Review: Cocaine Bear

En 1985, una entrega de drogas sale mal cuando un lanzamiento aéreo de múltiples bolsas de cocaína no da en el blanco, y la mercancía aterriza en Blood Mountain dentro de un parque nacional de Georgia. En la búsqueda de las drogas perdidas están Eddie (Alden Ehrenreich) y Daveed (O'Shea Jackson), quienes trabajan para Syd (Ray Liotta), un capo criminal que es el destinatario de la droga. Henry (Christian Convery) y Dee Dee (Brooklynn Prince) son dos niños que faltan a la escuela para pintar una cascada en el parque, y su madre Sari (Keri Russell) es una enfermera que sale a buscarlos. Bob (Isiah Whitlock Jr.) es un policía que busca pruebas para encarcelar a Syd. Y la guardabosques Liz (Margo Martindale) patrulla el bosque de Blood Mountain, tratando de mantener el orden. También se mueve por el área un enorme oso, con la bestia encontrando y disfrutando de las bolsas de cocaína, listo para destrozar a personas mientras busca aún más drogas para seguir funcionando.

Con un título como Cocaine Bear, no es demasiado difícil vender ese tipo de premisa al público en general. Increíblemente basada en una historia real, es simple y va al grano, pero hacer una película en torno a una premisa simple no siempre es fácil, ya que algunos cineastas tienden a pensar demasiado durante su ejecución. Si bien la película no es perfecta de ninguna manera, tal vez piensa demasiado en su premisa y se pierde al tratar de ser más de lo que debería haber sido. Dicho esto, tiene muchos momentos brutales y sangrientos que seguramente entusiasmarán al público. Si la película hace algo bien, definitivamente es presentar el lado cursi de los años 80's. Su autoconciencia es admirable, ya que acepta su tontería y ridiculez y no trata de ser nada más de lo que es. Corta pero dulce, con una duración de alrededor de 1 hora y 30 minutos, la película no podría ser solo un oso, aunque muchas personas probablemente desearán que haya más osos. Con demasiados personajes para crear algún tipo de historia en torno al oso titular, solo confunden la narrativa hasta el punto de la insignificancia total, lo que podría hacer que la película parezca una tarea ardua de ver.

La historia de Cocaine Bear no importa más allá de dicho oso, ya que una puerta giratoria de personajes se encontró en el mismo bosque con un oso después de haber ingerido cocaína después de un accidente aéreo. Con una serie de tramas secundarias interconectadas con el oso y el bosque, la película es esencialmente una colección de piezas que nunca encajan del todo de manera cohesiva. Dentro de ese lío habían algunos momentos salvajes y divertidos destacados, pero la película parecía favorecer esas historias paralelas en lugar de simplemente dejar que el oso se volviera loco. Aunque todo tiene que estar unido a algo para que funcione, la película parecía ir demasiado lejos en la dirección equivocada con ese exceso de personajes que van y vienen y que podría haber eliminado. Simplemente estaba interesada en ponerlos en una serie de situaciones ridículas mientras intentaban sobrevivir. El problema con eso es que los personajes fueron muy simples, mientras que el oso fue dolorosamente infrautilizado como un dispositivo de la trama en lugar de un punto focal. Mientras tanto, el diálogo estuvo acorde con el tono y el ambiente general que buscaba la película.

Para su crédito y a pesar de sus muchos defectos, la película tiene algo de entretenimiento, encontrando algo de comedia oscura en su premisa tonta. La película es divertida la mayoría de las veces y, aunque el oso deja una buena cantidad de caos y destrucción (y mucha sangre) a su paso, uno no puede evitar preguntarse a dónde va todo en última instancia y cuál es el sentido de todo. Nunca hubo mucho que contar en lo que respecta a la narrativa y cuanto más dura la película, se nota. Con personajes de todo el espectro moral y ético, lo más destacado fue una enfermera y madre soltera llamada Sari cuya única preocupación era encontrar a su hija desaparecida Dee Dee que estaba en algún lugar del bosque. Al intentar fundamentar la película con algo de humanidad, fue convincente de ver, aunque solo fuera por tener una determinación identificable. Acompañándola estaba el mejor amigo de Dee Dee, Henry, quien se separó de ella cuando faltaron a la escuela para ir al bosque. Su energía juvenil lo convirtió en un ladrón de escenas consumado junto con los otros pesos pesados ​​del elenco.

Los efectos visuales utilizados para dar vida al oso estaban bien hechas en las escenas en las que aparecía, así como la sangre, las vísceras y otras partes del cuerpo que ensuciaban la pantalla a su paso. Al optar por una vibra de película de clase B de los años 80's en términos de tono, hubo algo de diversión aquí además de la premisa tonta, ya que la cámara trata frenéticamente de mantenerse al día con toda la locura y sus personajes en su mayoría exagerados. Las actuaciones fueron decentes en todos los ámbitos, destacando los mencionados Keri Russel y Christian Convery. Al obtener la mejor parte, Russell fue el corazón indiscutible de la película y usó su experiencia de vida para pensar en sus pies y sobrevivir. La energía de Convery y varias entregas de líneas graciosas fueron una delicia para ver. Margo Martindale, como guardabosques, también tuvo algunas escenas cómicas robando algunos momentos de grandes risas.

