Review: Wonder Woman 1984

Habiendo perdido a su verdadero amor, Steve Trevor (Chris Pine), hace mucho tiempo, Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot) ha mantenido un perfil bajo, ayudando a aquellos en peligro cuando llega el momento necesario. Diana, empleada como antropóloga en el Instituto Smithsonian en Washington, D.C., se mantiene alejada del personal, pero encuentra a Barbara (Kristen Wiig) como una nueva empleada curiosa. Al hacerse amiga de una mujer de baja autoestima, Diana inspira a Barbara a pensar más en sí misma. Con la tarea de identificar una piedra especial que conceda deseos, Barbara decide probar la magia ella misma y pide ser "especial". Diana también tiene su momento con la roca mágica, y pronto se reencuentra con Steve, que habita el cuerpo de otro hombre, ansioso por conocer el mundo de 1984. Con razones más oscuras, Maxwell Lord (Pedro Pascal), un petrolero arruinado, busca la roca para convertirse en la roca misma, absorbiendo su poder a medida que recoge los deseos de los demás, usándolos para conquistar el mundo.

Llegó la película del Universo DC más esperada del año, Wonder Woman 1984, y también llegó a algunos cines que se les permitió abrir, antes de ser transmitida por HBO Max el 25 de Diciembre, si viven en los Estados Unidos. La película se ha retrasado debido a la pandemia, junto con otras peliculas taquilleras como Black Widow de Marvel y No Time to Die de James Bond, pero un acuerdo con Warner Brothers y HBO Max ha dado como resultado el lanzamiento de esta película. Hemos tenido trailers y eventos online, y Gal Gadot en medio de un encierro decidió que una versión karaoke de Imagine sería una buena idea en las redes sociales (no lo fue, pero todo sería perdonado con el lanzamiento de 1984). Bueno, a pesar de lo que hayan leído en las redes sociales, odio ser el que les diga que a pesar de sus buenas intenciones, esta no es una gran película de superhéroes, y estas son las razones.

El problema principal de esta producción es el guión y la historia. Un artefacto antiguo les da a todos los que lo tienen un deseo, pero como la pata de mono, también les quita algo a quien lo desea. Eso es practicamente todo. Es la trama de un episodio débil de Twilight Zone, y decidieron colgar Wonder Woman 1984 por todas partes. Ahora, una premisa simple a menudo puede beneficiar a una producción, pero en un lanzamiento de gran éxito de taquilla para un estudio, se vuelve tan débil que para el tercer acto no hay otro lugar a donde ir, y los agujeros de la trama se vuelven tan grandes que cualquiera que siga la acción se despega de los acontecimientos una y otra vez.

Maxwell Lord, un hombre de negocios fracasado, que también es un tipo extraño de la televisión (lo cual nunca se explica realmente), entra en contacto con la piedra de los deseos, al igual que Gal Gadot como Wonder Woman y Kristen Wiig como la tímida Barbara, que hacen sus deseos y ponen la trama en movimiento. Gal quiere que su interés amoroso Steve Trevor esté de vuelta, y Kristen quiere ser más como Diana, ya saben, sexy, poderosa y segura. Mientras tanto, Lord roba la piedra y la absorbe, convirtiéndose en la piedra misma, para que pueda hacer que la gente desee cosas que beneficien su propia agenda, haciéndolo poderoso para que pueda gobernar el mundo o algo así.

Luego, Lord toma posesión del petróleo del mundo y finalmente obtiene acceso al presidente de los Estados Unidos, lo que aumenta las tensiones de la Guerra Fría hasta el punto de que pronto las armas nucleares están volando. Después de obtener acceso a un sistema que le permite dirigirse a la población mundial, los anima a pedir deseos que conduzcan a que el mundo caiga en disturbios y destrucción mientras él se vuelve más poderoso. Mientras tanto, una Wonder Woman agotada tiene que derrotar a Barbara, que ahora desea convertirse en una "depredadora máxima" y hacer un sacrificio para detener al ahora maníaco Maxwell Lord.

Ahora, antes de continuar, permítanme decir que la primera Wonder Woman ha sido una mis películas favoritas de DC, y quería disfrutar de 1984. Gadot es una Diana increíble, y Wiig parecía perfectamente elegida para interpretar a Cheetah. También fue intrigante que Chris Pine de alguna manera también regresara como el interés amoroso, así que estuve completamente involucrado en esta película, pero desafortunadamente todo es un desastre. La película comienza con promesas y un flashback de la joven Diana en Paradise Island participando en unos extraños Juegos Olímpicos y aprendiendo una lección de humildad, luego avanzamos rápidamente a 1984. Es una buena secuencia de apertura, pero en el momento en que llegamos a la floja premisa, todo se va al infierno. El ritmo está por todos lados, y pasa mucho tiempo antes de que realmente veamos a Gal vestida de Wonder Woman después de la primera pieza de acción. Las cosas avanzan muy lentamente, hasta que se llega a un punto en el que te preguntas si alguna vez aparecerá con el traje de nuevo.

Para cuando la historia comienza, hemos tenido todos los presagios que necesitamos para trazar nuestro propio camino hacia el tercer acto. El nuevo atuendo, el hijo del antagonista y las subtramas de enemigos están de manera tan obvia que lo único que estropea más la acción son los trailers que mostraron todas las escenas de acción principales, sin dejar sorpresas para la audiencia. En el tercer acto, parece que las reglas de la piedra de los deseos se están inventando a medida que los escritores avanzan en un intento de elevar la acción a algo que podría importarnos, pero tiene el efecto contrario. Los momentos en los que estamos destinados a sentir algo ahora están completamente desprovistos de cualquier emoción real, ya que toda la situación ridícula ahoga cualquier corazón que la historia podría haber tenido.

Steve Trevor literalmente desaparece fuera de la pantalla en una escena que no debería haber dejado un ojo seco, pero lo hizo, y la resolución de los actores principales no tiene tiempo de pantalla en absoluto. Te quedas preguntándote qué les pasó, pero pronto te das cuenta de que ya no te importa. Con una trama insatisfactoria y un guión malísimo (además de las mejores partes estropeadas en el trailer), queda muy poco aquí para disfrutar. Los protagonistas hacen lo mejor que pueden, pero sus motivaciones son tan bidimensionales y poco desarrolladas que cuando aparecen los créditos, te sientes vacío y decepcionado. Sinceramente, creo que hubo una buena película aquí. Si hubieran eliminado a Maxwell Lord y se hubieran concentrado en Wonder Woman y Cheetah, entonces podrían haber estado en algo.

Una historia de dos mujeres que son opuestas en muchos sentidos, pero que desarrollan una amistad, es más convincente que una antigua roca que concede deseos. Realmente pudieron haberse centrado en amigas que se convierten en enemigas y se ven obligadas a luchar. Una inmersión profunda en su relación y su creciente amistad, mostrando sus personalidades y debilidades antes de culminar en una batalla final icónica y un final trágico habría sido mucho mejor para estos personajes, y en el medio, podrías haber tenido a Gal haciendo lo suyo deteniendo ladrones e inspirando niñas. Y también podrían haberlo hecho sin el truco de 1984.

En general, la mejor parte de Wonder Woman 1984 fueron las actuaciones que ayudaron a superar las deficiencias en el guión. Gal Gadot una vez más cumple como Diana. Sabemos que puede manejarse sola con las escenas de acción, pero aquí, pudo mostrar más de su rango, aunque no siempre funcionó. Y un discurso suyo cerca del final de la película fue sensacional. Su química con Chris Pine como Steve Trevor sigue siendo fuerte, ya que este último le dio un giro divertido al personaje. A pesar de tener un personaje con el que quizás otra actriz podría haber cavado más profundo, Kristen Wiig hizo lo mejor que pudo como Barbara y fue divertida de ver. Tristemente, Pedro Pascal como Maxwell Lord dejó mucho que desear, ya que su personaje era solo personalidad y nada más. Al final, Wonder Woman 1984 es una película que sin duda será divisiva entre los fans. O hace demasiado, no lo suficiente, o pierde su rumbo por completo. Si bien no es una película perfecta, no se puede negar que es entretenida, y tal vez eso sea suficiente. Simplemente establezcan sus expectativas antes de verla.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Soul

Joe (voz de Jamie Foxx) es un profesor de música de secundaria que ha intentado convertirse en un pianista de jazz durante décadas, sin poder encontrar un trabajo estable. Cuando un ex alumno le presenta la oportunidad de unirse a la leyenda del jazz Dorothea Williams (voz de Angel Bassett) en el escenario, Joe aprovecha la oportunidad y ofrece una audición impresionante que le da un trabajo el mismo día que le otorgan un trabajo de tiempo completo en su escuela. En un resplandor de felicidad, Joe se dirige a casa, solo para caer por una alcantarilla abierta. Joe se despierta camino al más allá y se entera de que está al borde de la muerte en la Tierra, y es ahora un alma esperando su momento final. Enloquecido, el músico se apresura a encontrar un camino de regreso a casa con su cuerpo, pero en su intriga se encuentra con 22 (voz de Tina Fey), un alma que se niega a encontrar su "chispa" y unirse a la humanidad. Juntos para volver al cuerpo que dejó atrás, las almas de Joe y 22 encuentran el camino hacia la vida más complicado de lo que se imaginaban.

