Review: Lady Bird

Es el año 2002, y Christine, también conocida como Lady Bird (Saoirse Ronan), es estudiante de último año en una escuela católica privada con una familia de bajos ingresos que lucha por encontrar su lugar entre los estudiantes ricos con la ayuda de su mejor amiga, Julie (Beanie Feldstein). Mientras está en términos amistosos con su padre, Larry (Tracy Letts), Lady Bird tiene una relación más complicada con su madre, Marion (Laurie Metcalf), una empleada de hospital con exceso de trabajo que hace todo lo posible para brindarle a su hija un futuro brillante, al punto que la resiente en el proceso. A medida que avanza el año escolar, Lady Bird encuentra un novio en Danny (Lucas Hedges), participa en dramas escolares y persigue a una chica popular, Jenna (Odeya Rush), para una amistad, descubriendo su personalidad mientras anhela experiencias adultas. Desafortunadamente, las decisiones tienen consecuencias, manteniendo a Lady Bird ansiosa mientras navega por cuestiones educativas y demandas sociales, aferrándose a la esperanza de que la vida comenzará en el momento en que deje su ciudad natal de Sacramento.

Lady Bird es una pieza centrada en una estudiante de último año de secundaria de California y su historia de llegada a la universidad. Con fuertes influencias de Rushmore (aparentemente), este drama cómico y memorable destaca a la actriz Saoirse Ronan. El brillante drama y humor emocional genuino de la película es asombrosamente suave con una estructura sólida en todas partes. Prácticamente todo funciona, desde el diálogo extravagante y realista hasta los personajes, y la progresión y el cambio de nuestra heroína a lo largo de la historia. A la mayoría le parecerá que el guión es refrescantemente original, salvo algunas bromas que no encajan bien con los personajes en sí.

Esta es también una película increíblemente bien actuada con actuaciones destacadas de Saoirse Ronan, Lucas Hedges y Laurie Metcalf. La magia detrás de sus actuaciones es que parece que no es una actuación en lo absoluto. Las emociones realistas y genuinas sacan el lado más humanista de estos personajes y cada uno va más allá de lo que se requiere de ellos. Pero... hay algunos aspectos negativos, como la sorprendente falta de conflicto externo. Lastimó un poco la historia. Siendo más un estudio de personajes, Lady Bird se enfoca en el viaje de la heroína internamente, pero si hubiera más conflictos externos disponibles para impulsarla a crecer aún más, podría haber fortalecido la ya buena recompensa por el clímax del personaje. Sacrificar estos dispositivos argumentales por realismo es un movimiento audaz y tiene sus ventajas, pero en el caso de Lady Bird, se siente como un potencial perdido.

Además, la película toca un territorio demasiado familiar, pero la directora Greta Gerwig presenta la torpeza de la adolescencia y ese desequilibrio hormonal que significa inocencia y autoimportancia. Ella presenta el primer amor (y ese primer beso), los problemas de la rebeldía adolescente y la presión de grupo. El factor de previsibilidad sigue ahí, y algunas escenas son un poco largas, pero también hay algunos eventos sorprendentes añadidos al drama sobre la lucha económica de la clase trabajadora que son bastante reveladores e inusuales para este tipo de género.

En general, esperaba algo más gracias a lo que he leído y visto de lo "relacionable" que es la película. Tal vez porque toca la sexualidad adolescente desde una perspectiva femenina es la razón por la que ha recibido tantas críticas "realistas". Al final, Lady Bird no es diferente de otras películas que tocan el tema del paso de la adolescencia a la adultez, con la excepción de los diálogos. Es una película bien hecha, bien actuada y creíble, pero lamentablemente es lenta y aburrida en muchas partes y no merece todos los elogios que ha recibido. No es mala, es buena, pero tampoco es grandiosa.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Thelma

Thelma (Eili Harboe) es una joven que asiste a la universidad en Oslo, y vive sola después de una severa educación gracias a sus padres, Trond (Henrik Rafaelsen) y Unni (Ellen Dorrit Petersen), que está en una silla de ruedas. Tímida por razones que no se entienden de inmediato, Thelma tiene problemas para hacer amigos, solo encuentra una conexión con Anja (Okay Kaya), una estudiante extrovertida que tiene un interés especial en las personas solitarias. Justo cuando Thelma comienza a hacer algo de su tiempo en la universidad, de repente le llegan ataques violentos, posiblemente epilepsia. Sin embargo, los médicos están desconcertados por este desarrollo, y no encuentran nada precisamente malo con la adolescente. Thelma, comenzando a reconocer el desarrollo de poderes que destruyeron la pureza de su niñez, encuentra atracción por Anja, pero la confusión del momento solo empeora las cosas, creando una fuerza destructiva que no puede controlar.

Thelma es una película de drama/misterio/romance/suspenso de Noruega y dirigida por Joachim Trier. La película sigue a una joven que comienza a enamorarse de otra mujer y pronto descubre que tiene poderes misteriosos. Imagínense una película que es en parte Carrie y en parte The Exorcist combinada con una historia de amor lésbica (sé que suena un poco confuso), pero también es original en muchos aspectos. El trabajo de cámara es muy hábil durante la mayoría de la película y es agradable a la vista. A veces, los segmentos de la cámara de mano pueden ser una distracción, especialmente cuando uno se acostumbra a las tomas nítidas y constantes, y luego se pasa a algunas escenas un poco temblorosas. Sin embargo, esto no arruina la experiencia. Visualmente, esta película está muy bien hecha.

La actuación principal es otro elemento que sobresale en la película. Eili Harboe como Thelma es absolutamente magnífica. Ella comanda la pantalla cuando tiene que hacerlo. La película no depende demasiado del diálogo, por lo que a lo largo de muchas de las escenas más importantes, Eili debe conjurar alguna emoción seria y lo hace con facilidad. La lucha interna de su personaje se comunica de manera experta a través de su desempeño físicamente cautivador. Todos los actores y actrices de apoyo también hacen un buen trabajo, pero claramente, Eili Harboe se roba el show aquí. La película no sería tan buena como lo es si su actuación no fuera tan buena como lo fue.

El personaje de Thelma atraviesa una seria batalla interna consigo misma cuando se trata de su propia sexualidad y sus creencias religiosas que básicamente son forzadas por su familia. Este conflicto se captura bellamente en la pantalla de una manera muy visual. Algunos directores olvidan que la película es principalmente una forma de arte visual, pero Joachim Trier entiende esto sin lugar a dudas. Su uso de imágenes para comunicar conflictos es brillante y artístico. El único defecto que puedo mencionar sobre esta película es el acto final. Parece que va en la dirección correcta y luego se sumerge repentinamente en una conclusión extraña y confusa.

En general, es una película inusual, oscura, en parte espeluznante y sorprendente. La película es difícil de ubicar en una categoría, se mueve entre un drama, un thriller y tiene elementos de una película de terror. Esta es la fuerza de la película y la hace una sorpresa. Al final, Thelma es una historia lenta de amor sobrenatural que trata sobre ser introvertido, la religión, la represión sexual y la tendencia a temer y controlar lo que no podemos entender. Aunque la trama pueda parecer muy simple al principio, dice mucho sin ser muy obvia. Es una historia alegórica contra el mundo cruel creado por la sociedad patriarcal y la cristiana.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: I, Tonya

Siendo una niña nacida para convertirse en una estrella del patinaje artístico, Tonya Harding (Margot Robbie) anhelaba la dominación deportiva desde que tenía cuatro años. Criada por su abusiva y dominante madre, LaVona (Allison Janney), Tonya estaba decidida a alcanzar el estrellato en el patinaje con sus habilidades en el hielo que superaron fácilmente a la competencia. Careciendo de habilidades sociales y una educación adecuada, Tonya permanece obsesionada con su sueño, incluso mientras LaVona ofrece puro desprecio por su hija, y pronto se encuentra bajo el hechizo de Jeff Gillooly (Sebastian Stan). Al encontrarse en otra relación violenta con Jeff, Tonya trata de mantener sus ojos en el premio, entrenando para convertirse en una contendiente olímpica, encontrando a rivales como Nancy Kerrigan (Caitlin Carver) en su camino. Frustrada por su incapacidad para encantar a los jueces y encajar con la multitud, Tonya lucha con decepción profesional mientras Jeff, junto con su amigo Shawn Eckhardt (Paul Walter Hauser), preparan algo más drástico para ayudarla en su camino hacia la gloria olímpica.

I, Tonya es una película biográfica de la patinadora famosa y deshonrada Tonya Harding. Tonya fue empujada a la pista por su madre abusiva a una edad muy temprana y, a pesar del abuso, se convierte en una patinadora sobre hielo con mucho talento. El ciclo de abuso continúa con su abusivo esposo, pero ella intenta sobrevivir y tener éxito. Todos parecen estar en contra de ella, pero su talento es difícil de negar. La película también aborda el famoso ataque contra la patinadora Nancy Kerrigan y lo sucedido después del incidente. Algunos se preguntarán por qué se hizo la película, en cierta manera ayuda a uno a identificarse con Tonya. Ella sufrió abuso físico y psicológico por parte de su mal hablada madre y su marido. Puede que sus manos no estén del todo limpias con lo que le sucede a Nancy Kerrigan, pero también es una víctima de las circunstancias. Era una joven muy talentosa, pero a punto de alcanzar la cima del deporte sobre hielo, todo se esfumó debido a factores externos, su imagen y su actitud.

