene una sensación de presentimiento cuando nos presenta a la familia un tanto disfuncional que ya está experimentando dificultades personales. La madre se está recuperando de cáncer, el padre está luchando para tener éxito en su granja recién heredada, y los hijos adolescentes se molestan con los padres por el traslado de la familia a una granja solitaria. Un diálogo que aparece temprano en la película ("A dream you share is a reality") funciona como un siniestro presagio de los eventos que están por venir. Cuando el meteorito se estrella contra la tierra y comienzan a suceder cosas extrañas, la atmósfera de temor aumenta constantemente a medida que cada miembro de la familia comienza a experimentar el tiempo y espacio de manera diferente. Se vuelven cada vez más aislados, tanto literal como figurativamente, a medida que se sumergen en paisajes mentales personales de los que no pueden escapar. Mientras tanto, el paisaje alrededor de la casa se vuelve más de otro mundo, ya que la presencia alienígena se apodera y sofoca todo bajo una atmósfera embriagadora. A medida que se desarrolla la historia y el tono se vuelve más intenso, Stanley lanza un asalto total a los sentidos, con imágenes notables y algunos momentos de horror corporal realmente horripilantes.

Si bien la película carece de algún tipo de impacto dramático, sin duda lo compensa con una intensidad sensorial y visceral. La actuación de Nicolas Cage es literalmente desquiciada. Las comparaciones con Mandy (2018) serán inevitables ya que ambas películas presentan una actuación maniática de Cage, imágenes asombrosas y alucinógenas y personajes cuyas vidas son consumidas por fuerzas externas. El descenso de Cage a la locura es aterradora y perfecta, como se puede esperar, pero es Madeleine Arthur como Levinia quien se roba el espectáculo aquí. Su actuación es tan cruda y vulnerable que nadie en el elenco la puede igualar. Ella tiene miedo y, aunque ha estado advirtiendo a todos, el rechazo de su familia solo alimenta más ese miedo, ya que sus opciones para escapar del poder alienígena disminuyen a cero. Para su padre, ella solo busca drama, para sus hermanos, solo está siendo rara, y es la lenta renuncia de Levinia a su destino lo que golpea a uno con más fuerza. Fuera de los Gardners, Elliot Knight como Ward, un hidrólogo que monitorea el agua de Arkham para asegurarse de que un nuevo proyecto de infraestructura no la altere, sirve como narrador. Mientras él da la introducción y la salida de la película, también es introducido en la historia como testigo de todo lo que ocurre.

Para los fanáticos hardcore de H.P. Lovecraft, hay pequeños homenajes a algunos de sus otros trabajos aquí. Lavinia lleva el nombre de un personaje de The Dunwich Horror, y también se le ve durante la película con una copia de The Necronomicon. Ward es visto con una camiseta de la Universidad de Miskatonic, de la historia Herbert West: Re-Animator, y más tarde en la película leyendo una copia de The Willows de Algernon Blackwood, una historia que Lovecraft consideró como una de las mejores historias de terror jamás escrita. Imágenes de brujería en las escenas iniciales, cuando Lavinia, una bruja practicante, lanza hechizos de protección para su madre, evoca a The Dreams In The Witch House y ofrece la idea (no desarrollada) de sistemas de creencias alternas y rituales ocultos.

En general, tengo pocas o ninguna queja sobre la historia o la ejecución de la película. Richard Stanley ha actualizado una historia de H.P. Lovecraft para nuestro tiempo y lo hace sabiendo de manera experta cuándo mostrarnos los horrores y cuándo dejarlos a nuestra imaginación. Stanley mantiene el miedo fuera de la pantalla y usa la experiencia de los personajes para impulsar los momentos más inquietantes de la película. El éxito de esta adaptación radica en la capacidad de Stanley de llevar la esencia de la historia al cine, trayendo la confusión y la vanidad con un color que nunca antes se había visto. Al elegir una adaptación que no sea la tradicional de los Old Ones o Cthulhu, que son la tendencia en las películas, videojuegos y comics de Lovecraft, Stanley aporta una perspectiva diferente de lo que el Lovecraftian Mythos realmente quiere decir fuera del mar y el mundo de los dioses. Al final, Color Out Of Space es una película de terror cósmico espeluznante, atmosférica, llena de suspenso, poética, inquietante, espectacular y fresca. Básicamente llamaría a esto una línea fina entre lo mainstream y el arte, pero sobre todo es arte. Las actuaciones fueron buenas, los efectos especiales de los monstruos fueron absolutamente prácticos y hechos al estilo de la vieja escuela, pero lo que me encantó aún más fue que Richard Stanley no explotó el factor del gore, ni usó en exceso los sustos esporádicos aquí, y el CGI estuvo increíblemente bien hecho,  considerando el presupuesto. Si como yo, disfrutan de las historias de H.P. Lovecraft, probablemente les encantará esta película. Al público en general... puede que no le guste mucho.

Puntuación: 4 alcapurrias.

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Review: The Nightshifter

Stênio (Daniel de Oliveira) trabaja el turno de noche en la morgue, y de alguna manera la verdadera oscuridad de su historia existe durante el día. Su matrimonio con Odete (Fabiula Nascimento) se equilibra en un estrecho hilo de resentimiento y desdén, y nadie lo respeta. Vaga por su vida como un alma perdida, incapaz de encontrar un lugar de descanso, pero tiene un secreto que nunca ha compartido con nadie: puede hablar con los muertos. Mientras cose cadáveres, Stênio debe conversar con las almas de los criminales, los amantes abandonados y aquellos aterrorizados de cual será su destino final. Estas pobres y desafortunadas almas comparten sus secretos más profundos y personales con Stênio porque de qué sirve mantenerlas por más tiempo. Pero después de que Stênio se entera por uno de ellos de que su esposa lo está engañando, comete el error de abusar de esta información para beneficio personal y recibe un espíritu vengativo en su hogar. Es peligroso decir el secreto de un hombre muerto y la vida de Stênio comienza a descontrolarse mientras lucha con una fuerza contra la que no tiene poder.

Si bien la mayoría de las películas de terror que vemos son franquicias o películas familiares que a menudo tienden a arrastrar los mismos viejos trucos, uno de los mejores aspectos es ver cómo otros países le dan a estos trucos un giro único o inventan nuevas y originales ideas en el género de terror. Un ejemplo de ello es la película de terror del escritor/director brasileño Dennison Ramalho The Nightshifter (título original Morto Não Fala). A pesar de estar ambientada en una morgue a horas de la noche, el director ha creado una premisa prometedora de un thriller sangriento, fantasmal y retorcido. The Nightshifter es una historia macabra y maníaca de moralidad y venganza más allá de la tumba. Muy cargada de fantasía y superstición brasileña, la película es una historia desgarradora pero también humorística. La película también marca el debut cinematográfico de Ramalho después de varios cortometrajes, incluido el segmento J Is For Jesus en The ABC's Of Death (2014).

