Review: Welcome To Marwen

Hace algún tiempo, Mark Hogancamp (Steve Carell) era un artista casado y un alcohólico. Una noche, se juntó con los hombres equivocados en un bar local y fue golpeado casi hasta morir, quedando con lesiones significativas y amnesia. Luchando por recuperar lo que queda de su vida, Mark pasa sus días en Marwen, un pequeño pueblo belga que ha creado en su patio, fotografiando las aventuras de la Segunda Guerra Mundial del Captain Hogie, un soldado de juguete derribado en Europa que hace su vida rodeado de muñecas mercenarias como Anna (Gwendoline Christie), Caralala (Eliza Gonzalez), Julie (Janelle Monae) y Roberta (Merritt Wever).  Si bien estas muñecas tienen contrapartes humanas en el mundo real, Mark no siempre puede separarse de las fantasías intensas. Mientras lucha con los medicamentos y una próxima cita en la corte con los hombres que destruyeron su vida, encuentra consuelo en su nueva vecina, Nicol (Leslie Mann), quién necesita un amigo pero tiene dificultades para entender los problemas de Mark.

Es inusual para mí ver una película sabiendo muy poco o nada al respecto del tema, y el trailer no mostró nada más que a Steve Carell protagonizando y apareciendo como una figura plástica de sí mismo. Aún así, me intrigó ver esta película ya que parecía una película conmovedora. Robert Zemeckis, el director de Forrest Gump, la trilogía de Back To The Future, Who Framed Roger Rabbit, The Polar Express y muchas otras grandes películas, nos presenta Welcome To Marwen y cuenta la historia basada en Mark Hogancamp y la ciudad ficticia de Marwen. Independientemente de si cuenta o no la historia completa, no de ficción o una basada en ella, esta película me impresionó bastante en términos visuales, aunque hay algunos elementos en los que podría haber mejorado. La película trata sobre la historia real de Mark Hogencamp. Él fue golpeado violentamente y estuvo al borde de la muerte por un crimen de odio cuando admitió que de vez en cuando le gustaba ponerse zapatos de mujer. Esta golpiza borró todo recuerdo de su vida anterior. Tras ese suceso, crea un mundo en la era de la Segunda Guerra Mundial en Bélgica, con muñecas que representan personajes reales en su vida. La ciudad que él crea se llama Marwen y usa este mundo de fantasía que creó como terapia a su trauma para contar la historia de lo que le sucedió.

Esta película presenta una historia convincente sobre un hombre que ha perdido casi todo en su vida y usa casas modelo y muñecas para crear una historia como un mecanismo de defensa. Me parece que esta es una idea muy intrigante porque presenta una manera de ver el pasado de Mark y su trauma. En su mayor parte, creo que lo manejaron bastante bien, principalmente con las imágenes, lo que es el elemento más fuerte de la película. Steve Carell es fantástico en su interpretación de Mark. Hace que el personaje se sienta creíble a través de sus expresiones faciales, acciones y diálogos. Da una buena impresión de cómo es una persona con trastorno de estrés postraumático (PTSD) y creo que esa es otra de las cosas positivas de la película. El CGI para las muñecas es totalmente deslumbrante para la vista. Sé que no es nada nuevo teniendo en cuenta que obtuvimos esto en películas como la franquicia de Toy Story, pero realmente disfrute la forma en que Zemeckis presenta el mundo de Marwen y como se siente vivir en ese mundo miniatura. Para mí no sería sorprendente que los efectos del CGI utilizados fueran motion capture, teniendo en cuenta los trabajos anteriores del director.

Siendo alguien que no está familiarizado con la historia real, diré que la película no está exenta de defectos, y el más grande tendría que ser la estructura de la trama. La película gira en torno a dos tramas. La trama A, que analiza la lucha de Mark con el trastorno de estrés postraumático y la trama B, que gira en torno a los muñecos y Marwen. Estas dos tramas se presentan, pero no parece que haya una gran conexión entre las dos. Quiero decir, sí, ambas tramas se conectan unas cuantas veces en la película, pero por su resolución nunca se unen. Simplemente se sienten separadas a lo largo de casi toda la película. La película tampoco explora los personajes de la historia, principalmente Wendy y las otras mujeres de Marwen en las que se basan las muñecas. Se sintió como un guión entrecortado que podría haber funcionado si no hubiera sido distraído tratando de equilibrar dos tipos de películas diferentes. También encontré que el final estuvo muy apresurado. Fue como si la película se estuviera acercando a su tiempo de duración y que, de alguna manera, abarrotaron los últimos 5 minutos.

En general, si bien hay momentos en la película que disfruté bastante, creo que el extraño equilibrio entre la vida real y los elementos de fantasía le restan valor al enfoque de la historia emocional. Steve Carell es genial aquí, pero quedé decepcionado al ver esta película desequilibrada y con muchas fallas narrativas. Al final, Welcome To Marwen es una película/historia de drama emocional. Sin embargo, la interconexión constante entre la vida real y el mundo ficticio de Marwen realmente aleja la experiencia emocional. Creo que Robert Zemeckis intentó hacer una película innovadora con una historia inspiradora, sin embargo, el drama se pierde en el proceso de comprometerse demasiado en el mundo de lo muñecos, lo que confunde el tono de la película que no sabe si ser un drama o una comedia. Ah, y tengo que ver Marwencol (el documental en el que se basa esta película).

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Dumbo

En el circo de los hermanos Medici, el dueño Max Medici (Danny DeVito) está tratando de mantener unida a su compañía, y le resulta difícil atraer al público para que asista a ver su espectáculo. Holt Farrier (Colin Farrell), un vaquero que ha perdido un brazo en combate, regresa de la Primera Guerra Mundial, tratando de descubrir cómo ser útil para el circo y cuidar de sus hijos, Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins). Trayendo a Jumbo, una nueva elefanta para brindar nueva vida al circo, Max y su equipo descubren al bebé Dumbo en su jaula. Con orejas de gran tamaño, lo identifican como un fenómeno y no saben qué hacer con él. Luego de que Jumbo es expulsada del circo después de volverse violenta cuando trataba de proteger a su hijo durante un espectáculo, y puesto bajo el cuidado de Holt, Dumbo pronto revela que es capaz de volar con la ayuda mágica de las plumas. A medida que la fama de Dumbo crece, un empresario de la ciudad de Nueva York, V.A. Vandevere (Michael Keaton), viene a buscar al elefante y llevar a la compañía de Max a su parque temático llamado Dreamland. Mientras Dumbo se hace amigo de la artista de trapecio Colette Marchant (Eva Green), Holt se da cuenta que algo anda mal, mientras trata de asegurar la seguridad de la maravilla voladora mientras se ve obligado a actuar para las masas.

Dumbo es el más reciente intento de Disney (pero lejos de ser el último) de adaptar su vasto catálogo de clásicos animados a películas de live action. En papel, el proyecto parecía prometedor, incluso hay una cualidad alucinógena de la película de 1941 que encaja con el visionario director Tim Burton, quien ha desarrollado una carrera con películas románticas y escalofriantes sobre personas inadaptadas y la gente que los ama de todos modos. La película trata de hacer lo suyo y no imita la película original (que no contó con muchos personajes humanos y solo duró 1 hora y 4 minutos). Es una pena que el producto final se parezca mucho a los otros remakes que Disney ha producido, pasables, en general, y sin acercarse realmente a superar el encanto o la magia de la película original.

Sin lugar a dudas, Dumbo es maravilloso con sus enormes orejas y sus conmovedores ojos, es fácilmente una de las creaciones de CGI más adorables y atractivas que se hayan puesto en pantalla. Su historia es el hilo narrativo más importante que une la película, ya que está separado por la fuerza de su madre y anhela encontrar el camino de regreso a ella. La angustia de Dumbo es simple, verdadera y sincera, recordando la forma agridulce en que su contraparte animado extrañaba a su madre. La incansable valentía del elefantito frente a las risas y las burlas crueles los harán desear que esta película que lleva su nombre no pase tanto tiempo concentrado en otros personajes.

En el lado negativo, Dumbo como película se convierte en una experiencia visual bastante desconcertante. Más allá de algunas magníficas secuencias visuales góticas (específicamente Nightmare Island en el parque temático Dreamland de Vandevere), apenas se puede encontrar un indicio de los rasgos distintivos de Tim Burton. El guión no tiene vida y, en ocasiones, no tiene lógica. Es frustrante porque están todos los elementos de una buena historia, especialmente el hecho de que Millie y Joe son niños sin madre, al igual que Dumbo. Pero se desperdicia en gran medida en los personajes y un clímax que literalmente no tiene sentido narrativo o emocional. Además, esta nueva versión no tiene nada del encanto de la película original. La primera media hora tiene momentos que aparecen como un homenaje a la película original y hay unas pocas escenas simplemente rehechas en forma de live action, e incluso un par de lo que creo que podrían ser consideradas unas breves apariciones de Mr. Stork y Timothy Q. Mouse, pero esos personajes realmente no juegan ningún papel en la película.

El elenco reunido aquí es en realidad muy bueno, pero ninguno de ellos tiene suficiente tiempo para brillar. Como resultado, el encanto de Colin Farrell se desperdicia en un personaje que nunca se detiene a escuchar a sus hijos mientras constantemente menciona que su difunta esposa es la que podía hablar con ellos y el V.A Vandevere de Michael Keaton termina siendo un cuento de advertencia sobre el capitalismo. Al menos hay un poco de esperanza con el personaje de Danny DeVito como el propietario del circo, y Eva Green logra sugerir tanto la oscuridad como la luz como Colette, una trapecista francesa del parque temático Dreamland de Vandevere. Y como es de esperarse, Tim Burton se complace en poblar este circo ambulante con monstruos y fenómenos similares a los que han aparecido en su filmografía a lo largo de los años. Pero la mayoría de estos personajes apenas sobresalen.

