Review: Boston Strangler

En 1962, Loretta McLaughlin (Keira Knightley) es una periodista del periódico Record American que busca mayores oportunidades mientras maneja temas aburridos para la columna de estilo de vida. Ella es una madre que intenta equilibrar el trabajo y las exigencias de la vida con su esposo James (Morgan Spector), y pronto se encuentra con una inquietante historia de un asesinato en Boston. Un asesino ha estado atacando a mujeres, dejando los cuerpos en poses específicas, y la policía no tiene la energía para mirar de cerca las escenas del crimen. Loretta reconoce un patrón, sigue pistas y agentes de la ley, logrando una historia viable para el periódico, con el editor Jack McLaine (Chris Cooper) dándole una oportunidad. La noticia estalla en grande, y Jack le da a Loretta una compañera en Jean Cole (Carrie Coon), con la pareja disponiéndose a investigar los asesinatos, acercándose a identificar a los posibles sospechosos y también conectándose con el Detective Conley (Alessandro Nivola), quien reconoce el trabajo de las reporteras y los peligros que se avecinan para ellas.

Por una razón u otra, últimamente no han habido tantas películas de periodismo de investigación. En el pasado, el subgénero ha producido películas resonantes que arrojan luz sobre temas e historias importantes y desafían el status quo. Basada en una historia real, Boston Strangler es un thriller criminal de la década de 1960 establecido en el mundo del periodismo de investigación que seguramente los tendrá al borde de sus asientos. Si bien es posible que no traiga nada nuevo a la mesa, lo que hace, lo hace muy bien. Aunque el título de la película tal vez sugiere algo más siniestro, es simplemente un telón de fondo para un estudio de personajes más amplio sobre las mujeres que se expusieron durante un tiempo en el que a menudo eran marginadas y víctimas del sexismo desenfrenado mientras resolvían el caso. Sin embargo, ofrece una historia convincente con excelentes actuaciones en todos los ámbitos, lideradas por la pareja de Keira Knightley y Carrie Coon, que son las verdaderas destacadas aquí.

La película, por supuesto, está ambientada en Boston en la época de los asesinatos del Estrangulador de Boston a principios de la década de 1960, donde una reportera ambiciosa llamada Loretta McLaughlin vio algo más y fue la primera reportera en conectar la cadena de asesinatos y revelar la historia del asesino. Ella, junto con su colega reportera Jean Cole, enfrentó gran parte del sexismo de la época mientras informaba sobre uno de los asesinos en serie más notorios de Boston, trabajando incansablemente para mantener informado al público, pero lo más importante, a las mujeres que se encontraban en peligro. Mientras la ciudad se encontraba al borde y en medio de varias fuerzas que buscaban silenciarlas y barrer el caso debajo de la alfombra, Loretta y Jean perseveraron y se embarcaron en su propia misión de investigación y llegaron al fondo de lo que realmente sucedió. A medida que profundizaron en las víctimas y las conexiones entre ellas, quedó claro que estaban haciendo más que la policía. Inevitablemente agitando a algunas personas en el camino, continuaron con el caso sin iniciar, pero casi llegando al borde, una guerra con el departamento de policía.

Habiendo dicho eso, había otros factores en juego aquí, con Loretta y Jean siendo mujeres y las víctimas del Estrangulador de Boston también siendo mujeres. Debido a eso, el caso no se consideró de alta prioridad hasta que la protesta pública por sus reportajes lo hizo cada vez más difícil de ignorar. A medida que el caso y el recuento de víctimas crecían, todo se volvía más complicado y más se sumergieron Loretta y Jean. Para Loretta, el caso fue su gran oportunidad, buscando respeto y ser vista como algo más que una reportera de estilo de vida. Tomó este caso de manera mucho más personal, ya que era su primer caso criminal y se sentía conectada con las víctimas. Aprendiendo en el camino, hizo que la dinámica entre Loretta y Jean fuera más divertida de ver. A pesar de que Loretta era la reportera mucho más experimentada, todavía se encontró con muchos de los mismos problemas que surgieron por ser una mujer en una industria dominada por hombres. Con esa experiencia, supo cómo manejarlo mejor y navegar a través de esos obstáculos. No aceptando simplemente cómo eran las cosas como eran, Loretta prometió no detenerse hasta saber la verdad. Poco sabía ella los giros y vueltas que esto implicaría, ya que el caso tomó vida propia.

Aquellos familiarizados con la historia ya sabrán más o menos lo que sucede, pero esto no hizo que la película fuera menos tensa de ver, especialmente en su acto final. Si bien la banda sonora se sumó a esa tensión, el guión y las actuaciones son lo que realmente le dan vida. Si bien la historia fue principalmente de naturaleza legal para bien o para mal, los personajes fuertes, y fáciles de identificar, hacen un comentario resonante contra la misoginia y el sexismo de la época. Keira Knightley es una fuerza absoluta como Loretta McLaughlin, que avanza constantemente frente a la adversidad personal y profesional, aunque la película ocasionalmente se apoya en clichés melodramáticos. Defendió lo que era correcto y fue fácil conectarse con eso, mientras que sus defectos e inexperiencia la hicieron identificable. Su química con Carrie Coon como Jean Cole generó una dinámica divertida, ya que era alguien en quien Loretta podía apoyarse. Resignada a cómo eran las cosas, recordó cómo podían ser mejores y también fue fácil conectarse con eso. Chris Cooper como Jack MacLaine encaja como el duro jefe con un corazón de oro, pero hace suyo cada centímetro de ese papel. Y Alessandro Nivola como el Detective Conley es el vistazo de Loretta a las realidades de la fuerza policial. Él también sirve como una advertencia para Loretta sobre la vida que está eligiendo para sí misma con el tiempo.

En general, el director Matt Ruskin logra con esta película algo que nunca se siente explotador. Cada asesinato es solo mencionado o levemente presentado. Ruskin se niega a deleitarse con la violencia y la decadencia que tiñen tantas otras adaptaciones de crímenes reales. Por supuesto, el hecho de que la película mantenga todo en su mayor parte basada en la realidad es quizás el aspecto más aterrador. El sexismo y la incompetencia general son inexcusables, aunque Boston Strangler puede no representar exactamente el mejor thriller criminal, hace un trabajo perfectamente útil al retratar la espantosa realidad de la década de 1960. Al final, Boston Strangler es un thriller criminal que puede que no aporte nada nuevo al género, pero es un gran estudio de personajes. La película encuentra su ritmo desde el principio, siguiendo el desarrollo de la confianza de Loretta y sus casi accidentes con el peligro. La política de los periódicos y las expectativas de género también son temas interesantes que se tocan, lo que agrega capas de inquietud a la historia. Aún así, sigue siendo un vistazo convincente, con actuaciones fabulosas, que brinda una intensidad de pensamiento para vender el tema del heroísmo periodístico. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Sharper

En la ciudad de Nueva York, Tom (Justice Smith) es un joven con un pasado problemático, pero actualmente es dueño de una pequeña librería. Está contento con su vida, pero queda electrizado por la llegada de Sandra (Briana Middleton), una estudiante universitaria que entra en la tienda en busca de un libro, solo para quedarse corta a la hora de pagar. Tom está cautivado por ella y se atreve a invitarla a salir, y una noche se convierte en una relación. Sandra comparte su historia personal con Tom, quien es hijo de un poderoso titán del mundo financiero, dándole el dinero para vivir libremente. Muy pronto, Sandra se va, enviando a Tom en una espiral de confusión. Max (Sebastian Stan) es un hombre igualmente problemático que lidia con una historia de adicción a las drogas y violencia, y regresa con su madre, Madeline (Julianne Moore), que quiere ayudar a su hijo, pero no puede confiar plenamente en él, con su nuevo multimillonario esposo, Richard (John Lithgow), tratando de mantener su relación para ayudar a su esposa.

No ha habido escasez de excelentes thrillers en los últimos años, por lo que cada vez que se lanza una película nueva, es casi como ser un niño en una tienda de dulces con demasiadas opciones. Ciertamente, cualquier película que cuente con un elenco tan impresionante ya es digna de atención. Las leyendas del cine John Lithgow y Julianne Moore se unen a Justice Smith, Sebastian Stan y la recién llegada Briana Middleton para contribuir en gran medida a un guión retorcido que es tan divertido como meticulosamente estructurado. Capa por capa, la trama se desarrolla a medida que las nuevas perspectivas de los personajes arrojan luz sobre verdades impactantes. Sharper profundiza en su descripción de manipulaciones y estafadores hambrientos de dinero.

Sharper tiene una estructura única en el sentido de que desbloquea cuidadosamente datos clave a medida que avanza, lo que significa que probablemente necesite otro vistazo. Este es mi tipo favorito de películas de misterio/suspenso, las que las respuestas están realmente frente a ti todo el tiempo. Las historias de cada personaje acompañan cada cambio de puntos de vista. La película se centra primero en Tom, un joven gerente de una librería que de repente se enamora de una cliente, Sandra, que tiene muy buen gusto para los libros. Tom tiene una relación complicada con su padre adinerado, Richard, que los obliga a él y a Sandra a pasar el rato constantemente en la casa de ella en lugar de la de él. Su inesperado romance surge de una primera cita en un romántico restaurante japonés, y pronto ya se están proclamando amor el uno al otro. En un desarrollo separado pero relacionado, la nueva esposa de Richard, Madeline y su problemático hijo, Max, son un verdadero desastre. Mientras Richard se ve obligado a lidiar con Max, Madeline puede estar ocultando sus propios secretos. En el intrigante mundo de Sharper, nada está fuera de los límites.