Las películas animadas con un elenco afroamericano son casi desconocidas en el sistema de los estudios de Hollywood. En los últimos años, han habido dos películas notables que animaron a una persona de color en el papel principal. Will Smith prestó su voz para Spies In Disguise en diciembre pasado, y luego está una de las películas animadas más aclamadas de todos los tiempos, Spider-Man: Into The Spider-Verse (2018), que presentaba a un joven hijo de un padre afroamericano y una madre puertorriqueña. Si realizan una búsqueda de películas animadas protagonizadas por personas de color, aparecen un poco más de treinta. Léanlo de nuevo, treinta! Con la mayoría de ellas siendo consideradas insensibles a la raza afroamericana. Entonces, ha llegado el momento de que un jugador importante, Disney, haga un cambio con Soul, donde la mayoría de sus personajes son personas de color.

Peter Docter, el hombre detrás de clásicos de Pixar como Monsters, Inc. (2001), Up (2009) e Inside Out (2015), nos trae la historia de Joe, un músico de piano de jazz y profesor de música, a quien nunca se le ha dado la oportunidad de tocar en el escenario. Su suerte cambia repentinamente cuando un ex alumno, Curly, lo trae para una prueba con la legendaria artista Dorothea Williams. Después de masajear las teclas en un solo asombroso, Dorothea lo contrata por una noche. Desafortunadamente, se cae por una alcantarilla descubierta después de salir de la audición. Ahora, Joe está en coma y su alma es transportada al más allá. Allí, se encuentra con 22, un ser ingenuo que tiene una visión estrecha de lo que la vida tiene para ofrecer. A partir de ahí, Joe se une con 22 para viajar de regreso a la Tierra, volver a su cuerpo humano y cumplir su misión/pasión de tocar jazz en el escenario con una de las grandes.

La película tiene un elenco excelente, con Phylicia Rashad, Daveed Diggs, Wes Studi y Graham Norton en papeles secundarios. Si bien el guión no es necesariamente profundo, tiene un buen sentido de la historia del jazz dentro de la comunidad afroamericana. Esto le da a la película un sentido de individualidad más fuerte que la mayoría de los esfuerzos de Pixar. Los paseos durante otoño en la ciudad de Nueva York son una mezcla de rostros y personalidades refrescantes. Los rostros son diversos, las personalidades son distintas, y esta muestra amimada de Disney sin duda se distingue entre la filmografía legendaria de Pixar. Esto, junto con el mundo abstracto creado dentro del más allá, convierte a Soul en una de las películas de aspecto más distintivo que jamás hayan tenido.

El guión, sin embargo, minimiza la mayoría de sus bromas con observaciones más profundas que con risas. Cuando tiene la oportunidad de un jonrón, no falla, ya que tiende a botarla fuera del campo. Por ejemplo, cuando el alma de Joe se funde en la Tierra con un gato, existe la oportunidad de mostrar una discusión que crearía risas. En cambio, muestra a un personaje volvendose loco, cuando debería haber estado molesto o discutiendo. Esto habría creado una escena absurda para los espectadores. Aunque la película de Docter es reflexiva, las bromas no vienen al caso. Soul, como muchas películas este año, recibió una fecha de estreno en cines durante el verano. Luego la movieron a Noviembre debido a la pandemia. Luego, Disney tomó la decisión de estrenarla en Disney+ el 25 de Diciembre. Lo cual, con el repunte actual de una segunda ola de la pandemia, es bueno que las familias tengan la oportunidad de verla en sus hogares esta temporada navideña.

En general, esto es más que una película, es una lección de vida sobre cómo vivir. Te enseñará que la vida no se trata de carreras, metas, pasiones o logros. Se trata de vivir, justo aquí en este momento, exactamente donde estás. Las actuaciones de voz, la animación, la banda sonora, y el guión son fenomenales. Para mi, es oficialmente la mejor película de Pixar. Los niños la disfrutarán, pero esto es definitivamente para una audiencia adulta. Al final, Soul es 100% entretenimiento familiar. Tiene un guión que es reflexivo, incluso pensativo. Especialmente sobre la vida y por qué no agarramos la felicidad. Esto es para cualquiera que haya sentido que su vida ha sido un desperdicio, que ha cometido demasiados errores, que debería haber hecho algo más, o que es demasiado tarde para vivir.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: We Can Be Heroes

Los Heroics son un equipo de superhéroes que protegen la ciudad de todo tipo de peligros. Liderados por Miracle Guy (Boyd Holbrook), los Heroics son adorados por la comunidad, pero un miembro, Marcus (Pedro Pascal), se retiró después de la muerte de su esposa, enfocándose en el cuidado de su hija, Missy (YaYa Gosselin). Cuando una armada alienígena llega a la Tierra, amenazando con apoderarse del planeta, los Heroics se reúnen, incluidos la Mrs. Vox (Haley Reinhart), Lavagirl (Taylor Dooley) y Sharkboy (JJ Dashnaw), Tech-No (Christian Slater), y Blinding Fast (Sung Kang), y se proponen salvar el día. En lugar de derrotar al enemigo, el grupo es capturado, y son encerrados dentro de una prisión alienígena. La única esperanza para la humanidad son los hijos de los Heroics, con Missy organizando un plan para escapar de la sede de Heroics, actualmente bajo el cuidado de Mrs. Granada (Priyanka Chopra), y convertirse en la próxima generación de guerreros.

Hay dos versiones diferentes del director Robert Rodríguez: una para adultos y otra para niños. Para aquellos un poco mayores y propensos a la violencia divertida y loca, tenemos la Mexican Trilogy compuesta por El Mariachi (1992), Desperado (1995) y Once Upon A Time In Mexico (2003), From Dusk Till Dawn (1996), Machete (2010), Sin City (2005) y muchas otras. También hay una debilidad por el director al hacer películas familiares que están casi en desacuerdo con su estilo más maduro como la serie Spy Kids (2001, 2002, 2003 y 2011) y, por supuesto, The Adventures Of Sharkboy And Lavagirl (2005), que hizo con sus propios hijos no solo en mente, sino que lo ayudaron a elaborar la historia. Si bien no es un éxito favorito de la crítica o comercial, Sharkboy And Lavagirl lograron ganar seguidores de culto, especialmente con los niños más pequeños, que ahora son semi adultos. Dejando que Netflix se adentre en la nostalgia, tenemos ahora la secuela independiente: We Can Be Heroes.

En lugar de centrarse solo en Sharkboy y Lavagirl, We Can Be Heroes quiere expandir el universo e introducir un mundo más grande lleno de muchos héroes diferentes. Casi al estilo de The Avengers/Justice League, están los Heroics. Los Heroics son un grupo de superhéroes adultos que monitorean las cosas en todo el mundo y ayudan a combatir el mal. Por un lado, parece que Netflix realmente abrió la bóveda de su banco para algunas caras famosas, o Rodríguez pide todos los favores imaginables. Está Pablo Pascal como Marcus Moreno, un maestro de las espadas, Christian Slater como Tech-No, un héroe que vuela un jet pack, Boyd Holbrook como Miracle Guy, básicamente un tipo de Superman, Sung Kang como Blinding Fast, que tiene supervelocidad, y por supuesto Sharkboy (JJ Dashnaw), Taylor Dooley regresando como Lavagirl, y muchos otros. El único problema con este equipo de superhéroes es que en su mayoría son adultos narcisistas, llenos de sus propias formas, orgullo y ego. Cuando llega una invasión alienígena, y es hora de que todos los Heroics se reúnan, se encuentran golpeados y secuestrados por sus invasores con bastante rapidez.

Al mismo tiempo, todos los niños de los Heroics están en la escuela en la sede de Heroics bajo la atenta mirada de Mrs. Granada. Ella ordena a los niños que se queden quietos, pero desde cuándo los niños escuchan a los adultos? La hija de Marcus Moreno, Missy, es impotente y se pregunta por qué ella está ahí, pero se adapta rápidamente y comienza a hacerse cargo mientras lidera a los otros niños. Está Wheels, que literalmente está en silla de ruedas, A Capella, que al igual que su madre tiene superpoderes para cantar y puede levantar objetos, Ojo, que puede predecir el futuro con sus dibujos, los gemelos Fast Forward y Rewind que pueden acelerar y retroceder los eventos a medida que suceden, Slow-Mo, que tiene poderes lentos a diferencia de su padre Blindind Fast, Guppy, que es la hija de Sharkboy y Lavagirl, y muchos otros niños. Por supuesto, son niños, tienen miedo, pero poco a poco, dan un paso al frente y se dan cuenta de que tienen que reemplazar el vacío que dejaron sus padres. Los Heroics adolescentes atraviesan un viaje de héroes inusualmente rápido, completo con un tipo de entrenamiento de danger room mientras se esconden del gobierno y los extraterrestres bajo las enseñanzas de la abuela de Missy, Marie, interpretada por Adriana Barraza, quien los ayuda a sacar su héroe interior para lograr sus poderes, para que luego puedan ir a la nave alienígena y salvar el planeta.

La trama de We Can Be Heroes es bastante específica si alguna vez han visto una película para niños o una película de superhéroes. Lo que hace que la película se destaque es el encanto del elenco joven. Robert Rodríguez se desempeña como director de fotografía y director... y realmente le gusta el color púrpura. Los fanáticos de Sharkboy y Lavagirl pueden sentirse un poco decepcionados porque el actor Taylor Lautner no estaba disponible para regresar como Sharkboy y fue reemplazado por el doble J.J. Dashnaw y su rostro está oculto durante toda la película. Sin embargo, Taylor Dooley regresa como Lavagirl. A pesar de todas las caras famosas que interpretan a los Heroics, son los niños quienes llevan la película, especialmente YaYa Gosselin. Cada niño tiene un momento para usar sus poderes de una manera excelente para ayudar a salvar el día. Los niños también son un elenco increíblemente diverso que contiene varias razas y etnias, incluidos actores con capacidades diferentes.

