Review: Mortal Kombat

Cole Young (Lewis Tan) es un luchador de MMA que lucha con tener una carrera, tratando de ganar dinero para apoyar a su esposa e hija. De la nada, Cole y su familia son atacados por Sub-Zero (Joe Taslim), presentando al luchador a los peligros de Mortal Kombat, un torneo que decide el control del universo, con Shang Tsung (Ng Chin Han) buscando destruir a sus oponentes antes de que comience la competencia. Rescatado por Jax (Mehcad Brooks), miembro de las Fuerzas Especiales, y llevado donde Sonya Blade (Jessica McNamee), a Cole se le presenta el concepto de Earthrealm, y que está siendo preparado para la dominación por Shang Tsung y sus campeones de Outworld. Cole lleva la marca especial de Mortal Kombat, pronto experimentando capacitación para encontrar su "Arcana", un poder especial que se encuentra dentro de los luchadores, recibiendo la ayuda de Liu Kang (Ludi Lin), Kung Lao (Max Huang), y Lord Raiden (Tadanobu Asano).

Mortal Kombat fue solo un videojuego en 1992, ofreciendo a los jugadores algunas historias, personajes y reinos extraños para apoyar un juego de pelea que ofrecía imágenes llamativas y, por supuesto, ridículas cantidades de sangre y violencia gráfica. Fue un Grand Guignol para la generación del arcade, pero sus productores no se detuvieron ahí, ofreciendo varias secuelas del videojuego (el último se lanzó en 2019), comics, mercancía y, por supuesto, películas. Han habido algunos intentos de llevar el universo de los videojuegos a la pantalla grande, en su mayoría. En especial una película fue hecha en 1995 por el  director Paul W.S. Anderson con una secuela en 1997 dirigida por John Leonetti. Esta nueva Mortal Kombat se esfuerza por iniciar la franquicia a nuevas alturas cinematográficas, ofreciendo un presupuesto considerable para detallar visuales llamativos y teniendo una clasificación R para preservar el atractivo principal del juego, manteniendo sus estándares de sangre y violencia excesiva. También es una película entretenida una vez que pasa la exposición de los personajes, brindando fuertes peleas y destrucción entre los combatientes.

El guión apunta a establecer una nueva franquicia de Mortal Kombat, utilizando esta primera película para crear una base de personajes y ubicaciones. Cole Young es el personaje principal, pero la película abre con un prólogo en el Japón del siglo XVII, donde Bi-Han, el futuro Sub-Zero, quiere destruir su archienemigo, Hanzo Hasashi (interpretado por Hiroyuki Sanada), el futuro Scorpion. Es una extensa batalla que nos presenta el mando de Bi-Han del hielo y el dominio de Hanzo del kunai, que juega un papel en el futuro después de sufrir una derrota devastadora. Cole eventualmente ingresa a la historia como un hombre golpeado y maltratado que ya no se conecta a su poder interior, cubriendo una marca de nacimiento en su pecho que está atada a una profecía, y pronto teniendo una audiencia con Lord Raiden y otros guerreros de Earthrealm. Es una odisea que comienza con un ataque por parte de Sub-Zero y continúa con una reunión con Jax y Sonya Blade, que actualmente está teniendo una riña con el espeluznante australiano Kano (interpretado por Josh Lawson), y proporciona una explicación para la marca de nacimiento en su pecho y su capacidad para ser transferida después de la muerte de un luchador. Kano robó su marca, y Sonya quiere una.

La película nunca para por completo su ritmo, pero el director Simon McQuoid es rápido para pausar lo que ocurre para mantener y establecer el desarrollo de todos los mundos, personajes y mitologías de la franquicia. No siempre funciona, pero el material es ambicioso cuando se trata de crear una comunidad de peleadores, algunos más fantásticos que otros, y tratar con las preocupaciones de Earthrealm y Outworld, incluso con un poco de actividad en el Netherrealm. Para aquellos que se alejaron de la franquicia de Mortal Kombat en la década de los años 90, toda esta información es un poco de travesía, pero los detalles principales, incluida la búsqueda del Arcana, son convincentes, y McQuoid tiene más de un sentido visual que Anderson, dando una escala de esfuerzo y ferocidad, con luchas extremadamente violentas, ya que sobrepasan las expectativas con extremidades desgarradas, cuerpos que se cortan por la mitad, y cabezas rodando. La sangre literalmente también se usa como un arma, lo que hace que Sub-Zero sea el oponente más dinámico de todos. El guión también agrega muchos detalles y elememtos del juego original, lo que debe complacer a los fanáticos.

Curiosamente, Mortal Kombat se basa en un juego sobre un torneo de lucha, y el guión es sobre la formación de un torneo, pero el torneo nunca aparece en la película. El guión es básicamente una introducción para llegar a la crisis central entre Earthrealm y Outworld. La producción no escatima en las escenas de pelea, ya que se manejan con una coreografía espectacular, y con las características de los personajes del juego, agregando monstruos y máquinas a la batalla. La película no es un impresionante logro creativo, pero es un viaje entretenido, ya que la producción se encarga de presentar una gran cantidad de la historia del videojuego para hacer una experiencia cinematográfica atractiva, y que está prevista a ser la primera de muchas.