En general, esto no va a cambiar sus vidas en lo absoluto. Es un thriller/comedia con un elenco demasiado grande, un guión inteligente y un oso en cocaína durante toda la película. Por qué necesito seguir explicando eso? Es 100% verdad, y realmente no puedo imaginar que alguien encuentre el espacio para odiar genuinamente algo tan completamente sencillo y sin pretensiones como esto, principalmente porque no puedo imaginar a nadie apareciendo en una película llamada Cocaine Bear sin una clara expectativa de en lo que se están metiendo. Al final, Cocaine Bear ciertamente cumple con su premisa. Queda por ver si se convertirá o no en un clásico de culto, pero es probable que complazca a la multitud, incluso si probablemente no sea algo memorable.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: We Have A Ghost

Tomando posesión de una casa abandonada en un buen vecindario, Frank (Anthony Mackie) está tratando de crear un nuevo comienzo para su familia fracturada, con su esposa Melanie (Erica Ash) trabajando para sacar el máximo provecho de una situación no deseada, mientras que sus hijos Fulton (Niles Finch) y Kevin (Jahi Winston) se instalan en su nuevo hogar. Kevin está especialmente molesto, retirándose a su mundo musical, lo que frustra a su padre. Durante una exploración de la casa, Kevin descubre la presencia de Ernest (David Harbour) en el ático, con el fantasma mudo tratando de dar miedo, solo para encontrarse con un niño que espera comprender su situación. Cuando Frank recopila evidencia en video de Ernest, pone el metraje en línea, convirtiendo al fantasma en una sensación en Internet. Tal exposición causa fricción en la familia y también inspira la atención de la CIA, con la Dra. Leslie Monroe (Tig Notaro) reviviendo su plan para atrapar una presencia paranormal usando equipo especializado.

Cristopher Landon se ha hecho un nombre en el género de terror, escribiendo y dirigiendo películas que quizás no hayan batido récords de taquilla, pero que los fanáticos aún hablan de ellas. Personalmente, noté su nombre cuando se unió a la franquicia de Paranormal Activity. Sin embargo, sus proyectos más grandes como Happy Death Day (2017) y Freaky (2020) fueron clásicos de culto instantáneos. Debido a los guiones encantadores y las muertes ingeniosas de Landon, sus películas lo convirtieron en un director a seguir. Esa reputación continúa ahora que tenemos la película exclusiva de Netflix, We Have A Ghost.

Una familia se muda a una gran casa abandonada para arreglarla a bajo costo, donde uno de sus hijos, Kevin, encuentra un fantasma en el ático. El fantasma, Ernest, intenta asustarlo, pero Kevin se burla de él y lo graba en su teléfono celular. Esto lleva al padre Frank a crear un canal de YouTube y subir videos de las experiencias de su familia con Ernest. Ernest se convierte en una sensación viral, lo que incluso conduce a desafíos de Tik Tok que provocan escalofríos. La CIA toma nota y se involucra con querer investigar a Ernest. No obstante, Kevin huye con él en un intento por descubrir su pasado y cómo se convirtió en un fantasma.

Siendo escritor y director, Landon utiliza la película como un homenaje a películas familiares sobrenaturales y de ciencia ficción en las que creció nuestra generación. Mientras la veía, me vinieron a la mente tres películas en particular: E.T. The Extra-Terrestrial (1982), Ghostbusters (1984) y Casper (1995). Existe una angustia dentro de Kevin a la que solo Ernest puede brindar calidez, y agrega un arco emocional que no se siente fabricado. Este tipo de películas se pegan a nuestros corazones porque inducen un comfort y una nostalgia que nos lleva a un espacio seguro.

A David Harbour se le permite divertirse aquí como Ernest, ya que en realidad tiene la oportunidad de mostrar algunas habilidades cómicas. Tiene experiencia con este tipo de nostalgia debido a su participación en Stranger Things, pero la última temporada realmente no le dio mucho que hacer. Aquí tiene un propósito y eso nos ayuda a creer en la amistad entre él y Kevin. Jennifer Coolidge es un talento natural para la comedia y su extravagancia está a la vista como una médium televisiva con una colorida peluca. Siempre ha sido una ladrona de escenas, pero sus últimos papeles le han dado ese estatus de actriz de lista A que se merece.

El elenco en general crea un buen conjunto, pero como una película divertida y orientada a la familia, no debería durar más de 1 hora y 30 minutos. La dinámica familiar se explora demasiado, aunque sus interacciones ya nos cuentan su historia. Las escenas de exposición no siempre son necesarias ya que las actuaciones de los actores claramente han hecho el trabajo. Básicamente, la película va a todas partes durante su tiempo excesivo de duración, con Landon incapaz de concentrarse a veces, perdiendo un claro destino dramático. En cambio, hay ideas y sentimientos por todas partes, incluida la llegada de la Dra. Leslie Monroe, quien no tiene una posición orgánica en la trama, lo que agrega desafíos a un guión ya abrumado. Landon también pasa de loco a sincero, con la esperanza de extraer algo de emoción con el trauma pasado de Ernest, que no encaja naturalmente en la película.