La película comienza con la definición de la palabra sharper, que significa alguien que vive por su ingenio, y termina siendo una descripción adecuada de las complejidades que estamos a punto de ver desarrollarse. Aparte de Tom, cada persona en su órbita parece tener motivos ocultos. La película se mueve en el tiempo, mostrándonos perspectivas clave de Sandra, Max y Madeline, y desbloqueando más de la historia en el proceso. La película es menos un rompecabezas gigante y más una cebolla pelada. El simple hecho de retirar las capas resulta de manera impactante y sorpresa, pero no es hasta el final que ocurre un giro importante. Una confrontación que une cada línea de tiempo e historia estalla en un momento sorprendente. Justo cuando parece que está a punto de terminar, un final inesperado recontextualiza todo.

La película adopta un enfoque no lineal en su narración y, por eso, el público pasará mucho tiempo tratando de juntar las piezas para tratar de descubrir cómo se van a conectar. Es un enfoque arriesgado que a veces puede dañar gravemente una película, pero en su mayor parte este enfoque funciona aquí, ya que hace que los muchos giros que contiene esta película sean aún más sorprendentes debido a ello. Dado que esta es una película sobre estafadores, nada es nunca lo que parece, y hace un buen trabajo manteniendo al público adivinando hasta sus momentos finales. La película pasa un tiempo considerable con estos personajes y permite que el público los conozca antes de que se den cuenta de lo que está pasando. Una vez que llega a cierto punto y esa imagen más grande se vuelve clara, se vuelve un poco más predecible. Pero en su mayor parte, este sigue siendo un pequeño thriller ingeniosamente elaborado que, afortunadamente, nunca se vuelve confuso como podría haberlo hecho fácilmente.

El elenco realmente ayuda a vender el material y ayuda a dar a estos personajes mucha más personalidad de lo que podría haber sido en página. Sebastian Stan probablemente tiene la mayor cantidad de tiempo de pantalla de todos y ofrece otra gran actuación que podría estar a la altura de sus mejores. Interpreta a un Max astuto y manipulador casi demasiado bien, ya que sus verdaderas intenciones o deseos siguen siendo un misterio para el público. Julianne Moore es espectacular como siempre y realmente se adueña de la segunda mitad de la película como Madeline, incluso si se tarda mucho más de lo esperado en conocer a su personaje. Justice Smith también impresiona como Tom y, aunque no tiene mucho que hacer, John Lithgow ofrece una actuación memorable en su limitado tiempo de pantalla como Richard. Sin embargo, la más destacada del elenco es, por mucho, Briana Middleton, quien fácilmente interpreta al personaje más interesante y mejor desarrollado de la película: Sandra. Sin revelar nada, tiene que transmitir una amplia gama de emociones y es un personaje fácil de apoyar a pesar de que nunca se puede confiar realmente en ella. Este elenco funciona muy bien junto y todos tienen una gran química entre sí.

En general, la película es impresionante porque puede ocultar muchos de sus secretos, utilizando a cada personaje cuando es absolutamente necesario. Algunos pueden estar un poco infrautilizados, pero el grupo central florece a medida que avanza la película. La primera mitad o tal vez incluso los primeros dos tercios son bastante buenos y realmente mantienen a uno interesado y entretenido en lo que está pasando. Desafortunadamente, el tercer acto no puede seguir el mismo ritmo, ya que se tambalea después de mostrar la mayoría de sus cartas. Los amantes de los thrillers se divertirán mucho y se mantendrán adivinando cada momento antes de que llegue a su clímax. Al final, Sharper es un buen thriller de crimen psicológico hecho a la antigua que el público rara vez ve, y si hubiera salido 15 o 20 años atrás probablemente habría sido un éxito inesperado de taquilla. No cambia el género ni lo eleva pero hace lo que hace de manera competente y entretenida. Es un thriller elegante que no insulta la inteligencia de su audiencia ni ofrece giros y vueltas mediocres. Las sorpresas son efectivas, las actuaciones son geniales y la historia es sólida.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Scream VI

Sam (Melissa Barrera) se mudó a la ciudad de Nueva York con su media hermana, Tara (Jenna Ortega), quien está tratando de recuperar su vida asistiendo a la universidad, y ambas mujeres luchan por lidiar con todas las muertes que encontraron el año anterior en Woodsboro. Mientras Tara se esfuerza por encajar y seguir adelante, Sam sigue paranoica, y se mantienen en la gran ciudad con el apoyo de Mindy (Jasmin Savoy Brown) y Chad (Mason Gooding). Cuando una serie de asesinatos que involucra al asesino Ghostface llega a la ciudad, los peores temores de Sam se hacen realidad, tratando de dar sentido al nuevo lío con el detective Bailey (Dermot Mulroney), quien está investigando, mientras que el F.B.I. proporciona ayuda adicional en la agente Kirby Reed (Hayden Panettiere), que logró sobrevivir un encuentro anterior con Ghostface. Uniéndose al pánico está Gale Weathers (Courtney Cox), quien está lista para unirse a la lucha contra el asesino vicioso, que está de vuelta haciendo llamadas telefónicas y asesinando víctimas.

Demostrando una vez más que sigue siendo la franquicia de terror más consistente jamás creada, Radio Silence Productions ofrece otro clásico de terror instantáneo para colocarse junto a las obras maestras de Wes Craven con la intensa, horrible y ridículamente divertida Scream VI. Con la hermosa carta de amor a la original firmemente establecida en la película anterior, Scream VI avanza hacia un destino completamente nuevo mientras se construye sobre el grupo central que amamos durante nuestro tiempo en Woodsboro. Es posible que muchos no encuentren el mismo nivel de conexión con lo que ocurre, pero esta serie continúa prosperando gracias a su cuidado inmaculado por los personajes. Trasladar la acción de Woodsboro a la ciudad de Nueva York no fue casualidad. La ciudad de Nueva York nunca se ha sentido más peligrosa, con asesinatos brutales, intensas secuencias de persecución, momentos profundamente divertidos y momentos agradables. No se equivoquen, Scream VI es la película que Friday The 13th Part VIII: Jason Takes Manhattan (1989) desearía ser.

Scream VI continúa la racha positiva de esta franquicia y ofrece otra entrega entretenida y llena de suspenso. Sin siquiera dar la menor pista, la película se destaca en comparación con películas anteriores en el sentido de que realmente cambia la fórmula y no tiene miedo de asumir riesgos que subvierten constantemente las expectativas de las audiencias. Queda por ver si valen la pena o no, pero sin embargo, da nueva vida a esta franquicia y hace cosas que no se ven en una película de Scream. Está claro que los cineastas escucharon los comentarios de la última película, ya que esta se parece aún más a las películas de Craven. La película es una de las entradas más sangrientas, aterradoras e intensas de la franquicia y nos da un Ghostface más despiadado, mientras mantiene el sentido meta y el humor inteligente que los fanáticos adoran.

Antes de continuar, la chica final Sidney Prescott lamentablemente no regresa para esta película. Es una verdad deprimente pero necesaria. Neve Campbell no aceptó lo que le ofrecieron para volver a ponerse en la piel de Sidney una vez más. Aunque la actriz no ha descartado un regreso para posibles futuras secuelas, debo admitir que no verla aquí fue un poco decepcionante. Courtney Cox como Gale Weathers ahora tiene un récord de terror por ser la primera mujer en interpretar al mismo personaje al menos seis veces consecutivas en la historia. En lugar de compartir un honor entre las dos mujeres, solo Cox tiene el título. Leí en alguna parte antes de su lanzamiento que Scream realmente podría funcionar sin su protagonista. Halloween fue realmente tan buena sin Laurie Strode? Afortunadamente, se rinde homenaje a Sidney en un diálogo que duplica su final feliz en la película anterior.

Esta entrega tiene lugar en la ciudad de Nueva York, y el nuevo entorno se utiliza en todo su potencial. La gran ciudad ofrece muchas persecuciones emocionantes y escenas memorables que se ubican entre las mejores de toda la serie, muchas de las cuales han sido insinuadas o mostradas en el marketing. Ofrece un cambio de ritmo refrescante después de pasar tiempo en Woodsboro y abre la puerta a más aventuras en la gran manzana o en otros lugares. También hace un gran trabajo en el desarrollo del nuevo elenco, ya que demostraron que son más que capaces de liderar esta franquicia si continúa sin la participación de Neve Campbell.

Debido a la naturaleza de la película, es difícil hablar de miembros específicos del elenco, pero todo el mundo aquí brilla. Melissa Barrera es aún mejor esta vez y posee el papel de Sam, mientras que Jenna Ortega continúa impresionando como Tara. Las hermanas son una vez más el foco central ya que su química continúa siendo lo más destacado debido a lo creíbles que son como hermanas y esta película solo hace que esa conexión se fortalezca. Jasmin Savoy Brown es una vez más un punto importante como Mindy y es una alegría absoluta ver el regreso de Hayden Panettiere como Kirby Reed y lo bien que manejaron su regreso. Courtney Cox regresa una vez más como Gale Weathers y el personaje se incorpora a la historia de forma muy natural. Sin revelar demasiados detalles, al nuevo elenco le va bien con sus respectivas partes. El más destacado aquí es Mason Gooding como Chad, a quien se le ha dado un papel más importante y es, sin duda, el corazón de la película.

