Review: Annabelle Comes Home

Reclamando el poder maligno de la muñeca Annabelle, los demonólogos Ed (Patrick Wilson) y Lorraine Warren (Vera Farmiga) llevan el juguete a su casa, encerrándola dentro de una caja de cristal con advertencias específicas de que nunca la abran. Un año después, Ed y Lorraine deben irse durante el fin de semana, confiando a su hija, Judy (Mckenna Grace), al cuidado de la adolescente responsable Mary Ellen (Madison Iseman). Mientras que la adolescente tiene algo especial planeado para el próximo cumpleaños de Judy, su amiga, Daniela (Katie Sarife) decide unirse a la diversión, solo que ella está más interesada en husmear en la casa de los Warren, terminando dentro del sótano cerrado donde Ed y Lorraine mantienen todos sus objetos malditos. Haciendo contacto con Annabelle, y dejando su caja de cristal abierta, Daniela libera el mal dentro del hogar, obligándola a enfrentar su dolor más oscuro. Mientras que Judy es sensible a los poderes que se avecinan, Mary Ellen lucha contra los espectros invasores, enfrentándose a la necesidad de Annabelle de reclamar un alma.

Primero, una advertencia necesaria: la muñeca no tiene un papel terriblemente grande en esta película. Ahora, la buena noticia: no les importará. Esta tercera entrada en la serie de terror derivada de las películas de The Conjuring es, al igual que su predecesora Annabelle: Creation, una mejora significativa de la primera Annabelle, y también es más satisfactoria que sus antecesoras The Nun y The Curse Of La Llorona. Annabelle Comes Home comienza en el prólogo de la primera película de The Conjuring, y los demonólogos Ed y Lorraine Warren sacando a Annabelle de una casa que ha estado atormentando. Como los Warrens explican a sus atemorizados dueños, Annabelle no está poseída por un demonio, solo puede poseer a las personas (lo que contradice un poco las películas anteriores, pero no importa). La muñeca es, en cambio, un conducto para las fuerzas malignas, y los Warren toman precauciones especiales cuando la llevan a su casa para guardarla en medio de su colección de recuerdos ocultos, colocándola en una caja de vidrio cerrado dentro de una habitación en la planta baja de su hogar, que a su vez tiene triple seguro en la puerta.

No es que haya muchas posibilidades de que su pequeña hija Judy entre a ese cuarto, ella está lo suficientemente nerviosa por su capacidad, aparentemente heredada de su madre, para ver ocasionalmente los espíritus de los fallecidos. Como resultado, ella ha adoptado la religión, pero el trabajo de sus padres (los titulares que cuestionan su práctica han comenzado a aparecer en los periódicos locales) está causando problemas con sus compañeros de clase. El tener una joven protagonista en una película de terror que tiene que lidiar con los conflictos de otros niños no es una idea nueva, pero el director primerizo Gary Dauberman brinda simpatía y sensibilidad al retrato de esta niña con problemas. Continuando con la tradición del Universo de The Conjuring de exhibir actrices infantiles fuertes, Judy es interpretada con muchas matices y madurez por Mackenna Grace. Si bien la narrativa general de Annabelle Comes Home no se aleja de un camino familiar en el género de terror, Dauberman encuentra una serie de formas frescas y espeluznantes para completar muchos de los detalles.

Cuando los Warrens inician una nueva investigación, dejan a Judy al cuidado de la niñera adolescente Mary Ellen, una chica buena cuya mejor amiga, la chica mala, Daniela las visita. No es sorprendente que, mientras Mary Ellen y Judy están distraídas, Daniela busca las llaves de la habitación de la colección de los Warren y comienza a buscar dónde no debería, liberando el poder maligno de Annabelle en la casa. Sin embargo, Daniela tiene motivaciones muy personales detrás de su curiosidad sobre el mundo espiritual, algo que se revela gradualmente, lo que lleva a una de las sorpresas más potentes de la película. Dauberman se adapta bien al estilo de la casa, creando tensión desde pequeños y sutiles ruidos hasta objetos en la habitación secreta de los Warren que cobran vida de manera gradual, sustos repentinos y varias escenas ingeniosas e inteligentes. Una escena en particular es una que incorpora un movimiento de cámara de 360 ​​grados, al igual que un par de fragmentos que involucran monedas antiguas atadas a un fantasma conocido como The Ferryman. Él es uno de una galería de fantasmas que atacan a las chicas, quitandole la atención a Annabelle, ya que Dauberman sabe que no hay mucho más que se pueda hacer con la muñeca.

Una vez que se establece la trama en el primer acto, Annabelle Comes Home consiste esencialmente en que suceden cosas espeluznantes, luego suceden cosas más espeluznantes y luego suceden cosas realmente espeluznantes. Al la acción limitarse por completo a la casa de los Warren, eventualmente se vuelve repetitiva, y 10 o 15 minutos podrían haberse editado de manera beneficiosa de su tiempo de duración de 1 hora y 46 minutos. Sin embargo, siendo una tercera secuela, ésta ofrece más que la mera repetición de sus predecesoras, con Dauberman aprovechando la oportunidad de mostrar sus dotes de dirección en un proyecto de escala modesta. En el lado negativo, la película no tiene mucho valor cinematográfico, ya que está repleta y motivada de atmósferas y toques de películas del género giallo. Dauberman también arroja una cantidad justa de humor y bromas, dándonos en una escena un vistazo en la TV de una muñeca Raggedy Ann (que es la verdadera Annabelle), y una secuencia que emplea la comedia con gallinas. Fue bueno ver una película en la que sus aterrorizadas mujeres jóvenes pudieron encontrar la fuerza y ​​el espíritu para enfrentar el poder sobrenatural que las atacaba sin la ayuda de ningún adulto o chicos (bueno... hay solo una escena).

En general, personalmente creo que hasta ahora es la mejor película de la saga de Annabelle. Incluso es más emocionante que Creation. En una época en que las películas de terror parecen reciclar las mismas tácticas de miedo con la esperanza de que aún funcionen por la centésima vez, esta tercera película de Annabelle se siente como un respiro de aire fresco. Busca entretener, más que asustar. Eso si, hay varios escalofríos y momentos de susto, pero el aire de diversión que cuelga sobre la película afortunadamente tapa la mayoría de sus errores o defectos. Al final, Annabelle Comes Home es una entrada sólida en la serie de Annabelle, ya que está llena de sustos ejecutados efectivamente, aunque utiliza la misma fórmula que las otras películas en el Universo de The Conjuring. Además, es un gran tributo a la verdadera Lorraine Warren, quien falleció el 18 de Abril del 2019, a la edad de 92 años.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 2 De Julio Del 2019

The Best Of Enemies

Escape Plan: The Extractors

Review: Knife + Heart

Anne Parèze (Vanessa Paradis) es una directora y productora de películas porno gay a finales de los años 70 en Francia, con un elenco de jóvenes leales, no siempre bien pagados, que llevan su inventiva y fantástica erótica masculina a la vida. Pero la vida de Anne como exitosa proveedora de películas para adultos se ve acosada, no por su persistente obsesión con su editora y su ex novia Loïs McKenna (Kate Moran), su relación de diez años se está desmoronando debido al alcoholismo de Anne, sino por un asesino en serie que asecha a sus actores. Mientras Anne intenta salvar su relación con Loïs, que no se puede reparar, también trata de mantener a salvo a sus actores, y al mismo tiempo evita que sus películas se derrumben por el temor de ellos de terminar asesinados. Anne, inspirada en la investigación policial decide hacer una película porno-noir de los eventos que la rodean llamada Homocidal, y simultáneamente se va al campo para realizar su propia investigación y averiguar quién es el asesino.

Sexo! Asesinatos! Pornografía! Apuesto a que llamó su atención, verdad? Esta película nos arroja a un mundo de sexo y violencia sin compasión alguna. Con un elenco increíble, una utopía gay y el arma homicida más loca jamás vista en una película, Knife + Heart crea una atmósfera hermosa y siniestra bañada en sangre. La película cuenta la historia de la directora y productora de películas porno gay Anne Parèze. Su trabajo está en alza, pero su vida personal parece desmoronarse y, para empeorar las cosas, alguien está asesinando a sus protagonistas. Cuando uno de sus actores es asesinado misteriosamente, una cadena de eventos imparables comienzan a amenazar la vida de todos los que la rodean. Esto pone todas las producciones de Anne en peligro y su vida personal en un espiral sombrío y descontrolado.

