Estrenos En Blu-ray Para El Martes 30 De Abril Del 2019

Miss Bala

Dragged Across Concrete

Arctic

Gatchaman: The Complete Series - Collector's Edition

Serenity

Level 16

Review: Avengers: Endgame

Después de adquirir los Infinity Stones para lograr el máximo poder, Thanos (Josh Brolin) fue directo al snap, destruyendo la mitad de toda la vida en la galaxia. 5 años más tarde, los Avengers están dispersos por todo el planeta, tratando de darle sentido al nuevo orden mundial, con el Captain America (Chris Evans) y Black Widow (Scarlett Johansson) todavía con la esperanza de que el snap pueda revertirse, trayendo a sus amigos y familiares de vuelta. Una ventaja prometedora llega con Ant-Man (Paul Rudd), quien logra sobrevivir el snap mientras se encontraba dentro del reino cuántico, reapareciendo con un plan para un "robo de tiempo" para restaurar el orden. Llevando una idea loca a Tony Stark (Robert Downey Jr.) para resolver todos los detalles, los Avengers están enfocados en terminar el reinado de Thanos, intentando reunir al equipo y teniendo problemas para persuadir a Bruce Banner (Mark Ruffalo) y a Thor (Chris Hemsworth) para unirse a la pelea.

Después de 11 años de entretenimiento y planificación de alta calidad que comenzó con el éxito del 2008 Iron Man, esta parte de la dominación mundial de Marvel llega a su fin con lo que probablemente sea una de, si no la película más grande de todos los tiempos, Avengers: Endgame. Es una experiencia un tanto extraña, ocasionalmente emotiva y apropiada, que concluye esta parte del universo Marvel, y aunque sabemos que hay muchas más películas de Marvel en camino, Endgame realmente se siente como la culminación de años de arduo trabajo y aventuras. No es perfecta, pero se siente como un tributo apropiado a lo que vino antes y lo que aún está por venir.

Es increíblemente difícil hablar en profundidad sobre Endgame sin arruinar la narrativa que han creado los hermanos Russo y su equipo, pero basta con decir que las mentes creativas detrás de las escenas nos han dado otra pieza de alta calidad que probablemente complacerá a los más fanáticos y al publico general por igual. El único problema es que, en comparación con su sorprendente antecesora y de ritmo perfecto, Endgame se siente un poco más formulada y larga. Si, es más delicada en cierto modo, pero Infinity War nos dio una experiencia que fue inesperada, emocional y épica, y aunque Endgame tiene esto en partes, no es tan amplio como la experiencia del año pasado. Se atan cabos sueltos y se finaliza en gran parte lo que se ha presentado antes a lo largo de los años.

Muchos de estos finales y relaciones de la trama complacerán a aquellos que han invertido tanto en una serie que ha estado operando en un nivel extremadamente alto durante varios años. Es solo que Marvel casi se superó con Infinity War, haciendo todo por los números y la lógica en Endgame con más resultados de lo habitual. El otro pequeño problema con la película es el muy comentado tiempo de duración de 3 horas y, mientras que la película comienza con algunas cosas inesperadas y cargada de emoción, hay un claro comienzo tardío y una sección central de la película que a veces se arrastra y cubre un terreno que ya se ha visto. En términos relativos, el tiempo de duración nunca es perjudicial para los momentos de diversión.

Esta diversión viene en muchas formas, con aspectos destacados como el nuevo estilo de vida de Thor, el papel más prominente de Hulk y la incorporación de Captain Marvel a la familia de los Avengers. Las grandes escenas de acción de la película (hay que decir que no son tan abundantes) son dignas de ver, con Marvel una vez más mostrando su capacidad para manejar estas escenas y efectos visuales tan bien, si no mejor, como todos los demás. El departamento de actuación siempre ha sido una de las fortalezas principales del Universo Cinematográfico de Marvel, ya que los actores aparecen con frecuencia, ya sea como héroes y villanos. Esa estrategia se redime en Endgame, especialmente cuando ciertos personajes tienen un tiempo en pantalla relativamente limitado, pero se las arreglan para hacer que su presencia cuente. Las estrellas indiscutibles de la película son los Avengers que lo empezaron todo. Chris Hemsworth brilla a lo largo de la película como un Thor que tiene elementos de comedia y otros... un poco patéticos, mientras que Mark Ruffalo irradia encanto e inteligencia a través de un CGI cada vez mejor como Bruce Banner y su no tan malo alter ego verde: The Hulk. Scarlett Johansson y Jeremy Renner tienen más que hacer como Black Widow y Hawkeye en esta película como nunca antes, y sus esfuerzos combinados destrozarán sus almas. Chris Evans como Captain America aporta gran calidez y fuerza a su papel casi estoico, por lo que es perfectamente legítimo que se llore y se grite por un hombre que, de forma algo ridícula, está envuelto en una bandera estadounidense. Por encima de todo, esta película de Avengers pertenece, de manera más apropiada, a Robert Downey Jr., ya que transmite bellamente todos los matices, capas de crecimiento y la madurez ganada de su personaje, lo que nos da la prueba de que Tony Stark si tiene un corazón.