Por muy buena que sea Scream VI, no estuvo exenta de problemas y errores. A pesar de que esta es la película más larga de la serie, a veces se siente un poco apresurada. Centrándose mucho tiempo en el elenco que regresa, los miembros más nuevos del elenco se sienten un poco perdidos. Nuevamente, sin revelar nada, la mayoría de los problemas de la película radican en su tercer acto, donde se pierde un poco. Pero aparte de algunos problemas, esta sigue siendo fácilmente una de las mejores películas de la franquicia hasta el momento y está muy a la par con la mayoría de las otras secuelas. De hecho, podría terminar convirtiéndose en la favorita de algunos espectadores desde la original.

Llevando las cosas un paso más allá de la película anterior, Scream VI rinde homenaje a casi todo lo que vino antes. Cosas familiares como "Red Right Hand" y "Dewey's Theme" regresan, utilizadas de manera amorosa, pero la verdadera estrella del espectáculo aquí viene en forma de un santuario gigante que rinde homenaje a cada aspecto y muerte de la franquicia. Nueve disfraces de Ghostface se instalan en la pieza central de un teatro de asesinatos, que también está adornado con recuerdos de Stab, disfraces de personajes, bocetos, pancartas y mucho más. Es un easter egg de la franquicia que cualquier fanático de Scream disfrutará.

En general, 25 años después de su creación, Scream continúa impresionando. Esta entrada en la franquicia construye el "Core Four", ya que se enfoca en brutales estallidos de violencia y crea una versión notablemente moderna y vanguardista. Mason Gooding emerge como el corazón de la película, mientras que Melissa Barrera y Jenna Ortega tejen estrechamente su vínculo fraternal a mayores alturas. El regreso de Kirby Reed puede ser uno para los libros de récords, y la escena de persecución de Courtney Cox es igualmente genial que en Scream 2 (1997). Únanse a la celebración del legado de Scream a medida que avanza por las calles de la ciudad de Nueva York en este impresionante slasher moderno. Asegúrense de quedarse después de los créditos para que se diviertan un poco. Con un poco de suerte, Radio Silence Productions y todo el equipo puede regresar pronto para divertirse más con Ghostface a través de una séptima entrada en esta icónica franquicia. Al final, Scream VI es una adición brutal y llena de suspenso a la franquicia más consistente del género de terror. También es una excelente entrega de la franquicia Scream. Para aquellos que no les gustó la última película, vean esta. Vale la pena verla.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Champions

Marcus Marokovich (Woody Harrelson) es un asistente de entrenador de un equipo de baloncesto de la liga juvenil en Iowa, frustrado por su incapacidad para llamar la atención de la NBA. Al meterse en una pelea con el entrenador Phil Perretti (Ernie Hudson), Marcus es suspendido del equipo y prefiere ahogar sus penas en alcohol. Arrestado por manejar bajo los efectos del alcohol, a Marcus se le ofrecen 90 días de servicio comunitario, con la tarea de convertirse en el entrenador de The Friends, un equipo de Olimpiadas Especiales formado por jugadores con discapacidad intelectual. Al principio reacio a comprometerse con tal idea, Marcus pronto aprende a conectarse con sus jugadores y sus necesidades particulares, con la esperanza de formar un equipo viable durante los meses de invierno. Un miembro de The Friends es Johnny (Kevin Iannucci), cuya hermana, Alex (Kaitlin Olson), desencadena una aventura casual con Marcus, poniendo a los dos en el camino del amor mientras el entrenador en desgracia intenta recuperar su camino a la NBA.

Es triste que vivamos en un mundo donde la mayoría de las veces es el remake en inglés lo que hace que alguien vea la película en vez de la original. Eso no quiere decir que no lo entienda porque a veces lo hago. Conozco gente que se niega a ver películas subtituladas. Al mismo tiempo, siempre tengo miedo de que los subtítulos en la película se superpongan y pierda algún detalle. Pero puedo errar. Champions es una nueva versión en inglés de la película española Campeones (2018), ganadora del premio Goya. Esta nueva versión se presenta en forma de una inspiradora comedia deportiva protagonizada por Woody Harrelson. Woody interpreta a Marcus, un entrenador de baloncesto de la G-League que se encuentra sin trabajo. También se convierte en un meme, pero esa es otra historia dentro de la película.

Champions presenta a un adorable y gruñón entrenador como protagonista. Su inevitable arco de redención es un humilde recordatorio de todo lo que hay que apreciar en el mundo que te rodea. Este tipo de historia se ha hecho antes por docena, pero eso no hace que Champions merezca menos elogios. Hay un par de obstáculos que la película tiene que superar antes de que alcance su ritmo. Un comienzo lento y una escena innecesaria en la sala de un tribunal induce a la vergüenza y agrega poco a la trama general. Sin embargo, la verdadera fuerza de la película reside en The Friends y, cuando se presentan, estos problemas se olvidan.

Como película, Champions sigue la típica historia deportiva del entrenador deshonrado que se ve obligado a hacer lo imposible y transformar a un equipo en apuros en un grupo de ganadores. No obstante, lo que hace que Champions brille son sus mensajes sobre las personas con necesidades especiales, con el director Bobby Farrelly y su equipo retratando a todos los personajes discapacitados como personas reales con dignidad y respeto mientras hacen que uno se ría con ellos y no de ellos. En ese aspecto, Champions no los explota y es muy respetable para la comunidad de discapacitados. Si bien Marcus inicialmente comienza siendo muy ignorante con respecto a The Friends, su interacción con el equipo lo ayuda a verlos como personas con esperanzas, sueños y miedos. El problema de Marcus al comienzo de la historia es que sigue viendo a los jugadores por sus habilidades y nunca se toma el tiempo para conocerlos como individuos. Farrelly nos da tiempo para conocer a todos los jugadores y cómo son beneficiosos para el equipo. Al profundizar en sus historias y su psique, The Friends se presentan aquí como seres humanos completos, tratando de dar sentido al mundo y vivir sus vidas de la mejor manera posible.

A pesar de estar encabezada por Woody Harrelson y Kaitlin Olson, Champions es, en esencia, una obra de conjunto. El guión está repleto de diálogos ágiles y chistes ingeniosos entre The Friends y su nuevo entrenador, todos los cuales se entregan con una sincronización cómica impecable. No hay un miembro de este conjunto que decepcione al equipo, pero Kevin Iannucci (Johnny), Joshua Felder (Darius), y James Day Keith (Benny) deben ser especialmente elogiados por sus sinceras actuaciones. Woody Harrelson ofrece su clásico papel de hombre rudo pero termina siendo el héroe pícaro de Champions, mientras que Kaitlin Olson ofrece una vulnerabilidad refrescante a la pieza, convirtiéndola en el complemento perfecto para el Marcus de Harrelson.

En general, es probable que el público ya sepa exactamente qué esperar aquí. Esta es una comedia dramática divertida y conmovedora centrada en los deportes, y presenta una historia familiar de redención. Impresionantes actuaciones en todos los ámbitos, una historia edificante (aunque predecible) y un soundtrack cuidadosamente seleccionado de éxitos icónicos se combinan para poner a Champions firmemente en una racha ganadora. Es una película fácil de ver, no requiere demasiada concentración, y tira de las fibras del corazón e incluso ofrece más que una buena cantidad de risas. Al final, Champions es una película deportiva alegre y agradable que hace exactamente lo que se propone lograr. No hace nada fuera de lo normal, pero es un esfuerzo sólido que sin duda mejorará el estado de ánimo de muchos después de verla.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Operation Fortune: Ruse de Guerre

Una instalación sudafricana ha sido comprometida, con hombres armados robando un dispositivo de poder desconocido llamado The Handle. El gobierno británico busca contener la situación, con Nathan Jasmine (Cary Elwes) a cargo de limpiar el desorden, supervisando un equipo dirigido por Orson Fortune (Jason Statham), quien está emparejado con J.J. Davies (Bugzy Malone) y la experta en tecnología Sarah Fidel (Aubrey Plaza). El equipo necesita tiempo para acostumbrarse, pero se prioriza la urgencia, ya que el escuadrón descubre información de que la venta de The Handle está relacionada con el traficante de armas Greg Simmonds (Hugh Grant), uno de los criminales más grandes del mundo. Buscando ponerse en contacto con el villano súper rico, Orson elige jugar con su inclinación por el fanatismo a las celebridades, chantajeando a la estrella de Hollywood Danny Francesco (Josh Harnett) para que se una al equipo, distrayendo a Greg mientras Orson, Sarah y J.J. infiltran su yate, mansión y sus computadoras, en busca de información que conduzca al paradero del arma.

Porqué ha tardado tanto Guy Ritchie en hacer su propia película de espías al estilo Mission: Impossible? The Man From U.N.C.L.E. (2015), que por cierto es genial, se acerca bastante. Sabemos que él tiene las habilidades para brindar acción, un diálogo genial y citable y, por supuesto, tener a Jason Statham en su bolsillo. Ahora Ritchie finalmente nos trae Operation Fortune: Ruse de Guerre, y la espera valió la pena. Seamos honestos, con la excepción de Aladdin (2019), la fórmula de Guy Ritchie no cambia mucho. Sus películas son descaradamente masculinas, llenas de frases ingeniosas y toneladas de acción. No hay nada de malo con eso. Es bueno ver a Ritchie haciendo lo que se le da bien al servicio de una divertida y emocionante aventura de espías, una que también hace el mejor uso de Statham y Aubrey Plaza.