En general, el director Christopher Landon ofrece un trabajo inestable al esperar crear una película en la misma línea que Beetlejuice (1988) y las películas mencionadas anteriormente, pero también quiere abordar situaciones de adultos jóvenes y frustraciones de los padres. No es una mala película, simplemente tiene demasiadas cosas y está llena de acción frenética, con Landon intentando hacer un esfuerzo para sentirse bien con una película sobre un espíritu amable que bordea entre un misterio, una comedia familiar y un drama doméstico. Al final, We Have A Ghost es una historia de fantasmas para la era de las redes sociales. Sin embargo, la película también actualiza esa historia de fantasmas, navegando por un lado diferente con tramas y tonos. Si bien We Have A Ghost es divertida, se queda más tiempo de lo esperado con un tiempo de duración de 2 horas. Puede que ese detalle no sea muy bueno, pero creo que encontrará un lugar en los corazones de una nueva generación de jóvenes fanáticos del misterio o de la comedia. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Consecration

Grace (Jena Malone) es una optometrista ferozmente independiente que vive en Londres. Si bien habla poco de su familia, es muy respetada entre sus pacientes y colegas como una médica competente y sensata. Ella recibe una llamada que le informa que su hermano Michael (Steffan Cennydd), un sacerdote de un convento conservador en el norte de Escocia, se suicidó. No creyendo la historia contada por el convento, viaja a Escocia para investigar lo que realmente le sucedió a su hermano. Rápidamente descubre que este convento inicialmente acogedor, aunque frío, tiene muchos secretos, desde el sacerdote principal, el padre Romero (Danny Huston), hasta la madre superiora (Janet Suzman) y todas las humildes monjas y postulantes. Atrapada en un lugar aislado, Grace debe descubrir los secretos que llevaron a la muerte de su hermano mientras descubre sus propios secretos oscuros al mismo tiempo.

Consecration es una película de terror sobrenatural dirigida por Christopher Smith. Hay mucho que me gusta de esta película, especialmente si están buscando un tratamiento más psicológico del cliché de la "monja aterradora". Yo, por mi parte, creo que el mundo necesita más monjas aterradoras. Las monjas han tenido un resurgimiento en el cine de terror últimamente, en parte gracias a la popularidad de la monja demoníaca Valak del universo de The Conjuring. Sin embargo, las monjas han sido aterradoras durante mucho más tiempo simplemente porque están ocultas. El mundo de las monjas, los conventos y sus rituales son buenas historias para las películas de terror.

La actriz principal, Jena Malone, es convincente y dinámica en un papel que exige mucha sutileza. La película está filmada contemplativamente, proyectando los trajes blancos de las monjas contra el verde del bosque y el gris sombrío del mar. Lo que esto significa es que te esperan numerosas tomas del personaje principal mirando cosas y pensando. Esto podría ser increíblemente aburrido, pero una gran actuación de Malone lo impide. También aprecio que la historia es un vínculo de hermano y hermana, que invita a los espectadores a considerar más a fondo la historia de los personajes ya que está más en relación con los objetivos de la narrativa.

Una cosa que no he decidido, incluso después de pensarlo un poco, es si me gustó o no la vibra de esta película. Dejame explicar. Normalmente, cuando piensas en un convento misterioso, piensas en oscuro, frío, vacío, y espeluznante. Pero este convento no es ninguna de esas cosas. Hay buena iluminación eléctrica, muchas velas, el exterior es exuberante y verde, y el edificio en sí se parece más a un lugar de celebración de bodas que a un convento. En teoría, me gusta esto como un giro sutil en el cliché tradicional. El horror no es el edificio en sí, es lo que hay dentro. No obstante, tampoco hay mucho horror adentro.

Mi principal insatisfacción con la película es el ritmo, que está relacionado con mi incertidumbre sobre la manifestación física del convento. En realidad, no hay pequeños misterios espeluznantes que resolver en el camino, ya que la película se consume más con flashbacks narrativos. El resultado de esto es que las monjas o el convento no me parecieron espeluznantes en lo absoluto, por lo que el ambiente del espacio físico no podía soportar el ritmo de la película.

Mi otra queja es una serie de cabos sueltos que se sienten minimizados debido a la narrativa excesiva de los flashbacks de la infancia y familia de Grace. Debido a que el enfoque de la película es tan central en Grace y su pasado, presente y futuro, los personajes secundarios y partes de la historia más amplia de la película se pasan por alto en su resolución. Por ejemplo, algunas de las monjas se presentan como personajes potencialmente dinámicos, pero estas dinámicas están poco exploradas. También lo es el investigador de la policía, que aparentemente está investigando todo el tiempo, en gran parte es olvidado por la película. Aún así, para el espectador que está de acuerdo con la película en que la historia de Grace es interesante, esto no importará.

En general, es difícil para mí sentarme y describir cómo esta no es una película de miedo de ninguna manera, pero aún así logra raspar ese buen horror pasado de moda que la convierte en un vistazo entretenido y memorable. El director Christopher Smith le da a la película un aire a veces cursi, pero nunca uno que le quite una dirección genuinamente impresionante. Le ayuda una saludable atmósfera inquietante y muy buenas actuaciones por parte de Jena Malone y Danny Huston. Al final, Consecration es una película para audiencias que buscan una versión más lenta y reflexiva del horror religioso. Esta es una buena opción para las personas a las que les gusta el suspenso y el drama psicológico que influyen en el género de terror. Pero si esperan monjas poseídas saltando de las sombras para condenarte al infierno, entonces querrán pasar esta película. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: The Devil Conspiracy

Hace mucho tiempo, el arcángel Miguel (Peter Mensah) derrotó a Lucifer (Joe Anderson) en una batalla, manteniéndolo encadenado en el infierno con su espada mágica. Hoy, la historiadora de arte Laura (Alice Orr-Ewing) está en Italia, visitando un museo que alberga una exhibición de la Sábana Santa de Turín, con el padre Marconi (Joe Doyle) como contacto. Liz (Eveline Hall), una importante agente de un culto satánico, interrumpe el día y roba la Sábana Santa, secuestra a Laura y da por muerto al padre Marconi. Llevando al erudito y la Sábana Santa a una fortaleza remota ubicada sobre un portal al Infierno, Liz ofrece la Sábana Santa al Dr. Laurent (Brian Caspe), quien ha estado resucitando con éxito a grandes figuras de la historia con ADN robado y mujeres reacias. Su nuevo plan implica el renacimiento de Jesús, recién corrompido por el poder del Diablo. Mientras Laura intenta resistir cualquier embarazo, el padre Marconi llama a los cielos y recibe la fuerza espiritual del arcángel Miguel, que pronto renace en modo guerrero cuando comienza a buscar a Lucifer y rescatar a Laura.