La película es contada desde una perspectiva de "mockumentary" como si los personajes clave estuvieran siendo entrevistados. La película también utiliza la ruptura de la cuarta pared donde los personajes durante ciertas escenas hablan con la audiencia. Pensé que esto fue interesante y se separa de ser una película biográfica estándar y le da una profundidad de comedia real. El soundtrack es asombroso (lleno de mucho rock de los años 70 y 80) y, literalmente, la dirección en esta película es fantástica de principio a fin. El director Craig Gillespie ha hecho un trabajo brillante con esta película, no hay ninguna falla en ella. Él ha logrado capturar la alta intensidad de las escenas de patinaje con tomas lentas de mucha brillantez y en ningún momento la película parece estar fuera de lugar, acelerada o lenta. El guión es simplemente fantástico y contiene uno de los mejores diálogos del año. Es graciosamente divertida a veces y luego pasa a un toque serio basado en la realidad, a pesar de que esa realidad no es una circunstancia normal. Los diálogos de Margot Robbie y Sebastian Stan son geniales, pero de lejos el diálogo que se le da a Allison Janney es simplemente impresionante.

El elenco completo en esta película brilla, sin embargo, me voy a centrar en los tres actores principales. En primer lugar, Margot Robbie. Su actuación es fantástica, es tan buena que rápidamente se supera el hecho de que es ella y se acepta que en realidad es Tonya. Ella personifica al personaje extremadamente bien y deja una impresión eterna, se siente casi simpatía por ella como si ella realmente fuera la víctima en todo lo que ocurre. Luego está Allison Janney. Esta actriz no tiene suficientes papeles grandes, es extremadamente subestimada y merece mucho más elogios. Esta es su mejor actuación sin duda alguna, a pesar de que está interpretando a una persona extremadamente horrible. Junto con el diálogo y sus trajes ridículos, ella es absolutamente brillante en toda la película. Por último, Sebastian Stan, que es fantástico aunque interpreta a un hombre que hace algo terrible, y en cierta manera uno siente una extraña simpatía hacia él porque no quiso que sucediera lo que pasó, bueno, él dice que no, pero eso hay que tomarlo con una pinza.

En general, no esperaba mucho de esta película a pesar de que los trailers parecían prometedores. Esta película sinceramente me sorprendió, es extremadamente buena y tiene una gran capacidad de verse nuevamente. Al final, I, Tonya es una excelente película y graciosa a veces, pero tiene un lado serio, y así debería ser. Es una de las mejores películas del año y definitivamente debería ser considerada para los Oscares.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Kickboxer: Retaliation

Kurt Sloan (Alain Moussi) se encuentra en el mundo de las peleas profesionales de MMA asegurando un triunfo en Las Vegas. Luego es secuestrado y obligado a regresar a Tailandia, donde es arrojado a una prisión infernal por la muerte de Tong Po (Dave Buatista). El mafioso del bajo mundo Thomas Moore (Christopher Lambert) perdió mucho dinero en esa pelea y ahora quiere que Kurt pelee contra una selección de peleadores como forma de castigo. Por supuesto, Sloan se niega a pelear dentro de los muros de la prisión y esto lo lleva a recibir mucho abuso por parte de los guardias y los mismos reclusos. Después de todos los abusos y con la ayuda de otro recluso, Briggs (Mike Tyson) y su mentor, el Maestro Durand (Jean-Claude Van Damme), Kurt pronto descubre que para poder abandonar Tailandia necesita luchar contra un enemigo formidable llamado Mongkut (Hafþór Júlíus Björnsson), que es una bestia de hombre midiendo 6'8" y con un peso de alrededor de 400 libras de músculo sólido.

Kickboxer: Vengeance fue un remake sorprendentemente bueno de la muy querida película de clase B de Jean-Claude Van Damme de 1989. Ahora viene una secuela, Kickboxer: Retaliation, que es un retroceso a otro subgénero de los años 80, las películas de peleas de carcel. De hecho, esta secuela es más similar a In Hell de Van Damme que de la serie Kickboxer. La película sigue la fórmula estándar donde Kurt necesita a su mentor y un nuevo amigo recién encontrado para ayudarlo a prepararse para un combate.

Voy a aclarar una cosa desde ya, Kickboxer: Retaliation simplemente funciona por una simple razón: se obtiene exactamente lo que se espera ver. La película tiene una duración de 1 hora y 50 minutos, hay muchas peleas, uno espera que Mike Tyson pelee en la película y por supuesto lo hace, también se obtiene a Van Damme con algunas de sus clásicas patadas, se obtiene una muy buena, larga (alrededor de 25 minutos) y brutal escena de lucha al final entre Alain Mouissi y Hafþór Júlíus Björnsson, incluso se ve a Van Damme luchar contra Mike Tyson y Christopher Lambert.

Como un "deleite", aparte de Tyson, la película incluye al hijo de Van Damme, Nicolas Van Varenberg y al jugador de fútbol Ronaldinho. El campeón de peso pesado de la MMA Roy Nelson también aparece en una escena de lucha. También aparecen algunas leyendas de MMA como Wanderlei, Frankie Edgar y "Shogun" Rua para darle un toque de autenticidad adicional a la película. Hafþór Júlíus Björnsson, el hombre fuerte de Islandia, conocido por su papel de The Mountain en Game Of Thrones, está en una liga propia. Fácilmente es uno de los villanos de pelea más mortales que he visto en los últimos años en este tipo de películas. Christopher Lambert es genial como un loco promotor de luchas, y cada vez que decia "luchar hasta la muerte", uno casi espera que salga gritando "Mortal Kombat". El personaje de Van Damme es divertido, aunque no está presente en gran parte de la película.

En cuanto a los defectos, la edición y los saltos entre escenas a veces se ven descuidados, como si la película fuera cortada a toda prisa. Lo positivo es que solo pasa en las escenas donde no hay peleas. En general, es una buena película pero es tonta en algunas partes y es un poco menos interesante que la anterior que se mantuvo fielmente cerca al material original. Al final, Kickboxer: Retaliation es una película que no supera a su predecesora en casi todos los aspectos, pero vale la pena verla, y más aún si son fanáticos de las películas de artes marciales.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Jumanji: Welcome To The Jungle

Spencer (Alex Wolff) es un chico inteligente que está tratando de entender por qué su amistad con la estrella de fútbol de su escuela secundaria Anthony "Fridge" Johnson (Ser'Darius Blain) se vino abajo hace años. Bethany (Madison Iseman) es una chica presumida que no puede estar lejos de su teléfono por un momento. Y Martha (Morgan Turner) es una adolescente tímida que no encaja con sus compañeros de clase. Cuando se les asigna detención al cuarteto el mismo día, se les obliga a trabajar en el sótano de la escuela, descubriendo un sistema de videojuegos con un título: Jumanji. Al elegir jugar juntos, los jovenes son absorbidos al mundo del videojuego, Spencer se convierte en el Dr. Smolder Bravestone (Dwayne Johnson), Fridge se convierte en Moose Finbar (Kevin Hart), Martha se convierte en Ruby Roundhouse (Karen Gillan) y Bethany se transforma en el profesor Shelly Oberon (Jack Black). Al darse cuenta de que para sobrevivir al juego deben jugarlo, el grupo tiene la tarea de devolver una rara joya a la cima de una montaña en forma de jaguar para salvar a Jumanji, luchando contra entornos extraños, animales salvajes, y John (Bobby Cannavale), un explorador poseído que quiere mantener la joya y sus poderes para sí mismo.

Siendo la secuela del clásico de 1995 protagonizado por Robin Williams, Jumanji: Welcome To The Jungle nunca se acerca a su antecesor, pero a la vez es entretenida con un tema emocionante, un ritmo enérgico y una actuación de Jack Black que se roba la película. La película sigue a cuatro adolescentes que son transportados al mundo del videojuego de Jumanji y, jugando como los personajes que eligen, deben vencer al juego para poder regresar al mundo real. Hubo un ángulo de viaje en el tiempo realmente oscuro con respecto a la historia de la película original y se intenta recrear esto aquí, sin embargo, la primera más bien sacó provecho de esa situación.

La película ofrece risas, pero de una manera bastante inconsistente, principalmente saca mas sonrisas en lugar de hacer a uno reír a carcajadas. Lo particular de esto es que uno se ríe mucho con la situación del cambio de sexo del personaje de Bethany. Todos los personajes tienen fortalezas y debilidades, como en un juego, y esto también entretiene. Pero la mayor parte del humor viene del la premisa de "tres vidas y se acabó el juego", dando la oportunidad de varios fines espeluznantes, a menudo relacionados con las debilidades de cada personaje.

Jumanji: Welcome To The Jungle hace lo mejor que puede en el departamento de actuación, eso es porque no es exactamente de primera clase. Dwayne Johnson interpreta el papel de un hombre que le tiene miedo a casi todo lo que le rodea, un rol completamente opuesto a su imagen típica. Kevin Hart provee algunas risas como el personaje que carga con un bulto. Karen Gillan es sexy y muestra habilidad para un poco de acción, especialmente cuando baila mientras golpea a los hombres malos. Pero es Jack Black quién se roba el espectáculo. Su personaje, una chica en realidad, es una actuación que seguramente causará más risas gracias a su lenguaje corporal femenino, así como su diálogo, y su reacción al tener un órgano sexual masculino. Al los jovenes volver a la realidad, traen seriedad a sus personajes.

Si tuviera que mencionar algunas fallas, serían el villano, interpretado por Bobby Cannavale, quien aparece solo para existir como un antagonista malvado, y el personaje de Nick Jonas fue estúpido y aburrido. Además, la película se estanca en filosofar demasiado sobre los "viajes" de los adolescentes. Esto se establece de una manera tan torpe en las primeras escenas (lentas!) que el guión pudo haber sido mejorado significativamente. Pudo haber sido mucho más divertida, pero la mayor parte del humor proviene de ver visualmente lo que está sucediendo y no del diálogo. Pero quién soy yo para pedir demasiado de una película familiar.