En general, la película toma una dirección completamente diferente de lo que originalmente esperaba. Por un lado, es mucho más divertida de lo que pensaba, pero también tiene momentos muy emotivos. Tampoco es nada como Infinity War. Es básicamente una mezcla de muchas otras películas de Marvel, todas envueltas en una película de robo de tiempo épica. El tiempo de duración se vuelve un poco problemático a veces, pero cuando la secuencia de la batalla final llega, se olvida todo. Aquellos que se sintieron decepcionados o desanimados por Infinity War se alegrarán al ver esto. Al final del día, ha sido un período increíble para Marvel, ya que podría decirse que no hay fracasos absolutos y una gran cantidad de grandes éxitos durante 11 años consecutivos, y si bien Endgame no es la mejor de las mejores, sigue siendo un final poderoso y cargado de emociones que enorgullece al Universo Cinematográfico de Marvel. Al final, Avengers: Endgame es una película sobre el sacrificio, el amor y la pérdida, y una conclusión colosal para una saga épica. Aunque no es tan sorprendente como Infinty War, Endgame sigue siendo una película de alta calidad y un final apropiado para esta fase del Universo Cinematográfico de Marvel, y aunque es triste despedirse de esta era en particular, es emocionante ver lo que vendrá para el futuro. Nota adicional: no hay escenas adicionales en o después de los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Textless De La Semana

Avengers: Endgame

Review: The Curse Of La Llorona

En Los Angeles, 1973, la viuda Anna Garcia (Linda Cardellini) está luchando por criar a sus dos hijos, Samantha (Jaynee-Lynne Kinchen) y Chris (Roman Christou). Ella trabaja como trabajadora social, y se le asignó a investigar a Patricia Alvarez (Patricia Velásquez), una conocida que ha sido denunciada por abuso infantil. Al entrar en el apartamento de Patricia, Anna encuentra a los niños en peligro, escondidos en un armario, y es advertida de no abrir la puerta. Ignorando el consejo, Anna expone a los niños a la ira de la Llorona, un espíritu que se alimenta de los niños con el fin de ahogarlos para acabar su tormento. Al principio escéptica de tal historia, Anna es atacada pronto por la Llorona, quien maldice a Samantha y Chris, marcándolos como sus nuevas victimas. Sin saber qué hacer con este espíritu maldito, Anna encuentra ayuda en el Padre Perez (Tony Amendola) para que la guíe y en Rafael (Raymond Cruz) para que tome acción, con la esperanza de salvar a sus hijos de una muerte segura.

El universo de The Conjuring adquiere exitosos íconos y dispositivos de películas de terror, como demonios, muñecas poseídas, exorcistas, The Amityville Horror y James Wan, que ahora nos presenta conscientemente cuentos de monstruos y historias de fantasmas del mundo como parte de su propio universo de The Conjuring. El folklore mexicano no es una excepción a su ambiciosa lista imperialista para el universo de The Conjuring. Se dice que la Llorona es el espíritu vagabundo de una mujer que asesinó a sus hijos después de que su amante la traicionara al casarse con otra mujer. Rechazada por San Pedro hasta que ella pudiera llevar las almas de sus hijos con ella a las puertas del cielo, deambula por la tierra llorando y diciendo "¡Ay, mis hijos, mis hijos!". Su apariencia se dice que es un signo de desastre o de muerte inminente.

Esta película de la Llorona no es la primera en la historia del cine. La primera fue La Llorona (1933), que se realizó cuando la industria cinematográfica mexicana comenzó a hacer películas con sonido durante la época dorada del cine mexicano (la película se puede ver completa en YouTube). The Curse Of La Llorona no tiene que ver nada con esa película, y tampoco es un remake o reboot de esa historia. La Llorona es solo The Nun reempaquetada en esta película de la saga de The Conjuring para asustar a la gente como un mecanismo de casa fantasmagórica. Sin embargo, la película sigue una trama básica de que la Llorona busca el sacrificio de los hijos de otras familias para reivindicar sus propias víctimas, sus dos hijos. Cuando Anna Garcia, una trabajadora social y viuda que cría a sus dos hijos en Los Angeles en 1973, es llamada para verificar uno de sus casos, encuentra signos de maltrato. A medida que profundiza, encuentra sorprendentes similitudes entre el caso y los terribles sucesos sobrenaturales que acechan a su familia. Recurriendo a la ayuda de un curandero local, descubre que la Llorona se ha adherido a ella y su familia y no se detendrá ante nada para llevarse a sus hijos.