Muchos momentos son cursis, pero nunca se sienten así, ya que tiene una cantidad justa de diversión. Guppy, que es la hija de Sharkboy y Lavagirl, da la impresión de ser demasiado infantil, incluida la voz de bebé, pero es increíblemente linda cuando lo hace. Hacia el final, hay un giro para atar todo cuidadosamente para un final feliz. A pesar de la trama simple, hay suficientes mensajes ocultos a lo largo de la película para ayudar a transmitir el tema de permitir que la generación más joven ayude a solucionar los problemas de los adultos, y todo es increíblemente divertido al mismo tiempo.

En general, la película está llena de colores brillantes, actuaciones energéticas y muchas travesuras, pero una vez que el escuadrón adolescente entra en la nave alienígena en la segunda mitad de la película, todo se pone lento. Se reduce en escala y crece con giros en la trama, perdiendo el combustible divertido que género Rodríguez durante la primera mitad. Al final, We Can Be Heroes finalmente quiere ser reconfortante y poderosa, lo cual es meritorio, pero Rodríguez no puede sostener esta aventura durante 1 hora y 31 minutos, mostrando una fatiga notable mientras lucha con nuevos obstáculos para sus mini Avengers.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Freaky

Después de perder a su padre, Millie (Kathryn Newton) sigue siendo una estudiante de secundaria introvertida que es intimidada por otros, mientras ama en secreto a Booker (Uriah Shelton). Una noche después de un partido de fútbol, Millie se queda sola con sus amigos Josh (Misha Osherovich) y Nyla (Celeste O'Connor), dejándola expuesta a los horrores del Butcher de Blissfield (Vince Vaughn), un asesino en serie aparentemente imparable con un gusto para adolescentes. Apuñalando a Millie con una antigua daga azteca llamada La Dola, el Butcher mágicamente intercambia cuerpos con su víctima, tomando el control de la vida de Mille, que comparte con su madre viuda, Coral (Katie Finnernan), y su hermana, la policía Charlene (Dana Drori). Millie ahora está dentro de el Butcher, luchando por mantenerse fuera de la vista de las autoridades, y tratando de convencer a Josh y Nyla de que ella es la verdadera Millie, aprendiendo más sobre la daga en el proceso, y que está en una cuenta regresiva de 24 horas antes de cualquier cambio hecho con la daga se vuelva permanente.

Nadie hace que las películas de terror sean tan divertidas como Christopher Landon, y con su par de películas de Happy Death Day solidificó su lugar como el hombre ideal para la comedia negra. Ahora está de vuelta con Freaky, que al igual que Happy Death Day (2017) toma una premisa cómica familiar, el cambio de cuerpo de Freaky Friday (2003) y lo combina con el estilo slasher de Friday The 13th (1980). El resultado es una emocionante, divertida y muy sangrienta película que puede ser posiblemente la sorpresa más agradable de este año dentro del género de terror. Robando una página de Scream (1996) y otros clásicos slasher, un grupo de adolescentes están sentados hablando sobre el Butcher de Blissfield, un asesino mítico que aparentemente ha existido durante décadas, pero ninguno de ellos realmente cree que existe. Hasta que es demasiado tarde, por supuesto. El Butcher, una figura imponente, procede a cortar y rebanar a los adolescentes, robando una máscara (cualquier buen slasher necesita una) y una antigua daga tribal.

Kathryn Newton interpreta a Millie, una adolescente tímida e inteligente que es intimidada en la escuela. Pero todo lo que Millie quiere es ir a la universidad y salir de la ciudad, lejos de los recuerdos de su padre recientemente fallecido y otros problemas que le gustaría dejar atrás. Su madre es cariñosa y protectora, pero alcohólica, y su hermana mayor es una oficial de policía autoritaria. Una buena indicación del perfecto humor de Freaky es encontrar a Millie vestida como la mascota de la escuela, un castor gigante, porque... a quién no le encantan las buenas bromas de castores? Se pone aún mejor cuando se ve obligada a huir torpemente del Butcher, quien la apuñala con una daga de poderes mágicos que les hace intercambiar cuerpos.

Afortunadamente, el director Christopher Landon no se estanca en los orígenes de la daga y va directo al grano de tener un asesino en serie masculino psicótico en el cuerpo de una atractiva adolescente. Esta dinámica resulta ser mucho más interesante que su opuesta, ya que el Butcher en la forma de Millie es más confiado, más audaz, más sexy e incluso más mortifero. Por otro lado, Millie aprende que tener el miembro de un hombre es genial. Landon tiene la posibilidad de explorar estos roles de género más a fondo, pero elige presentarlos en gran medida para uno reírse. Además, hay muchos asesinatos y gore. Landon hace todo lo posible por hacer algunos asesinatos extremadamente sangrientos, lo suficiente como para que la clasificación R de la película parezca un poco ligera. Los asesinatos más graves, como el que usa una sierra circular se guardan para aquellos que más han acosado a Millie, lo que demuestra que los que son malos siempre obtienen lo que merecen.

No hay muchos actores con la estatura física de Vince Vaughn y, como asesino, tiene la amenaza suficiente para ser una estrella legítima de su propia franquicia de terror. Sin embargo, da mucho más miedo cuando actúa como una adolescente tonta, baila como una animadora y pone ojos coquetos con Booker, el chico del que Millie está enamorada. La transformación de Kathryn Newton le exige que sea mucho más arrogante, que muestre una sonrisa diabólica y que muestre la actitud de muchos hombres tóxicos. En extrañas circunstancias, ambos también muestran momentos de vulnerabilidad, como una escena en la que Vaughn, actuando como Millie, tiene que enfrentarse cara a cara con la soledad de su madre. Fuera de Vaughn y Newton, el elenco de apoyo deja mucho que desear. No es exactamente culpa de los actores, sino de los roles estereotipados que obtienen. Celeste O'Connor es encasillada en un papel de amiga inteligente y Misha Osherovich es el fabulosamente amigo gay de Millie.

En general, esta es por mucho una de las películas de slasher más entretenidas que he visto en mucho tiempo. La trama es muy simple, y se ha hecho en muchas películas, pero tener la premisa de intercambio de cuerpos en una película de terror mantiene las cosas muy interesantes. A diferencia de la mayoría de las películas de intercambio de cuerpos, la actuación es muy consistente entre los dos actores. Vince Vaughn es histérico como una adolescente tímida, y Kathryn Newton fue muy convincente como una asesina desquiciada. Al final, Freaky se apoya más en las risas, pero definitivamente tiene suficiente carnicería sangrienta. Esta película es todo lo que un fanático del terror podría pedir. Tiene sus momentos meta, es aterradora, tiene escenas Friday The 13th-escas, pero también es divertida, y a veces rinde homenaje a las clásicas películas de terror. Para los fans del género de terror, esta es definitivamente una película refrescante y agradable para ver.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Possessor

Tasya Vos (Andrea Riseborough) es una agente de una organización especial que utiliza tecnología de implantes cerebrales para su acceso a un anfitrión, y que vive dentro del cuerpo mientras tiene la tarea de misiones de asesinato. Ella permanece estable después de las operaciones, pero las grietas comienzan a aparecer, preocupando a su jefa, Girder (Jennifer Jason Leigh). Separada de su esposo Michael (Rossif Sutherland) y apenas madre de su hijo, Tasya comienza a dudar de su compromiso con el trabajo. Al ofrecerle un gran pago por una nueva asignación, Tasya tiene la tarea de habitar en Colin (Christopher Abbott), quien está en una relación con Ava (Tuppence Middleton), la hija del rey mundial de la tecnología John Parse (Sean Bean). Planeando usar ese acceso para asesinar a John, Tasya descubre que su tiempo dentro de Colin es más complicado de lo habitual, y encuentra su propia mente luchando por mantener el control de la situación, sucumbiendo a las dudas y los miedos mientras intenta mantener a Colin en la tarea de Girder, a quien le preocupa perder su conexión con su agente principal.

Brandon Cronenberg es hijo del célebre director David Cronenberg, y parece decidido a mantener el negocio familiar de crear películas extrañas con imágenes increíbles. En 2012, Cronenberg hizo su debut con Antiviral, una siniestra historia de obsesión y fandom extremo que lo puso en el mapa en términos de visiones macabras. Se tomó su tiempo, pero ahora regresa con Possessor, que se basa en la experiencia educativa de Antiviral, presentando una nueva historia de personajes que alteran sus mentes y cuerpos, solo que aquí hay un poco más de emoción en la experiencia de visualización. Sin embargo, el director no presenta nada suave, supervisando un descenso sexualmente gráfico y ultraviolento a la locura de la ciencia ficción, fascinado con actuaciones comprometidas y la visión maravillosamente perversa de Cronenberg de la corrupción psicológica y corporal.

Cronenberg tiene cuidado de no perder a la audiencia cuando se trata del mundo de los implantes cerebrales y el control corporal. Ofrece una secuencia introductoria que encuentra a Tasya debajo de la piel de una mujer joven que ingresa a un club para obtener acceso a su objetivo, trabajando con un cuerpo que nadie sospecha para asesinar abiertamente a un hombre. Ella toma algunas decisiones durante el ataque que preocupan a Girder, quien se centra en la incapacidad de Tasya de suicidarse para romper la conexión, lo que permite que la policía la derribe. Es esta negación a auto terminarse lo que contribuye a una mayor comprensión del colapso silencioso del personaje de Tasya, comenzando a mostrar la tensión del proceso, que la pone debajo de una gran máquina sobre una mesa mientras se convierte en otra persona. La película detalla las secuelas, con Tasya siendo examinada para verificar la pérdida de memoria, y si aún se siente atraída por Michael, aunque su frialdad la hace practicar bromas en el camino de regreso a su casa, regresando a una vida que ha abandonado físicamente, pero no mentalmente.

