Textless De La Semana

The Invisible Man

Review: Fantasy Island

Al participar en un concurso para pasar una semana en Fantasy Island, los ganadores Gwen (Maggie Q), Melanie (Lucy Hale), Patrick (Austin Stowell) y los hermanos JD (Ryan Weaver) y Brax (Jimmy O. Yang) están emocionados de experimentar todo lo que la misteriosa ubicación tiene que ofrecer, solo entendiendo los poderes del lugar de vacaciones a través de rumores. Saludando a los invitados está el Sr. Roarke (Michael Peña), quien le presenta al grupo la oportunidad de cumplir sus fantasías más profundas, solo para advertirles que todo lo que comienzan debe ser experimentado hasta su conclusión natural. Inseguros de lo que eso significa exactamente, el grupo se embarca en sus aventuras por separado, con Gwen aceptando una vida con un hombre que rechazó hace años y disfrutando de una familia con su verdadero amor. Para Melanie, la oportunidad de torturar a su acosadora de la escuela secundaria Sloane (Portia Doubleday) es irresistible, pero pronto se da cuenta de que el dolor que está causando a la mujer es real, exponiendo la naturaleza oscura de Fantasy Island, que es impulsada por una fuerza malévola que el Sr. Roarke protege mientras se dispone a matar a los invitados.

Supongo que era solo cuestión de tiempo antes de que alguien intentara hacer que Fantasy Island volviera a ser relevante. El programa original, transmitido desde fines de la década de 1970 hasta principios de la década de 1980, se centró en Ricardo Montalbán interpretando al peculiar Sr. Roarke junto a Hervé Villechaize como su asistente Tattoo. Juntos invitaron a personas a su misteriosa isla donde pudieron vivir fantasías profundamente deseadas que a menudo tenía un precio o al menos iban en direcciones inesperadas. Aunque el programa obviamente es viejo y ahora se considera principalmente como una reliquia de una era diferente, los elementos recurrentes surrealistas y sobrenaturales claramente desencadenaron una bombilla en la cabeza de alguien en Blumhouse pensando que la propiedad merecía ser resucitada.

En el 2018, Blumhouse puso su nombre en el título de una de sus películas, un movimiento que parecía indicar que ellos mismos sabían que Truth Or Dare no vendería. Ese es el beneficio de construir una marca y acumular legítimamente trabajos anteriores. Pongan un nombre reconocible que tenga influencia en algo y la gente lo compra, aún si la calidad es cuestionable. Truth Or Dare fue mala, como también lo es Fantasy Island. Definitivamente hay algunos lazos con Truth Or Dare, comenzando con quién está detrás de la cámara. Jeff Wadlow regresa para dirigir una película particular de horror PG-13 que resulta ser cualquier cosa menos aterradora. Sí, la película es una reinvención "retorcida" del programa de televisión de 1970, y la parte de los 70 probablemente debería haber servido como la primera bandera de advertencia para Blumhouse. Para quién es esto realmente? 90% de las personas menores de 30 años se perderán con esto, posiblemente de 40. Es difícil ver a los de 50 años o más ansiosos por ir a un cine para ver una reimaginación "aterradora" de un programa que conocieron.

Esa incertidumbre también se extiende al tono general, ya que la película se balancea entre un horror/thriller desechable, la comedia y, sorprendentemente (en la peor forma), en drama. Por lo menos, Fantasy Island no es demasiado mala para verse, ya que algunas tomas extremas muestran la belleza de Taveuni en Fiji. El segundo vínculo de Fantasy Island con Truth Or Dare es la presencia de Lucy Hale. Esto es algo injusto, y definitivamente no depende de ella, pero puedo estar seguro que cualquier papel futuro en la que ella aparezca será recibida de manera negativa. Para Michael Peña, un actor estable, versátil, y incluso subestimado, hace que su presencia recuerde a una película que protagonizó en el 2017 que también se basó en un programa de televisión de 1970 (sí, CHiPs) que nadie realmente pidió. Agreguen una Maggie Q soñolienta, un romance fraternal terriblemente molestoso entre hermanos cortesía de Ryan Weaver y Jimmy O. Yang, y una actuación barata de Sam Worthington en Austin Stowell. Todo hubiera sido cuestionable si esto tuviera un mejor guión y si el elenco reunido se aprovechara de eso.

Además, empleando a los mismos guionistas de Truth Or Dare, la película se combina para crear una historia que presenta serpientes marinas, zombies reanimados de ojos negros, doppelgangers y una roca misteriosa. Eso en realidad no es lo peor. Lo crean o no, la película tiene un comienzo decente de 20-30 minutos, configurando las fantasías de cada uno de los personajes. Nunca hay una oportunidad para agarrar la trama ya que el guión salta entre historias, con algunas más entretenidas que otras. Pero, donde Fantasy Island realmente se desmorona es en el acto final, donde las historias finalmente se unen de la manera más incomprensible. Para ser justo, puedo ver lo que los escritores intentaron a hacer aquí. Ellos intentaron unir el pasado y el presente combinando el horror sobrenatural con elementos de misterio, acción y comedia que no se sentirían fuera de lugar en episodios del programa original. Se ve un esfuerzo evidente de tomar lo que obviamente es una idea tonta y actualizarla para el mercado de terror convencional y retener el atractivo del ahora programa retro.

Es algo nostálgico y simultáneamente una nueva visión oscura de lo que una vez fue. Esto no hace que la película sea buena. Todo lo contrario, de hecho. Nos dan situaciones que van desde conseguir un marido y una hija que quisiste pero no pudiste, la potencial tortura de la acosadora de la escuela, quedar atrapado en una guerra de cárteles, quedar atrapado en una guerra con un padre fallecido, y también hay fantasmas o algo que realmente no sé que es. Ah, y Michael Rooker corre por el bosque con un machete. Ah, sí, y Michael Peña tiene intenciones siniestras. Todo es ridículamente complicado y es una película tan torpe que no tiene idea de cómo reconocer la inherente trama. La forma en que cambia abruptamente entre géneros de una escena a otra es casi novedosa, pero cada desarrollo es tan absurdo que se convierte en una gran broma, especialmente cuando se espera que se tome en serio algunos de los grandes momentos culminantes de los personajes.

En general, a pesar del tono fuertemente negativo de esta pieza, es razonable reconocer que la trama de Fantasy Island (quizás con un título diferente) tenía una premisa lo suficientemente sólida como para justificar un intento de actualización. La mejor versión de esta película es algo así como Happy Death Day (2017), pero más oscura. Lo que se presenta es la peor versión, y ningún ídolo o consejo tribal puede salvar esto de sí mismo. Al final, Fantasy Island aterriza en una forma de idiotez absorbente que se convertirá en una especie de clásico de culto de medianoche o cualquier otra cosa. Es sin duda una película que, en su mayoría, es simplemente un error. Con nada remotamente alucinante, en particular de la serie de televisión, es una indicación para los fanáticos de Fantasy Island que deben prepararse mejor porque esta franquicia recién está comenzando, y no hay otro lugar a donde ir, bueno... quizás a un lugar más estúpido.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: In Search Of The Last Action Heroes

In Search Of The Last Action Heroes no solo celebra el increíble arsenal de películas de acción que hicieron que los años 1980 y 1990 fueran tan geniales, sino que examina la evolución del género de películas de acción desde la era dorada hasta nuestros días. First Blood recibe el visto bueno como la película que hizo la transición de la industria de la acción de estilo de los años 1970 al estilo de los años 1980. Mientras que Terminator 2: Judgment Day se posiciona como la película que culminó el estilo de los 1980 y llenó las películas con efectos prácticos y acrobacias al fusionarlas con una nueva ola de CGI. No es sorprendente que las películas de Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger, los dos titanes de la era dorada de la acción, reciban la mayor cantidad de tiempo aquí. Pero no se equivoquen, el documental destaca una tonelada de películas en su tiempo de duración de 2 horas y 20 minutos.

Después de ser presentada como un proyecto de Indiegogo hace un año, tenemos este sorprendente proyecto/documental sobre el cine de acción titulado In Search Of The Last Action Heroes. Debo decir que este documental tiene todo lo que un fanático de las películas de acción quiere ver. Sus entrevistas y segmentos de ritmo rápido cubren casi la totalidad del cine de las películas de acción. Comienza con una exploración de las raíces de la "acción" y los géneros que llevaron a su surgimiento, y la mayoría del documental se centra en la "era dorada de acción" de las décadas de 1980 y 1990. Probablemente sea imposible enumerar todas las películas mencionadas aquí porque cubren mucho terreno, incluidos todos mis clásicos favoritos. In Search Of The Last Action Heroes presenta segmentos de: ​​Die Hard (1988), Bloodsport (1988), Predator (1987), The Terminator (1984), Terminator 2: Judgment Day (1991), First Blood (1982), Rambo: First Blood Part II (1985), Rambo III (1988), Best Of The Best (1989), Total Recall (1990), RoboCop (1987), Lethal Weapon (1987), Lethal Weapon 2 (1989), Commando (1985), Tango & Cash (1989) Missing In Action (1984), The Road Warrior (1981), y toneladas más.