En resumen, toda la trama es que los hijos de una trabajadora social se convierten en el objetivo de la Llorona después de que ella interrumpió por error un exorcismo de Patricia Alvarez para proteger a sus propios hijos. La trama retorcida es sorprendentemente notable porque Patricia Alvarez se vuelve contra Anna y le pide a la Llorona que consiga venganza por sus hijos (este es el aspecto psicológico de la película). Pero, la Llorona en sí misma es demasiado mecánica, y como resultado, no hay ninguna interacción emocional en esta película. Además, depende en gran medida de los sustos esporádicos y la composición de la Llorona (al igual que The Nun) carece de un enfoque más profundo de una interesante historia escalofriante. Asimismo, utiliza herramientas contra los vampiros (la cruz, la biblia y el agua bendita) para tratar con la Llorona y la tendencia creativa para inventar un tipo de atracción cinematográfica espeluznante.

En el departamento de actuación, Linda Cardellini da un desempeño pasable como Anna. Es una mujer convincente y valiente, que solo quiere hacer lo mejor para cualquier niño, no solo los suyos. Raymond Cruz interpreta a Rafael. Su personaje apenas tiene algún tipo de desarrollo de carácter decente, pero funciona lo suficientemente bien como un alivio cómico para calmar el tono demasiado oscuro de la película. Hay una cosa que hay que mencionar acerca de su personaje de curandero y ex sacerdote. Él usa a Anna y sus dos hijos como carnada para atraer a la Llorona para crear la oportunidad de deshacerse del malvado espíritu de una vez por todas. Su pasividad durante la crisis de la familia de Anna es algo nuevo en este tipo de película de exorcistas. Los niños Jaynee-Lynne Kinchen y Roman Christou son muy buenos en sus interpretaciones, pero Patricia Velásquez está muy por encima de su rendimiento, lo que no la ayuda, ya que su personaje no es tan bueno. Y como es de esperarse, todos los personajes de esta película toman decisiones cuestionables que conducen a eventos evitables (algo inevitable en las películas de terror).

En general, no es tan mala como The Nun, permítanme decirlo de inmediato, y honestamente, es un buen cumplido para una película de terror típica y con demasiados clichés. El director Michael Chaves realmente salva lo que pudo haber sido un desastre con otro director. Manejó maravillosamente las secuencias de una sola toma, y entregó algunos sustos imaginativos, incluso si la mayoría de ellos carecen de temor real. Lamentablemente, todos los personajes se ven obligados a tomar decisiones estúpidas para hacer avanzar la trama, y ​​algunos personajes necesitan más atención y más enfoque para contar sus historias en lugar de solo crear una sensación de miedo. Al final, The Curse Of La Llorona es una película pasable. Aquellos que quieran disfrutar de una atracción de casa fantasmagórica deben ver esta película. Sin embargo, los fanáticos del género de terror que buscan un drama de terror psicológico profundo basado en el folklore de Mexico/América Latina serán simplemente entretenidos. Desgraciadamente, la película pudo y tuvo el potencial de haber explorado el aspecto psicológico de la Llorona en lugar de solo crear una casa espeluznante. Es mejor que The Nun, pero no por mucho.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 23 De Abril Del 2019

Destroyer

Escape Room

I Spit On Your Grave: Deja Vu

Review: Lizzie

En 1892, Lizzie Borden (Chloe Sevigny) es una mujer soltera de 32 años con problemas médicos y sin perspectivas románticas, lo que la convierte en una carga para su familia. Su padre Andrew (Jamey Sheridan), es un despiadado hombre de negocios que tiene poca paciencia con la incapacidad de su hija para convertirse en una dama de la sociedad, haciendo planes secretos con su cuñado/banquero John (Denis O'Hare) para que saque de sus manos una herencia considerable. Tratando de sacar el máximo de una vida triste, pasa su tiempo con aves en su pajarera, pero la atención de Lizzie se dirige rápidamente a Bridget (Kristen Stewart), la nueva criada. Con el objetivo de ofrecer su compañía y una educación, Lizzie desarrolla un interés por Bridget, disfrutando de una fuerte de atracción. Mientras intentan mantener sus sentimientos reprimidos por el bien del empleo de Bridget, Lizzie se vuelve cada vez más desesperada por escapar del control de su padre, buscando una forma de recuperar su vida y sentir la libertad psicológica que tanto desea.

Dirigida por Craig William Macneill, Lizzie se basa en la historia de Lizzie Borden, quien fue acusada y posteriormente absuelta de los asesinatos con un hacha de su padre y madrastra en Fall River, Massachusetts en 1892, un crimen que al día de hoy aún sigue sin resolverse. La película presenta a Borden como un protofeminista que ataca la opresión patriarcal, la homofobia y el acoso sexual. Sorprendentemente contemporánea en sus preocupaciones temáticas, esta película adopta la perspectiva del movimiento MeToo, y propone una versión de los eventos en los que Borden se ve obligada a luchar activamente contra una vida de subyugación. Aunque el ritmo extremadamente lento enloquecerá a algunos espectadores, y molestará a aquellos con el conocimiento de los hechos históricos, hay algunos elementos para elogiar aquí, específicamente una cinematografía fantástica y actuaciones excelentes e impecables de sus dos protagonistas.