La historia trata sobre Stênio, un diligente asistente de la morgue que se dedica a la desagradable pero necesaria tarea de coser cuerpos y limpiar el desorden después de que el patólogo haya terminado su examen. Su disposición para hacer un trabajo que pocas personas querrían hacer no es lo único que lo hace una persona singular. Lo que lo hace realmente inusual es que, cuando no hay nadie cerca, los cadáveres están ansiosos por hablar con él, a menudo divulgando algunos de sus secretos más preciados o alarmantes. Stênio intenta usar esta habilidad para el bien, descubriendo los nombres de cadáveres no identificados y llamando anónimamente a sus familias para que al menos sepan qué ha sido de sus seres queridos. De lo contrario, Stênio lleva los secretos de los muertos en silencio. Sin embargo, los secretos de los muertos son aparentemente sacrosantos, y divulgar uno para uso personal entre los vivos conlleva una pena terrible. Cuando Stênio se entera por uno de los cadáveres de que su esposa lo está engañando, usa la información para vengarse del amante de su esposa. Al hacerlo, se convierte en un hombre "marcado". En poco tiempo descubre que su traición a los muertos ha puesto su vida y la de sus hijos en peligro.

Lo que al principio puede parecer un recuerdo de películas como The Sixth Sense (1999), lo que se usa aquí crea algo original y aterrador. El director Dennison Ramalho nos da cadáveres sangrientos, fantasmas rencorosos y tumbas abiertas, pero hay una sensación en la que los problemas de Stênio son también una manifestación de un malestar cultural más profundo. La película está ambientada en São Paulo, la ciudad más poblada de Brasil y una de las más peligrosas. El aspecto descuidado de la ciudad refleja la experiencia de vida de los personajes allí, sombría y monótona. Filmada principalmente por la noche, y marcada por el humor negro de los conductores de ambulancias que recogen los cadáveres que quedan en las escena de tiroteos de pandillas, asesinatos y suicidios, este es un Brasil de color predominantemente gris, verde opaco y marrón, los mismos colores de la descomposición.

Ramalho también usa el estado decaído de la ciudad para contribuir a la tensión que se siente en toda la película. Las habitaciones oscuras y las calles peligrosas dan la sensación de que estamos constantemente al borde de la anarquía o el caos, ya que todas las noches Stênio ve personas que han muerto sin sentido. Una escena en particular presenta el desastre de un deslizamiento de tierra que llena la morgue con cadáveres sucios y una multitud de voces que exigen la atención del desafortunado Stênio. La idea de que ciertas personas pueden conversar con los cadáveres y aprender sus secretos es una creencia antigua que se encuentra en varias partes del mundo. The Nightshifter busca explotar esta vieja superstición en un contexto moderno. La historia explora el lado oscuro de la humanidad y la destrucción de la que son capaces las personas cuando dan rienda suelta a emociones extremas como la ira, la venganza, la culpa y la soledad.

Los efectos visuales también son una gran parte de la película. Stênio está rodeado de cuerpos que han sido visitados por muertes únicas. Algunas son personas de buen corazón, otras, víctimas de la violencia. Uno incluso tiene su columna vertebral misteriosamente arrancada del cuerpo. Todos son excelentes muestras de los efectos prácticos de la película, y más estando plagada de partes del cuerpo y cadáveres. Dicho esto, se tomaron algunas decisiones para digitalizar las caras de estos cadáveres cuando hablan con Stênio. Esta extraña recreación digital en los rostros le quita el genuino arte de las prótesis y hubiera deseado que simplemente optaran por usar solo voces en estas conversaciones. Siendo una historia sobrenatural de principio a fin, la película cuenta con algunas escenas bastante tensas con los niños escondiendose de las sombras y los espíritus malignos. Desafortunadamente, al igual que en la mayoría de las películas de fantasmas invasores en las casas, The Nightshifter es víctima del típico cliché del gato y el ratón. Cada momento es perfectamente espeluznante, pero nunca creí que el villano principal realmente lastimaría a nadie, por lo que el temor, hasta cierto punto, se perdió en esos momentos finales.

En general, la película es la historia de un buen hombre que toma malas decisiones y debe sufrir las consecuencias. Ante una existencia sombría, Stênio se siente justificado en sus acciones, sin darse cuenta de que ha comenzado un viaje por una calle de un solo sentido hacia la oscuridad. Claro, podría llamar a la policía, pero qué va a hacer cuando les diga que fantasmas están tratando de lastimar a sus hijos? Sí, podría ponerle montones de seguros a sus puertas, pero de qué sirve eso realmente frente a una entidad sin restricciones de un cuerpo físico? En una pelea que no tiene posibilidades de ganar, Stênio solo puede ver cómo su cordura desaparece lentamente a medida que las fuerzas a su alrededor se hacen más y más fuertes. Al final, The Nightshifter es una película que funciona en múltiples niveles. Lo más obvio es que es una historia de terror sobrenatural intensa donde los muertos no están contentos de haber sido utilizados y buscan venganza. En ese sentido, es un thriller sólido sobre la intrusión de cosas que los humanos deberían dejar en paz. Por otro lado, es un reflejo de la violencia que vive Brasil. Una tan destructiva para el país como los eventos de la película son para la vida del personaje principal.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Ip Man 4: The Finale

Después de la muerte de su esposa, Ip Man (Donnie Yen) es diagnosticado con cáncer en la cabeza y cuello. Su hijo, Ip Ching (He Ye), quiere convertirse en un maestro de artes marciales, pero Ip Man quiere que asista a la universidad, y al sentir que su final se acerca, viaja a San Francisco para inscribirlo en una universidad, con la esperanza de que la expatriación le enseñe independencia. Allí, se encuentra con su antiguo alumno Bruce Lee (Kwok-Kwan Chan), ahora un maestro venerado, pero mal visto por los maestros de kung fu más tradicionales de Chinatown por atreverse a instruir a los blancos en las artes marciales chinas. El principal de estos tradicionalistas es el maestro de tai chi Wan (Wu Yue), el jefe de la Asociación China Benevolente, cuya recomendación es crucial para que el hijo de Ip Man sea aceptado en la universidad. Los maestros Ip Man y Wan se topan con el tema de la difusión de las artes marciales chinas a Occidente, pero pronto surge un enemigo común: el marine y instructor racista Barton Geddes (Scott Adkins), que resiente profundamente de los intentos del soldado chino Hartman (Vanness Wu) en incluir el wing chun en el entrenamiento de la marina, y envía al maestro de karate Colin (Chris Collins) a Chinatown en un intento de humillar las artes marciales chinas.