En general, esta podría no ser una película perfecta, pero es, por mucho, la mejor adaptación de una película de videojuego que hemos tenido en la historia del cine con respecto al formato de live action, y puedo decir con seguridad que si alguna vez tuvieron duda si la maldición de las películas de videojuegos fue rota o no antes, entonces no deberían estarlo. Está definitivamente roto ahora! Al final, Mortal Kombat es una película de acción genial y una excelente adaptación del videojuego con toneladas de servicio a los fans y personajes bien retratados que nunca olvidarán (y amarán) desde el principio hasta el final. Además, tiene mucha sangre, peleas y algunas de las muertes más emblemáticas que los gamers están acostumbrados a ver en la serie de videojuegos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Power

Esperando por una posición en la enfermería del East London Royal, Val (Rose Williams) tiene la oportunidad de demostrarse ante Matron (Diveen Henry), que necesita manos adicionales durante un tiempo tumultuoso en el área, con apagones ordenados cada noche para ayudar a aliviar el dolor de una creciente crisis económica. Rompiendo las reglas, Val hace contacto con el Dr. Franklin (Charlie Carrick), que responde a la atención de la joven. Su castigo es tiempo en el hospital por la noche durante el período del apagón, encargada de ayudar a un grupo a medida que cuidan a los recién nacidos y a los pacientes moribundos con la ayuda de Terry (Nuala McGowan), Comfort (Gbemisola Ikumelo), y Babs (Emma Rigby), con quien Val ya tiene historia. Mientras intenta administrar sus responsabilidades en la oscuridad, Val comienza a sentir una presencia en la instalación que está interesada en tomar el control de su cuerpo. Entrando en pánico, Val experimenta horror puro, y busca ayuda de la niña de 13 años Saba (Shakira Rahman), una paciente, para decodificar este violento misterio.

Decir que Gran Bretaña fue un desastre en la década de 1970 es una subestimación. La economía del Reino Unido fue devastada por la inflación que condujo a las huelgas sindicales regulares. Con la producción de combustible detenida por los mineros, Gran Bretaña se vio obligada a adoptar tres días de cada semana para aplicar apagones eléctricos en la noche para ahorrar energía. Siendo la primera película de la escritora/directora Corinna Faith, The Power tiene lugar en la oscuridad de los pasillos de un hospital este de Londres en una de esas noches de apagón en 1974. Definitivamente es un gran entorno para una película de terror, y es increíble que no haya sido hecho anteriormente, pero Faith está tan enfocada en presentar el mensaje de la película sobre el abuso de poder que nunca explota completamente el potencial de su entorno.

El título del debut de la película de Faith se refiere no solo a los apagones, sino a los abusos institucionales del poder que obstaculizó a Gran Bretaña en los años 70. Sostiene un significado dual, después de que Val es expuesta a la historia del hospital, que se conecta a su propia vulnerabilidad como una niña en un sistema de orfanato brutal. Faith tiene ideas provocativas para compartir la maldición de los depredadores, las actuaciones amplias de sus representaciones de terror y sus sutiles actos de pánico. Es el movimiento general de "el poder" que es decepcionante, ya que Faith no invierte el tiempo, llevando la historia entre descubrimientos y conversaciones, mientras que las interacciones con el otro lado no son tan tensas como podían ser. La película se arrastra más de lo que debería, pero todavía hay muchas ideas y momentos que valen la pena en este esfuerzo, obtieniendo al menos a mitad de camino su enfoque creativo para la agonía del abuso.

Algunos podrían decir que el género de horror ha cubierto tantos temas que ya nada es tabú, pero siempre ha trazado una línea cuando se trata del abuso infantil. Tal vez sea muy puritano, pero simplemente no creo que sea un tema que pueda ser abordado en un género dirigido principalmente al entretenimiento. Al fundirse tanto en el horror de la vida real, la película deja un sabor amargo, lo que dificulta el comprometerse por completo a disfrutarla. Tuve una situación similar con el remake del 2010 de A Nightmare On Elm Street, ya que su ángulo de abuso infantil cayó en mal gusto. Sin embargo, puedo ver lo qué Corrina Faith está tratando de hacer aquí, pero no puedo dejar de sentir que hubiera sido más efectivo utilizar el potencial alegórico del género de horror para abordar el abuso institucional.

En general, la película ciertamente tiene su mensaje, y como su heroína torturada y vulnerable, la actríz Rose Williams encarna a una víctima que encuentra la fuerza para exponer a sus atormentadores. Es una pena que esto no pueda explorar su tema de una manera más matizada y con profundidad. Al final, The Power está demasiado preocupada por llegar a su tiempo de duración de 1 hora y 29 minutos, con Faith añadiendo una enorme cantidad de relleno al esfuerzo, lo que limita su ritmo en general. Hay cosas para disfrutar aquí, y actuaciones capaces de invocar un factor de miedo, pero su enfoque y ritmo lento pone la película en un modo de estancamiento, dejando la experiencia de visualización desigual a pesar de los logros obtenidos por parte de la producción.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Sacrifice

Isaac (Ludovic Hughes) regresa al lugar de su nacimiento, viajando con su esposa embarazada, Emma (Sophie Stevens), a una isla remota en Noruega para lidiar con la limpieza y venta de su hogar familiar. Tratando de establecerse en la comunidad, la pareja se encuentra con hostilidad por parte de los lugareños, que no están seguros de cómo tratar a los estadounidenses. La oficial de policía, Renate (Barbara Crampton) ofrece noticias sorprendentes para Isaac al aprender que su padre en realidad fue asesinado dentro de la casa, sacudiendolo mientras aprende todo lo que sabe sobre su linaje. Renate también trata de ofrecer comodidad, incluida una invitación a cenar para la pareja, que aprende más sobre la zona, mientras que la hija muda de la policía, Astrid (Johanna Adda Dahl), estudia cuidadosamente a Isaac. Invitando a la pareja a unirse a la ceremonia anual del sacramento de la isla, Renate encuentra a un participante dispuesto en Isaac, pero Emma está aprensiva a toda la situación, mientras observa cómo su esposo se distancia a medida que pasan los días al estar atraído por la misteriosa isla.