Hay mucho que decir sobre Knife + Heart, pero muy poco tiempo para decirlo. La película, en pocas palabras, es un thriller visualmente increíble mejorado por el impresionante toque experimental del director Yann Gonzalez. Gonzalez fabrica Knife + Heart de una manera no lineal al estilo de las películas giallo. Sin lugar a dudas, Blood And Black Lace (1964) de Mario Bava, The New York Ripper (1982) de Lucio Fulci, Suspiria (1977) de Dario Argento, Phantom Of The Paradise (1974) de Brian De Palma y Cruising (1980) de William Friedkin sirven como principales influencias, ya que es una mezcla de ensueño de los géneros giallo, slasher, thriller, y el cine porno de la época de los años 70. Cada escena continuamente toma a uno por sorpresa, sin retener nada. En unos momentos estarán confundidos, en otros pensarán que tienen todo resuelto, y eso es parte de la belleza de la película.

Gonzalez estructuró la película en torno al propio proceso cinematográfico. En momentos, se siente como si se estuviera viendo la narrativa de la producción de las películas porno y la vida de Anne simultáneamente. Los momentos clave se editan y se unen para ayudar a uno como espectador a comprender lo que se está viendo, a la vez que conserva una calidad
incoherente y de ensueño. Cuando se une la historia, estos toques proporcionan una narrativa impresionantemente experimental pero sorprendente. Cuando Knife + Heart se pone en marcha, se está completamente inmerso en la narración extraña y sobreestimulante que tiene para ofrecer. Una cosa que debería mencionar es lo increíblemente emocional que es la película. A medida que los actores son asesinados, todos los miembros de la producción experimentan dolor, pena y confusión. Cuando Anne expresa sus sentimientos por su editora Loïs, muestra una tristeza y un dolor angustioso. Cuando el asesino asesina, él también libera un abrumador sentimiento de agonía y rabia.  Además, cada una de las subtramas de la película pone a uno en una montaña rusa emocional con sus personajes. Todos ponen sus sentimientos al límite, lo que la convierte en una historia fantástica y conmovedora.

Aparte de las actuaciones, tengo que mencionar el increíble diseño de sonido. La banda sonora de synth-pop es una presencia inquietante y persistente, y los diseños de vestuario son increíbles. Desde el vestuario de Anne y Loïs hasta el asesino enmascarado, capturan a la perfección el final de la década de los años 70 y la personalidad respectiva de cada personaje. Por último, no podrían sacar este tipo de película sin un elenco para proporcionar el corazón que necesita. Vanessa Paradis electrifica la pantalla. Su personaje, Anne, está roto de una manera tan profunda, que le permite presentarse como una presencia exigente pero emocional. Ella desea y exige atención de principio a fin. Uno se mueve a traves de toda la película con Anne, pero al final, se ve de dónde viene, incluso si ella está equivocada.

El resto del elenco es nada menos que increíble. Personalmente, Kate Moran como Loïs es mi personaje favorito en toda la película. Es una presencia significativa que no tiene que decir ni una palabra para sentirse como una pieza inquietante del rompecabezas, o tal vez solo es una observadora que se esconde detrás de las escenas. Dicho esto, Nicolas Maury como Archibald también se esconde detrás de las escenas. Él es un "extra" en todos los lugares correctos, lo que lo hace agradable y divertido de ver. Es difícil distinguir quién es el asesino, pero el hombre detrás de la máscara fue espectacular. Si hay una persona que tiene la mayor emoción, es él. Cruza la ira y el dolor, la angustia y el sufrimiento de forma tan natural que les romperá el corazón en dos. Incluso cuando las personas estaban siendo asesinadas, yo lo estaba apoyando. Sé que no debería haberlo hecho, pero su interpretación fue desgarradora hasta el final.

En general, es una película que hay que verla. Punto. Si aman el cine (o el cine gay), la narración experimental o simplemente se consideran fanáticos de los thrillers o del giallo, tienen que ver esta película. Sí, es inusual, pero está llena de talento más allá de lo esperado, y es una historia inteligente y convincente que los dejará sin aliento. Al final, Knife + Heart es una experiencia muy pro-porno, pro-gay e intensamente cinematográfica. También hay mensajes profundos entre la sangre, el humor y el sexo, ya que juegan con temas de represión sexual, amor perdido y una sociedad que niega la libertad sexual, reemplazándola con violencia y venganza. La película ocurre en un mundo anterior a la epidemia del VIH/SIDA, pero transmite mensajes crudos y explícitos sobre el sexo y la libertad frente al destierro y la muerte. Es una combinación verdaderamente única, bellamente estructurada y gloriosamente gay de varios géneros del cine y temas. Con una espectacular cinematografía, muy buenas actuaciones y visuales atractivos, esta es una pieza oscura de fantasía/horror que es un escapismo total.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Child's Play

La Corporación Kaslan ofrece a los clientes lo último en electrodomésticos inteligentes y juguetes, con su línea Buddi como un best seller, y a punto de pasar a una versión 2.0. Sin embargo, cuando un trabajador suicida de la fabrica de Vietnam retira todas las normas de seguridad de uno de los muñecos, el juguete encuentra su camino a un joven adolescente, Andy Barclay (Gabriel Bateman), con su madre soltera, Karen (Aubrey Plaza), con la esperanza de ofrecer su compañía como un mejor amigo electrónico. Este Buddi se presenta a sí mismo como Chucky (voz de Mark Hamill). Con su programación defectuosa, y manteniéndose cerca de Andy, Chucky trabaja muy duro para ser su "amigo fiel hasta el final". El adolescente pronto aprende a apreciar la presencia de Chucky en tiempos difíciles, pero las fantasías de venganza de Andy son interpretadas como órdenes por el juguete, que defiende a su amigo asesinando a los que le hagan daño. Cuando los cadáveres aparecen y Andy culpa a Chucky por todo lo que está sucediendo, el detective Mike Norris (Brian Tyree Henry), y vecino de Andy, toma el caso considerando que el adolescente es el principal sospechoso de los asesinatos.

Siendo un fan de Chucky de toda la vida (de las primeras tres películas y Cult Of Chucky por supuesto), realmente disfruté de este nuevo remake de Child's Play. Es diferente, divertida, espeluznante y sangrienta. Este nuevo A.I. Chucky es simpático, pero se vuelve muy siniestro con el paso de la película. Mark Hamill hizo un gran trabajo dándole vida a Chucky. A veces, sentí pena por Chucky porque solo quería que Andy lo amara y fuera el mejor amigo de él. Como dije... siendo fan de las viejas películas estaba dispuesto a disfrutar esto como una película independiente y por lo que es. Un moderno techno-thriller que se desarrolla en un escenario de un futuro no especificado, y no muy lejos del nuestro. Es una sátira sobre el aprendizaje tecnológico, la dependencia y el consumismo.

Andy Barclay es un adolescente con discapacidad auditiva que acaba de mudarse a un nuevo apartamento con su madre, Karen. Él no tiene amigos, así que Karen le compra un muñeco Buddi. El muñeco se conecta a teléfonos celulares, la TV, computadoras, básicamente cualquier cosa electrónica en la casa. El muñeco está un poco defectuoso y entiende mal a Andy, así que comienza a llamarse a si mismo Chucky (desafortunadamente, este muñeco Buddi fue manipulado por un trabajador descontento de la fábrica, deshabilitando todas las características y reglas de seguridad). Andy y Chucky comienzan siendo muy buenos amigos, juegan al ajedrez, pasan el tiempo juntos, y ven películas, pero pronto, Chucky ve que Andy es herido por su gato, lo que desarrolla lentamente tendencias psicóticas. Al compartir con Andy y sus nuevos amigos una noche de películas de terror, confunden a Chucky en pensar que matar está bien.

A veces funciona mejor que la película original, ya que es su propia película en lugar de ser parte del legado de Chucky que todos conocemos. Dicho esto, es una película complementaria independiente que no intenta reemplazar a la original. No sin defectos por supuesto, es inverosímil y artificial, pero tiene el encanto suficiente para mantener a uno involucrado. Ahora... es un reemplazo completo de las películas anteriores? Por supuesto que no. Esta versión es demasiado diferente y es una película propia, incluso para conectarla con las viejas películas. El aspecto del voodoo se ha ido y se presenta más como una película de un robot asesino. Lo que para los fanáticos de la ciencia ficción podría ser una grata sorpresa y un nuevo ángulo para el género y la tradición de estas películas. No hay ninguna magia aquí, en cambio tenemos un futuro que depende de la tecnología donde, si no se tiene cuidado, se puede explotar o usar de formas muy negativas.

