Review: X

Es 1979, y el propietario de un club de striptease, Wayne Gilroy (Martin Henderson), ha reunido a un grupo de amigos y empleados para filmar una película porno para el floreciente mercado de videos domésticos que los hará famosos a todos. Las estrellas de su película amateur, The Farmer's Daughters, son Bobby-Lynne (Brittany Snow), Jackson Hole (Scott "Kid Cudi" Mescudi) y la novia de Wayne, Maxine Minx (Mia Goth). Wayne se desempeña como productor junto con el director RJ Nichols (Owen Campbell), quien está decidido a hacer arte en lugar de pornografía, y la tranquila novia de RJ, Lorraine Day (Jenna Ortega), completa el equipo como operadora de boom. Wayne ha alquilado una casa de huéspedes en una antigua granja de Texas para rodar la película. El propietario anciano, Howard (Stephen Ure), no tiene idea de a qué han venido estos amigos. Tan pronto como deja de mirar, Jackson tiene sexo con Bobby-Lyne y Maxine mientras la cámara de RJ corre. Cuando Howard y su esposa Pearl (también Mia Goth irreconocible bajo prótesis) terminan viendo lo que ocurre, los cineastas de repente tienen muy buenas razones para temer por sus vidas.

La mayoría de la gente está familiarizada con las tres reglas del género de horror: no tengas relaciones sexuales, no consumas drogas y nunca digas que volverás enseguida. Las películas slasher nos han demostrado una y otra vez que ignorar esas reglas puede tener graves consecuencias. En la nueva película del guionista y director Ti West, X, West combina la emoción de una película slasher con la exploración de estereotipos pornográficos al mismo tiempo que obliga a la audiencia a enfrentarse a su propia mortalidad. En X, es a finales de los años 70 y un grupo de jóvenes cineastas se dirige a la zona rural de Texas con la esperanza de filmar una película para adultos titulada The Farmer's Daughters. Después de llegar a su destino y conocer a sus solitarios y ancianos anfitriones, los amigos se dirigen a su cabaña alquilada para comenzar a filmar. Sin embargo, poco después, sucesos extraños comienzan a tomar forma y, a medida que se revelan las verdades, los amigos se encuentran luchando por sus vidas.

Han pasado 6 años desde la última vez que vimos de Ti West (In A Valley Of Violence de 2016). Con su regreso al horror, ha dado un gran golpe en X. Desde el momento en que conocí a este ecléctico grupo de personajes fuera de un local de striptease común y corriente, hasta el cuadro final de la película, estaba pegado a mi silla. Instantáneamente me identifiqué con los personajes, su experiencia y la ingenuidad de que esta película porno podría llevarlos al estrellato de Hollywood, es encantadora y, a su manera, especial. Al igual que otras películas de West, nos hace esperar antes de permitir que comience la verdadera acción. Lenta al principio, magistralmente genera tensión como una olla de agua que hierve a fuego lento antes de hervir completamente.

El establecer una película sobre amigos que hacen una película porno en la zona rural de Texas a fines de la década de 1970, donde la ideología cristiana se empuja a la gente por la garganta y aquellos con inclinaciones/preferencias sexuales impuras son rechazados, permite que todo tome forma en un significado intrigante. Combinen eso con temas como el miedo a envejecer, los beneficios de la juventud y la pérdida de la intimidad, y hay mucho que discutir y sacar de esta película si así lo desean. Pero como slasher, funciona? Aunque suene a cliché, West da nueva vida al género slasher con el enfoque único de su asesino.

Al frente del reparto está Mia Goth, que interpreta el doble papel de Maxine Minx, una de las estrellas de The Farmer's Daughters, que también tiene una relación con Wayne, el productor de la película, y Pearl, la anciana recluida que no quiere nada más que sentirse viva de nuevo. Cubierta de prótesis y maquillaje, Goth es irreconocible como Pearl. La película realmente descansa sobre los hombros de Goth y ella hace un trabajo brillante al resaltar las emociones complejas y los miedos que tiene cada uno de estos personajes. Goth siempre ha tenido una extraña excentricidad, ya que se presta tremendamente a cada uno de sus papeles.

En cuanto a la estrellas principales de The Farmer's Daughters, nos dirigimos a Bobby-Lynn y Jackson Hole, interpretados por Brittany Snow y Scott "Kid Cudi" Mescudi, respectivamente. Bobby-Lynn, específicamente, es el alivio cómico y sexy, que ayuda a aliviar la tensión con pequeñas bromas sexuales y lindas sonrisas. Snow no es una extraña al subgénero slasher, ya que estuvo en Prom Night (2008) y Would You Rather (2012), por lo que agregar eso a la mezcla con la personalidad burbujeante y acogedora de Snow hizo que fuera fácil vender el papel de Bobby-Lynn. Como compañero de escena de Snow, Mescudi no tuvo problemas para asumir el papel de Jackson Hole. Él aporta una sensación de seguridad como la estrella masculina de la película porno.

Completando el resto del elenco está Jenna Ortega como Lorraine Day. La prometedora actriz es capaz de capturar la inocencia de la situación en cuestión, incluso después de que decide salir de su zona de comfort. En lo personal, Ortega tiene una de las mejores escenas de la película. Al lado opuesto está su novio cineasta RJ Nichols, interpretado por Owen Campbell, quien se encuentra luchando contra sus propios juicios cuando Lorraine se interesa en explorar su propia sexualidad. Por último, Stephen Ure interpreta a Howard, el anciano que alquila la cabaña. Su personaje destila odio y desaprobación desde el momento en que se encuentra con sus invitados. Ure hace un gran trabajo construyendo su personaje hasta un punto en el que naturalmente se cuestionan sus intenciones.

La película es bastante lenta y puede que no sea del agrado de todo el mundo. Se mueve a un ritmo deliberado y similar al de Death Proof (2007) o la original Texas Chainsaw Massacre (1974), deleitándose con los detalles del período y las interacciones de sus personajes. Pero encuentro que esta forma de hacer terror es increíblemente gratificante, agregando una rica textura que hace que valga la pena esperar el espantoso tramo final. Además, el guión y algunos de los efectos visuales son increíblemente divertidos, especialmente en el cruce entre la realidad y la película porno que están filmando. West usa una variedad de ángulos ingeniosos para encontrar formas de amplificar el humor y la ansiedad, el más reconocible involucra a un caimán hambriento en un pantano cercano.

En general, todo aquí se ve y se siente como los años 70. Desde el estilo de filmación hasta la ropa, incluso el diseño de la cabaña. Todo se siente fiel al período de tiempo. Las muertes son épicas y brutales. La sensación progresiva de pavor nunca se disipa hasta el golpe final. Es una película que es incómoda y violenta, pero que también arroja luz sobre muchos temas, como el impacto de la represión sexual, el choque entre los valores progresistas de los jóvenes y los valores conservadores de las generaciones mayores, el atractivo innegable del material que empuja los límites, la tendencia a culpar al horror y la pornografía por los males del mundo en lugar de reconocer que el arte imita la vida, y la respuesta evangélica a menudo hipócrita al sexo y la violencia en pantalla. Si tienen un profundo aprecio por el cine de explotación y los slashers, esta película les encantará y les hará latir el corazón a cada paso. Al final, X es una película de terror slasher muy sangrienta a la antigua (estilo de los años 70), con una premisa bastante original. Rendir homenaje a los slashers de décadas anteriores no es nada nuevo, pero el director Ti West definitivamente le da un giro diferente a esto, uno que trae un nuevo término para este tipo de película: porno-horror-media, ya que es realmente una comedia oscura, mezclada con algunos de los horrores más extraños que se hayan visto hasta ahora, todo mientras se filma una película porno. Si bien todas las actuaciones son divertidas a su manera, y como casi todas las películas slasher, hay algunos personajes que existen solo para ser asesinados de manera predecible. Aún así, la película está construida alrededor y es propiedad de Mia Goth. Ella es la más ocupada, jugando las dos caras de una moneda en busca de gloria. Con qué frecuencia se ve a una actriz interpretar tanto a un depredador como a una presa contra sí misma en la misma película? Véanla y sumérjanse en la atmósfera obscena, sangrienta e inquietante de X. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Deep Water

Vic (Ben Affleck) ha estado casado con Melinda (Ana de Armas) durante años, pero la chispa se ha ido, con la pareja llevando vidas separadas mientras viven en la misma casa con su hija, Trixie (Grace Jenkins). Vic está semi-retirado, enfocandose en sus pasatiempos y paternidad, y vigila de cerca a Melinda, quien entabla relaciones sexuales con otros hombres, a menudo haciendo alarde de tal atracción frente a sus amigos. Recientemente, uno de los amantes de Melinda desapareció, y ahora anda con otro, lo que obliga a Vic a lidiar con la situación por su cuenta, haciendo una broma grosera sobre esa desaparición en una fiesta. Ese humor no le sienta bien al escritor Don (Tracy Letts), quien siente algo extraño en Vic, mientras que Melinda continúa con sus juegos psicológicos, decidida a romper la frialdad de su esposo con un comportamiento cada vez más atrevido.

Qué diversión deliciosamente malvada resultó ser Deep Water. Eso es algo que no he podido decir sobre una película de Adrian Lyne en más de dos décadas, ya que Lyne fue el proveedor frecuente de placeres eróticos como Fatal Attractión (1987), Indecent Proposal (1993) y Unfaithful (2002). Aquí, adapta la novela de Patricia Highsmith de 1957 sobre una pareja casada con problemas, sin amor desde hace mucho tiempo, que comienza un retorcido juego de poder, tentación y celos, hasta que la gente comienza a aparecer muerta. Pero lo que la hace tan agradable son las actuaciones de Ben Affleck y Ana de Armas, quienes comenzaron una relación durante el rodaje, pero se separaron antes de que la película viera la luz del día.