También tiene excelentes historias y imágenes con estrellas que incluyen: Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, Charles Bronson, Chuck Norris, Cynthia Rothrock, Sylvester Stallone, Jackie Chan, Jean-Claude Van Damme y, nuevamente, toneladas más. Para los fanáticos del género de películas de acción de los años 1980 y 1990, el documental también sirve como quién es quién por las excelentes entrevistas y toneladas de actores clave de algunas de las películas y franquicias más grandes. Si bien Arnold, Stallone y Van Damme podrían no haberse sentado a dar una entrevista, casi todos los demás lo hicieron, y de alguna manera esto lo hace mucho más interesante. Como una persona que aprecia el arte de la cinematografía también, fue particularmente genial escuchar tanta información detrás de escenas e historias sobre el guión, dirección y rodaje de todos estos clásicos de acción. Desde el actor Scott Adkins hasta el director Paul Veerhoven hay una gran lista de entrevistas que incluyen: el escritor/director Shane Black, Bill Duke, Cynthia Rothrock, Eric Roberts, Michael Jai White, el escritor Steven de Souza, Philip Rhee, el escritor Zak Penn, el director Sam Firstenberg, el escritor Sheldon Lettich, el productor de cine Mario Kassar, Ronny Cox, Vernon Wells y, por supuesto, muchos más.

El director Oliver Harper ha elaborado una carta de amor hermosa y maravillosamente informativa para un género cinematográfico sinónimo de la infancia y educación de una generación. Este documental habla a una especie de fanático del cine que no necesita fingir. Estas películas han sido una parte esencial de nuestras vidas, incrustadas en la estructura de cómo nos expresamos y nos presentamos a través de nuestro amor por este género. Las películas representan un microcosmos de innovación humana, imaginación, ingenio, audacia y riesgo. La idea de que mentes creativas se atreverían a impulsar conceptos elevados para llegar a tal extremo con efectos prácticos y acrobacias para lograr lo que hicieron en cámara... es el espíritu indomable del ser humano. Estos fueron los pioneros. Al igual que sus predecesores, entraron en un territorio inexplorado y forjaron el legado de estas increíbles películas con pura fuerza de voluntad y eso, para mí, es parte de lo que las hace especiales. Eso es lo que este documental captura en sus entrevistas y cómo se utilizan para contar las historias colectivas que conforman el dominio de las películas de acción durante la década de 1980 y su caída y redefinición gradual en la actualidad.

Para mí, la pasión del documental evoca una alimentación masiva de amor y deseo de saber cómo se hicieron estas piezas de arte y aprender sobre las personas responsables. Creo que lo que también es genial aquí es cómo se usan los pilares de este género. Leí que los productores trabajaron muy duro para tratar de lograr que Arnold, Stallone y Van Damme participaran en este proyecto con innumerables correos electrónicos a sus agentes e intentos de lograr su participación. Pero en última instancia, esto juega con la fuerza de la película al no necesariamente presentarlos como entrevistados. Fiel a su título, el documental analiza los impactos e influencias de Arnold, Stallone y Van Damme (The Last Action Heroes) a través de anécdotas e historias contadas por compañeros, amigos, colaboradores, y al hacerlo, eleva la calidad mítica de estos actores. El documental utiliza a estos actores como si fueran héroes populares y figuras que son más grandes que la vida y realmente lo son. No están ellos mismos, pero los mencionan, buscan cómo surgió su ascenso, y este ángulo más mítico de hablar sobre ellos presta su presencia y hace de esto un documental completo.

En general, esto es simplemente fantástico y si a ustedes les encantan las películas de acción definitivamente tienen que verla. No es para hacer de esto un anuncio ni nada, pero personalmente siento que In Search Of The Last Action Heroes es en gran medida el mejor documental sobre películas de acción. Al final, In Search Of The Last Action Heroes es una carta de amor al género de acción, a la tiendas de videos y a los cinéfilos. Si son fanáticos del género y les encanta volver a ver y escuchar nuevas historias sobre muchas de estas películas, les recomiendo que la vean.

Puntuación: 5 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 25 De Febrero Del 2020

Knives Out (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la exclusiva de Target que trae un libro)

Color Out Of Space

Frozen II (teniendo 5 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy, la DigiBook exclusiva de Target, la DigiPack exclusiva de Wal-Mart y la Collector's Bundle Edition exclusiva del Disney Movie Club)

Review: Luz

En Alemania, la taxista chilena Luz Carrara (Luana Velis) llega a una desolada estación de policía anticipando algo extraño e incontrolable. De hecho, la mujer blasfema, que aparentemente no habla alemán, está a punto de ser evaluada psicológicamente bajo la atenta supervisión de los policías Bertillon (Nadja Stübiger) y Olarte (Johannes Benecke). Para eso, contratan los servicios del Dr. Rossini (Jan Bluthardt), un psiquiatra e hipnoterapeuta experimentado que tratará de encontrar más sobre el pasado traumático de la mujer. Lo que estos agentes dedicados de la ley no sospechan es que la ex compañera de escuela de Luz, Nora Vanderkurt (Julia Riedler), ya había estado en contacto con el médico imprudente, pasándole un demonio que ha estado poseyendo su cuerpo.

Filmada como un proyecto de tesis por el escritor/director Tilman Singer, Luz se ganó una gran reputación. El hecho de que nunca parecía estar disponible solo aumentó mi curiosidad. Finalmente, tuve la oportunidad de verla y quedé un poco decepcionado. Luz está llena de atmósfera y una cinematografía brillante, pero el guión es en última instancia escaso y confuso por su propio bien. Con un tiempo de duración de 1 hora y 10 minutos, Luz nunca se siente realmente como una película, sino más bien como un experimento. Si bien el elenco relativamente nuevo maneja el material desafiante con confianza y cierta habilidad, queda la cuestión de si valía la pena contar esta historia. La posesión demoníaca es un tema poderoso que se ha presentado de manera mucho más convincente y creativa en todo el género de horror, aunque Tilman Singer debería ser elogiado por evitar la fetichización de un tema en el cual muchos cineastas sucumben al hacer.

La película comienza con la taxista Luz Carrara entrando a una estación de policía vacía. Luego nos dirigimos a un bar donde Nora Vanderkurt está hablando con el Dr. Rossini, el tema es una vieja amiga de Nora, Luz. Sus acciones durante la conversación se asemejan a una escena de seducción de dibujos animados, que termina con un beso muy inusual. Rápidamente encontramos que el Dr. Rossini se dirige a la estación de policía para examinar a Luz. A partir de entonces, la estación de policía se convierte en el sitio de una batalla inusual entre humanos y un demonio enamorado. Para aclarar, Luz no es una película completamente mala. Está bellamente filmada en 16mm y tiene la sensación de una película de Euro Horror de los años 70 con su aspecto y argumento fragmentado. Sin embargo, como muchas de esas películas, también es un gran triunfo de estilo sobre sustancia. La película rebota entre flashbacks y un set muy minimalista donde Luz está bajo hipnosis para intentar desbloquear lo que estaba pasando por su mente cuando saltó de su taxi, desbloqueando muchos otros recuerdos en el proceso. El demonio también puede saltar cuerpos y rápidamente se hace difícil saber qué está pasando.

El uso de una sola ubicación crea una atmósfera no específica pero definitivamente antigua, que se ve saturada por un filtro retro usado en exceso para agregar imperfecciones y rasguños. Lo que bien puede ser una actuación convincente y hábil de parte de Luana Velis está enterrada en una dirección confusa que parece proporcionar más una plataforma para el talento o simplemente mostrar escalofríos. El director Tilman Singer tiene algunas ideas interesantes y ha creado imágenes impactantes y efectivas, pero el guión carece de inteligencia emocional y coherencia, aunque este último parece ser un esfuerzo deliberado para perturbar la estructura de la película. Entre toda la confusión hay una alusión al cristianismo y al fracaso de Dios en la vida de una niña, que se encapsula con el uso repetido de una versión blasfema del Padre Nuestro.