La ligera vibra cyberpunk fue un tema interesante para meditar, ya que deja a uno cuestionando la dependencia a la tecnología y la voluntad o confianza hacia ella. Luego está la naturaleza consumista de la película. Todos estos temas son más estimulantes de lo esperado con una historia sobre un muñeco asesino. Con respecto al muñeco... me gustó el nuevo diseño robótico, bueno, no lo odié. La cara es un poco rígida en algunas escenas, pero en otras funciona muy bien. Teniendo ojos digitales de vidrio y una voz con fallas, Chucky se ve muy diferente. A veces funciona bien, pero a veces se siente un poco como un deja vu extraño. Por supuesto, faltó algo (el alma), y ahí radica la gran diferencia. Chucky no está interpretando el mismo personaje. No hay una personalidad propia, ni un ingenio real y auto-pensado. Es simplemente una máquina de aprendizaje y matanza. Este no es el mismo Chucky capaz de numerosas secuelas y derivaciones únicas como con la original, y tampoco como para crear un legado propio. Me gustó mucho pero no sustituye a las originales. Aún así, es una trama alterna para reflexionar sobre las cosas de manera un poco diferente.

En general, este remake/reboot superó todas mis expectativas. Fácilmente es la mejor película de Chucky desde Child's Play 3. No la compararía con las películas originales, ya que el concepto es completamente diferente, pero se destaca como una excelente película de terror moderna. La historia es atractiva, los personajes son realistas y la película es una mezcla de horror y comedia. Hubo una sorprendente cantidad de comedia para ser una película de terror, pero todo estuvo muy bien hecho. La clave de todo fue que todas las interacciones se sintieron orgánicas y no hubo nada que fuera forzado. Todos los actores actuaron bien y tuvieron una gran química, especialmente Andy y su madre Karen. Algunos de los asesinatos fueron francamente brutales y morbosos, pero la película nunca lo toma demasiado en serio, lo que ayuda a equilibrar los elementos de la comedia. La apariencia de Chucky es completamente diferente a lo que se está acostumbrado, pero uno se acostumbra a verlo a medida que la película avanza. Hay una razón por la que se ve y habla como lo hace, y Mark Hamill hizo un trabajo fantástico al dar vida a Chucky. Parecía un poco como una versión más robótica de su interpretación del Joker en Batman: The Animated Series, y encaja muy bien con esta versión de Chucky. Al final, Child's Play es una película muy entretenida que pasó demasiado rápido (su tiempo de duración es 1 hora y 25 minutos, sin contar los créditos). Es una buena reimaginación que no perjudica a la película original al darle un pequeño giro al origen de Chucky y mezclar algunos personajes sin ser por completo una imitación. Hay varias escenas de asesinatos memorables y una espeluznante canción de Buddi que probablemente se quedará en sus mentes.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Wind

Lizzy Macklin (Caitlin Gerard) es una mujer que vive en las llanuras aisladas en algún lugar de la frontera occidental (Nuevo Mexico) a fines del siglo 19 con su esposo, Isaac (Ashley Zukerman). Siendo las únicas dos personas que viven en su área por muchas millas, Lizzy y Isaac aprenden a vivir en su granja con total autosuficiencia. Un día, una joven pareja de recién casados, Emma (Julia Goldani Telles) y Gideon Harper (Dylan McTee) compran la cabaña adyacente a la finca de los Macklin para crear una pequeña comunidad de cuatro mientras Emma esta embarazada de su primer hijo. Lentamente, Emma comienza a reaccionar de manera extraña a su nuevo hogar aislado, sacando su ira con Lizzy durante su embarazo. Lizzy, perturbada por el comportamiento de Emma, ​​comienza a darse cuenta de que su tierra, a través de una fuerza sobrenatural malévola, está atormentando y burlándose de las respectivas familias de maneras diferentes y extrañas. Sin la ayuda del mundo exterior, Lizzy debe probar la existencia de esta fuerza maligna y destruirla antes de que destroce su simple calidad de vida.

La primera vez que vi el trailer de The Wind, me intrigó la mezcla de los géneros del western y el horror. Si bien esa mezcla sí produce una atmósfera tensa y premonitoria en la que se desarrolla una gran historia, el acto final es realmente decepcionante, no importa de qué manera uno lo mire. Leí en algún lugar que se basa en una película de 1928, y se creó en la línea de The Witch (2015) y quizás Hereditary (2018) para comparar ejemplos recientes de películas. The Wind quiere que uno intente averiguar si los antagonistas están mentalmente enfermos o si realmente existe una fuerza sobrenatural en la pradera. La cinematografía, sin lugar a dudas, captura la belleza de la pradera del medio oeste a principios del siglo 20 en América.

Toda la trama y la atmósfera en la película es realmente muy fuerte. Además, toma un enfoque no lineal al tiempo, y a pesar de que solo dura aproximadamente 1 hora y 27 minutos, se las arregla para tomar su tiempo y desarrollar los personajes. Es espeluznante en algunas partes, reflexiva en otras, y realmente establece un escenario en el que la mayoría de los espectadores sentirán una curiosidad genuina de cómo saldrá todo. Ayudando en todo el asunto está Caitlin Gerard como Lizzy Macklin, quien prácticamente se roba el espectáculo aquí. Ella es parte integral de casi todas las escenas y es con quien uno realmente se simpatiza. Si la película fuera mejor en general, esto podría ser un trabajo de interpretación que hubiera sido premiado de alguna manera.

Desafortunadamente, el final de esta película es una decepción enorme. No me molesta para nada la ambigüedad de las interpretaciones, pero el pecado más grande aquí es que solo se presenta una cara de esa moneda todo el tiempo, y el supuesto "giro" no funciona. Toda la película nos presenta una historia en la que parece bastante sencillo lo que está sucediendo (o al menos podría estar sucediendo). Luego, de la nada sacan esta suposición de "tal vez solo está sola/loca". Si este hubiera sido un tema, podría haber funcionado, pero solo se sintió como una manera de terminar la película rapidamente.

Otro problema con esta película es el guión y la edición al intentar lograr un tipo de misterio y tensión al presentar la secuencia de eventos fuera de un orden lineal. Por supuesto, los flashbacks pueden ser efectivos en la narración de una historia, pero aquí es demasiado. Hay demasiadas tomas similares de miradas melancólicas, momentos confusos y descubrimientos cronológicamente fuera de lugar que me confundieron y probablemente eran innecesarios. Aprendemos que la enfermedad mental, la ansiedad y la depresión están presentes en el aislamiento de la vida de la pradera. Incluso hay alucinaciones y secuencias de sueños inspirados en el cloroformo, y los escritores nos ayudan con fragmentos de historias de fondo yuxtapuestas. Pero al final, es demasiado.

En general, esta película puede no ser para todos los fanáticos del género de horror porque es muy lenta y está orientada hacia los flashbacks, lo que crea cierta confusión y aburrimiento. Sin embargo, los actores fueron convincentes y la cinematografía dio un sentimiento de verdadera desolación. Varias de las escenas fueron muy bien creadas sin depender del gore o sustos esporádicos. Pienso que fue inteligente mezclar una pieza del período occidental estadounidense con un tono demoníaco y neurótico. Al final, The Wind es un thriller psicológico pasable de ritmo sumamente lento. Por lo tanto, aunque disfruté de la trama, la atmósfera y las actuaciones, un final más adecuado podría haberla mejorado grandemente, creo. Lamentablemente, el final se siente fuera de lugar en vez de algo realmente bien pensado.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 25 De Junio Del 2019

Dumbo (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Night Of The Creeps - Collector's Edition (teniendo 2 versiones: la regular y la Deluxe Limited Edition with Action Figure)

Furie

Cinderella - Anniversary Edition (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

The Aftermath

The Poison Rose

Review: Toy Story 4

Bonnie (voz de Madeline McGraw) está a punto de comenzar el kindergarten, y ya no tiene mucho interés en jugar con Woody (voz de Tom Hanks), lo que convierte a Jessie (voz de Joan Cusack) en la nueva sheriff. Determinado a proteger a Bonnie, Woody se va en secreto en su bulto para ver su debut en la escuela. Es ahí donde Bonnie construye un juguete usando un spork, llamando la creación Forky (voz de Tony Hale). Bonnie, que se enamora del nuevo juguete, intenta mantener a Forky cerca, pero el muñeco de plástico solo quiere quedarse en la basura. Durante un viaje con la familia de Bonnie, Forky se pierde, obligando a Woody a traerlo de regreso a casa, pero la pareja pronto se encuentra dentro de una tienda de antigüedades, con la muñeca Gabby Gabby (voz de Christina Hendricks) decidida a robar la caja de voz de Woody, convirtiéndola en un juguete deseable una vez más. Al rescate de Woody está Bo Peep (voz de Annie Potts), la decoración de la antigua lámpara del cuarto de Molly, que ahora tiene a cargo un equipo de rescate y busqueda de juguetes perdidos.