Curiosamente, no estoy seguro de que deba gustarme. Esa es la sensación que tengo de Disney, que adquirió la película como parte de su adquisición de Fox para luego retirar su estreno en cines y trasladarla sin contemplaciones a la plataforma de streaming Hulu. Para ser justos, este thriller de asesinatos torcidos difícilmente encaja con la marca del ratón, independientemente de su poder estelar. Pero existe la duda de porque esto sale en una semana ya repleta de nuevas películas. Lo que me lleva a pensar que quizás es el tipo de película que claramente está dirigida a audiencias adultas que han pasado por problemas de las relaciones, y que posiblemente el tema está fuera de moda en el panorama actual.

Ben Affleck interpreta a Vic Van Allen, un hombre jubilado de New Orleans que se enriqueció al diseñar un microchip utilizado en la guerra de aviones no tripulados. Ya no hace mucho más que criar una granja de caracoles, ocasionalmente sale a dar paseos en bicicleta, juega con su inteligente hija Trixie y observa a su joven y coqueta esposa, Melinda. Todos los días parece que Melinda ha encontrado un nuevo amigo o uno viejo de repente en la ciudad. Cada uno es increíblemente guapo, un poco tonto o torpe, y no puede dejar de alardear de sus aventuras con ellos, justo en frente de Vic y sus amigos. Sin embargo, que lo vean como un esposo patético no parece molestarlo. Él observa, cede ante ella cuando ella le presta atención y el ciclo se repite. Excepto que algunos de estos hombres parecen estar desapareciendo.

Vic es, por mucho, la figura más fascinante de la película, porque es un misterio muy extraño. No parece tan molesto por su suerte en la vida. A veces parece estar genuinamente asombrado de tener a alguien tan hermosa y enérgica como Melinda como su esposa. Él la mira con una mezcla de admiración y repugnancia. Al enfrentarse a sus diversos amantes, Vic se convierte en algo completamente diferente. Cuando habla con uno, alude descaradamente la muerte de otro de los supuestos amigos de Melinda, aterrorizando al pobre hombre. Pero luego le da la vuelta a todo y juega bien la situación. La actuación controlada y tensa de Affleck se encuentra entre las mejores que ha dado. Es muy similar a la interpretación que hizo en Gone Girl (2014), en la que interpreta a otro marido que vivía cierta fachada domestica.

Dado que esto se basa en una novela, hay más en la historia que interacciones y juegos sexuales, y Lyne se descuida un poco con algunos de los detalles, emergiendo con demasiados momentos infieles. El director no está seguro con la hostilidad de la situación, pero tiene a su posición una sensualidad vagamente amenazante, capturando una tensión especial entre la pareja que funciona a través de eventos sexuales y acusaciones, encontrando una magia oscura que mantiene esta unión funcionando de la manera más extraña. La película tiene ritmos seductores en su banda sonora y relucientes imágenes de caracoles, pero también es una reunión interesante con los viejos intereses del director en los caminos de la corrupción, la impotencia y la amargura, con la lujuria anulando toda lógica cuando se trata de una asociación que involucra dos individuos distorsionados. Honestamente, ha pasado mucho tiempo desde que se produjo una película como esta.

En general, eso es lo más complejo posible que puedo describir, lo cual es perfecto para Deep Water y para su director Adrian Lyne. En verdad, todo se vuelve un poco tonto a medida que crece el número de muertos, Melinda se vuelve más obvia y Vic más descarado. Pero eso en realidad funciona a favor de la película. Veinte años después, Lyne no ha perdido el toque. Su estilo, que sigue siendo una mezcla de drama de prestigio y obscenidad vulgar, es el punto dulce que esta película clava y que otras películas similares se ahogan tratando de emular. Al final, Deep Water es una película agradable y bien hecha. Siendo un poco inestable a veces, la película es un buen regreso para Lyne, quien aprovecha sus puntos fuertes con el esfuerzo, creando una imagen siniestra y sexual, y que le va bien con los protagonistas Ben Affleck y Ana de Armas, quienes comparten una buena química, dándole al director algo con lo que trabajar. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: CODA

Ruby (Emilia Jones) es una adolescente con padres sordos en Frank (Troy Kotsur) y Jackie (Marlee Matlin), y un hermano sordo en Leo (Daniel Durant). La familia es propietaria de un barco de pesca que trata de ganarse la vida en las aguas de Gloucester, Massachusetts, con Ruby actuando como intérprete para sus seres queridos, encontrando la mayor parte de su tiempo dedicada al trabajo. Ella también es una estudiante de secundaria que está enamorada de Miles (Ferdia Walsh-Peelo), e intenta llamar su atención inscribiéndose en el coro de la escuela, que está a cargo del Mr. V (Eugenio Derbez). Si bien siempre le ha gustado cantar, el tiempo en el coro expone los verdaderos talentos de Ruby, pronto uniendose con Miles para un dúo, mientras que Mr. V la insta a considerar la escuela de música para sus planes universitarios, ayudándola a desarrollar su don. Ruby pronto se encuentra en una posición difícil, atrapada entre la oportunidad de hacer algo por sí misma y su lugar en la familia, ya que la industria pesquera local experimenta desafíos financieros, lo que hace que la posición de Ruby en el barco sea aún más importante.

CODA es un drama/comedia sobre la mayoría de edad que es fresca con nuevas perspectivas, tensiones y amores. El título se refiere a Children Of Deaf Adults, y el personaje principal, Ruby Rossi, interpretada en una actuación verdaderamente destacada por Emilia Jones, debe equilibrar su pasión por el canto con la necesidad de su familia de ella como empleada y, lo que es más importante, como intérprete. La película es innegablemente encantadora y te atrapa desde el principio, a pesar de que la trama se siente un poco familiar. Aquí hay un poco de todo: la angustia de la escuela secundaria, el primer amor, la comedia musical y mucho más. Pero lo que trae aquí el escritor/director Sian Heder es una mirada única a las complicaciones de una familia con habilidades mixtas, y cómo eso agrega un giro diferente a los problemas universales.

Ruby, de 17 años, se ha estado comunicando con su madre Jackie, padre Frank y su hermano mayor Leo, los tres sordos, a través del lenguaje de señas desde el tiempo que ha podido hablar. Siendo una familia de pescadores, su forma de vida está en apuros al ser infringida por un exceso de regulaciones gubernamentales. Además, no se sienten realmente parte de la comunidad pesquera debido a sus discapacidades. Ruby actúa como su puente hacia el mundo de los que hablan, pero también como marinero, corriendo en las mañanas para trabajar, luego la escuela y luego atendiendo las necesidades de su familia. Pero hay más en Ruby que solo la escuela y el barco de pesca. También le encanta cantar, y la película comienza con ella cantando a todo pulmón la canción Something's Got A Hold On Me de Etta James. En este punto, somos felizmente inconscientes de que su padre y su hermano, que trabajan de manera constante, no pueden escuchar ni una nota. Una vez que eso pasa, la tristeza de esa realización se instala y solo se profundiza a medida que el verdadero talento de Ruby comienza a emerger.

Estando enamorada de Miles hace que Ruby se inscriba en el coro de la escuela, guíado por el excéntrico y severo profesor de música Bernardo “Mr. V” Villalobos. Él ve algo verdaderamente grandioso en Ruby, y la empareja con Miles para cantar a dúo la canción You're All I Need To Get By de Marvin Gaye y Tammi Terrell, seguido de un respaldo para que ella asista al Berklee College Of Music en Boston. Los latidos del amor adolescente entre Miles y Ruby son dulces, pero son las interacciones de Ruby con su familia donde la película realmente se destaca. La verdadera pasión de Ruby está en las música, no en la pesca, pero es posible que sus padres no puedan arreglárselas sin ella. Claro, como le dice un día su hermano, “todos nos llevábamos bien antes de que tú nacieras", pero el negocio depende de ella y queda claro que Ruby es el pegamento que los une a todos.

Más concretamente, la música es una de esas cosas que Ruby nunca puede compartir realmente con ellos. Esa necesidad de estar cerca de otros que puedan apreciar su canto es un anhelo que siente profundamente. Cada miembro de la familia se enfrenta a este creciente reconocimiento de diferentes maneras. Su padre, Frank, una especie de bromista que se tira gases y maldice constantemente en lenguaje de señas, trata de ser comprensivo. Su madre, Jackie, siente más agudamente la creciente división con su hija, mientras que su hermano, Leo, está ansioso por tener la oportunidad de asumir una mayor parte de la carga.

El director Sian Heder tiene muchos tonos para hacer malabarismos y sabiamente elige ir con un enfoque ligero y gentil que los dejará sonriendo. Las escenas de canto en la escuela son bastante discretas. Los estudiantes suenan como adolescentes que muestran talento pero aún están saliendo a la luz. La excepción es Emilia Jones, cuya voz es poderosa y conmovedora, resonando sobre las demás para su edad. Como Ruby, ofrece una actuación de asombrosa madurez, apta para un personaje que se ha visto obligada a crecer mucho antes de tiempo. También es un placer ver a Marlee Matlin (la actriz ganadora del Oscar por Children Of A Lesser God de 1986) de regreso en una película que trata a los sordos como personas reales y complejas, en lugar de convertirlos en seres increíblemente amables u objetos de simpatía. Los padres de Ruby son tan despistados, preocupados y avergonzados como los otros padres que hablan y escuchan. Una broma sobre el apetito sexual de Frank y Jackie es explotado durante la película, pero Heder lo mantiene bajo control. Mientras tanto, uno de los mejores personajes fuera de la familia Rossi fue el maestro de coro de Ruby, Bernardo "Mr V" Villalobos, interpretado por Eugenio Derbez, quien es absolutamente maravilloso y ofrece alegría y humor a través de sus interacciones con Ruby y otros personajes.