Para comenzar, aparente y alegadamente Ip Man nunca fue a los Estados Unidos, a pesar de que su discípulo más famoso Bruce Lee sí. Pero para los fanáticos de la serie Ip Man, ese detalle no debería molestar, dado que las películas anteriores también han jugado con la historia para garantizar una representación digna del artista marcial de la vida real. Como dice el título, esta es la cuarta y última película, que abarca el período posterior a la muerte de su amada esposa (al final de Ip Man 3) hasta su propia muerte por cáncer en la cabeza y cuello. Aprovechando su personaje establecido de ser ferozmente leal a su familia, la película imagina a Ip Man viajando a San Francisco para encontrar una escuela privada para su hijo adolescente Ip Ching. Allí, Ip Man se encuentra cara a cara con el racismo anti-chino de los estadounidenses blancos, y una vez más se ve obligado a pelear para defender el orgullo chino.

Esto debería sonar muy familiar para cualquiera que haya visto cualquiera de las tres películas anteriores, ya que sus predecesoras han tratado temas similares, ya sea durante la ocupación japonesa en Foshan o durante el período de posguerra en Hong Kong. Muchos quizás puedan acusar la película de pisar terreno familiar, pero Ip Man 4 amplía la retórica anti-china a proporciones gigantescas aquí, con muestras evidentes de racismo en una escuela secundaria, una base de entrenamiento de los marines e incluso justo en el corazón del barrio chino. Tendrán que perdonar la absoluta falta de sutileza en su descripción de la discriminación china si quieren disfrutar de la película, lo que francamente me hizo sentir más incómodo de lo que esperaba, especialmente en el contexto geopolítico actual. Sin embargo, si pueden sacar eso del medio, encontrarán en este capítulo final una despedida apropiada y genuinamente conmovedora de lo que quizás sea la serie de artes marciales más emblemática de los últimos tiempos.

Volviendo como director, Wilson Yip reúne un compendio de los elementos de las últimas tres películas. Hay un enfrentamiento entre Ip Man y un gran maestro de tai chi, también el jefe de la Asociación de Benevolencia China, el maestro Wan, y hay dos enfrentamientos entre Ip Man y dos arrogantes pugilistas occidentales, el maestro de karate Colin y el sargento Barton Geddes, los cuales se juegan en un entorno militar. Yuen Wo-ping también regresa para dirigir la acción, quien se asegura de que las peleas estén bellamente coreografiadas y ejecutadas de manera emocionante, de modo que son rápidas, fluidas y feroces. De hecho, la última pelea entre Donnie Yen y Scott Adkins es una de las más brutales y sangrientas de toda la serie.

En relación con el director de acción anterior Sammo Hung, Yuen ha favorecido la gracia sobre la ferocidad, y la competencia de un brazo entre Ip Man y Wan, así como el estilo de pelea de Ip Man contra sus adversarios extranjeros, lo refleja. Cada una de las piezas está diseñada con precisión, y sin duda se alegrarán por las esperadas pero no menos emocionantes victorias de Ip Man sobre sus retadores. Además de Yuen, el crédito a las peleas va, por supuesto, a los propios artistas. El dominio de Donnie Yen del wing chun es igualmente inspirador, pero las nuevas incorporaciones aquí son igualmente impresionantes, incluida la demostración de Wu Yue del tai chi y la exhibición muscular y técnicas de karate de Chris Collins y Scott Adkins. A pesar de que el guión hace una caricatura del personaje de Adkins, los fanáticos de la estrella de acción estarán encantados de saber que él más o menos se defiende contra Yen, de modo que el triunfo final de este último en última instancia todavía es difícil de ganar. Y aunque Bruce Lee no hace más que una aparición glorificada, Kwok-Kwan Chan ofrece una muy buena imitación del ícono, especialmente durante una pelea callejera con un occidental egoísta.

Aunque la acción es lo más que se destaca, Yip también conserva la emoción de las películas anteriores por la dedicación de Ip Man a su familia. Las interacciones entre padre e hijo son más por la defensa de su raza, especialmente porque se representa con mucha más sutileza y, por lo tanto, es mucho más realista. Sentirán a Ip Man mientras lucha por ser el único padre de Ip Ching, y se conmoverán cuando aprenda a través de sus intercambios con la hija del maestro Wan, Yonah (interpretada por Vanda Lee), cómo interpretar un papel más solidario para su hijo. Es una culminación profundamente conmovedora del arco narrativo de la primera película del amor y el compromiso de Ip Man con su esposa e hijo, y Donnie Yen es brillantemente subestimado en el papel.

En general, aunque Ip Man ha sido interpretado por cuatro actores durante la última década (los otros tres siendo: Dennis To en The Legend Is Born: Ip Man, Tony Leung en The Grandmaster y Anthony Wong en Ip Man: The Final Fight), es Donnie Yen a quien probablemente asociarán más con el personaje. Por supuesto, Ip Man también es el papel definitivo en la carrera de Yen, y es absolutamente apropiado que haya declarado esta conclusión como su última película de kung fu. Siendo al mismo tiempo humilde, estoico y audaz, Yen personifica maravillosamente el espíritu de Ip Man, y a pesar de sus defectos, la película es una despedida adecuada no solo para la franquicia sino para el propio Yen. Sin duda, es una forma grandiosa y magnífica de decir adiós. Al final, Ip Man 4: The Finale es una película de artes marciales llena de corazón. Hace lo que siempre ha hecho mejor y embellece todo en abundancia con un toque de vulnerabilidad emocional. El componente narrativo pudo haber opacado un poco su brillo, pero la película lo compensa con emociones y escenas de acción distintivas, así como con un cierre adecuado. Cada historia tiene un final, y afortunadamente para los fanáticos de la serie, Ip Man 4 lo ha hecho muy bien.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Informer

Pete Koslow (Joel Kinnaman) es un ex militar que ha tomado algunas malas decisiones en su vida. Ahora es un criminal reformado que trabaja de forma encubierta para el FBI, directamente con la Agente Wilcox (Rosamund Pike) mientras ella lo establece como un jugador importante en la mafia polaca, con la esperanza de llegar al gángster Klimek (Eugene Lipinski), que está ansioso por gobernar el tráfico de drogas en la ciudad de Nueva York. Durante un importante intercambio con un posible comprador para exponer a Klimek, un agente encubierto de la policía de Nueva York es asesinado, dejando comprometida la operación de Pete, mientras que el jefe de Wilcox, Montgomery (Clive Owen), está listo para cortar todos los lazos de la misión. Tratando de proteger a su esposa, Sofía (Ana de Armas), y a su hija, Pete, bajo protesta, acepta la culpa, y regresa a la prisión de Bale Hill para ayudar a Wilcox a atrapar a Klimek desde adentro, poniéndolo en una peligrosa posición de impotencia mientras gradualmente se da cuenta de que ha sido traicionado por aquellos en quienes confiaba, lo que lo obliga a idear su propio plan de protección antes de que sus seres queridos sean asesinados.