Abandonemos las definiciones tradicionales de "bien" y "mal" al considerar The Devil Conspiracy. No aplican en este caso. La película se parece en tono a la película de terror y fantasía Priest (2011). Comienza con una premisa muy intrigante, pero luego se convierte en un espectáculo de disparos que es mejor de lo que tiene derecho a ser. También es parecida a la película de terror Legion (2010), en la que el arcángel Miguel intenta salvar a una mujer embarazada cuyo hijo será el salvador del mundo después de que Satanás y sus demonios sean desatados del infierno.

The Devil Conspiracy tiene una introducción aceptable, con Laura visitando al padre Marconi durante una exposición que presenta la Sábana Santa de Turín para su exhibición pública. La historiadora de arte está allí para estudiar, dibujando estatuas cristianas mientras el padre Marconi espera persuadir a Laura de que la creencia es el camino. Mientras tanto, Liz y su equipo de satanistas armados interrumpen su reunión. El grupo toma la Sábana Santa y a Laura, regresando a su fortaleza para revelar un objetivo que incluye restaurar el poder de Lucifer, con la bestia encadenada en el sótano, que es el Infierno, y una versión completa a lo Ronnie James Dio del lugar. La película llega rápidamente al punto, exponiendo la misión del Dr. Laurent de criar una nueva generación de bebés genios a través de ADN robado, vendiendo a los recién nacidos por millones en el mercado negro. Y ahora, con la Sábana Santa, el culto puede traer de vuelta a Jesús, requiriendo que Laura lleve al bebé en su vientre.

El primer acto es un poco tonto, pero no tan desagradable, posicionando a los personajes antes de que comience la cacería. Y luego, la función se vuelve bastante repugnante, con el director Nathan Frankowski presentando una concepción horrible, en la que un demonio con forma de serpiente se abre camino en la boca de Laura, que es solo una parte de la fijación con el sufrimiento femenino que ofrece esta película. Hay gritos, procedimientos médicos forzados y agresiones sexuales, con Laura enviada a través de un escurridor en nombre del mal. Y llega aún más horror cuando intenta inducir un aborto espontáneo bebiendo cloro, lo que la lleva a un encuentro de vómito con Liz, quien está a cargo de la operación, celosa de que no pueda manejar el trabajo biológico. La película se vuelve más desagradable a medida que avanza, por lo que no queda claro a que público va dirigida la película, ya que contiene violencia gráfica y lenguaje, y su sentido de cristianismo es básicamente WWE mezclado con un servicio de iglesia un domingo.

Si creen que todo esto suena loco, The Devil Conspiracy solo está calentando motores. Los detalles de cómo se lleva a cabo este esquema y cómo Laura intenta liberarse del bebé son escandalosos. No seré más específico porque descubrir estas sorpresas es la mitad de la diversión. Tengan la seguridad de que cada vez que parece que la trama no puede volverse más loca, de alguna forma encuentra la manera. Solo esperen hasta que puedan vislumbrar el momento en Laura rompe fuente. Y la escena donde le hacen un sonograma. Y el... ya pueden hacerse una idea. Varias veces, me reí con deleite ante las situaciones locas e inesperadas a los que va la película.

Una literalidad divertida sobre el concepto bíblico del infierno es un componente clave en el valor del entretenimiento. La película comienza con una visualización dramática del arcángel Miguel cayendo del cielo, rompiendo múltiples capas de tierra y roca. Aterriza en el infierno, donde derrota a Satanás, dejándolo encadenado a una roca. Las escenas posteriores regresan al inframundo, donde criaturas demoníacas vuelan a través del cielo oscuro y las brasas calientes se mueven con el viento. La teología de la película es en blanco o negro, sin áreas grises. Satanás es muy real y tiene la intención de conquistar la Tierra una vez que se libere de sus grilletes y entre en su recipiente humano. Mientras tanto, Miguel habita el cuerpo del sacerdote recientemente fallecido, el padre Marconi, e intenta evitar el nacimiento. El bien y el mal están listos para luchar, con nada menos que el destino de toda la humanidad en juego.

Por otro lado, la película no siente la necesidad de explicar muchas preguntas persistentes, como quiénes son, específicamente, estos adoradores de Satanás y cómo le informan al diablo sobre su plan de ADN para que él pueda cooperar. Tampoco sabemos cómo se creó su proceso de clonación, cómo se financia o cómo le informan a su clientela ultra rica que los bebés están en subasta. Hay un catálogo? Una página web? Quién tiene tiempo para eso cuando hay demonios que combatir, tiroteos y el deseo de mostrar a un feto de Jesús absorbiendo toda esta locura desde el interior de un útero?