En general, realmente no es ni la mitad de mala de lo que podría haber sido, pero no está remotamente cerca de la grandeza de la primera película. Para su público objetivo, que probablemente sean niños de 8 a 14 años, les encantará. Y, a diferencia de muchas películas navideñas, los padres tampoco estarán aburridos (especialmente los papás). Al final, Jumanji: Welcome To The Jungle es una película de comedia y acción divertida con referencias geniales a la primera película pero, aunque me entretuvo, para mi no es Jumanji. Como Robin Williams dijo "He visto cosas que solo has visto en tus pesadillas", pero en esta película la jungla es lo suficientemente segura como para beber margaritas y tener velas aromatizantes. En última instancia, mantengan bajas sus expectativas y probablemente puedan disfrutar el viaje. Pero 22 años después de la original, les recomiendo encarecidamente que vean la primera antes de que se molesten en ver esta.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Bright

El oficial del LAPD Daryl Ward (Will Smith) está pasando por un momento difícil. Después de recuperarse de un disparo, debe ir a trabajar con un compañero con el que no se siente cómodo. Lo que hace que su compañero Nick Jakoby (Joel Edgerton) sea especial es que él es el único Orco en la fuerza policial. Cuando un grupo de policías conspira para deshacerse de Jakoby debido al odio que le tienen, Ward y su compañero se dan cuenta de que tienen un problema aún mayor en sus manos, ya que en esta sociedad los elfos son los ricos y poderosos. Cuando una elfa particularmente malvada llamada Leillah (Noomi Rapace) pierde su varita mágica mortal, hará cualquier cosa para recuperarla. Incluso perseguir a una elfa asustada llamada Tikka (Lucy Fry) que intentó liberarse de ella. Ward y Jakoby no solo se enfrentarán a sus compañeros oficiales, sino que también deberán lidiar con elfos asesinos y cualquier otra persona que busque obtener el poder de la varita mágica.

En la superficie, Bright es una mezcla interesante entre los géneros del buddy cop y la fantasía. Debajo de esa superficie, hay una alusión que no se trata de criaturas fantásticas en L.A., se trata de la vida del siglo XXI en un mundo multirracial y étnico donde una ciudad cosmopolita como L.A. sirve como un telón creíble de fondo. A diferencia de las sátiras políticas, Bright mantiene la identidad de las razas un poco confusa. Sin embargo, creo que es una mejor opción mantener un elemento de misterio al respecto. Esto le da a uno como espectador diferentes puntos de vista y la oportunidad de ver la narración en los zapatos de otra persona. Hacer que la gente vea el mundo desde la perspectiva de otra persona es el objetivo de las alegorías.

La rica América blanca es representada por los Elfos con su avaricia desenfrenada de dinero y poder. No está del todo claro a quiénes representan los Orcos, podrían ser afroamericanos, podrían ser japoneses, podrían ser de Europa del Este, o probablemente una mezcla de estas minorías étnicas. Dado que la película no sirve para borrar la triste realidad del racismo profundamente arraigado en la mente estadounidense, hay quienes odiarán la película o elegirán ignorarla.

Sin embargo, la película es muy divertida (me encantó cuando Jakoby pone Hammer Smashed Face de Cannibal Corpse en el auto y la llama una gran canción de amor). El comentario social es realmente divertido. Sin revelar ningún punto de la trama, hay una escena donde un hombre blanco, que se identifica como un veterano de guerra, balancea una espada, presumiblemente Excalibur, y grita de victoria en guerras hace mucho tiempo por antepasados ​​que dieron a las minorías (orcos) las libertades y privilegios que disfrutan hoy en día. Oigan, es una película de fantasía, una especie de mezcla entre Lethal Weapon, Training Day, Alien Nation, Lord Of The Rings, Harry Potter y Big Trouble In Little China con mucha acción, cuentos de hadas y un humor que hace que uno quiera ver más.

Con respecto a las actuaciones, Joel Edgerton como Jakoby es fácilmente el personaje que lleva la película. Es gracioso, ingenuo, dulce e incómodo, pero no de una manera que parezca que arrastra la trama. Will Smith interpreta, como era de esperar, a Will Smith. Hay tantas cosas en esta película que se pudieron presentar que me desilusioné un poco de que no hubiera más información de ese mundo. Hubiera querido saber más sobre la historia de Nick y información más específica sobre los elfos, algo que la película pasa por alto. Noomi Rapace fue tan poco utilizada, lo cual es una pena porque podrían haberle dado mucho más para hacer. Aun así, ella se roba todas las escenas en las que se encuentra. Lo único negativo que tengo que decir es que los villanos no están demasiado desarrollados. Se habla mucho de lo poderosos y peligrosos que son y cómo quieren traer al señor oscuro, pero terminan siendo un poco superficiales.

En general, la película en escencia es una aventura de acción, de amistad y de fantasía sobre una extraña pareja de polos opuestos que se odian pero se ven obligados por las circunstancias a trabajar juntos. Pasan juntos por el infierno y descubren su verdadera identidad a través de las acciones del otro cuando se dan cuenta de que, aunque su tiempo juntos no tiene el poder de cambiar al mundo, el mundo no tiene el poder de cambiar la verdad de su tiempo juntos. Al final, Bright es una película increíblemente hecha con muy buenos actores, una historia bien escrita y mucha acción. Definitivamente vale la pena verla.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Limehouse Golem

En 1880 Londres, un asesino anda suelto y con los ciudadanos incapaces de procesar el elusivo mal, lo apodan The Limehouse Golem. Tomando el caso está el inspector de Scotland Yard John Kildare (Bill Nighy), que no quiere el trabajo pero intenta utilizar la investigación para crear su reputación, junto con el policía Flood (Daniel Mays), que conoce la zona y espera con ansias atrapar al asesino en serie con intereses particularmente espeluznantes. Recientemente arrestada es Lizzie (Olivia Cooke), quien posiblemente envenenó a su esposo, John (Sam Reid), y sentándose impacientemente en prisión mientras John la entrevista, cava en lo profundo de su pasado como una niña maltratada y eventual estrella de la escena del salón musical local, ayudada por el legendario artista, Dan Leno (Douglas Booth). Al juntar las pocas pistas que quedan, John comienza a entender el alcance del crimen, tomando las calles para buscar sospechosos, cada vez más seguro de la inocencia de Lizzie.

Situada en las calles implacables de la Londres victoriana de 1880, The Limehouse Golem tiene éxito en proporcionar un misterio intrigante y shocks sombríos. Una palabra de advertencia, esta película es un poco sangrienta y, a veces sorprendentemente brutal. Sin embargo, esto no me pareció de poco valor, aunque tal vez tiene un toque excesivo en la frecuencia con la que sucede, pero la película pretende estar basada en un misterio antes de Jack el Destripador, aunque en la misma línea, pero aún más horripilante y violenta. No es una hazaña fácil teniendo en cuenta que los asesinatos de Jack el Destripador fueron algunos de los más impactantes de la historia (en ese momento nadie había visto algo así). The Limehouse Golem está impecablemente hecha visualmente, los vestuarios y escenarios son evocadores de un ambiente gótico maravillosamente oscuro pero también atractivo. Está bellamente fotografiada también. La música produce escalofríos al transmitir convincentemente la atmósfera del salón de música y la dirección de Juan Carlos Medina es tensa y elegante, mientras proporciona una película inteligente que es rica en suspenso.

Además, la historia es apasionante, diabólicamente inteligente y el elemento macabro es bastante inquetante, atmosféricamente esta película no se detiene. Los niveles de suspenso son altos, al igual que el valor de la atmósfera que es sórdida y interesante. Me encantaron los cameos de figuras históricas de la vida real, el más sorprendente y entretenido fue Karl Marx (no todos los días se ve a Karl Marx como sospechoso de un asesinato) a pesar de su barba ridícula y su acento exagerado. La película tiene muchos giros y vueltas. La mayoría de ellos son increíblemente inesperados y la forma en que todo no es lo que parece es casi aterrador a veces.  Sin embargo, hay otros giros que no están tan bien desarrollados, tan impactantes, o tan importantes, con la excepción del giro final.

Los personajes tienen intriga, especialmente Kildare y Lizzie. Bill Nighy está en muy buena forma aquí. Parece haber sido creado para parecerse a una figura histórica que acaba de saltar de una pintura con un caminar elegante, humor seco y elocuente y una inquisitiva astucia. Olivia Cooke es encantadora y radiante en su papel y Douglas Booth fue sorprendente retratando el personaje de Leno.

En general, es horrible, impactante, llena de suspenso y muy entretenida. Al final, The Limehouse Golem es un buen thriller de terror lleno de cosas extrañas, violencia sangrienta, espectáculos teatrales y obras de teatro, drama policíaco, una buena idea de la forma de vida en la época victoriana de 1880 y profundiza en el horror del ser humano. De lo que es capaz, sus crímenes y su egoísmo.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Snowman

Harry Hole (Michael Fassbender) es un borracho sin esperanza que una vez fue un detective de policía respetado en Oslo, Noruega. Con su superior dispuesto a asignarle ningún caso, Harry mantiene un estado depresivo y autodestructivo, y también trata de permanecer en la vida de Oleg (Michael Yates), el hijo adolescente de su ex novia Rakel (Charlotte Gainsbourg), quien ha seguido adelante, ahora saliendo con el Dr. Mathias (Jonas Karlsson). Katrine (Rebecca Ferguson) es una joven investigadora encargada de aprender más sobre un caso preocupante de personas desaparecidas, que al llegar a Oslo pronto se convierte en una investigación de asesinato que involucra una serie de cuerpos decapitados y la construcción de muñecos de nieve en las escenas del crimen. Harry elige asociarse gradualmente con Katrine en el caso, rastreando los desarrollos de un asesino en serie en un área del mundo que rara vez ve tal violencia, forzado a conquistar sus propios demonios en el proceso.