Para empezar, estamos en un territorio muy familiar. Todo comienza con una transacción de drogas que envuelve a los villanos de elección actuales, los europeos del este, pero esta ocasión uno de ellos actúa como informante del FBI. El gran problema es que cuando se supone que el trato tome lugar, todo sale desastrosamente mal, y un policía local es asesinado. El informante se encuentra en una posición difícil, por lo que para salvar su vida y la de su esposa e hija, acepta regresar a prisión, nuevamente como informante, y exponer la red de tráfico de drogas tras las rejas. The Informer, del director Andrea Di Stefano, no cambiará sus vidas. No reinventa la rueda, no aporta nada nuevo al género del thriller policiaco, no cambiará el mundo y no fomentará el verse en repetidas ocasiones.

Dicho esto, la película no intenta ser algo que no es y, aunque lejos de ser memorable, sigue siendo una película muy bien construida con un buen guión, actuaciones sólidas y definitivamente vale la pena verla al menos una vez. A pesar de no saber nada al respecto sobre ella, aprecié esta película que se contentaba con ser solo una pieza de entretenimiento cinematográfico que vale la pena pasar el tiempo de 1 hora y 53 minutos. La película comienza en un terreno ligeramente inestable, ya que inicialmente es un poco difícil determinar quién es quién y cuál es la relación de todos los personajes, pero a medida que las cosas avanzan, la película se convierte gradualmente en un thriller criminal con mucho peligro y un par de personajes interesantes, nada más.

La historia es buena, llena de los típicos giros que se esperarían encontrar en una película como esta. El guión está escrito muy bien, pero tiene un par de agujeros importantes en la trama. La dirección también funciona bien, ya que el ritmo es lento, los momentos emocionales no son manipulados, el tono general está bien juzgado, no hay material innecesario y, en las escenas más frenéticas, es fácil saber lo que está sucediendo. El elenco también es particularmente sólido y hay muchas buenas actuaciones a través de toda la película. En el papel principal, Joel Kinnaman se defiende muy bien en las escenas más físicas de la película, y efectivamente transmite los problemas y la frustración que está atravesando con sus compañeros de reparto. Aunque nunca ha sido el actor más carismático, Kinnaman da vida al material lo mejor que puede y es fácil apoyar su personaje en todo momento.

En los papeles secundarios, Rosamund Pike es igual de buena (si no mejor) que el papel principal como la manejadora del FBI de Pete, Wilcox, demostrando una vez más sus habilidades de actuación y siendo totalmente convincente en su rol. Common es admirablemente carismático y fuerte en su papel del determinado agente de policía de Nueva York Grens, siendo inquebrantable en su búsqueda para vengar a su amigo caído. Ana de Armas eleva su actuación de un simple papel de esposa, ya que no le importa nada de lo que la rodea y le da a su papel mucha valentía y confianza. Y Clive Owen tiene una parte típicamente Clive Owen-esca como un incansable, súper serio y descarado jefe del FBI.

En general, hay una historia realmente buena aquí, sin mencionar algunas buenas actuaciones, pero parece que todo ha sido comprimido para adaptarse al tiempo de duración de la película. Una historia como esta sería más adecuada para un formato de programa de televisión, lo que permitiría que la historia y los personajes se desarrollen adecuadamente, permitiendo que la tensión se desarrolle gradualmente. Incluso el final tendría más sentido como un momento culminante que establecería una segunda temporada. Tal vez hay planes para una secuela, pero no estoy seguro de que haya suficiente historia para justificar otra película. Al final, The Informer es un thriller de crimen entretenido, aunque un poco decepcionante. No es una mala película y Joel Kinnaman ofrece una actuación principal muy genuina, pero una historia saturada deja al elenco de apoyo con muy poco que hacer. Como programa de televisión, habría sido posible profundizar en esta historia y sus personajes, lo que habría hecho de esto un drama más convincente y tenso.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 21 De Enero Del 2020

Zombieland: Double Tap (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Pain And Glory

Jay And Silent Bob Reboot

The Addams Family

Countdown

The Courier

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 14 De Enero Del 2020

Maleficent: Mistress Of Evil (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Gemini Man (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Review: 1917

En abril de 1917, los soldados británicos Blake (Dean-Charles Chapman) y Schofield (George MacKay) fueron convocados al campamento del general Erinmore (Colin Firth). Sacados de su sueño en el norte de Francia para recibir sus órdenes, Blake y Schofield se sorprenden al enterarse de una trampa alemana para emboscar a un batallón de 1,600 hombres, incluido el hermano de Blake, sin ninguna forma de advertirles de inmediato. Con la tarea de cruzar un terreno peligroso en un día para entregar la advertencia, Blake y Schofield comienzan su misión, abriéndose paso a través de trincheras, túneles y ciudades bombardeadas aparentemente vacías sin nadie más en el que confiar. En el camino, los peligros aparecen con regularidad, enfrentando a los soldados contra lo que queda de las fuerzas alemanas, que no dudarán en matar a los hombres, evitando un desastre colosal y, para Blake, una pérdida de vida impensable.

1917, del director Sam Mendes, es una película especial. Es el tipo de película que llega una vez por década, no una vez al año. Todos hemos escuchado la frase en exceso de "La guerra es el infierno", y sin duda es cierto, pero rara vez se captura cinematográficamente de una manera tan visceral y con este nivel de habilidad técnica. Las películas de guerra, en contraste con la variedad de las décadas anteriores, ahora son principalmente sobre el horror absoluto al que se enfrentan los soldados. Se queda con ellos mucho después de que hayan abandonado el campo de batalla, dejando fantasmas para tratar de olvidar todo lo que han visto y hecho. 1917 se trata de hacernos entender, hasta nuestros huesos, cómo es ese infierno.

El enfoque de Mendes aquí es capturar en una única toma continua una misión suicida, o simplemente puede haber sido un truco dirigido a los votantes de los Oscares. Si ese es su pensamiento, no se sentirán así después. Es un elemento crucial para representar cuán abarcador es realmente el peligro. La muerte proviene de todas las direcciones y cuando menos se espera, y a menudo nunca la ves llegar hasta que es demasiado tarde. La magia de la dirección de Mendes, y la brillante cinematografía se enmarca para mantenernos todo el tiempo con Blake y Schofield, y a la vez siguiendo todas sus desventajas. Si sus nervios no están desechos al final de esto, deben tener hielo en sus venas.

La historia en sí es notablemente directa, una pesadilla recorrida por una serie de trincheras, una más peligrosa que la siguiente. Blake y Schofield deben hacer el viaje, solos, a través de kilómetros de campos de batalla abandonados para evitar que un regimiento británico caiga directamente en una trampa alemana. Abandonados no significa seguros, eso sí. Los alemanes sabían que los seguirían y habían todo tipo de trampas mortales esperando que cayera cualquier soldado en ellas. Hay una situación personal en el corazón de esta misión, ya que el hermano de Blake se encuentra entre las tropas a las que salvarán de una muerte segura. El tiempo corre, y ni siquiera tendrán la cobertura de la noche para ayudarlos.