Uno de los aspectos más interesantes de Lizzie es su estructura narrativa. Comenzando el 4 de agosto de 1892 cuando se descubren los cuerpos (invisibles), volvemos seis meses antes, con la llegada de la criada Bridget Sullivan. En ese momento nos enteramos de que Lizzie, de 32 años, vive con su padre dominante Andrew, su madrastra Abby y su hermana mayor Emma. Cuando Bridget llega como empleada doméstica, ella y Lizzie desarrollan rápidamente una conexión, con Lizzie intentando enseñarle a leer y escribir. Más tarde, Lizzie descubre que su padre Andrew está regularmente acosando sexualmente a Bridget y, eventualmente, la amistad se vuelve romántica. Sin embargo, cuando Andrew se entera de ello, le prohíbe a Lizzie ver a Bridget, algo que Lizzie se niega a aceptar. En la segunda representación del 4 de agosto, se nos muestran los cuerpos, pero aún no vemos los asesinatos. La película luego avanza al juicio de Lizzie, antes de volver a mostrar el 4 de agosto, esta vez mostrando los asesinatos a sangre fría. Esta estructura está bien manejada en su mayor parte, y tiene una serie de ventajas. Por un lado, permite que la película cubra todos los sucesos, mientras utiliza los asesinatos como un clímax poderoso y muy efectivo. También permite que la película genere tensión alrededor de un evento que uno como espectador sabe que viene, al no mostrar los asesinatos (dos veces), y el efecto que tiene cuando realmente los representa es mucho más impactante, colocando una envoltura adecuada en lo que es esencialmente una historia de amor prohibido.

Desde un punto de vista estético, hay mucho que elogiar, ya que la cinematografía es particularmente ejemplar. Además, el diseño de producción y la fotografía dan lugar a un sentido restrictivo y claustrofóbico de las cosas. Vale la pena mencionar cómo el director Craig William Macneill usa la completa desnudez frontal hacia el final de la película. Aunque sin duda será acusada de gratuita por algunos, no solo es históricamente exacta, sino que es impactante, necesaria y hace una declaración poderosa. Como una narrativa del empoderamiento femenino (aunque también homicida), la mayoría de los temas principales de la película se relacionan con el combate a las restricciones patriarcales representadas principalmente por su padre Andrew, su tío John y su madrastra Abby, quien refuerza la hipocresía patriarcal al someterse sin cuestionamientos. Presentando a Lizzie como una mujer con pocas opciones en una sociedad que la desprecia porque no está casada a sus 32 años, la película muestra a un espíritu libre viviendo en una jaula, y expone los asesinatos, al menos en parte, como su intento de liberarse de tales restricciones. Asfixiada por un gobierno patriarcal autoritario incuestionable, Lizzie se convierte esencialmente en una heroína protofeminista, que se rebela activamente contra el dominio de los hombres y las mujeres.

Al presentar la relación de Lizzie y Bridget como un romance prohibido que tuvieron que ocultar debido a la intolerancia moral de la época, la película adopta una sensibilidad del movimiento MeToo, ya que luchan contra el juicio justo, el abuso sin control y la opresión sancionada por la sociedad. En este sentido, cuando Lizzie y Bridget se desnudan antes de los asesinatos, no solo se desvisten para evitar que la sangre caiga en su ropa, sino que repudian las prendas que las han restringido en un sentido físico tanto como los hombres en un sentido ideologico. Hay, sin embargo, algunos problemas en esta película. Por un lado, la película carece de energía, y el ritmo extremadamente lento dejará a algunos espectadores muy aburridos. Además, aparte de Chloe Sevigny, Kristen Stewart y Jamey Sheridan, el resto del elenco se desperdicia, especialmente Fiona Shaw, Denis O’Hare y Kim Dickens. Ninguno de sus personajes parece poseer ningún tipo de historia de fondo, sino que existen casi exclusivamente como prototipos (la malvada madrastra, el tío avaro y la fría hermana mayor). Quizás el problema más grande es que la película parece estar en guerra consigo misma. Por un lado, quiere ser una historia elegante y apropiada de un período en que las mujeres intentan hacer una vida por sí mismas en una sociedad victoriana no predispuesta a permitirlo, pero por el otro, quiere presentar una historia moderna de asesinato y homosexualidad femenina.

En general, la película cuenta la historia de una víctima inicialmente impotente que arremete y, literalmente, mata la autoridad patriarcal. Sin embargo, los intentos de la película de alzarse en los valores morales del siglo 21 no funcionan del todo, principalmente porque el guión se inclina a favor de Lizzie en un grado ridículo, ya que presenta la tiranía extrema de Andrew, las intimidaciones de John, el negativismo de Abby de defender la situación de sus hijas, y también la retórica protofeminista y el humanitarismo de Lizzie. Asimismo, la película elimina cualquier confusión y la mayor parte de su fuerza presentando una historia binaria del bien justo matando al mal hipócrita, en lugar de un asesinato con muchas facetas. Al final, Lizzie es un cuento gótico contado desde una perspectiva MeToo. La película trata de ser muchas cosas a la vez, (una historia feminista, una defensa de la homosexualidad femenina, un misterio de asesinato, un drama de época), pero termina cayendo en tierra de nadie entre los géneros. Aún así, hay aspectos de la película que son agradables, eso es si pueden ver más allá de su irritante ritmo.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Arctic