Por el aspecto del trailer, The Snowman parecía ser una bienvenida a las películas de suspenso que fueron populares en la década de los años 90. Las cosas se veían positivas para esta película, ya que el elenco está formado por grandes actores como Michael Fassbender, Rebecca Ferguson, Charlotte Gainsbourg, Toby Jones, Val Kilmer, J.K. Simmons, Chloë Sevigny y James D'Arcy. El director Tomas Alfredson también ha realizado películas de suspenso aclamadas por la crítica, como por ejemplo Let The Right One In. La lista de talentos adjunta a esta película daría a cualquiera la impresión de que la película sería buena por lo menos. Michael Fassbender interpreta al detective noruego Harry Hole en una adaptación de la novela de Jo Nesbø del mismo nombre. El concepto involucra múltiples desapariciones que ocurren a lo largo de varios años, todas relacionadas con un asesino que deja muñecos de nieve en la escena de cada crimen. Suena como un thriller emocionante, pero me entristece decir que The Snowman es uno de los mayores desastres de este año.

Prácticamente todo sobre esta película no funciona y no lo digo como un comentario pretencioso. Realmente la única cosa que salva esta película es su increíble cinematografía. La mejor manera de abordar los muchos problemas de esta película es comenzando desde el principio. La película comienza con un niño que crecerá hasta convertirse en el asesino de los muñecos de nieve. Vive con su madre y un padre biológico abusivo que golpea a su madre. La madre amenaza con decirle a la esposa del padre que el niño es suyo. Esto lo molesta y dice que nunca volverán a verlo, luego se sube a su auto y se va. Problema resuelto no? Cuando deja a la madre y al niño, ambos lo persiguen en su auto gritando que regrese. Por qué? Mientras veía la película, pensé que esta era una de esas cosas que se explicaría más adelante y que había algo más en ese flashback de apertura. Este es uno de los muchos aspectos confusos de la historia que se lanzan para una revelación que nunca se da. Este aspecto por sí solo hace que la película sea una de las más confusas que he visto en años. Los temas también se introducen al comienzo de la película solo para regresar como mensajes paradójicos que tienen poco sentido. También contiene uno de los finales más estúpidos y decepcionantes en una película.

La historia es básicamente la de quién hizo qué, donde arrojan a un par de personajes de aspecto sospechoso a la mezcla y le toca a uno decidir cuál es. Pudo haber habido al menos algún intento de conectar todos estos personajes sospechosos, pero en su lugar obtenemos una subtrama completamente desarticulada sobre unos personajes involucrados en el sexo clandestino y que implica a la Copa Mundial que no llega a ninguna parte. Ni siquiera se conecta con el asesino en absoluto y nunca se resuelve. Los personajes secundarios son rellenos y tienen muy poca participación en el caso en sí. Presentan el personaje de Harry como si fuera una leyenda, pero él es simplemente otro policía típico en una película. Es casi como si las cosas simplemente les ocurrieran y se les dan todas las pistas. Esto destruye toda la tensión y nunca conseguimos realmente un momento de suspenso. Todos estos problemas hacen que la película se convierta en un desastre, pero lo que más la daña es la edición. No estoy hablando solo de los momentos en los que obviamente hicieron cortes para que la historia se moviera más rápido, sino que la edición de escena a escena los dejará confundidos y preguntandose por qué ciertas escenas no se colocaron antes o después o cómo llegaron los personajes del punto A al punto B. Definitivamente hay escenas que faltan en esta película y creo que es una de las razones por las que ninguno de los temas y subtramas no llegan a nada.

Llegando a las actuaciones, The Snowman no es completamente una decepción. Simplemente se siente un poco frustrante considerando el talento de actores que trabajan en la película. Michael Fassbender es uno de los mejores actores que hay hoy en día, pero incluso él parece agotado de la película y del personaje ya para el final. Aunque no creo que nadie haya hecho una mala actuación, Rebecca Ferguson, Charlotte Gainsbourg, Val Kilmer (que es casi irreconocible y su voz suena como doblada), Toby Jones y J.K. Simmons quedaron un poco inutilizados y me quedé con ganas de ver más desarrollo de sus personajes.

En general, es un hermoso desastre que contiene algunos de los mejores talentos de hoy en día para lanzarlos a una de las catástrofes cinematográficas más prometedoras y terminar con un final sumamente insatisfactorio. Al final, The Snowman es una película extremadamente lenta y irritante, convirtiendola así en una de las mayores decepciones que he visto este año. No se la recomendaría a nadie a menos que la quieran ver por lo mala que es.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Star Wars: The Last Jedi

La Primera Orden se ha apoderado de la galaxia bajo el liderazgo del Líder Supremo Snoke (Andy Serkis), que utiliza a sus generales, Hux (Domhnall Gleeson) y Kylo Ren (Adam Driver) para buscar los sistemas en búsqueda de la general Leia (Carrie Fisher) y sus fuerzas de la Resistencia, junto con por Poe Dameron (Oscar Isaac) y acompañado de su droide de confianza BB-8. Rey (Daisy Ridley) está en su propia misión con Chewbacca, llegando a Ahch-To para persuadir a Luke Skywalker (Mark Hamill) para que regrese y ayude a la Resistencia, exigiendo que confronte un serio bagaje emocional con respecto al final de la orden Jedi y el ascenso de Kylo Ren. Luke no está interesado en la pelea, pero acepta ayudar a entrenar a Rey a medida que se acostumbra a su nueva conciencia de la Fuerza. Recién curado de sus heridas de batalla, Finn (John Boyega) está ansioso por proteger a Rey, haciendo un equipo con Rose (Kelly Marie Tran), para infiltrarse en la nave más grande de la Primera Orden y deshabilitar sus sistemas, ofreciendo una oportunidad a la Resistencia para escapar.

La película del medio en una trilogía es, casi siempre, difícil de lograr. Su predecesora introduce personajes, ideas y temas, su sucesora termina la historia y ata los cabos sueltos. A menudo, estas segundas películas incómodan rellenando una historia sin el beneficio de incluir ya sea su primer capítulo o el último. Por un tiempo, parece que el escritor y director Rian Johnson ha sido presa de este mismo síndrome con The Last Jedi. Afortunadamente, él reúne todo en la última hora de la película, disparando una serie de giros narrativos que son tan sorprendentes y espectaculares como cualquier cosa que verán en el cine este año.

The Last Jedi comienza justo donde The Force Awakens terminó. La Primera Orden sigue empeñada en extinguir a la Resistencia, dirigida por la general Leia Organa. Los intentos de evadir las fuerzas militares controladas por el general Hux causan fricción entre los rebeldes, ya que el impulsivo Poe Dameron choca con la vicealmirante y héroe de guerra Amilyn Holdo (Laura Dern). Mientras tanto, Rey trata de sacar al legendario Luke Skywalker de su exilio autoimpuesto, pero lo encuentra quebrantado y amargado después de que su sobrino Ben Solo, es decir Kylo Ren, se convirtiera al Lado Oscuro.

La primera mitad de la película es lo más extraño y potencialmente desagradable sobre The Last Jedi. Gran parte de ella se siente como si hubiera sido cosida de películas diferentes. Puede comenzar como una estimulante ópera intergaláctica espacial, pero se sumerge profundamente en cambiantes estados de ánimo de un drama existencialista antes de aterrizar en medio de una momentánea y extraña comedia. Eso no quiere decir que el director no maneje esto bastante bien ya que hay momentos de alegría, sensibilidad y de heroísmo mientras los personajes hacen la guerra entre las estrellas, y de manera bastante efectiva explora las oscuras profundidades de la desesperación de Luke y la desesperación de Rey por comprender su lugar en el mundo.

No obstante, la película sufre, al menos inicialmente, de una torpe mezcolanza de géneros y tonos. Ademas, esta película habría sido una obra maestra si no fuera por la aventura completamente insignificante que se está obligado a tomar con Finn y Rose. Este desvío no aporta absolutamente nada a la película, ninguna acción o desarrollo de esa historia tiene alguna consecuencia en la trama. El productor debería haber cortado esas esenas por completo, quitándole fácilmente a la película treinta minutos y dejando que sea exactamente lo que es: una historia bien marcada con mucha emotividad y sabiduría adornada con poderosas interpretaciones y efectos visuales deslumbrantes.

Al menos todo se junta maravillosamente cuando la película entra en su magistral tercer acto. De repente, cuando los muchos hilos de la historia se mezclan uno con el otro, la película ruge con una vida conmovedora y escalofriante. Se hacen elecciones y sacrificios, las alianzas se desmoronan frente a la ambición y se da la batalla final. Se dicen los últimos adiós, siendo estos duros y tristes. Si bien es mejor no decir más, basta decir que todos los elementos funcionan. El director Rian Johnson también obtiene excelentes actuaciones de su elenco. El giro crudo y poderoso de Mark Hamill como un Luke atormentado por sus fracasos es fácilmente una de las mejores actuaciones de toda la película. Daisy Ridley se ha asentado con más confianza en la piel de Rey, mientras que Adam Driver continúa agregando sombra y color a lo que fácilmente podría haber sido un antagonista. Juntos, hacen que los momentos que comparten en pantalla sean extraños y hasta cierto punto insoportablemente tensos y creíbles. Hay, por supuesto, una nube de tristeza agridulce que se extiende a través de The Last Jedi, ya que es la última película protagonizada por Carrie Fisher como la icónica Leia Organa. En cierta manera no es una despedida para el personaje porque la película deja en duda si Leia va a tomar el centro del escenario en el Episodio IX, así sea en CGI. Pero, por lo que vale (y vale mucho), Fisher le da a Leia lo que siempre ha hecho... una mezcla gloriosa de su propia fuerza inconfundible, luz y humor.