Si he aprendido algo del cine de terror, es que Europa es un lugar para evitar a toda costa, con hombres lobo, zombies rabiosos y albergues llenos de depredadores. Ahora, con Sacrifice, los co-escritores/co-directores Andy Collier y Toor Mian nos dan un sabor del lado desagradable de Noruega. Isaac y Emma regresan al lugar de nacimiento de Isaac en una isla remota para reclamar su herencia. Las verdades familiares desconocidas de la familia salen a la superficie, ya que Isaac se enfrenta a un legado oscuro y Emma teme no solo por la cordura de su marido sino por la vida de su hijo por nacer.

Sacrifice es una película frustrante desde el principio. La premisa básica del pez fuera del agua es uno que se ha visto una y otra vez, y la película no ofrece nada nuevo a este subgénero. Los créditos de apertura prometen una historia construida en torno a las obras de H.P. Lovecraft, pero lo más cercano que llegamos a Lovecraft es a un permiso insensible por parte de Cthulhu. La sutileza en el horror ciertamente tiene su lugar, pero hay innumerables películas de terror que toman un enfoque más metódico para repartir el miedo. Aún así, estas películas finalmente tienen su recompensa. Esta es una película que intenta construir tensión y atmósfera, pero falla en cada oportunidad. Teniendo un semi-comportamiento extraño del folklor noruego tampoco ayuda a mantener a uno al borde del asiento. Y estaría avergonzado de mi mismo si no menciono cómo la película utiliza el aburrido despiertar de una pesadilla que parecía real un total de cuatro veces.

Mucha de la tensión de la película se basa en la relación de Isaac y Emma. El problema con esto es que los personajes brincan entre lo poco probable y lo poco interesante desde el principio. El descenso de Isaac a la locura nunca se ve como tragedia. Incluso la ilustre Barbara Crampton no sale ilesa. En un papel que le pide que haga poco más que ser una local sospechosa, solo brinda un acento noruego desigual y una mala actuación. La película sin duda saca provecho de las ubicaciones en Noruega. Los exuberantes paisajes verdes con sus espectaculares cascadas inyectan un fuerte sentido del lugar. Estas tomas ayudan a establecer un aspecto diferente de la isla, incluso si el resto de la película hace un mal trabajo de mantener un estado de ánimo extraño.

En general, esta película me decepcionó. Tiene todo lo que necesita para hacer una gran película de terror Lovecraftiana, pero deja caer la pelota de manera épica. Sin embargo, eso no significa que no deban verla. Aún así, deberían tomarse el tiempo para verla porque hay algo interesante en ella que te impide apagarla. Tal vez sean los hermosos ojos de Barbara Crampton, no sé. Al final, Sacrifice intenta establecerse junto a películas de terror centradas en Europa como The Wicker Man (1973) y Midsommar (2019), pero en su lugar sale como una copia diluida y bastante floja de mejores películas.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Godzilla Vs. Kong

Han pasado cinco años desde que Godzilla derrotó la última amenaza para la humanidad, y el monstruo se ha mantenido oculto. El ex empleado de Monarch, el Dr. Nathan Lind (Alexander Skarsgard) es reclutado por el CEO de Apex Cybernetics Walter Simmons (Demian Bichir) para hacer un viaje a Hollow Earth en busca de una fuente de energía especial, y a la vez superar la poderosa antigravedad del área. El Dr. Lind encuentra su camino hacia la Dra. Ilene Andrews (Rebecca Hall), quien ahora está a cargo de la atención de Kong en una cúpula de contención, con el simio gigante haciendo amistad con la hija sorda adoptada de Andrews, Jia (Kaylee Honetil). Necesitando a Kong para dirigir la misión a Hollow Earth, el Dr. Lind es testigo del poder poderoso de la criatura y su necesidad de encontrar su lugar en el mundo. Embarcando en una expedición al centro de la Tierra, el viaje de Kong es interrumpido por el regreso de Godzilla, quien está enfurecido, negándose a permitir que otro titán permanezca vivo. También atrapado en la misión está el podcaster de conspiraciones Bernie Hayes (Brian Tyree Henry), quien se une a Josh Valentine (Julian Dennison) y Madison Russell (Millie Bobby Brown), ya que presienten que las instalaciones de Apex están guardando un secreto.

Godzilla Vs. Kong promete un enfrentamiento épico de dos titanes cinematográficos. Los hemos visto luchar antes en la película de 1962 King Kong Vs. Godzilla, pero esta viene con una anticipación adicional, no solo porque sabemos que esto va a ser un espectáculo de efectos especiales y visuales, sino también porque hemos estado esperando por películas que exigen que se vean en el formato más grande posible. Estamos hablando de dos de los monstruos más grandes y duraderos de la historia, cómo no van a querer verlos de la manera más épica?