En general, la película obviamente pierde su camino en unas ocasiones, pero eso no quiere decir que no tenga sus buenos momentos. Además de ser entretenida, Dumbo, el personaje en sí mismo, se utilizó maravillosamente y el CGI es excelente, junto con el CGI de muchos otros personajes de animales. La actuación, no hace falta decirlo, es donde se encuentran muchas de las fallas de la película. Tim Burton le da su estilo distintivo a la película, proporcionándole imágenes visuales hermosas y divertidas, pero, desafortunadamente, el guión es desordenado y está a un nivel promedio. Al final, Dumbo ciertamente no es una mala película, pero obviamente es una película para reflexionar sobre cuán mágica hubiera sido si no se hubiera cambiado su historia tan drásticamente de la original. Dumbo no se eleva tan alto como quiere, pero es una película agradable, y proporciona la cantidad justa de emoción y entretenimiento para que se preocupen por lo que vinieron a ver, un mágico elefante volador.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 2 De Abril Del 2019

Bumblebee (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The Mule

Vice

The Man Who Killed Hitler And Then The Bigfoot

350 Days

Rust Creek

Review: Dragged Across Concrete

El detective Brett Ridgeman (Mel Gibson) es un policía veterano que una vez que fue un oficial estelar, ahora es un hombre amargado que lucha financieramente en un mal vecindario donde su hija es acosada continuamente por adolescentes afroamericanos y su esposa, Melanie (Laurie Holden), lucha contra la esclerosis múltiple. Anthony Lurasetti (Vince Vaughn) es su compañero más joven y un hombre que ama las cosas costosas pero no puede permitírselo, y que también trabaja en cómo proponerle matrimonio a su novia, Denise (Tattiawna Jones). Cuando son captados en cámara agrediendo a un narcotraficante en medio de un arresto, y las imágenes terminando en la televisión, el teniente Calvert (Don Johnson) los coloca en suspensión sin paga, dejando a los hombres sin ingresos durante seis semanas. No dispuesto a sentarse y esperar, Brett decide seguir los movimientos del criminal Lorentz Vogelmann (Thomas Kretschmann), quien está planeando un robo a un banco con la ayuda de Henry Johns (Tory Kittles), quien acaba de salir de prisión y que está tratando de reconstruir su vida con poco de dinero rápido, y su viejo amigo Biscuit (Michael Jai White). Junto a Anthony, Brett organiza una prolongada vigilancia, observando a Lorentz poner en movimiento su plan criminal mientras planea interceptar el botín para así asegurar un futuro sin preocupaciones.

En primer lugar, tenía muchas ganas de ver esta película. Sé que las películas de Steven Zahler no son del gusto de todos (esta es su tercera película), pero disfruto de su estilo de dirección. Con un tiempo de duración de 2 horas y 38 minutos, Dragged Across Concrete es una película de explotación de ritmo lento que tiene una buena combinación de buenas actuaciones y una narración de historia interesante, pero carece de cierta profundidad teniendo en cuenta el tema. La trama comienza bastante simple. Dos policías hartos de como van sus carreras ​son suspendidos por brutalidad policiaca. Es en ese momento cuando planean ganarse la vida para su familia robando lo que creían que era dinero de un negocio de drogas. Por supuesto, no todo es lo que parece y la película desciende en un thriller lento y que los dejará al borde de sus asientos.

La película tomó una premisa simple y la hizo realmente fascinante. Su lentitud juega con las expectativas mientras construye el suspenso. Finalmente, cuando la acción comienza, la película envuelve a uno como espectador con su contenido sombrío y oscuro. Nada era lo que parecía y, honestamente, fui engañado varias veces con la progresión de los sucesos. Si esperan un thriller convencional, se decepcionarán, pero la película nunca prometió ser convencional. Esta es una película oscura y, a veces, brutal. Sin duda, se ganó el título de una película de explotación al explorar temas como la brutalidad policiaca, los medios digitales, el racismo y los problemas de la clase social. Esto no es un thriller de acción para sentirse bien, sino una película metódica y llena de tensión que jugará con sus emociones y les romperá el corazón. Es sombría y, a veces, horrible, pero ese parecía ser el punto. Es una mirada sin compasión de los extremos a los que los humanos llegan para obtener una ganancia financiera.

Sin duda, las películas de Steven Zahler son películas de explotación que están diseñadas para empujar los límites. Son el tipo de películas que Hollywood realmente no hace más, y quizás por una buena razón. Zahler ciertamente no tiene problemas tratando de ofender y específicamente jugar con lo políticamente correcto, y respeto sus elecciones desde un punto de vista técnico. La película puede haber sido muy lenta, pero disfruté mucho su ritmo. Cada escena y un poco de diálogo parecían agregar a la narrativa general. A pesar de su tiempo de duración, no puedo decir que me aburrí en ningún momento, y además, cuando la acción finalmente comienza, es brutal y chocante. Zahler definitivamente tiene un ojo para la violencia. Respecto a las actuaciones, Mel Gibson y Vince Vaughn son perfectos en esta película y parecen tener una química genuina. La rutina de compañeros de policía en realidad le agregó algo de ligereza a la película. El desempeñó de Mel Gibson es casi perfecto como un policía que lucha para brindar un futuro seguro para su familia. Vince Vaughn también hace un buen trabajo aquí. A menudo olvido que él sabe actuar debido a sus elecciones con algunas películas anteriores.

En general, es una película de explotación brutal y sombría que seguramente dividirá a la audiencia. Siendo una película de explotación, la película ciertamente los hará sentir un poco incómodos. No puedo evitar pensar en algunas escenas y personajes que se incluyeron solo para dar el elemento de sorpresa y asombro para manipular emocionalmente a uno como espectador. También se suma la duración total de la película, que creo que pudo haberse editado un poco. Tampoco puedo decir que estoy de acuerdo con algunas de las decisiones del director con respecto a los comentarios sociales, ya que la película los introduce pero en realidad nunca trató de abordarlos de una manera significativa. Al final, Dragged Across Concrete es seguramente una película que dejará un impacto emocional. Es una película bien hecha y bien dirigida con un relato de moralidad en el lado más oscuro de la humanidad. Este tema y contenido posiblemente no hará felices a muchos, pero es difícil discutirlo gracias al nivel de suspenso que ofreció.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Textless De La Semana

Dumbo

Review: Stan And Ollie

En 1937, Stan Laurel (Steve Coogan) y Oliver Hardy (John C. Reilly) estaban en la cima del mundo cautivando al público con su comedia tonta, que estaba bajo el control del productor Hal Roach (Danny Huston). 16 años después, la atención mundial se ha ido, pero el dúo todavía está tratando de sostener lo que queda de su popularidad, y se embarcan en una gira de teatros por Europa para pagar las facturas mientras intentan forjar los detalles de una adaptación de Robin Hood para ayudar a consolidar su regreso al cine. Luchando con sentimientos no resueltos con respecto a las grietas de su asociación que se han desarrollado a lo largo de los años, Laurel y Hardy tratan de ofrecer el mejor espectáculo que pueden, solo para encontrarse con teatros casi vacios y la indiferencia de Hollywood, poniendo presión en su plan maestro. Junto con sus esposas, Ida Laurel (Nina Arianda) y Nina Hardy (Shirley Henderson), el dúo lucha con la paciencia y los problemas de salud para finalmente dar sentido a su magia a medida que se acerca el final de sus carreras.

Debo admitir que nunca fui un gran fan de Laurel y Hardy. Claro, había visto a Babes In Toyland, The Music Box, entre otras películas, pero eso fue hace mucho tiempo. No es que no me gustaran, pero nunca crearon un impacto lo suficientemente grande en mí como para investigarlos más a fondo. Afortunadamente, uno de los aspectos más exitosos de Stan And Ollie es que no tienen que ser fanáticos para disfrutarla. Si bien es cierto que existen conexiones y disfrutes especiales, esta película de Jon Baird no utiliza la familiaridad como un anzuelo, y el guión juega un papel importante como una historia universal de artistas en sus años de decadencia. Después de un breve prólogo establecido durante su época de apogeo, encontramos a Laurel y Hardy en Inglaterra en la década de 1950. Su carrera está por el piso, ya no hacen funciones en los grandes teatros, en las salas de conciertos, ni en los mejores hoteles y se les ha prometido una película de regreso a los cines sobre Robin Hood. Las dificultades de esta gira nos llevan a una comprensión más profunda de ellos, y nos lleva a una observación necesaria, mientras que fueron un dúo durante muchos años, nunca fueron amigos íntimos.

Esos detalles personales aumentan cuando sus esposas se unen a ellos en la gira. La señora Hardy y la señora Laurel son tan diferentes entre sí como sus esposos. Aún así, fuera de todo el conflicto, Laurel y Hardy tienen un vínculo más profundo que los une más allá de bromas, es una historia de amor genuina. Un vínculo basado en la lealtad más que en las simples gracias sociales. La película es una película profundamente entretenida y conmovedora, no solo por lo que mostró sobre sus vidas, sino también por su tema universal que se puede aplicar a todos nosotros: todos lo bueno debe terminar. La profundidad de la película está envuelta en una gran cantidad de tonterías, lo que la convierten en un vistazo fácil, y que permite explorar sus temas sin dejar que su naturaleza deprimente la abrume. La estructura de la película es un poco formulada (inevitablemente, Laurel y Hardy tienen una pelea en la que se dicen todo tipo de cosas desagradables y luego renuncian a todas esas cosas) pero no pude evitar apreciarla, porque hace bien en presentar cada golpe emocional.

La tragedia del arte y el desempeño es algo que realmente me llegó. No importa lo bueno que seas en algo y sin importar cuánto disfrutes haciéndolo, llegarán un momento en el que ya no podrás hacerlo. Hay dos respuestas posibles a esto, una es sentarse y llorar y la otra es disfrutarlo mientras dure. Hardy hace lo segundo. Otras escenas, más ridículas, comunican inquietudes como una en la sala de espera de un hotel en la que Laurel dice su apellido esperando una respuesta y realiza su rutina, pero la joven recepcionista no lo entiende porque ella no sabe quién son Laurel y Hardy y porque ya están pasados de moda. Laurel, por supuesto, no está acostumbrado a esto, por lo que continúa, sin darse cuenta de que alguien realmente no sabe quién es él.

Ahora... las actuaciones. Como no sé nada acerca de Laurel y Hardy, no puedo comentar sobre qué tan exactas fueron las interpretaciones, pero a nivel humano, estos fueron personajes profundos con los que uno se puede relacionar. Steve Coogan y John C. Reilly hacen un trabajo sobresaliente. Ambos son simplemente brillantes, y se adaptan a sus personajes cuando están en público, pero ofrecen sutilmente rasgos similares en privado. De los dos, el desempeño de John C. Reilly es el más memorable, pero no le quita demasiado al desempeño de Steve Coogan. Shirley Henderson y Nina Arianda también agregan al drama como las esposas de los comediantes, y ​​la Ida de Arianda en particular es muy graciosa. Rufus Jones también se desempeña en un papel de apoyo como el famoso impresionista Bernard Delfont, y agrega una forma diferente de comedia a la película. La actuación final no habría sido tan desgarradora como lo sería si no fuera por la actuación de John C. Reilly, que comunica su dificultad para realizar la última rutina, pero también lo mucho que ama ser Hardy. La sonrisa en su rostro mientras persuade a Laurel de que puede hacer un último baile es conmovedora.