Overgård (Mads Mikkelsen) es el único sobreviviente de un accidente de avión en el Polo Norte. Se ocupa metódicamente en sobrevivir cuidando la tumba de su copiloto, raspando la nieve para deletrear SOS y pescando en los agujeros de hielo. De vez en cuando se encuentra con las huellas de un oso polar que lo hacen explorar nerviosamente el horizonte. También intenta hacer que su radio funcione sin éxito, por lo que esencialmente espera que alguien venga a rescatarlo. Eventualmente, alguien lo hace, pero eso termina en una catástrofe, ya que el helicóptero pierde poder y, azotado por los vientos polares, se estrella en la nieve. En esta situación, uno de los pilotos no lo logra y la sobreviviente (Maria Thelma Smáradóttir), gravemente herida, tiene momentos que está consciente y otros inconsciente. Overgård la atiende tratando de que ella coma el pescado crudo que puede atrapar. Él recoge los suministros que puede del helicóptero y llega una decisión... la chica no sobrevivirá si no puede ponerla a salvo. Decide que dejará el refugio del avión y construye un trineo improvisado para trasladar a la chica a un campamento estacional en el mapa detallado que encontró en el helicóptero.

Vi Arctic por una sola razón: Mads Mikkelsen. Él tiene una habilidad de actuación increíble y una personalidad aún mejor (o al menos una personalidad pública). Él es humilde y le da todo su corazón a cada proyecto en el que participa. No importa si es una película pequeña de un director desconocido o un gran éxito de taquilla de la franquicia de Marvel o Star Wars. Me encantó Mads por su interpretación del Dr. Hannibal Lecter en la serie de televisión Hannibal, pero mi verdadera apreciación vino después de ver la película The Hunt (2012). Ahora... Arctic es una película de un solo actor. Aparte del papel muy pequeño de una actriz tailandesa desconocida, Maria Thelma Smáradóttir, Mads Mikkelsen es la única cara que seguimos durante 1 hora y 38 minutos. No podría haber pensado en una mejor opción para ese desafío. La cara de Mads puede mostrar volúmenes de sentimientos y puede decir todo sin palabras. Ese detalle fue definitivamente lo que logró crear la magia de la película.

La historia se centra en Overgård, un piloto cuyo avión se estrelló en algún lugar cerca del Polo Norte. A través de su rutina, él quiere establecer una conexión con la civilización. Escribe SOS en la nieve, atrapa peces e intenta cargar un radio con la fuerza de sus músculos. Pasa cada hora haciendo, planeando y aumentando las posibilidades de ser rescatado. Pero su rutina de sobrevivencia cambia debido a otro accidente, esta vez un helicóptero. Una mujer sobrevive pero tiene una herida y ahora está enferma. No puede abandonar la cama y apenas está consciente, por lo que Overgård decide salvarla por cualquier medio que sea necesario. La película en sí no podría diferir mucho de cualquier otra de sobrevivencia. La sobrevivencia humana en un hábitat difícil no es un tema muy amplio y creo que el cine ha explorado esto al menos mil veces. El arte se encuentra en la expresión y el crear una atmósfera de empatía. Los pensamientos sobre lo que haría en una situación así me tuvieron reflexionando durante toda la película y aún después de haber terminado. El reflejo de la humanidad y nuestra ética se contó casi en silencio y me sorprendió con preguntas a las que creía conocer las respuestas.

A lo largo de toda la película, el tema del hombre contra la naturaleza sobresale, y el conflicto principal (junto con un oso polar) es el efecto que la naturaleza puede tener en los seres humanos. Gran parte de las películas de sobrevivencia se basan en la naturaleza abrumadora, que lentamente, pero seguramente, mata a los personajes. Incluso si es a través de la congelación, o la falta de ingenio o las condiciones, queda claro que la naturaleza casi siempre prevalece. La película compite de manera competente, con un tono que parece muy apropiado. Junto con la música, la película tiene una apariencia realista y algo trágica. Mads Mikkelsen es el pilar de toda la película, presentando un sobreviviente dispuesto a cualquier cosa. A pesar de que la mayor parte de la película es visual, su actuación se destaca en el tiempo de duración de la película. Lo único que no me gustó fue cómo su diálogo (siendo muy poco) cambiaba entre inglés y danés. A pesar de esto, fue muy fácil imaginar a Mikkelsen como Overgård. Su actuación es fuerte y convincente. El trabajo cinematográfico fue muy hermoso, especialmente porque filmaron la película mientras la nieve se estaba derritiendo. Me hizo apreciar la belleza de los paisajes helados, y el ver todos los icebergs fue algo magnífico y fascinante.