En general, con muy poca sangre y escalofríos y una trama que requiere constante atención debido a una narrativa confusa, Luz pretende ser una película de horror más inteligente que sus contrapartes, pero con tantos elementos comprometidos, todo se convierte en pretensión. Si The Exorcist (1973) tuvo éxito porque la fe era el ingrediente vital en el guión, entonces el despliegue relativamente simplista de religiosidad de Singer es lo que distingue su ambicioso pero en última instancia imperfecto debut. Un poco de incertidumbre es algo bueno en una película como esta, pero estar totalmente confundido la mayor parte del tiempo no lo es. Con frecuencia es imposible saber si estamos viendo el pasado, el presente o el futuro, o si alguien está poseído o no, y el uso constante del blasfemo Padre Nuestro que Luz usa originalmente para convocar al demonio, por inteligente que sea, ayuda a confundir aún más las cosas. Al final, Luz es una hermosa película para ver pero frustrante para seguir. Definitivamente atraerá a aquellos que estén interesados ​​en películas de horror no lineales y no estructuradas. Para otros, es una cuestión de cuánto esfuerzo están dispuestos a poner en ella y cuánto compensa el estilo sobre la sustancia.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Harriet

En una plantación de Maryland, Araminta "Minty" Ross (Cynthia Erivo) vive con su esposo libre, John Tubman (Zackary Momo), y su familia, incluido su también padre libre, Ben Ross (Clarke Peters). Cuando Ben y John le suplican al Maestro Brodess (Mike Marunde) que cumpla con los deseos de su padre muerto de liberar a la esposa de Ben y su descendencia después de cierta edad, Brodess se niega. Minty, que sufre de lo que cree que son visiones divinas, le ruega a Dios que algo maligno le caiga a su maestro. Brodess muere, y su hijo, Gideon (Joe Alwyn), decide vender a Minty. Ella escapa, dejando a John atrás, y encuentra su camino a Philadelphia. Una vez en Pensilvania, Minty se renombra a sí misma como Harriet Tubman y entrena con prominentes abolicionistas como William Still (Leslie Odom Jr.) para convertirse en una valiente conductora del ferrocarril subterráneo. Harriet regresa una y otra vez para rescatar a sus seres queridos y extraños para guiarlos hacia la libertad, todo mientras Gideon Brodess contrata a cazadores de esclavos mercenarios para rastrear y capturar al "Moisés" que está ayudando a los esclavos locales a escapar.

En prácticamente todas las representaciones de la legendaria abolicionista y activista Harriet Tubman, la vemos como una mujer anciana, generalmente sentada en una silla, y no como la poderosa fuerza de la naturaleza que era en vida. Estamos tan acostumbrados a esta interpretación de ella que, cuando se propuso que la pusieran en un billete de $20 dolares, no era Tubman en su mejor momento, sino mucho más después. Harriet, la película biográfica de la directora Kasi Lemmons, ocupa un lugar especial para presentar una versión de Tubman que no hemos visto, elegante y feroz y un poco como una superhéroe. Es lamentable que la película no cumpla con los mismos estándares convencionales, solo para ser rescatada por la actuación de la actriz Cynthia Erivo. Esencialmente una historia de origen, Harriet comienza en la década de 1840 cuando la futura abolicionista era conocida como Araminta "Minty" Ross, y solo otra esclava en una plantación de Maryland dirigida por Gideon
Brodess, que se niega a liberarla como se le prometió anteriormente. Cuando se enfrenta a la separación de su familia y su esposo, Minty decide huir hacia el norte a Philadelphia, un peligroso viaje de 100 millas que se ha convertido en leyenda. Evitando a los cazarrecompensas y los rastreadores de esclavos, muchos de los cuales eran negros que buscaban obtener ganancias, Minty usa su ingenio y un práctico don de visión para llegar a su destino. Allí, se encuentra con William Still, se convierte en líder de su ferrocarril subterráneo, toma el nombre de Harriet Tubman y el resto es historia.

Bueno, no tan rápido. Ese es el comienzo de las cosas que todos podemos encontrar en un libro de historia. La película explora la soledad que conlleva la increíble carga que Harriet se impuso. Al llegar a Philadelphia, Tubman se encuentra en un lugar que nunca podría haber imaginado, uno donde los blancos y los negros viven y trabajan juntos para construir una sociedad mejor. A través de su amistad con la dueña de un negocio, Marie (interpretada por Janelle Monáe), Tubman llega a encontrar su verdadero propósito. También es cuando comienza la soledad, así como el deseo de que sus seres queridos estén en este nuevo mundo. Decidiendo hacer el traicionero viaje de regreso para reunirse con su esposo, se da cuenta de manera poderosa sobre el paso del tiempo. Esto le abre los ojos a la necesidad de rescatar a otros, y en una conmovedora secuencia vemos a Tubman hacer exactamente eso, ganándose el título de "Moisés" que permanecería con ella por el resto de su vida.

Muchas de las cosas de Harriet son por el libro, pero en otras juega adornando y arrojando eventos, llevando toda la película a momentos de discordia. Tubman sufrió de convulsiones como resultado de una lesión en la cabeza en su infancia causada por uno de sus maestros. Desde entonces, dijo que las visiones de Dios la visitarían durante esos momentos en que aparentemente caería inconsciente. Para Kasi Lemmons, esto se interpreta en la pantalla como una especie de "Spidey sense", que la saca de una situación precaria tras otra. Si bien esto es interesante por decirlo así, también le niega a Tubman parte del crédito por sus logros monumentales al atribuirlos a actos de Dios. Además, al optar por un enfoque más suave para el material potencialmente sombrío, Lemmons se mantiene alejada de la brutalidad de la época. En cambio, la violencia infligida por los amos blancos es insinuada o vista en cicatrices y lágrimas. Dejar mucho de eso a la imaginación distingue a Harriet de 12 Years A Slave (2013) o películas similares que están tan inundadas de tortura que apenas puedes soportar verlas.

Como resultado, esta es una película inminentemente más fácil de ver, con Lemmons logrando un equilibrio entre un público complaciente de historia y un docudrama sobrio. La exuberante cinematografía realza aún más a Tubman como una figura mítica, un ícono feminista y de derechos civiles que parecía que podía mover montañas. Pero es Cynthia Erivo quien es la pieza crucial que mantiene todo unido. Ella proporciona la actuación digna que Harriet Tubman merece, expresando una profunda emoción con solo unas pocas palabras. Curiosamente, Harriet da un paso adelante en el momento final, durante una emocionante secuencia de la Guerra Civil en la que conduce a un grupo de soldados negros al campo de batalla. Mientras Lemmons se enfoca en esta mujer de armas tomadas y abrumada en su cruzada para llevar la justicia a un mundo injusto, las cadenas de tantas representaciones familiares en este tipo de película finalmente se rompen. Sin duda, Harriet podría haber hecho más al darle a esta figura más grande que la vida una película que rompiera el molde.

En general, Harriet Tubman era una mujer extremadamente valiente y fuerte que, durante una era tóxica en la historia de los Estados Unidos, arriesgó su propia vida para ayudar a liberar a otros esclavos. Esa es la verdadera Harriet Tubman. La Harriet Tubman de esta película es más parecida a Wonder Woman. En lugar de completar una historia cautivadora con alguna licencia artística, y crear una película interesante, inventan cosas a medida que avanzan y agregan una pizca de la verdad de vez en cuando. Es como si cada película de hoy en día tuviera que tener un elemento del heroísmo de Marvel. Si están interesados en la historia real de esta increíble mujer, lean el libro Harriet Tubman: The Road To Freedom. Al final, Harriet no es una decepción total, pero Tubman merecía algo mejor, mucho mejor, al igual que el público contemporáneo. Realmente no me gusta hablar despectivamente de los trabajos que muestran la historia de los negros en Estados Unidos, ya que estas historias necesitan ser contadas, pero terminé muy desilusionado. La única cualidad redentora de la película es la actuación principal de Cynthia Erivo y la cinematografía. Tal vez fue el hecho de que hicieron a Harriet de 24, 25 años de edad en lugar de una mujer madura? Tal vez fue el diálogo que se escribió un poco moderno para el período de tiempo? Tal vez fueron las inconsistencias de lo que se presentó frente a la realidad? Aunque no trabajo en Hollywood, cuando hay tantos puntos negativos y solo brillan los actores, puede ser culpa del director. En realidad no lo sé. Sin embargo, apoyaría la película porque quiero que Hollywood sepa que necesitamos historias de personas negras que sean escuchadas y vistas. Tal vez si el proyecto de Viola Davis hubiera recibido apoyo, su versión hubiera sido mejor. Ella iba a protagonizar y producir una película biográfica sobre Harriet Tubman para HBO, pero nunca sucedió.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Three Christs