En general, la película se cuenta de manera apropiada y a la antigua. Nada innovador desde el punto de vista estilístico y sin el modernismo que tantas películas biográficas a menudo hacen para demostrar que son más modernas que su tema, y Steve Coogan y John C. Reilly crean magia en la pantalla. Si bien es probable que no sean una réplica perfecta del dúo real, aún logran formar un equipo creíble, no solo en el escenario, sino en su amistad. Al final, Stan And Ollie es una película agridulce que cuenta su historia humilde en toda su duración de 1 hora y 37 minutos, pero lo hace muy bien. Debido a sus temas universales, es un entretenimiento accesible tanto si son fanáticos del dúo o si no lo son.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Triple Threat

En Tailandia, Payu (Tony Jaa) y Fei (Tiger Chen) son exploradores que ayudan a una pequeña banda de mercenarios a través de la densa jungla, llegando a un lugar del MI6. Al asaltar el complejo, Devereaux (Michael Jai White) y su equipo matan a casi todos los que están a la vista, sacando de la prisión al terrorista Collins (Scott Adkins) y devolviéndolo al poder. Durante la balacera, la fuerza invasora asesina a la esposa de Jaka (Iko Uwais), quien sobrevive a la terrible experiencia, enterrandola y prometiendo vengarse de quienes cometieron el crimen. Los que también logran escapar son Payu y Fei, que intentan mantener un perfil bajo mientras Jaka busca venganza contra Collins. Al llegar a la ciudad está la heredera china Xian (Celina Jade), que está tratando de impulsar un plan para financiar los esfuerzos contra el crimen en la ciudad, solo para ser desafiada por pandilleros, que ordenan a Collins y sus hombres a asesinar a la joven, creando un caos, mientras Xian encuentra protección de Payu y Fei.

Si son entusiastas de las películas de acción como yo, entonces es probable que encuentren entretenimiento en películas de artes marciales como The Raid, Man Of Tai Chi, Killshot y The Night Comes For Us. Muchas veces uno puede encontrar estas películas muy misericordiosas cuando se trata de ciertos aspectos como el guión, la historia y la actuación. Lo único que realmente necesita trabajar para nosotros son las secuencias de acción. Necesitan ser el centro de la película y deben estar bien filmadas y con una explosión entretenida. En las últimas décadas, una nueva tendencia ha tomado protagonismo, las películas de acción directa a Video On Demand (de las cuales Scott Adkins es una de las estrellas más conocidas). Estas presentan secuencias de acción sólidas y no mucho más cuando se trata de la lista de cosas que mencioné anteriormente. Son películas de pura adrenalina.

Triple Threat es exactamente eso. Pero antes de sentirse decepcionados por tal afirmación, es importante entender este sentimiento. Me gustan las B-movies, no me importa la trama sin sentido ni las actuaciones cuando veo esas películas. Pero eso no significa que no sean buenas películas. De hecho, Triple Threat es mucho mejor que la mayoría de las películas del género de acción de las B-movies. Puede que la historia no tenga sentido, pero los escritores intentan motivar a nuestras tres estrellas principales y hacer que estos personajes sean agradables y encantadores por sí solos (Tony Jaa y Tiger Chen, en particular, muestran sus propias habilidades cómicas). Lo que me gusta de la película es que se preocupa lo suficiente como para que estas estrellas brillen y se les permita mostrar su talento. Cuando ves tantos éxitos de Hollywood que no logran ver el talento de estas estrellas y sus habilidades, hace que sea alentador ver una película que aprovecha al máximo lo que pueden hacer estos increíbles artistas.

En lo que respecta a las actuaciones, pueden ser un poco deficientes a veces y el diálogo en inglés de sus estrellas asiáticas no es tan convincente, pero estas personas lo intentan. Iko Uwais en particular ha avanzado mucho con sus habilidades hablando inglés desde The Night Comes For Us. Scott Adkins y Michael Jai White realmente brillan como los villanos. Son amenazantes, directo en tu cara y físicamente rudos. Scott Adkins también ha recorrido un largo camino con sus habilidades de actuación. Se presenta como un mercenario entregado a su trabajo y lo da todo por el todo cuando su personaje se desespera por terminar la tarea que se le ha encomendado. Como el gran villano, él también tiene las mejores escenas de pelea en la película.

Ahora, qué tal la acción? Bueno, me alegra decir que las escenas de acción no decepcionan. Admito que es una pena que Iko Uwais no tenga las mejores peleas de la película, especialmente considerando su historial fílmico, pero con tantas estrellas de acción, era inevitable que alguien se sintiera un poco excluido. Además, con 1 hora y 36 minutos, la película asombra bastante y no siente demasiado abarrotada o compleja. Hay 2 grandes escenas de acción, una en una estación de policía alrededor de la mitad de la película y otra en un edificio abandonado hacia el final del tercer acto. Ambas están bien coreografiadas y el tiroteo es sorprendentemente entretenido de ver. Claro, las escenas no están tan bien construidas con el presupuesto limitado que tienen, pero creo que es mucho pedir una película de Video On Demand. Las secuencias de acción en sí mismas no se sienten baratas y, además, son mucho más satisfactorias que muchos éxitos de Hollywood de gran presupuesto.

En cuanto a los puntos negativos, la edición cuando los actores asiáticos hablan en inglés es muy notable, y la mayoría de sus diálogos en inglés (con un par de excepciones) se hablan fuera de pantalla. Sospecho que esto se hizo porque las tomas iniciales no fueron buenas, pero realmente hubiera deseado que esa parte de la película pudiera haberse mejorado. También la iluminación a veces puede sentirse demasiado expuesta, especialmente en las tomas exteriores. Antes de que se me olvide, otra cosa que me gustó de esta película es cómo permitieron que diferentes personajes de diferentes orígenes hablaran en su idioma nativo en varias escenas. Los productores esperan que lean los subtítulos, algo que muchas películas temen hacer hoy día.

En general, lo que logra la película es que configura su trama y los personajes para cumplir con la promesa que realizó cuando se anunció este proyecto y ofrece entretenimiento de alta adrenalina con una acción asombrombrosa. Fácilmente, podría compararse como una película de la época de oro de la compañía Cannon, ya que es eficiente y desperdicia muy poco tiempo en cualquier cosa que no progrese la trama, los personajes o la acción. Al final, Triple Threat puede aparecer a veces como una película pretenciosa, pero para aquellos que simplemente aman la forma de arte de las películas de acción es eficiente, y lo más importante... es sólida cuando se trata de la acción. Esta es una película hecha para los fanáticos del género de acción por un grupo de actores que también son fanáticos del género.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: An Interview With God

Paul Asher (Brenton Thwaites) es un periodista que recientemente regresó de Afganistán, donde estaba informando sobre el esfuerzo de guerra allí, y terminó con algunas de las mejores historias de su joven carrera. Pero lo que vio allí lo cambió para siempre, enviándolo por un camino oscuro cuando comenzó a buscar el verdadero significado de la vida. Comienza a luchar para lidiar con los efectos de sus experiencias en Afganistán, un matrimonio fallido y su fe. Comenzó a cuestionar la fe de su infancia, y le preguntó a Dios si Él era real. Sin embargo, Paul recibe una respuesta inesperada un día cuando recibe una llamada para entrevistar a Dios mismo. Escéptico y sin saber qué hacer o a dónde acudir, Paul se sumerge profundamente en entrevistar a un misterioso caballero llamado The Man (David Strathairn), quien dice ser Dios. Paul se sienta con este hombre misterioso en el transcurso de tres días y se encuentra respondiendo todas sus preguntas. Luchando con lo que sabe y de lo que no está seguro, se encuentra en una encrucijada, y lo que descubre es inesperado y está destinado a cambiar su vida para siempre.

Esa es la vieja pregunta: si tuvieras la oportunidad de hacerle una pregunta a Dios, cuál sería? Para Paul en An Interview With God, surge la posibilidad de no hacer una pregunta a Dios, sino de realizar una serie de tres entrevistas de treinta minutos. Paul es un periodista que ha encontrado su voz al mismo tiempo que pierde su fe después de regresar de Afganistán donde cubrió la guerra, y lucha por aceptar al hombre que se sienta ante él, afirmando ser Dios. El Dios de David Strathairn, o al menos un hombre que dice ser Dios, fue fenomenal. El Dios de Strathairn es tan humano, dolorosamente humano, que hace que incluso los no creyentes tengan la esperanza de que haya un Dios tan comprensivo y amoroso. Con unos pocos fragmentos de comedia y una extraña habilidad matemática, Strathairn pinta a Dios no como el hombre vengativo y barbudo del que muchos de nosotros aprendimos en la iglesia, sino como un Padre amable y compasivo que participa en las vidas de sus hijos.

Si alguien necesita un hombro amable y compasivo para apoyarse, es Paul. Luchando por entender lo que presenció en el extranjero y luchando para recomponer su turbulento matrimonio, Paul se encuentra en su punto de ruptura. Interpretado por Brenton Thwaites, Paul está visiblemente conmovido a lo largo de la película. Trabajando para vencer a sus demonios personales mientras trabaja en la que quizás sea la entrevista más importante de su carrera, Thwaites retrata de manera experta a un hombre parado en una encrucijada, y en su lucha, plantea las preguntas que muchas personas religiosas y seculares hacen en un momento dado en sus vidas.

Lo más sorprendente de la película es el cuidadoso y deliberado equilibrio entre predicar y apelar a lo secular. Sí, es una película sobre Dios y el papel de Dios y la religión en nuestra vida cotidiana. Dios o The Man, dependiendo de tu versión personal de la película, sabía y podía comunicarse con Paul sin decir una palabra. La película está llena de referencias bíblicas, y se expresó a lo largo de su duración que "Dios es amor". A pesar de estar enfocado en Dios, la película es bellamente humana. El diálogo entre Paul y The Man suena menos como una conversación entre una deidad y un mortal, y más como dos viejos amigos en medio de un amargo desacuerdo, luchando por ver el punto de vista del otro. La pregunta más importante que surge en el transcurso de la película, y en nuestra vida cotidiana, es "por qué le pasan cosas malas a las personas buenas?". En la respuesta de Dios, él presenta una lección que todos haríamos bien en aprender: "tienes más poder del que sabes". Mientras The Man admite que todo el tiempo pasan cosas malas (enfermedades, inundaciones, incendios, hambrunas, guerras), nosotros, los humanos, tenemos el poder de cambiar para mejorar. "Empieza por mirarte", The Man le dice a Paul, "y ahí es donde estaré".