La trama de Possessor comienza con la misión de convertirse en Colin, un tipo apacible que ofrece a Girder acceso al imperio Zoothroo, una corporación de minería de datos que invade casualmente la privacidad en todo el mundo. El objetivo es John, pero la relación de Colin con Ava ofrece acceso, lo que le da a Tasya tres días para formar un plan y ejecutar a un monstruo arrogante. Cronenberg se burla de un thriller de paranoia al estilo de los años 70 con el material, pero finalmente se encierra en su propia rareza, permaneciendo con la "interpretación" de Tasya como Colin, que la pone en contacto con su masculinidad, incluidas las relaciones sexuales con Ava. La película también examina los esfuerzos de la agente para integrarse en la rutina de Colin, aprendiendo más sobre su trabajo en Zoothroo y su vida privada, incluida una aventura con uno de los amigos de Ava. Durante este tiempo, la concentración de Tasya comienza a romperse, perdiendo el control de Colin mientras las dos mentes comienzan a trabajar como una sola, lo que lleva a una distorsión mental que la asesina no puede despejar, aumentando la urgencia de la misión y la desesperación de Girder por estabilizar a su agente.

Possessor se presenta vívidamente, con imágenes espeluznantes que articulan el colapso que ocurre dentro de Tasya, y cómo tal daño está penetrando la existencia de Colin, complicando todo el juego del asesinato. Cronenberg ofrece escenas de violencia y desnudez extrema para vender sus ideas, aprendiendo esa práctica de su padre, pero hace el esfuerzo por su cuenta, encontrando una vibra muy desconcertante que acompaña a una historia de agente secreto algo tradicional. Esta película es algo fuerte (el estudio la está catalogando como "Uncut" para llamar la atención, pero definitivamente es una película NC-17), pero es hipnótica y cuidadosa de no perderse en los extremos del "art house", centrándose en personajes y situaciones mientras el mundo de Tasya y Colin chocan. Es una experiencia de visualización inolvidable, que también justifica la presencia continua de dos Cronenberg en la silla de director.

En general, ya no hay suficientes directores haciendo este tipo de cosas, ya sabes, el tipo de películas que solía hacer David Cronenberg, de bajo presupuesto pero bien elaboradas, de alto concepto y sin miedo a incomodar. Luego, su hijo tomó la antorcha y no podría estar más feliz. Esta película tiene excelentes actuaciones, buenas escenas visuales, partes de terror corporal que no decepcionan, una narrativa atractiva que fue cautivadora de principio a fin y una premisa bastante interesante. Al final, Possessor es una película violenta y fantástica. La podría comparar a una combinación ultra-violenta de Inception (2010) y Looper (2012). Es un caleidoscopio de violencia e imágenes surrealistas y de ensueño filmadas en un estilo frío y deliberado. Muchas películas independientes hoy en día van por un tipo de cinematografía de neón/medianoche mezclada con la estética de Kubrick, pero Possessor lo logra mejor que la mayoría. Recomendaría esto a las personas que disfrutan de las películas rompecabezas con un montón de gore.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Greenland

John (Gerard Butler) un ingeniero estructural que vive en Atlanta, está pasando por un período de distanciamiento en su hogar, ya que es incapaz de comunicarse cómodamente con su esposa, Allison (Morena Baccarin). John también lucha por ser padre de su hijo diabético, Nathan (Roger Dale Floyd), sintiéndose preocupado por la forma en que su situación doméstica está desapareciendo. Mientras se prepara para celebrar el cumpleaños de Nathan en casa, los grandes planes de John se ven interrumpidos por una invitación especial del gobierno, solicitando unirse a otros en una base secreta después de que se sucede la noticia de que un cometa gigante se acerca a la Tierra. Luchando por llegar a una instalación militar a tiempo con Allison y Nathan, John se ve expuesto al caos global mientras los pedazos del cometa comienzan a destruir ciudades. Mantener a su familia unida durante la situación también le resulta imposible, ya que es expuesto gradualmente a los horrores del día mientras trata de localizar a su esposa e hijo, quienes experimentan sus propias amenazas en su camino hacia algún tipo de lugar seguro.

Si bien Greenland puede parecer la típica película de Gerard Butler de salvar al mundo de un desastre, definitivamente no lo es. Dirigida por Ric Roman Waugh, quien también trabajó con Butler en Angel Has Fallen (2019), la historia de Greenland se preocupa menos por evitar una catástrofe mortal en el planeta que por los intentos de un padre de mantener a su familia a salvo de ella. El complejo de héroe y la testosterona típica de Butler se dejan de lado y, sin embargo, esta es una película llena de emociones y algunos de los caos apocalípticos inminentes más creíbles que haya visto en el género. Por una vez, las escenas de la lucha conyugal de una familia no son solo un relleno, como suele ser en la mayoría de las películas de desastres. Desde el momento en que John entra tímidamente en su propia casa y se dirige torpemente a su esposa Allison, sabemos que hay tensión entre ellos. Pero todo eso debe dejarse a un lado, tanto por el bien de su hijo diabético, Nathan, como por los pedazos de cometa que se precipitan hacia la Tierra.

Waugh comprende como esto cambia inmediatamente la perspectiva de uno sobre lo que es importante. La película no se centra tanto en el apocalipsis en sí, sino en cómo afecta tanto a esta familia como al mundo en general. Inmediatamente, todo se convierte en un caos, y comienza cuando las piezas del cometa, apodado Clarke, borran por completo a Tampa de la faz del mapa. John recibe un mensaje de texto de emergencia del gobierno diciendo que él y solo su familia pueden ir a un búnker especial para los elegidos para sobrevivir. Eso sí, esto se hizo frente a todos sus amigos, que están comprensiblemente enojados, resentidos y desesperados.

Lo que sigue es un colapso total de la sociedad, donde John y Allison son separados en una instalación militar por un error común, luego pasan a experimentar todas las formas horribles en que las personas se tratan entre sí cuando están en modo de sobrevivencia. Con sus ojos constantemente fijos en la tierra, la película aumenta constantemente la locura, comenzando con un grupo de saqueadores armados en una farmacia y aumentando a medida que John busca un pasaje seguro a bordo de un camión lleno de refugiados. Es un viaje corto en el que los otros pasajeros vuelven a sus instintos más básicos, provocando un accidente horrible y un acto repentino de violencia que deja a John conmocionado.

En una secuencia inquietante que sería indiscutiblemente la peor pesadilla de cualquier padre, Allison y Nathan viajan con una pareja aparentemente devota que deciden que el niño estaría mejor con ellos que con su propia madre. Lo que da miedo de Greenland es lo mucho que se parece al aquí y ahora, ya que las acciones egoístas de unos pocos durante una pandemia nos han impactado negativamente a todos. Estallan protestas violentas en todo el mundo, ciudades enteras son destruidas en un abrir y cerrar de ojos, todo transmitido por informes de noticias que prestan una atmósfera siniestra. Mientras tanto, un momento memorable encuentra a un grupo de personas en una azotea dando la bienvenida al apocalipsis que se avecina.

La acción rara vez se detiene, lo que dice algo para una película que está especialmente impulsada por los personajes. Un descanso aparece con la bienvenida de Scott Glenn como el padre terco de Allison, lo que ofrece un respiro muy necesario. Por supuesto, es de corta duración ya que el cometa, que parece estar siguiendo a esta pobre unidad familiar, hace sentir su presencia. Ya para el final vuelve a territorio familiar, ya que John y su familia se enfrentan a la catástrofe que se avecina. Aunque no está en la escala de efectos especiales visuales de una película de Roland Emmerich, Greenland lo compensa con lo que hace, que es inesperado. Creo que hay una historia más grande que contar, y si esto se convierte en una franquicia espero que la atención permanezca en la tierra en lugar de en el cielo.

En general, esta película de desastre es extraordinariamente buena y absolutamente desgarradora, ya que eleva todo con su sugerencia efectiva de la crisis internacional y sus toques personales sobre el estatus social y la discordia marcial. Además, la inteligente idea de que solo se seleccionen a ciertas personas para protección también tiene un gran peso, creando animosidad y culpas instantáneas entre los personajes, así como más conflicto, ya que las pulseras para el refugio de los héroes los convierten en objetivos. Al final, Greenland es un thriller que absolutamente entrega tensión y emociones, con efectos visuales muy buenos y abundancia de momentos intensos y peligrosos que no se encuentran en las habituales películas de desastres. Pero nada de eso habría funcionado sin la idea de los personajes y sus conexiones entre sí.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Jiu Jitsu

Sacado de un río en Burma, Jake (Alan Moussi) sufre un caso de amnesia, incapaz de explicar las heridas en todo su cuerpo. El ejército de los Estados Unidos toma el control del hombre misterioso, con Myra (Marie Avgeropoulos) decidida a llegar al fondo de la situación, devolviendo a Jake a la naturaleza para activar su memoria. En lugar de lograr una recuperación total, Jake se enfrenta a Harrigan (Frank Grillo) y su orden de luchadores, quienes toman posesión del hombre confundido y lo devuelven a su templo especial. Con la ayuda del forastero Wylie (Nicolas Cage), Jake se enfrenta a su propósito, con la tarea de eliminar a Brax (Ryan Tarran), un extraterrestre de otro mundo que visita la Tierra cada seis años para cazar humanos, desafiando a guerreros élite a una batalla a muerte. Al principio sin saber cuál es su lugar en esta búsqueda, Jake pronto se da cuenta de su importancia cuando comienza la guerra, encontrando a Brax como un enemigo decidido y ansioso por destrozar al equipo de Harrigan.