En general, no sería exagerado llamar a esto una película de terror basada en la fe. La violencia, la sangre y las criaturas ominosas son comunes, pero también hay una reverencia por la Sábana Santa de Turín, así como un final que sugiere que la fe en Jesús es la forma más segura de vencer a las fuerzas satánicas. Lo único que sé con certeza es que la película me entretuvo mucho con su locura desenfrenada. Eso les dice algo. Cualquiera que tenga un interés moderado en el cine de manera deshonrosa necesita verla lo antes posible. Al final, The Devil Conspiracy es una película de terror oscuro, sobrenatural y psicológico mezclado con un gran espectáculo de acción. Si bien la acción es estelar, la historia es lo suficientemente intrigante, pero podría haberse beneficiado de un enfoque más práctico, destacando las posibles implicaciones de entrometerse con los poderes celestiales y las ramificaciones que seguramente seguirían. Tal como es, está destinada a ser una aventura, loca, llena de fuego y azufre. Tomen la película por como viene y la encontrarán muy divertida. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Swallowed

Benjamin (Cooper Koch) es un joven listo para las brillantes luces de Los Angeles, que se prepara para intentar convertirse en una exitosa estrella del cine porno para gays. Su viejo amigo, Dom (José Colón) está listo para despedirlo, pasando su última noche juntos, yendo a clubes y discutiendo opciones, tratando de sacar lo mejor de una situación agridulce. Preocupado por cómo su amigo va a pagar por tal cambio de vida, Dom elige hacer una parada rápida antes de que termine la noche, manejando para visitar a Alice (Jena Malone), la novia de su prima, quien tiene una misión especial para el dúo. Alice tiene una pequeña colección de bolsas llenas de elementos desconocidos, y se los da a Dom y Benjamin para que los traguen, convirtiéndolos en mulas de drogas mientras se preparan para cruzar la frontera. Los hombres dudan, pero no hay forma de echarse atrás, ingiriendo las bolsas y alejándose. Sin embargo, los problemas pronto llegan dentro de un baño de una parada de descanso, cuando un hombre ataca con un golpe al estómago a Dom, iniciando un proceso digestivo que revela algo horrible dentro los hombres.

Qué harías por dinero? Es una pregunta que la mayoría de nosotros hemos pensado en algún momento de nuestras vidas. A veces, este proceso de pensamiento no es más que una consideración tonta. Pero, a veces, tiene sus raíces en lo que necesitamos, un escape, una progresión profesional o un requisito urgente para apoyar a quienes amamos. Estos temas rodean Swallowed del director Carter Smith. Mencionar el nombre de Smith implica hablar sobre The Ruins (2008), una película implacable de horror corporal. Pero Swallowed es más una película íntima y a la vez perversa. El amor no correspondido y los profundos lazos de amistad entre una estrella del cine porno gay y su mejor amigo heterosexual se ven obligados a soportar una tribulación impensable. Solo diré que nunca volveré a pensar en el contrabando de drogas de la misma manera.

Es el último día para Benjamin y Dom juntos antes de que Benjamin se mude a Los Angeles, y Dom tiene un plan que le dará un gran pago para despedir a su mejor amigo con dinero en efectivo. Cuál es el truco? Se encuentran con la amiga y posiblemente amante de la prima de Dom, Alice, quien les da instrucciones exactas a punta de pistola. Deben tragar pequeñas bolsas de drogas. Su misión es simple: dejar las bolsas de drogas en una parada de descanso al otro lado de la frontera, con cuidado de mantenerlas a una temperatura adecuada. Una vez que las bolsas estén seguras, a Benjamin y Dom se les pagará generosamente. Por supuesto, ninguno de ellos está de acuerdo con esto de buena manera. Benjamin, en particular, está horrorizado e indefenso cuando Alice lo obliga a punta de pistola a tragarse las bolsas una por una. Incluso agrega un comentario homofóbico, diciendo que Benjamin "no lo hizo mal" con la bolsa que se vio obligado a tragar.

Qué hay dentro de estas misteriosas bolsas? Digamos que es asqueroso y hace que tu miembro se mantenga duro durante 9 horas. La criatura que contiene en su interior parece tener poderes misteriosos, pero es peligroso e impredecible. Si explotan dentro de un huésped, quién sabe qué podría pasar. La película hace un excelente trabajo al hacer que uno realmente se preocupe por estos personajes. Benjamin y Dom son voluntariosos y solidarios. Dom está notablemente molesto por la inminente partida de Benjamin, y Benjamin está ocupado tratando de entusiasmarse por vivir su mejor vida como una estrella porno en Los Angeles. Antes de que el horror de todo entre en acción, Benjamin y Dom se establecen como mejores amigos, aunque coquetean mucho entre ellos.

Para aquellos que buscan elementos de terror, Swallowed tiene algunos trucos bajo la manga. Parte del contenido puede necesitar una advertencia, ya que definitivamente es un poco gráfico. La intimidad forzada tiene una calidad inquietante pero inexplicable que me dejó impactado. La película sin duda descansa sobre los hombros de la relación de Benjamin y Dom, y al final del día creo que sigue siendo emblemática de principio a fin. Una escena y giro con Mark Patton (estrella principal y leyenda de A Nightmare On Elm Street 2: Freddy's Revenge, 1985) como Rich es lo más destacado de la segunda mitad de la película. Patton interpreta al jefe de la red de contrabando de bolsas que parece estar profundamente excitado y ser depredador sexual por naturaleza. Cuando la acción eventualmente se transforma en puro horror de supervivencia, supe que la película se convertiría en una de las mejores en la memoria reciente.

Ambos actores principales entregan escenas de desnudez frontal completa, pero esa desnudez nunca se siente excesiva. Siempre está al servicio de la historia. Una secuencia en particular que le da un nuevo significado al "fisting" me perseguirá durante muchos días. La película también es un audaz recordatorio de que Carter Smith es una fuerza a tener en cuenta. Para completar el elenco bien elegido, se les une Jena Malone como Alice, su traficante de drogas. Los cuatro personajes se combinan para una película muy bien elegida, con Cooper Koch emergiendo como un chico final. La amistad entre Benjamin y Dom es algo emotiva, y la villanía de Alice y Rich los hará enfurecer.