La película se desarrolla como lo haría un típico thriller de espías. Algunos personajes desagradables están comprando algo peligroso y depende del gobierno de un país detenerlo, aunque sea por medios no convencionales. Statham, que ha estado al lado de Ritchie durante gran parte de su carrera cinematográfica, interpreta a Orson Fortune, un nombre que sinceramente grita superespía. Bueno, eso es exactamente lo que es. Fortune es un agente élite del gobierno británico, que viene con un alto precio y muchos lujos. Pero, dado que es interpretado por Statham, también tiene una actitud amenazante y arrogante sobre todo. También es casi invencible e intocable.

Fortune es privado de sus vacaciones por su jefe, Nathan Jasmine, quien transmite órdenes y se involucra en bromas ingeniosas como lo hace James Bond con M. Necesita que Fortune rastree The Handle, un dispositivo misterioso que, si cae en las manos equivocadas, podría conducir a un desastre mundial. Nadie puede decir realmente que es, literalmente. Durante gran parte de la película, nadie sabe qué es The Handle en realidad. Simplemente saben que necesita ser encontrado y rápidamente.

La mejor parte de cualquier película de un equipo de espías élite es ver cómo se une. Fortune recluta algo de músculo en J.J. Davies, y una hacker informática/mujer fatale habladora llamada Sarah Fidel. Las películas de Ritchie siempre tienen una o dos mujeres en ellas, pero rara vez una actriz tiene un papel importante y agradable para interpretar. Plaza es, a veces, un contraste cómico para Statham, mientras que también es un interés amoroso, una mente maestra brillante y mucho más. Y Plaza, que ha estado con una racha últimamente desde que expandió el tipo de proyectos que emprende, casi se roba toda la película.

Alejándose de la fórmula de Mission: Imposible, Jason Bourne y James Bond que conocemos tan bien, Operation Fortune es comedia y acción encubierta a partes iguales. Josh Hartnett, haciendo su mejor imitación de Keanu Reeves, interpreta al actor de Hollywood Danny Francesco. Danny es convencido y chantajeado para unirse a la misión como una forma de atrapar al multimillonario traficante de armas Greg Simmonds, quien es el mayor admirador de Danny y una vez trató de pagarle $10 millones de dólares solo para saltar de un pastel de cumpleaños. Danny se negó. Con Danny a bordo, Sarah como su novia y Fortune haciéndose pasar por el manager más intimidante de la historia, comienza la misión para encontrar The Handle.

Lo divertido de Operation Fortune es que no se detiene para realizar los movimientos típicos de una película de espionaje o un thriller. Ritchie, quien coescribió el guión, llena la película de muchos giros inesperados. Hay un bromance que se desarrolla entre Danny y Greg, con el actor efectivamente cortejado por la devoción fanboy-esca de Greg. Hay una gran escena en la que Danny se entera de que Greg tiene todos los autos que ha conducido en todas sus películas, incluido su favorito, un hermoso Ford Mustang de 1966 con rayas rojas y blancas. La mirada en el rostro de Danny es algo parecido a cuando un niño se enamora por primera vez al ver el auto. Uno de los mejores arcos de la película es el descubrimiento de Danny de que interpretar una versión de sí mismo es el papel máximo de su carrera.

En el departamento de actuación, Jason Statham da aquí uno de los mejores personajes que ha tenido la oportunidad de interpretar. Por supuesto, obtiene todas las mejores peleas, con Ritchie presentando una acción ingeniosamente escenificada que también hace uso del don de Statham para la comedia. Fortune es un personaje lo suficientemente completo como para que realmente queramos ver más aventuras de él y junto a este grupo de espías que lo rodean. Además de algunos combates cuerpo a cuerpo, una espectacular secuencia de persecución de autos, hermosos lugares y acción de ritmo rápido, hay un puñado de actuaciones sólidas. Hugh Grant obviamente se roba muchas escenas, y Aubrey Plaza prácticamente se roba el espectáculo a pesar de un elenco lleno de estrellas. Y Josh Hartnett también es divertido de ver, interpretando a un actor exagerado. Ritchie no ha tenido una franquicia a su cargo desde Sherlock Holmes (2009), y ya es hora que la tenga si decide hacer mas historias con estos personajes.

En general, la película explora las capas del esquema central y se vuelve un poco 007-esca con dispositivos y lugares de lujo. Los giros y vueltas de la trama son bienvenidos, y la película llega a un clímax convincente que destaca la reunión de Danny con uno de sus coprotagonistas favoritos: sí, el Ford Mustang. No obstante, aún le quedan 30 minutos, trabajando para estremecer la trama con más personajes, lo que requiere tiempo adicional para clasificar sus motivaciones. La película eventualmente desgasta su bienvenida, pero sigue siendo atractiva, con un factor de diversión y algo de energía de la marca Ritchie, una vez más volviendo a personajes sarcásticos, peligros inminentes y breves explosiones. Al final, Operation Fortune: Ruse de Guerre es una película influenciada por James Bond mezclada con la picardía de Ritchie y el amor por los protagonistas rudos. Para ser honesto, esto es un soplo de aire fresco para el género de espionaje, y no puedo esperar a ver a estos agentes volver para una nueva misión. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Creed III

Adonis Creed (Michael B. Jordan) está retirado del boxeo y prefiere ocupar un puesto de dirección en un gimnasio en Los Angeles y con el actual campeón de peso pesado, Félix Chávez (José Benavidez). Vive una vida cómoda con su esposa, Bianca (Tessa Thompson), y su hija, Amara (Mila Davis-Kent), pero esa paz se ve interrumpida por el regreso de Damian Anderson (Jonathan Majors). Hace 18 años, Damien era un joven prospecto del boxeo que se enfrentó a Adonis después de que el joven se vio envuelto en actos violentos, y pronto fue enviado a prisión, lo que descarriló su vida que alguna vez fue prometedora. Ahora Damien está de vuelta en escena, buscando a Adonis para que lo ayude a convertirse en un contendiente de peso pesado. Inseguro de lo que su viejo amigo realmente quiere, Adonis entrena a Damian, solo para ver cómo el hombre indisciplinado reclama la supremacía, buscando la gloria y la oportunidad de destruir todo por lo que Adonis ha trabajado.

Cuando se trata de la franquicia Rocky/Creed, no ha habido una película sin Rocky Balboa. Su ausencia en la tercera película de la franquicia Creed, Creed III, definitivamente genera un gran vacío. Además de los desafíos, la película también marca el debut como director de la estrella Michael B. Jordan. Afortunadamente para él, estuvo más que preparado para el desafío, mostrando mucha visión detrás de la cámara mientras brindaba su mejor actuación hasta ahora como Creed. Con esta tercera película, puede mostrar un lado diferente de Creed de una manera nunca antes vista. Más que una simple película de boxeo, hay excelentes secuencias de boxeo, también es una historia emocional sobre cómo confrontar el pasado de uno a través de un nuevo personaje interpretado por Jonathan Majors, que ahora tiene 2 de 2 en términos de actuación y robos de escenas. Él y Jordan son titanes absolutos en la pantalla y su dinámica bien vale la pena verla por sí sola. A pesar de incluir tanto en su tiempo de duración de 2 horas, es una pena que la película no aprovechara esa dinámica lo suficiente. Aunque los personajes son sólidos, su desarrollo se sintió apresurado para alcanzar todos los grandes momentos. Teniendo en cuenta la película en su conjunto, es una queja menor.

Creed III ve a un Adonis Creed ahora retirado a gusto con su vida profesional, dirigiendo un exitoso gimnasio de boxeo en Los Angeles y promoviendo a la próxima generación de boxeadores, y en su vida personal, viviendo con su esposa Bianca y su hija sorda Amara. Su vida aparentemente perfecta rápidamente se ve interrumpida cuando un amigo de la infancia llamado Damian Anderson regresa inesperadamente a su vida y revuelve eventos pasados ​​que pensó que había dejado atrás después de ser liberado de una sentencia de prisión de 18 años. Un boxeador prometedor que posiblemente era mejor que Adonis en ese entonces, este último logró la exitosa carrera que Damian no pudo. Ahora, con circunstancias muy diferentes, Adonis trata de ayudar a su amigo a recuperarse. Sin embargo, había mucho más en esa historia a medida que la película se revelaba lentamente. Unos años mayor que Adonis pero todavía en gran forma, todo lo que Damian quería era una oportunidad a pesar de las probabilidades debido a su edad y circunstancias. Un contendiente poco probable, su suerte cambió rápidamente, llevándose todo ese dolor y frustración al ring. A pesar de eso, Damian encontró cierto éxito.

Ahora que encontró algo de éxito, Damian fijó sus miras más altas, poniendo a Adonis en su punto de mira. Ese resentimiento iba mucho más allá de no tener la oportunidad de triunfar como él la logró. Se remonta a su pasado problemático y cómo Adonis abandonó a Damian después de su encarcelamiento. En lugar de enfrentarlo, esencialmente reprimió ese incidente y se obligó a fingir que nunca sucedió. Con Damian de regreso, todos esos sentimientos y recuerdos regresaron, posiblemente nublando el juicio de Adonis y filtrándose en su relación con su familia. Al convertirse en una amenaza, quedó claro que la única forma de detenerlo es pelear contra él, lo cual era inevitable desde que apareció. Ya maltratado después de una larga carrera en el boxeo, salir del retiro para entrenar para una pelea más difícil resulta ser un desafío para Adonis, pero es uno que no había enfrentado antes. Los montajes de entrenamiento fueron tan intensos como el drama entre ellos.