Toy Story 4 llega 9 años después de Toy Story 3, contándonos otra historia de los conocidos juguetes luego de despedirse de Andy. Para ser honesto, Toy Story 3 fue el final perfecto, dado que Andy había sido el dueño de los juguetes en el transcurso de todas las películas, y su separación y el hecho de que él siguiera adelante con su vida parecía la forma ideal para acabar con las cosas. Debo admitir que estaba un poco escéptico con esta entrega, ya que la sentía innecesaria y fuera de lugar. Además, sentí que sería una secuela sólo para generar dinero y una entrega que arruinaría una de las mejores trilogías animadas de todos los tiempos. Para mi sorpresa, me alegra decir que quizás ahora se convierta en una de las mejores, si no la mejor tetralogía de todos los tiempos.

Esta entrega se centra principalmente en Woody, ya que se ocupa de mostrar las consecuencias de ya no estar con Andy al quedarse con Bonnie, lo que lleva a Woody a hacerse preguntas sobre su propósito personal. Bonnie es un personaje adorable, pero no es Andy, y tal vez por eso, asocio esta película como un epílogo más que una secuela. No es algo malo, pero se destaca por ser la única película en la que Andy no aparece. Hay varios personajes nuevos aquí. Forky es un juguete recién fabricado que lucha por sobrellevar su sensibilidad. Duke Caboom es el mejor y más grande stuntman de Canadá, interpretado con la voz de Keanu Reeves. Ducky y Bunny son un dúo de peluches interpretados con las voces de Key y Peele. Y Gabby Gabby es una muñeca que está decidida a robarle la caja de voz a Woody para ser deseada por niñas otra vez. Estos personajes son muy divertidos de ver y cada uno de ellos tiene sus propios encantos. Son excelentes personajes y se le dedica una cantidad apropiada de tiempo a cada uno de ellos. Dicho esto, los personajes con los que hemos estado familiarizados (Jessie, Rex, Mr. Potatohead, Hamm, Slinky Dog, Bullseye) no se les da mucho tiempo en pantalla. Hubiera sido genial si se les hubiera dado una parte más central en la acción, pero es comprensible administrar el tiempo de duración para dedicarselo a los nuevos personajes.

La historia en sí es muy bonita y no es tan oscura como la de Toy Story 3, con Lotso esencialmente transformando el centro infantil en una especie de campo de prisioneros. Trata con preguntas sobre lo que significa ser un juguete y cómo debería ser la vida de un juguete. Creo que son preguntas un poco más existenciales de lo que esperaba, especialmente con la llegada de Forky, ya que fue creado con materiales sacados de la basura. Quizás con la edad o el tiempo viene la audacia de hacer preguntas más desafiantes. Esto es después de todo, una franquicia de 24 años. La animación es maravillosa y algunas de las escenas se destacan por ser inmaculadas y hermosas. Algunas de las escenas están ambientadas en un carnaval con luces que sirven como telón de fondo, haciendolas un festín para los ojos. Debo señalar que la película realmente no tiene una configuración amplia, ya que está bastante limitada a ciertas ubicaciones. Es más expansiva que Toy Story 3, pero no tan diversa como Toy Story 2. También, el creciente conjunto de juguetes hace que tenga un alcance más estrecho.

En general, la película pertenece completamente a Woody, y con mucha razón. Rinde un homenaje amoroso al gran corazón de Woody y su lealtad inquebrantable y modesta, a pesar de las sacudidas en su vida y sus visiones del mundo. Las decisiones y revelaciones de Woody sobre sí mismo los harán llorar (o al menos sacarán una lágrima) con emociones complejas y agridulces. Hay alegría y tristeza, esperanza y angustia, despedidas finales y nuevos comienzos, todo en el mismo momento. En otras palabras, es la materia de la vida misma, y ​​es gloriosa. Al final, Toy Story 4 es una aventura llena de sutiles mensajes y metáforas, que lleva el legado de la trilogía original. Disney/Pixar lo ha vuelto a lograr con una secuela que no solo funciona como un final, sino también como un nuevo comienzo. Cuando lleguemos a la 5ta película (porque seamos realistas, sucederá), estos personajes habrán visto mucho más que las paredes de la habitación de Andy y Bonnie y han experimentado lo que realmente significa dejar ir. Es una película increíble y borró cualquier duda que tuviera de que esta película sería una decepción, considerando que Toy Story 3 actuó como una conclusión espectacular. Personalmente creo que Toy Story 2 sigue siendo la mejor de todas y que esta actúa particularmente como un epílogo más que nada, pero es uno muy bueno. Definitivamente querrán quedarse a lo largo de los créditos finales de la película, ya que tiene escenas que son esenciales para atar la narrativa general.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Tolkien

John Ronald Reuel Tolkien (Nicholas Hoult) se crió en el area rural de Inglaterra con su hermano, pero cuando los tiempos se tornaron difíciles, su madre se vio obligada a reubicar a sus hijos al duro mundo industrial de Londres. Cuando su madre muere prematuramente, John es puesto al cuidado del Padre Francis (Colm Meaney), lo cual lo envia a vivir con un guardián que también ofrece refugio a Edith Bratt (Lily Collins), una pianista que lucha con la conformidad. En la vida de John llegan tres amigos que brindan un descanso a la pesadez de su existencia, con Geoffrey Smith (Anthony Boyle), Christopher Wiseman (Tom Glynn-Carney) y Robert Gilson (Patrick Gibson) creando una sociedad secreta de discusión y apoyo mutuo, llevándolos a través de la Universidad en Oxford. Con el tiempo, John se enamora de Edith, pero le resulta difícil comprometerse a un acto de fe de esa índole, y su atención se centra en la búsqueda de fantasías, incluida la creación de un lenguaje especial para hadas. Sin embargo, todas sus esperanzas se pierden cuando estalla la Primera Guerra Mundial, poniendo a John a través del Infierno en la Tierra, con su imaginación convirtiendo el trauma del campo de batalla en un viaje de monstruos y dragones.

J.R.R. Tolkien es uno de esos nombres que todo el mundo lo sabe. Conocido por la trilogía de The Hobbit, The Lord Of The Rings y muchas otras historias ambientadas en Middle Earth, la influencia de Tolkien abarca muchas décadas y formas de arte. El autor de Game Of Thrones, George R.R. Martin atribuye el trabajo de Tolkien como inspiración para su propio fenómeno. Las adaptaciones de Peter Jackson de la trilogía de The Lord Of The Rings fueron nominadas para 30 Oscares, ganaron 17 y fueron totalmente responsables del aumento del turismo en Nueva Zelanda. Tiene sentido que Hollywood eventualmente hiciera una película sobre el autor. También tiene sentido que fallaría en estar a la altura de la leyenda. Protagonizada por Nicholas Hoult como J.R.R. Tolkien y Lily Collins como su futura esposa Edith Bratt, Tolkien explora cómo la guerra, el amor y la pérdida personal afectaron e influyeron en los escritos de Tolkien.

Comenzando con la influencia y muerte de su madre, la película analiza principalmente el amor de Tolkien por el lenguaje y la historia y cómo esas pasiones se entrelazaron en sus relaciones. Centrándose principalmente en la relación romántica de Tolkien con su compatriota huérfana Edith Bratt y sus amigos de toda la vida Geoffrey Smith, Robert Gilson y Christopher Wiseman, la película insinúa cómo estas relaciones influyeron e inspiraron sus escritos, sin hacer una conexión o comparación directa con Middle Earth, los personajes y sus contrapartes en la vida real. Debido a esto, cualquier conexión emocional con estos personajes no logra sobresalir.