Desde el momento en que comienza esta misión imposible, Mendes nos hace saber que esto es la guerra y que todas las apuestas están canceladas. Esto se comprende mejor cuando Blake y Schofield cruzan por primera vez No Man's Land, una zona muerta en el norte de Francia que separa a los ejércitos británicos y alemanes. Este territorio había sido el sitio de numerosas batallas y los restos de cadaveres están esparcidos por todas partes. Los cadáveres, algunos poco más que esqueletos, otros simplemente extremidades separadas, están medio enterrados en el barro, con moscas por todas partes mientras que ratas devoran caballos o cualquier cosa que puedan encontrar. En una secuencia particularmente desagradable, Schofield rasga su mano con alambre de púas solo para resbalar y hundir esa misma mano dentro de un cadáver destrozado y podrido. Durante tramos como este, estamos directamente detrás de los dos soldados, lo que nos pone en sus pasos. La perspectiva es distinta no tanto por lo que está frente a nuestros ojos, que es lo suficientemente horrible, sino por lo que no podemos ver y lo inesperado de todo. A medida que nos ponen dentro y fuera de las trincheras, a través de árboles y en las líneas de fuego, es en gran parte la impresionante imagen lo que mantiene a uno involucrado en todo momento.

Si bien es fácil perderse en su magia visual, no podemos pasar por alto a los actores que están asumiendo la carga emocional. George MacKay ha sido un actor en ascenso durante algunos años, pero este es, por mucho, el papel más importante de su carrera, y vende la conmoción y la angustia que conlleva ser un joven empujado a una situación tan inhumana. Y sin embargo, no está ajena a ella. Detrás de sus ojos hay una sensación de aceptación de que así son las cosas, y eso es casi tan aterrador como cualquiera de las cosas terribles que estamos obligados a ver. Dean Charles-Chapman, probablemente mejor conocido por interpretar al pobre Rey Tommen en Game Of Thrones, es el corazón de la película y su ocasional alivio cómico. Los nombres más reconocidos aparecen por muy poco tiempo, incluidos Colin Firth, Benedict Cumberbatch y Richard Madden, pero es Mark Strong como el líder de un batallón con una advertencia muy específica sobre la lujuria de batalla lo que tiene el mayor impacto.

En general, es sorprendente que Sam Mendes se haya arriesgado tanto para hacer una película de la Primera Guerra Mundial. La guerra que Hollywood ha tenido menos interés en representar, y solo hace de 1917 una joya más preciosa. Sospecho que veremos más ahora, pero tendrán dificultades para superar esta, ya que es una adición esencial al género. Al final, 1917 es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas de guerra que jamás haya llegado a la pantalla grande, además de ser muy única. El infierno del campo de batalla de la Primera Guerra Mundial es un tema que no se ha cubierto en mucho tiempo y Sam Mendes lo ejecuta perfectamente. Una película como esta no se pudo haber hecho hace 50 años, pero con los avances actuales en la tecnología, junto con un gran presupuesto, Sam Mendes nos lleva a través de una aventura tan desgarradora como en Saving Private Ryan (1998) o The Thin Red Line (1998). Esta no es una pieza para glorificar la guerra, sino más bien para demostrar cómo uno puede ser valiente todo el tiempo mostrando sus vulnerabilidades y el temor de que cualquier persona normal se sienta en ese tipo de situación. No hay partes para ejemplificar el heroísmo, solo es una historia simple que permite que los personajes brillen y definan la valentía en sus propios términos. Desde la actuación, hasta la cinematografía, la edición y la dirección general de la película, Sam Mendes la sacó absolutamente fuera del parque, y creo que es una de las mejores piezas cinematográficas que jamás haya aparecido en la pantalla grande.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Marriage Story

Viviendo en la ciudad de Nueva York, Charlie (Adam Driver) es un célebre director teatral especializado en obras avant-garde protagonizadas por su esposa, Nicole (Scarlett Johansson), que una vez fue una estrella de cine y ahora trabaja como actriz de teatro. Tienen un hijo, Henry (Azhy Robertson), que vive una vida agitada de ensayos y aspiraciones de Broadway, con Charlie acercándose a su primera oportunidad de llevar una de sus obras a un gran público. Cuando Nicole es ofrecida un piloto para un programa de televisión en Los Ángeles, regresa a vivir con su madre Sandra (Julie Hagerty) para trabajar, pero también avanza con los planes de divorcio. Si bien la pareja inicialmente desea un final pacífico de su unión sin la intrusión de fuerzas legales, pronto surge la necesidad de abogados, con Nicole contratando a Nora (Laura Dern), quien transforma toda la situación en un ataque contra Charlie. Mientras el padre y esposo intenta comprender el desmoronamiento de su acuerdo inicial con Nicole, Charlie se da cuenta de que también necesita ayuda legal, trabajando para defenderse mientras procesa la conexión rota con su esposa.

A menudo, las películas más reales son las más difíciles de ver. Las que capturan viajes que nosotros, el público, experimentamos a menudo y son devastadoras para soportar. Con casi la mitad de todos los matrimonios terminando en divorcio, el divorcio es algo que afecta a casi todos de alguna manera. En lugar de hacer una película sobre el divorcio que golpea demasiado de cerca o que favorece mucho a un lado, el escritor y director Noah Baumbach y los actores Scarlett Johansson y Adam Driver aportan empatía y un sentido de comprensión a una experiencia dolorosa con la que la mayoría de nosotros podemos relacionarnos, ya sea de manera personal o por nuestros padres.

Marriage Story comienza al final del matrimonio entre Charlie y Nicole, él es el primer director teatral de avant-garde en Nueva York y ella la actriz ansiosa por comenzar de nuevo su carrera en Los Angeles. Como padres de Henry, ambos inicialmente quieren separarse y divorciarse sin abogados, pensando por respeto a lo que tenían y a su hijo, y para hacer todo de la manera más amigable posible. Por supuesto, la realidad se establece una vez que Nicole se muda a Los Angeles y decide contratar a una abogada despiadada, dejando a Charlie atónito y tomando represalias a su manera. A medida que la pareja se vuelve más egoísta, los abogados alteran el campo de juego y su hijo se convierte involuntariamente en una víctima, perdiendo de vista la humanidad del otro. Al cubrir la transición a un nuevo tipo de familia, Marriage Story explora lo que viene después de que una pareja finalmente dice: "Esto se acabó".

Marriage Story es una clase magistral sobre humanidad del director Noah Baumbach. Con situaciones de la vida real y un diálogo realista, el guión de Baumbach y su deseo de pertenencia étnica aportan una intensidad emocional y un tono empático a la pieza. En raras ocasiones, el comenzar una película con descripciones de voz es un indicador de una escritura negligente. Sin embargo, el método de Baumbach para usarlo es refrescante e inteligente, lo que demuestra su talento como escritor y director.