Se podría argumentar que la película trata sobre la pelea entre Adonis y Damian y que todo lo demás fue insignificante. Ofreciendo solo una muestra, la historia de fondo entre los dos se sintió apresurada ya que la película se habría beneficiado al desarrollarlos un poco más. No obstante, el arrepentimiento, el resentimiento y la consiguiente animosidad se sintieron reales. Todo lo demás más allá de ellos no importaba mucho más que para avanzar en la historia de Adonis y Damian y eso estaba bien. Hubo momentos sólidos entre todos los demás involucrados, siendo el mejor de ellos el de Adonis y su madre Mary Anne, quien también fue parte de ese pasado entre él y Damian. Esto fue todo sobre el boxeo y por eso, la película tiene éxito. El enfoque diferente de Jordan le da a esas escenas de boxeo una sensación cinematográfica donde el público puede sentir cada momento mientras la influencia del anime hace que los boxeadores parezcan figuras más grandes que la vida en el ring.

En última instancia, la mejor parte de Creed III fueron las actuaciones que comienzan y terminan con Michael B. Jordan y Jonathan Majors y su química como Adonis y Damian. Jordan da su mejor actuación como Creed, profundizando con el personaje. El dolor, la culpa y el arrepentimiento estaban allí, ya que crearon una nube notable que se cernía sobre él. Como resultado, su pelea con Damián significó mucho más y se demostró, brindando aún más motivación. Mientras tanto, Majors era una fuerza como Damian, usando un exceso de energía para enmascarar capas de dolor. Mostrando su rango, tuvo algunas oportunidades de soltarse y robarse escenas en el proceso, pero podría haber habido más. Completando el impresionante elenco, Tessa Thompson y Phylicia Rashad no pudieron evitar sentirse contenidas hasta cierto punto, y simplemente estando presente durante la película.

En general, hay mucho que discutir sobre Creed III, pero no se puede explorar todo sin estropear elementos específicos de la película. Por ahora los dejo con esto: Jordan es un actor increíblemente seguro para ser esta su primera vez en la silla de director. Él entiende la geografía con la que está trabajando y las actuaciones que obtiene de todo su elenco, desde los artistas principales hasta las partes más pequeñas, indican un nivel de confianza y comodidad. Ahora, Rocky Balboa definitivamente está fuera y básicamente borrado del universo de Creed, con Jordan decidido a ser la atracción principal. Aquí vemos una historia de semi-venganza que tiene como objetivo redirigir la energía del mentor en una nueva dirección, siguiendo la ruta de Rocky III (1982) con un esfuerzo estrictamente para entretener, con la esperanza de hacerlo sin el carisma especial que Sylvester Stallone trajo a las películas de Rocky. Al final, Creed III es una excelente película que mantiene una fuerza cinematográfica y agrega intensidad de boxeo para Adonis Creed, quien aparentemente ya no necesita a Rocky Balboa. Aunque no es perfecta, la visión de Jordan y las actuaciones la llevan casi a ese camino de la perfección

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Blue Jean

Es 1988, y Jean Newman (Rosy McEwen) es profesora de Educación Física en Tyneside, una escuela secundaria en Newcastle, en el noreste de Inglaterra. También sale regularmente a un club gay y tiene una novia, Viv (Kerrie Hayes). Una nueva ley, conocida como la Sección 28, está a punto de entrar en vigor bajo el gobierno conservador de Margaret Thatcher. La ley está destinada a restringir la promoción de la homosexualidad, lo que significa prácticamente cualquier reconocimiento de que las personas homosexuales existen. Jean es lesbiana, encerrada en su trabajo y no tan abierta sobre su realidad fuera del trabajo. Ella ya ha estado viviendo aterrorizada, y ahora las cosas son mucho peores. Si alguien descubre que es gay, podría perder su trabajo. Sin embargo, ella mantiene los dos lados de su vida bien separados. Viv es consciente de su sexualidad y la política, pero Jean oculta su verdadera naturaleza para protegerse a sí misma cuando está fuera en el mundo. Es una decisión que la pondrá en un aprieto cuando una de sus alumnas, Lois (Lucy Halliday), de 15 años y lesbiana, se mete en serias dificultades y necesita la ayuda de Jean que, de darse, podría poner en peligro su posición en la escuela.

Para ser honesto, no hay suficientes películas que se centren en las mujeres y sus luchas, y menos aún si esas luchas no se tratan de encontrar y establecerse con un hombre y la presunción de que los niños pronto estarán en camino. A veces vemos películas sobre mujeres que luchan por la autodeterminación y por el reconocimiento de su propia humanidad, pero con demasiada frecuencia, esas películas tratan sobre luchas que ya se han ganado. Es absolutamente necesario contar esas historias, pero no a expensas de ignorar las batallas que aún no se han ganado, las batallas que mucha gente no parece darse cuenta de que son necesarias. Con muchas películas sobre mujeres que no son sobre mujeres de hoy, es posible que tengamos un problema. No basta con animar a las mujeres del pasado que ganaron sus luchas por la dignidad y la compasión. No se ha alcanzado la igualdad, y esa guerra está lejos de terminar.

Pero nada, eso es lo que estaba pensando mientras veía Blue Jean. Esta es una película poderosa y necesaria. Pero también es una ambientada hace 35 años, bajo un régimen legal y cultural que no existe desde hace dos décadas. Blue Jean es una película profundamente humana y comprensiva, y también llena de temor. Jean merodea toda su vida con temor a que alguien descubra quién es ella realmente. Es algo horrible y no es una forma de vivir, y experimentamos todos los niveles de su ansiedad con ella. La actuación de Rosy McEwen, y la descripción que hace de ella la guionista y directora Georgia Oakley, es fea y hermosa en términos de pánico. Quiero decir, nadie debería tener que vivir así, como Jean. Eludiendo hábilmente las preguntas sobre su vida personal todo el tiempo. Toda la belleza de la película viene en forma de empatía, la profunda comprensión de lo que Jean está experimentando y el reconocimiento de que esto no es normal, saludable o sensato.

Jean es a veces un personaje que desearía fuera más valiente, ya que hace algunas cosas terribles y egoístas para su autoconservación. Esas cosas son fáciles de entender, y absolutamente no deberíamos necesitar que las personas marginadas sean más valientes, más fuertes o mejores que el resto de nosotros. Cuando nos hacen propaganda durante mucho tiempo en películas sobre errores históricos que se corrigen a través de la fuerza y ​​​​el coraje de los marginados, una película como Blue Jean se siente valiente de una manera diferente. Jean es un desastre absoluto, y eso está bien.

Gran Bretaña en la década de 1980 puede haber sido una época de SlimFast y el programa de televisión Blind Date, pero, como demuestra la película, también fue una época de creciente homofobia. La directora Georgia Oakley refuerza esto a través de una construcción impecable. Pietaje de noticias en la televisión y la radio nos informan sobre las discusiones en torno a la Sección 28 y un cartel que dice "Elimine la política de la educación". También escuchamos a los compañeros maestros de Jean apoyando la nueva ley y su objetivo de proteger a los niños. Es por esto qué Jean ha creado una doble vida, y por qué tiene tanto miedo cuando está en peligro de ser expuesta. Ahora todo está bajo amenaza, su trabajo, sus posibilidades de volver a enseñar, e incluso su vida familiar. Ya tiene bastante con un divorcio reciente, una madre a la que nunca ve y una hermana que es parte de una unidad familiar heterosexual tradicional que no está dispuesta a reconocer la sexualidad de Jean.

La película toma su nombre de la canción Blue Jean de David Bowie, lo cual es apropiado porque Jean se parece un poco a Bowie con su cabello rubio corto y recién pintado. Ella es interpretada fenomenalmente por Rosy McEwen, que captura perfectamente esa sensación de miedo, donde cada opción pone en riesgo su sustento y su identidad. Y a medida que pierde lentamente el control sobre esta situación volátil, comienza a tomar decisiones que le salvan el pellejo pero que lentamente erosionan quién es ella. También hay un elenco de apoyo maravilloso, particularmente Kerrie Hayes. Ella es una revelación como Viv, la pareja franca que no tiene miedo de expresar su sexualidad en público como Jean. La película también reproduce la cruda era de Thatcher al mismo tiempo que posee una sensación de elegancia. Cada escena es sublime. La película (filmada en 16 mm) logra una estética granulada mediante el uso de tonos azules suaves y primeros planos de la mirada distante y preocupada de McEwan mientras su entorno se cierra a su alrededor. El diseño de producción y los diseños de vestuario también son geniales. Y la banda sonora agrega un peso dramático a la película, complementando la constante y específicamente música de los años 80's (Blue Monday de New Order siendo la canción más reconocible).

En general, esta es una película extraordinaria sobre el prejuicio creado por Thatcher y la Sección 28, y el efecto personal de esa ley. Es una película en la que cada elemento funciona extraordinariamente bien, con la impecable actuación de Rosy McEwen que transmite el miedo y la paranoia de su situación. Y si bien es definitivamente precisa de la época de los 80's, lo que la hace tan fascinante es lo atemporal que se siente. Es porque está muy bien hecha o porque los valores sociales y políticos no han progresado mucho desde entonces? El hecho es que es un poco de ambas. Al final, Blue Jean es una película poderosa sobre aprender a amarte a ti mismo cuando todo el mundo te dice que no lo hagas. También presenta el terror de vivir con miedo y que tu vida podría terminar en cualquier momento, ya sea en sentido figurado o literal, pero ese es un subtexto omitido aquí. Esta es una historia conmovedora que proporciona un importante recordatorio de un doloroso período de transición en la historia. Es simplemente elegante, impresionante y brutalmente honesta. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Cocaine Bear

En 1985, una entrega de drogas sale mal cuando un lanzamiento aéreo de múltiples bolsas de cocaína no da en el blanco, y la mercancía aterriza en Blood Mountain dentro de un parque nacional de Georgia. En la búsqueda de las drogas perdidas están Eddie (Alden Ehrenreich) y Daveed (O'Shea Jackson), quienes trabajan para Syd (Ray Liotta), un capo criminal que es el destinatario de la droga. Henry (Christian Convery) y Dee Dee (Brooklynn Prince) son dos niños que faltan a la escuela para pintar una cascada en el parque, y su madre Sari (Keri Russell) es una enfermera que sale a buscarlos. Bob (Isiah Whitlock Jr.) es un policía que busca pruebas para encarcelar a Syd. Y la guardabosques Liz (Margo Martindale) patrulla el bosque de Blood Mountain, tratando de mantener el orden. También se mueve por el área un enorme oso, con la bestia encontrando y disfrutando de las bolsas de cocaína, listo para destrozar a personas mientras busca aún más drogas para seguir funcionando.