En general, las aterradoras criaturas dentro de los intestinos de nuestros personajes no son la parte más aterradora de la historia. De hecho, muestra muchos de los horrores que les suceden a los miembros de la comunidad gay. La explotación sexual, las amenazas de violencia física, la denegación de atención médica y el aislamiento juegan un papel importante en hacer de esta la noche más aterradora de la vida de Benjamin y Dom. El sexo, las drogas y la violencia pueden ser los componentes principales en la superficie de la película, pero el tema subyacente que recorre toda la historia implica el aislamiento. Al final, Swallowed es una película de terror corporal muy inquietante. Ahora, si esperan una obra de terror corporal del gran calibre de David Cronenberg, estarán decepcionados. Claro, tiene sus momentos sangrientos, y tiene escenas que son incómodas de ver, hasta el punto de que tu cuerpo se tensa y se retuerce, pero es una película que los tendrá al borde del asiento a medida que se vuelve más rara. Si quieren que una historia de amistad se vuelva terriblemente retorcida, véanla. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Whale

Charlie (Brendan Fraser) es un hombre con obesidad mórbida que vive solo en un apartamento de Idaho. Trabaja como profesor de redacción en una universidad en línea y se asegura de esconderse de sus alumnos mientras les implora que descubran más sobre el proceso artístico de la narración. La salud de Charlie está empeorando rápidamente, y no le importa, apenas se mueve por su apartamento mientras come constantemente, enfrentando una insuficiencia cardíaca. Liz (Hong Chau) es una enfermera que controla a Charlie, tratando de estar ahí para un hombre que está a punto de morir. Thomas (Ty Simpkins) es un joven misionero que ingresa al departamento de Charlie, ansioso por compartir noticias de salvación mientras siente curiosidad por el estilo de vida del hombre grande. Y Ellie (Sadie Sink) es la hija de 17 años de Charlie, una niña a la que abandonó cuando solo tenía ocho años. Manteniendo la esperanza de una reconciliación, Charlie se ofrece a pagar por el tiempo de Ellie, tratando de conectarse con su hija amargada y lidiar con la miseria que se ha causado a sí mismo y a los demás.

Desde Encino Man (1992) a The Mummy (1999), a Bedazzled (2000), prácticamente todos los fanáticos del cine que crecieron a finales de los años 90's o principios de los 2000 tienen una debilidad por Brendan Fraser. En cuanto a su filmografía, rara vez se involucra en un trabajo "serio" y no tiene el mejor historial en términos de calidad, pero destila carisma y aporta mucha pasión a cada papel. Después de más de una década fuera del centro de atención, Fraser regresa a la pantalla con su papel más desafiante hasta la fecha, una actuación que probablemente revitalizará su carrera y elevará su reputación como actor. The Whale también representa una especie de regreso para el director Darren Aronofsky, cuyas dos últimas películas estuvieron envueltas en comentarios negativos y disminuyeron la forma en que se le percibe dentro de la industria.

La película se ha promocionado como un vehículo de regreso para Brendan Fraser, quien no ha tenido un papel importante en una película, dando vueltas por las películas de clase B y la televisión durante los últimos 10 años. De hecho, no ha tenido un papel como este desde Gods And Monsters (1998), con el director Darren Aronofsky poniendo su fe en Fraser para ayudar a darse cuenta de los niveles abismales de dolor. Es un rol salvaje, con el actor encargado de dar vida a un hombre de 600 libras que intenta comer hasta la muerte mientras se enfrenta a su pasado, lidiando con los pocos extraños que aún siguen comprometidos con él de maneras decididamente diferentes. Y Fraser nunca ha estado mejor, logrando fácilmente el mejor trabajo de su carrera, que pide a los espectadores que permanezcan en una habitación con alguien que se suicida lentamente. Sin embargo, Aronofsky da forma a un estudio en gran parte fascinante de arrepentimiento y liberación, recompensando la paciencia con estudios de personajes y una auténtica comprensión de la vergüenza.

Basada en una obra de teatro de Samuel D. Hunter, The Whale es una pieza centrada en Charlie, un hombre de 600 libras que intenta volver a conectarse con su hija Ellie de 17 años después de dejarla a ella y a su esposa por otro hombre años antes. Aronofsky nunca ha tenido miedo de explorar personajes en su punto más bajo y emocionalmente vulnerables. La película es ciertamente difícil de ver y retrata su tema agotador con extremo detalle. No obstante, lo más impresionante es lo empática y esperanzadora que es, a pesar de su tono oscuro. Aronofsky se asegura de capturar la intimidad de la obra de Hunter con un enfoque minimalista.

Aronofsky encaja naturalmente en The Whale, que juega con los intereses de su carrera en la muerte y la destrucción emocional, pero su propensión al caos en la pantalla no se persigue aquí. En cambio, el director permite que la escritura de Hunter marque el camino, examinando personajes enfermos obligados a lidiar con el estilo de vida de Charlie de maneras únicas, incluido Thomas, quien se encuentra con Charlie en una posición comprometedora, lo que inspira su necesidad de saber más sobre el recluso. Sin embargo, es Ellie quien llama la atención de Charlie, con la adolescente empapada de amargura, incapaz de superar el trauma que sufrió cuando era niña, con su padre dejándola a ella y a su madre por un hombre que significaba todo para él. Esta violencia emocional impulsa gran parte de la película, ya que Ellie es implacable y destructiva, bloqueando los intentos de Charlie de llegar a ella, obligado a pagarle a su hija por su tiempo. Esta relación es el punto focal de la película, lo que se suma a la agonía de Charlie y su aspiración, deseando llegar a Ellie a través de la escritura.