La película sin duda entrega el choque de estos dos gigantes, y se ve absolutamente fantástico. Al mismo tiempo, la acción es simplemente impresionante y supieron cómo hacer que esta batalla fuera realmente épica. Ahora, le darás importancia a los humanos en medio de esta pelea? Por supuesto que no. Con la excepción de Kong: Skull Island (2017), que en realidad fue ayudada por las interacciones de los humanos con el legendario simio, la franquicia ha luchado para encontrar algo remotamente interesante para que la gente haga. No les va bien aquí tampoco, y la película es mucho mejor cuando se queda desde la perspectiva de Kong. Él es el héroe aquí. Godzilla, poco después, se presenta como el villano, mientras que los humanos... sólo se meten en el camino.

La película es básicamente como un cruce con un comic, y los fanáticos reconocerán la dinámica de inmediato. Los dos héroes siempre lucharán por algún malentendido ridículo antes de que surja una verdadera némesis que les exige que trabajen en equipo. Godzilla Vs. Kong esencialmente encuentra al poderoso simio, que ha sido encarcelado por la gente de Monarch, incluida la Dra. Ilene Andrews y su hija pequeña Jia, una huérfana con discapacidad del habla en Skull Island, y ambos forman un vínculo emocional, similar al de Madison Russell y Godzilla.

Cuando Godzilla emerge de las profundidades para atacar a una instalación de Apex, es Madison quien cree que debe haber una razón válida. Acompañada de su mejor amigo, deciden buscar a un podcaster de conspiraciones para averiguar la verdad sobre el Apex y su CEO hambriento de poder. Esa verdad involucra a muchos actores altamente capacitados que hacen un montón de tonterías expositivas, pero básicamente se reduce a la dominación mundial (todo es mejor cuando nos muestran los aspectos de la ciencia ficción en lugar de hablar sobre ellos). Cuando el trío de Monarch, que incluye al geólogo traumatizado, el Dr. Nathan Lind, viajan a Hollow Earth, me recordó a Journey To The Center Of The Earth (2008), Fantastic Voyage (1966) y el viaje a la velocidad de la luz de Star Wars (1977). El director Adam Wingard encontró aquí un equilibrio adecuado entre la diversión, las películas de clase B de antaño y un gran presupuesto.

Ha sido interesante ver este MonsterVerse crecer bajo la guía de cineastas independientes haciendo su primer salto en el mundo de los éxitos taquilleros de Hollywood. Precedido por Gareth Evans, Jordan Vogt-Roberts, y Michael Dougherty, Adam Wingard muestra una firme forma de entretenimiento al presentarle a los fanáticos el combate que estaban clamando. Hay una serie de escenas que dejarán sus mandíbulas en el suelo, como Kong peleando con una criatura Mynock-esca, para luego beber de su cráneo como un rey con su copa. Claro, algunas otras escenas son bastante tontas, pero honestamente, cuando se tiene la música ardiente de Junkie XL detrás, estarás demasiado inmerso en todo lo que pasa cómo para preocuparte. Wingard merece crédito por hacer que las escenas de acción sean fáciles de seguir, ya que es impresionante de ver con tanta devastación llenando la pantalla, especialmente en la batalla final.

En general, en lo que respecta a las películas de monstruos gigantes, Godzilla Vs. Kong hace un trabajo útil para entretenernos con acción frecuente y grandes efectos especiales. Es adormecidamente simplista, pero no esperaría nada menos. En esta etapa, se desconoce si habrán más películas en este MonsterVerse, pero veo potencial en que la franquicia continúe mientras la demanda esté ahí. Al final, Godzilla Vs. Kong es todo lo que se anunciaba ser. Es una mega batalla real de monstruos en esteroides y aunque no es perfecta, es muy buena. El ritmo de la película fue agradable, sin embargo hubo algunas escenas muy lentas al principio. Esperemos que esta franquicia continúe porque todavía hay muchas historias que explorar en el universo de King Kong y de Godzilla.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Last Blockbuster

Ubicado en Bend, Oregon se encuentra el último Blockbuster Video en el estado, que, en 2017, fue solo una de las 12 tiendas que permaneció después de que la compañía alcanzara un máximo de 9,000 durante su época de oro. Su propietaria es Sandi Harding, quien ha estado con Blockbuster durante más de dos décadas, ganando el apodo "Blockbuster Mom" por su cálida presencia, al ofrecer generaciones de empleados jóvenes sus primeros empleos. Ella ha mantenido la tienda durante mucho tiempo, y se convirtió gradualmente en el único lugar de alquiler en la ciudad, ganando atención a través de su compromiso al asegurarse de que las solicitudes de los clientes estén al día, además de los martes comprar y tener los estrenos en DVD y Blu-ray que salen para su tienda. También ha hecho una empresa familiar de toda la situación, poniendo a sus hijos y suegros como empleados a través de los años. Harding es la estrella de The Last Blockbuster, y el director Taylor Morden nos presenta lo más posible, centrándose en una crisis mientras se espera pacientemente para aprender el destino de la última tienda de Blockbuster.