Con un título como Cocaine Bear, no es demasiado difícil vender ese tipo de premisa al público en general. Increíblemente basada en una historia real, es simple y va al grano, pero hacer una película en torno a una premisa simple no siempre es fácil, ya que algunos cineastas tienden a pensar demasiado durante su ejecución. Si bien la película no es perfecta de ninguna manera, tal vez piensa demasiado en su premisa y se pierde al tratar de ser más de lo que debería haber sido. Dicho esto, tiene muchos momentos brutales y sangrientos que seguramente entusiasmarán al público. Si la película hace algo bien, definitivamente es presentar el lado cursi de los años 80's. Su autoconciencia es admirable, ya que acepta su tontería y ridiculez y no trata de ser nada más de lo que es. Corta pero dulce, con una duración de alrededor de 1 hora y 30 minutos, la película no podría ser solo un oso, aunque muchas personas probablemente desearán que haya más osos. Con demasiados personajes para crear algún tipo de historia en torno al oso titular, solo confunden la narrativa hasta el punto de la insignificancia total, lo que podría hacer que la película parezca una tarea ardua de ver.

La historia de Cocaine Bear no importa más allá de dicho oso, ya que una puerta giratoria de personajes se encontró en el mismo bosque con un oso después de haber ingerido cocaína después de un accidente aéreo. Con una serie de tramas secundarias interconectadas con el oso y el bosque, la película es esencialmente una colección de piezas que nunca encajan del todo de manera cohesiva. Dentro de ese lío habían algunos momentos salvajes y divertidos destacados, pero la película parecía favorecer esas historias paralelas en lugar de simplemente dejar que el oso se volviera loco. Aunque todo tiene que estar unido a algo para que funcione, la película parecía ir demasiado lejos en la dirección equivocada con ese exceso de personajes que van y vienen y que podría haber eliminado. Simplemente estaba interesada en ponerlos en una serie de situaciones ridículas mientras intentaban sobrevivir. El problema con eso es que los personajes fueron muy simples, mientras que el oso fue dolorosamente infrautilizado como un dispositivo de la trama en lugar de un punto focal. Mientras tanto, el diálogo estuvo acorde con el tono y el ambiente general que buscaba la película.

Para su crédito y a pesar de sus muchos defectos, la película tiene algo de entretenimiento, encontrando algo de comedia oscura en su premisa tonta. La película es divertida la mayoría de las veces y, aunque el oso deja una buena cantidad de caos y destrucción (y mucha sangre) a su paso, uno no puede evitar preguntarse a dónde va todo en última instancia y cuál es el sentido de todo. Nunca hubo mucho que contar en lo que respecta a la narrativa y cuanto más dura la película, se nota. Con personajes de todo el espectro moral y ético, lo más destacado fue una enfermera y madre soltera llamada Sari cuya única preocupación era encontrar a su hija desaparecida Dee Dee que estaba en algún lugar del bosque. Al intentar fundamentar la película con algo de humanidad, fue convincente de ver, aunque solo fuera por tener una determinación identificable. Acompañándola estaba el mejor amigo de Dee Dee, Henry, quien se separó de ella cuando faltaron a la escuela para ir al bosque. Su energía juvenil lo convirtió en un ladrón de escenas consumado junto con los otros pesos pesados ​​del elenco.

Los efectos visuales utilizados para dar vida al oso estaban bien hechas en las escenas en las que aparecía, así como la sangre, las vísceras y otras partes del cuerpo que ensuciaban la pantalla a su paso. Al optar por una vibra de película de clase B de los años 80's en términos de tono, hubo algo de diversión aquí además de la premisa tonta, ya que la cámara trata frenéticamente de mantenerse al día con toda la locura y sus personajes en su mayoría exagerados. Las actuaciones fueron decentes en todos los ámbitos, destacando los mencionados Keri Russel y Christian Convery. Al obtener la mejor parte, Russell fue el corazón indiscutible de la película y usó su experiencia de vida para pensar en sus pies y sobrevivir. La energía de Convery y varias entregas de líneas graciosas fueron una delicia para ver. Margo Martindale, como guardabosques, también tuvo algunas escenas cómicas robando algunos momentos de grandes risas.

En general, esto no va a cambiar sus vidas en lo absoluto. Es un thriller/comedia con un elenco demasiado grande, un guión inteligente y un oso en cocaína durante toda la película. Por qué necesito seguir explicando eso? Es 100% verdad, y realmente no puedo imaginar que alguien encuentre el espacio para odiar genuinamente algo tan completamente sencillo y sin pretensiones como esto, principalmente porque no puedo imaginar a nadie apareciendo en una película llamada Cocaine Bear sin una clara expectativa de en lo que se están metiendo. Al final, Cocaine Bear ciertamente cumple con su premisa. Queda por ver si se convertirá o no en un clásico de culto, pero es probable que complazca a la multitud, incluso si probablemente no sea algo memorable.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: We Have A Ghost

Tomando posesión de una casa abandonada en un buen vecindario, Frank (Anthony Mackie) está tratando de crear un nuevo comienzo para su familia fracturada, con su esposa Melanie (Erica Ash) trabajando para sacar el máximo provecho de una situación no deseada, mientras que sus hijos Fulton (Niles Finch) y Kevin (Jahi Winston) se instalan en su nuevo hogar. Kevin está especialmente molesto, retirándose a su mundo musical, lo que frustra a su padre. Durante una exploración de la casa, Kevin descubre la presencia de Ernest (David Harbour) en el ático, con el fantasma mudo tratando de dar miedo, solo para encontrarse con un niño que espera comprender su situación. Cuando Frank recopila evidencia en video de Ernest, pone el metraje en línea, convirtiendo al fantasma en una sensación en Internet. Tal exposición causa fricción en la familia y también inspira la atención de la CIA, con la Dra. Leslie Monroe (Tig Notaro) reviviendo su plan para atrapar una presencia paranormal usando equipo especializado.

Cristopher Landon se ha hecho un nombre en el género de terror, escribiendo y dirigiendo películas que quizás no hayan batido récords de taquilla, pero que los fanáticos aún hablan de ellas. Personalmente, noté su nombre cuando se unió a la franquicia de Paranormal Activity. Sin embargo, sus proyectos más grandes como Happy Death Day (2017) y Freaky (2020) fueron clásicos de culto instantáneos. Debido a los guiones encantadores y las muertes ingeniosas de Landon, sus películas lo convirtieron en un director a seguir. Esa reputación continúa ahora que tenemos la película exclusiva de Netflix, We Have A Ghost.

Una familia se muda a una gran casa abandonada para arreglarla a bajo costo, donde uno de sus hijos, Kevin, encuentra un fantasma en el ático. El fantasma, Ernest, intenta asustarlo, pero Kevin se burla de él y lo graba en su teléfono celular. Esto lleva al padre Frank a crear un canal de YouTube y subir videos de las experiencias de su familia con Ernest. Ernest se convierte en una sensación viral, lo que incluso conduce a desafíos de Tik Tok que provocan escalofríos. La CIA toma nota y se involucra con querer investigar a Ernest. No obstante, Kevin huye con él en un intento por descubrir su pasado y cómo se convirtió en un fantasma.

Siendo escritor y director, Landon utiliza la película como un homenaje a películas familiares sobrenaturales y de ciencia ficción en las que creció nuestra generación. Mientras la veía, me vinieron a la mente tres películas en particular: E.T. The Extra-Terrestrial (1982), Ghostbusters (1984) y Casper (1995). Existe una angustia dentro de Kevin a la que solo Ernest puede brindar calidez, y agrega un arco emocional que no se siente fabricado. Este tipo de películas se pegan a nuestros corazones porque inducen un comfort y una nostalgia que nos lleva a un espacio seguro.

A David Harbour se le permite divertirse aquí como Ernest, ya que en realidad tiene la oportunidad de mostrar algunas habilidades cómicas. Tiene experiencia con este tipo de nostalgia debido a su participación en Stranger Things, pero la última temporada realmente no le dio mucho que hacer. Aquí tiene un propósito y eso nos ayuda a creer en la amistad entre él y Kevin. Jennifer Coolidge es un talento natural para la comedia y su extravagancia está a la vista como una médium televisiva con una colorida peluca. Siempre ha sido una ladrona de escenas, pero sus últimos papeles le han dado ese estatus de actriz de lista A que se merece.