En el verano de 1959, el Dr. Alan Stone (Richard Gere) toma una posición en el Hospital Estatal de Ypsilanti, ingresando a un sistema con reglas definidas cuando se trata de los casos más extremos de enfermedad mental, a menudo restaurando tratamientos de choque eléctrico y lobotomías. Al encontrarse con los pacientes Joseph Cassel (Peter Dinklage), Leon Gabor (Walton Goggins) y Clyde Benson (Bradley Whitford), Stone se enfrenta a tres hombres que creen que son Jesucristo. Interesado en el tratamiento de estos casos especiales, Stone se une a la asistente Becky (Charlotte Hope), una alma perturbada, y se embarca en una odisea de psicoterapia única que examina el comportamiento, la historia personal y el respeto, ofreciendo un enfoque empático para ayudar a estos pacientes. Desafiado por el sistema, incluido el Dr. Orbus (Kevin Pollak), Stone lucha contra el establecimiento para progresar con los tres Cristos, sabiendo que puede aprovechar algo que la barbarie no puede alcanzar. Durante este momento estresante, el médico trata con Becky, que anhela su propia exploración psicológica, y confunde su vida familiar, incapaz de conectarse con su amada esposa, Ruth (Julianna Margulies).

Todo parece un chiste de mal gusto: tres Cristos entran a un hospital psiquiátrico, y cada uno dice ser el verdadero. Pero no hay nada gracioso sobre el drama Three Christs, que se basa en un estudio de la vida real de 1959 sobre tres esquizofrénicos paranoides en Michigan que creían ser Jesucristo. Como uno de los Cristos señala irónicamente cuando lee un artículo sobre el estudio, la idea suena "cómica", pero el director/co-guionista Jon Avnet trata el tema con seriedad, tratando de hacer una declaración sobre el tratamiento de la salud mental en la década de 1950. La película presenta un elenco repleto de estrellas que incluye a Richard Gere, Peter Dinklage, Walton Goggins, Bradley Whitford, Charlotte Hope y Julliana Margulies, y está adaptada del estudio psiquiátrico publicado en 1964 por el Dr. Milton Rokeach, The Three Christs Of Ypsilanti.

La película examina la vida y el impacto de tres pacientes que creen que son Jesucristo. El efecto de la enfermedad mental no está contenido en las esferas personales de las mentes de estos tres hombres, sino que se extiende externamente, influyendo tanto positiva como negativamente en la vida de amigos, familiares y mentores. Por lo tanto, la película es a menudo incómoda e incluso difícil de ver, pero el alma en el centro de la historia hacen que valga la pena verla. Peter Dinklage actúa en el papel de Joseph Cassel, un hombre británico que proviene de un trágico trasfondo de abuso, asumiendo la personalidad de un francés culto y bien educado, que dice ser Jesucristo. Suele aparecer como bastante civilizado y sofisticado, pero muestra erupciones de emoción violentas y defensivas cuando se le lleva demasiado lejos. Walton Goggins interpreta a Leon Gabor, quien también proviene de una familia problemática, y de tener una madre abusiva y religiosamente fanática. Leon es, por mucho, el más agresivo y contencioso de los tres individuos. Finalmente, Bradley Whitford interpreta a Clyde Benson, el más retraído, reservado y callado de los llamados tres Cristos. Lamentablemente, su esposa murió años antes durante un intento de aborto.

Las historias dolorosas de cada individuo, y la naturaleza desgarradora de su estado actual de salud, seguramente les llegará a un nivel íntimo. Las actuaciones de Dinklage, Goggins y Whitford están llenas de autenticidad, forjadas con una gran pasión y llenas de momentos resonantes de intensidad emocional, equilibrados por instancias sutiles de reflexión. El personaje de Richard Gere como el Dr. Alan Stone, quien se basa en el Dr. Milton Rokeach, aboga por un enfoque más personal y humano para el tratamiento de estos pacientes psiquiátricos. En lugar de la terapia de choque eléctrico y otros métodos potencialmente dañinos, Stone pone mucho énfasis en desarrollar relaciones honestas con los pacientes. Esto significa tomar mucho tiempo para simplemente escuchar y hacer un esfuerzo proactivo para comprender la mentalidad de estos tres hombres con problemas al involucrarse directamente en los delirios de estas personas con enfermedades mentales, jugando con sus fantasías con la intención de percibir más claramente sus perspectivas psicológicas. A veces, esto también significa cruzar los límites profesionales e ir en contra de las órdenes directas de los superiores. Esto plantea muchas preguntas interesantes en el transcurso de la película.

Por qué el precio emocional es tan alto para llegar realmente a alguien? Por qué estas prácticas agresivas de tratamiento han sido la norma durante tanto tiempo, y por qué las instituciones mentales son tan reacias a intentar algo progresivo, como las rutas recomendadas por Stone? Por qué sus procedimientos, aunque poco convencionales, deben considerarse tan radicales, en comparación con los avances más invasivos de la terapia de choque eléctrico y la lobotomía? Estas preguntas se hacen de manera cruda, expuesta y desafiante, lo cual es necesario para su impacto. Teniendo en cuenta ahora la atmósfera extremadamente tensa e incómoda creada por la película, los colores atenuados y el blanco vacío y estéril del centro psiquiátrico pone a uno como espectador al límite. La volatilidad de cualquier momento dado es tangible, y la claustrofobia también afectan. La construcción del vocabulario visual de la película se maneja con cuidadosa atención a los detalles y muestra un objetivo intencional de impactar al espectador.

Si bien la película prospera con un enfoque en las interacciones del Dr. Stone con los tres pacientes, desafortunadamente no se puede descifrar el código cuando se trata de la vida de Stone fuera del hospital. Su esposa, Ruth, es presentada como una figura extraña dentro de la historia. Está implícito que ella lucha con el alcoholismo, y también proyecta celos mientras su esposo trabaja en el caso con una bella y joven asistente, Becky. Toda la trama paralela de la relación del Dr. Stone con Becky, y la reacción de su esposa, se siente forzada y desequilibrada con el resto de la historia. Ruth misma fue asistente de Stone años antes, lo que llevó a que se enamoraran y eventualmente se casaran. Ruth teme que su esposo la deje a un lado por Becky. Este punto de la trama tuvo muy poco efecto sobre los temas y mensajes generales de la película, que se representaron de manera mucho más eficiente cuando el foco de atención se centró en el Dr. Stone y los tres Cristos. A medida que Stone continúa conectándose en un nivel más profundo con Joseph, Leon y Clyde, también aprende más sobre sí mismo. Como un hombre no religioso, enfrentar un caso con tres hombres que creen que son Jesús es una situación particularmente complicada. Ver a Stone lidiar con este desafío fue bastante fascinante. Su corazón se conmovió en muchas ocasiones por la fuerte voluntad y la fortaleza de estos hombres. Esto no quiere decir que él mismo se hizo religioso, sino que llegó a aceptar la finalidad de las circunstancias y la realidad de que estos hombres nunca podrían ser "curados".

En general, para citar las palabras de la vida real del Dr. Milton Rokeach (y que también aparecen al final de la película), “Aunque no pude curar a los tres Cristos de sus delirios divinos, ellos lograron curarme a mi de los míos". Esta declaración muestra una gran cantidad de humildad y honestidad, y ciertamente ejemplifica su personalidad y su perspectiva general sobre este tema muy humano. Incluso con una falta ocasional en los aspectos e ideas fundamentales de la historia, la película en última instancia, hace un buen trabajo al meditar sobre el deterioro de la enfermedad mental y la yuxtaposición del poder positivo de la humanidad que brilla en la oscuridad. Si bien ciertamente no es una película relajante y tranquila, sin duda abrirá los ojos y las mentes de las personas receptivas. Al final, Three Christs trata sobre el cerebro y sus luchas, pero lo hace con un gran corazón. Es divertida y conmovedora con un buen equilibrio, y las actuaciones son espectaculares. Los temas ocultos sobre la psiquiatría como ciencia y su posible efecto negativo sobre la personalidad, la naturaleza de la identidad y el miedo están habitando la película y son tan relevantes hoy como lo fueron en ese momento. En resumen, es una muy buena película con una capa mucho más profunda.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Birds Of Prey (And The Fantabulous Emancipation Of One Harley Quinn)

Entendiendo que su vida está mejor sin su amado Joker a su lado, Harley Quinn (Margot Robbie) elige seguir su propio camino, rompiendo con el Príncipe Payaso del Crimen y destruyendo Ace Chemicals, su nido de amor especial. Ahora sola, Quinn entra en contacto con problemas cuando el dueño de un club, Roman Sionis (Ewan McGregor) está buscando recuperar un diamante especial que vale una fortuna, enviando a su secuaz Victor Szasz (Chris Messina) y a la cantante/chofer Dinah Lance (Jurnee Smollet-Bell) para recoger la joya y devolverla al gangster de Gotham City. Cometiendo un gran error está la ladrona Cassandra Cain (Ella Jay Basco), quien se roba el diamante y se lo traga, convirtiéndola en el foco de una cacería en toda la ciudad. En la mezcla para recaudar dinero de la recompensa está Quinn, quien también está siendo perseguida por la detective Renee Montoya (Rosie Pérez), y seguida por Huntress (Mary Elizabeth Winstead), quien busca su propia venganza por crímenes cometidos contra su familia.