Cómo pasaste tus noches de viernes como adolescente? Para muchos, salir con amigos y beber cerveza barata marcaba el comienzo del fin de semana. Pero para mí, era el viaje por la noche del viernes al Blockbuster Video local que anunciaba el inicio de mis dos días de libertad. Allí, en su seguridad y calidez, pasaría horas buscando a través de los anaqueles en busca de gemas ocultas para ver en mi habitación o en la sala de mi casa. Por supuesto, Blockbuster se ha ido durante mucho tiempo aquí en Puerto Rico, pero una tienda aún sobrevive en Estados Unidos. Este encantador documental nos lleva de vuelta a los días de los alquileres de video mientras muestra el poder de la lucha de una mujer para aferrarse al pasado, y redefinir el futuro. Pero, puede el negocio de alquiler de video realmente sobrevivir a un nuevo mundo de entretenimiento de acceso instantáneo? La respuesta a esa pregunta puede estar dentro de nuestro amor por la nostalgia, y los sentimientos de seguridad que creó.

Ese límite de nostalgia se pone a prueba en este documental, que le pide a la audiencia recordar con cariño los días de gloria de un imperio de alquiler de video. Para el director Taylor Morden, la oportunidad de entender la forma en que Blockbuster Video era irresistible, se basa en buscar y comprender el auge y la caída de la compañía y sus propietarios de corporaciones, también trazando los extraños días del establecimiento titular, ubicado en Bend, Oregon. Morden mezcla periodismo con recuerdos en este documental, y no está especialmente hábil para equilibrar los dos lados de esas características. La mayoría es bastante convincente, ya que se escuchan estos recuerdos por parte de una larga lista de entrevistados, que comparten sus experiencias como empleados y clientes, llegando al corazón de una experiencia social casi muerta.

El documental está ordenado de una manera muy extraña. La apertura nos muestra la experiencia de Harding como propietaria de una tienda, para luego darnos la evolución de Blockbuster, que comenzó su vida como una idea de obtener las mejores tiendas de alquiler de videos administadas por madres y padres. Se recuerda la historia de los alquileres de películas, el explorar las alegrías simples de visitar una tienda para recolectar títulos especiales por unas pocas noches, y la emoción de traer esas principales ofertas de Hollywood al hogar. Las tiendas independientes crearon una industria, pero Blockbuster se convirtió en una máquina, y con la ayuda de sus ingresos, y compartiendo ofertas con los estudios, les permitió tener múltiples copias de las principales películas. Además, el negarse a agregar películas de clasificación X los convirtió en un destino 100% familiar.

Con la popularidad, vinieron las ganancias, y con las ganancias, vino la propiedad corporativa, lo que convirtió a Blockbuster en el mayor negocio de alquiler en el mundo, conduciendo a la competencia fuera de negocio. Sin embargo, Blockbuster finalmente se declaró en bancarrota, con Morden conteniendo la razón real (no fue la competencia de Netflix, como muchos creen), y prometiendo revelar esa información mucho más tarde. La experiencia empresarial de Blockbuster no ocupa mucho espacio aquí, con Morden acelerando a través de los altibajos de la compañía en la primera mitad. El golpe financiero en la apertura del documental se comparte muy temprano, robandolo de un misterio a seguir, ya que viertes tu interés a través de años de malas decisiones, un liderazgo débil y una industria que cambia rápidamente. En su lugar, el lado comercial de Blockbuster se envuelve rápidamente, pero Morden parece estar más interesado en los olores de las tiendas, su primer tema después una gran lección de historia.

Tal vez algunos espectadores apreciarán unos minutos de tiempo dedicados al olor de las tiendas, pero el documental no regresa al mundo salvaje de las malas decisiones corporativas, sino que cambia de nuevo a Harding y su vida diaria, que involucra las operaciones de la tienda, incluido el tiempo en busca de piezas para reparar el sistema obsoleto de las computadoras. Las personas entrevistadas son muy interesantes, incluidos los comediantes Doug Benson, Brian Posehn y Ron Forches. El director Kevin Smith tiene mucho que compartir, y el actor Paul Scheer proporciona anécdotas divertidas de su tiempo como empleado de Blockbuster Video. Varios personajes importantes de la industria también ayudan a iluminar las decisiones que tomaron lugar en la sala de juntas, y el dueño/creador de Troma Entertainment, Lloyd Kaufman, ofrece una visión discrepante de la compañía, maldiciendo la corporatización de la industria del alquiler de video. Eventualmente todo se vuelve muy suave, poniendo todo lo que resta del documental en Harding y su tienda (que se ha convertido en una atracción turística, convirtiendo a la propietaria en una estrella), y poniendo las cajas de VHS desgastadas en las manos de celebridades para el máximo placer, reproduciendo el romance que hubo con Blockbuster Video.

En general, para mí, y muchos otros, que crecieron en las tiendas de alquiler de video de los años 80 y 90, esto fue nuestra iglesia. Se visitaba semanalmente, se pasaban largas horas buscando películas, haciendo nuevos amigos y discutiendo los últimos estrenos en gran profundidad. Blockbuster fue el gigante supremo del alquiler de video, y dominó durante años. Y luego, a principios del 2010, se fue por siempre, víctima de malas decisiones y falta de fondos. Bueno, casi. Siendo la última tienda en Bend, Oregon, y el último bastión de la marca amarilla y azul, el documental es un viaje de nostalgia encantador, aunque poco profundo y superficial a los tiempos pasados. Probablemente no sea para todo el mundo, excepto para aquellos (como yo) que guardan gratos recuerdos de esos días de alquiler de video. Al final, The Last Blockbuster da a aquellos que dedicaron una parte temprana de sus vidas al negocio de alquilar videos la oportunidad de reconectar con un viejo y querido amigo, ya que se nos presentan varios recuerdos desvanecidos de la tienda, incluyendo los estantes de "staff picks”, los stickers de “be kind, rewind” en las cajas de los VHS y, por supuesto, la amenaza de los temidos recargos. Las tiendas de video son (eran?) un conducto social insustituible. Sin duda fueron responsables de dar forma a mi amor por el cine, y este es un documental hecho cariñosamente, incluso si a veces es un poco demasiado cursi con sus chistes y su edición muy suelta. Altamente recomendado!