El énfasis se pone en los actores, quienes entregan el mejor trabajo de su carrera. El giro severo y emocionalmente poderoso de Hong Chau como la mejor amiga y cuidadora de Charlie, Liz, es verdaderamente sobresaliente. Sadie Sink ha ido en aumento desde el año pasado, pero su actuación como Ellie está en una liga diferente. Ella ofrece una actuación feroz y compleja que es absolutamente uno de los aspectos más destacados de la película. Pero sin duda, el elemento más impresionante de The Whale es la brillante actuación de Brendan Fraser como lo que posiblemente fue uno de los papeles más desafiantes que jamás hayamos visto. Fraser se transforma físicamente en Charlie y lo retrata con tanta humanidad que es imposible no conectar con este personaje. Es una actuación espectacular, como pocas veces ha visto el público.

En general, no es fácil sentarse a ver esto, con una gran parte de la película dedicada al estudio de la incomodidad y los atracones de comida por parte de Charlie. También hay un comportamiento venenoso, y los horrores humanos de todo tipo son algo común. Y, aún así, hay humanidad en la película, con la actuación matizada y físicamente impresionante de Fraser que ofrece un estudio psicológico completo de Charlie y sus impulsos ruinosos. Se convierte en un personaje como nunca antes lo había hecho, y es una actuación cautivadora (Chau también domina en la película). Además, la película analiza la religión, el amor y las relaciones, tratando de generar una atmósfera comunitaria de preocupación, pero todo vuelve a Charlie y su camino de autodestrucción, logrando una extraña iluminación que infunde a la película fascinantes muestras de enfermedad y aceptación. Al final, The Whale es una película que lentamente te hará latir el corazón, comenzará a reconstruirlo y luego lo romperá nuevamente, antes de finalmente dejarlo en un lugar dolorosamente agridulce. Te deja sintiéndote sucio en muchos sentidos pero extrañamente iluminado en otros. Es una película profundamente humana con la que muchos se conectarán a nivel emocional, y una pieza resonante y profundamente humana dirigida por una actuación absolutamente magistral de Brendan Fraser en lo que puede ser una experiencia brutal, profunda e inolvidable.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Infinity Pool

Siendo un autor sin éxito, James Foster (Alexander Skarsgård), y su adinerada esposa, Em (Cleopatra Coleman), han llegado a un exclusivo complejo en el país costero de La Tolqa para descansar y recargar energías. Las grietas en su relación son evidentes y se vuelven más obvias cuando una joven y vivaz fan, Gabi (Mia Goth), se aferra a James. Al día siguiente, los tres, más el marido de Gabi, Alban (Jalil Lespert), alquilan un coche y se adentran en las tierras prohibidas más allá de los límites del complejo. Después de un día tranquilo, que incluye un encuentro íntimo entre James y Gabi, ocurre un accidente de camino al complejo. Con James al volante, el auto golpea y mata a un peatón. Al día siguiente, llega la policía para arrestar a James. La pena por matar a alguien, incluso accidentalmente, es la ejecución. Pero para los ricos, hay una salida. Por un precio, James puede encargar la creación de un clon, una réplica físicamente idéntica que, una vez infundida con sus recuerdos, es una copia perfecta, que se puede ejecutar en su lugar. Mientras observa cómo se desarrolla su procedimiento, James se da cuenta de que el clon no es simplemente un avatar sin emociones, sino un ser consciente que puede sentir miedo, desesperación y dolor. El incidente le permite a James ingresar a una sociedad secreta: huéspedes del complejo que han pasado por la misma experiencia y se sienten empoderados por ella. Em reacciona reservando un vuelo inmediato a casa, pero James, sin embargo, elige quedarse para explorar la depravación abrazada por Gabi y la sociedad secreta.

Infinity Pool es una película para cualquiera que se pregunte qué se siente estar bajo los efectos de los alucinógenos, tropezando en su camino a través de horrores indescriptibles mientras cuestiona la fábrica de la realidad. Ultraviolenta y bellamente realizada, simplemente no hay suficientes palabras para describir la sensación de pesadez y malestar que deja al espectador mucho después de que pasan los créditos. Esta es probablemente una de las películas más grotescas e incómodas que he visto. Su terror se sumerge en varios subgéneros, desde ciencia ficción hasta horror corporal, psicológico e incluso invasión del hogar. Sin embargo, y en última instancia, puede ser imposible clasificarla. Con imágenes breves, actuaciones poderosas y secuencias alucinantes que rayan en la pornografía, esta película de Brandon Cronenberg está destinada a convertirse en un clásico de terror para los sentidos.

La película empuja los límites de las monstruosidades cinematográficas mientras somos testigos de algunas imágenes verdaderamente impactantes. Gran parte de esta película se desarrolla de tal manera que algunos pueden no esperar, pero conocer la premisa que se desarrolla solo aumentará el disfrute de uno. La película comienza con una secuencia de apertura alucinante que invita a uno al mundo al revés en el que los personajes están a punto de entrar. El zumbido de la cámara que se inclina boca abajo mientras recorre tomas amplias del complejo establece el tono al instante, y desde ahí nos vemos inmersos en la relación emocionalmente irritable de James y Em.