Aunque la historia se centra principalmente en largas conversaciones, el diálogo está bien construido y mantiene una buena trama. Los personajes exploran algunos grandes temas relacionados con la naturaleza de la realidad y la obra de Dios. Estas conversaciones filosóficas realmente atraen la atención porque buscan desarrollar a los personajes como personas en lugar de lanzarnos visiones del mundo. Los escritores no temieron en profundizar con los personajes al hacerlos defectuosos y accesibles. La representación de Dios también es apropiada e intrigante. A lo largo de la historia, hay elementos psicológicos creativos que parecen estar construyendo un posible giro de la trama, pero desafortunadamente, esta creatividad aparente nunca se materializa, lo que hace que el final sea un poco flojo y decepcionante. La historia tiende a llegar a una conclusión con demasiadas preguntas sin respuestas después de que tenía mucho potencial, pero aún así, el resto de la trama es lo suficientemente buena como para mantener esta película a flote.

En general, uno no necesita ser un creyente para apreciar el mensaje presentado aquí. La película es un recordatorio de que en estos tiempos turbulentos nuestro mundo está a la merced de lo que decidimos hacer con nuestras circunstancias. Siempre habrán cosas malas que le pasarán a las personas buenas, pero los humanos, con nuestro libre albedrío, pueden decidir cómo manejar estos problemas. Paul, y quizás todos nosotros en algún momento de nuestras vidas, solo necesitamos un recordatorio de eso en la forma de una Intervención Divina. Al final, An Interview With God es una película muy estimulante con una buena historia, valor de producción y las buenas actuaciones de David Strathairn y Brenton Thwaites. Aborda algunas preguntas difíciles que impulsarán a las personas a revisar sus vidas y su fe, y tal vez generen algunas discusiones teológicas.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Ederlezi Rising (A.I. Rising)

La Tierra, 2148. El capitalismo ha explotado cada parte del mundo, reemplazado por el socialismo para restablecer el equilibrio entre los seres humanos, las grandes industrias están colonizando otros planetas. Milutin (Sebastian Cavazza), un piloto solitario con muchos años de experiencia, es enviado al espacio en una misión a Alpha Centauri para la compañía Ederlezi Corporation. El hombre, sin embargo, no estará solo. Una ingeniera social de la reformada USSR revela que a su lado habrá una androide, la bella y fría Nimani (Jessica Stoyadinovichaka a.k.a. Stoya), cuya apariencia y comportamiento han sido estudiados por un equipo de programadores para reflejar mejor sus deseos y preferencias. Como esperaban y deseaban sus empleadores, Milutin comienza a establecer una relación intensa con la mujer cibernética, primero física, luego mucho más profunda y compleja. Al mismo tiempo, Nimani, quien a partir del intercambio emocional y verbal con él aprende y evoluciona su propio sistema, se ve lentamente transformada por la influencia de su amante humano, adquiriendo una personalidad muy diferente. Cuando Milutin, queriendo liberarla, logra borrar todos los códigos de comportamiento instalados por los ingenieros, una evolución inesperada en Nimani comienza a tener lugar.

Ederlezi Rising o A.I. Rising es una película serbia sobre un hombre en una nave espacial y su única compañía es una androide femenina. Desde el principio, tengo que admitir que hay específicamente dos puntos que se caracterizan bien aquí, y son: la iluminación y el diseño de sonido. Estas dos cosas realmente mejoraron la atmósfera de la película y me hicieron adentrarme en el universo que creó. Tantas películas de ciencia ficción de gran presupuesto que Hollywood hace en estos días y no se dan cuenta de la importancia de estos dos atributos en el género. Aparentemente, el capitalismo es una plaga en el futuro que incluso ha infectado galaxias enteras y le corresponde a la siempre justa Ederlezi Corporation enviar ingenieros sociales a estas colonias espaciales para restaurar la normalidad de la manera socialista. Dicho esto, realmente no habría tenido problemas de que en realidad concretaran esta premisa aún más. En cambio, la película elige concentrarse principalmente en la química entre el cosmonauta y su pareja sexual androide, lo que supongo que no fue malo por sí solo.

La película trata un tema muy interesante de lo que significa ser humano, tanto en el sentido de la existencia de uno como en las interacciones que forman lo que somos y quiénes somos. Y eso pudo ser explotado en profundidad pero desafortunadamente no lo fue. Uno podría esperar más drama de este tema, más emoción, en su mayoría desesperación y, por supuesto, más diálogo que provoque esa desesperación. En la primera parte de la película, esperaba ver más frustración con los límites que limitan a un androide en su interacción con un ser humano que, en última instancia, conduciría a un humano a correr un gran riesgo de cambiar el androide. En la otra parte de la película, después del cambio, podría haber visto más drama y desesperación causados ​​por este cambio, pero no fue así. Tenemos una historia muy suave, pero sigue siendo una historia.

Por otro lado, los visuales fueron sumamente satisfactorios. Me recordaron un poco a The Fountain, que también es un buen ejemplo de imágenes artísticas y una historia filosófica profunda. Lo que me molestó un poco fue el diseño de la nave espacial. Todo el interior era muy pequeño y ridículamente organizado (aunque entiendo por qué), pero una ventana colocada para mirar entre los motores no tenía sentido. Ahora... la androide es interpretada por una actriz de la industria pornográfica, la hermosa y encantadora Stoya, por lo que no hay absolutamente ningún doble de cuerpo o efectos especiales utilizados durante las escenas de sexo. Además, ella está desnuda casi todo el tiempo en la película. Sin embargo, admiro que su particular figura atlética, no voluptuosa, y la increíble iluminación en realidad trasciendan para darle un aura más sublime. Todo esto ayuda a amplificar lo que podría ser considerado desnudez gratuita.

En general, esta película es un poco lenta, y siendo la primera de su género hecha en Serbia, fue muy buena. Creo que se necesitó un gran esfuerzo y el gran entusiasmo de sus creadores para hacer todo esto. Los felicito por eso y espero que vengan muchas más películas como esta, y mejores aún, por supuesto. Al final, Ederlezi Rising o A.I. Rising es una historia de ciencia ficción visualmente impresionante sobre las relaciones, las emociones, la exploración de la sexualidad, el romance, y la relación humana frente a la Inteligencia Artificial. Repito, es una película lenta y sin duda tiene sus defectos debido su pequeño presupuesto, pero eso es perdonable.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 26 De Marzo Del 2019

Aquaman (teniendo 4 versiones: la regular, la 3D, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Can You Ever Forgive Me?

Stan And Ollie

If Beale Street Could Talk

Second Act

Perfect Blue

Review: The Dirt

Perdiendo a su padre a una edad temprana y criado por una madre irresponsable, Nikki Sixx (Douglas Booth) estaba atrapado en las calles de Los Angeles, recurriendo a la música para salvar su vida. Cuando su primera banda London rompe, Nikki hace un plan para construir un grupo más peligroso, con la esperanza de llegar a los fanáticos con una actitud monstruosa y locas aventuras en el escenario. Nikki encuentra un baterista en Tommy Lee (Colson Baker a.k.a. Machine Gun Kelly), un chico suburbano a quien le encanta divertirse, un guitarrista en Mick Mars (Iwan Rheon), una trituradora músical y sensata que toma la música con máxima seriedad y un cantante en Vince Neil (Daniel Webber), un joven con cabello rubio que recientemente se separó de su banda de covers. Con planes de dejar su huella de una manera importante, los muchachos forman Mötley Crüe, tomando el Sunset Strip a principios de la década de los años 80, vendiendo heavy metal a alto volumen cargados de maquillaje a audiencias hambrientas por un buen espectáculo.

Desde 1981, la banda de heavy metal Mötley Crüe ha tenido grandes discos, éxitos, y giras y fiestas legendarias. También han tenido sobredosis de drogas, accidentes por conducir en estado de embriaguez y enfermedades debilitantes. En el 2001, la banda se unió al escritor de Rolling Stone/New York Times, Neil Strauss, para hacer una crónica de sus aventuras en un libro titulado The Dirt: Confessions Of The Most Notorious Rock Band. Ahora, 18 años después, The Dirt se ha convertido en una película. The Dirt es un relato bastante sencillo de la leyenda de Mötley Crüe, que comienza con los años de infancia del fundador de la banda/bajista Nikki Sixx. Muestra a Nikki reuniendose con el baterista Tommy Lee, integrando al guitarrista Mick Mars y la banda reclutando al líder carismático Vince Neil. A partir de ahí, la banda pasa de tocar en bares medio vacíos a estadios llenos, y lidia con todas las presiones que vienen con la fama y fortuna.

El director Jeff Tremaine (famoso por su trabajo con el equipo de Jackass) finalmente convirtió el libro The Dirt en una película. Es alta en comedia y melodrama, con representaciones gráficas de sexo y uso de drogas. En resumen, sí, es una película de Mötley Crüe. Nada en The Dirt sorprenderá a los fanáticos de la banda. Sigue la historia Mötley Crüe bastante de cerca, y la mayoría de los eventos legendarios están bien documentados. Los miembros de la banda sirvieron como productores, y todo se basa en su libro, por lo que incluso si todo se cuenta a través de su filtro de Rock And Roll, la película lo narra en la forma en que todo ocurrió, más o menos. Y Mötley Crüe siendo figuras tan escandalosas en la escena del metal de los años ochenta, cualquier cosa es creíble. Sin embargo, no es todo el tiempo una fiesta. La película cambia de tono aproximadamente a mitad de camino cuando los demonios de la banda comienzan a alcanzarlos. Para entonces, la banda se convierte en una caricatura, y sus personajes más grandes que la vida los traicionan. No son percibidos como humanos, lo que hace imposible para uno como espectador tomar lo que sucede en serio.