Al menos, Jiu Jitsu merece crédito por no ser otra película de acción de persecuciones de autos y grandes explosiones. Eso si, no hay escenas de Nicolas Cage como un guerrero de jiu jitsu luchando contra extraterrestres, aunque estaría feliz si las hubieran. De ninguna manera la loca premisa y las payasadas dementes de Cage permiten que el guionista/director Dimitri Logothetis se aleje de todo, pero ciertamente ayudan. En parte esto es una mezcla de The Bourne Identity (2002), Predator (1987), Kickboxer (1989) y Mortal Kombat (1995), pero hay muchas cosas para investigar sobre Jiu Jitsu. Es una de esas películas que tiene tantas ideas locas que simplemente te dejas llevar... o eliges no hacerlo. Pero, quién no quiere al menos ver una película sobre un guerrero alienígena llamado Brax que aparece en la Tierra cada seis años para un combate mortal contra nuestros mejores luchadores? Y si optamos por no luchar contra él, lo destruye todo. Es básicamente la premisa de Predator con una dosis de Kickboxer/Mortal Kombat, lo cual es apropiado porque la estrella de Kickboxer: Vengeance (2016), Alain Moussi, también aparece aquí.

Moussi interpreta a Jake Barnes, quien es recuperado en un barco en Burma después de una angustiosa persecución. Pero se despierta amnésico, sin darse cuenta de que es un poderoso guerrero de jiu jitsu destinado a luchar contra Brax y salvar la humanidad. Marie Avgeropoulos es una agente encubierta que dirige un equipo que investiga los extraños sucesos relacionados con las visitas de Brax. Sus intentos de interrogar a Jake no conducen a ninguna parte, ya que Keung, interpretado por Tony Jaa, lo rescata y lo reúne con el resto del grupo destinado a luchar contra Brax. En ese equipo está Harrigan, interpretado por Frank Grillo, un soldado con una actitud sensata. Juju Chan es Carmen, quien aparentemente tenía algún tipo de conexión amorosa con Jake que ahora no puede recordar.

El equipo necesita investigar unos eventos extraños en un templo en Burma, pero para hacerlo tendrán que cruzar el peligroso terreno de la jungla, y eso le da a Brax la oportunidad de atacar. Aquí es donde la película realmente entra en modo Predator, ya que Brax los caza y se involucra en varias formas de combate. Incluso se ve el uso de una forma de infrarrojo y ve a su presa como trofeos de victoria. Aquí es también donde Jiu Jitsu es más genial. Brax, de quien sabemos que llegó hace muchos años y le enseñó a la humanidad cómo luchar, usa una combinación de estilos y también lo hacen sus oponentes. La coreografía de las peleas es genial y Logothetis presenta estrellas que pueden defenderse con Moussi y Jaa.

Nicolas Cage no aparece por completo hasta (aproximadamente) los 40 minutos de la película, asumiendo el papel de Wylie, un tipo loco como Yoda que hace sombreros de periódico y dice proverbios chinos. Aunque no está tan desquiciado como probablemente debería haber estado, Cage trae suficientes payasadas extrañas para agregar una dosis de humor muy necesaria. Aún así, esta película se vende básicamente como la película de kung fu de Nicolas Cage y hay muy poco de él haciendo mucho más que decir cosas que no tienen sentido. Dicho esto, la presencia de Wylie trae consigo gran parte de la tradición que rodea a Brax. Wylie también ha estado alrededor de Brax, y sabe un par de cosas sobre lo que le está pasando a Jake. Logothetis realmente profundiza en la creación de mitos aquí, poniendo mucho esfuerzo en el aspecto de la construcción del mundo y haciendo que Brax se sienta como una amenaza formidable e imparable.

Sin embargo, en su mayor parte, cuando no hay un combate a muerte, Jiu Jitsu sufre terriblemente de un montón de exposiciones y secuencias dramáticas mal organizadas. Moussi y Cage son actores lo suficientemente decentes como para salir adelante, pero el resto… bueno, no tanto. Incluso Frank Grillo parece luchar con lo poco que se le ha dado para hacer. Pero no está solo, ninguno de los personajes es particularmente interesante. Los efectos visuales también son un problema. Se puede decir que se pasó más tiempo inventando la historia de fondo de Brax que su apariencia robótica, su casco parece estar diseñado como los primeros videojuegos poligonales. Además, si Logothetis hubiera mantenido una mano más firme detrás de la cámara, no tendría el porqué cambiar de perspectiva sin razón aparente, lo cual es desorientador. Cambia los ángulos de cámara de una manera tan casual en medio de una pelea que puede sacarte del momento. Estos son trucos baratos que le quitan méritos a los actores, que son más que capaces de ofrecer simplemente una acción espectacular.

En general, esto ofrece muchas escenas de combate de artes marciales que están bien coreografiadas y bien ejecutadas por artistas que son expertos por derecho propio. Sin embargo, no cumple la promesa de la premisa. Se siente más como una versión cinematográfica de un videojuego que como una película de artes marciales. Incluso el protagonista realmente no usa jiu jitsu para derrotar al villano. Muchos enfrentamientos no son uno a uno o mano a mano. No hay una discusión real de los aspectos filosóficos o espirituales, nadie pasa mucho tiempo entrenando y ninguno de los personajes parece crecer. En cambio, se nos da un equipo élite de expertos en artes marciales, cada uno de los cuales usa un arma diferente (tonfa, espada, nunchaku, shuriken, bastón, cuchillos) excepto el protagonista, que ocasionalmente usa el arma de un oponente u otra arma, pero la descarta rápidamente. Al final, Jiu Jitsu tiene alienígenas, portales espaciales, una trama sacada de la CIA, niveles de radiación, y un alienígena con una especie de traje invisible parecida a la de Predator. Aun así, la trama es incoherente e inexistente en algunos lugares. Los valores de producción son más que adecuados y los actores hacen lo que pueden con las funciones y los diálogos que les han dado. Las coreografías de peleas son muy buenas y son aumentadas por una ejecución ejemplar. Aún así la película no es muy satisfactoria y ciertamente no es catártica.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Fatman

Billy Wenan (Chance Hurstfield) es un niño con un padre ausente, que vive una vida de grandes logros, de lujo y que odia perder. Trabajando en secreto para intimidar a sus compañeros de clase, Billy está en contacto con Skinny Man (Walton Goggins), un sicario trastornado que está obsesionado en secreto con Santa Claus, incapaz de superar un trauma infantil. Cuando Billy recibe un trozo de carbón para Navidad, contrata a Skinny Man para asesinar a Santa, un trabajo que el asesino acepta felizmente. Tratando de juntar pistas sobre el paradero de Santa, Skinny Man comienza a viajar hacia el norte. En una ciudad remota, Chris Cringle (Mel Gibson) mantiene el orden en su taller, pero la bondad de la época navideña está por el piso en el mundo y esto amenaza sus ganancias. Al aceptar un contrato militar para ayudar a pagar las facturas, Chris se enfrenta a la muerte mientras trata de ser práctico con su deber, cuidando a sus elfos, y a su esposa Ruth (Marianne Jean-Baptiste) que sigue apoyandolo pero preocupada y temiendo que Chris se pierda en su desesperación.

Permítanme ser sincero en algo aquí. Fatman es el tipo de película que la mayoría de la gente va a ver solo por el impacto, y la interpretación deliberadamente ofensiva de Mel Gibson como un cínico y moribundo Chris Cringle, también conocido como Santa Claus. Literalmente, no hay otra razón para que exista esta película. No ofrece la versión graciosa y obscena de Santa que hace Billy Bob Thornton en Bad Santa (2003), pero es un poco sombría y con un ritmo extraño. Si alguna vez quisieron ver a Santa en medio de un tiroteo con un asesino enojado mientras los elfos huyen aterrorizados, esta es la película para ustedes.

El querido Santa Claus la está pasando muy mal. Él y la Sra. Claus, también conocida como Ruth, pueden haber estado dando regalos durante milenios, pero están tan afectados por la crisis económica como cualquier familia normal. No solo eso, sino que muchos niños ya no están en la lista de "buenos" como solían hacerlo, ya que hay un número creciente de niños que están tomando malas decisiones. Desafortunadamente, esto ha provocado que Santa esté muy por debajo del presupuesto para la época navideña. Sí es cierto, el gobierno le paga a Santa para que haga lo suyo cada año. Pero incluso ellos le están dando un ultimatum, y eso ha convertido a Chris en un viejo alcoholico, cascarrabias y malhumorado. Para empeorar las cosas está Billy, un niño rico que vive con su despistada abuela y básicamente abandonado por su ocupado padre. Billy trata mal a las sirvientas y además amenaza con torturar a la chica que le gana en la feria de ciencias de la escuela. Tampoco es como una tortura en broma, porque el chico tiene un asesino en sus contactos y él no hace amenazas. Cuando Santa se atreve a dejarle a Billy un trozo de carbón como regalo, el niño decide darle un golpe al Fatman.