Como la mayoría de las actuaciones de Nicholas Hoult, esta parecía un poco monótona, carecía de pasión y no hay mucha emoción detrás de su rostro. Las fallas de Tolkien están ocultas por la falta de personalidad, lo que lo hace parecer otro aburrido británico en lugar de uno de los autores más influyentes de todos los tiempos. El desempeño de Lily Collins es maravilloso, ya que proporciona gracia, clase y dimensión a la esposa ignorada de un genio. El problema principal de la película es que sólo presenta la superficie de muchos aspectos de la vida de Tolkien, en lugar de sumergirse profundamente en ella.  En lugar de enfocarnos en las relaciones entre sus amigos y con Edith, somos bombardeados con sus problemas escolares, sus experiencias como soldado en la Primera Guerra Mundial, una amistad con un compañero soldado que nunca llega a nada, y la insinuación de un genio que descuida sus deberes como esposo y como padre. Esta narración saturada evita que pueda distinguirse cualquier tipo de significado.

A pesar de las deficiencias narrativas, la película captura visualmente los mitos de un gran hombre de la literatura con tomas suaves que se deslizan y los marcos de las cámaras girando en torno a las escenas de la imaginación de Tolkien. Incluso, los intensos planos íntimos hacen que ciertas escenas sean más personales. Dragones, caballeros y monstruos de fuego se transforman en el mundo real de Tolkien, y hay algo agradable a la vista en casi todas las escenas. La banda sonora de Thomas Newman también proporciona a la película una sensación sublime, lo que la convierte en una de las mejores partes de la película. Casi sirve como puente entre la fantasía de Tolkien y la vida real, sin embargo, el director Dome Karukoski no logra establecer la conexión entre lo visual y la historia.

En general, lo que Tolkien pasó no fue algo notable. Fue trágico, pero no notable. La guerra, el perder amigos, y las obligaciones y presiones sociales son cosas que lamentablemente son parte de la vida. Durante los últimos 100 años, cada época ha tenido una guerra para definir a su generación. Lo que es interesante es lo que Tolkien quitó de su tragedia. Y lo que es aún más sorprendente es cómo transformó su trauma en historias épicas de amor, pérdida, guerra y amistad. Es una pena que la película no haya sido más profunda con los personajes y es un poco incómodo que casi se tenga que ser un erudito de Tolkien para comprender las conexiones entre los libros y esta película. La película señala varias veces el hecho de que mencionar una palabra que suena bastante bien sin significado es solo una palabra que suena bastante bien. Lamentablemente, es irónico que se pueda decir lo mismo de esta película. Al final, Tolkien es una película visualmente atractiva y razonablemente bien actuada, pero carece de vida y de imaginación. Es un vistazo agradable para aquellos que han visto The Lord Of The Rings y The Hobbit que disfrutan de buscar o encontrar Easter Eggs o enlaces a esas trilogías. Por desgracia, aunque es una historia informativa e interesante de la juventud del gran autor, que muestra cómo los acontecimientos de su vida inspiraron su manera de escribir, es una película dolorosamente lenta.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Textless De La Semana

Toy Story 4

Textless De La Semana

Child's Play

Review: Ma

Volviendo a su ciudad natal de Louisiana después de irse a California, Erica (Juliette Lewis) toma un trabajo en el casino local para mantener a su hija, Maggie (Diana Silvers), quien se ve obligada a incorporarse a la escuela a mediados de año. Maggie rapidamente encuentra un grupo de amistades para pasar su tiempo libre, que incluyen a la monstruo de la clase Haley (McKaley Miller) y el simpático Andy (Corey Fogelmanis). Ellos tienen intereses en las drogas y el consumo de alcohol, lo que lleva a Maggie más allá de su zona de comfort. Tratando de obtener alcohol de un adulto, el grupo se encuentra a Sue Ann (Octavia Spencer), una solitaria asistente de veterinario que agradece la atención de los adolescentes. Temerosa de sus acciones mientras están bajo la influencia del alcohol, Sue Ann, que pronto la apodan Ma, insiste en que los adolescentes hagan lo que quieran dentro de su sótano, ofreciendo solo unas pocas reglas estrictas de la casa. Las fiestas pronto crecen en tamaño y frecuencia, lo que hace que Sue Ann sea parte de las celebraciones, pero algo no encaja con Maggie, que pronto se asusta ante la necesidad de la anfitriona, ya que es incapaz de identificar exactamente lo que Sue Ann está tratando de lograr con su actitud condescendiente.

Esta es una película que vi algunos trailers y me intrigó verla. He visto la mayoría de las películas de la compañía Blumhouse, así que esta fue otra que puse en mi lista. La trama es sobre una mujer solitaria que se hace amiga de un grupo de adolescentes y decide dejarlos ir de fiesta en su casa. Justo cuando los adolescentes piensan que su suerte no puede mejorar, comienzan a suceder cosas que les hacen cuestionar las intenciones de su anfitriona. No voy a dar realmente muchos spoilers aquí en mi crítica. Si tengo que admitir que me sorprendió mucho. Veo casi todo lo que hace la compañía Blumhouse, pero tengo que aceptar que últimamente muchas de sus películas están dirigidas a un público adolescente, así que me alegré de ver que esta tiene una clasificación R (y en el mejor de los sentidos).

Esta película es más profunda de lo que pensé que iba a ser, ya que presenta un aspecto donde Ma está realmente muy necesitada. En realidad, es espeluznante, aún más con todos estos adolescentes de secundaria. Sin embargo, aquí hay una historia que tiene sentido y en realidad la hace un poco trágica, a pesar de lo psicótica que Ma es. Lo que también la hace interesante es que está mal orientada. Para películas como esta, me gustó el hecho que incorporaran el no decirle cosas a tus padres por miedo a estar en problemas. Realmente me hizo pensar en cuando era más joven y las cosas que me guardaba por esa razón. No obstante, tengo que decir estos adolescentes son un poco exagerados. El licor que están bebiendo es demasiado fuerte y se lo beben sin ningún problema, algo que no es creíble. Esto es realmente un aspecto menor, pero fue algo que noté. También hay algo más que se revela en esta película que realmente no va a ninguna parte. Pensé que un evento que se ve en el pasado lo explicaría, pero no fue así. No estoy realmente seguro de por qué este personaje estaba en la película para ser honesto. No la arruina, pero se siente que está convenientemente para el clímax. El otro aspecto es que muestra qué tan loca realmente está Ma.

Hablando del clímax, tengo que decir que esta película tiene un buen ritmo. Tiene un tiempo de duración de 1 hora y 40 minutos y nunca la encontré aburrida. El hecho que los otros adolescentes se hicieran amigos de Maggie de manera muy rápida fue un poco raro, pero esta bien, así no la ví sola por mucho tiempo. La tensión y la trama aumentan a un ritmo bastante sólido. No esperaba que el clímax llegara a donde lo hizo y lo acepté. Respecto a las actuaciones de la película, tengo que darle completo elogio a Octavia Spencer. Ella realmente se botó en este papel. Sé que es una tremenda actriz, pero me encantó la variedad de emociones que obtenemos por parte de ella aquí. Es trágica al tratar con los aspectos de su pasado y me sentí mal por ella, ya que está viviendo todo nuevamente a través de estos adolescentes. Ella también da miedo cuando se vuelve loca porque cambia en muy poco tiempo, lo que fue bastante impresionante. La actuación de Diana Silvers fue sólida. No soy un gran fan de Juliette Lewis, pero actuó bien. Los otros adolescentes fueron buenos en sus roles perspectivamente. Fue divertido ver a Luke Evans, así como a Missi Pyle y Allison Janney haciendo apariciones. Creo que hicieron muy bien sus interpretaciones y completaron la película para lo que se les necesitaba.

Una cosa que realmente me sorprendió de la película fueron los efectos. Tengo que decir que los efectos utilizados parecían ser prácticos y algunos de ellos en realidad me hicieron virar el rostro. No hay muchos, pero definitivamente fueron buenos. La última cosa que voy a mencionar es la música. Hay una gran cantidad de música retro que se toca en las fiestas de Ma (Funkytown de Lipps Inc., Kung Fu Fighting de Carl Douglas, The Safety Dance de Men Without Hats y September de Earth, Wind And Fire), lo que me pareció un buen toque. Es divertido, porque es música de su época, que hace mucho sentido. Hay también canciones de ambientación que definitivamente encajan y ayudan a aumentar la tensión en la película. Algo que creo que está bien para lo que iban a hacer.