Es difícil decir si el humor en The Dirt es intencional o no, ya que fue escrita y dirigida por personas en el ambiente de la comedia después de todo. Algo de eso es obvio, como el primer concierto desastroso, o el saludo que comparten los miembros de la banda antes de un show. Pero incluso los momentos serios dan risa. La muerte legendaria de Nikki Sixx en Diciembre 23 de 1987 es un ejemplo perfecto. El bajista sufre una sobredosis y muere en una ambulancia de camino al hospital. Mientras que uno de los técnicos de emergencias médicas está listo para declarar la hora de la muerte, el otro sigue trabajando frenéticamente, explicandole que Nikki Sixx no va a morir en su turno. Cuando revive a Sixx, el paramédico celebra con un saludo y un "Yes!", todo mientras Sixx se levanta todo loco con las agujas de adrenalina todavía colgando de su pecho. Déjenselo a una película de Mötley Crüe para hacer reír al público con una muerte por sobredosis de drogas.

No hace falta decir que la música en The Dirt es espectacular. Por supuesto, los que no son fanáticos de Mötley Crüe pueden no estar tan enamorados de las canciones como los que lo están, porque la película está repleta de éxitos. Y, afortunadamente, son los primeros tres discos los que obtienen la mayor parte de tiempo, ya que ese es el período en el que tiene lugar la mayor parte de la película. La mitad de la música es tomada de los dos primeros discos de Mötley Crüe, Too Fast For Love y Shout At The Devil (que son esenciales para escucharse), y el resto son los éxitos de radio que todos se saben de memoria, lo admitan o no. Tiene canciones como Live Wire, Shout At The Devil y Looks That Kill intercaladas con Home Sweet Home y Merry-Go-Round. Los chicos de la banda incluso se reunieron para grabar algunas canciones nuevas para la película, incluyendo The Dirt (Est. 1981) y una versión bastante estéril de Like A Virgin de Madonna. Una película de Mötley Crüe debería apoyarse mucho en la música y, afortunadamente, The Dirt lo hace.

En general, la película podría verse como una historia de advertencia. Sí, Mötley Crüe se salió con la suya, pero a la larga también pagaron el precio. La película no solo trata de glorificar el estilo de vida de Mötley Crüe, sino que también nos muestra lo que sucede cuando las cosas salen mal. También expone los eventos trágicos que sufrieron los miembros de la banda, incluida la relación de Nikki con el abuso de drogas, la enfermedad debilitante y lenta de Mick y el cargo de homicidio involuntario de Vince y la pérdida de su hija de 4 años Skylar por cáncer. Estas historias sirven como una advertencia de los peligros de vivir la vida rápida y vivir la vida sin preocuparse por nadie más que uno mismo. Al final, The Dirt es una película para los fanáticos de Mötley Crüe, y solo para los fanáticos de Mötley Crüe (de los cuales admito que soy uno). Si alguna vez han querido escuchar la historia de Mötley Crüe contada por los miembros de la banda en una narración en primera persona, esta es la película. Es una película entretenida y convincente de una banda que aprende a depender uno del otro en momentos de trauma y angustia. Por otro lado, la película es una representación de las ideologías de la época, explorando el desprecio y la normalización del sexismo y la jerarquía masculina. Sin embargo, la redención final parece perdonar rápidamente cualquier explotación y maldad en la que se haya involucrado la banda de una manera que se percibe como una noción de "los chicos siempre serán chicos". Nota adicional: algunas de las situaciones más impactantes y perturbadoras de la banda en la novela no se mencionan en esta película de Netflix.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Us

Tomando la carretera para unas vacaciones de verano, Gabe (Winston Duke) y Adelaide (Lupita Nyong’o) llevan a sus hijos, Zora (Shahadi Wright Joseph) y Jason (Evan Alex), a la casa de la infancia de Adelaide, con la esperanza de disfrutar de la temporada. Visitando una comunidad de playa en Santa Cruz para divertirse bajo el sol, Adelaide permanece nerviosa, sintiendo que algo está mal. No puede eludir la sensación de un recuerdo de 1986, cuando se separó de sus padres, encontrando su camino hacia una casa de diversión misteriosa. Adelaide, perturbada por la experiencia en la playa, exige irse, solo para encontrar la salida de su hogar bloqueada por una familia de dobles, o The Tethered, con Red (Lupita Nyong'o), su gemela, organizando un exterminio sistemático de los vacacionistas, desatando a Abraham (Winston Duke), el pirómano Pluto (Evan Alex) y Umbrae (Shahadi Wright Joseph) en los residentes, comenzando una larga noche de supervivencia alrededor de la comunidad.

El horror de los dobles ha sido un subgénero de películas que ha estado durante mucho tiempo (desde Invasion Of The Body Snatchers, 1956). Estas películas conocen la fuerza de mantener una explicación para los fenómenos de duplicar un misterio y cómo aprovechar ese impulso para acabar con la competencia existencial. Ahora, con su segunda película, el escritor/director Jordan Peele entiende el poder de estos elementos con Us, pero tal vez sea difícil, ya que elimina un poco el elemento de horror. De acuerdo con el subgénero, no esperen respuestas claras sobre por qué aparece un clan de dobles en la entrada de la casa de vacaciones de la familia Wilson, interpredados respectivamente con un inquietante encanto por parte de Lupita Nyong'o, Winston Duke y los niños Shahadi Wright Joseph y Evan Alex.

Peele, que trascendió su reputación de comediante para convertirse en un excelente director de horror con la exploración subversiva del racismo en Estados Unidos con Get Out (2017), está tratando de lograr algo más, y no está necesariamente claro de qué se trata. El título puede indicar algo extraño sobre los Estados Unidos, y los trajes rojos de los personajes malvados tal vez impliquen algo sobre Trump y la inmigración. Hay personas en los Estados Unidos que a duras penas se ganan la vida mientras se ven obligados a ver desde lejos a los demás disfrutar de sus vidas sin preocupaciones. Pero más allá de estas conexiones sueltas, nada más apunta a eso. Podría fácilmente también decir algo acerca de la distracción de los parques temáticos y su papel en zombificar a aquellos que buscan escapar de la realidad, lo que podría ser bastante subversivo porque Universal Studios, propietarios del parque temático de Orlando, están distribuyendo esta película.

Uno de los aspectos más intrigantes de Us es el hecho de que todos los actores están cumpliendo una doble función, ya que interpretan a sí mismos y a su versión malvada. Lupita Nyong'o es absolutamente sobresaliente como Red, su diabólico alter-ego. Hablando con una voz ronca y una mirada siniestra, emite una energía que hace que se robe todas las escenas en las que se encuentra. Su transformación es impresionante y su personaje es el pegamento que mantiene toda la película unida. A pesar de lo excelente que es su desempeño, el resto del elenco también se esfuerza al máximo, gracias al guión y los diálogos de Peele. En cuanto a cómo se presenta como una película de horror, no es tan aterradora como la están vendiendo. A veces la falta de explicación hace que hayan muchos agujeros de la trama. Peele tiene un gran valor para presentar una familia en un conflicto del que no teme luchar contra sus terroristas, y oculta con una insinuación todas las muertes rápidas de personas negras en décadas de películas de horror. También hay una sensación adicional de temor a las sombras negras, ya que todos los personajes malos emergen de la oscuridad.

La película es increíblemente ambiciosa, pero desafortunadamente esa ambición tiene un precio: la falta de enfoque. La narrativa es bastante desordenada y casi se deshace en el tercer acto. Aquí hay muchas grandes ideas en juego, y Peele no las completa lo suficiente. Los elementos surrealistas con los que jugó en Get Out son mucho más prominentes, por lo que la necesidad de que sus historias se vinculen afectará el disfrute de la película. Estos pequeños viajes abstractos pueden no ser del agrado de personas que esperan una película de horror habitual, pero sin duda hace que algunas secuencias sean realmente fascinantes.

Los fans del cine, del género de horror y de la cultura pop descubrirán varios homenajes al cine de horror del pasado. Desde la camisa de Adelaide de Thriller, la camisa de Jaws de Alex y la máscara del Wolfman, hasta el mismo paseo marítimo de Santa Cruz de The Lost Boys, Peele se siente cómodo rindiendo homenaje a las películas pioneras del género. También hay un guiño a las tomas iniciales de The Shining, y incluso hay un personaje de las películas de horror particularmente bien gastado: el vagabundo silencioso y siniestro. En este caso, es un hombre sin hogar en el paseo marítimo con un letrero cuya referencia bíblica no augura bien lo que va a suceder (Jeremías 11:11). Muy a menudo, las películas de horror no son más que homenajes, y eso les quita la diversión. Peele, por otro lado, pone Easter Eggs que realmente funcionan debido a la alteración del material original.

En general, Peele ya hizo su carta de presentación con Get Out, lo que da una sensación que es difícil de superar, y lo que hace que la comedia y el horror estén a un nivel más elevado. Incluso con los problemas de narrativa y ritmo, la película es una película de horror convincente con mucha creatividad y corazón. Los aspectos buenos superan los malos, y si pueden suspender sus creencias lo suficiente como para dejarse llevar por un poco de locura cinematográfica, pasarán un buen rato. Al final, Us es una buena película, pero también muestra lo difícil que es cumplir con grandes expectativas. Si Peele está diciendo algo sobre la mentalidad y el consumismo de la nación americana, es difícil notarlo más allá de toda la sangre, las matanzas y el miedo. Manteniendo una sensación de misterio sobre los dobles y acechando a una familia de vacaciones, la película mantiene una metáfora basada en la esperanza de que uno como espectador pueda ir más allá de toda la ideología presentada en busca de un significado. Y mirando un poco más profundo, la hay.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Hole In The Ground

Tras mudarse a una casa rural cerca de un pequeño pueblo para comenzar de nuevo, Sarah (Seána Kerslake) está atenta a las necesidades de su pequeño hijo, Chris (James Quinn Markey), preocupada por su capacidad para adaptarse a su nuevo entorno. Disfrutando de una relación estrecha, Sarah y Chris se sorprenden cuando casi atropellan a Noreen (Kati Outinen), experimentando un encuentro con la anciana embrujada que declara que Chris no es quien parece ser. Eliminando la amenaza, Sarah continúa con su vida, tratando de remodelar su casa y ser una madre apropiada para su hijo. Sin embargo, comportamientos extraños comienzan a surgir de Chris, manteniendo a Sarah al límite. Mientras su mente y la realidad se vuelve borrosa, también la ponen en presencia de Des (James Cosmo), el esposo de Noreen, quien comparte su experiencia de pesadilla con su propio hijo, forzando a Sarah considerar lo imposible mientras busca la fuente de los problemas de Chris.