Lo curioso de todo es que Santa no es tan difícil de encontrar. Vive en North Peak al aire libre, frecuenta un bar, tiene amigos en la oficina de correos y tiene la incómoda habilidad de conocer a todos y todo sobre ellos. Eso lo hace bastante difícil de esconder. La mayor parte de la película nos muestra al asesino a sueldo de Goggins, conocido como Skinny Man, viajando hacia el norte, complaciéndose en sus diversas peculiaridades, mientras asesina a las personas a las que pide ayuda. Hay una pista de que Goggins está tratando de sacarle más provecho a esta película de lo que los escritores/directores Eshom e Ian Nelms le han dado. Es una comedia inteligente y oscura que aborda los mismos problemas del consumismo navideño que A Charlie Brown Christmas (1965), vista a través de los ojos de un asesino a sueldo y un Santa Claus gruñón que podría haber sido fantástica.

Pero Fatman, por más que lo intente, no es esa película. Es lenta, no particularmente ingeniosa y no cobra vida hasta el final. Está claro que los Nelms tenían planes para explorar cómo los males sociales y el declive económico han impactado al hombre más alegre de la Tierra, pero poco de eso llega a través de las quejas ocasionales de Chris. Hay momentos dulces entre Chris y Ruth, ya que siempre está ocupada haciendo galletas, cuidando a los elfos trabajadores y ayudando a su esposo a aliviar su tensión. Además, hay una conversación muy divertida entre los jefes militares y el elfo principal sobre su dieta, que consiste en golosinas azucaradas y productos horneados. Lamentablemente, estas interacciones son pocas y distantes entre sí.

En general, esta es una película navideña que se ajusta al tono del 2020, que ofrece una versión frecuentemente sombría de la magia de Santa Claus, su operación en el polo norte y aquellos que se sienten rechazados por el espíritu de la navidad. Los escritores/directores Eshom e Ian Nelms crean una visión oscura de preocupación, pero no sofocan al espectador en el proceso, preservando un poco de humor y corazón mientras construyen una visión diferente de las figuras e iconografías navideñas. La película tiene sus defectos, pero encaja perfectamente en el mundo actual, mezclando la rabia con una pizca de optimismo. Al final, Fatman no es una película de acción. Es más de un estudio de carácter con destellos ocasionales de agresión, especialmente con el final Segio Leone-esco. El guión es más sobre el psicoanálisis, destacando a las personas atribuladas que tratan sus asuntos de maneras destructivas. Pero no todo es oscuro, también tiene momentos de comedia, y Mel Gibson es una elección maravillosa para el papel principal. Esto no es lo que muchos podrían esperar, pero la película entrega una extraña emocionalidad y amargura, brindando una visión diferente de Santa para agregar a la exploración general de la leyenda.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Skin: A History Of Nudity In The Movies

Skin: A History Of Nudity In The Movies es un documental que narra exactamente lo que promete el título... la historia de la desnudez en el cine. Cubre todo, desde las primeras miradas no sexuales a los cuerpos humanos hasta el apogeo de las escenas de sexo de los años 70 y 80 y los muchos casos famosos de controvertidos desnudos frontales completos o títulos clasificados X/NC-17. El director Danny Wolf adopta un enfoque muy sencillo para cubrir la forma en que la desnudez en las películas impacta y refleja las costumbres sociales de la época. Con entrevistas con actores, cineastas, críticos e historiadores, el documental es más educativo que obsceno, pero muestra docenas de escenas de películas para presentar la desnudez de algún tipo.

Seamos honestos en algo: todos hemos disfrutado de la desnudez cinematográfica en algún momento de nuestras vidas. Quizás por razones de pura excitación, o quizás porque el uso de la desnudez en una escena la hizo sentir más profunda. Independientemente, a menudo es algo que nos hace sentarnos y tomar nota. El documental Skin: A History Of Nudity In The Movies es exactamente lo que parece... un vistazo de cómo el cine ha utilizado personas desnudas a lo largo de las décadas. La representación de la desnudez en el cine ha sido un tema polémico entre críticos y espectadores conservadores desde principios del medio cinematográfico. El director Danny Wolf ofrece aquí una visión (en su mayoría) completa de dicho tema, pero tiene algunos puntos ciegos importantes que le impiden alcanzar un nivel completo educacional.

El documental comienza en los primeros días de las películas, y como D.W. Griffith incluyó la desnudez en su película Intolerance (1916), luego pasa a la era anterior al código Hayes, cuando actrices conocidas como Hedy Lamarr y Claudette Colbert se despojan de sus ropas para los papeles. Se examina el impacto del Código Hayes, que pone límites estrictos a lo que se puede decir y mostrar en pantalla, al igual que la eventual creación del código de clasificación MPAA con el que todos estamos familiarizados hoy. Críticos de cine y cineastas como Kevin Smith, Joe Dante y Amy Heckerling comentan sobre estos temas, así como discutir el uso de la desnudez en sus propios trabajos. Si bien esta parte indudablemente será de mayor interés para aquellos que tienen una fascinación por la historia del cine, también hay una discusión no demasiado escondida dentro del subtexto de todo que es bastante fascinante.

El documental también ofrece una buena lección de historia sobre la desnudez cinematográfica, y lo que parece que el público aceptaría según los cambios culturales. En determinadas épocas, como en la década de 1960 y principios de los 1970, hubo una visión más liberal del mismo, gracias a la revolución sexual y la moda “porno chic” iniciada por Deep Throat (1972). En otras épocas, la desnudez era más tabú, ya que los censores de los propios cines literalmente cortaban secuencias enteras de las imágenes. La mirada a cómo Hollywood evitó ese problema al decidir controlarse a sí mismo a través de la MPAA no me dijo nada que yo no supiera, pero para aquellos que no han estudiado el tema, será muy informativo.

El aspecto más convincente del documental explora la idea de la moralidad en el arte. Hay una breve porción dedicada al papel de la censura y la moralidad dentro de la industria cinematográfica, y aunque los espectadores informados ya conocerán el Código de Producción y la MPAA, Wolf ofrece una discusión sobre cómo su influencia se extendió más allá de lo obvio. Otra cosa que el documental hace realmente bien es presentar las perspectivas de actores y actrices que participaron en escenas de desnudos famosos o controversiales mientras discuten sobre su propia comodidad y cómo les hizo sentir el uso de la desnudez en sus películas. Mariel Hemingway, Malcolm MacDowell, Cerina Vincent, Shannon Elizabeth, Diane Franklin, Pam Grier y Sean Young, así como las actrices de soft-core y cine de adultos Traci Lords y Sybil Danning son algunas de las estrellas que discuten sobre cómo estar desnudo en películas ayudó o lastimó sus carreras. Apareciendo desnudos puso a algunos de ellos en el mapa, pero otros se encontraron en papeles que les exigían que se quitaran la ropa todo el tiempo. Este es uno de los puntos principales del documental: hecho gratuitamente, la desnudez puede ser el asesino de una carrera, pero hecho bien, puede hacer de alguien una superestrella, por ejemplo Sharon Stone en Basic Instinct (1992).

Otro ángulo astuto que se menciona es el efecto del movimiento MeToo en las películas. Sin embargo, hay ciertas partes de la discusión que no se abordan, y si lo hace, es solo mínimamente. El más problemático de ellos es la doble moral que existe entre la desnudez masculina y femenina. Si bien este problema tiene algo de tiempo, se toca específicamente en relación con la controversia que involucra a Midnight Cowboy (1969), es un problema mucho más grande que resulta en demasiada explotación de las actrices. Se acabaron los días de pedirle, por ejemplo, a una actriz que revelara sus senos durante una audición. Una mayor conciencia sexual está cambiando lo que sucede en los sets de filmación, donde “coordinadores de intimidad” ahora están presentes durante las escenas de amor para coreografiar los movimientos de una manera que los actores se sientan cómodos. Un director ya no puede encender la cámara y decirle a los artistas que “lo hagan” durante una escena de sexo. Todos tienen que estar en la misma página.

Lamentablemente, no ha habido ninguna controversia relacionada con la desnudez particularmente notable en el mundo del cine desde la creación de la clasificación NC-17 en 1990. Por esa razón, los últimos 40 minutos de Skin básicamente se transforma en un resumen de famosas escenas de desnudos de películas de los últimos treinta años. No queda nada sustantivo que decir después de un tiempo. Sin embargo, siempre es entretenida. Con un tiempo de duración de 2 horas, el documental es bastante intimidante, particularmente para aquellos que no están ansiosos por embarcarse en lo que es esencialmente una conferencia sobre moralidad. Esto simplemente no es muy accesible fuera de los cinéfilos, especialmente dado el nivel de conocimiento histórico que se requiere para captar algún contexto esencial.

En general, el director Danny Wolf tuvo acceso a una biblioteca bastante extensa de imágenes para usar como evidencia y argumentos para este documental, pero la forma en que lo utiliza puede ser cuestionable a veces. Si bien estas escenas de desnudos son necesarias como medio para contar la historia, hay algunas que se presentan con comentarios insuficientes, lo que socava el mensaje del documental en su conjunto. Al final, Skin: A History Of Nudity In The Movies es innegablemente bien investigado. Esencialmente, es lo que crees que es, pero también es más completo y reflexivo de lo que cabría esperar. Irónicamente, la mayoría de los espectadores no buscarán las películas en discusión, pero nunca se aburrirán. Tiene absolutamente sus defectos, sin embargo, está periódicamente energizada y es segura en su disposición de fabricar un impulso para una característica poco examinada del cine.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Relic

Al recibir la noticia de la desaparición de su anciana madre, Edna (Robyn Nevin), Kay (Emily Mortimer) abandona la gran ciudad para visitar la remota casa de sus padres. En busca de pistas sobre hacia dónde podría haberse dirigido su madre, Kay no puede entender la desaparición, temiendo que Edna haya sucumbido a la demencia. Para agravar las cosas, Kay tiene problemas para conectarse con su hija Sam (Bella Heathcote), lidiando con una mujer joven que quiere creer que su abuela es capaz de vivir por sí misma. Cuando Edna regresa de la nada, Kay comienza a investigar lo ocurrido, pero nota comportamientos extraños en su madre, como un gran hematoma en el pecho y a menudo mantiene conversaciones con la oscuridad. Mientras intentan restablecer el orden, Kay y Sam comienzan a sentir una presencia amenazante en la casa, incapaces de identificar un mal que está invadiendo sus pensamientos y sueños.