Si bien Scarlett Johansson aporta una sensación de calidez a un personaje no tan construido como su equivalente masculino, también aporta una realidad frustrante de alguien que no sabe completamente lo que quiere. Se queja de que Charlie le quitó la voz en su matrimonio, solo para comunicar sus verdaderos deseos a través de su abogada y comportarse inocentemente durante sus interacciones durante los recogidos y los traslados con su hijo. Podría ser que Johansson no se siente exactamente bien como Nicole, ya que ella nunca se gana la misma simpatía que recibe el personaje de Driver. En un momento clave, la abogada de Nicole, Nora (una Laura Dern deliciosamente rencorosa) hace un discurso gracioso y retorcido acerca de que Dios dejó a la virgen María sola para criar a su hijo mientras él tomó todo el crédito y ella hizo todo el trabajo, haciendo comentarios válidos sobre cuán diferente los hombres y mujeres son retratados como padres. Al igual que la metáfora de Dios y María, Baumbach parece estar más en sintonía con Charlie que con Nicole, olvidándola en el camino, pero aún escribiéndola desde un punto de vista favorable.

Adam Driver es parcialmente culpable de esto, ya que su actuación eclipsa por completo a Johansson. Dando una actuación poderosa de un hombre que no comprende la situación en la que se encuentra hasta que es demasiado tarde y viviendo todo con el corazón en la manga, Driver domina la película y las escenas en las que se encuentra, dando una actuación desgarradora. Driver canta una canción al final de la película, que es a la vez devastadora y dulce, y agrega un momento necesario antes del cierre de la película. La selección de la canción no arruina la película, sino que debe anticiparse como un límite muy necesario para el personaje de Charlie. No me sorprendería para nada que Driver obtuviera un premio por este papel. Es simplemente espectacular.

Tanto Driver como Johansson son más fuertes cuando se enfrentan, aunque Alan Alda y Laura Dern se roban escenas como los abogados que representan a la pareja que se divorcia. Dern domina el papel de la abogada que sabe cómo torcer el cuchillo lo suficiente como para que la odies. Alda aporta dulzura al arquetipo del abogado que carece de la naturaleza despiadada necesaria para "ganar" un divorcio en Los Angeles. Como su personaje señala, realmente no hay ganadores ni perdedores en un divorcio. Al final del proceso "Todavía eres gente", le recuerda Alda a Driver. Es a través de estos personajes que Baumbach enfatiza su tesis sobre cómo nos desempeñamos en la vida, el matrimonio y el divorcio. Los personajes no solo son artistas, intérpretes o ejecutantes en su vida profesional, sino también cómo se desempeñan el uno para el otro, los demás, para sus hijos, cómo los abogados a menudo actúan con poca consideración por las consecuencias, y cómo las narrativas se tuercen y se tergiversan. A pesar del drama emocional, Baumbach encuentra la ligereza orgánicamente, ya sea con artistas veteranos de la comedia como Wallace Shawn y Martha Kelly o dejando que brille la naturalidad en ciertas escenas.

En general, el matrimonio es difícil. El divorcio es duro. Estar vivo es complicado. Pero Baumbach toma estas ideas y las mezcla en la película con un realismo que es catártico de ver. Al igual que las batallas de divorcio y custodia, puede ser brutal y, a veces, humorísticamente irónico, pero realmente creo que terminarán como personas más comprensivas después de ver esta película. Al final, Marriage Story es una mirada incisiva y compasiva de un matrimonio que se rompe y una familia que se mantiene unida. El elenco es fenomenal, pero Adam Driver es el que más sobresale con una actuación transformadora y desgarradora. Tiene todos los elementos para convertirse en un clásico y probablemente la llamarán una de las mejores películas de la década. Es una historia melancólica, pero también alegremente agridulce sobre el matrimonio y el desafortunado camino hacia la separación para encontrar la felicidad. No se la pueden perder.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 7 De Enero Del 2020

Joker (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la Exclusive Packaging de Target)

The Lighthouse

Paradise Hills

The Nightshifter

Trespassers

Girl On The Third Floor

Review: Rabid

Rose (Laura Vandervoort) quiere ser una de las mejores diseñadoras de moda del mundo, pero es una joven tímida, avergonzada por las cicatrices faciales que obtuvo de niña. Ella trabaja para Gunter (Mackenzie Gray), un jefe de moda megalomaníaco que no toma a Rose en serio, dejándola confiar en Chelsea (Hanneke Talbot), una modelo a la que le gusta la burla. La confianza de Rose aumenta cuando el fotógrafo Brad (Ben Hollingsworth) muestra interés en ella, pero su primer encuentro se arruina cuando Rose apenas sobrevive a un accidente de motora. Al quedar con casi la mitad de su rostro desfigurado, Rose encuentra una salvación con el Dr. William Burroughs (Ted Atherton) y su clínica, que ofrece tratamientos experimentales con manipulaciones de células madre, ofreciendo una nueva vida para aquellos que lo necesitan desesperadamente. Al salir de la cirugía, Rose se enfrenta a un nuevo rostro y encuentra que esta belleza extrema le abre todo tipo de oportunidades, dándole una oportunidad profesional con Gunter. La experiencia médica también convierte a Rose en un monstruo, provocando un ansia de sangre cuando comienza a atacar a otras personas, propagando una enfermedad similar a la rabia por toda la ciudad.

Rabid es una reimaginación de la clásica película de desastre/contagio/cirugía plástica de David Cronenberg. Una vez teniendo a la estrella porno Marilyn Chambers como Rose Miller, hoy las hermanas Soska (Jen y Sylvia) le prestan el nombre a su estrella principal, Laura Vandervoort. David Cronenberg escribió y dirigió Rabid en 1977. Fue su segunda película de terror, y fue seria, impactante y desagradable por gran parte de su tiempo de duración. Esta nueva versión de Jen y Sylvia Soska es una carta de amor a la película de Cronenberg, pero como muchas cartas de amor, la pasión es mucho más evidente que el talento. El personaje principal de Rabid es Rose, una joven modesta que trabaja en el mundo de la moda. Ella desea desesperadamente diseñar ropa, pero está atrapada en su trabajo por el exigente Gunter. Una noche, Rose queda gravemente herida en un accidente de motora y opta por una cirugía experimental para restaurar su desfigurado rostro, sin importarle los efectos secundarios que pueda traer.

Todo el mundo tiene puntos de vista diferentes sobre los remakes, y hay muchos tipos diferentes de remakes. Algunas copian fielmente la película anterior y otras simplemente caminan sobre ellas. Los remakes más exitosos tienen una visión tan clara que el público casi puede olvidar que existió una película anterior. A mi mente vienen The Thing (1982) y, por supuesto, The Fly (1986) del mismo Cronenberg. En ambas, la historia original proporcionó un trampolín para una película más ambiciosa y más contemporánea. Eso es lo que esperaba cuando comencé a ver Rabid, pero no es lo que vi. La perspectiva es definitivamente la mirada femenina, más que la masculina de la película de 1977. La nueva Rose tiene una personalidad y una carrera. Se le permite tomar decisiones, sobre su recuperación del accidente, con quién quiere pasar su tiempo y sobre su trabajo. La Rose de la película original era más un dispositivo de trama.