Cuando A24 lanza una nueva película de terror, trato de verla rapidamente. No es un secreto que el joven estudio se ha apoderado del mundo del cine en los últimos años, construyendo constantemente una biblioteca de películas vitales, creativas y desafiantes. Se han posicionado efectivamente como los portadores estándar del art house, otorgando una amplia exposición a cineastas que de otra manera tendrían serios problemas para encontrar la distribución de su trabajo en el Hollywood actual. La contribución de A24 al horror moderno ha sido particularmente notable. Por mi parte, han estrenado dos de las mejores películas de terror de la década: The Witch y Hereditary, tanto obras maestras como debuts de dirección. El estudio tiene una clara pasión por el horror inteligente y sustancial que evita los sustos baratos y poco profundos que los principales estudios entregan constantemente.

The Hole In The Ground, también, es un debut directorial. Pero a diferencia de las películas antes mencionadas, no se siente como una. Eso no es necesariamente algo negativo, ya que la película tiene una energía creativa muy buena. Sin duda, también incluye algunos de los distintivos de A24 como un trabajo pequeño, independiente y centrado en los personajes, con visuales sorprendentes, toques de surrealismo y una sensibilidad artística. El problema es que la película se siente subdesarrollada. A pesar de que utiliza el lenguaje cinematográfico del art house, ofrece algo mucho más en línea con lo que se esperaría del género convencional, una serie de elementos de miedo (algunos de los cuales son bastante efectivos) agrupados en una premisa que sirve como nada más que una base sobre la cual construir esos sustos.

La trama es bastante prometedora. Una madre huye de un problemático pasado con su hijo pequeño, se establece en una nueva ciudad y espera tener un nuevo comienzo. Las cosas se vuelven siniestras a medida que descubre un siniestro agujero en el bosque junto a su nuevo hogar, que parece haber influido en el comportamiento de su hijo. Es una premisa llena de potencial simbólico. Hay alusiones a la violencia doméstica, enfermedad mental y quizás una sugerencia sutil de cómo la visión de una mujer maltratada sobre su hijo puede confundirse con su imagen del padre, su abusador. Pero eso son solo alusiones, toques o sugerencias. Estos temas se insinúan, pero nunca se exploran ni se enriquecen realmente. Tomen a Thomasin de The Witch y a Annie de Hereditary, ambas protagonistas tienen excelentes arcos de historia, y son respaldadas por películas que completan los temas ocultos de sus respectivos relatos. Sarah, por otro lado, se siente como una pizarra en blanco durante gran parte de la película, un recipiente utilizado para brindar miedo al espectador en lugar de un verdadero personaje. Y en lugar de desarrollar las ideas y el potencial simbólico de la premisa, la película opta por dedicar su tiempo a repartir escenas de miedo en un nivel relativamente rutinario.

En general, a pesar de mis dudas, la película logró ser placentera simplemente por la fuerza de su premisa, imágenes y pocos momentos realmente inquietantes. Aunque no llega ni siquiera a las alturas de las mejores ofertas de horror del estudio A24, tiene suficiente mérito para justificar un vistazo del fanático más apasionado del género en busca de un espeluznante escape de 1 hora y 25 minutos. Al final, The Hole In The Ground es una película de terror/drama psicológico que no todos apreciarán debido a su lentitud y tono sutil. Si disfrutan de las películas de terror inteligentes, creo que les gustará esto. Lamentablemente, al final le falta un poco de explicación, pero creo que a veces está bien que una película deje un poco al espectador para que resuelva las cosas por sí mismo. Solo desearía que durara tal vez 10 minutos más para desarrollar mejor los eventos que llevan a la conclusión.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Aterrados (Terrified)

Una zona residencial en Buenos Aires es el escenario de horrores paranormales. La ama de casa Clara Blumetti (Natalia Señoriales) escucha ruidos extraños en el desagüe durante el día, no teniendo idea de que morirá brutalmente esa misma noche frente a su sorprendido esposo Juan (Agustín Rittano). El mal parece estar justo debajo de la cama del aterrorizado Walter Carabajal (Demián Salomón), quien no ha podido dormir durante días y, finalmente, instala una cámara en su habitación. La suerte de su vecina Alicia Pérez (Julieta Vallina) es peor, su hijo Pucho (Matias Rascovschi) de diez años es atropellado por un autobús. Cuatro días después, el cuerpo en descomposición del niño se encuentra sentado en la mesa del comedor frente a un plato de cereal y un vaso de leche. El diputado Funes (Maximiliano Ghione), quien estuvo involucrado con Alicia, se ocupa del caso, pero pronto llega a sus límite. Recibe apoyo de tres investigadores especiales, Mario Jano (Norberto Gonzalo), Mora Albreck (Elvira Onetto) y el Dr. Rosentock (George Lewis), quienes se especializan en fenómenos paranormales. Juntos, tratarán de revelar el misterio que se esconde en la zona residencial y que destruye la existencia de la sociedad humana tal como la conocemos.

Siendo el horror uno de mis géneros favoritos, siempre estoy dispuesto a darle una oportunidad a películas extranjeras de horror. He leído cosas buenas sobre Aterrados (Terrified), lo cual fue sorprendente, dado que las películas argentinas de horror no reciben muchas críticas positivas (y por una buena razón). Ahora, tener altas expectativas puede ser algo negativo, así que traté de ver esta película sin esperar nada bueno o malo, pero al final me decepcioné un poco de todos modos. En la película vemos diferentes eventos sobrenaturales que tienen lugar en los suburbios de una ciudad anónima de Buenos Aires. Los primeros eventos espeluznantes ocurren dentro de la casa de una pareja joven, quienes encuentran su hogar invadido por una extraña presencia invisible. Una noche, la mujer es violentamente atacada por esta fuerza sobrenatural, lo que resulta en su muerte, por lo cual su esposo es responsable más tarde. Al lado, un hombre joven busca desesperadamente ayuda profesional después de ser acosado por una criatura que deambula por su casa durante la noche. Finalmente, un niño encuentra una muerte espantosa después de ser atropellado por un autobús, solo para levantarse de entre los muertos y regresar a su hogar en un estado de descomposición. Un oficial de policía, un diputado y tres investigadores de eventos paranormales intervienen para averiguar qué está pasando, dado que estos eventos extraños tuvieron lugar en diferentes lugares, pero en la misma calle, no puede ser una coincidencia.

Aterrados (Terrified) es una película que hace un esfuerzo por darle al espectador un producto de calidad dado su bajo presupuesto, algo que es muy apreciado. Sin embargo, Demián Rugna, quien dirigió y escribió la película, no logra atar todos los cabos sueltos de lo que inicialmente promete ser una historia compleja. Si bien la segunda mitad proporciona una buena cantidad de imágenes espantosas y algunos efectos especiales sorprendentemente decentes, la historia se deshace al no darnos respuestas sólidas para entender realmente la razón detrás de los eventos paranormales que tienen lugar en esta área en particular. La única explicación que recibimos brevemente es de la investigadora
Mora Albreck, que es bastante simple y poco convincente. Al parecer, el agua tiene algo que ver con el problema. Según la investigadora, el agua contiene microorganismos que mantienen la vida y pueden conectar los reinos de los muertos y los vivos. Aparte de eso, no sabemos realmente qué están haciendo estas entidades sobrenaturales y no recibimos una explicación sobre su naturaleza. En algún momento, se menciona que estas fuerzas anhelan la sangre, lo que les da una calidad de vampiro, supongo. Sea como sea, las explicaciones son insatisfactorias.

Hay una fuerza, entidad o presencia particular responsable de todo lo que está sucediendo? En la mayoría de las películas de terror sobrenaturales, hay un antagonista principal que busca un objetivo específico, como un solo personaje o toda una familia. Sin embargo, aquí, parece que hay varias fuerzas que atacan a varios individuos desconectados, lo que crea un resultado final muy complicado. Las historias de fantasmas suelen ser bastante molestosas cuando trata de darnos un clímax con una explicación sobre los eventos sobrenaturales. Con mucho gusto habría aceptado un cliché pero, en serio, qué tan difícil podría ser? Algo simple hubiera bastado, como si una persona fuera perjudicada de alguna manera, lo que resultó en su muerte. Luego, el espíritu de dicha persona, que ahora reside en un reino alternativo, atormenta a los vivos por lo que hicieron (Ven? No es demasiado complicado). Los personajes son olvidables en su mayor parte. Nuestro héroe principal (que aparece después de los 25 minutos) no es realmente interesante ni fácil de relacionar de ninguna manera. Su historia personal se revela sutilmente hacia la última parte de la película, pero es difícil relacionarse con él, no solo porque es un oficial de policía genérico en una película de horror, sino también porque comparte demasiado de su liderazgo con los otros héroes.

En general, puedo pasar por alto el bajo presupuesto, los diálogos amateur y las ubicaciones no atractivas, pero la historia tiene que tener sentido. Mientras que algunos directores logran salirse con la suya con una historia complicada que no une todos los extremos perdidos, proporcionan una atmósfera fuerte que compensa el desorden, cosa que Demián Rugna no proporciona en esta película en particular. En una película dirigida por Lucio Fulci, la cinematografía compensa la falta de una trama sólida llena de cabos sueltos, pero Rugna no puede darse el lujo de hacerlo, al menos en este caso. Al final, Aterrados (Terrified) no es realmente una película terrible y logra mantenerse en el lado decente en su mayor parte, manteniéndose alejada de cualquier tipo de carcajada involuntaria. Rugna muestra potencial al crear momentos de tensión genuinamente perturbadores, lo cual es crucial en una película de terror. Las imágenes espantosas, la gran fotografía y el buen trabajo de cámara hacen que esta película sea digna de un solo vistazo. He leído que esta es la mejor película de terror de Argentina (aunque, honestamente, no hay mucho con qué competir) y he notado que los fans hispanos del terror parecen estar demasiado entusiasmados con esta película. Esto me da satisfacción y esperanzas de que Argentina pueda producir más películas de terror en el futuro. Con suerte, serán una mejora sobre esta.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: The Dark

Mina (Nadia Alexander) es una desfigurada niña zombie que vive en una casa abandonada en el bosque que ha sido objeto de historias durante años. Cuando un asesino fugado tropieza con la casa en busca de un lugar donde esconderse, Mina lo encuentra y lo mata. Lo que ella no sabe es que él no estaba solo, hay un niño secuestrado y ciego, Alex (Toby Nichols), en la parte trasera de su auto. Cuando los dos se encuentran, hay una empatía instantánea entre ellos, algo que Mina no ha sentido en mucho tiempo, y decide intentar ayudarlo a volver a casa. Pero la desaparición de Alex ha desencadenado una persecución en Devil's Den, y si encuentran a Mina, será su fin. Incapaz de ver la forma destrozada de Mina, Alex al principio no entiende el porque su salvadora no se mueve fuera de su zona de comodidad, pero después de un tiempo comienzan a entenderse de una manera que ninguno esperaba. Se ayudan mutuamente a sanar, tanto emocional como físicamente, hasta que tal vez Mina pueda matar el monstruo en el que se ha convertido.