El elenco en general crea un buen conjunto, pero como una película divertida y orientada a la familia, no debería durar más de 1 hora y 30 minutos. La dinámica familiar se explora demasiado, aunque sus interacciones ya nos cuentan su historia. Las escenas de exposición no siempre son necesarias ya que las actuaciones de los actores claramente han hecho el trabajo. Básicamente, la película va a todas partes durante su tiempo excesivo de duración, con Landon incapaz de concentrarse a veces, perdiendo un claro destino dramático. En cambio, hay ideas y sentimientos por todas partes, incluida la llegada de la Dra. Leslie Monroe, quien no tiene una posición orgánica en la trama, lo que agrega desafíos a un guión ya abrumado. Landon también pasa de loco a sincero, con la esperanza de extraer algo de emoción con el trauma pasado de Ernest, que no encaja naturalmente en la película.

En general, el director Christopher Landon ofrece un trabajo inestable al esperar crear una película en la misma línea que Beetlejuice (1988) y las películas mencionadas anteriormente, pero también quiere abordar situaciones de adultos jóvenes y frustraciones de los padres. No es una mala película, simplemente tiene demasiadas cosas y está llena de acción frenética, con Landon intentando hacer un esfuerzo para sentirse bien con una película sobre un espíritu amable que bordea entre un misterio, una comedia familiar y un drama doméstico. Al final, We Have A Ghost es una historia de fantasmas para la era de las redes sociales. Sin embargo, la película también actualiza esa historia de fantasmas, navegando por un lado diferente con tramas y tonos. Si bien We Have A Ghost es divertida, se queda más tiempo de lo esperado con un tiempo de duración de 2 horas. Puede que ese detalle no sea muy bueno, pero creo que encontrará un lugar en los corazones de una nueva generación de jóvenes fanáticos del misterio o de la comedia. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Consecration

Grace (Jena Malone) es una optometrista ferozmente independiente que vive en Londres. Si bien habla poco de su familia, es muy respetada entre sus pacientes y colegas como una médica competente y sensata. Ella recibe una llamada que le informa que su hermano Michael (Steffan Cennydd), un sacerdote de un convento conservador en el norte de Escocia, se suicidó. No creyendo la historia contada por el convento, viaja a Escocia para investigar lo que realmente le sucedió a su hermano. Rápidamente descubre que este convento inicialmente acogedor, aunque frío, tiene muchos secretos, desde el sacerdote principal, el padre Romero (Danny Huston), hasta la madre superiora (Janet Suzman) y todas las humildes monjas y postulantes. Atrapada en un lugar aislado, Grace debe descubrir los secretos que llevaron a la muerte de su hermano mientras descubre sus propios secretos oscuros al mismo tiempo.

Consecration es una película de terror sobrenatural dirigida por Christopher Smith. Hay mucho que me gusta de esta película, especialmente si están buscando un tratamiento más psicológico del cliché de la "monja aterradora". Yo, por mi parte, creo que el mundo necesita más monjas aterradoras. Las monjas han tenido un resurgimiento en el cine de terror últimamente, en parte gracias a la popularidad de la monja demoníaca Valak del universo de The Conjuring. Sin embargo, las monjas han sido aterradoras durante mucho más tiempo simplemente porque están ocultas. El mundo de las monjas, los conventos y sus rituales son buenas historias para las películas de terror.

La actriz principal, Jena Malone, es convincente y dinámica en un papel que exige mucha sutileza. La película está filmada contemplativamente, proyectando los trajes blancos de las monjas contra el verde del bosque y el gris sombrío del mar. Lo que esto significa es que te esperan numerosas tomas del personaje principal mirando cosas y pensando. Esto podría ser increíblemente aburrido, pero una gran actuación de Malone lo impide. También aprecio que la historia es un vínculo de hermano y hermana, que invita a los espectadores a considerar más a fondo la historia de los personajes ya que está más en relación con los objetivos de la narrativa.

Una cosa que no he decidido, incluso después de pensarlo un poco, es si me gustó o no la vibra de esta película. Dejame explicar. Normalmente, cuando piensas en un convento misterioso, piensas en oscuro, frío, vacío, y espeluznante. Pero este convento no es ninguna de esas cosas. Hay buena iluminación eléctrica, muchas velas, el exterior es exuberante y verde, y el edificio en sí se parece más a un lugar de celebración de bodas que a un convento. En teoría, me gusta esto como un giro sutil en el cliché tradicional. El horror no es el edificio en sí, es lo que hay dentro. No obstante, tampoco hay mucho horror adentro.

Mi principal insatisfacción con la película es el ritmo, que está relacionado con mi incertidumbre sobre la manifestación física del convento. En realidad, no hay pequeños misterios espeluznantes que resolver en el camino, ya que la película se consume más con flashbacks narrativos. El resultado de esto es que las monjas o el convento no me parecieron espeluznantes en lo absoluto, por lo que el ambiente del espacio físico no podía soportar el ritmo de la película.

Mi otra queja es una serie de cabos sueltos que se sienten minimizados debido a la narrativa excesiva de los flashbacks de la infancia y familia de Grace. Debido a que el enfoque de la película es tan central en Grace y su pasado, presente y futuro, los personajes secundarios y partes de la historia más amplia de la película se pasan por alto en su resolución. Por ejemplo, algunas de las monjas se presentan como personajes potencialmente dinámicos, pero estas dinámicas están poco exploradas. También lo es el investigador de la policía, que aparentemente está investigando todo el tiempo, en gran parte es olvidado por la película. Aún así, para el espectador que está de acuerdo con la película en que la historia de Grace es interesante, esto no importará.

En general, es difícil para mí sentarme y describir cómo esta no es una película de miedo de ninguna manera, pero aún así logra raspar ese buen horror pasado de moda que la convierte en un vistazo entretenido y memorable. El director Christopher Smith le da a la película un aire a veces cursi, pero nunca uno que le quite una dirección genuinamente impresionante. Le ayuda una saludable atmósfera inquietante y muy buenas actuaciones por parte de Jena Malone y Danny Huston. Al final, Consecration es una película para audiencias que buscan una versión más lenta y reflexiva del horror religioso. Esta es una buena opción para las personas a las que les gusta el suspenso y el drama psicológico que influyen en el género de terror. Pero si esperan monjas poseídas saltando de las sombras para condenarte al infierno, entonces querrán pasar esta película. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: The Devil Conspiracy

Hace mucho tiempo, el arcángel Miguel (Peter Mensah) derrotó a Lucifer (Joe Anderson) en una batalla, manteniéndolo encadenado en el infierno con su espada mágica. Hoy, la historiadora de arte Laura (Alice Orr-Ewing) está en Italia, visitando un museo que alberga una exhibición de la Sábana Santa de Turín, con el padre Marconi (Joe Doyle) como contacto. Liz (Eveline Hall), una importante agente de un culto satánico, interrumpe el día y roba la Sábana Santa, secuestra a Laura y da por muerto al padre Marconi. Llevando al erudito y la Sábana Santa a una fortaleza remota ubicada sobre un portal al Infierno, Liz ofrece la Sábana Santa al Dr. Laurent (Brian Caspe), quien ha estado resucitando con éxito a grandes figuras de la historia con ADN robado y mujeres reacias. Su nuevo plan implica el renacimiento de Jesús, recién corrompido por el poder del Diablo. Mientras Laura intenta resistir cualquier embarazo, el padre Marconi llama a los cielos y recibe la fuerza espiritual del arcángel Miguel, que pronto renace en modo guerrero cuando comienza a buscar a Lucifer y rescatar a Laura.

Abandonemos las definiciones tradicionales de "bien" y "mal" al considerar The Devil Conspiracy. No aplican en este caso. La película se parece en tono a la película de terror y fantasía Priest (2011). Comienza con una premisa muy intrigante, pero luego se convierte en un espectáculo de disparos que es mejor de lo que tiene derecho a ser. También es parecida a la película de terror Legion (2010), en la que el arcángel Miguel intenta salvar a una mujer embarazada cuyo hijo será el salvador del mundo después de que Satanás y sus demonios sean desatados del infierno.

The Devil Conspiracy tiene una introducción aceptable, con Laura visitando al padre Marconi durante una exposición que presenta la Sábana Santa de Turín para su exhibición pública. La historiadora de arte está allí para estudiar, dibujando estatuas cristianas mientras el padre Marconi espera persuadir a Laura de que la creencia es el camino. Mientras tanto, Liz y su equipo de satanistas armados interrumpen su reunión. El grupo toma la Sábana Santa y a Laura, regresando a su fortaleza para revelar un objetivo que incluye restaurar el poder de Lucifer, con la bestia encadenada en el sótano, que es el Infierno, y una versión completa a lo Ronnie James Dio del lugar. La película llega rápidamente al punto, exponiendo la misión del Dr. Laurent de criar una nueva generación de bebés genios a través de ADN robado, vendiendo a los recién nacidos por millones en el mercado negro. Y ahora, con la Sábana Santa, el culto puede traer de vuelta a Jesús, requiriendo que Laura lleve al bebé en su vientre.

El primer acto es un poco tonto, pero no tan desagradable, posicionando a los personajes antes de que comience la cacería. Y luego, la función se vuelve bastante repugnante, con el director Nathan Frankowski presentando una concepción horrible, en la que un demonio con forma de serpiente se abre camino en la boca de Laura, que es solo una parte de la fijación con el sufrimiento femenino que ofrece esta película. Hay gritos, procedimientos médicos forzados y agresiones sexuales, con Laura enviada a través de un escurridor en nombre del mal. Y llega aún más horror cuando intenta inducir un aborto espontáneo bebiendo cloro, lo que la lleva a un encuentro de vómito con Liz, quien está a cargo de la operación, celosa de que no pueda manejar el trabajo biológico. La película se vuelve más desagradable a medida que avanza, por lo que no queda claro a que público va dirigida la película, ya que contiene violencia gráfica y lenguaje, y su sentido de cristianismo es básicamente WWE mezclado con un servicio de iglesia un domingo.