Otra gran diferencia de la película es que establece la historia dentro de la industria de la moda, aunque sea una visión satírica del mundo de la moda. Esto les brinda a las hermanas Soska la oportunidad de hacer algunos comentarios maliciosos y breves sobre la imagen corporal y la forma en que las mujeres pueden verse a sí mismas... pero no está muy relacionado con el tema de la cirugía. Mientras que la sed de sangre de Rose y la infección que genera fueron el foco de la película de 1977, en esta son solo dispositivos para su desarrollo en la carrera en la moda. Ni siquiera vemos mucha evidencia de la supuesta pandemia de rabia más allá de un rumor y un informe de noticias, es como si no importara. Tampoco vemos su accidente (ni ninguna señal de que la haya traumatizado), pero sí vemos de primer plano las lesiones y los trabajos de reparación de Rose. La pasión de las hermanas Soska se encuentra en el horror corporal, después de todo, más que en la acción.

En general, es una premisa genial, como lo fue la película original, pero tristemente, gracias a su ritmo, está muy lejos de serla. Tarda demasiado en despegar y luego, cuando lo hace, carece de enfoque y parece estar contando dos historias distintas en lugar de una (la película de Cronenberg tiene una narrativa mucho más clara). Hay algunas escenas morbosas pero no inmensamente reveladoras como para hacer que la gente se retuerza. Laura Vandervoort como la actriz principal es buena y, en general, las actuaciones también son buenas, no obstante, algunos personajes de apoyo decepcionan grandemente. Tiene una edición sofisticada, pero algunas escenas simplemente se sienten irrelevantes y hacen que la película se arrastre. Por cierto... si son fanáticos de la WWE, busquen las apariciones de Phil "CM Punk" Brooks y AJ Mendez, también conocida como AJ Lee. Al final, Rabid es una película decepcionante. Sí, es una versión mas pulida de la original, pero fue la naturaleza espantosa y chocante lo que conmocionó a la gente en 1977. Esta nueva película es caricaturesca y tonta, en lugar de superficialmente inteligente. Lamentablemente, la película tiene la sensación de ser un proyecto universitario realizado por fanáticos de Cronenberg, y no algo profesional. Esperaré ver el próximo proyecto de las hermanas Soska, pero esto simplemente es una pena. David Cronenberg se merecía un homenaje mucho más respetable.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Uncut Gems

Howard Ratner (Adam Sandler) es el dueño de una joyería que no puede evadir sus vicios. Luchando con una adicción al juego, Howard hace malabares para pagar deudas a colegas, mafiosos y familiares, incluido Arno (Eric Bogosian), que está listo para hacer algo drástico si Howard no paga una pequeña fortuna perdida. Trabajando en un plan para borrar todos sus problemas financieros, Howard toma posesión de un ópalo etíope sin cortar para entregarlo a una casa de subastas y cobrar un millón de dólares. Interrumpiendo el plan está la estrella de la NBA Kevin Garnett (interpretandose a sí mismo), quien se siente atraído por los poderes místicos del ópalo mientras visita la joyería de Howard con su mejor vendedor, Demany (LaKeith Stanfield). Manteniendo el ópalo por una noche para ayudar a mejorar su juego, Kevin se va, dejando a Howard para tratar con varios mafiosos y colegas que exigen el pago de su dinero.

Ha sido un viaje fascinante ver las numerosas altas y bajas de la carrera de Adam Sandler. Desde comedias clásicas como Happy Gilmore (1996) hasta grandes actuaciones dramáticas como Reign Over Me (2007), ha demostrado una y otra vez que es un actor muy talentoso. El problema es que ha caído bajo y ha dejado de ser el centro de atención durante los últimos diez años, simplemente porque ha estado eligiendo algunas de las peores películas cada año, en múltiples ocasiones. Ahora tenemos Uncut Gems, lo que podría ser considerada su mejor actuación. Aquí seguimos a Howard Ratner, un dueño de joyería, que obtiene una piedra preciosa de Etiopía y decide prestársela a una estrella de la NBA en buena fe. Lo que lamentablemente se hace evidente es el hecho de que tiene muchos problemas. Siendo una figura realmente sombría y teniendo una gran adicción al juego, su personaje termina dando a esta película una increíble cantidad de tensión. Es realmente una montaña rusa de claustrofobia.

La película no explica algunos de los contextos detrás de sus tratos, pero a medida que avanza la película comenzamos a aprender por qué está en esa situación o, lo que es más importante, cómo se "siente" al respecto. Al usar una variedad de eventos, conversaciones y un mini clímax dentro de una sola escena, vemos el costo mental que todo tiene para Howard. La lucha, el éxito y el fracaso sucede a veces en el lapso de múltiples escenas. La película magistralmente te permite sentir empatía por Howard, incluso si no estás de acuerdo con muchas de las acciones que hace. Un ejemplo de esto sería hacia el final del segundo acto donde Howard sufre un quebranto y muestra un momento de vulnerabilidad. Hasta este momento, hemos tenido un ataque constante de él gritando, discutiendo y comprometiéndose, así que cuando comienza a desmoronarse, no solo es una liberación para Howard sino también para nosotros.

Los directores Benny y Josh Safdie nos ofrecen una película que depende en gran medida de su ritmo, la edición y las actuaciones. Con un guión que requiere que casi todos los artistas estén constantemente en movimiento o hablando entre ellos, esta película apenas te da un segundo para recuperar el aliento. Cuando comienza el tercer acto, probablemente se preguntarán por qué se han interesado tanto en la interpretación de Sandler como Howard, porque realmente no es la mejor persona. Dicho esto, es el hecho de que él es una persona terrible en el fondo y es tan codicioso que es lo que lo hace tan atractivo e inquietante a veces. Con el uso de imágenes psicodélicas, una banda sonora extraña y una gran cantidad de artistas súper talentosos, esta es una película que dice desde el principio que es una contendiente para la próxima temporada de premios. Así de efectiva es la película como una experiencia emocional, te invierte por completo en Howard, incluso si no puedes relacionarte con él de ninguna manera. A pesar de algunos obstáculos en el camino (principalmente relacionados con el primer acto y un par de escenas que son menos efectivas en su intención que otras), esta es una película que hay que ver.