Comencé a ver The Dark con grandes expectativas. El personaje principal es una niña zombie y había leído que gran parte de ella había sido inspirada por Let The Right One In. Habiendo terminado de verla, estoy un poco decepcionado con la película, ya que me dejó con sentimientos encontrados. Algunos elementos están muy bien hechos, otros son confusos, algunos son impresionantes y otros no están bien pensados. Mina es una niña que se esconde en el bosque, mucho después de que aparentemente la han matado, y todavía muestra signos brutales de su asalto. Ella ataca y se alimenta de cualquiera que se acerca demasiado, y no está preparada para vivir como o con otras personas. Por otro lado, Alex es un niño retenido en contra de su voluntad y quebrantado por un secuestrador, Josef. Cuando Mina ataca y mata a Josef, Alex no sabe cómo aceptar este cambio en su mundo. Los ojos de Alex están tan deteriorados que no puede ver la condición física de Mina, pero él acepta su protección y se convierten en amigos.

Nadia Alexander ofrece una actuación emocional, y Toby Nichols es extremadamente creíble en su interpretación de un niño atado a su secuestrador por reglas. Los efectos de las cicatrices que llevan Mina y Alex parecen muy auténticas. Se puede creer que han estado presentes durante mucho tiempo, y han estado curándose, o al menos envejeciendo, en diversos grados. La película realmente trata sobre las cicatrices emocionales, sin embargo, los traumas son una situación oscura que la gente solo puede salir de ellas cuando están listos. Aquí es donde entra algo de confusión. Pienso que las cicatrices de Mina y su condición aparente de zombie es una presentación metafórica de la profundidad del trauma que atravesó. Las cicatrices de Alex, por otro lado, son más literales. Leí que el escritor y director Justin P. Lange describió la película como un cuento de hadas, pero creo que realmente habría funcionado mejor si las experiencias de ambos niños se hubieran presentado de una forma al menos equivalente.

Mi otra confusión es con la escala de tiempo. No hay indicios de cuánto tiempo estuvo Alex en las garras de Josef, y si fue suficiente para que tuviera cicatrices profundas y bien curadas en la cara. Por otro lado, Mina ha estado cazando en el bosque tiempo suficiente como para ser parte de una leyenda local, pero hay otros indicios de que solo ha estado desaparecida durante unas semanas. Sin duda, The Dark es una película seria con una temática sombría sobre el abuso y la amistad. Sí, recuerda a Let The Right One In, pero el tono melancólico proviene más directamente de la película Maggie de Arnold Schwarzenegger. Además, el cuidadoso y estudiado trabajo de cámara refuerza el tono de la historia de una manera muy hermosa.

En general, puede ser muy difícil para las personas con traumas en sus vidas conectarse con otras personas, especialmente cuando todavía están sintiendo su efecto. Pero un amigo con una angustia similar puede ser una excelente luz para guiarlo fuera de la oscuridad. Aunque The Dark es una película bellamente hecha, creo que el mensaje que quiere llevar se habría entregado más efectivamente sin que Mina fuera zombie, sea metáfora o no. Al final, The Dark no tiene que ver con el horror típico, la sangre o el gore. Se trata del horror de la traición, de los traumas extremos, de la brutal violencia criminal y humana y de los inocentes que quedan atrapados en la tormenta de la desesperación o insensibilidad de los demás. Hay un poco de sangre derramada, pero no es lo fundamental aquí. La sensación del aislamiento, incluso de uno mismo, es también una analogía, y creo que el final es posiblemente un giro. Veanla y decidan por ustedes mismos.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Trauma

Un grupo de amigas, Andrea (Catalina Martin), Magdalena (Dominga Bofill), Camila (Macarena Carrere) y Julia (Ximena del Solar), deciden pasar unos días juntas en la casa familiar de una de ellas en un lugar remoto del país chileno. En el camino, las cuatro chicas se detienen en un bar en mal estado, donde son acosadas de una manera demasiado impetuosa por un grupo de lugareños. En el bar también atraen, sin su conocimiento, la atención del psicópata de la zona, Juan (Daniel Antivilo) y su hijo Mario, (Felipe Ríos), quienes secuestran y torturan a sus desafortunadas víctimas. Las cuatro desafortunadas turistas serán atacadas por ellos y conocerán los métodos inhumanos utilizados por los peores torturadores durante el régimen de Augusto Pinochet.

No suelo dar advertencias antes de comenzar mis críticas, pero esta película obligatoriamente exige una. Absolutamente no es para los débiles. Hay representaciones extremadamente gráficas de lesbianismo, incesto, violaciones, necrofilia, tortura y asesinatos. Aquellos que son sensibles a tales cosas definitivamente no deben ver esta película bajo ninguna circunstancia. Trauma es sobre el ciclo de violencia perpetuado por el abuso. Esto se puede aplicar no solo al abuso brutal de un régimen tiránico sino también al abuso doméstico, aunque los cineastas no lo dicen. Sin embargo, los rastros son muy evidentes, y la violencia aquí es extremadamente gráfica y no se disculpa en ningún momento.

La película comienza en 1978 con un texto que nos deja saber que esta película está inspirada en hechos reales. Luego, de inmediato, se incluye una de las escenas de apertura más espantosas, inquietantes y perturbadoras jamás puestas en una película, lo que nos permite saber exactamente el tipo de viaje que se va a presenciar. El resto de la película se realiza en 2011 y sigue a cuatro jóvenes chilenas que viajan a una casa de vacaciones en una zona remota del país. A partir de ahí, no pasa mucho tiempo antes de que los eventos de la apertura choquen con sus vidas de una manera increíblemente brutal. Al ver Trauma, es importante comprender de dónde proviene la inspiración para apreciar verdaderamente lo que la película está tratando de decir. Si bien los detalles exactos de la historia y los personajes específicos pueden no haberse producido, la película está inmersa en la historia moderna de Chile y es muy representativa de un importante problema cultural que aún afecta la vida actual.

En el mundo real, el gobierno elegido democráticamente de Chile fue derrocado en 1973 en un golpe de estado que resultó en que Augusto Pinochet tomara el poder como el dictador del país. Durante este período, el país experimentó una cantidad innumerable de muertes y el horror dejó al país irrevocablemente cambiado. Es importante saber esto porque, en su esencia, esta película trata realmente sobre el pasado brutal y traumático de un país y no simplemente otro thriller violento de una invasión a un hogar. Al ver la película, encontré muchos paralelos entre ella, A Serbian Film y la espantosa película de terror mexicana Atroz. Los tres son ejemplos de películas que se inspiran en la violencia y el trauma real del pasado de su país (así como en el presente) y utilizan imágenes extremadamente gráficas y explícitas para transmitir ese dolor colectivo. Esto es esencial porque realmente llega a expresar un tipo de emoción genuina a través del arte. Aplaudo profundamente estas películas (y muchas otras) que están dispuestas a hacer que el público se sienta sumamente incómodo para darles un vistazo del sufrimiento provocado por las atrocidades de la vida real.

Otra similitud entre estas películas es el hecho de que todas están muy bien hechas, que también es lo que les permite ser tan perturbadoras. El guionista y director Lucio A. Rojas ha hecho un trabajo increíble al crear un mundo que vive y respira gracias a la magnífica fotografía, los efectos y los personajes realistas y creíbles. Hablando de personajes, todos los actores en general hacen un trabajo absolutamente increíble, pero quiero hacer una mención especial a la perfección del villano que Daniel Antivilo interpretó como el psicopáta Juan. Es sumamente perturbador y brinda un temor geniuno a la película. Ciertamente hay mucho que apreciar aquí, pero tengo puntos negativos que tienen que ver con la estructura de la película en sí. Hubo bastantes veces (especialmente a medida que la película avanzaba) cuando la continuación de la historia dependía demasiado de la coincidencia, la posibilidad y la mala toma de decisiones por parte de los personajes. Si bien esto ayudó a mantener la trama emocionante, algunos ajustes menores en el guión podrían haber solucionado estas faltas y ayudar a que los eventos se desarrollaran de una manera más orgánica y realista. Además, la película es un poco larga (dura 1 hora y 46 minutos), la preparación para los ataques es lenta, y hacia el final la película se convierte esencialmente en una película de venganza estándar, así que... no hay puntos positivos para eso. Aún así, estos problemas son los que evitan que esto sea una película perfecta en lugar de la película excepcionalmente buena que es.

En general, la pregunta que debe hacerse aquí es si la violencia extrema justifica el mensaje de la película. Habrá algunos que lo llamarán violencia gratuita o explotadora y no puedo negar que hay un punto ahí. No sé si tengo una respuesta a esa pregunta, supongo que eso dependerá de la persona. Por mi parte, no pensaría en censurar esto ni negar el derecho a existir de la película. En cierto punto, uno se insensibiliza ante los horrores que se muestran, pero tal vez eso es lo que pretendía el director todo el tiempo. Al final, Trauma es una película para aquellos que pueden manejar y ver más allá de la violencia extrema y entender el mensaje oculto de todo esto. Se trata de las atrocidades de la tiranía política, la guerra y la corrupción. Presenta comportamientos y consecuencias atroces de la manera más despreciable y perturbadora para hacernos pensar en actos y errores inimaginables reales que están ocurriendo (y han estado ocurriendo) en muchos países de este mundo y de los que no se habla. La recomiendo encarecidamente, pero solo a aquellos que puedan manejar y soportar una película como esta.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Mary Poppins Returns

Después de perder a su esposa, Michael Banks (Ben Whishaw) no puede mantener su vida unida, y se encuentra en una situación financiera desesperada mientras trata de cuidar a sus hijos Annabel (Pixie Davies), John (Nathanael Saleh) y Georgie (Joel Dawson). El presidente del Banco Fidelity Fiduciary, William (Colin Firth), está listo para ejecutar la hipoteca de la casa de la familia Banks, lo que obliga a Michael a buscar, con la ayuda de su hermana Jane (Emily Mortimer), la documentación de las inversiones bancarias realizadas por su padre para salvar la casa. Mary Poppins (Emily Blunt), quien viene al rescate, regresa a la casa de los Banks para ofrecer aventuras a los niños y apoyo a los adultos que una vez cuidó hace mucho tiempo. También colaborando en la misión está Jack (Lin-Manuel Miranda), un simpático lamparero que está muy consciente de la magia de Mary, y se une a ella en varias expediciones a los confines de la imaginación.