Si creen que todo esto suena loco, The Devil Conspiracy solo está calentando motores. Los detalles de cómo se lleva a cabo este esquema y cómo Laura intenta liberarse del bebé son escandalosos. No seré más específico porque descubrir estas sorpresas es la mitad de la diversión. Tengan la seguridad de que cada vez que parece que la trama no puede volverse más loca, de alguna forma encuentra la manera. Solo esperen hasta que puedan vislumbrar el momento en Laura rompe fuente. Y la escena donde le hacen un sonograma. Y el... ya pueden hacerse una idea. Varias veces, me reí con deleite ante las situaciones locas e inesperadas a los que va la película.

Una literalidad divertida sobre el concepto bíblico del infierno es un componente clave en el valor del entretenimiento. La película comienza con una visualización dramática del arcángel Miguel cayendo del cielo, rompiendo múltiples capas de tierra y roca. Aterriza en el infierno, donde derrota a Satanás, dejándolo encadenado a una roca. Las escenas posteriores regresan al inframundo, donde criaturas demoníacas vuelan a través del cielo oscuro y las brasas calientes se mueven con el viento. La teología de la película es en blanco o negro, sin áreas grises. Satanás es muy real y tiene la intención de conquistar la Tierra una vez que se libere de sus grilletes y entre en su recipiente humano. Mientras tanto, Miguel habita el cuerpo del sacerdote recientemente fallecido, el padre Marconi, e intenta evitar el nacimiento. El bien y el mal están listos para luchar, con nada menos que el destino de toda la humanidad en juego.

Por otro lado, la película no siente la necesidad de explicar muchas preguntas persistentes, como quiénes son, específicamente, estos adoradores de Satanás y cómo le informan al diablo sobre su plan de ADN para que él pueda cooperar. Tampoco sabemos cómo se creó su proceso de clonación, cómo se financia o cómo le informan a su clientela ultra rica que los bebés están en subasta. Hay un catálogo? Una página web? Quién tiene tiempo para eso cuando hay demonios que combatir, tiroteos y el deseo de mostrar a un feto de Jesús absorbiendo toda esta locura desde el interior de un útero?

En general, no sería exagerado llamar a esto una película de terror basada en la fe. La violencia, la sangre y las criaturas ominosas son comunes, pero también hay una reverencia por la Sábana Santa de Turín, así como un final que sugiere que la fe en Jesús es la forma más segura de vencer a las fuerzas satánicas. Lo único que sé con certeza es que la película me entretuvo mucho con su locura desenfrenada. Eso les dice algo. Cualquiera que tenga un interés moderado en el cine de manera deshonrosa necesita verla lo antes posible. Al final, The Devil Conspiracy es una película de terror oscuro, sobrenatural y psicológico mezclado con un gran espectáculo de acción. Si bien la acción es estelar, la historia es lo suficientemente intrigante, pero podría haberse beneficiado de un enfoque más práctico, destacando las posibles implicaciones de entrometerse con los poderes celestiales y las ramificaciones que seguramente seguirían. Tal como es, está destinada a ser una aventura, loca, llena de fuego y azufre. Tomen la película por como viene y la encontrarán muy divertida. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Swallowed

Benjamin (Cooper Koch) es un joven listo para las brillantes luces de Los Angeles, que se prepara para intentar convertirse en una exitosa estrella del cine porno para gays. Su viejo amigo, Dom (José Colón) está listo para despedirlo, pasando su última noche juntos, yendo a clubes y discutiendo opciones, tratando de sacar lo mejor de una situación agridulce. Preocupado por cómo su amigo va a pagar por tal cambio de vida, Dom elige hacer una parada rápida antes de que termine la noche, manejando para visitar a Alice (Jena Malone), la novia de su prima, quien tiene una misión especial para el dúo. Alice tiene una pequeña colección de bolsas llenas de elementos desconocidos, y se los da a Dom y Benjamin para que los traguen, convirtiéndolos en mulas de drogas mientras se preparan para cruzar la frontera. Los hombres dudan, pero no hay forma de echarse atrás, ingiriendo las bolsas y alejándose. Sin embargo, los problemas pronto llegan dentro de un baño de una parada de descanso, cuando un hombre ataca con un golpe al estómago a Dom, iniciando un proceso digestivo que revela algo horrible dentro los hombres.

Qué harías por dinero? Es una pregunta que la mayoría de nosotros hemos pensado en algún momento de nuestras vidas. A veces, este proceso de pensamiento no es más que una consideración tonta. Pero, a veces, tiene sus raíces en lo que necesitamos, un escape, una progresión profesional o un requisito urgente para apoyar a quienes amamos. Estos temas rodean Swallowed del director Carter Smith. Mencionar el nombre de Smith implica hablar sobre The Ruins (2008), una película implacable de horror corporal. Pero Swallowed es más una película íntima y a la vez perversa. El amor no correspondido y los profundos lazos de amistad entre una estrella del cine porno gay y su mejor amigo heterosexual se ven obligados a soportar una tribulación impensable. Solo diré que nunca volveré a pensar en el contrabando de drogas de la misma manera.

Es el último día para Benjamin y Dom juntos antes de que Benjamin se mude a Los Angeles, y Dom tiene un plan que le dará un gran pago para despedir a su mejor amigo con dinero en efectivo. Cuál es el truco? Se encuentran con la amiga y posiblemente amante de la prima de Dom, Alice, quien les da instrucciones exactas a punta de pistola. Deben tragar pequeñas bolsas de drogas. Su misión es simple: dejar las bolsas de drogas en una parada de descanso al otro lado de la frontera, con cuidado de mantenerlas a una temperatura adecuada. Una vez que las bolsas estén seguras, a Benjamin y Dom se les pagará generosamente. Por supuesto, ninguno de ellos está de acuerdo con esto de buena manera. Benjamin, en particular, está horrorizado e indefenso cuando Alice lo obliga a punta de pistola a tragarse las bolsas una por una. Incluso agrega un comentario homofóbico, diciendo que Benjamin "no lo hizo mal" con la bolsa que se vio obligado a tragar.

Qué hay dentro de estas misteriosas bolsas? Digamos que es asqueroso y hace que tu miembro se mantenga duro durante 9 horas. La criatura que contiene en su interior parece tener poderes misteriosos, pero es peligroso e impredecible. Si explotan dentro de un huésped, quién sabe qué podría pasar. La película hace un excelente trabajo al hacer que uno realmente se preocupe por estos personajes. Benjamin y Dom son voluntariosos y solidarios. Dom está notablemente molesto por la inminente partida de Benjamin, y Benjamin está ocupado tratando de entusiasmarse por vivir su mejor vida como una estrella porno en Los Angeles. Antes de que el horror de todo entre en acción, Benjamin y Dom se establecen como mejores amigos, aunque coquetean mucho entre ellos.

Para aquellos que buscan elementos de terror, Swallowed tiene algunos trucos bajo la manga. Parte del contenido puede necesitar una advertencia, ya que definitivamente es un poco gráfico. La intimidad forzada tiene una calidad inquietante pero inexplicable que me dejó impactado. La película sin duda descansa sobre los hombros de la relación de Benjamin y Dom, y al final del día creo que sigue siendo emblemática de principio a fin. Una escena y giro con Mark Patton (estrella principal y leyenda de A Nightmare On Elm Street 2: Freddy's Revenge, 1985) como Rich es lo más destacado de la segunda mitad de la película. Patton interpreta al jefe de la red de contrabando de bolsas que parece estar profundamente excitado y ser depredador sexual por naturaleza. Cuando la acción eventualmente se transforma en puro horror de supervivencia, supe que la película se convertiría en una de las mejores en la memoria reciente.

Ambos actores principales entregan escenas de desnudez frontal completa, pero esa desnudez nunca se siente excesiva. Siempre está al servicio de la historia. Una secuencia en particular que le da un nuevo significado al "fisting" me perseguirá durante muchos días. La película también es un audaz recordatorio de que Carter Smith es una fuerza a tener en cuenta. Para completar el elenco bien elegido, se les une Jena Malone como Alice, su traficante de drogas. Los cuatro personajes se combinan para una película muy bien elegida, con Cooper Koch emergiendo como un chico final. La amistad entre Benjamin y Dom es algo emotiva, y la villanía de Alice y Rich los hará enfurecer.

En general, las aterradoras criaturas dentro de los intestinos de nuestros personajes no son la parte más aterradora de la historia. De hecho, muestra muchos de los horrores que les suceden a los miembros de la comunidad gay. La explotación sexual, las amenazas de violencia física, la denegación de atención médica y el aislamiento juegan un papel importante en hacer de esta la noche más aterradora de la vida de Benjamin y Dom. El sexo, las drogas y la violencia pueden ser los componentes principales en la superficie de la película, pero el tema subyacente que recorre toda la historia implica el aislamiento. Al final, Swallowed es una película de terror corporal muy inquietante. Ahora, si esperan una obra de terror corporal del gran calibre de David Cronenberg, estarán decepcionados. Claro, tiene sus momentos sangrientos, y tiene escenas que son incómodas de ver, hasta el punto de que tu cuerpo se tensa y se retuerce, pero es una película que los tendrá al borde del asiento a medida que se vuelve más rara. Si quieren que una historia de amistad se vuelva terriblemente retorcida, véanla. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.