En general, moviéndose con facilidad y confianza entre el lenguaje de voz y de señas, incluidos momentos de intenso silencio, el director Sian Heder nunca teme alienar a la audiencia. De hecho, unos minutos de silencio en el acto final, durante un recital que cambia la vida de Ruby, conducen a un momento de tanta sinceridad que hará que sus corazónes se hinchen. CODA sin duda es una de las películas más entrañables y emocionalmente conmovedoras del año gracias a sus sólidas actuaciones, su hermosa historia y un mensaje afectuoso que seguramente permanecerá con los espectadores mucho más allá de los créditos finales. A lo largo de su viaje, la búsqueda de la pasión de Ruby está encerrada en el amor y la comunidad, ofreciendo algo verdaderamente extraordinario y más profundo de lo que podría parecer a nivel superficial. Al final, CODA presenta una historia que probablemente atraiga a los espectadores desde el principio y les pide que se involucren en las historias de estos personajes antes de arrojar luz sobre una comunidad marginada que se esfuerza por ser escuchada en más de un sentido. 

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Fresh

Noa (Daisy Edgar-Jones) está luchando con su vida amorosa, lidiando con coincidencias que no le interesan, mientras que su última cita resulta en humillación. Una noche, en un supermercado, Steve (Sebastian Stan), un hombre atrevido que trata de causar una rápida impresión, se acerca a Noa. En lugar de alejarse, Noa se acerca más y acuerda una cita con Steve, quien comparte su puesto como cirujano plástico, lo que lo hace más encantador. Los dos duermen juntos, lo que permite que comience una relación, y Noa comparte la noticia con su mejor amiga, Mollie (Jojo T. Gibbs), quien es un poco más cautelosa con la situación. Steve pronto ofrece una escapada de fin de semana en su casa de vacaciones, llevando a Noa al medio de la nada. Sin embargo, en lugar de placeres carnales, Noa es drogada y se despierta en una habitación encerrada y encadenada a una pared.

Las citas modernas son honestamente un infierno. Con tantas aplicaciones, uno se imagina que sería mucho más fácil eliminar citas potenciales. Pero no lo es. Las amenazas violentas surgen la mayoría de las veces cuando se trata de rechazar a alguien. Con la llegada de las redes sociales, es más fácil medir la personalidad de alguien antes de la primera cita y también informar a nuestros amigos y familiares sobre el estado de nuestra ubicación cuando salimos por primera vez. Pero... qué sucede cuando fallamos con las rutinas de seguridad solo una vez? Fresh de la directora Mimi Cave explora esto y da vida a algunos de nuestros peores temores. Debido al caos natural de la película, intentaré que los spoilers sean mínimos.

Aquí, los espectadores conocen a Noa, una mujer agotada por la naturaleza tediosa y a menudo decepcionante de las citas. En cuestión de minutos, vemos cómo se desarrolla una cita horrible. Para muchos, se sentirá familiar. Después de otro desplazamiento frustrante por las aplicaciones, Noa termina en un supermercado. Aquí es donde se encuentra con el encantador e incómodo Steve. Al igual que una escena de una película romántica clásica, los dos se llevan bien. Más tarde la invita a una cita en un bar, donde la química es prácticamente clara. Una cosa lleva a la otra y, claro, Noa es seducida por Steve. Tanto es así que aprovecha la oportunidad de irse de escapada improvisada con él, sin tener en cuenta las preocupaciones que expresa su amiga Mollie.

Los primeros 30 minutos atraen como una comedia romántica antes de dar un giro completo. Como alguien en una primera cita, la directora Mimi Cave se enfoca en el lenguaje corporal, brindándonos primeros planos de labios carnosos y ojos brillantes. Nos hace encariñarnos con Steve, desde sus extraños movimientos de baile hasta su habilidad para sacar a Noa de su caparazón. Y luego, a los 33 minutos... aparecen los créditos iniciales. Lo que sucede a continuación conduce al territorio de los mega spoilers. Basta decir que las cosas no salen como Noa espera. Cuanto menos sepan al entrar en esta historia oscuramente retorcida, mejor, pero es probable que no hayan visto una película como esta antes.

En primer lugar, me quito el sombrero ante el guión, porque gran parte del éxito de Fresh tiene que ver con el viaje que emprendemos a través de la historia. Hay tantos detalles ingresados ​​en las acciones de los personajes que ayudaron a fundamentar las cosas. Desde las teclas en los dedos hasta enviar mensajes de texto con ubicaciones de fechas y enviar imágenes de dichas fechas, estas son cosas que muchos de nosotros hacemos por razones de seguridad, o quizás sea rutina. Dicho esto, cuando llegó el momento de dar el giro más importantes, la película no tuvo ningún problema en crear niveles de locura para caer en tiempo. Y, a pesar de todo el caos y los giros que atravesamos, nada de eso se lee como fuera de lugar en la entrega. Naturalmente, parecía unirse sin anomalías. El humor seco en el diálogo también se sintió bien para evitar que las cosas fueran demasiado serias. Entonces, desde el punto de vista del papel a la pantalla, el guión simplemente funcionó.

Hablando del humor, las actuaciones de Daisy Edgar-Jones, Sebastian Stan y Jojo T. Gibbs proporcionaron esa fusión necesaria para mantener las cosas ligeras sin restarle gravedad a la situación. Este equilibrio que la directora Mimi Cave ha logrado con el elenco y el guión funciona bien. Daisy Edgar-Jones fácilmente capta la atención en pantalla, capturando las complicaciones emocionales de las luchas internas de Noa. El Steve de Sebastian Stan es fácilmente la respuesta millennial a Patrick Bateman (American Psycho, 2000) y Hannibal Lecter (Hannibal, 2001). Hay un trasfondo sutil y aterrador en su actuación a medida que avanza la película. Vemos el desgaste sutil, incluso cuando él mantiene el control total, pero es demasiado fácil ver cómo alguien se sentiría atraído por Steve a pesar de las circunstancias. Si bien es posible que no reciba tanta atención, la Mollie de Jojo T. Gibbs fue encantadora. Gibbs maneja muy bien el humor, pero hay matices en su personaje y su actuación que deberían llamar igualmente la atención de los espectadores.

La cinematografía aquí también ofrece mucho. La forma en que la película usa primeros planos es excelente y contribuye mucho a la película en general. Los primeros planos de los rostros dan el impacto de la intimidad. Posteriormente, estos planos de fijación en la boca potencian los elementos de fijación oral de la historia. También me gustaría señalar que definitivamente se debe prestar atención a cómo utiliza la distancia entre los personajes al encuadrar las tomas. Esto también dice mucho. El diseño de producción se destaca aquí, ya que la decoración del escenario lo une todo. Sin conocer el trasfondo, diría que el equipo de buscar las locaciones también hizo un gran trabajo, desde el restaurante, el bar y el exterior de la casa de Steve.

Para los fanáticos del género de terror que están interesados ​​​​en la película por el factor gore, Fresh es un poco ligera en ese departamento. Pero hay suficiente para que los aprensivos cierren los ojos. Se podría haber hecho más? Absolutamente. Sin embargo, la forma en que se filma la película deja gran parte de la sangre derramada a la imaginación del espectador. El horror de la situación en sí también hace mucho trabajo pesado aquí. Desde el punto de vista de la ejecución, los recursos y la historia, la decisión de mantener el gore ligero tiene sentido al ver la película. Pero me imagino que la conversación del gore probablemente se convertirá en un debate.

En general, como debut cinematográfico, la directora Mimi Cave hace un gran revuelo. El guión es inteligente e ingenioso. La gran atención a los detalles ayuda a mantener ese elemento identificable necesario cuando la película entra en el territorio de la energía del caos. Mientras se asegura de que la visión del guión se ejecutara bien, Cave logra un mayor equilibrio con su elenco, todos los cuales son dueños de la pantalla cuando es su momento. Es difícil señalar un mal desempeño. Todo el mundo entrega actuaciones memorables. Mi única crítica es quizás la falta de empujar el gore, pero el horror general de la película puede salirse con la suya con la falta de exceso. Al final, Fresh resume la política sexual de las citas modernas y ofrece un vistazo de una pesadilla que puede suceder si no tenemos demasiado cuidado. Seguro que inspirará múltiples vistazos para todos sus momentos "WTF", ya que la película juega con nuestras emociones de la manera más deliciosa. Creo que veo en esta película un futuro clásico de culto.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Adam Project

Adam Reed (Walker Scobell) es un niño que extraña a su padre, Louis (Mark Ruffalo), quien falleció hace poco tiempo. Adam se queda con su madre, Ellie (Jennifer Garner), y tiene problemas para procesar su dolor, descargando su ira con los niños de la escuela y su madre con exceso de trabajo, que también está lidiando con la pérdida. Mientras Ellie está fuera una noche, Adam recibe la visita de Adam (Ryan Reynolds), su yo mayor del año 2050, quien regresa para lidiar con los posibles problemas causados ​​por la villana Maya Sorien (Catherine Keener), quien lo persigue con guerreros robóticos. Al principio, sin estar seguro de cómo reaccionar ante esta llegada, el joven Adam pronto se ve envuelto en una situación peligrosa con el viejo Adam, y la pareja aprende a vivir juntos mientras se embarcan en persecuciones y evitan al ejército de Sorian, tratando de llegar al año 2018 en el jet de Adam, buscando una manera de arreglar el mundo nuevamente después de todos los problemas que ha causado el viaje en el tiempo.