Durante cierto tiempo hubo un momento en que el Universo de DC fue criticado porque la mayoría de sus películas fueron dirigidas por Zack Snyder, quien decidió que el estilo sobre la sustancia era lo más crucial para hacer películas de superhéroes. Luego, llegó David Ayer con un conjunto de los mejores trailers de películas jamás creados, pero el resultado de la película antihéroe, Suicide Squad fue, en el mejor de los casos, una película algo mediocre. Ahora, después de Aquaman (2018), Shazam! (2019), y la obra maestra Joker (2019), DC nos presenta Birds Of Prey (And The Fantabulous Emancipation Of One Harley Quinn), la cuarta película de DC Films que demuestra que han cambiado su juego al encontrar directores adecuados para sus películas y que se están poniendo al día para competir con el Universo de Marvel.

Ahora, es Birds Of Prey una película de superhéroes? Esta no es una película de superhéroes ordinaria, tiene muy poco en común con todo lo que hemos visto del Universo de DC y eso es parte de lo que la hace buena. Con un toque de neón ridículamente desquiciado, mucha acción y el "girl power" hacen de esta una de las películas de comics más agradables de la memoria reciente. Margot Robbie vuelve al maquillaje de payaso y a la moda en colores pastel de Harley Quinn, el personaje principal de Suicide Squad (2016). La amante del Joker, acribillada por ADD, ya no es su principal amor (la versión del villano de Jared Leto apenas se ve, pero a menudo se le hace referencia), y el hecho de estar sola la ha hecho más errática. Esto se desarrolla en una narración que rompe la cuarta pared, es escandalosa, salta en el tiempo, y es a la vez entretenida y pone a prueba la paciencia de uno.

Aceleramos a través de su historia de origen usando una combinación de live action y animación, terminando con ella básicamente siendo arrojada a la calle. Ella maneja la ruptura como lo haría cualquier persona normal, con muchas lágrimas, un nuevo corte de pelo, comiendo hasta quedar en coma, y comprando una hiena de mascota. También se mete en muchos problemas, porque ahora que el Joker ya no la protege, es la temporada de cacería de Harley Quinn, y ha acumulado una larga fila de enemigos. Es un punto ingenioso que Harley Quinn estuviera tan acostumbrada a estar bajo la protección del Joker ya que nunca tuvo que pensar en las consecuencias de sus acciones. "Una Harley Quinn está destinada a servir", dice Harley mientras le llora sombríamente a Dinah Lance, alias Black Canary, en el club nocturno del jefe del crimen Roman Sionis, también conocido como Black Mask. Pero quién es Harley Quinn sin un amo?

Ella simplemente está loca y sin ninguna barrera de protección. Con la dirección de Cathy Yan todo se eleva de manera apropiada para que coincida con su psique rota. Hay una trama que involucra un invaluable diamante de una familia muerta de la mafia, que es robada por la adolescente Cassandra Cain, quien está siendo protegida por la policía Renee Montoya, que solicita ayuda a Black Canary, solo para enfrentarse a la vengativa asesina Huntress. Estas chicas vigilantes deben unirse para evitar que Black Mask y su matón Victor Szasz pongan sus manos sobre Cassandra. No hay escasez de hombres tóxicos para que estas chicas peleen, y cuanto más salvaje se pone, mejor. En una secuencia Terminator-esca, Harley Quinn dispara a una estación de policía con una pistola llena de colores en polvo y confetti, y otra secuencia de persecución nos muestra a Harley intentando desesperadamente salvar la única cosa en la vida por la que todavía  se preocupa... un sandwich de tocineta, huevo y queso.

En momentos más tranquilos, Harley Quinn reflexiona sobre su necesidad de liberarse de las relaciones abusivas que la han definido (de ahí el subtítulo "Fantabulous Emancipation" de la película), pero sería demasiado decir que estos tiempos son especialmente profundos. Son suficientes para darle a la talentosa Robbie un poco más que hacer que golpear cráneos con un mazo gigante y hacer bromas. Robbie está totalmente en sintonía con este personaje, y en dos películas ha elevado este personaje de una acompañante colorida a una figura de empoderamiento femenino con una inclinación por romper piernas. Los contrastes dentro de Harley, que es una villana maníaca que busca ayudar a una adolescente en peligro, refleja los conflictos dentro de todas estas mujeres. Cada una de ellas debe convertirse en algo nuevo, abrazando una parte diferente de sí mismas para tener alguna esperanza de que trabajen juntas y sobrevivan. El tema de evolucionar más allá de los traumas pasados ​​es común entre los personajes masculinos de superhéroes (hola Batman!), y es refrescante verlo en una película con algunas de las mejores heroínas de DC Comics.

Ahora, hablemos de Margot Robbie y Mary Elizabeth Winstead. Estas dos realmente van más allá para sumergirse en sus personajes de la manera más singular posible. Margot Robbie debería recibir una ovación como Harley Quinn después de Suicide Squad. Ella evita que nadie robe su foco de atención. Si ella y el Joker de Joaquin Phoenix se ven atrapados en una historia de amor, será la mejor película romántica de la década, ya que tienen una complejidad y diferentes tipos de personalidades trastornadas que defienden. Mary Elizabeth Winstead como Huntress emite una brisa cálida de aura de la que es difícil alejarse. Su carismática energía sexual capta la atención de uno como un tiro al blanco. Jurnee Smollet-Bell como Black Canary es genial, pero no tan buena como Robbie y Winstead. Ella Jay Basco como Cassandra Cain parece ser traviesa, pero su personaje solo sigue más o menos a dónde la llevan los personajes principales.

Impulsada por un soundtrack de éxitos de rock como Barracuda de Heart, I Hate Myself For Loving You de Joan Jett And The Blackhearts, Black Betty de Ram Jam e incluso I'm Gonna Love You Just A Little More Baby de Barry White, Birds Of Prey es innegablemente ruidosa y superficialmente elegante, recordando los primeros trabajos de Tarantino o sus imitadores. Hay una secuencia de video musical aleatoria de Marilyn Monroe que se siente arrancada de una película diferente, pero saben qué, funciona. La directora Cathy Yan arroja todo contra la pared para ver qué salpica y se pega, y casi todo lo hace. Si vas a hacer una película con la personalidad fracturada de Harley Quinn, así es como lo haces. Eso incluye escenas de acción y muchas peleas elegantes al estilo de John Wick (la trama también es bastante similar) elevadas a los niveles de Deadpool con comedia inapropiada. La violencia es brutal, sádica y tiene un tono general parecido a los dibujos animados.