En general, algunas personas se preguntarán absolutamente cuál fue el punto de la película, debido a la naturaleza de cómo se desarrollan los últimos minutos, pero fueron precisamente estos últimos momentos los que me tomaron por sorpresa y me hicieron disfrutar aún más la película. Personalmente, siento que el público se ha vuelto impaciente con las películas hoy día y cualquier cosa de más de una hora y media puede parecerles una molestia si no están completamente inmersos, por eso recomiendo esta película. No es nada corta (su tiempo de duración es de 2 horas y 15 minutos), pero la forma en que se arma esta película hace que el tiempo pase volando. Al final, Uncut Gems es una película que sin duda no tendrá una opinión neutral. La gente la amará o la odiará. Es un viaje increíble de ansiedad y caos total en una rueda de emociones y dolor placentero, todo con un alto riesgo a pagar.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Bombshell

En el 2016, Donald Trump se está postulando para presidente de los Estados Unidos, y Roger Ailes (John Lithgow), el hombre grande de Fox News, se deleita en el aumento de ratings para el candidato, posicionando felizmente a Megyn Kelly (Charlize Theron) contra un hombre con una larga historia de conducta personal impropia. Kayla Pospisil (Margot Robbie) es una mujer evangélica que ha venido a Fox News para construir una carrera creyendo firmemente en el mensaje de "justo y equilibrado" de la compañía, y espera tener la oportunidad de conocer a Ailes y demostrar su lealtad. Sin embargo, Ailes quiere más que una promesa, exponiendo sus patrones de comportamiento depredador a la empleada que no sabe cómo procesar su experiencia dolorosa, y es incapaz de confiar tal suceso a su amiga de la redacción, Jess Carr (Kate McKinnon). Gretchen Carlson (Nicole Kidman) es una mujer importante en la programación de Fox News desde hace mucho tiempo, pero ha perdido la paciencia gracias a la atmósfera corporativa del club de chicos, especialmente cuando Ailes toma medidas drásticas para sacarla de la compañía por querer intentar introducir más pensamiento feminista en su programa. Al darse cuenta de lo que está sucediendo, Carlson decide tomar acción legal sobre Ailes, demandándolo por acoso sexual, exponiendo su comportamiento repugnante y engreído al mundo.

A veces hay que tragarse el orgullo y guardar las nociones preconcebidas de lo que debería ser una película. Consideremos Bombshell, del director Jay Roach, una película que alborota la mayor parte del mundo de los medios de comunicación liberales porque no revuelve su historia central a la campaña de Donald Trump. Las únicas quejas que he leído hasta ahora sobre esta película es que permite que Fox News se salga con la suya tocando el tema solo en la superficie. A esos críticos les digo que están perdiendo el punto y están tratando de hacer una película diferente o incluso desahogar sus frustraciones con la lealtad del medio a la extrema derecha. Puede que carezca de ciertos elementos, tener un nivel de comprensión superficial y un núcleo emocional real para conectarse con la mayoría de las personas, pero eso no significa que la película no sea recomendable. Esta película trata sobre las mujeres que dijeron la verdad y se enfrentaron al poder, todo hecho desde un punto de vista satírico, y sobre las víctimas de las acciones miserables de un hombre de edad avanzada con una gran cantidad de dinero y demasiado tiempo en sus manos.

Bombshell sigue a tres presentadoras/personalidades de Fox News para mostrar diferentes niveles de relevancia y cómo los acosos sexuales son ciegos cuando se trata de contratos o niveles de importancia. Tenemos a la superestrella Megyn Kelly, que se convirtió en la historia nacional después de que el nominado presidencial republicano Donald Trump hizo un comentario desagradable sobre por qué estaba haciendo preguntas tan difíciles en un debate. Luego está la presentadora de noticias Gretchen Carlson, que poco a poco se va desvaneciendo del canal por su edad pero ve todo lo que está sucediendo y toma medidas preventivas. Finalmente, la novata Kayla Pospisil, necesita darle una vueltita a Roger Ailes, levantarse la falda y aparentemente hacer lo que sea necesario si quiere estar detrás de un escritorio y frente a una cámara.

Si desean una mirada más profunda a la relación Trump/Fox, deberán esperar una secuela (que dudo suceda). Mientras tanto, denle un vistazo al guión maravillosamente sarcástico y el tono justo que el director Jay Roach establece con cada toma que llama la atención de su cámara. Roach sin duda se ha reinventado en los últimos años. Siendo el antiguo timón de la franquicia de Austin Powers, Roach ahora se concentra en sátiras políticas con ligeros toques cómicos. Bombshell no es el pico de su carrera, pero es un giro satírico muy efectivo contra el pez más grande jamás capturado y arrastrado para su exhibición pública gracias al movimiento MeToo.

Sin lugar a dudas, esto es un derroche de actores y actrices. Los talentos de Margot Robbie, y la siempre confiable Nicole Kidman están a la vista. Sin embargo, el rendimiento más sobresaliente es el de Charlize Theron. La forma en que captura a Megyn Kelly es simplemente asombrosa. Te hace sentir como si estuvieras viendo a una de los presentadoras de noticias más controvertidas y confusas de este siglo. John Lithgow también es muy notable aquí como Roger Ailes. Él está en su mejor momento como un repulsivo y despreciable Jabba the Hut de carne y hueso. Él, junto con Theron y los ingeniosos maquilladores y diseñadores de vestuario, son dignos de un Oscar. La película también tiene un profundo elenco secundario, son tantos que es posible que no reconozcan todas las caras que verán en pantalla. Kate McKinnon interpreta a Jess Carr, una productora de Fox News, que resulta ser una lesbiana con carteles de Hilary Clinton pegados en las paredes de su apartamento. Mark Duplass tiene un buen papel como el esposo de Megyn Kelly. Alison Janney interpreta a Susan Estrich, la antigua aliada y abogada de Ailes que ignora su propia moral pública para sacarlo del lío. Otras caras conocidas son Malcolm McDowell como el CEO de Fox Rupert Murdoch, Alanna Ubach como la jueza Jeanine Pirro, Richard Kind como el ex gobernador de New York Rudy Giuliani, Jennifer Morrison como la reportera Juliet Huddy, Ashley Greene como la reportera Abby Huntsman, Alice Eve como Ainsley Earhardt, Tony Plana como Geraldo Rivera, entre muchos otros.

En general, independientemente de lo que piensen de las víctimas de los crímenes miserables de Roger Ailes, nadie debería tener que pasar por lo que tuvieron que hacer estas mujeres para poder mantener su trabajo. No permitan que sus opiniones políticas cambien su visión de la ardiente toma de Roach en este ataque contra Fox News, ni se hagan de la vista larga a una de las mejores actuaciones de Charlize Theron. Al final, Bombshell es una muy buena película sobre la dinámica del acoso sexual, el miedo, las traiciones, la vergüenza, y los sentimientos en conflicto, todo está aquí. La entrega del mensaje es bastante fuerte, y el 90% de la película hace un excelente trabajo al ilustrar las dificultades que enfrentan las mujeres cuando son acosadas en el lugar de trabajo. Esto es un vistazo obligado para todas las mujeres en cualquier campo laboral. El acoso sexual no es un fenómeno nuevo, es algo que debe ser erradicado y educado en todas partes y esta película hace un trabajo fenomenal al hacer exactamente eso. Pero no se preocupen, aún con el tema sigue siendo entretenida y definitivamente es una de esas películas que hará que la gente hable de ella por mucho tiempo.

Puntuación: 4 alcapurrias.