The Adam Project es una película que, desde el principio, te pide que dejes el cinismo en la puerta. Ryan Reynolds (que suma a su ya considerable filmografía de Netflix) interpreta a Adam Reed, a quien conocemos mientras pilotea una nave espacial en el año 2050, esquivando el fuego láser y las amenazas de su comandante, Maya Sorien. Mientras esto ocurre, salta un agujero de tiempo, bromeando todo el trayecto. Es una película con un tono que se siente muy Ryan Reynolds, con un poco de la fantasía de The Last Starfighter (1984). Ese sentimiento es uno que The Adam Project mantendrá todo el camino, manteniéndose sinceramente divertida sin estancarse en la mecánica inestable del viaje en el tiempo.

A pesar de las muchas críticas que recibe el director Shawn Levy, tiene la capacidad de hacer que conceptos complicados sean divertidos, y es algo que ha dominado durante mucho tiempo. Con The Adam Project, explora el dolor, el resentimiento y la recuperación a través del lente de un drama familiar que se mezcla con un espectáculo entretenido. La premisa es sorprendentemente hábil teniendo en cuenta lo complicado que podría ser. El adulto Adam de Reynolds se estrella en el presente y termina en la casa de su infancia, donde se encuentra con su yo más joven. La madre de Adam, Ellie, está luchando por conectarse con su hijo desde la repentina muerte de su padre, Louis, un hombre cuyas habilidades científicas tendrían un impacto en la línea de tiempo del adulto Adam.

Al principio, no está claro para qué ha regresado el adulto Adam. Llega como un fugitivo herido de bala, pero al principio su objetivo parece ser preparar a su yo más joven para una vida de decepciones. Sus interacciones establecen la angustia que Adam llevaría a lo largo de su adolescencia y hasta la edad adulta, mientras que sus esfuerzos por salvar al pequeño Adam de la intimidación muestran el lado heroico que se esconde debajo de todas las bromas que usa como mecanismo de defensa. Hay mucho dolor que el adulto Adam está cargando, uno de los cuales es por un amor perdido, que aparece en una gran escena romántica de la película y también en la mejor secuencia de acción. Los efectos visuales son sorprendentemente buenos, con Reynolds usando lo que describe en broma y con precisión como un lightsaber para cortar a sus enemigos y convertirlos en cenizas.

Vale la pena señalar que el guión maneja hábilmente la dinámica familiar disfuncional, y es una gran parte del disfrute de la película. El plan más grande de Adam, que por supuesto implica salvar el futuro de una terrible amenaza, emerge pero nunca supera las interacciones humanas centrales que impulsan la historia. Si hay problemas, es que la película a veces es demasiado simple para su propio bien. El personaje de la villana de Catherine Keener apenas intimida, y los malos con los que lucha Adam bien podrían ser figuras de cartón. La película toma a la ligera los peligros habituales del viaje en el tiempo, pero su sencillez es a veces un arma de doble filo. Si bien una escena en la que el adulto Adam secretamente le da consejos de crianza a su madre en un bar local es emotiva, es tan ridícula que cualquier latido emocional que quería golpear se pierde. Hay otras escenas como esta en las que la película es demasiado inteligente para su propio bien.

Uno de los aspectos más agradables de The Adam Project es la música. Tiene canciones como Foreplay/Long Time de Boston, Give Me Some Lovin' de The Spencer Davis Group, Let My Love Open The Door de Pete Townshend, Time After Time de Cyndi Lauper y Good Times Bad Times de Led Zeppelin por nombrar algunas. Lo fascinante de estas canciones es que se sienten más dirigidas a la audiencia que mira la película que a los personajes mismos. Entre la breve aparición de un tocadiscos en funcionamiento y los 40 años de edad del adulto Adam, las canciones que escuchamos son probablemente canciones que le gustaban porque las escuchaba su padre, Louis. Los niños tienen una forma de asociar ciertas canciones con los padres, sintiendo un poco de conexión con un viejo recuerdo o momento cuando suena una canción. A mi me pasa cada vez que escucho Hotel California de The Eagles por mi padre o con Till There Was You de The Beatles por mi madre. Me transportan a momentos que aprecio y a algunos que quisiera olvidar, pero están ligados para siempre a los recuerdos de mis padres. Cualquiera que sean las historias que nos contamos a nosotros mismos, sin importar cómo reescribamos los momentos en función de nuestras emociones o percepciones, no podemos dejar atrás cómo nos hicieron sentir nuestros padres o el impacto duradero que tienen en nuestras vidas.

En general, la película tiene grandes momentos emocionales que aterrizan la mayoría de las veces. Es una pieza de entretenimiento familiar y ciencia ficción fácil de ver, no muy alejada de la vieja fórmula de las películas de Amblin en los años 80. Reynolds y Levy se están volviendo buenos exactamente en este tipo de cosas y esperamos que este dúo continúe trabajando juntos durante mucho tiempo. Al final, The Adam Project es una película de los años 80's hecha para estos tiempos, y el tipo que nadie parece hacer más. Es una película de ciencia ficción sobre la familia, personajes con los que podemos relacionarnos y, por supuesto, también está protagonizada por Ryan Reynolds. Es entretenimiento que pretende ser alentador mientras hace malabares con grandes demostraciones visuales de acción, que son completamente emocionantes y encaja en la misión de Levy y Reynolds de proporcionar un escapismo fácilmente digerible en tiempos difíciles.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Studio 666

Foo Fighters se están preparando para grabar su décimo álbum, con el propietario/manager de su sello (Jeff Garlin) que necesita desesperadamente un éxito de la banda, que se ha tomado su tiempo para decidir qué rumbo tomar con el nuevo disco. Para Dave (Dave Grohl), la inspiración para escribir canciones ha sido difícil de encontrar, lo que requiere un cambio de ubicación para ayudar a estimular las ideas. Se le ofrece una casa misteriosa para fines de grabación, que presenta un sonido perfecto, con Dave y sus compañeros de banda Pat (Pat Smear), Taylor (Taylor Hawkins), Nate (Nate Mendel), Chris (Chris Shiflett) y Rami (Rami Jaffee) instalándose en la vivienda para una larga estancia, con la esperanza de crear un álbum clásico. Dave pronto se queda sin ideas, y lo persiguen visiones demoníacas, lo que lo lleva al sótano donde una grabación malvada de una canción de metal sin terminar toma el control de su cuerpo, y poseído lo lleva a un calendario de grabación agotador y a una incontable matanza.

La banda de rock Foo Fighters está entrando a toda máquina en la industria del cine con esta nueva película de comedia y terror. Mi corazón musical ha sido un fan que se remonta a la angustia, la muerte y el dolor por la pérdida de la banda Nirvana. Fue una gran pérdida para la comunidad del grunge hasta que Dave Grohl, baterista de Nirvana, irrumpió con su nueva banda, Foo Fighters, con un sonido musical fresco. Su nuevo sonido trajo esperanza y felicidad en una época de oscuridad. Foo Fighters no solo dio una luz y un sonido post-grunge que ahora conocemos como rock alternativo, sino que tienen un grado de humor negro que los hace mucho más identificables, divertidos e inspiradores.

A lo largo de los años, Foo Fighters han producido álbum tras álbum, asesorando a bandas más jóvenes en sus comienzos, y han colaborado con otros artistas, incluidas otras apariciones en películas. A menudo me he preguntado si harían una película completa desde que Dave Grohl apareció en 2006 junto a otro talento musical, Tenacious D (Jack Black y Kyle Gass) en The Pick Of Destiny. Grohl se puso el look del Devil de Tim Curry de la película Legend (1985) y rockeó al máximo con su batería 666. Por fin ha llegado el momento. Esperaba que esta película fuera divertida, obscena y musicalmente enferma como el infierno y déjenme decirles, Studio 666 no decepcionó.

Studio 666 golpea instantáneamente al espectador con una escena de muerte. Dada la brutalidad gráfica desde el principio, anticipé que el resto de la película no tenía intenciones de escatimar en algunos efectos especiales serios y escenas de muerte interesantes. Efectivamente, la película está plagada de homenajes a las películas de terror/slasher de los años 80 como Friday The 13th (1980) y The Evil Dead (1981). Continuando... los miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll, Foo Fighters, aún no han grabado su décimo álbum, lo que enoja a su manager, quien por cierto debe algo de dinero y confía que este último y aún no terminado álbum salvará su trasero. Al necesitar un lugar de inspiración para grabar, Dave y sus compañeros de banda (Taylor Hawkins, Rami Jafee, Chris Shiflett, Nate Mendel y Pat Smear) solicitan la ayuda de su manager para encontrar precisamente eso.

Es ahí cuando entra la agente inmobiliaria de California Barb Weems (interpretada por Leslie Grossman), quien les muestra una mansión que tiene una historia sangrienta. Grohl siente una conexión con la casa desocupada durante mucho tiempo y convence con entusiasmo a los otros miembros de la banda para que se muden a la espeluznante mansión de Encino para grabar su tan esperado décimo álbum. Una vez en la casa, Dave Grohl se encuentra lidiando con fuerzas sobrenaturales que amenazan tanto la finalización del álbum como la vida de sus compañeros de banda. Samantha (interpretada por Whitney Cummings) es una vecina rara y hippie que aumenta la espeluznante estadía mientras Dave y su banda se enfrentan a entidades oscuras y fuerzas malignas mientras intentan mantenerse con vida.