En general, la película puede tomar un poco de tiempo para arrancar, pero la recompensa por aguantar a través de cada minuto con sus giros y vueltas valdrá la pena. Al final, Star Wars: The Last Jedi explora y explota la mitología de Star Wars de manera reverencial y revolucionaria como una película increíble con impresionantes efectos visuales. Los giros en la historia son desgarradores e inesperados. Si les gusta Star Wars veanla, y a juzgar por la reacción general les encantará o la odiarán, pero de todas formas lleguen a sus propias conclusiones y juzguen por ustedes mismos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Flatliners

En el Trinity Emmanuel Hospital, los estudiantes de medicina Courtney (Ellen Page), Ray (Diego Luna), Marlo (Nina Dobrev), Jamie (James Norton) y Sophia (Kiersey Clemons) están atrapados en su educación, sintiendo el calor de la competencia mientras su instructor, el Dr. Barry Wolfson (Kiefer Sutherland), los reta a hacer las cosas mejor. Con la esperanza de ponerse en contacto con la hermana que asesinó en un accidente de auto, Courtney es la autora intelectual de un procedimiento que le permite experimentar la muerte, llegando a la otra vida durante unos minutos para ver qué hay mas allá. Al hablar con sus compañeros para ayudarla en esta odisea hacia lo desconocido, Courtney es asesinada y traída de vuelta con éxito, experimentando un despertar que aumenta sus sentidos. Estimulados por los resultados, los otros médicos deciden someterse también, usando la muerte como una inyección de adrenalina, solo para descubrir que la reanimación es pronto reemplazada por visitas violentas de sus pecados pasados.

La idea de rehacer una película no me gusta en lo absoluto, pero si eso significa que van a tratar de hacer una mejor película de algo que para empezar no era tan impresionante, entonces lo apruebo. Dicho eso, si la película original ya era sólida o decente, tanto para el público como para los críticos, por qué molestarse en rehacerla? Flatliners es una película que se lanzó en 1990, y realmente me gustó a pesar de que el producto en general tiene muchos defectos. No vi el motivo de una nueva versión, pero pude ver el potencial para mejorarla, así que tuve una mente abierta. Tristemente, Flatliners es una de las películas más decepcionantes que he visto en todo el año. Tomar una premisa sólida y darle un giro sobrenatural sin ninguna razón me molestó. Esta es la razón por la cual Flatliners fracasa tanto como una nueva versión y como una pieza original para ser mostrada a una nueva generación.

La premisa de que médicos sean capaces de morir y hacer que vuelvan a la vida para poder tener conversaciones sobre cómo es la muerte y pasar por alucinaciones como un efecto secundario es bastante interesante. Sin embargo, esta película se convierte en un thriller sobrenatural en el momento en que llega a su tercer acto, convirtiéndose en una película muy confusa. Esta versión y su concepto simplemente quita todo lo que fue emocionante o intrigante de la película original. No es para comparar y contrastar, pero la idea de Flatliners definitivamente se beneficia de un enfoque más templado y sutil de las cosas.

Una de las cosas que me molestó es el hecho de que el guión de la película es un desastre que me hace pensar que estos actores/actrices merecían un mejor material, en particular Diego Luna y Ellen Page. En realidad, fueron muy buenos en sus respectivos papeles, logrando algunos momentos emotivos, a pesar de que los diálogos que les dieron fueron bastante flojos. Honestamente, con un mejor guión, un cambio de título y un poco de originalidad, este elenco podría haber funcionado en una película mucho mejor.

Aunque las actuaciones son todas decentes, el hecho de que este elenco fuera un grupo de jóvenes me incomodó. La película original era sobre un grupo de doctores experimentados que tenían una idea clara, y eran mucho más capaces de volver a la vida. Esta vez, se trata de un grupo de estudiantes que tienen el suficiente conocimiento como para poder recuperarse mutuamente. Esta noción por sí sola fue un error porque simplemente se convierte en una historia sobre jóvenes estudiantes ingenuos que se obsesionan con el experimento de alguien. No encontré ningún apego a ninguno de estos personajes y ninguno de ellos realmente tenía una razón para querer morir (con la excepción de uno o dos), lo que no me hizo preocuparme por ninguno de ellos.

En general, esta película se beneficia de un elenco suficientemente fuerte (en su mayor parte) y el concepto en sí es muy interesante, pero todo lo que tienen que hacer es ver la película original para ver cómo se debe hacer. Teniendo un diálogo terrible, un giro de eventos sobrenatural innecesario y un clímax que se convierte en una película de terror, esta película intenta demasiadas cosas nuevas, y francamente falla en casi todas ellas. Al final, la única calidad redimible de Flatliners es la premisa misma de la película, que se ha hecho mejor en el pasado. No puedo recomendar esta película, pero sí recomiendo ver la película original... si aún no la han visto.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 19 De Diciembre De 2017

Mother

Stronger

Dunkirk (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Suspiria - 40th Anniversary Edition (SteelBook limitado a 6,000 copias)

The Lego Ninjago Movie (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Leatherface

Review: Birth Of The Dragon

En 1964, Bruce Lee (Philip Wan-Lung Ng) es un maestro experto y engreído que dirige su propio estudio de artes marciales en el Bay Area de San Francisco. También hace que algunos de sus alumnos aparezcan en crudas películas de Kung Fu que Lee produce, dirige, escribe y protagoniza. Lee es una figura controversial, tanto en California como en Asia, por su énfasis en la enseñanza de "patear traseros" sobre la espiritualidad, por convertir el Kung Fu en entretenimiento y especialmente por enseñar artes marciales a los americanos. Uno de esos estudiantes es Steve McKee (Billy Magnussen). Steve es un estudiante prometedor, pero cada vez tiene más dudas sobre la filosofía de Lee y si Lee puede ayudarlo a alcanzar su potencial. Después de enamorarse de una chica china esclava y cuando un misterioso maestro de Kung Fu llamado Wong Jack Man (Xia Yu) llega a San Francisco, Steve descubre que su lealtad tambalea entre los dos maestros. Wong Jack Man no está de acuerdo con las enseñanzas de Lee y el educar el arte del Kung Fu a los forasteros. Cuando queda claro que una lucha será la única forma de resolver los problemas entre Lee y Wong Jack Man, Steve aprovecha la oportunidad de usar esa lucha para liberar a su novia de la servidumbre.

Basado en el artículo de Michael Dorgan de 1980 titulado Bruce Lee's Toughest Fight, Birth Of The Dragon es un recuento ficticio de la verdadera pelea entre Bruce Lee y Wong Jack Man. La mayor parte de la historia se centra en la preparación de la gran pelea y la creciente tensión entre el enfoque "callejero" de Lee y el enfoque "espiritual" de Wong hacia el Kung Fu. Finalmente, esto lleva a Lee a desafiar a Wong a una lucha que es mas contra el ser interno del personaje y las filosofías de artes marciales, ya que es uno contra el otro. Finalmente, el combate lleva a Lee a reevaluar fundamentalmente su estilo de pelea y lo hace crecer y madurar como persona, como instructor y como el hombre que el mundo conoce hoy en día como Bruce Lee. La película es un tributo tanto a Lee como a Wong, mostrando un gran respeto por el recuerdo de ambos hombres. No toma partido, ni favorece a uno sobre el otro. En cambio, le permite a uno como espectador ver las diferencias entre estos personajes al mismo tiempo que muestra cómo ambos hombres son apasionados por su arte. Pueden ser adversarios en la superficie, pero en el fondo tienen los mismos valores, pasiones, y ambos son buenos hombres con buenas intenciones.

Philip Wan-Lung Ng brillantemente retrata a Bruce Lee, no tratando de imitarlo, sino que le da vida a los sutiles matices de su personaje hablando como el y con sus gestos. Xia Yu aporta dignidad y profundidad a su papel de Wong Jack Man, lo que contrarresta al joven y ambicioso Lee. Inicialmente, son los problemas entre estos dos hombres los que los unen en combate, pero finalmente, las influencias externas de los estudiantes y las fuerzas del bajo mundo en Chinatown los une como aliados en lugar de enemigos. La película usa el personaje de Steve McKee (una versión ficticia del actor Steve McQueen, y estudiante en la vida real de Lee) como un vínculo entre Lee y Wong y un pseudo narrador y impulsor del último acto de la película. McKee se tambien se utiliza como un personaje cómico mientras lucha por comprender la cultura china y las artes marciales. McKee es, en el mejor de los casos, un personaje secundario de Lee y Wong, el hombre que está en la sombra de estos gigantes.