En general, como un spin-off de Suicide Squad, hay similitudes estilísticas en actitud y atmósfera, pero Birds Of Prey acepta su locura y no deja nada al azar. Si bien no todo se combina perfectamente, vale la pena emancipar la película de los límites de un género cansado. El problema más detectable con esta película es que pasa tanto tiempo en el desarrollo de personajes que olvida que puede entusiasmar a la audiencia con un paquete combinado. Debido a esto, la relación entre los miembros de Birds Of Prey es muy sombría y deja un sentimiento insatisfecho al final. Al igual que de alguna manera se ven obligadas exponencialmente a conocerse y trabajar entre ellas. Sin embargo, y a pesar de esos detalles, es una buena adición al Universo Expandido de DC. Al final, Birds Of Prey (And The Fantabulous Emancipation Of One Harley Quinn) es imaginativa y oscuramente extravagante. Demuestra que el regreso de DC es posible, adaptando muchos personajes a la pantalla grande como una señal para nivelarse con el colosal Marvel Studios. Nota adicional: hay una escena más durante los créditos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Sonic The Hedgehog

Sonic (voz de Ben Schwartz) es un erizo de tierra que ya no puede permanecer en su isla, ya que su don de velocidad es deseado por muchos enemigos. Otorgado con una bolsa de anillos de oro para ayudarlo a viajar a través de las dimensiones por su guardián búho, Longclaw, Sonic se abre paso rápidamente a la Tierra, haciendo un hogar para él en Green Hills, Montana. Al sentirse solo, Sonic observa en secreto a los ciudadanos de Green Hills continuar con sus vidas, incluido el sheriff Tom Wachowski (James Marsden), que vive feliz con su esposa, la veterinaria Maddie (Tike Sumpter). En un ataque de frustración, Sonic alcanza una velocidad recién descubierta que crea una ola de energía y que atrae la atención del gobierno de los Estados Unidos, lo que hace que envíen al Dr. Ivo Robotnik (Jim Carrey) y su flota de drones para investigar la posibilidad de vida extraterrestre. Entrando en pánico, Sonic pierde sus anillos, dejándolos caer a través de un portal a San Francisco, obligandolo a acudir a Tom en busca de ayuda. Al darse cuenta de los malvados planes del Dr. Robotnik para Sonic, Tom decide ayudar al veloz erizo de tierra con su misión, comenzando una persecución que durará desde Montana hasta San Francisco.

Sonic The Hedgehog es una película basada en la serie de videojuegos de la compañía SEGA del mismo nombre. Protagonizada por James Marsden y Jim Carrey, es una película de comedia, acción y aventura que se mueve rápidamente (obviamente), y que debería entretener al público normal y mantener satisfechos a los fanáticos de la serie original. En el pequeño pueblo de Green Hills, Montana, un erizo de tierra antropomórfico azul llamado Sonic vive escondido después de ser expulsado de su isla debido a sus poderes de súper velocidad. Después de causar un apagón accidental en toda el área, Sonic atrae la atención del Dr. Ivo Robotnik, un genio malvado y excéntrico a quien el gobierno ha contratado para rastrear a Sonic con fines experimentales. Ahora huyendo una vez más, Sonic solicita la ayuda del oficial de policía local Tom Wachowski para ayudarlo a evitar su captura y, con suerte, hacer un nuevo amigo en el proceso.

Si no eres un fanático incondicional de la serie de videojuegos, Sonic The Hedgehog ofrece una buena cantidad de acción divertida y humor peculiar para atraer incluso al más casual de los cinéfilos. Yo mismo de niño prefería jugar Nintendo mientras crecía, escogiendo al fontanero italiano en lugar del erizo de tierra azul, pero SEGA y su personaje principal siempre tuvieron mi respeto por ser rivales dignos durante la guerra de videojuegos de la década de los años 90, y lo mismo puede ser dicho de esto. De hecho, esta película reconoce fuertemente las raíces de Sonic en la década de los 90, desde su amor por los chili dogs hasta escuchar música en un boombox. Por supuesto, hay algunas referencias a las tendencias modernas, pero se mantienen al mínimo para que la película transcurra de mejor manera.

Jeff Fowler, quien hace su debut como director para una película, hace un buen trabajo haciendo malabares al contar una historia mostrando algunos efectos especiales sólidos en el camino, especialmente en el propio Sonic. Ahora... es muy bien conocido que el diseño original de Sonic para esta película fue odiado grandemente por el público en general, por lo que se decidió que su aspecto cambiaría. Esto funcionó bien a favor de la película, ya que no solo se parece al personaje del videojuego, sino que incluso se siente más integrado de forma natural en el mundo real. Observamos cómo Sonic se precipita causando travesuras y escapando del peligro a través de diferentes entornos, como la gran ciudad o un campo tranquilo, obteniendo placer en el camino. Esto conduce a algunos momentos divertidos al estilo de Quicksilver/Deadpool que proporcionan un gran alivio cómico durante varias escenas de acción.

El comediante Ben Schwartz fue una gran elección para proporcionar la voz y el motion capture del propio Sonic, emanando la actitud arrogante característica del personaje y al mismo tiempo mostrando su soledad y anhelo de una verdadera amistad. Esto, a su vez, lo hace más identificable con el público y hace que tenga más rasgos humanos que algunos de los mismos personajes de la película. James Marsden también da una actuación agradable como Tom Wachowski (también conocido como Donut Lord), teniendo su parte justa de momentos divertidos. Sin embargo, es Jim Carrey quien se roba el espectáculo como el Dr. Ivo Robotnik. No estoy seguro de si estaba viendo cuán perfectamente adaptado estaba el personaje a sus talentos cómicos o si era simplemente lo nostálgico de verlo actuar como él solía hacerlo en los años 90 nuevamente, pero prácticamente todo lo que dijo e hizo me mantuvo riendo durante gran parte de la película. Espero que veamos más de Carrey y el personaje del Dr. Robotnik (o Dr. Eggman) en el futuro cercano, lo que, según he leído, ha expresado interés en hacer.

En general, a pesar de que la película no es innovadora de ninguna manera, ofrece gran entretenimiento gracias a que respeta el material de origen, y definitivamente parece más a cómo se deben manejar las películas de videojuegos para la pantalla grande. Ciertamente, existe la posibilidad de que otras franquicias de videojuegos adapten un estilo similar en sus películas y sea el principio de que la "maldición de las películas de videojuegos" se desvanezca por completo. Al final, Sonic The Hedgehog es una de esas películas que toda la familia disfrutará. No ganará ningún premio, pero es completamente agradable y se mezcla con acción, valores familiares y tiene un mensaje. El mensaje de esta película es que los amigos en nuestras vidas nos traen la mayor alegría y son la familia que elegimos. Otro mensaje es que los humanos siempre serán más importantes que la tecnología. El Dr. Ivo Robotnik sigue tratando de hacer que la tecnología sea más poderosa que los humanos, pero Sonic y todos los otros personajes prueban que nuestra vida y las conexiones simples son lo que realmente importan. Nota adicional: hay dos escenas más durante los créditos que deberían entusiasmar a los fanáticos de la serie de videojuegos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 18 De Febrero Del 2020

A Beautiful Day In The Neighborhood

Jojo Rabbit

Midway (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y otra SteelBook exclusiva de Target)

21 Bridges

We - Uncut Director's Edition

The Twilight Zone: Season One

Textless De La Semana

Sonic The Hedgehog

Textless De La Semana

Birds Of Prey (And The Fantabulous Emancipation Of One Harley Quinn)

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 11 De Febrero Del 2020

Ford V Ferrari (teniendo 3 versiones: la regular, la SteelBook exclusiva de Best Buy y la DigiBook exclusiva de Target)

Swamp Thing: The Complete Series

Roma - Criterion Collection

Review: Jay And Silent Bob Reboot

Después de su arresto por operar una tienda ilegal de marihuana disfrazada de restaurante, Jay (Jason Mewes) y Silent Bob (Kevin Smith) accidentalmente firman los derechos para un reboot de la película de Bluntman And Chronic. Furiosos, la pareja decide ir a Hollywood para interrumpir la producción de la película dirigida por Kevin Smith. Al cruzar Estados Unidos, Jay se reúne con Justice (Shannon Elizabeth), su antiguo amor, y esta le revela que tiene una hija, Millennium Faulken (Harley Quinn Smith), que secretamente quiere ir a Hollywood con sus amigas culturalmente diversas, Soapy (Treshelle Edmond), Jihad (Aparna Brielle) y Shan Yu (Alice Wen). Temeroso de revelar su paternidad, Jay guarda su secreto, permitiendo que las adolescentes rudas los acompañen. Su plan implica la infiltración del popular Chronic-Con, trabajando para interrumpir a Kevin Smith mientras filma su explosivo clímax para la película de Bluntman V. Chronic.

Si eres un fanático del cine, entonces sabes de Kevin Smith. Puede que sea uno de los geeks más grandes de Hollywood, pero también es un escritor excepcional que logró capturar la voz de la Generación X en la década de 1990 con películas como Clerks (1994), Mallrats (1995) y Chasing Amy (1997). Lo interesante es que no solo estaban todas esas películas en el mismo universo, sino que los personajes que las unían eran los narcotraficantes Jay y Silent Bob. El dúo de comedia no solo estuvo junto a los personajes principales, sino que también impulsaron las narrativas, así fuera ayudando a Jason Lee en Mallrats o Silent Bob transmitiendo su historia de amor en Chasing Amy a Ben Afleck. Finalmente obtuvieron su propia película en Jay And Silent Bob Strike Back (2001). La película puede haber sido sobre ellos tratando de evitar que Hollywood hiciera una película sobre los personajes de Bluntman And Chronic, pero también fue sobre los derechos de los fanáticos y el venderse a la industria cinematográfica más grande. Es justo decir que esa película se adelantó a su tiempo antes de que las redes sociales convirtieran el Internet en un espacio de debate. Dado que Kevin Smith generalmente está delante de todo, es agradable verlo regresar a los personajes de Jay y Silent Bob para ver las tendencias más actuales en la industria.