La película es una mezcla muy bien hecha de películas de terror nostálgicas, cinematografía moderna y un enfoque deliciosamente siniestro. La comedia oscura y los chistes están integrados a lo largo de toda la película, y unen una pieza de humor maravillosamente recopilada que se encuentra con la diversión del terror. A eso se agrega la cantidad correcta de CGI que no hace que la película se vea demasiado falsa o exagerada. La sangre y el gore se sintieron tan reales y gráficamente detallados que me sentí aprensivo en algunos momentos. El elenco y los personajes fueron fantásticos, la historia se ajusta al género y es un infierno sangriento. El único problema que encontré es que la película dura más de lo que debería. Se podrían haber cortado unos minutos, ya que tiende a matar un poco el ambiente.

No hay duda de que esto no es un espectáculo de terror de gran presupuesto en términos de la fusión de efectos prácticos. Pero esto emite una maravillosa sensación de tangibilidad mixta que hace que el diseño simple sea creíblemente inquietante. Del mismo modo, el maquillaje y los efectos pasan de ser obviamente falsos a espantosamente realistas, según lo que requiera la situación. Grohl está teniendo una pesadilla? Hagámoslo incómodo, pero claramente falso. Grohl está despierto y es hora del caos? Cómo podemos hacer que sea lo más inquietante posible en su realismo, a la vez que bastante divertido? En serio, hay algunos momentos que verán venir a una milla de distancia que legítimamente producen risas en su ejecución. De hecho, se prepara deliberadamente una muerte para que el público sepa que se avecina, llegando a un pico con gran entusiasmo (un claro homenaje a Friday The 13th Part II, 1981).

En general, la película va a dividir al público. Te va a encantar por su comedia ridícula y su música increíble, o no te gustará el humor y te aburrirás en veinte minutos. Cuando se trata de eso, Studio 666 es un pequeño juego divertido alrededor de los demonios en la industria de la música, tanto literal como metafóricamente. La comedia será impredecible, lo cual depende completamente del sentido del humor del espectador. La música y la mezcla de sonido son geniales y la película en sí está muy bien hecha. Todo se reduce al humor de la película y si te hace reír o no. No fue aterradora de ninguna manera, pero fue muy divertida con algunas caras famosas de la escena del metal (Kerry King), la música pop (Lionel Richie), un director (John Carpenter), algunas escenas de gore asquerosas y musíca rock y metal increíble. Al final, Studio 666 es divertida, gráficamente morbosa y combina con éxito la comedia negra con el terror para crear algo nuevo en el género que te hará reír, crujir de dolor con ciertas escenas y también rockear con la música.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Texas Chainsaw Massacre

La estrella de las redes sociales Dante (Jacob Latimore) está emocionado de hacer dinero con su nueva empresa, tomando el control de Harlow, Texas, una ciudad abandonada que está a punto de remodelar, convirtiendo edificios antiguos en una comunidad próspera para jóvenes inversores. Se le unen Ruth (Nell Hudson), Melody (Sarah Yarkin) y su hermana menor, Lila (Elsie Fisher), que llegan a Harlow para reunirse con el contratista local Richter (Moe Dunford), esperando que llegue un autobús con inversores. Al ingresar a un orfanato local, los amigos se sorprenden al encontrar que Ginny (Alice Krige) todavía vive allí, jurando que todavía es propietaria del edificio, que es el hogar de Leatherface (Mark Burnham). Melody no le cree a la anciana, obligándola a salir, lo que desencadena un ataque al corazón y, finalmente, su muerte. Leatherface no soportando la pérdida, vuelve a sus viejos hábitos asesinos, persiguiendo a los extraños, creando un caos que atrae la atención de Sally Hardesty (Olwen Fouere), una sobreviviente de la masacre anterior que está lista para buscar venganza.

Cuando se trata de los titanes del horror, cuatro nombres vienen a la mente: Michael Myers, Jason Voorhees, Freddy Krueger y Leatherface. Cada uno tiene su propia marca y estilo particular y todos han acumulado grandes legiones de fanáticos. Con respecto a Leatherface, ha estado aterrorizando a víctimas (y audiencias) desprevenidas durante los últimos 48 años, lo que resultó en que The Texas Chainsaw Massacre sea una de las franquicias de terror más grandes. Esta Texas Chainsaw Massacre de Netflix no es una nueva versión, es una secuela directa de la película original de 1974, pero ambientada en los tiempos modernos. Con la franquicia teniendo solo un par de éxitos y demasiados fracasos, muchos se preguntarán cómo se compararía esta película con el resto.

No hace falta decir que nada superará la película original de 1974. Yo sé eso, y ustedes lo saben. Dicho esto, creo que esta película es una secuela adecuada de la original que aún captura el horror de lo que hace que Leatherface sea tan aterrador. La película comienza cuando conocemos a los amigos y socios Melody y Dante, junto con la hermana de Melody, Lila, y la novia de Dante, Ruth, mientras viajan a la remota ciudad de Harlow, Texas, con la esperanza de dar nueva vida a un pueblo fantasma olvidado hace mucho tiempo. Sin embargo, no todo sale según lo planeado después de que una tragedia repentina pone en marcha una máquina de matar imparable empeñada en vengarse.

Asumiendo el papel de Leatherface (R.I.P Gunnar Hansen) está el actor Mark Burnham, quien no tiene ningún problema en transformarse en el hombre maníaco que maneja una motosierra, tanto en su actuación como en su físico. Como espectadores, estamos viendo cómo se desarrolla todo a través de los ojos de estos cuatro amigos, pero con un mayor enfoque en las experiencias de Melody y su hermana, Lila. Elsie Fisher, más conocida por su papel en la comedia/drama Eighth Grade (2018), y Sarah Yarkin, a quien la mayoría reconocerá por Happy Death Day 2U (2019), podrían haber usado un poco más de química para hacer que los espectadores crean que eran hermanas. Pero como personajes individuales, son identificables, incluso cuando se trataba del trauma oculto de Lila después de un tiroteo en su escuela. La película realmente descansa sobre sus hombros y, al final, es difícil no sentir algún tipo de tirón emocional en el corazón.

Completando el resto del elenco principal se encuentran Jacob Latimore y Nell Hudson. Aunque su tiempo de pantalla es limitado principalmente debido a la historia general con Lila y Melody, no son menos importantes. Incluso me atrevería a decir que sus escenas específicas son algunos de los momentos más impactantes de la película. Asumiendo el papel de Sally, la última chica de la película original de 1974 que la actriz Marilyn Burns hizo famosa (quien lamentablemente falleció en 2014) está la actriz irlandesa Olwen Fouéré. Como estamos viendo a Sally en una etapa mucho más avanzada de su vida, no fue desagradable ver a otra actriz ponerse en el lugar del personaje. Dicho esto, me hubiera gustado que la historia de Sally tuviera más peso. Se nos vuelve a presentar 48 años después de que experimentó la masacre original, y al traerla de vuelta, desearía que pudiéramos echar un vistazo más a su vida y lo que ha experimentado desde la masacre. Independientemente de eso, Fouéré hizo un trabajo fantástico al dar vida a esta versión de Sally y presentarla con fuerza y ​​resistencia.

Inicialmente, estaba escéptico sobre cómo la historia integraría no solo el tema de la gentrificación sino también la cultura millennial haciendo que la historia y el diálogo valieran la pena. Pero en su mayor parte, el director David Blue Garcia y los escritores Fede Alvarez y Rodo Sayagues tuvieron éxito. Eso no quiere decir que ciertas escenas no aprovecharon los clichés milenarios de la mentalidad de las redes sociales, pero en su mayor parte, se desviaron de esos puntos focales al darles al público/fanáticos lo que querían: carnicería y sangre.

No se puede hacer una reseña de Texas Chainsaw sin hablar de las muertes. Cada muerte se realiza de forma elaborada y es un festín para los ojos, si es que pueden soportar algunos momentos verdaderamente sangrientos. Pero el golpe más devastador está al principio. En la quietud de un campo de trigo rodeado de quietud, y es brutal porque se siente muy real. Hay muchas otras muertes que obtendrán mucha más atención por superar los límites del gore, pero para mí, esa primera muerte realmente pone en marcha lo que está por venir. Entonces, cómo se compara esta masacre de Texas Chainsaw? Si puedes moderar tus expectativas y entrar con la mentalidad de divertirte y tener un poco de miedo, entonces te divertirás mucho. No es tan brutalmente oscura e inquietante como la Texas Chainsaw Massacre del 2003, pero no está lejos de serla. Y, para mí, esto fue todo lo que quería de Halloween (2018) y no conseguí.