Las secuencias de acción son buenas y coreografiadas por Corey Yuen, un veterano de la industria. Ahora... tiene sus fallas. La película tiene un presupuesto limitado y esto a veces es evidente en las escenografías y el vestuario. Además, al principio me sentí un poco sorprendido y casi decepcionado al ver que se trataba de una producción de la WWE y que tiene una historia de amor entre Steve y una chica china que ocupa una gran parte de la película, lo cual pensé fue innecesaria. En general, puede no ser históricamente precisa, pero es buena, entretenida, reconfortante, graciosa y, de hecho, ofrece algunos mensajes positivos muy importantes en su tiempo de duración de una 1hr 35 minutos. Al final, Birth Of The Dragon es una entretenida pieza de ficción biográfica. Los fanáticos del cine recibirán una historia no muy conocida que revela al menos algunas verdades sobre el ascenso de uno de los artistas marciales más influyentes y más grandes de todos los tiempos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Dementia 13

La matriarca Gloria Haloran (Julia Campanelli) está decidida a poner fin a la maldición de su familia al convertir el castillo familiar en un orfanato, lo que desencadena todo tipo de rivalidad por parte del resto de su familia. Todavía está afligida por la muerte de su hija Kathleen (Leila Grace), la cual se ahogó en un misterioso accidente, e ignora o tiraniza a sus hijos para pasar el tiempo celebrando rituales en un santuario con muñecas. Su hijo John (Christian Ryan) se casó con Louise (Ana Isabelle), una asesina impulsada por el dinero, quien le dispara en la cara y lo tira en el lago, arrojando su reproductor de música clásica junto con el. Cuando Gloria aparece con sus hijas Rose (Channing Pickett) y Billy (Marianne Noscheze) y sus novios inútiles, todo el mundo se pregunta a dónde ha ido John, pero les molesta mas que falten varias valiosas antigüedades. Uno de los objetos extraviados es una máscara japonesa que aparece en un hombre encapuchado que decide matarlos, pero al aparecer Ray (Donal Brophy) y un matón (Leif Stannart) para ayudar a Louise a robar la casa, todos se convierten en víctimas del asesino y de un fantasma infantil con cara de muñeca.

Siendo un remake del debut como director de Francis Ford Coppola en 1963, la historia de Dementia 13 involucra una buscadora de dinero, sus cómplices contratados, un asesino enmascarado, el fantasma vengativo de una niña ahogada y una familia llena de ingratos cuya rica matriarca habla con muñecas. De alguna manera, nunca me he sentado a ver la película original a pesar de que se ha cruzado en mi camino en más ocasiones de las que se pueden contar. Su inclusión común en las compilaciones baratas de DVD subconscientemente me ha amargado para considerarla de alguna manera un vistazo esencial.

Después de haber visto este remake, la única inspiración que podría tener para ver la original sería verificar si está tan mal concebida como esta versión. Eso o para ver si los problemas con el ritmo de la película y la producción provienen del material original o son problemas completamente nuevos. Tal vez el melodrama macabro de la película funcionó hace 54 años, pero hoy en día se ve como una telenovela hecha largometraje, con la misma escritura y actuación exagerada generalmente reservadas para la televisión diurna. Teniendo en cuenta que todo pasa en los terrenos de Castle Haloran, donde las disputas sobre el dinero marcan un servicio conmemorativo con varias intenciones nefastas, uno pensaría que la película no sería tan aburrida. Sin embargo, su trama débil no puede sustentar una intriga total, a pesar de tener que soportar 79 minutos de suspenso semi-sobrenatural.

Tal vez no importe mucho, ya que el material no es atractivo para empezar, pero la mala edición provoca que el ritmo de la película sea deficiente. Los actores están por todas partes, con algunos acentos desiguales y un diálogo terrible. En el lado positivo, los jardines del castillo se ven geniales para una ubicación visualmente excelente. No sé si la versión de Coppola también incluía un elenco de talentos mediocres o más historias de las que tenía la capacidad de manejar, pero incluso sin haberla visto puedo decir con certeza que esta película termina más como predecesora de lo que probablemente se planeó. En general, es un híbrido de terror que puede considerarse una película de fantasmas con un asesino o una película slasher con un fantasma. Al final, Dementia 13 es una película con un ritmo sumamente aburrido y no da miedo en absoluto.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Gerald's Game

Sintiendo que la llama del amor disminuye en su matrimonio, Gerald (Bruce Greenwood) lleva a su esposa, Jessie (Carla Gugino) a una escapada remota para un fin de semana de romance y reconexión. Lo que Jessie realmente recibe es una muestra más elaborada del apetito sexual oscuro de Gerald, esposándola a una cama antes de vivir sus fantasías de violación, que ella inmediatamente rechaza. Cuando Gerald sufre un ataque cardíaco fatal, su cuerpo inerte es empujado al piso, dejando a Jessie sola, incapaz de romper con sus restricciones. A medida que pasan las horas, Jessie crece cada vez más presa del pánico, con su mente produciendo un diálogo entre tres, un Gerald vivo, una Jessie conocedora y ella misma. Inmersa en intensas luchas matrimoniales sin ningún plan de escape, Jessie enfrenta amenazas de todos lados, incluida una figura demoníaca conocida como The Moonlight Man (Carel Struycken) y recuerdos del tiempo pasado con su padre, Tom (Henry Thomas) que se aprovechó de la inocencia de su hija.

Gerald's Game fue sorprendentemente más introspectiva y menos espantosa de lo que imaginé (excepto una escena especialmente digna de virar el rostro). Al no haber leído la novela de Stephen King en la que se basa la película, me puse a verla preparado para ser perturbado. La película no pierde el tiempo para llegar a la esencia de la historia. Desde el principio, Carla Gugino ofrece una actuación emocionalmente poderosa como Jessie, una víctima de abuso mental que lucha para reparar un matrimonio fallido que establece el tono para el resto de la película. La resistencia que muestra hacia su marido, Gerald, obliga a uno a no sentarse cómodamente mientras comienza toda la trama.

Una de las grandes fortalezas de esta película fue responder las preguntas que uno se hace antes de haberlas preguntado. Comprender desde el principio que Jessie terminaría esposada a una cama durante toda la película me hizo cuestionar su incapacidad para escapar. Tan pronto se ve que se desarrolla su situación y se comienza a pensar en sus opciones, la película proporciona respuestas sobre por qué eso no es posible de una manera única y creíble. Con la multitud de desafíos que tiene que superar, se ve obligada a revivir su pasado perturbador, que a su vez debe ayudarla a superar su estado si es que quiere tener alguna posibilidad de sobrevivir.

El uso del simbolismo en esta película es constante, pero tanto que a veces parece deletrearlo o literalmente decirlo. Sentí que las comparaciones entre su situación actual y su pasado eran demasiado contundentes. Hubiera pedido un poco más de misterio en torno a las conexiones que se hicieron entre los hombres en su vida. Sin embargo, uno de los símbolos más obvios, el eclipse de color rojo sangre, fue el que más me sorprendió ya que su representación se transforma en un poderoso mensaje de fortaleza.

La que carga esta película es sin duda alguna Carla Gugino y su actuación increíblemente poderosa con una gran actuación de su co-protagonista Bruce Greenwood. El diálogo y el proceso de pensamiento que se desarrolló entre los dos me mantuvo capturado emocionalmente en la historia y con ganas de descubrir lo que sucedería. La película se hizo mejor con la sutileza de la música y la cinematografía. Estaba más impresionado en los momentos en que no había música en absoluto, lo que fue frecuente y apropiado. Creó suspenso y se mantuvo enfocado en las escenas cuando todo lo que quedaba eran los sonidos inquietantes de la lucha de su protagonista. El eclipse como mencione fue de mis cosas favoritas. El anillo rojo intenso enfatizaba el horror de los acontecimientos que se desarrollaban, pero se transformaba con el personaje y comenzaba algo más grande. Incluso después de que terminó la película, pensé en el mensaje que uno como espectador tenía que contemplar. Era uno que no esperaba y estaba feliz de ver al mismo tiempo.

Desafortunadamente, hay un problema con la película que siento que necesita ser discutido. Y si bien no la arruina, creo que la película baja muchos puntos con esto. Puedo decir con cierta certeza que los últimos diez minutos pudieron haber sido eliminados por completo y, francamente, la película habría sido mejor sin ellos. El final solo sirve como relleno que afecta la historia en lugar de mejorarla. En general, es un fantástico thriller fisiológico que nunca me hizo sacudir la cabeza en incredulidad. Disfruté de la moderación de la música en momentos clave, y quedé cautivado por la situación presentada. Al final, Gerald's Game es una experiencia absorbente con giros y sustos escalofriantes para mantener las cosas en marcha de manera espectacular. Es una película en la que vale la pena darse el lujo de desear los escalofriantes sustos al estilo Stephen King.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Stronger

Jeff (Jake Gyllenhaal) es un empleado en Costco de Boston que ama los deportes, la cerveza y sus amigos, pero no puede sacar de su sistema a su ex novia, Erin (Tatiana Maslany). Reunidos en un bar, Jeff está decidido a demostrar su valor a Erin, haciendo un plan para apoyarla y animarla en el Maratón de Boston. Celebrando pacíficamente su carrera, Jeff es atrapado justo cerca de la explosión de una bomba, incluso entrando en contacto físico con uno de los terroristas. Perdiendo ambas piernas en el ataque, Jeff se ve obligado a afrontar una nueva realidad confinado a una silla de ruedas. Mientras la nación aplaude el movimiento "Boston Strong", convirtiendo a Jeff en una figura de resistencia para la ciudad, busca a Erin, reavivando su unión, que pronto experimenta una dura realidad de movilidad, terapia y problemas con la familia de Jeff, incluyendo a su madre alcohólica, Patty (Miranda Richardson).

Stronger es la verdadera historia de la vida de Jeff Bauman, un nativo de Boston que perdió ambas piernas tras el atentado del Maratón de Boston en 2013. Mientras se recupera del trauma del evento, Jeff involuntariamente se convierte en un símbolo de esperanza para una ciudad desconcertada, una situación que ejerce demasiada presión sobre Jeff, la relacion con su familia y con su novia Erin. Envuelta alrededor de una historia familiar de una película sincera pero incidental para uno sentirse bien se encuentra una narración que la mayoría de las veces se siente como si fuera cualquier otra cosa. El director David Gordon Green sabiamente complica y trastoca la narración observando los personajes y eventos a través de la perspectiva de Jeff. De un solo golpe, Jeff se convierte, a sus ojos, en un pequeño segmento para buenas noticias, una carga para su familia y un combustible para la conciencia culpable de Erin. Todos, incluido el hombre que salvó su vida, lo califican de héroe. Pero Jeff está amurallado por tantas emociones conflictivas al tratar de enfrentar la verdadera tragedia que es casi insuperable para él.