De manera obvia, Jay y Silent Bob son arrestados después de ser sorprendidos cultivando su propia marihuana. Se las arreglan para que se retire el caso en la corte, pero el mismo abogado que los defendió también los hace firmar un contrato que otorga su imagen y derechos sobre sus nombres a una compañía que está produciendo un reboot de su película Bluntman And Chronic que se hizo antes en Jay And Silent Bob Strike Back. Después de que comprenden lo que es un reboot (explicado de una manera muy original y cómica), prometen llegar a Hollywood para evitar que se haga la película y así poder recuperar sus nombres. En el camino, Jay se encuentra con su antigua novia Justice, quien revela que tiene una hija, Millennium Faulken. Él promete no revelar el secreto de que es su padre, pero cuando Millennium se entera de que los dos irán a Hollywood para el Chronic-Con, los obliga a llevarla a ella y a sus amigas también. Mientras viajan a Hollywood, Jay comienza a comprender lo que se necesita para ser padre, mientras que Millennium tiene sus propios sueños con el reboot de Bluntman And Chronic.

En cuanto a una secuela, puedo decir que Jay And Silent Bob Reboot no decepciona. Cuando se lee la trama, se parece mucho a la vieja película y al mismo tipo de misión que tenían. Sucede que Kevin Smith hizo esto, lo que eso significa es que la película es muy consciente de las cosas que se repiten. No solo guiñan un ojo y miran directo a la cámara (lo que sucede literalmente un par de veces), sino que todo se suma al tema de crecer como lo han hecho las otras películas de la productora View Askew. También sucede que los personajes son mayores ahora. En las películas de Kevin Smith, debido a que Jay y Silent Bob son los favoritos para el elemento de la comedia, no han necesitado mucho desarrollo. Esta vez, Jay atraviesa un interesante desarrollo, no solo sobre lo que es importante para su hija, sino también para descubrir quién se supone que es. No puedo llamarlo una exploración profunda, pero aún así se hace de una manera divertida e incluso conmovedora. El otro personaje que atraviesa un desarrollo es Harley Quinn Smith como Millennium Faulken, quien puede representar el tipo de fanáticos a los que actualmente atrae la industria del cine, pero también representa el tipo de mujeres fuertes y determinadas que Smith solía escribir. Es una mirada fascinante a diferentes puntos de vista generacionales.

Ahora... esto hace que la película sea mejor que la anterior? Yo diría que la película tiene dos fallas. Una es que, aunque puede ser divertido tener muchas celebridades como Fred Armisen, Ben Affleck, Matt Damon, Chris Hemsworth, Melissa Benoist, Val Kilmer, Jason Biggs, Rosario Dawson, Shannon Elizabeth, el luchador de AEW y ex WWE/WCW Chris Jericho, Justin Long, Tommy Chong, James Van Der Beek, Molly Shannon y Jason Lee, diría que quizás algunos de ellos contribuyen a la trama, mientras que otros se sienten añadidos de forma obligatoria. Mi otro problema es que el clímax dura un poco más de lo necesario. Probablemente es algo bueno que la película termine abruptamente (de una manera divertida que no voy a estropear). La película también fue un gran paseo por el camino de los recuerdos con grandes momentos geek de las películas anteriores de Kevin Smith y homenajes/menciones/burlas a películas del Marvel Universe, DC Universe, Star Wars, Mighty Morphin Power Rangers, Silence Of The Lambs, Fletch, entre otras y programas populares de televisión como Law And Order, True Blood, The Walking Dead, Game Of Thrones, entre otros.

En general, esta película no trae nada nuevo o innovador, es lo que los fanáticos de Kevin Smith y el universo View Askew han llegado a amar y esperar, y no hay nada de malo en eso. Es una película hecha por un fanático autoproclamado, y para los fanáticos, mientras que es un reboot y una secuela dentro de un universo clásico de culto, y uno que agrega más que suficiente para ser digno de su lugar en este panteón de películas. Kevin Smith ha escrito lo que claramente es la película más cercana a su corazón, y no podría estar más feliz con el resultado. Ah, y Smith le rinde un homenaje muy dulce a Stan Lee y una agradable mención a Marvel, algo de lo que es un admirador notable, con su propia escena entre los créditos. Felicitaciones a Kevin Smith en su capacidad de ser divertido para aquellos que no están muy familiarizados con este universo, y por el cierre perfecto para los personajes de Jay y Silent Bob para sus fanáticos de toda la vida. Al final, Jay And Silent Bob Reboot es una película hecha para los fanáticos de Kevin Smith y para aquellos a quienes les gusta reírse de la industria del cine en general. Si no eres un fanático de las películas de Kevin Smith, entonces esta película no es para ti. Si lo eres... disfruta del espectaculo.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Little Women

Viviendo con su madre, Marmie (Laura Dern), las hermanas March experimentan un vínculo estrecho mientras su padre (Bob Odenkirk) está lidiando con la Guerra Civil. Jo (Saoirse Ronan) es una fuerza de la naturaleza que apenas contiene un espíritu salvaje de pura creatividad, poniendo su imaginación en papel con la esperanza de convertirse en escritora. Meg (Emma Watson) es la mayor, preocupada por el camino hacia el matrimonio que se espera de ella, con la esperanza de encontrar el amor verdadero. Beth (Eliza Scanlen) es un alma mansa con un don musical que elige mantenerse alejada de la vida social de sus hermanas. Y Amy (Florence Pugh) es la más joven, desesperada por unirse a la madurez que otros están experimentando. Su vecino, Laurie (Timothée Chalamet), es un joven solitario que aprecia a las hermanas March, con un especial interés en Jo. A lo largo de los años, las hermanas experimentan muchos cambios, con Laurie estando dentro y fuera de sus experiencias a medida que cada una se esfuerza por darle sentido a sus vidas, obligadas a ir por caminos separados.

Siendo visualmente elegante de principio a fin, y respaldada por una apasionada narración, Little Women es una película completamente agradable y, en última instancia, cautivadora. Sin embargo, el viaje para llegar al final es bastante arduo, ya que tiene una estructura narrativa casual y a menudo incoherente durante la mayor parte de su tiempo de duración. Además, la película nunca logra atrapar a uno con tanta fuerza como se espera. Pero antes de entrar en esos detalles, quiero comenzar con algunas de las cosas que funcionan durante toda la película, principalmente, las actuaciones. Con un elenco de grandes nombres, no hay escasez de talento en Little Women, y ese talento brilla durante toda la película.

Saoirse Ronan es adorable en el papel principal, ya que exige respeto por la impresionante determinación y fervor de su personaje por la vida y por sí misma, y ​​por presentar la inocencia y la inseguridad al hacerla parecer como cualquier otra joven adulta que lucha por encontrar realmente su lugar en el mundo. Emma Watson, Florence Pugh y Eliza Scanlen también son muy buenas como sus hermanas. Cada una aporta características únicas y memorables con un estilo genuino y agradable. El guión no define las individualidades y peculiaridades de las cuatro hermanas, pero gracias a las excelentes actuaciones, es fácil ver quiénes son realmente los personajes principales de la película. Con una serie de excelentes actores de apoyo como Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep y muchos otros, es difícil no dejarse envolver por el carisma y corazón de Little Women, y más aún cuando todo se entrega con una pasión tan clara por parte de la directora Greta Gerwig.

Si bien tiene una conciencia moderna, Gerwig le da a la película la sensación de un buen drama de época, evitando seguir las tendencias actuales al incorporar temas oscuros y vulgares a la mezcla, y en su lugar creando una película visualmente hermosa con un maravilloso corazón palpitante. Esto puede parecer un poco simple y débil en comparación con lo que estamos acostumbrados hoy en día, y no tiene el poder de las películas del género del pasado (es decir, Gone With The Wind), pero no se puede negar que Little Women es un vistazo completamente agradable de principio a fin. No obstante, y a pesar de lo agradablemente carismática y llena de corazón que es la película, sufre durante la mayor parte de su tiempo de duración debido a un guión confuso y una estructura narrativa frustrante.