En general, esto es un reboot/secuela decente que ocasionalmente es reflexiva, con algunas escenas obligatorias de sangre, gore y horror para mantener contentos a los súper fanáticos. Esta versión de Texas Chainsaw Massacre está ambientada 48 años después de la película original, y la ira de Leatherface es reavivada por jóvenes aspirantes a capitalistas, dueños de restaurantes y dueños de galerías de arte bien intencionados que intentan revitalizar Harlow, un pueblo casi abandonado debido a los espantosos asesinatos de los años 70 que se convirtieron en material de documentales sobre crímenes reales. Aún así, la película logra transmitir una sorprendente cantidad de empatía expresada entre los personajes en lados opuestos del espectro sociopolítico. Al final, Texas Chainsaw Massacre es una entrada brutal y violenta en la serie. No está exenta de fallas, pero sin duda alguna es la entrada que más he disfrutado desde la versión producida por Michael Bay en el 2003.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Scream

Cuando su hermana, Tara (Jenna Ortega), es atormentada por teléfono y finalmente atacada por el asesino Ghostface, Sam (Melissa Barrera) se ve obligada a regresar a su ciudad natal de Woodsboro. A ella se une su novio, Richie (Jack Quaid), y pronto conoce a Tara en el hospital, donde sus amigos se han reunido para asegurarse de que esté bien. Los adolescentes Wes (Dylan Minnette), Liv (Sonia Ben Ammar), Amber (Mikey Madison) y los gemelos Chad (Mason Gooding) y Mindy (Jasmin Savoy Brown) están conmocionados por el intento de asesinato y reconocen que Ghostface está de vuelta trayendo consigo su amor por las trivias cinematográficas y los cuchillos afilados. Cada vez más obsesionados con Stab, la película basada en el caso original de Ghostface de 1996, los jovenes se dan cuenta de que el ciclo está comenzando de nuevo y se proponen reclutar a Dewey (David Arquette) para ayudar con la investigación. A medida que continúa la ola de asesinatos, Gale (Courtney Cox) y Sidney (Neve Campbell) se unen a la cacería en busca de la identidad del asesino enmascarado.

Cuando se estrenó la primera Scream en 1996, la película se convirtió instantáneamente en un ícono entre los fanáticos del terror por su habilidad para transitar hábilmente la línea entre el homenaje y la parodia mientras hablaba del auge de las películas de slashers. Para ser honesto, nunca he sido fanático de la franquicia Scream (solo me gustó la primera película), sin embargo ha sido la última palabra al hablar el idioma del género, descansando sobre una base de terror legítimamente efectivo y homenajes internos a los fans más devotos y sanguinarios. La película original de 1996 deja atrás unas botas muy grandes que llenar para que esta nueva Scream entre y me sorprende decir que esta película avanza cómodamente en el camino establecido por su icónica predecesora.

Scream tiene lugar 25 años después de la racha original de brutales asesinatos por parte de Ghostface. Esos horribles eventos han sido inmortalizados en la franquicia de terror Stab, y un nuevo asesino se ha puesto la máscara y el ciclo de la muerte ha comenzado de nuevo. Un grupo de adolescentes, todos conectados con el pasado mortal de Woodsboro, son los objetivos de la furia de Ghostface y se acaba el tiempo para descubrir secretos enterrados durante mucho tiempo, desenmascarar a Ghostface y poner fin al horror. La película está dirigida por los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillet. Las estrellas de la franquicia Neve Campbell, Courteney Cox y David Arquette regresan a sus papeles icónicos junto a los recién llegados a Woodsboro Melissa Barrera, Kyle Gallner, Mason Gooding, Dylan Minette y Jenna Ortega.

Oportunamente, la película encuentra una facilidad natural en los homenajes y los comentarios del género. Scream está repleta de homenajes a la amada película original de 1996 con una gran cantidad de easter eggs, tomas recreadas y divertidas bromas a escenas icónicas y momentos de los personajes. Es una dosis perfecta de nostalgia para los fanáticos de toda la vida, sin ser tan autocomplaciente que aliene al espectador más casual. Al igual que su predecesora, la película arroja varios golpes sarcásticos (pero amorosos) sobre el viaje que han realizado las películas de terror en las últimas décadas. Películas como The Babadook (2014) y Hereditary (2018) son el blanco de broma cuando Ghostface intenta conectar sus inclinaciones slasher con una audiencia moderna que parece haber superado los elementos del miedo. Estos momentos harán reír a carcajadas a los fanáticos del género de terror y dirán mucho del ingenio de Scream. Los chistes son tan profundos como los cuchillazos de Ghostface, en una perfecta respuesta moderna al tono de la película original. Bien hecho.

Como horror, Scream se atreve a ser más brutal, más sangrienta y más trastornada. Las escenas de muertes encuentran un término medio entre las intrincadas recreaciones de los éxitos anteriores de la franquicia y los nuevos asesinatos pueden ser tan morbosos como el público pueda soportarlos. Desde secuencias de "hack n' slash" no discriminatorias hasta la brutalidad cometida contra personajes queridos, Scream cumple sus promesas punzantes. La película también es extremadamente consciente de sí misma y comprende a su audiencia, su género y su legado. Scream es muy consciente de que los fanáticos de la película original la han visto una y otra vez. La película sabe que su audiencia es alfabetizada en terror y busca cualquier señal de un próximo susto. La película, francamente, lleva a la audiencia a la broma al presentar imágenes y elementos diseñados para despistar al espectador de terror más avanzado.

Desde las primeras escenas de la película, los espectadores notarán largos abrigos o delantales negros (a menudo con un destello de una bufanda blanca u otro accesorio) que permanecen fuera de foco en el fondo. Cada vez el corazón se detiene mientras entrecierras los ojos en el fondo y buscas signos de Ghostface. En otras escenas, un personaje entrará en una configuración clásica de susto, comenzarás a tensarse (o reírte entre dientes) y... nada. Esta es la atención al detalle de Scream y un excelente ejemplo de cómo la película guiña el ojo a sus fans. Pequeñas elecciones perfectamente ejecutadas, llevan la película al siguiente nivel. Estos son los momentos en los que Scream está en su máximo rendimiento.

Con lo dulce viene lo agrio, como siempre. Como mencioné anteriormente, Scream se esfuerza por conectar a los fanáticos de la original con esta nueva generación de Ghostface y sus sobrevivientes. Durante gran parte de la película, la línea entre el homenaje y la ficción de los fanáticos es clara y respetada, pero cuando se esfuma hay problemas. A veces, la película constantemente mira hacia atrás y cae en el camino de lo cursi y se siente como si estos nuevos personajes estuvieran luchando por escapar de la sombra de las películas predecesoras. Agreguen a eso una presentación torpe sobre la cultura del fandom tóxico y el lado oscuro de la comunidad de terror, y la diversión está peligrosamente cerca de descarrilarse. Muy cerca, pero no del todo.

En general, la Scream original tomó una década de películas slasher, las empaquetó para el espectador experimentado y llevó la última carta de amor a las películas de horror. Esta Scream aplica esa misma fórmula, afecto y atención al detalle a la noción de la franquicia de terror y entrega su propia carta de amor a una generación de fanáticos que ha visto cambiar el horror pero aún recuerda sus raíces. En este punto esencial, Scream es un triunfo. Esta es exactamente la película que los amantes del slasher han estado esperando. Llena de sangre y siendo brillante, habla el lenguaje de los espectadores que más la quieren. Es una digna sucesora en una larga línea de realeza dentro del género de terror. Al final, Scream toma la fijación de la película original en las reglas y la fórmula de las películas de género y las actualiza para el mundo de los "re-quels" de hoy. También se toma muy en serio el concepto de los remakes, montando lo que es básicamente una repetición de la película original de Wes Craven, apoyándose en un déjà vu para atraer mejor a los fanáticos veteranos y a los recién llegados a la rutina de acecho del asesino conocido como Ghostface.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Batman

Gotham City está siendo destrozada por el crimen, lo que inspira a Bruce Wayne (Robert Pattinson) a vestirse como The Batman, haciendo su parte para usar el miedo y la violencia como una forma de limpiar las calles. Dos años después de su misión, Bruce lucha por dar sentido a su influencia y encuentra un aliado en el detective James Gordon (Jeffrey Wright), quien encuentra a Batman más confiable que sus compañeros policías, quienes parecen ser leales a los gansters locales, incluido el influyente capo Carmine Falcone (John Turturro). Alzándose para aterrorizar a la ciudad está Riddler (Paul Dano), un loco que busca víctimas específicas vinculadas a la historia y la corrupción de Gotham City para atraer la atención de Batman. Cuando el alcalde es asesinado por Riddler, Bruce reúne pistas sobre la vida secreta del hombre, conectándolo con una mujer desaparecida con posibles vínculos con Falcone y su subordinado, Penguin (Colin Farrell). También interesada en la situación está Selina Kyle (Zoe Kravitz), que busca adquirir su propia información, atraída por Batman y sus formas enigmáticas mientras la pareja busca enemigos mutuos.

Aproximadamente a la mitad de la sensacional e inquietante The Batman dirigida por Matt Reeves, pensé: "Esto es increíble!". Todo lo que sabía era que la versión de Reeves del Dark Knight era todo lo que debería ser, tanto una nueva visión para los fanáticos ocasionales del personaje como estar profundamente en deuda con algunas de las mejores historias del personaje de los comics. Y lo más sorprendente de todo? La interpretación de Robert Pattinson como el mayor detective y luchador contra el crimen de Gotham City es verdaderamente increíble y fuera de este mundo.

Este Batman está muy alejado de las adaptaciones anteriores por el hecho de que es menos una película de superhéroes y es un misterio de detectives, un thriller criminal ambientado en una ciudad desgarrada por la corrupción y el privilegio. Gotham es lo que es, hemos visto tantas versiones de este lugar plagado por el crímen que es difícil distinguirlo. Pero Reeves va más allá. Aquí, la desesperanza se ha hundido profundamente en el centro de la ciudad y en los huesos de sus ciudadanos. Incluso sus héroes vienen con cierta aceptación de que lo que hacen es inútil. Batman podría luchar por la gente de Gotham, pero no está muy seguro de sus probabilidades de éxito.