Cuál es nuestro mayor temor al envejecer? No es morir, esa es la parte fácil. Es estar solo y abandonado por aquellos a quienes amamos. En Relic, el espeluznante y confiado debut de Natalie Erika James, tres generaciones de mujeres luchan por lidiar con la realidad del descenso a la demencia, mientras enfrentan la posibilidad de que puedan terminar en lo mismo. El legado del dolor familiar es un elemento básico del género de terror, pero la capacidad de James para combinar la casa embrujada y los elementos de terror corporal resulta especialmente eficaz para crear una atmósfera que les enfriará hasta los huesos.

La directora japonesa/australiana sitúa su película en las afueras de Melbourne en una casa de campo decrépita y espeluznante. Es aquí donde la película despega sus muchas capas, como paneles desmoronados. Edna, ha desaparecido de la casa y no ha sido vista en días. La policía llama a su angustiada hija Kay y a su nieta Sam, quienes conducen a la casa para participar de una búsqueda. Cuando llegan a la casa, lo que encuentran es un lugar que está intacto, aparte de las notas Post-It que actúan como recordatorios para hacer pequeñas tareas simples y otros que sugieren que algo extraño está sucediendo. Pero sobre todo, Kay y Sam no hacen más que buscarla, hasta que de repente, y de la nada, Edna regresa y no es motivo de celebración.

Lo interesante de la película es la conexión que establece entre el estado mental de Edna y el de la casa misma. Ella regresa, cubierta de moretones negros que parecen podridos, muy parecidos a la corrosión que está infectando las paredes de la casa. En un momento, Edna puede ser completamente ella misma, al siguiente es violenta, salvaje y la casa parece cambiar para adaptarse a su agresión. Si bien Edna es completamente impredecible de un momento a otro, la preocupación de Kay por su madre a menudo es suplantada por pesadillas oscuras, posiblemente visiones, que la persiguen en todo momento del día.

Natalie Erika James muestra una moderación increíble al construir el suspenso lentamente, deteniéndose en los rostros preocupados y sombríos de sus personajes durante uno o dos segundos más allá del punto de comodidad. En sus manos y en las del director de fotografía, un hogar que alguna vez fue una cosa de alegría se convierte en una cosa de terror, incluso tareas como preparar el desayuno o tomar un baño adquieren un tono siniestro. Esto (ya que tiene un ritmo lento), puede durar mucho más de lo que sugeriría su tiempo de duración de 1 hora y 24 minutos.

Lo que hace que Relic funcione son las relaciones cambiantes entre Edna, Kay y Sam. La preocupación de Kay sobre qué hacer con su madre solo aumenta la tensión cuando la mujer mayor rechaza ser tratada como una inválida. Hay un dolor entre ellas, pero lo ves en los ojos de Kay y en Edna durante sus breves momentos de lucidez. Mientras tanto, Sam se lleva mucho mejor con su abuela y está feliz de verla viva y en casa. A diferencia de Kay, ella todavía es demasiado joven para tener esos mismos miedos sobre cómo será envejecer. El resentimiento de mirar a un padre y ver un futuro más viejo y debilitado de ti mismo es lo que realmente da miedo. La película está inundada de momentos oscuros, pero también hay breves destellos de esperanza y actos de amor desinteresados. Cuando se haya ido todo lo que éramos, quién quedará para cuidarnos? Para recordar quiénes fuimos una vez? Si bien Relic mide sus sustos demasiado para tener el mismo impacto que la similar Hereditary (2018), muestra la capacidad de James de usar el género para confrontar verdades incómodas.

En general, la experiencia visual que se encuentra aquí dirige su atención a los diversos desafíos de la demencia y cómo la experiencia personal de tal degeneración agobia enormemente a todos los involucrados. La directora Natalie Erika James fusiona de manera impresionante la agonía del envejecimiento en el mundo real con una historia de una casa encantada, creando una película compleja que está ricamente detallada y representada, que va más allá de una simple historia de fantasmas para aprovechar emociones profundas que involucran el declive de una persona que alguna vez fue un ser amado. Al final, Relic va a un lugar más allá de un espectáculo de terror básico, ya que presenta escenas lentas sobre precaución y delirio para reforzar su tiempo de duración. También tiene un elenco de primera clase que ofrece actuaciones comprometidas, y una oferta familiar espeluznante, pero más allá de eso hay una película inesperadamente empática para descubrir, y una que proporciona una visión única para un problema familiar y médico frecuente, ofreciendo un viaje metafórico que distrae con encuentros de género común, sólo para terminar en un extraño lugar de amor y miedo que es impresionantemente cinematográfico y sorprendentemente humano.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Vampires Vs. The Bronx

Miguel (Jaden Michael) es un niño preocupado por el estado de su vecindario en el Bronx, que actualmente se vende, pieza por pieza, a una compañía sombría llamada Murnau Properties. Miguel está planeando una fiesta en el vecindario para preservar la Bodega Primo, con la esperanza de evitar que el propietario Tony (Joel Martínez) venda su amado negocio, que es como una casa club para el niño y sus amigos, Bobby (Gerald Jones III) y Luis (Gregory Díaz IV). Miguel se da cuenta de que algo raro está sucediendo y pronto descubre que Murnau Properties es una fachada para vampiros que esperan construir un nido y apoderarse de Nueva York. Incapaces de demostrar el hallazgo a sus padres, Miguel, Bobby y Luis eligen librar su propia guerra contra los monstruos, luchando con desafíos personales en el camino.

Esencialmente, Vampires Vs. The Bronx tiene que ver con la gentrificación. Los niños de esta película ven desaparecer sus negocios locales solo para ser reemplazados por franquicias y conceptos hipster. Este es, por supuesto, un comentario sobre lo que está sucediendo en este momento. Tanto las empresas como las personas están siendo expulsadas de la ciudad por los aumentos de alquiler. En esta película, se muestra de una manera bastante divertida (por ejemplo, hay una tienda que solo venderá mantequilla), y me gusta cómo se están burlando de este problema tan real.

Por supuesto, en lugar de ser solo sobre dinero, esta historia resulta ser sobre vampiros. Lo que toca otro tema de la vida real: la falta de atención a los delitos y el bienestar de las personas en determinadas áreas. Los vampiros saben que pueden salirse con la suya sin llamar la atención. Aún así, aunque el concepto y la premisa son extremadamente relevantes y reales, la ejecución de esta historia no es la mejor. Esto debería haber sido una parodia que hizo todo lo posible en lugar de limitarse a tener un objetivo al público joven.

Ahora, entiendo la idea de involucrar a toda la familia. Simplemente no creo que puedan entender realmente el punto, mientras que un enfoque mucho más oscuro podría haber hecho una mejor película en general. Esto, a su vez, haría que la película llegara a una audiencia más amplia y difundiría el mensaje mucho más. No puedo decir que los actores principales sean geniales porque simplemente no lo son. Pueden volverse geniales, pero en este momento todavía están muy lejos de ese camino. Los tres chicos en los papeles principales tienen momentos increíbles y escenas geniales. No obstante, en otras ocasiones parece que apenas son capaces de mantener la calma. No es suficiente. Especialmente para una película que en realidad tiene un mensaje muy importante.

Afortunadamente, uno de los personajes es interpretado por Coco Jones, quien es una revelación. Inmediatamente levanta cada escena en la que se encuentra para tener un nivel de calidad mucho mayor. Su personaje es creíble y debería haber estado mucho más en esta película. Además, en papeles secundarios clave tenemos a Sarah Gadon junto con Shea Whigham. Finalmente, Method Man también está en esta película y ofrece una actuación breve pero sólida. Osmany Rodríguez es el director y esta parece ser su primera película. Sin embargo, él ha dirigido muchos cortometrajes, especiales de stand-up y episodios de series de televisión. En otras palabras, está lejos de ser un novato a la hora de dirigir.