En general, la película es simplemente impresionante, emocionante y sincera. Mads Mikkelsen ofrece una actuación brutalmente honesta con Maria Thelma Smáradóttir proporcionando un personaje secundario sólido. Pero no se equivoquen, este es completamente el show de Mads Mikkelsen. Él manda en la película y en mi opinión, hasta el momento, da una de las mejores actuaciones de lo que va del año. Esta es una película realista, cruda y de ritmo lento de sobrevivencia, con una hermosa cinematografía, actuaciones honestas y secuencias impresionantes. Con una duración de 1 hora y 38 minutos, la película es lo suficientemente larga para brindar historias a sus personajes y secuencias increíbles, pero lo suficientemente corta para no estancarse. Esta película no toma atajos y no tiene misericordia de la historia de Overgård, ya que debe hacerlo todo bien por sí mismo (lo que es un cambio a la idiotez que se ve con frecuencia en las películas de sobrevivencia). Al final, Arctic es una película de ritmo lento con la historia simple de el hombre contra la naturaleza. El término menos es más se aplica aquí, y con una buena narración visual siempre se tiene una buena idea de lo que va a suceder en una película con diálogos muy limitados o casi ninguno.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Hellboy

Como agente del Bureau Of Paranormal Research and Defense, Hellboy (David Harbor) es un demonio difícil de derribar. Guiado por Trevor (Ian McShane), su padre adoptivo, la última misión de Hellboy lo lleva a México, donde su incapacidad para ayudar a un colega lo deja destruido y sin un propósito. Regresando al B.P.R.D., Hellboy tiene la tarea de ayudar a un grupo de ingleses a eliminar unos gigantes, pero encuentra su camino hacia la Blood Queen Nimue (Milla Jovovich), una antigua hechicera con una historia con el Rey Arturo, ya que picó su cuerpo en pedazos y lo dividió por todo el mundo para evitar los planes de que encontrara una pareja y se apoderara del mundo. Junto con Alice (Sasha Lane), una médium que apenas se acostumbra a sus poderes, y Ben (Daniel Day Kim), un hombre/animal, Hellboy intenta evitar la unión de los pedazos de Nimue, encontrando su camino al éxito bloqueado por demonios, monstruos y sus propias dudas sobre un origen incierto.

Las películas originales de Hellboy son buenas, pero no son el mejor trabajo de Guillermo Del Toro. En la clasificación de las películas de Del Toro, Hellboy caería en una cuarta posición, después de Pan's Labyrinth. Menciono esto porque es injusto protestar porque Del Toro no dirigió esta nueva película de Hellboy. Por lo que he leído en internet, la gente está molesta con el director Neil Marshall por tener la audacia de adaptar una nueva película de Hellboy. Y, antes de ver la película, debo confesar que estaba de acuerdo. Solo he visto dos películas de Marshall, The Descent (2005) y Doomsday (2008), y para ser sincero, The Descent es bastante buena pero Doomsday no me impresionó. Los trailers y David Harbour tampoco hicieron nada para ayudar a motivarme. Sin embargo, vi la película y me alegra decir que esta nueva adaptación de Hellboy es muy divertida.

Una cosa que no me gustó de las películas originales de Hellboy es que cambiaron demasiados elementos de la historia para mi gusto. Hacer de Hellboy una conspiración del gobierno y Liz un interés amoroso no se sintió muy acertado. Esta nueva película de Hellboy toma muchos elementos de los comics, y su tono general refleja mucho mejor las novelas gráficas de Mike Mignola. En ese mundo, las personas saben quién es Hellboy y no se asustan cuando lo ven. Lo que nunca estuvo en los cómics es el nivel de malas palabras que hay en esta película. Supongo que realmente estaban presionando para una fuerte clasificación R. Además, la película ofrece muchas secuencias de acción violentas, sangrientas y de mucho gore. Casi parece un videojuego sangriento con Hellboy batallando con gigantes, bestias demoníacas y brujas. Esperen un montón de extremidades volando, tripas y baños de sangre por todas partes, lo que funciona bien para este tipo de película. Algunas escenas de acción son impresionantes y tienen un gran soundtrack de música rock de fondo (Psycho de Muse, Suffocation Blues de Black Pistol Fire, Welcome To My Nightmare de Alice Cooper y Kickstart My Heart de Mötley Crüe) durante esas secuencias.

Ver a Hellboy de nuevo peleando y disparando es un placer. El personaje se ve fantástico, excepto por algunos momentos en los que los cuernos se mueven demasiado sobre su cabeza y el maquillaje se ve borroso (pero estos son momentos raros). He leído algunas críticas sobre el nivel extremo de gore en esta película, pero creo que el gore le da un toque especial. Soy un fan del gore, pero en esta película es un gore bueno. Es como si intentaran adaptar los comics de Hellboy mezclandolos con las películas de horror de la Hammer, y otros comics como Tales From The Crypt y Creepshow. También he leído muchas quejas de que hay demasiadas cosas entrecortadas en la película. Admito que unen muchas cosas pero, para ser justo, eso no es muy diferente a los comics de Hellboy. El creador Mike Mignola a menudo encaja muchos elementos separados en una sola historia (seamos honestos, es más un tipo de ideas que de planificación). Personalmente, me gustó que esto tuviera muchas cosas sucediendo ya que nunca se vuelve lenta.