Gran parte de la película transcurre con Jeff adaptándose a los límites físicos de ser parapléjico, mientras que inhibe incómodamente el papel de un orgulloso sobreviviente. Hay una lección al final que hace que todo valga la pena, pero eso no hace que los momentos de Jeff sean menos angustiosos. En una escena estresante, Jeff tiene lo que parece ser un ataque de pánico después de agitar la bandera en un juego de los Bruins. Mientras Erin trata desesperadamente de consolarlo, él la rechaza agresivamente. Los momentos desgarradores de Stronger sí cobran su precio. Y mientras que la familia de Jeff, con su gran sonrisa, proporcionan ligereza para compensar parte de lo desagradable, la película todavía contiene un golpe emocional que por mi parte no esperaba, al menos no a esta profundidad y crudeza.

Jake Gyllenhaal, siempre un actor subestimado, es el maestro de su dominio aquí. Básicamente interpreta dos versiones de Jeff, una es un hombre agradable, y la otra un alma rota que lentamente se arrastra hacia la oscuridad. Ambos funcionan tan completamente y con tanta honestidad que cuando la película se sumerge en los clichés de sentirse bien Gyllenhaal sacude cualquier duda de que estamos viendo lo real. Tatiana Maslany también ofrece una excelente actuación aquí, ya que la relación de Jeff y Erin es muy interesante. El único problema que tengo con esta película es que a veces la historia puede parecer un poco desordenada y no tenía absolutamente ningún interés en la madre de Jeff, que está mucho en esta película. En comparación con Patriots Day (2016), Stronger tiene infinitamente más que decir sobre la fortaleza de la gente común y cómo esa fuerza puede florecer a través del amor y el apoyo.

En general, esta es una película desgarradora con grandes actuaciones y una buena historia. La dirección también es muy buena, porque se siente que no se está viendo una película, se siente como si se estuviera viendo los eventos de la vida de Jeff sucediendo frente a uno. Al final, Stronger es una película conmovedora y definitivamente vale la pena verla. Esta no es una película sobre un héroe... esta es una película sobre el héroe en todos nosotros.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Textless De La Semana

Star Wars: The Last Jedi

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 12 De Diciembre De 2017

Game Of Thrones: The Complete Seventh Season (teniendo 4 versiones: la regular, la SteelBook  Dragonstone Magnet y la Sigil cover exclusivas de Best Buy, la DigiPack con disco de bono exclusiva de Amazon, y la exclusiva de Target que trae un disco de bono)

Kingsman: The Golden Circle (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la Whiskey Stones Gift Set exclusiva de Target)

Detroit

Review: The Foreigner

Un padre amoroso para su hija adolescente, Quan (Jackie Chan) se apresura a dejarla en una tienda de ropa de Londres, solo para perderla momentos más tarde cuando se detona una bomba, matando inocentes en todas partes, incluyendo su hija. Petrificado por la pena, Quan se da cuenta de que solo la venganza hará las cosas bien, comenzando una búsqueda para encontrar los nombres de los que pertenecen a la nueva facción radical del IRA. Llevando su misión al gobierno, Quan se conecta con el funcionario irlandés Liam (Pierce Brosnan), quien jura que no sabe nada sobre el crimen, pero mantiene una conexión secreta con los tratos de Belfast, iniciando su propia investigación sobre la explosión mientras intenta mantener la paz. Quan, insatisfecho por las excusas y la ignorancia, aumenta la urgencia de sus demandas, colocando a Liam en una posición difícil de negociación cuando el inmigrante nacido en China comienza a mostrar un conjunto particular de habilidades que amenazan a todos los involucrados en el caso.

Esta realmente no es la película que uno espera que sea. Jackie Chan y Pierce Brosnan en los papeles principales apuntan hacia un thriller lleno de acción y venganza, pero la primera mitad de la película, en realidad es una película bien equilibrada, oscura y dramáticamente intensa. Luego cambia a un thriller de acción a lo Taken, proporcionando un buen entretenimiento, pero quedando un poco atrapada en el desarrollo de una historia genuinamente apasionante. Comencemos con la primera mitad de la historia. La película comienza literalmente con un estallido gracias a una impresionante secuencia de un ataque terrorista, y una que establece perfectamente la historia del personaje de Jackie Chan para el resto de la película.

Lo bueno de la primera mitad de The Foreigner es que se sabe que se está esperando acción, por lo que lo satisface con un par de grandes escenas, pero impresionan más cuando se trata de las secuencias más lentas y silenciosas en las que Chan comienza su búsqueda de justicia después de la muerte de su hija, y él se siente completamente solo. El propio Jackie Chan es el verdadero protagonista de toda la película, demostrando tiene dotes dramáticos, e impresiona con un rendimiento genuinamente matizado al principio, trayendo la trágica naturaleza de la situación de su personaje, fácilmente  permitiéndo a uno simpatizar con él. Entonces, durante la primera mitad de la película, vemos a Chan cada vez más sumergido en la búsqueda de los terroristas que mataron a su hija, hasta el punto de viajar desde Londres a Belfast en Irlanda del Norte con la esperanza de obtener información de un político influyente.

La película continúa con la historia trágica del personaje, y continúa impresionando en ese grado, incluso mostrando algunas longitudes muy inesperadas a las que un hombre con irá busca justicia. Sin embargo, la segunda mitad de la película es donde las cosas comienzan a cambiar y, lamentablemente, decepcionan. A pesar de la intriga dramática del primer acto, la historia se queda sin un desarrollo genuinamente interesante, sin lograr aportar nada más a la trama que viendo a Chan impacientarse cada vez más en su búsqueda de respuestas, algo que realmente se vuelve repetitivo con el tiempo. A partir de ese momento, la película se convierte en un thriller de acción. A pesar de la edad de su personaje, Jackie Chan irrumpe abruptamente en su escenas de artes marciales, y aunque es un argumento que finalmente se explica, no es algo que se sienta tan orgánico en el medio de la historia, sino que se siente como si la historia dramática se hubiera agotado de ideas en la medida en que solo podría recurrir a lo que hace famoso a Jackie Chan.

En general, esta película no ofrece muchas novedades en cuanto a historias de venganza, pero al menos fue entretenida. Aquellos que quieran acción simple de Jackie Chan lo conseguirán, pero tienen que estar dispuestos a sentarse a través de un thriller político para conseguirlo. Al final, The Foreigner entregó una historia aceptable, lo cual es una pena dado que esta película tenía un gran potencial, pero desafortunadamente no está a la altura de lo que pudo ser.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Kingsman: The Golden Circle

Ahora un orgulloso miembro de los Kingsman, Eggsy (Taron Egerton) está trabajando en su vida privada, tratando de ser un buen novio de la Princesa Tilde (Hanna Alstrom). El desastre pronto visita al joven espía cuando la reina de las drogas Poppy (Julianne Moore) decide eliminar a los Kingsman, dejando vivos a Eggsy y Merlin (Mark Strong). Buscando ayuda con esta amenaza en particular, la pareja se dirige a Kentucky para encontrarse con Statesman, un servicio secreto estadounidense liderado por Champagne (Jeff Bridges), con los agentes Tequila (Channing Tatum), Whisky (Pedro Pascal) y Ginger Ale (Halle Berry). Uniendo fuerzas con Statesmen, Eggsy se ve expuesto a un tipo diferente de juego de espionaje y se reúne con su mentor, Harry (Colin Firth), que sufre de amnesia. Mientras Poppy planea dominar el mundo con drogas contaminadas, Eggsy y Statesman saltan a la batalla, con la esperanza de infiltrarse en los planes de Poppy y salvar al mundo de una sobredosis masiva.

Kingsman: The Golden Circle regresa con todos los personajes de la primera película y trae muchos nuevos personajes. Debo darle un poco de crédito a la película, la idea de Statesman podría haber sido realmente estúpida, pero a medida que avanza la película, uno se vuelve más interesado en la agencia de Statesman y en los espías dentro de ella. Le dan una dimensión adicional a algunos personajes y Eggsy no ha cambiado demasiado desde la primera película. Sin embargo, hay una gran excepción, traen a Harry de vuelta, uno los personajes más grandes y mejores de la primera película. Su rol fue tan decepcionante hasta el punto que casi me arrepiento de verlo en esta secuela.

Con una buena parte de esta película teniendo lugar en los Estados Unidos y la jungla, la película también presenta algunas piezas interesantes y lugares interesantes. No entendí por completo el razonamiento detrás de Poppy Land, pero parecía genial y añade algo distintivo. La sede de Statesmen fue un poco impredecible, pero también mejor de lo esperado. La mayoría de los efectos de CGI y los efectos visuales están muy bien hechos. La mejor parte de esta película es que las excelentes escenas de acción de The Secret Service continúan. No hay nada que se parezca a la escena de la iglesia con Free Bird de fondo (que a pesar del tema controversial es una de las mejores escenas de acción que he visto) pero hay muchas escenas más pequeñas que llevan la misma vibra. Tampoco pierde el tiempo, a los 5 minutos de comenzar la película ya se tiene una persecución y lucha de autos. No puedo decir que superó a The Secret Service en ese departamento, pero continúa un gran trabajo en lo que se refiere a la acción.