En general, realmente disfruté de esta película, y por lo que vi en los trailers, definitivamente tuve en mente lo que pensé que sería esta película. Entendí eso, pero la historia es más profunda y las actuaciones realmente ayudaron a darle vida a esta película. Tiene un buen ritmo y genera tensión para un clímax realmente bueno. No esperaba los efectos, y realmente beneficiaron grandemente a la película. Al final, Ma tiene un gran suspenso, drama y entretenimiento. Es una película simple con muchos significados ocultos y profundos. Para los bullies que acosaron a niños más débiles en la escuela secundaria o primaria, sus vidas continúan sin preocuparse por los efectos que su acoso escolar provocó en los niños que atormentaban. A veces, esos niños olvidan lo que les pasó en la escuela y continúan con sus vidas. Luego están aquellos como Ma, que siempre andan con el resentimiento de haber sido intimidados cuando eran niños. Esta película es un recordatorio de cómo los niños y adultos debemos ser conscientes de cómo las acciones y cómo tratamos a los demás afectan mentalmente. De lo contrario nuestros hijos son los que van a sufrir por los pecados de nuestro pasado.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Men In Black: International

Molly (Tessa Thompson) ha tenido conocimiemto de Men In Black desde que era una niña, y está decidida a unirse un día a la agencia. Finalmente encontrando su camino, Molly es evaluada por la Agente O (Emma Thompson), quien siente algo especial en la mujer brillante y le ofrece un período de prueba en Londres. Al llegar a Londres, Molly, ahora renombrada Agente M, se encuentra con el Agente H (Chris Hemsworth), un oficial de Men In Black sin escrúpulos que juega según sus propias reglas, y que disfruta de la fama asociada con su victoria de The Hive, una fuerza alienígena mortal. Mientras que High T (Liam Neeson) les da una asignación, y el Agente C (Rafe Spall) se pelea con H, los agentes pronto estarán a cargo de mostrar a un dignatario alienígena una noche en la ciudad, solo para que el líder sea asesinado por The Hive. Al entregarsele un paquete especial para proteger y una advertencia sobre los Men In Black, M confía en H, y el par trabaja para averiguar qué hay en él, tratando de mantenerlo fuera del control del enemigo.

Esta es la era de las secuelas y los spin-offs, y cada estudio sueña con tener franquicias que puedan obtener beneficios una y otra vez. Esta cuarta entrega en la franquicia de Men In Black es ciertamente más un spin-off que una secuela, aunque hay algo que la vincula con las versiones anteriores. Si bien obtenemos un nuevo elenco y un nuevo director, hay muchos elementos familiares para satisfacer a los seguidores leales a la franquicia, aunque ganar nuevos seguidores va a ser menos probable. Men In Black: International es el nuevo intento de revivir la querida franquicia, esta vez protagonizada por el dúo de Tessa Thompson y Chris Hemsworth. Realmente disfruté la química entre los Agentes H y M, también pensé que Kumail Nanjiani como Pawny fue bastante divertido en la película. Realmente me gusta la construcción y estética del mundo de las películas de Men In Black y esto fue una continuación de eso, ya que nos trae más alienígenas y armas espaciales. Estos tres personajes son realmente los que llevan la película, por supuesto, el apoyo de Emma Thompson y Liam Neeson es muy bueno también.

Chris Hemsworth y Tessa Thompson regresan después de Thor: Ragnarok y Avengers: Endgame para tomar los roles como Agente H y Agente M, respectivamente. Reemplazar la química de Will Smith y Tommy Lee Jones es un desafío bastante difícil, incluso para dos actores simpáticos y talentosos. Debido a eso, probablemente tenga sentido porque el director F. Gary Gray tomó la película en una dirección diferente. Hay dos líneas de historia aquí: descubrir el "soplón" dentro de Men In Black y proteger el arma más peligrosa del mundo para que no caiga en las manos equivocadas. Chris Hemsworth interpreta y exagera a un súper agente, un tanto inepto (un cruce entre James Bond y el inspector Jacques Clouseau), que se abre paso a todas las situaciones, aunque no encaje en el mundo de Men In Black al que estamos acostumbrados a ver. Tessa Thompson es la inteligente novata que lleva dos décadas tratando de llegar a una posición en Men In Black, y una vez que lo hace, está clara que es ahí donde pertenece. Regresando de la tercera película está Emma Thompson como la Agente O, la administradora senior de Men In Black que entrevista y contrata a Molly. Rafe Spall es el Agente C, el adversario interno del Agente H. Liam Neeson es High T, el jefe de la oficina de Men In Black en Londres. Rebecca Ferguson aparece como Riza, el antiguo interés amoroso del Agente H convertida en villana y que vive en una fortaleza. Los gemelos Laurent y Larry Bourgeois interpretan a dos alienígenas que cambian de forma (una descripción que no hace justicia a sus habilidades).

La historia rebota de París a Brooklyn, de Londres a Marrakech y de París a Nápoles. Es una aventura salvaje con las pistolas elegantes y los vehículos futuristas que ya estamos acostumbrados a ver de esta franquicia. La historia de fondo de la Agente M se proporciona desde el principio, y la película ofrece algunos toques inteligentes con el trabajo de oficina y los primeros años de Men In Black... pero le falta algo. Afortunadamente, mientras los Agentes H y M están salvando el mundo, Kumail Nanjani como Pawny (voz) está salvando la película. Su pequeño personaje proporciona la mayoría de las risas y las frases más creativas. El problema más grande de la película es la trama de los villanos y su historia en general. Incluso, hay un giro en la película que se puede ver a kilómetros de distancia y es exactamente la misma historia que se ha contado miles de veces en las películas de espías. Los "villanos" de esta película, los gemelos alienígenas fueron muy simples y no estaban bien desarrollados, de hecho, la mayoría de las veces simplemente aparecen como una mancha brillante del espacio. Los elementos de comedia fueron pasables, teniendo pocos momentos donde el humor fue satisfactorio, y teniendo más que fueron fallidos.

En general, lo mejor de esta película son las actuaciones de Chris Hemsworth, Tessa Thompson y Kumail Nanjiani y la química que poseen. Fuera de eso, la película es entretenida pero olvidable. Si alguna vez hubo magia en esta franquicia, definitivamente no se ve aquí. Los efectos de CGI se ven muy bien, pero hay una falta general de interés en lo que está sucediendo. No esperaba mucho de esta película, y tristemente mis temores con el trailer fueron básicamente confirmados. Simplemente se siente como un éxito de taquilla de verano olvidable, y sentí que estaba viendo algo más en el universo de R.I.P.D. y no Men In Black. Esta película es una prueba de que algunas franquicias casi olvidadas no necesitan ser desenterradas y que son mejor dejarlas en el pasado. Al final, Men In Black: International es una película superficial que conserva en parte el espíritu irreverente de la película original. Tuvo momentos de humor y acción, pero fue una decepción muy grande al tener una trama y una historia demasiado normal. Sin duda carece de la magia de las películas anteriores en la franquicia. Las actuaciones fueron bastante buenas (incluso si eran un poco exageradas a veces) y las escenas de acción estaban bien hechas, pero faltaba más trama en los puntos clave. La franquicia tiene suficientes seguidores leales como para que la película sea algo exitosa, sin embargo, será imposible que pueda replicar el éxito de las primeras 3 películas.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: The Dead Don't Die

En la pequeña ciudad de Centerville, los policías Cliff Robertson (Bill Murray) y Ronnie Peterson (Adam Driver) mantienen la ley y el orden, patrullando una comunidad llena de pequeñas empresas y un centro de detención juvenil. Mientras que los noticieros difunden la noticia de que una fractura polar ha hecho que la Tierra se salga de su eje, Cliff y Ronnie tienen la sensación de que algo no está bien en el día. Pronto se les une su colega, Mindy Morrison (Chloe Sevigny), para investigar las acciones de Hermit Bob (Tom Waits), y echar un vistazo a un doble asesinato en el restaurante local. Al encontrar una sangrienta escena de canibalismo, Ronnie sugiere que se ha producido un despertar de zombies, y siente que Centerville está en peligro. Mientras los lugareños son lentos en percibir tal amenaza, los zombies comienzan a llenar las calles en busca de victimas cómo la inconformista viajera Zoe (Selena Gomez), el asistente de gasolinera y fan de los comics Bobby Wiggins (Caleb Landry Jones), el granjero Frank Miller (Steve Buscemi), y Zelda Winston (Tilda Swinton), una morticista que estudia los caminos de los samurai, levantando su espada para cortar la creciente amenaza.