En el departamento de actuación, David Harbour está perfectamente elegido como el personaje principal. Hellboy es poderoso, mientras se enorgullece de tener montones de ingenio. Harbour hace a su personaje diabólicamente divertido y le hace justicia a Hellboy, entregando excelentes one-liners y lo mucho que le molesta el tener que salvar al mundo. Lamentablemente, Milla Jovovich como la villana Nimue es terrible, y no de una manera cursi ni agradable. Ella lucha por transmitir un sentido de amenaza, pero su entrega de diálogo cambia entre lo serio a lo cómico, haciendola nada amenazante. Tampoco ayuda que Nimue sea una antagonista débil que promete mucho y que finalmente no logre nada. Ian McShane intenta agregar un poco de carisma a la película con la distorsionada relación de padre/hijo con Hellboy como el profesor Broom. La película entrega mucha información a un ritmo rápido, por lo que nunca hay un momento aburrido, excluyendo la lucha final de Nimue y Hellboy... fue breve y muy decepcionante. Realmente, esta no es una mala película, de hecho, incluso espero que tenga secuelas. Tal vez incluso una trilogía en esta ocasión, en lugar de otro remake.

En general, es extraño leer que una gran cantidad de gente odie esta película. Me hace pensar en Venom, del año pasado. Los críticos de cine (la mayoría personas infelices con vestimentas y apariencias pretenciosas) odiaron Venom, pero los espectadores la disfrutaron, y me incluyo. Hellboy está recibiendo el mismo tipo de tratamiento injustificado, no es perfecta, pero en realidad es muy divertida. Exhorto a cualquiera que se considere un verdadero fanático de Hellboy, los comics, los personajes y no solo de las películas de Guillermo Del Toro/Ron Perlman a verla. No me malinterpreten, me encantaron las películas de Guillermo Del Toro, el hombre crea cuentos hermosos y modernos y esta película fue inteligente en no intentar replicar nada de eso. En su lugar, esta película tiene más en común con Army Of Darkness de Sam Raimi, ya que tiene violencia y gore no aptas para aquellos con un estómago débil y tiene malas palabras de manera frecuente. Al final, Hellboy es muy diferente de las dos películas anteriores. David Harbour hace un trabajo fantástico como Hellboy y la película recurre mucho más al material del comic que las películas anteriores. Si les gustan o son fanáticos de los comics de Hellboy, disfrutarán de esta película. No está ni cerca de ser perfecta, pero tiene mucho humor, acción y fantasía para mantener a uno interesado. Nota adicional: hay una escena extra durante los créditos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Assassination Nation

Lily (Odessa Young), Sarah (Suki Waterhouse), Bex (Hari Nef) y Em (Abra) son las típicas chicas modernas de secundaria que se pasan sexting, teniendo relaciones sexuales y vivendo sus vidas predominantemente a través de sus teléfonos celulares. Su pequeña comunidad de Salem, Massachusetts se ve sacudida cuando el teléfono del alcalde es hackeado y su vida privada, incluidas varias fotografías comprometedoras, aparecen en línea y la noticia se vuelve viral. Pero él no es la única víctima, la vida digital secreta y las conversaciones privadas del director de la escuela secundaria también son expuestas en las redes sociales. Mientras que las jovenes disfrutan burlándose y discutiendo sobre la filtración de contenido privado, muchos adultos están molestos con el liderazgo de la ciudad y la escuela. Pero una grieta comienza a formarse y crece exponencialmente cuando un hacker no identificado filtra la mitad de la información explícita y secreta de la ciudad. La culpa eventualmente recae sobre las jovenes, Lily en particular, poniendo en marcha una batalla sangrienta para sobrevivir a la furia de la gente del pueblo.

El arte refleja a la sociedad, y cuando la sociedad crece dividida y divisiva, el arte lo reflejará, y tal es el caso de Assassination Nation. Esta película definitivamente no es para todo el mundo, ya que va a lugares incómodos, y lo hace de una manera espectacular. Centrada alrededor de un cuarteto de jovenes superficiales, rebeldes y más preocupadas por obtener un me gusta en Instagram que por buenas calificaciones, y que culmina en una orgía sangrienta de violencia de género, la película parece intentar ofender a todo el mundo. Desde los guerreros de la justicia social de la izquierda, los fetichistas de la segunda enmienda de la derecha, los Millennials que nunca han conocido la vida sin las redes sociales, y hasta los Baby Boomers que simplemente no pueden entender por qué volverse viral es tan importante, todos están en el medio de la situación. Sin embargo, la ira satírica está dirigida más específicamente a aquellas personas que tienden a ver las inclinaciones de las mujeres jovenes sexualmente agresivas (o sexualmente seguras) a través de lentes teñidos de misoginia como la ruina de la sociedad. La película comienza como un comentario sobre una sociedad cada vez más definida por la histeria en línea y la erosión de los conceptos tradicionales de la privacidad, pero se agota en su tercer acto y trata de asumir demasiados problemas. Sin embargo, esto es algo perceptivo, con una tesis sociopolítica sólida y una narrativa salvajemente satírica.