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: More Than Miyagi: The Pat Morita Story

More Than Miyagi: The Pat Morita Story muestra a Pat Morita en toda su alegría, encanto y felicidad, pero también muestra los dolores para detallar su dura historia de infancia y crianza. Desde sus inicios como comediante de stand-up, y teniendo de manager a la madre de Lenny Bruce, Morita se convirtió en un actor establecido en la televisión estadounidense. Como Ah Chew en Sanford And Son o como Arnold Takahashi en Happy Days, Morita era un intérprete asiático americano muy querido, y único en ese momento al ser tan visible, prominente y generar dinero. Pero Morita también tenía sus demonios y luchas personales a pesar de que no las mostraba. En su mayoría, todos fueron gracias a la bebida, y en última instancia también sería su mayor enemigo.

Si crecieron en la década de 1980, probablemente tenían un lugar especial en sus corazones para Pat Morita. No solo lo conocieron como el Sr. Miyagi, el amable y sabio maestro de karate de la saga de Karate Kid, sino también como Arnold, el loco propietario de Arnold's en Happy Days. Pero como este nuevo documental revela (o más bien recuerda), Pat Morita era más que Nariyoshi Miyagi. En agosto del año pasado, un amigo me preguntó si había visto Cobra Kai, ahora transmitiendose por Netflix, porque me dijo que era increíble. La había estado evitando porque... no quería ver una secuela cursi hecha para la TV de una película de los años 80? Pero él insistió en que intentara verla. Bueno, tengo que admitir que me encantó porque representó exactamente los personajes caricaturescos de los años 80 y en que se habían convertido si hubieran sido personas de la vida real.

Daniel LaRusso se convirtió en un exitoso distribuidor de automóviles que "pateó" la competencia. Mientras tanto, Johnny Lawrence es un perdedor que esta tratando de recuperar parte de la gloria de sus días de escuela secundaria. Lo único que faltó fue Mr. Miyagi. Pat Morita, quien interpretó a Nariyoshi Miyagi en las películas originales de Karate Kid, falleció en el 2005 a la edad de 73 años. Pero su legado vive. Daniel tiene un pequeño santuario dedicado a su antiguo mentor e incluso visita su tumba. Mientras veía Cobra Kai, recuerdo haber pensado que espero que su personaje estuviera obteniendo regalías por la prominencia que le dieron a su personaje. Después de ver este documental, entendí que la reverencia que tenía el elenco hacia Pat Morita era muy similar a lo que los personajes sentían hacia Mr. Miyagi.

Aprendemos que Noriyuki 'Pat' Morita nació en California en 1932 de padres inmigrantes japoneses. Pasó gran parte de su niñez separado de su familia debido a tuberculosis espinal, que lo limitó a un hospital por la mayor parte de su infancia, solo para reunirse con ellos en un campo de internamiento japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque tuvo ambiciones de una vida mejor, la situación financiera de su familia lo mantuvo asistiendo a la universidad y trabajando en el restaurante familiar, incluso después de que su padre fue asesinado trágicamente. En el camino, se casó dos veces y tuvo tres hijas mientras intentaba escapar de las obligaciones de su vida. A través de una reunión casual con la madre de Lenny Bruce, hizo su marca en la escena de la comedia de stand-up dándose a conocer como "The Hip Nip".

La comedia fue el escape que necesitó, y se convirtió en parte de su arsenal personal y profesional mientras se dirigía a la pequeña pantalla en Sanford And Son y luego Happy Days. Fue una estrella al instante y continuó apareciendo en papeles de comedia. Eso es casi lo que le cuesta el papel más importante y dramático de su carrera, como Nariyoshi Miyagi, el hombre de mantenimiento sabio y querido que llegamos a conocer como Mr. Miyagi. Por su fondo de comedia por poco pierde el papel, pero finalmente lo obtuvo y terminó ganando una nominación al premio Oscar por mejor actor de apoyo.

Esa es la mayor parte de la historia que probablemente las audiencias ya conocen. El resto es donde aprendemos quién fue realmente Pat Morita. Aprendemos sobre su frustración al ser lanzado como un estereotipo asiático. Aprendemos sobre su difícil visita al campo de internamiento donde vivió con sus padres. En resumen, aprendemos sobre los muchos demonios que lo persiguieron a lo largo de su vida. Su tercera esposa, Evelyn Guerrero, pasa gran parte del documental, junto con amigos, celebridades y colegas, compartiendo lo que hizo que Pat Morita fuera único, divertido y amable en una ciudad que puede ser desafiante. Pero ella también comparte la larga y difícil lucha de Morita con el alcoholismo. Es una historia muy personal y casi se siente intrusiva a veces, pero todo es contado con la bendición de Morita con la esperanza de que otros puedan aprender de las elecciones que hizo.