La película original es un clásico y todos conocen a la niñera más maravillosa del mundo con sus amigos mágicos y su capacidad para hacer que todos sonrían. Julie Andrews incluso ganó un Oscar por su actuación, lo que hace que sea casi imposible seguir sus pasos. Desafortunadamente, Emily Blunt no es tan encantadora e ingeniosa como su colega original. 55 años después, Mary Poppins Returns intenta mantener la magia de la película original, pero en su mayor parte fracasa estrepitosamente. Nunca tuve la sensación de comodidad y alegría que tenía al ver la original y estaba esperando un número musical pegadizo en vano. Hay tantos problemas con la película que no sé por donde empezar.

La historia es poco imaginativa y predecible. Los niños de la película original, Michael y Jane Banks, son ahora adultos. Michael estaba casado y tiene tres hijos. Su esposa falleció recientemente y él está luchando para manejar su vida privada y laboral. Tiene dos trabajos y uno es trabajando en el antiguo banco de su padre. Después de que su esposa muriera, la situación financiera de la familia se puso difícil y Michael tuvo que pedir un préstamo para pagar su casa. Ahora, un año más tarde, Michael está atrasado en los pagos y tiene que pagar el préstamo completo o su casa será embargada. Así que Michael y Jane intentan encontrar el certificado de las acciones que su padre tiene en el banco. Ese es el comienzo de la historia. Sin embargo, la mayor parte de la película no se resuelve a su alrededor, y en lugar de eso, la película se centra en los niños. La película se pone menos emocionante cuando aparece Mary Poppins. Ella no parece ser la niñera firme pero cuidadosa de la película original. En su lugar, critica constantemente a los niños y los adultos, y se comporta como una abuela que desaprueba todo y que nunca está satisfecha.

Emily Blunt es una actriz muy talentosa y hace todo lo posible para hacer que el personaje de Mary Poppins sea agradable. Desafortunadamente ella nunca tiene éxito. Si bien su actuación está en punto, la frialdad de Poppins y la actitud descuidada hacia los niños hace que todos sus esfuerzos se desperdicien. Peor es Lin-Manuel Miranda, cuyo falso acento británico es tan malo que era mejor que hablara con su voz regular. Él interpreta al lamparero Jack, que realmente no tiene otra razón para estar en la película que no sea aparecer en puntos específicos de la historia y ayudar a los niños de maneras misteriosas. Aunque, él es un buen cantante y muestra sus habilidades en cada canción, no deja de lado su acento, y tampoco se siente que esté totalmente comprometido con su personaje. Ninguno de los actores se siente que quiere estar en la película. Especialmente Ben Whishaw, es una gran decepción. Él y Emily Mortimer simplemente parecen vagar y decir sus líneas sin ninguna compasión real.

La película también nunca me capturó ni me hizo soñar como lo hizo la original. Eso se debe en parte al mal guión, pero sobre todo... las canciones. Todos recordamos "Supercalifragilisticoespialidoso" pero no esperen nada de esto aquí. La música de la película es muy común y tan poco imaginativa que ninguna de las canciones realmente permanece en mente. Además, muchas de las escenas se sienten que el director tuvo que pensar en una nueva aventura para lograr el tiempo de duración de la película. Su tiempo de duración de 2 horas y 10 minutos es tan largo que a menudo tuve la esperanza de que la película llegara a su fin. Las escenas a menudo se prolongan una y otra vez, y cada vez que parece que la película va dar un giro, vuelve a su vieja historia aburrida.

Por todas las cosas malas en la película siempre hay algunos aspectos positivos. La prima de Mary, Topsy, interpretada por la brillante Meryl Streep, supuestamente puede reparar todo. Esta es la escena que recuerdo de la película. Eso no se debe al número musical que fácilmente se puede olvidar, sino a la actuación única de la actriz más grande del mundo. El vestuario de Streep es tan contradictorio y se adapta al ambiente abarrotado de la escena, no podía hacer más que sonreír. Además, el ver a Dick Van Dyke casi al final de la película trajo una gran sensación de nostalgia. Hablando de vestuarios, es uno de los aspectos más positivos de la película. El diseño de los vestuarios es excelente, al igual que el diseño de producción. Incluso, hay algunas tomas que subrayan el vestuario de forma tan brillante que casi olvido el resto de la película. Si todo hubiera sido hecho de una manera apropiada, esto podría haber sido una secuela digna de la original.

En general, la película podría ser entretenida para los niños y si ese es su único objetivo, entonces la película lo logró. Pero tengo que decir que no es una película que será agradable para los adultos. Saldrán decepcionados. Les sugiero que mejor vean la película original, para que todos la pasen bien. Al final, Mary Poppins Returns es un pálido reflejo de la película original y ni siquiera se acerca a la gloria de esa película. Es una historia aburrida, con una buena producción y lo último en tecnología, pero no tiene corazón. Ni siquiera las canciones son memorables. Además, Mary Poppins es ahora una niñera arrogante y no la persona firme pero dulce de la historia original. Tenía buenas expectativas con esta película, pero lamentablemente, fue realmente decepcionante.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Master Z: Ip Man Legacy

Después de ser derrotado a puertas cerradas por Ip Man, el humilde maestro de Wing Chun Cheung Tin Chi (Max Zhang) ahora vive en paz con su hijo en Hong Kong, donde tiene un pequeño colmado. Sus días como maestro de artes marciales han terminado, y también lo es su trabajo como ladrón, que no le sienta bien a su antiguo empleador (Yuen Wah). Pero Cheung no puede mantenerse fuera de problemas por mucho tiempo. Después de que él defiende a las empleadas de un bar, Julia (Yan Liu) y Nana (Chrissie Chau), contra el gángster local Tso Sai Kit (Kevin Cheng) y sus secuaces, su tienda es incendiada como retribución. Ahora sin hogar y rastreado por el misterioso asesino Sadi (Tony Jaa), que trabaja para su antiguo empleador, Cheung recibe ayuda de Fu (Xing Yu), el propietario de un bar local, para quien comienza a trabajar como camarero. Pronto, dos figuras peligrosas cobran mucha importancia sobre él: la mafiosa Tso Ngan Kwan (Michelle Yeoh), la hermana de Tso Sai Kit, y Owen Davidson (Dave Bautista), el dueño de un restaurante y filántropo que también es un narcotraficante.

Al principio, cuando leí el título, pensé que era solo una especie de película que usaba la fama de Ip Man e intentaba ganar audiencia agregando su nombre. Pero cuando vi el trailer, me di cuenta de que sería interesante. Esta película es diferente de otras películas que tienen Ip Man en su título, porque se trata de un spin-off o también podría llamarse una secuela ya que todo sucede después de los eventos de Ip Man 3. Sin embargo, el personaje ahora es Cheung Tin Chi, que también era un gran maestro de Wing Chun. De hecho, me gustó este personaje en Ip Man 3 y pensé que el cambio de enfoque hacia él fue una movida inteligente. A diferencia de las otras películas, esta fue co-producida por Donnie Yen y Raymond Wong, quien produjo la entrega anterior de la trilogía de Ip Man.

Esta historia se enfoca más en Cheung Tin Chi, y tenemos que verlo pelear con mucha gente con frecuencia. Sin embargo, lo que realmente no me gustó fue la primera parte de la película que no parecía haber sido explorada lo suficiente y creó un poco de confusión (al menos por mi parte) y al final se sintió un poco obligado el incluir a Tony Jaa en esta película. Ahora, personalmente, no tengo problemas con su aparición y también me gustó su estilo de pelea ya que fue rápido y violento, pero a pesar de que proporcionó una escena de pelea maravillosa, aún pienso que sería mejor si hubiera más historia para justificar su aparición. Aparte de eso, el resto de la historia fue bastante estándar. Hubieron suficientes momentos dramáticos y un poco de romance también.

La trama fue un poco predecible, pero en realidad no me molestó porque de todos modos quería ver muchas escenas de lucha. Y en esta parte, pensé que la película salió bastante bien. Algunas de las secuencias de lucha fueron bastante sorprendentes. Varias fueron uno contra uno, uno contra muchos, pocos contra muchos y así sucesivamente. Mis favoritas definitivamente serían la lucha hacia el final y la escena de la pelea final. Las escenas de lucha fueron buenas porque fueron dirigidas por Yuen Woo-ping, quien tiene experiencia en dirigir películas como Drunken Master (protagonizada por Jackie Chan), Iron Monkey (protagonizada por Donnie Yen) y muchas más. Pero también es famoso por ser el coreógrafo de peleas/acción para películas como Lethal Weapon 4, Kill Bill, Crouching Tiger Hidden Dragon y algunas otras. Respecto a las actuaciones, Max Zhang, Michelle Yeoh, Xing Yu y Dave Bautista interpretaron admirablemente sus papeles.

En general, si comparan esta película con la trilogía de Ip Man, no está a la altura, especialmente en el área de la historia. Sin embargo, si desean ver una película con algunas buenas peleas de artes marciales, esta podría ser una opción. La película tiene un tiempo de duración de 1 hora y 47 minutos y también tiene una breve escena adicional entre los créditos que disfrutarán. Al final, Master Z: Ip Man Legacy es una película que pueden ver para disfrutar de las peleas de artes marciales. Aquellos que buscan una película profunda y significativa con una trama o un escenario perfecto o que quieran ver escenas de peleas violentas y sangrientas, aquí no las encontrarán. Esta película no supera sus precuelas (Ip Man 1, 2 y 3) debido al simplismo en su historia, sin embargo, sigue siendo una película llena de acción y mucho entretenimiento.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.