Algunas películas son sin lugar a dudas indescriptibles. The Dead Don’t Die, la última película del veterano director Jim Jarmusch, es una que cae en esta categoría. En este último esfuerzo, Jarmusch nos presenta una película de terror con un tema muy gastado y a la vez escribe una extraña carta de homenaje a George A. Romero. En esta ocasión, Jarmusch ataca a los zombies, habiendo ya perseguido a vampiros y otras criaturas sobrenaturales en películas anteriores. Como siempre, este director intenta dar un giro único a un tema antiguo con a un reparto estelar mientras juega con las expectativas de uno como espectador. Lamentablemente, los actores de renombre Bill Murray, Adam Driver y Chloë Sevigny no pueden salvar la película de ser un inminente desastre.

Teniendo lugar en Centerville, una ciudad tranquila donde todos se conocen y Pittsburgh es considerada "La gran ciudad", The Dead Don't Die se centra en los policías Cliff Robertson, Ronnie Peterson y Mindy Morrison a medida que descubren que los muertos de Centerville comienzan a levantarse de sus tumbas. La premisa es simple, ya que uno como espectador entiende cómo son las películas de zombies, y Jarmusch intenta contar una historia siendo extremadamente consciente de sí mismo. Por desgracia, la gran mayoría de las veces, los intentos de comedia fracasan, y apenas se salvan gracias a la entrega de los actores. El personaje de Adam Driver menciona directamente haber leído el guión y que conoce el tema musical de la película. No hay muchos momentos de risa, y los que hay son honestamente ridículos. Al igual que Bill Murray y Adam Driver, algunos de los pocos momentos más divertidos de la película provienen por parte de Tilda Swinton como Zelda Winston, la enigmática y nueva residente escocesa de Centerville que inexplicablemente maneja una espada de samurai. También hay algunos momentos divertidos por parte del elenco de músicos infrautilizados como Iggy Pop, Tom Waits, RZA y Sturgill Simpson.

El único aspecto positivo de la película es su trama fatalista. Como dice repetidamente el personaje de Adam Driver, "Esto no va a terminar bien". Y ciertamente no lo hace. Eso no es un spoiler, ya que ese hecho queda al descubierto al principio de la película. Aun así, ese poco de información no es suficiente para las múltiples tramas y hilos retorcidos que no llevan a ninguna parte. Lo más incomprensible de toda la película es un grupo de niños que están confinados en un centro de detención juvenil del cual no se sabe cómo llegaron ahí, para luego simplemente desaparecer de la película sin explicación alguna, y el personaje de Chloë Sevigny, a pesar de ser una oficial de policía, es una mujer estereotipadamente emocional que vomita a la vista de sangre y es el único personaje que llora. En su intento de ser vanguardista, el director Jim Jarmusch a menudo se muestra fuera de contacto o incluso ignorante al tema. Si él está tratando de presentar estereotipos para probar un punto narrativo, no hay una recompensa positiva en lo absoluto, ya que el guión es tedioso y simplemente vago. Tal vez Jarmusch quería algún tipo de homenaje a George A. Romero con esta película, ya que menciona docenas de referencias a películas de horror clásicas e incluso agradece a Romero en los créditos, pero si es así, el darnos estos estereotipos hace más un mal servicio que cualquier otra cosa.

En general, tenía muy buenas expectativas con esta película después de ver el trailer y gracias a su gran elenco, pero por desgracia es un fracaso total. Durante la primera media hora estaba tratando de aceptar la idea de que no era muy buena, pero tenía la esperanza de que podría ser una película lenta y que lo bueno llegaría en cualquier momento. Nunca sucedió. La mayoría de los chistes no se concretaron y no hubo ningún tipo de energía por parte del elenco, parecían aburridos de todo, a excepción de Chloë Sevigny. Si se suponía que esa indiferencia era de alguna manera divertida, entonces hicieron un trabajo terrible al presentarlo cómo una broma. Terminé de ver la película con la impresión de que Jim Jarmusch debe pensar que los fanáticos de las películas de zombies son estúpidos o de alguna manera morones. Sus otras películas han sido interesantes, pero tristemente esto no fue así. Al final, The Dead Don't Die es una decepción masiva.  Tiene cero historia, tiene muchos clichés y es realmente aburrida. Nada realmente dio risa, no dio susto, y no hubieron grandes sorpresas. Fue solo una película amarga. Si son fanáticos del género de zombies no gasten su dinero en esto, mejor esperen a que la den por cable, Netflix o cuando aparezca a $5 en los drones de películas en Wal-Mart o Best Buy.

Puntuación: No calenté el aceite para freír las alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 18 De Junio Del 2019

Us (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Hotel Mumbai

Water Park

The Beach Bum

Under The Silver Lake

Crypto

Textless De La Semana

Men In Black: International

Review: Hotel Mumbai

Es solo un día más en el Taj Mahal Palace Hotel en India en 2008, y el trabajador de cocina Arjun (Dev Patel) llega tarde al trabajo y se ha olvidado de sus zapatos, por lo que debe ponerse un par de repuesto de un tamaño más pequeño. El jefe de cocina Hemant Oberoi (Anupam Kher) inspecciona al personal y les recuerda que el "invitado es Dios". El estadounidense David (Armie Hammer) llega al hotel y se registra con su esposa, Zahra (Nazanin Boniadi), su nuevo bebé y su niñera Sally (Tilda Cobham-Hervey). También llega Vasili (Jason Isaacs), un ruso y ex Spetznaz o operativo de las Fuerzas de Propósito Especial. Mientras David, Zahra y Vasili cenan, un grupo de terroristas invade el hotel y comienza a disparar a todos a la vista. A Arjun se le ocurre un plan para llevar a todos en el restaurante al club privado súper secreto del hotel, mientras que David decide escabullirse para intentar rescatar a su bebé. Mientras tanto, la policía local hace todo lo posible para detener la violencia mientras espera los refuerzos de las Fuerzas Especiales. Pero las atrocidades por parte de los terroristas no muestran signos de terminar pronto.

El 26 de noviembre del 2008, un grupo de jóvenes armados con explosivos y AK-47 irrumpieron en el Taj Mahal Palace Hotel, como resultado de una ola de terror que se extendió por lugares clave en Mumbai. Al recibir instrucciones a través de un auricular, los terroristas aficionados lograron asediar el hotel, extendiendo un rastro de caos y destrucción a través de cada piso, en una tragedia que permanece grabada en la mente de todos los que sobrevivieron. Para captar la intensidad de la persecución, el director Anthony Maras divide efectivamente el enfoque de la película entre el personal y los huéspedes del hotel en su lucha por sobrevivir y el papel de los perpetradores en la coordinación de los ataques. Con las fuerzas policiales de Mumbai totalmente desprevenidas para un ataque de esta magnitud, el reinado del terror duró tres días y la película es implacable en su demostración de violencia gratuita.

Desde el comienzo, las balas vuelan a través de un concurrido vestíbulo mientras los cuerpos caen como moscas y los atacantes continúan su marcha hacia los pisos superiores, donde, habitación por habitación, disparan a los huéspedes sin piedad alguna. 31 personas perdieron la vida durante el caos y al presentar la maldad del acto, Maras pinta una imagen desconcertante de la insensata indiferencia que los terroristas mostraron a sus víctimas. Sin embargo, el impulso de la película significa que la violencia se vuelve lentamente insensibilizadora y, a veces, tambalea al borde del territorio de la acción explotadora de Hollywood. La película utiliza una cantidad considerable de escenas dramáticas para mantener los eventos emocionantes y, a veces, parece pintar un evento de la vida real. Afortunadamente, cualquier desvío hacia el territorio de los héroes de las películas de acción se disipa rápidamente con un guión que presenta héroes en todo tipo de formas.