James, es un escritor fracasado que claramente se ha golpeado a sí mismo hasta el punto de estar contento en donde está. Sus respuestas a su esposa sobre la cena u otras excursiones en el complejo muestran signos de un hombre desinteresado con todo, y mostrando poco entusiasmo por lo que lo rodea. Cuando él y Em se encuentran con Gabi y Alban, Cronenberg toma el concepto de "oye, te vimos desde el otro lado del bar, podemos invitarte un trago?" al siguiente nivel. Gabi se convierte inmediatamente en una agente del caos mientras busca captar la atención de James. No es difícil, ya que él se lanza sobre ella cuando ella le muestra un poco de intriga en su "pequeña" novela que publicó hace seis años. Para James, eso es todo lo que se necesita y, como dice Em, está feliz de haber encontrado su club de fans.

Las dos parejas organizan un viaje de un día fuera del complejo, lo que va en contra de las reglas, pero son ricos y pueden pagar su viaje, así que lo hacen. Este día se hace añicos cuando James atropella y mata a un hombre y se da a la fuga. Al día siguiente, los cuatro son detenidos por la policía. Les dicen que las reglas son diferentes en el país en el que se encuentran. Un asesinato debe ser vengado por el hijo de la víctima. Una muerte por una muerte. No obstante, los ricos tienen una salida porque necesitan mantener el flujo de dólares de los turistas. Entonces tienen un proceso que clonará a James para que el clon pueda ser asesinado en su lugar. El problema es que James debe ver cómo ocurre esta muerte. Aquí es cuando la película realmente despega, y es cuando realmente entramos en ese mundo al revés de la película. La medida a la que James tiene que llegar para evitar pasar su vida en una cárcel extranjera o incluso ser ejecutado es bastante extrema, y ​​la película nos muestra la psique de un hombre que constantemente está siendo probado por quienes lo rodean para dar un salto y volverse más dominante en su propia vida. Puede haber más en Gabi y Alban de lo que parece, y a través de los ojos de James, la audiencia aprende eso en una multitud de formas sádicas.

A partir de entonces, Cronenberg establece aquí una serie de posibilidades enfermizas. Por un lado, está comentando sobre los asquerosamente ricos que siempre pueden comprar su pase para salir de los problemas. Además, qué tanto te afectaría tener que ver cómo te matan? Verte arrastrarte, lloriquear y suplicar por tu vida solo para ser sacrificado como un pedazo de carne? Y, quizás lo más intrigante, qué pasaría si no mataron al clon y fue el verdadero James quien murió? Si fueras el clon, lo sabrías? Te importaría? La película aborda todas estas preguntas con un abandono imprudente y sangriento. Aún así, Cronenberg todavía encuentra formas de llevar esta loca historia a lugares inesperados. James no es el único que ha pasado por este proceso. Por el contrario, Gabi, Alban y un grupo de personas adineradas también lo han hecho. Y para ellos, que sus clones paguen el precio de sus fechorías los ha liberado de cualquier emoción moral. Matan y roban y hacen lo que quieren con un júbilo asesino, seguros de que no tendrán que responder por nada de eso.

Mientras Cronenberg disfruta del caos total que ha creado, no tiene miedo de ir a lugares psicosexuales más grotescos. Pero no todo funciona, ya que Cronenberg a veces pierde de vista la narrativa en sus intentos de conmocionar y asombrar. Hay escenas que parecen existir únicamente para molestar a los débiles de corazón. Sin embargo, cuando tiene el control, pocos pueden evocar una imagen inolvidable como Cronenberg. Con la ayuda de Mia Goth y Alexander Skarsgård, realiza lo que podría ser el acto de humillación más impactante jamás capturado en pantalla. En este momento, con Goth perfectamente demente sobre el bonete de un automóvil, vemos a un hombre con una pizca de sí mismo siendo desgarrado bajo una lluvia de palabras que cortan más profundo que cualquier cuchillo. Creo que Mia Goth está haciendo un trabajo digno de un Oscar y el mejor de su carrera. No hay mejor actriz ahora mismo en el ámbito del género que ella. Alexander Skarsgård se ve eclipsado por ella hasta cierto punto, pero también es bueno en un papel que le pide que se deshaga de la masculinidad que todos esperamos de él. El elegir a Skarsgård para este papel es una yuxtaposición tan perfecta que amplifica el arco de su personaje. Su machismo es desafiado de tal manera que ver a su personaje a través de la anticipación normal de un papel de Skarsgård es descartado por completo. No siempre es perfecto aquí, pero realmente aprovecha al máximo este rol y muestra un lado de sí mismo que es genuinamente diferente pero ciertamente bienvenido.

En general, la película apunta hacía los ricos e intocables de una manera completamente diferente, pero tiene el mismo éxito en su deconstrucción y sus duras conclusiones. Las personas en esta película no tienen consecuencias por ninguna de sus acciones abominables. Se contentan estrictamente con cumplir todos sus caprichos, sin importarles a quién lastimarán y por qué. Quizás el punto de vista de Brandon Cronenberg no sea del agrado de todos debido a la obvia naturaleza gráfica de las imágenes. Al mismo tiempo, es imposible negar su poder, o el manto hipnótico que lanza Cronenberg. Al final, Infinity Pool es una película fascinante de esplendor visual, incluso con sus representaciones brutales de contenido sexual gráfico y violencia sádica que alcanzan un nivel hipnótico de arte cinematográfico. Dirigida por algunas actuaciones retorcidas y sorprendentes, es una experiencia surrealista de violencia, sexo y otros acontecimientos impactantes. A veces, el estilo es más importante que la sustancia, pero la película aún ofrece una narrativa cautivadora que dejará a algunas personas inquietas y a otras probablemente satisfechas. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.