Reeves nos ahorra otro recuerdo del asesinato de los padres de Bruce Wayne a manos de un asaltante desconocido. La muerte de sus padres lo llevan a ignorar el negocio familiar y concentrarse en sus actividades nocturnas como Batman. Aquí, apenas su segundo año como el Dark Knight, Batman es más un mito que una presencia física. Los delincuentes le temen, y al ver la señal de su murciélago en el aire significa que es hora de huir. Los policías tampoco confían mucho en este monstruo disfrazado, con la excepción de James Gordon, que parece confiar solo en él. Bruce ha visto el sueño de su padre Thomas de una candidatura a la alcaldía, y el ambicioso proyecto de Renovación, convertidos en polvo. No habrá renovación de nada más que asesinatos y crímenes en Gotham. Los mafiosos se han hecho cargo, desde Penguin hasta Carmine Falcone, y de repente hay un asesino en serie llamado Riddler que asesina a funcionarios gubernamentales y policiales clave relacionados con un caso importante.

Este no es el Riddler del traje verde neón y cabello naranja de la actuación de Jim Carrey en Batman Forever (1995). No hay sombrero divertido ni rimas infantiles tontas. En una escena temprana, Riddler se esconde en las sombras y golpea salvajemente al alcalde hasta matarlo. Este Riddler está más cerca de un asesino en serie como Jigsaw o Hannibal Lecter (sin comer humanos, por supuesto). Su brutalidad solo es igualada por su ingenio, arrojando pistas sobre una conspiración más amplia, provocada en una batalla intelectual solo para los ojos de Batman. Se mantiene unos pasos por delante de todos, incluido el Dark Knight.

Esa batalla de intelecto entre Riddler y Batman es otra cosa que separa a este Batman de los demás. La capacidad analítica de Batman, su capacidad detectivesca, se ve sobre todo como su mayor talento. A veces, la película se siente como un episodio de Law And Order, con Batman y Gordon emparejados para investigar los muchos acertijos de Riddler. Hay mucha acción, y Batman lanza más que su cuota de golpes, pero su mayor arma es su mente y eso se ignora con demasiada frecuencia en los comics, pero definitivamente en esta película es clave.

Este énfasis en las habilidades de investigación de Batman solo hace que el casting de Robert Pattinson sea más genial. Yo estaba escéptico al principio, y por una buena razón. Incluso como una versión de Year Two de Batman, Pattinson parecía inadecuado. Pero este es un Bruce Wayne consumido por sus emociones. El arrepentimiento y la rabia fluyen dentro de él. Es intenso, está enojado, y es un poco salvaje. Ahora... qué hace que Bruce Wayne piense que es tan diferente de los otros ricos fácilmente corruptibles que hay en Gotham City? Acaso su dinero y sus privilegios no lo apartan de la difícil situación de los demás, incluso cuando lucha por ellos? Es interesante que en tantas historias de Batman su dinero sea uno de sus muchos poderes, pero en un lugar como Gotham City donde la gente no confía en los ricos, no sería un obstáculo?

Por supuesto, cuando las promociones enseñaban de manera prominente a Batman y Catwoman no era casualidad. La química de Batman con Selina Kyle/Catwoman es clave en toda la película. Interpretada por Zoe Kravitz, Selina es diferente de otras versiones del personaje, y eso no debería sorprender. Su actuación se basa menos en el atractivo sexual, aunque lo exhibe sin esfuerzo. Selina es dura, ingeniosa y llamativa. También es ferozmente leal y entra en escena cuando una amiga relacionada con los asesinatos desaparece. Ella necesita la ayuda de Batman, y él necesita información. Que Selina sea una ladrona que se dirige únicamente a los ricos como él no parece ser una gran preocupación, bueno, al menos hasta que ella le dice que "suenas como si vinieras de dinero". Ella no oculta nada, y él está completamente cerrado en sus emociones. Y, sin embargo, se encuentran fácilmente y de manera creíble. Solo miren su proximidad física durante las peleas y como muestra su floreciente relación. Comienzan como rivales, literalmente lanzando puños y patadas con furia, para luego protegerse, literalmente, de aquellos que les harían daño.

El amor de Reeves por Batman y estos personajes es evidente, como se ve en los muchos homenajes a historias como Year Two (lanzada en 1987), No Man's Land (lanzada en 1999), Hush (lanzada en 2002) y más. Pero hay tantas referencias a películas policíacas y cine noir del pasado, incluida Chinatown (1974), para capturar el ambiente sucio o impuro de Gotham, envuelto en sombras y desesperación. Esta es una película de Batman que, incluso con un tiempo de duración poco menos de tres horas, nunca se siente inflada. La acción quizás no esté al nivel de éxito de taquilla que algunos pueden esperar, pero la acción que hay es realmente fenomenal, incluida una de las mejores persecuciones de autos que he visto en años con el Batimóvil rugiendo a través de explosiones que iluminan el cielo nocturno de Gotham. Respaldado por una banda sonora sinfónica y espeluznante, The Batman es una experiencia que lo abarca todo y atrapa a uno.

Más allá de Robert Pattinson y Zoe Kravitz, las actuaciones son estelares en todos los ámbitos. Paul Dano ha entregado un Riddler definitivo que es aterrador y brillante. Colin Farrell y John Turturro son excelentes en un tiempo muy limitado, y Jeffrey Wright aporta esa actuación natural que esperamos siempre de él. Silenciosamente, Andy Serkis hace un trabajo poderoso como Alfred, el mentor y figura paterna de Bruce Wayne, quien ve su camino de obsesión, pero no está seguro de cómo detenerlo.

Por supuesto, el tiempo dirá cómo será The Batman en comparación con sus predecesoras. Pero sé que cuando aparecieron los créditos, mi instinto me decía que esta es la mejor película de Batman jamás realizada. The Dark Knight (2008) sigue siendo un logro cinematográfico fenomenal, al igual que todas las películas de Christopher Nolan y la primera Batman (1989) de Tim Burton. Pero The Batman es un logro cinematográfico grandioso, elaborado con la habilidad y el atrevimiento de Reeves de hacerla a su manera. Para aquellos que están cansados ​​de las experiencias comunes y corrientes de superhéroes, esta podría ser la que les muestre todo el potencial de una película de superhéroes.

En general, verdaderamente aterradora, verdaderamente emotiva y con un verdadero misterio en su centro, esta es una versión totalmente diferente de la historia contada a menudo del Dark Knight, ya que la película muestra el verdadero significado de la venganza. Esto superó y sobrepasó mis expectativas. Justifica su propia existencia con una gran narración, conocimiento sobre la humanidad y la sociedad humana, junto con actuaciones poderosas. Tiene una acción emocionante que funciona al servicio de la historia y un villano aterrador que es demasiado real. Al final, The Batman tiene todos los ingredientes que la base de fans espera, lidiando con villanos, crimen y heroísmo, pero el director Matt Reeves sacude las cosas con éxito con su versión noir del Dark Knight, convirtiendo la película en una inquietante historia de detectives que presta especial atención al carácter y la atmósfera. Es una película larga (2 horas y 48 minutos) y lo sentirán, pero la recompensa por un tiempo de duración tan extremo es una inmersión total en la guerra de la salud mental que es la experiencia de Batman, con Reeves logrando la brutalidad y el despertar de este complicado personaje.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Fistful Of Vengeance

Tommy (Lawrence Kao) se une a sus amigos, el Wu Assassin Kai (Iko Uwais) y el engreído asesino a sueldo Lu Xin (Lewis Tan). Los tres parten de San Francisco hacia Bangkok para vengar el asesinato de la hermana de Tommy, Jenny. Su búsqueda del asesino de Jenny, con la ayuda de Preeya (Francesca Corney), un antiguo interés amoroso de Tommy, los lleva a un misterioso multimillonario llamado William Pan (Jason Tobin). Después de reunirse con Pan, no pasa mucho tiempo para que Tommy y sus amigos sean incriminados por una masacre en un hotel y tengan la tarea de salvar al mundo de una fuerza mística que se ha desatado y que probablemente caiga en las manos equivocadas. En el camino, se reencuentran con viejos amigos y forman alianzas inesperadas. Contra viento y marea, Kai, Tommy y Lu Xin, con la ayuda de sus aliados, deben vengarse del asesino de Jenny y también salvar al planeta de la aniquilación total.

Se necesita un esfuerzo para recordar esto ahora, pero Wu Assassins fue una serie de Netflix del 2019 en la que Iko Uwais interpretó a un chef de Chinatown llamado Kai que, a través de una serie de eventos bastante complicados, se convirtió en un monje guerrero mágico. Fue una serie profundamente tonta y con muchos defectos que fue fácil de disfrutar debido a la energía y los extensos dones físicos de Uwais, especialmente porque prácticamente todas sus apariciones en Hollywood han sido decepcionantes después de su gran trabajo de todos los tiempos en The Raid (2011) y The Raid 2 (2014). De todos modos, el programa duró una temporada y fue cancelado, y nadie asumió que veríamos algo más.

Ahora tenemos Fistful Of Vengeance, un largometraje que continúa la historia. Pero a pesar de las conexiones obvias, no es casualidad que no se mencione a Wu Assassins en el título, así que como algo satisfactorio, esta película también funciona como una película de acción independiente en la que Uwais, Lewis Tan y Lawrence Kao golpean, patean y ocasionalmente abren su camino en CGI a través de montones de secuaces y criaturas vagamente míticas. Un poco de conocimiento de la serie ayudará, pero no es obligatorio.

Es justo decir que Fistful Of Vengeance se siente distinta. Depende menos de los efectos especiales y se siente más como una versión ligera y menos sangrienta de algo como The Night Comes For Us (2018). La acción se ha trasladado a Tailandia y la trama involucra a vampiros llamados Jiangshi y un ser sobrenatural llamado Ku An Qi que quiere resucitar al primer hombre, Pan Gu. Sin embargo, poco de esto realmente importa en el gran esquema de las cosas, en cambio proporciona un marco útil para varias piezas de acción extendidas que honestamente comprenden la mayor parte de la película (lo cual no es una crítica en lo más mínimo).