En general, las celebridades a menudo se recuerdan como las personas que aparecen en la pantalla. Este documental es un recordatorio conmovedor de que cada persona es un ser humano con triunfos y luchas, y con altas y bajas. Y también es un recordatorio de que podemos dejar un legado que nos supere a nosotros. Al final, More Than Miyagi: The Pat Morita Story es un sólido documental sobre un pionero del entretenimiento asiático-estadounidense. Hay tanto pietaje de Pat Morita aquí que comprueba lo convincente que era como artista. No siendo tanto un activista como un sobreviviente siempre buscó ser gracioso primero, sin embargo Morita encontró formas increíbles, estructuras, y casos de racismo a lo largo de su vida y su carrera. Esto también es una mirada conmovedora a un hombre que hizo lo mejor con su talento a pesar de un comienzo difícil en la vida. Como la mayoría de los comediantes, su risa cubrió mucho dolor, y es evidente que Morita tuvo muchos demonios que lo atormentaron a lo largo de su vida.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Zack Snyder's Justice League

Superman (Henry Cavill) está muerto, exponiendo a la Tierra a fuerzas malignas, y inspirando el surgimiento de Steppenwolf (voz de Ciaran Hinds), una criatura imponente y similar a un Dios que está decidido a usar el poder inimaginable de tres cajas madre para reclamar la Tierra en el nombre de Darkseid. Con las cajas madre escondidas en diferentes partes del mundo Bruce Wayne/Batman (Ben Affleck) y Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot) deciden crear una unidad de héroes para luchar contra el malvado Steppenwolf. Reclutando a Barry Allen/Flash (Ezra Miller), Arthur Curry/Aquaman (Jason Momoa), y Victor Stone/Cyborg (Ray Fisher), tienen la esperanza de proteger a los inocentes del daño y de la destrucción del planeta. Decididos a encontrar las cajas madre, los héroes se encuentran con la brutalidad de Steppenwolf, con la criatura utilizando toda su fuerza para destruir la recién formada Liga de la Justicia y erradicar la humanidad.

No sé si esto va a ser más una crítica o adulación. Probablemente un poco más de lo último. Al entrar en Zack Snyder's Justice League, mi posición era que esta visión iba a ser lo mismo que la versión anterior con par de escenas adicionales. Para ser honestos, la versión Frankenstein de Josh Whedon del 2017 (con escenas dirigidas por Snyder), fue perfectamente buena. Así que no tomó mucho para darle rienda suelta a Zack Snyder, y $70 millones, para armar la visión que siempre quiso presentar para ganarme como espectador. La gran sorpresa es que esta versión de Justice League es (por mucho) mejor que la anterior. Lo que me deja con una pregunta para los ejecutivos de Warner Bros: Cómo es posible no hacer de esto canon dentro del DCEU y la única versión de esta película que realmente importa?

Mientras que una buena parte de la película se sentirá muy familiar, las diferencias son enormes. Estamos hablando de más de 2 horas de escenas adicionales que Snyder ha vuelto a poner y montar, junto con algunas nuevas escenas añadidas. Pero no todas esas escenas son momentos de acción excesiva y destrucción de la forma en que estamos acostumbrados a ver por parte de Snyder. Esto es un contexto crucial y una historia de fondo que faltaba, incluso para el villano principal, Steppenwolf, que se transforma de una creación CGI un poco deficiente a un personaje completamente realizado y uno de los mejores villanos, si no el mejor, del DCEU.

En términos de la trama, sigue siendo en gran medida la misma película que la anterior. Steppenwolf está en la Tierra para encontrar las tres cajas madre, objetos poderosos que básicamente pueden remodelar todo el universo. Los necesita para su amo, Darkseid, el gobernante de Apokolips y destructor de miles de mundos. Batman ha visto todo esto, y junto con Wonder Woman se ha propuesto armar un equipo de héroes que puedan enfrentarse a la invasión, y cumplir la promesa hecha a Superman cuando pereció en Batman V Superman (2016).

Realmente no puedo enfatizar lo épica que se siente esta Justice League, y con eso también me refiero a su tiempo de duración (4 horas y 2 minutos). Si bien nunca se vuelve aburrida o realmente se arrastra en ningún momento, también está claro que presentar esto en HBO Max como una miniserie hubiera sido la forma más inteligente. Aproximadamente, las primeras dos horas de la película son como Bruce Wayne y Diana Prince intentan juntar su equipo, reclutando al solitario rey de Atlantis Arthur Curry/Aquaman, al torpe y rápido Barry Allen/Flash, y al problemático hombre máquina Victor Stone/Cyborg. Seis capítulos y un epílogo se alinean perfectamente donde cada episodio debería haber terminado, según correspondía. No estoy seguro de por qué se cambió la decisión de mantenerla como una película completa, quizás sea para una transición más fácil a los cines en una fecha posterior.

De todo lo nuevo, son Flash y Cyborg los que brillan, ya que esta versión les da a sus personajes más historia que explica mucho sobre ellos. El humor de Barry Allen realmente sobresale aquí, y lo más loco es que la película de Whedon fue editada de tal manera que enfatizara su sentido de humor, ya que el corte de Snyder se consideró demasiado sombrío. También, y finalmente, obtenemos el tan esperado momento donde Flash rescata a su futuro amor, Iris West, todo envuelto alrededor de su intento de conseguir un trabajo para guardar suficiente dinero para sacar a su padre de prisión por asesinato. La historia completa de Barry es muy divertida. Es tan torpe que sus éxitos, como un increíble momento que salva el día en la batalla final, realmente son logros para él.