Lo que se destaca en esta película es la fuerza de las interpretaciones de los personajes que emergen entre la violencia. Dev Patel y Anupam Ker interpretan a los empleados del hotel que protegen a sus colegas e invitados a toda costa, mientras que Armie Hammer y Nazanin Boniadi interpretan a una pareja casada que arriesga todo para proteger a su hijo. Si bien los personajes pueden ser ficticios, no es difícil imaginar numerosas historias como las de ellos en la vida real. Además, al intercalar sus historias con imágenes reales del suceso, Maras inyecta un elemento extra de realismo que une la película de manera convincente. Más allá de estos notables personajes están los otros estereotipos habituales, como el sombrío pero redimible ruso, el terrorista con conciencia y la niñera asustada que protege al bebé de David. No obstante, el uso de las imágenes de las noticias reales en la televisión mantiene a uno plantado en la realidad. Si bien estas víctimas son inevitables en cualquier película de desastres, Maras crea tensión al cortar entre los terroristas al despachar fríamente a cualquiera a la vista y los habitantes sitiados en el hotel. Cuando el bebé de David llora en un armario junto con Sally, uno teme que los terroristas escuchen. Eso es tensión y terror real.

En general, es difícil no ponerse en esa situación y no sentir empatía con las víctimas indefensas y preguntarnos qué valor mostraríamos. Aunque las mujeres lloran con demasiada frecuencia y muchos de los hombres son cobardes, no hay forma de ver la película y no ser un poco más conscientes de las vicisitudes de viajar al extranjero y maravillarse con lo valiente que puede ser el ser humano. Al final, Hotel Mumbai es una celebración de la resistencia humana y el coraje frente a un mal abrumador. Al centrarse en la humanidad durante una carnicería, la película honra a todos aquellos que arriesgaron y perdieron sus vidas en el ataque. Es un exitoso thriller aterrador y una historia de advertencia: el peligro siempre está allá afuera, no importa a dónde vayas.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Rocketman

De niño en Inglaterra, Reginald Dwight (Taron Egerton) tuvo problemas con su vida familiar, a menudo ignorado por su madre, Sheila (Bryce Dallas Howard) y abandonado por su padre, Stanley (Steven Mackintosh). Al encontrar un talento para el piano, Reginald trabaja a través de una educación musical elegante, pero la exposición a Elvis alimenta su deseo de ser una estrella de rock. Desarrollando sus dones, Reginald finalmente se convierte en Elton John, y luego se une a Bernie Taupin (Jamie Bell), un letrista que combina perfectamente con el pianista, iniciando una asociación que pronto da numerosas canciones de éxito para Elton, junto con la fama y la fortuna. Sin embargo, no todo está bien dentro de su cabeza, mientras Elton lucha contra las dudas que lo consumen y hombres depredadores, como su manager John Reid (Richard Madden), que contribuyen a su falta de autoestima. Pronto, ahogado en la bebida y las drogas, Elton lucha por encontrar su verdadero yo y, al mismo tiempo, siendo de todo para el mundo.

Si hay algo en lo que la industria cinematográfica es buena, es notar una tendencia y luego intentar capitalizarla. A pesar de que una película biográfica de Elton John ha estado bajo desarrollo durante años, el éxito de A Star Is Born y Bohemian Rhapsody se convirtió en una señal prometedora. Basada en una verdadera fantasía, la película comienza con Elton John en una terapia donde cuenta la historia de cómo se volvió adicto al alcohol, las drogas, el sexo, y principalmente la cocaína. Vemos la historia de la niñez y juventud de Elton, originalmente conocido como Reginald y cómo creció en una casa sin amor. Llega muy lejos con su don natural, pero el dolor de su pasado y sus asuntos actuales lo llevan a situaciones que lo hacen perder su rumbo. Aún así, el talento musical perdura y la película muestra el viaje de las altas y bajas de la vida de Sir Elton John.

Para empezar, no soy un fanático de los musicales (realmente los odio). Solo hay unos pocos que me han gustado desde la infancia. Pero quería verla y tener mi propia opinión al respecto porque soy un gran fanático de Bohemian Rhapsody, y leí que Rocketman ha tenido muchas comparaciones con Bohemian, así que quería darle una oportunidad justa y ver cual es el alboroto. Tan entretenida como fue Bohemian Rhapsody, no es nada difícil argumentar sus méritos como una gran película. La película juega a sí misma como una colección de los mejores éxitos de Queen y presentó casi la totalidad de la presentación de la banda en Live Aid. Rocketman no presenta una secuencia musical de 20 minutos, en su lugar intenta presentar una película biográfica musical al vincular inteligentemente las canciones más famosas de Elton John con la narrativa de la película. Juega como una biografía, y un musical/fantasía con la sincronización de los números musicales coincidiendo con los eventos de la historia. Por ejemplo, I'm Still Standing nos muestra su regreso del borde de la destrucción de las bebidas y las drogas.

La creatividad del director Dexter Fletcher (que también trabajó y completó las labores de dirección las últimas semanas de Bohemian Rhapsody) sobre el material, ayuda a llamar la atención. Los elementos fantásticos tienen un atractivo visual extravagante y trae algo refrescante a un género un poco gastado. Taron Egerton es la estrella definitiva aquí y es maravilloso como Elton John, interpretándolo con sus altas y bajas a la perfección, y aunque no tiene un parecido sorprendente con el cantante, sigue siendo una actuación impresionante y también canta. La amistad de Elton con Bernie Taupin es conmovedora, y su relación tóxica con John Reid provoca simpatía por un Elton que es utilizado con el fin de lucrarse de él. La película sigue un cuento biográfico típico, pero el punto central de la narrativa es una reunión de Alcohólicos Anónimos que utiliza los flashbacks como un dispositivo de la narración de la historia (comenzando en su infancia), lo que nos da la sensación de que Elton está reflexionando sobre su vida pasada, especialmente sus arrepentimientos, sentimientos de
incompatibilidad y autodesprecio.

Elton John estuvo muy involucrado en la producción de la película, por lo que no es una representación total de su vida, sin embargo, representa su caída en la vida de las drogas y las luchas de su vida personal. Ciertamente no es una imagen clara de su vida, el tema de la adicción a las drogas y las orgías alimentadas por el sexo se sienten un poco subdesarrolladas (lo muestran de manera impresionante con canciones, pero nunca se sintió como si hubiera una dependencia a las drogas) ya que la película se centra más en su increíble presencia escénica e inseguridades. Se siente como una película biográfica convencional (la mitad de la película se arrastra un poco), incluso en la forma en que se muestran las canciones de Elton en la película trastoca algunos clichés y hace que se sienta más cómo un montaje de sus grandes éxitos. Lamentablemente, sentí que la película no me inspiró ni despertó algún interés en Elton John, aunque me gusta su música. La mezcla de momentos oscuros y claros, y la sensación bipolar de la película no me ayudaron a sentirme animado o como si acabara de ver una película de la verdadera celebración de un gran artista. Eso fue algo que sentí después de ver Bohemian Rhapsody, ya que de inmediato me dio con revisitar y escuchar nuevamente la música de Queen/Freddie Mercury, pero aquí faltó esa magia.

En general, vi la película sin saber nada sobre cómo se escribió o qué estilo tendría. Saliendo emocionado de Bohemian Rhapsody, esperaba más de esto cómo un drama biográfico con un montón de buena música. En cambio, lo que experimenté fue un cruce entre Mama Mia y una biografía. Mientras muestran los demonios de Elton, me hubiera gustado que fuera más una película biográfica histórica. Esto sin duda está construido al estilo de Broadway con el sabor extravagante de Elton John. No me malinterpreten, estuvo muy bien hecha, actuada y la música fue genial, aunque hubiera preferido escuchar las canciones de Elton en su voz en lugar de Taron Egerton, como Rami Malek hizo con Freddie. Al final, Rocketman sigue la típica fórmula de las películas biográficas, aunque lo hace de manera bastante única con su presentación en formato musical y sus imágenes conectadas. Es una película colorida, hace mucho en su tiempo de duración, y no se tiene que estar familiarizado con el trabajo de Elton John para disfrutarla. Es probable que pase mucho tiempo para que veamos otra película biográfica sobre un músico que sea realmente competente. Sin duda, superó mis expectativas, incluso cuando la película era de naturaleza musical, ya que los personajes estallaron en canto espontáneamente durante toda la película.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.