Estas piezas fijas son en gran medida muy sólidas, aunque podrían haberse cortado. La coreografía sigue siendo clara y es fácil de seguir, pero un ángulo más estable y más amplio habría ayudado en parte al impacto y la tensión, especialmente cuando la acción entra en espacios más reducidos e involucra a grupos más pequeños. Sin embargo, lo que sí aprecié fue la combinación de puños, armas, peleas cuerpo a cuerpo y disparos, lo que le dio a cada uno de los personajes, incluidas las recién llegadas Preeya y el agente de la Interpol Zama, un estilo distinto. Francesca Corney no es tan convincente físicamente como los demás, pero es bueno que no se deje toda la acción a Uwais y Tan, a pesar de que son estrellas de acción contemporáneas verdaderamente fenomenales.

Los personajes honestamente dejan más que desear, especialmente en una historia de amor simbólica y a medias entre Zama y Lu Xin, y una traición tardía que parece normal. Puedes darte cuenta de que la trama y los arcos de los personajes no eran el centro de atención aquí, y eso está bien hasta que comienza a generar más preguntas de las que te gustaría sobre quién es quién y qué es qué. Sin duda, la película es innegablemente generosa en su acción, que es el verdadero punto de venta de todos modos, y aparte de algunos casos de extras que esperan su turno para atacar, que siempre es un problema notable, hay suficiente destreza e invención en las secuencias de pelea para realmente hacer de esta película una recomendación para los fanáticos del género, incluso para aquellos que no han visto Wu Assassins. Pero uno no puede evitar desear que fuera un poco mejor de lo que es.

En general, la película lleva la franquicia de Wu Assassins a un ritmo muy rápido. Si bien hay áreas donde los elementos significativos del programa se quedan un poco cortos de la transmisión de la serie a película, Fistful Of Vengeance expande el mito de Wu Assassins de nuevas maneras mientras golpea a los espectadores con toda la acción de artes marciales que anhelan. Al final, Fistful Of Vengeance adopta un enfoque de adrenalina, y es mucho más una historia contenida que Wu Assassins. Dicho esto, es difícil imaginar que los espectadores no estén ansiosos por ver la próxima aventura del Wu Assasin y sus aliados. Ya sea con una segunda temporada o en otra película, estoy ansioso por experimentar otro Fistful Of Vengeance en el universo de Wu Assassins. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Uncharted

Hace 15 años, Nathan (Tom Holland) vio cómo su hermano Sam, que buscaba aventuras, lo dejaba en un orfanato, con la promesa de reunirse algún día cuando fueran mayores. Ese momento nunca llegó, y ahora Nathan vive en la ciudad de Nueva York, trabajando como cantinero y ladrón, usando trucos que Sam le enseñó. En su vida llega Sully (Mark Wahlberg), un cazador de tesoros que una vez trabajó con Sam antes de su separación, solicitando ayuda en relación con una enorme fortuna en oro relacionada con la expedición de Magallanes en el siglo XVI. Al principio dudando en confiar en Sully, Nathan pronto accede a seguir el plan, con los 2 hombres en busca de una cruz dorada especial que señala el camino hacia el tesoro. También en la búsqueda del oro de Magallanes está Moncada (Antonio Banderas), un cazador de tesoros rival, a quien se une Braddock (Tati Gabrielle), con el objetivo de reclamar el oro cruzando y haciendo su propio camino alrededor del mundo. Manteniendo a Nathan y Sully en alerta está otra cazadora de fortunas, Chloe (Sophia Ali), que está dispuesta a ayudarlos en su búsqueda de pistas.

Dado que los videojuegos han visto aumentos masivos en su presupuesto y, por lo tanto, en la capacidad gráfica, se han vuelto tan cinematográficos como la mayoría de las películas. Y se podría argumentar que la franquicia de aventuras de Naughty Dog, Uncharted, es la más cinematográfica de todas. Entonces, por qué fue tan difícil adaptarla a la pantalla grande? Literalmente, esta adaptación ha estado en proceso durante tanto tiempo que hemos vivido para ver a Mark Wahlberg pasar de ser elegido como el joven buscador de tesoros Nathan Drake a interpretar a su mentor mucho mayor, Victor "Sully" Sullivan. Después de una larga espera y muchos problemas de producción, Uncharted tiene muchas de las emociones que ofrece el juego, pero no mucho más.

La larga espera podría haber sido para mejor, ya que permitió que Tom Holland asumiera el papel de Nathan Drake. Nathan es algo así como un delincuente con manos rápidas y un cantinero propenso a ganar clientes con extensas lecciones de historia. El chico sabe lo que hace, y eso lo pone en el radar de Sully, quien lo recluta para una peligrosa misión para encontrar el tesoro perdido de Magellan. Por qué Nathan? Porque la búsqueda una vez involucró al hermano mayor perdido de Nathan, Sam, ya que los hermanos descienden del gran explorador Sir Francis Drake. Por supuesto, también hay villanos que buscan este tesoro pirata perdido. Antonio Banderas interpreta al malvado y rico Moncada, que espera restaurar el legado de su familia. Tati Gabrielle interpreta a su asesina a sueldo, Braddock, quien podría saber algo sobre el destino de Sam. Esta es una de esas películas en las que nadie puede confiar en nadie, por lo que también tenemos a Chloe Frazer, interpretada por Sophia Ali.

Aunque más de media docena de directores probaron suerte en dirigir Uncharted, fue Ruben Fleischer quien terminó con el trabajo. Su trabajo debería ser bastante fácil dado el simpático elenco y las evidentes influencias de Hollywood en el juego. La película en realidad comienza mostrando su escenario más impresionante, con Nathan colgando a miles de pies en el aire sujeto a una carga suelta que cuelga de un avión. Es una secuencia impresionante cuando se ve en su totalidad, con Holland mostrando una fisicalidad y una agilidad impresionantemente creíbles, lo que no sorprende dadas sus raíces con Spider-Man. Lucha con la velocidad de un gato, balanceándose desde el techo y volcando mesas, incluso peleando con una espada pirata y disparando balas de cañón como un profesional. Es un papel divertido y Fleischer filma a Holland como una estrella. Sin embargo, es gracioso cuando sigue siendo un vehículo para Mark Wahlberg. Si bien Holland recibe la mayor parte de la atención, las mejores líneas y momentos pertenecen a Wahlberg, casi como si todavía fuera la estrella cuando obviamente no lo es.

La influencia de Wahlberg se extiende a la relación entre Sully y Nathan. Seamos honestos, Wahlberg interpreta exactamente el mismo tipo de personaje cuando está acompañado como en esta película. Por lo tanto, no sorprende que la dinámica entre Sully y Nathan se parezca mucho a las bromas en The Other Guys (2010) o Spenser Confidential (2020). Por otro lado, la versión de Nathan de Holland es básicamente él haciendo de Peter Parker. Atrás quedaron la valentía y los nervios de acero característicos de Nathan, que podrían irritar a los más fanáticos, pero esto está más en la liga de Holland. Tati Gabrielle también es muy buena, dando una Braddock astuta y algo más que una matona contratada. Tiene presencia en la pantalla y espero verla en papeles más importantes en otras películas de esta escala.

Inspirándose en parte de los juegos de Uncharted (el más obvio siendo Uncharted 4: A Thief's End), la historia es bastante sencilla. Los juegos son básicamente Tomb Raider con muchos acertijos y demasiada exposición, como si alguien viera The Da Vinci Code (2006) con demasiada frecuencia cuando debería haber prestado más atención a National Treasure (2004). Entre las escenas de acción, Uncharted se atasca con un diálogo que suena sacado de Wikipedia, mientras que al mismo tiempo no logra vendernos la asociación entre Nathan y Sully. Ninguno de los personajes se desarrolla con suficiente detalle, y eso se aplica también para su elenco de apoyo. Quieren que compremos el romance entre Nathan y Chloe, pero no hay vapor ni motivación detrás de eso. Tal vez lo veamos en películas posteriores.

La película realmente gana su dinero con el gigantesco acto final que encuentra a Nathan y Sully luchando a bordo de barcos piratas llenos de tesoros que se balancean desde helicópteros. Es un final impresionante y alucinante y te hace preguntarte qué harán las futuras secuelas para superarlo. Con Holland y Wahlberg a bordo, el plan claramente es construir una franquicia que pueda rivalizar con los videojuegos. Si bien la película no funciona a toda máquina como lo hace jugar el juego en casa en tu consola, esta aventura es un hallazgo raro en la pantalla grande hoy en día, así que es mejor sentarse y disfrutarla.

En general, la película ofrece varias aventuras mientras visita cámaras secretas y decodifica acertijos. El resto del esfuerzo no es tan inspirado o astuto con sus efectos visuales, con la producción exagerando el CGI para encontrar una salida a la historia, brindando una película tipo éxito taquillero mientras el guión organiza cruces dobles y una conclusión insatisfactoria. Los fanáticos de la serie de videojuegos sin duda encontrarán más para disfrutar aquí que el espectador promedio, pero es difícil creer que las hazañas cinematográficas de Nathan y Sully sean capaces de igualar las aventuras más directas que se encuentran en el juego. Al final, Uncharted es una adaptación de videojuego entretenida. Lamentablemente, la película no logra convocar la significativa sensación de emoción que normalmente acompaña a este estilo de película. No es la mejor película de acción/aventura, pero puedo ser muy condescendiente si me divierte.

Puntuación: 3 alcapurrias.