He leído que Snyder dijo que el desempeño de Ray Fisher como Cyborg es el corazón de Justice League, y no está equivocado. Gran parte de su historia fue dejada fuera por Whedon, y considerando todo lo que he leído sobre sus problemas en el set me deja pensando si es un golpe deliberado contra el actor. La razón por la que me quedo con ese pensamiento es porque el viaje de Cyborg ofrece gran parte de la riqueza emocional de la película. Una estrella de fútbol que pierde no solo a su madre sino su humanidad después de un trágico accidente, Cyborg se transforma en alguien que literalmente puede conectarse a cualquier tecnología en el mundo. Pero el problema más grande para él es conectar con las personas, y encontrar un nuevo propósito como héroe, protegiendo a un mundo al que ya había renunciado. Es un viaje que ya hemos visto de los otros héroes, pero con Cyborg podemos verlo paso a paso.

Pensé que el manejo de Superman en la película anterior fue un poco descuidada, y no solo estoy hablando de toda la debacle del bigote. Su regreso a la vida no logró resonar porque se sintió muy apresurada en una historia en la que Joss Whedon no tenía ninguna inversión en mostrar. Pero aquí, la llegada de Superman en su traje negro, tiene un propósito real en establecer al hombre de acero como símbolo de esperanza en la hora más oscura del planeta. La relación entre las dos mujeres más importantes en la vida de Superman es más profunda, Martha Kent y Lois Lane, así como la importancia de las lecciones aprendidas de los dos hombres que lo formaron, Zor-El y Jonathan Kent. No solo vemos eso, sino la lucha entre un renacimiento, un Superman con amnesia contra la Liga de la Justicia que es absolutamente espectacular de ver, y la pista de un futuro oscuro que Snyder estaba creando que es poco probable que veamos. Esta versión establece a Superman como una fuerza imparable, incluso contra un frente unido de superhéroes.

Si bien es un poco decepcionante que nunca podemos ver a Darkseid en acción, al menos Snyder ha trabajado maravillas en mejorar a Steppenwolf. No solo recibe un nuevo traje blindado y una actualización visual, sino que también tiene una motivación de reivindicarse frente a los ojos de su maestro. Su cruzada en realidad tiene justificación, y no solo un deseo de ver el planeta en ruinas. Naturalmente, este es Zack Snyder, y no puede evitar sobrecargar las cosas aquí. Hay apariciones de otros superhéroes que ha prometido durante mucho tiempo, como Green Lantern y Martian Manhunter, con alusiones a muchos otros. Jared Leto regresa como el Joker en una secuencia de Knightmare que es muy confusa. No estoy seguro de por qué el príncipe payaso del crimen necesitaba estar aquí.

La realidad de todo es que incluso cuando Snyder sobrecarga las cosas, simplemente está entregando su amor por estos personajes y la historia que está contando. Es un fanboy en todos los sentidos de la palabra, y definitivamente eso es un arma de doble filo. Todo lo que hace Snyder es espectacular desde el punto de vista de los fans, pero para un espectador común muchas cosas no tendrán sentido. Snyder solo puede ver las cosas como un fanático y como alguien que está inmerso en ese mundo, y me incluyo. La pasión de Snyder es tan infecciosa que solo quieres ir en este viaje con él, con todas sus altas y bajas. La Justice League de Whedon inspiró un poco de ese tipo de lealtad, incluso de sus detractores. Esta versión de Zack Snyder no es solo es superior, sino que es genial por sus propios méritos y hace que el DCEU sea más fuerte. Mientras Snyder nos ha dicho que no hay planes para continuar con su "Snyderverse", algo me dice que esto no ha terminado. Y los fanáticos no permitirán que esto sea el final.

En general, esto es un animal completamente diferente. Y no es solo un poco ni unas escenas extendidas. Es una película completamente diferente que comparte la misma trama básica pero es salvajemente divergente en términos de caracterización, elaboración de escenas, acción, historia, visuales, ritmo, música y el impacto de la clasificación R. Para ser honesto, la versión de Josh Whedon se siente como un vistazo a una atracción futura extendida en pre-postproducción mal editada en comparación con esto, y es probable que nunca haya habido nada tan asombrosamente diferente en la historia del cine. La película también está formateada para los televisores en un open matte de 1.33: 1 e IMAX de 1.43: 1, que es una opción audaz por parte de Snyder, pero absolutamente impresionante en su realización. Claro, muchos gritarán cuando vean las barras negras en los lados de sus televisores (secuencias clave perderán imágenes complejas de la parte superior e inferior de la pantalla), pero aún así vale la pena verla. Al final, Zack Snyder's Justice League es una historia muy fundamentada en los comics, los alienígenas, y los superhéroes. Pero la diferencia es que tiene un enfoque en el amor. El amor de un padre, una madre, un hijo y una hija. Es el tipo de narración que hace que las películas de superhéroes trasciendan la acción habitual sin sentido. También es lo que hace que las películas de Zack Snyder sean tan atractivas, independientemente del género, y es un excelente ejemplo de cuando los cineastas se arriesgan a probar cosas diferentes y dejan su propia huella en su trabajo con grandes y audaces elecciones.

Puntuación: 5 alcapurrias.