En general, me gustaría poder recomendar esta película sin dudarlo, pero realmente no funcionó. La idea? Sí. El concepto Absolutamente. Pero la película? No tanto. Con lo que luché especialmente fue en tratar de entender quién es el grupo demográfico de esta película. Solo puedo suponer que es para adolescentes menores de 15 años, lo que significa que es principalmente para la familia. Si el grupo demográfico objetivo es mayor, entonces el tono de esta película parece fuera de lugar. Básicamente, intento decir que espero que al grupo al que va dirigida le encante esta película porque simplemente no fue creada para alguien como yo. Eso explicaría por qué yo (siendo un fanático de las películas de terror al que le gustan las películas de vampiros y las comedias de terror con vampiros) no disfruté de ella. Al final, Vampires Vs. The Bronx es una película de terror/comedia adolescente con un concepto muy interesante en papel, pero no en la ejecución. Definitivamente es una película de vampiros que está más orientada a las familias que a los fans del terror.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Craft: Legacy

Lily (Cailee Spaeny) y su madre, Helen (Michelle Monaghan), se mudan a una nueva casa, con Adam (David Duchovny) y sus tres hijos dando la bienvenida a las mujeres a una nueva vida. Mientras Helen disfruta de un período de luna de miel con su novio, Lily se ve obligada a valerse por sí misma y pronto experimenta un horrible accidente menstrual en la escuela, que llama la atención de Tabby (Lovie Simone), Frankie (Gideon Adlon) y Lourdes (Zoey Luna). Ellas son tres brujas que buscan una cuarta persona para su grupo en desarrollo. Las adolescentes reclutan a Lily, notando que ella ya tiene un don para la magia. Al principio, acostumbrándose a sus poderes, y apuntando a la amenaza de Timmy (Nicholas Galitzine), el grupo se contenta con divertirse con habilidades secretas. Sin embargo, para Lily, el atractivo de la magia para hacer que las cosas sucedan es demasiado para resistir, lo que complica la asociación del grupo cuando una figura del mal comienza a darse a conocer en la ciudad.

Teniendo lugar 24 años después de su predecesora, The Craft: Legacy se siente más como si estuviera basada en tweets en lugar de servir como una continuación de la película original. Esas tampoco son palabras que uso a la ligera considerando que la escritora y directora Zoe Lister-Jones es una actriz y una cineasta capaz, pero incluso cuando la película lanza un hechizo breve, los personajes todavía se sienten que están interactuando a través de palabras de moda en las redes sociales en lugar de diálogos, pareciéndose a los adolescentes reales. Incluso cuando las conversaciones cambian a algo convencional, todavía se sienten falsas (las adolescentes realmente se preocupan por Twilight, especialmente las que practican y se toman en serio una forma de brujería basada en los elementos?).

Tampoco ayuda que el evento que da inicio a todo lo que sucede se sienta más robado de Carrie (1976) que un homenaje o un giro en la dinámica. El acoso aquí tampoco se siente inspirado o auténtico, lo que posiblemente podría atribuirse a su clasificación PG-13. Ni siquiera comencemos con los clichés cuando la película pasa al territorio del misterio/suspenso durante el tercer acto. Se podría decir que el empoderamiento que proviene de estas jóvenes que exploran y descubren sus poderes al mismo tiempo que intentan utilizarlos de manera responsable se siente ejecutado de una manera que podría hablar con ese grupo demográfico, pero la película también presenta la traición, villanos tardíos, y una conexión agregada a la primera película que lo que queda es una experiencia que decepcionantemente falla en contar arcos de personajes satisfactorios para estas adolescentes.

Cuando comienza la película, nos presentan a Lily y su madre Helen que se mudan a la casa y familia de Adam, comenzando efectivamente una nueva vida. Lily siempre ha tenido problemas para hacer amigos, pero este movimiento brinda una nueva oportunidad, ya que atrae la atención de un trío de brujas que buscan que un cuarto miembro no solo convierta todo oficialmente en un grupo, sino que comiencen a usar magia. Cada adolescente está atada a uno de los cuatro elementos, y en el caso de las amigas de Lily, ese es más o menos el alcance de su caracterización (sus atuendos a veces tienen un código de color que coincide con la propiedad elemental que representan). Además, Adam tiene tres hijos que intimidan a Lily. En una de las únicas decisiones creativas intrigantes de la película, el grupo recién formado decide lanzar un hechizo sobre el problemático Timmy que lo lleva a cambiar instantáneamente su línea de pensamiento. No es exactamente la secuencia más sutil, pero el maleficio lleva a Timmy a convertirse en un ser humano más sensible y emocionalmente vulnerable que habla sobre algunos secretos que su padre misógino y excesivamente masculino desaprobaría.

Una mejor película habría tomado esta dinámica y corrido con ella para tener un drama familiar pesado y romance, por lo que es realmente impactante lo rápido que The Craft: Legacy ignora eso y va en una dirección completamente diferente. Lo que es más frustrante es que en lo que la película eventualmente se convierte está tan lejos de adolescentes que usan sus poderes a solo pasar el rato y tener una idea sobre quiénes son. El clímax golpea derribando las normas patriarcales, pero eso no significa nada si los personajes son apenas bidimensional y poco interesantes, terminando con una secuencia de acción con efectos especiales de una película de 1990.

En general, el estudio de la masculinidad tóxica funciona, lo que solo puedo suponer que es lo que motivó a la directora Zoe Lister-Jones para filmar este proyecto en primer lugar, mientras que todo lo que lo rodea es una combinación de un mal guión e interferencia del estudio. La banda sonora también está fuera de lugar, ya que comienza a sonar en los momentos más inapropiados, llevando una vibra cómica no intencional durante lo que deberían ser momentos tensos. En realidad, ahora todo tiene sentido por qué las chicas hablan de Twilight, esto está cortado de la misma tela de esa terrible película. Al final, The Craft: Legacy se trata más de las chicas que de brujería. La trama dejó demasiadas cosas inexploradas y tiene poco valor real como una historia por derecho propio, sólo la une el vínculo con la película de Andrew Fleming de 1996. Hay una escena importante (no mucho más que un momento, de hecho) que significa que esta película simplemente tiene que tener una secuela. Sin esa escena la película quedaría en nada.

Puntuación: No calenté el aceite para freír las alcapurrias.

Review: The Babysitter: Killer Queen

Cole (Judah Lewis) está comenzando la escuela secundaria. Han pasado dos años desde que sobrevivió y derrotó al culto de sangre satánico dirigido por su niñera Bee (Samara Weaving), y desde ese momento, ha sido despreciado, ridiculizado e intimidado por mantener la veracidad de la terrible experiencia. Sus padres creen que tiene problemas de salud mental y su terapeuta cree que solo necesita perder su virginidad. Melanie (Emily Alyn Lind), la mejor amiga de Cole y enamorada no correspondida, es la única que cree en su historia. El mismo día que Cole descubre que lo llevarán a una escuela secundaria para estudiantes con trastornos psiquiátricos, Melanie anima a Cole a faltar a la escuela e ir con ella a una fiesta gigantesca en un lago cercano. Esa noche, mientras está de fiesta en una casa flotante, Cole descubre que las fuerzas del mal que pensó que había derrotado han regresado, y también hay algunas caras nuevas. Con la ayuda de una misteriosa chica nueva en la escuela llamada Phoebe (Jenna Ortega), Cole debe encontrar una manera de sobrevivir la noche y no ser parte de un ritual de sangre que resucita a sus enemigos demoníacos.

En 2017, McG nos dió The Babysitter, un éxito de culto que mezclaba los géneros de la comedia y el terror. Dos años después, The Babysitter: Killer Queen continúa la vida de Cole mientras todavía lucha por aceptar los eventos de la última película, dejándolo como el único sobreviviente sin que nadie crea su historia. En un intento de aclarar su mente y evitar la presión de sus padres por la normalidad, Cole se une a sus amigos en una casa cercana al lago durante el fin de semana. Pero en lo que parece ser un fin de semana libre de responsabilidades, rápidamente vuelve a los eventos del pasado mientras regresa el culto de sangre, esta vez con nuevos miembros que buscan la misma fama prometida.

Los fanáticos de la primera película que disfrutaron con su combinación perfecta de comedia y gore estarán satisfechos con esta continuación inesperada. La película es tan divertida como su predecesora. Mientras tanto, McG hace un excelente trabajo al recuperar la magia que hizo que la primera película fuera tan única y una experiencia divertida en general. La mayor parte de esto se puede atribuir a su elenco, todos los cuales regresan para esta secuela y se apoyan cada vez más en sus personajes exagerados, lo que hace que este viaje sea muy divertido. La premisa, aunque similar, se las arregla para parecer lo suficientemente diferente como para mantenerse fresca. La película incluso aprovecha la experiencia previa de Cole, lo que hace que sus interacciones con el culto de sangre sean aún más jocosas esta vez.

Los únicos problemas que funcionaron en contra de la película, aunque en menor escala, es que el valor de producción de esta secuela pareció retroceder hasta cierto punto en comparación con la original. Este hecho puede haber sido excusable en la original debido a su alto valor de entretenimiento, pero se notó demasiado aquí. Este fue especialmente el caso en el intento de la película de expandirse más allá de la casa de Cole y hacia un paisaje más amplio que contiene más peligros. Si bien esta elección proporcionó un buen cambio de ritmo, la disminución del valor de producción todavía se sentía algo limitante. Pero esto se desvanece rápidamente a medida que avanza la película. El ritmo también se tambalea ligeramente en los primeros minutos de la película, aunque se dedican a recordarnos los eventos de la película anterior mientras se establecen las bases de esta secuela antes de retomar y correr a un ritmo que recuerda a la original.

En general, la película mantiene las cosas de la primera y todo se vuelve aún más loco en esta. Las muertes son exageradas, y es exactamente lo que quieren de esta película y lo más importante, Samara Weaving regresa con un cameo al final. Fue genial verla de nuevo y su regreso fue un secreto bien guardado. Al final, The Babysitter: Killer Queen es una digna sucesora de la película original de culto. Es muy divertida y sangrienta, ofreciendo varios giros y sorpresas mientras sigue expandiendo el mundo existente de Cole y el culto de sangre con una conclusión satisfactoria. No tiene el lujo de ser la sorpresa que ya era la película original, sin embargo, su valor de entretenimiento funciona mejor cuando no se está diseccionando su estructura argumental o su valor de producción.

Puntuación: 3 alcapurrias.