Taron Egerton salió de la nada para llevar casi por completo la franquicia de Kingsman. Una cosa positiva que puedo decir es que esta secuela muestra que su personaje no fue casualidad y se ha ganado el derecho de seguir interpretandolo. Mark Strong regresa como Merlín, un personaje no muy valorado en la primera película y ahora brilla como un personaje lleno de valentía y carácter. Fue bueno volver a ver a Edward Holcroft como Charlie, pero me decepcionó que Sophie Cookson como Roxy tuviera un rol sumamente pequeño. Channing Tatum es bueno en el personaje de Tequila pero la sorpresa es Pedro Pascal como Whisky. Él se roba casi todas las escenas en las que se encuentra. No le dieron mucha importancia a Halle Berry o Jeff Bridges como Ginger Ale y Champagne, respectivamente, ya que su participación es poca. Creo que Julianne Moore fue una buena elección como Poppy y hace un muy buen trabajo, pero su personaje es un poco decepcionante. A ella simplemente no le dieron tanto trabajo como a Samuel L. Jackson en la prinera película. Hay un gran cameo de Elton John y en cierta medida le da un toque cómico a la película.

Mi único problema es que esta película es simplemente un refrito de la original. Se pueden ver paralelismos y creo que esta película sufre del problema al que se enfrentan la mayoría de las secuelas. Sienten la necesidad de ser grandes, de superarse a sí mismas y de aumentar casi todas sus facetas. Hubieron muchas buenas ideas y aspectos que valen la pena elogiar en The Golden Circle, pero la película también se sintió innecesariamente ridícula. Eggsy era un personaje semi realista en la primera película, era un buen chico en un barrio difícil que estaba en una situación aún más difícil. Su historia de pobreza a riqueza fue muy sincera y mantuvo la película bien fundada. Aquí se ha convertido en un James Bond con problemas mucho más convencionales y menos amenazantes. Las reglas y los conocimientos que rodean a los Statesman no están bien definidas. Poppy no es más exagerada que Valentine, pero parece demasiado bromista y es difícil tomarla en serio. La película quiere llevar un mensaje sobre la guerra contra las drogas, pero se siente vago. Estos son solo algunos ejemplos de la naturaleza incoherente de la película y, si bien existe la acción y la comedia necesarias, esta se inclina en cierto punto hacia un humor absurdo.

En general, la película es entretenida pero pierde un de poco su encanto, y en ninguna instancia es tan buena como la primera. Al final, Kingsman: The Golden Circle vale la pena verla y la mayoría de la gente se divertirá. Simplemente no pude evitar estar un poco decepcionado, The Secret Service fue tan buena para mí de muchas maneras y esta no tiene el mismo poder de esa película.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Villainess

Sook-hee (Ok-bin Kim) es atrapada por la policía después de una masacre en un almacén de drogas ilegales. Sin embargo, en lugar de meterla en prisión, la ingresan en una instalación secreta con un grupo de delincuentes juveniles que están entrenadas en el arte de matar, así como en habilidades prácticas y ocupacionales para que luego puedan integrarse a la sociedad como asesinas durmientes para misiones de alto secreto. Sook-hee resiente esto e intenta salir, pero cuando descubre que está embarazada y tiene un bebé mientras vive en el establecimiento, se queda y sigue su entrenamiento. Cuando está lista para salir, le dan un apartamento y un trabajo como actriz, así como, sin saberlo, una pareja que está para vigilarla. Este compañero es Hyun-soo (Jun Sung), un joven que trabaja para la agencia y que tiene el corazón puesto en este trabajo desde que vio a Sook-hee. El se las arregla para llegar dulcemente a la vida de Sook-hee, pero a medida que se acerca, también lo hace el pasado de Sook-hee, y tanto sus vidas se ponen en peligro, como su misión.

Antes que nada, hay muchas similitudes entre esta película y algunas otras como John Wick, Hardcore Henry, The Raid, Kill Bill, Oldboy y definitivamente La Femme Nikita. Implantando nuevas técnicas con sus escenografías, coreografías de acción y trabajo de cámara alucinantes, The Villainess ofrece absolutamente momentos de acción y locura en el transcurso de su tiempo de duración, pero también se ve empañada por una historia confusa y una narración complicada.

La historia trata sobre una asesina despiadada que ha sido entrenada para matar desde que era una niña. Obligada a convertirse en agente durmiente de la agencia de inteligencia de Corea del Sur, se le promete la libertad después de 10 años de servicio. Pero cuando las apariciones inesperadas de dos hombres de su pasado desencadenan una cadena de acontecimientos que revelan oscuros secretos de su pasado, se ve obligada a tomar cartas en el asunto. La película comienza con una secuencia de acción espectacularmente filmada que encuentra a la protagonista disparando, cortando y mutilando su camino a través de una multitud de matones, y establece el tono de la película de inmediato. Es solo cuando el director decide darle una historia de fondo que surgen nuevos problemas, ya que la trama va y viene muchas veces y después de un tiempo, no solo se vuelve confusa sino que también causa un poco de molestia.

Sin embargo, es en los momentos de acción que la película sorprende y asombra, ya que casi todas las escenas de peleas son mejores que la anteriores. Teniendo acrobacias que desafían la muerte y un trabajo de cámara inventivo, el director Jung Byung-gil lleva la acción a un nuevo nivel de genialidad y las dirige con gran entusiasmo, inmediatez y agresividad. Es una pena que su drama no sea tan convincente. Respecto a las actuaciones, Ok-bin Kim interpreta al personaje principal y ofrece una actuación espectacular. El requisito de su papel es exigente tanto física como emocional, pero se las arregla para destacarse en ambos, y ella sola carga la película entera. Shin Ha-kyun y Sung Jun interpretan a los dos hombres de su pasado y presente y aportan buenas actuaciones, mientras que Seo-hyung Kim es asertiva en su papel de la Jefa Kwon que está pendiente de los movimientos de Sook-hee.

En general, The Villainess es una explosión absoluta de acción para los fans del género, eso si pueden mirar más allá de las deficiencias en el departamento de la narración de la historia. Al final, es un festival de muertes que no disminuye en ningún momento y la violencia salpica la pantalla con sangre, vísceras y conteos corporales sin vacilar. Este gran espectáculo de acción de Corea del Sur es otra producción explosiva que encuentra a su director filmando hacia todos lados al organizar los segmentos de las peleas, y es posiblemente una de las mejores películas de acción del año. Definitivamente recomendada.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Logan Lucky

Jimmy Logan (Channing Tatum) es un trabajador con mala suerte que recientemente fue despedido de su trabajo para llenar sumideros debajo del Charlotte Motor Speedway. Con un niña que mantener, una ex esposa (Katie Holmes) que aguantar, y Clyde (Adam Driver), su hermano veterano de la guerra de Irak del cual se preocupa, Jimmy busca lograr un gran plan para deshacerse de sus problemas. Planeando un robo que apunta al sistema de entrega de efectivo de tubos en el Speedway, Jimmy recluta a su hermano con una sola mano, llevando sus preocupaciones al conocido experto en demoliciones, Joe Bang (Daniel Craig), que actualmente está llegando al final de una sentencia de prisión. Ademas, y de mala gana, trae a los hermanos de Joe, Fish (Jack Quaid) y Sam (Brian Gleeson), para ayudar con el plan, junto con su propia hermana, Mellie (Riley Keough). Jimmy comienza un plan que tiene al grupo tratando de infiltrarse en las entrañas de el Speedway durante la frecuentada y lucrativa carrera del Coca-Cola 600, donde el principal corredor Dayton (Sebastian Stan) está tratando de mantenerse concentrado en presencia de su despreciable patrocinador, Max (Seth MacFarlane).

Steven Soderbergh es uno de los nombres más importantes de Hollywood en cuanto a dirección y afortunadamente regresa con una película que se inspira en su trabajo anterior en las películas de Ocean's Eleven pero con un toque único y extremadamente efectivo. La dirección en esta película es brillante. Todas las tomas de la película están elegantemente colocadas y es una hermosa película para ver junto con una gran edición y cinematografía. Soderbergh está de vuelta haciendo lo que mejor sabe hacer y es genial verlo de nuevo en la silla de director de un largometraje.

Todas las actuaciones en esta película son impecables, no hay una sola persona que ponga un error. Channing Tatum y Adam Driver tienen una muy buena química a lo largo de la película y realmente se puede apreciar una relación entre ellos. Riley Keough también fue muy buena en la película junto a todos los "grandes nombres", ella es la joya escondida de la película. Luego está Daniel Craig, que tiene un papel que realmente no esperarían que hiciera, pero es muy gracioso ya que Joe Bang, junto con sus estúpidos hermanos, son brillantes durante toda la película.

La historia de la película es muy compleja debido a los personajes que actúan en el mundo creado por Soderbergh. El plan del robo es realmente bastante complejo una vez que se explica completamente al final de la película, y se eleva más por las personas que están llevando a cabo el atraco. Aunque esto va a sonar mal, el hecho de que el plan fue creado y llevado a cabo por personas "tontas" lo hace más impresionante. La complejidad de la película es por el simple hecho de que intenta hacer que el plan o la historia de los personajes sea tan complicada que se vuelva confusa. Hay un par de aspectos negativos de la película, el primero es el propio Soderbergh. Esta película parece que Soderbergh se está calentando motores para volver a dirigir y es una práctica antes de que produzca algo increíble. El otro aspecto negativo de la película es su duración, es bastante larga. Sentí como si hubieran muchas veces donde la película podría haber terminado bien pero decidió continuar y definitivamente hacia el final comienza a sentirse interminable.

En general, Logan Lucky es una película excelente y un regreso apropiado para el director Steven Soderbergh. A pesar del ritmo lento ocasional, está muy bien hecha, dirigida, escrita y es divertida de ver. Al final, es una película de robo con una comedia entretenida y bien ejecutada con algunos personajes brillantes y una conclusión inteligente... al igual que Ocean's Eleven. De hecho, demasiado parecida a Ocean's Eleven.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.