En esencia, la historia es muy simple. Es la vida de cuatro mujeres a medida que crecen y llegan a la mayoría de edad. Por supuesto, hay mucho más debajo de la superficie, y la película, de hecho, hace un mejor trabajo al contar historias más profundas que la trama principal, pero cuando se trata de esas historias de la mayoría de edad, la película resulta ser desastrosamente desordenada. Siguiendo una estructura moderadamente no lineal que se alterna entre las vidas de las niñas en la época de la Guerra Civil y posteriormente, la película tiene como objetivo mostrar la naturaleza fugaz de la infancia y el paso natural del tiempo a medida que las mujeres crecen. Sin embargo, el problema es que la película se mueve entre los dos períodos de tiempo de manera tan rápida que es muy fácil perderse. En el acto final me preguntaba constantemente qué rayos estaba viendo.

Eso es en parte sintomático ya que no se realiza el trabajo suficiente para diferenciar visualmente los períodos de tiempo, solo aparecen un montón de peinados diferentes, pero también es el resultado de la incapacidad del guión para reunir temas que cubran ambos períodos de tiempo de manera efectiva. La historia analiza la adolescencia, la edad adulta, la independencia personal, el amor y todo lo demás, y hay absolutamente una serie de vínculos entre los períodos que viven las mujeres. No obstante, la película no logra exponer su historia en un orden coherente y temático, sino que cuenta historias muy diferentes al mismo tiempo y nunca hace lo suficiente para que se conecten entre sí. Es solo en el acto final que las cosas comienzan a encajar, y con un final encantador e innovador, el carisma y el fervor de la película brillan una vez más, pero todo llega después de dos horas de drama innecesariamente confuso y complicado.

En general, al moverse a un ritmo extrañamente frenético y nunca dar un paso atrás para dejarnos saber dónde están todos los personajes en sus vidas, la película hace que uno se pierda fácilmente y es mucho más difícil encontrar el camino de regreso. Con imágenes magníficas, una dirección apasionada y actuaciones encantadoras en todos los ámbitos, es difícil que no les guste, pero su estructura confusa y desordenada funciona en su contra de manera significativa, lo que lleva a un punto de frustración y confusión en todo momento. Al final, Little Women es visualmente hermosa y llena de pasión, pero obstaculizada por una estructura desordenada. Esta historia se ha contado antes de muchas formas diferentes y tener actrices de renombre no hizo que esta fuera muy diferente. Hay algunos momentos bellamente conmovedores que se manchan debido a la falta de consistencia y la narración casual. Podría haber sido algo espectacular, pero en cambio termina siendo algo justo por encima de lo promedio gracias a los maravillosos trajes, la cinematografía y las actuaciones.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Just Mercy

En 1987, el residente de Alabama Walter McMillian (Jamie Foxx) es arrestado por la policía y acusado del asesinato de una mujer blanca. Walter afirma su inocencia, pero la ley lo condena enviandolo a death row, donde se une a Herbert (Rob Morgan) y Anthony (O'Shea Jackson Jr.) mientras esperan su fecha de ejecución. Dos años después, Bryan Stevenson (Michael B. Jordan) se muda de Delaware a Alabama para establecer la Iniciativa de Justicia Equitativa, una organización sin fines de lucro que ofrece representación legal a prisioneros acusados ​​injustamente que no pueden cubrir los costos. Junto a su colega Eva Ansley (Brie Larson), Bryan es presentado rápidamente a los caminos de la justicia de Alabama, reuniéndose con Walter, quien no cree que nadie pueda ayudarlo. Al estudiar la evidencia y las inconsistencias legales, Bryan comienza a comprender un patrón de corrupción que condujo al arresto de Walter, desafiando a los líderes locales, como el fiscal de distrito Tommy Chapman (Rafe Spall), sobre los hechos del caso, brindando esperanza a Walter y a sus seres queridos de que la libertad puede ser una posibilidad después de años de estar esperando para morir.

A veces una película es solo una película. Uno se entretiene, se emociona y se divierte. Pero a veces una película puede ser tan real que te encuentras dentro de ella, junto a los personajes, preguntándote si tus propias acciones ayudarán a garantizar el triunfo del bien sobre el mal. Me encontré en un lugar así con esta película. Casi todos los años parece haber una película sobre problemas raciales y/o opresión. Estas películas son efectivas en diversos grados, algunas son acusadas de ser manipuladoras a nivel emocional e impulsadas por estereotipos, otras son silenciosamente brillantes. Ahora tenemos Just Mercy, una película que impulsa la narrativa negro contra blanco y una sobre el racismo sistémico, respaldada por actuaciones poderosas pero sutiles y una dirección efectiva. Walter McMillian está conduciendo a casa desde el trabajo en una vieja carretera de Alabama cuando es arrestado por el asesinato de Ronda Morrison, una mujer blanca de 18 años. A pesar de sus súplicas de que es inocente, Walter, llamado Johnny D., es sentenciado muy rápidamente a death row. La película comienza dos años después de que el abogado Bryan Stevenson se muda a Monroeville, Alabama (irónicamente el hogar de Harper Lee, autor de To Kill A Mockingbird) para abrir la Iniciativa de Justicia Equitativa (EPI), una firma de abogados dedicada a la representación de presos condenados a muerte.

Mientras Bryan intenta acostumbrarse a la vida rural de Alabama con la ayuda de una mujer blanca y la gerente de la oficina de EPI, Eva Ansley, Bryan se encuentra con el caso de Johnny D. y encuentra una revelación sorprendente. El criminal Ralph Myers (interpretado por Tim Blake Nelson) cuyo testimonio es la única razón por la que Johnny D. está implicado en el crimen, se contradijo en el juicio y recibió una sentencia reducida. Mientras Bryan corre por las zonas rurales de Alabama en busca de la verdad, surgen más preguntas sobre como el sistema judicial le falló a Johnny D. y cuántos harán lo que sea para mantenerlo en death row, incluido un fiscal de distrito cobarde y un sheriff manipulador y intolerante. Basada en hechos reales y en el libro de Bryan Stevenson Just Mercy: A Story Of Justice And Redemption, la película revela los horrores de estar en death row y un sistema de justicia corrupto, envuelto en una narrativa emocional y poderosa, pero a veces demasiado predecible.

Al proporcionar sensibilidad y una fuerza silenciosa, la dirección sutil del director y co-guionista Destin Daniel Cretton no explota el tema en su totalidad. La película no se siente emocionalmente manipuladora, eso es en parte porque Cretton se mantiene alejado de las convenciones del género, usa noticieros para impulsar el drama y dar a los personajes espacio para respirar. El guión se siente demasiado dulce a veces y ciertas líneas, especialmente las que habla un individuo racista, parecen un poco cliché. Mientras Michael B. Jordan ofrece una presencia fuerte y estable como un joven abogado que se enfrenta al establecimiento racista, Jamie Foxx es quien se roba el espectaculo como Johnny D. Él trae desilusión y una tranquila esperanza a la vanguardia de su desgarradora actuación. Aunque a Brie Larson no se le da demasiado para hacer, interpreta una fuerza calmada y determinada que proporciona alivio cómico según sea necesario. Aún así, y teniendo un papel secundario, ella es el ancla emocional de la película, a pesar del poco tiempo que pasa en pantalla. Tim Blake Nelson y O’Shea Jackson Jr. también brillan en sus breves papeles secundarios.

En general, esta no es la típica película racial a la que todos estamos acostumbrados. No hay un personaje blanco que aprenda el error de sus formas ignorantemente racistas. Solo encontramos un guardia de prisión blanco que emprende este viaje, pero debido a que él no es el foco de la película, se da cuenta de cómo el racismo sistémico dentro del sistema penitenciario afecta predominantemente a las personas negras. Al sacar el elemento y los sentimientos blancos de la redención, la película arroja una luz sobre las instituciones penitenciarias y cómo han establecido un fracaso demográfico completo de personas. Al final, Just Mercy es una narración emocional que concientiza sobre la pena de muerte, el prejuicio racial y las condenas injustas. Esta película sin duda los arrastrará a las profundidades de sus emociones, ya que hay que prepararse mentalmente para el costo emocional que su psique tendrá, ya que asalta y prueba sin piedad su resistencia emocional. Los llevará al límite, y a algunos los llevará más allá de ese límite. Todo esto puede sonar como una advertencia y lo es hasta cierto punto. No es una advertencia para que eviten la película, por favor véanla, es solo una advertencia para que lleven un escudo emocional, porque una vez que comiencen a verla les arrancará el corazón mucho antes de terminarla.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 4 De Febrero Del 2020

Doctor Sleep (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

The Nightingale

The House That Jack Built - Director's Cut

Rabid

Playing With Fire

Last Christmas