La película cuenta la historia de cuatro amigas de la secundaria relativamente normales, pero cuando la mitad de la población de la ciudad es hackeada y toda su información se hace pública, el cuarteto y Lily en particular, se encuentran bajo fuego por la población de de la ciudad. La situación aumenta a medida que la ciudad se encuentra cada vez más militarizada y polarizada. Assassination Nation funciona principalmente, si no del todo, a modo de exageración. Esto no es realismo social, en cambio, acentúa el daño de cómo algo podría resaltar la obsesión real de nuestra propia sociedad con las redes sociales y la importancia asociada a la privacidad digital. Es posible ridiculizar la película como el peor tipo de exceso imaginable del movimiento MeToo, o celebrarlo como un examen de los orígenes de un empoderamiento femenino creado por esas mismas fuerzas que llevaron a crear el MeToo. La película toma como su punto de partida el miedo a las mujeres (en particular con respecto a la sexualidad), algo que puede inculcar el status quo patriarcal. La película presenta un patriarcado que cree firmemente que si las mujeres jovenes visten de manera provocativa sufrirán algún tipo de consecuencia.

Los temas presentados aquí son una de las fortalezas de la película, pero también una de sus debilidades, debido a la gran cantidad de temas que se tocan. La misoginia, el feminismo, el empoderamiento femenino, las redes sociales, el acoso sexual, el movimiento MeToo, el acoso escolar, la cultura de las armas, la masculinidad tóxica, el racismo, la privacidad digital, la desensibilización, y la hombría. Una escena en particular son los dibujos de Lily sobre mujeres desnudas en posiciones sexualmente provocativas. El director Turrell le dice a Lily, "esto es la escuela secundaria, y con justicia o injusticia, hay límites a lo que puedes decir", mientras Lily trata de argumentar que la desnudez no necesariamente tiene que ser sexual. Adoptando una defensa feminista, Lily dice que su arte refleja lo difícil que es para las mujeres expresarse en una cultura saturada y obsesionada con los selfies, y explica: "No se trata de la desnudez, se trata de las miles de selfies desnuda que tomaste para conseguir solo una, la correcta".

De aquí en adelante surgen algunos otros temas. Por ejemplo, la firmemente creencia de que la privacidad es una cosa del pasado. En relación con esto, la película aborda las formas en que las jovenes están representadas en las redes sociales, deconstruyendo y satirizando las suposiciones misóginas que sustentan muchas de nuestras actitudes hacia el comportamiento en línea. De hecho, la hipocresía y las actitudes de "soy más santo que tú" que la mayoría de las personas asumen en Internet aparecen en primer plano cuando se filtran imágenes desnudas de la hija de seis años del director Turrell en el baño, y el pueblo lo acusa de ser un pedófilo. Desafortunadamente, debido a que la película aborda tanto, muchos de los problemas se plantean solo para tocarlos una o dos veces, y luego se eliminan. Además de tratar demasiados temas, la película tiene un gran defecto, y es que el último acto se convierte esencialmente en The Purge, en donde las chicas, tan cómplices como todos los demás en la primera parte de la película, ahora se convierten en las líderes de un grupo de vigilantes y vengadoras que se enfrentan a la intolerancia nacida del fanatismo de la derecha, un conflicto basado principalmente en cuestiones de género, aunque no exclusivamente (hay algunos hombres del lado de las jovenes y viceversa). Es un desenlace decepcionantemente simplista dada la complejidad y la profundidad temática de toda la narrativa de la película.

En general, la película muestra una ansiedad cultural que es únicamente contemporánea, y aprovecha en presentar algo nuevo y relacionado a la cultura humana. Es una película inteligente que examina temas de gran importancia independientemente de cual sea su afiliación política. Si bien es inmensamente fuerte (como también perturbadora) en su descripción de la política de género entre los adolescentes, la cultura de las armas, el comportamiento en línea, entre otras cosas, se tambalea cuando se trata de la dinámica de la narrativa, y termina de una manera un poco débil. Sin embargo, las preguntas que plantea son muy importantes y están muy bien formuladas. Al final, Assassination Nation nos da un vistazo sangriento al lugar donde nos encontramos, enfocando los problemas sociales de las mujeres a través de un marco contemporáneo con los juicios de las brujas de Salem. Esto es un fantástico comentario social sobre las redes sociales, la nube y la delgada línea que transitamos entre la privacidad y la total exposición. Presenta todos los lados de la moneda y, definitivamente, de una manera gráfica. Quizás algunas partes son un poco incómodas y demasiado conscientes de sí mismas, pero fue una experiencia placentera. Véanla, no se decepcionarán.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Highwaymen

En 1934, Texas está revuelto con las noticias de Bonnie Parker (Emily Brobst) y Clyde Barrow (Edward Bossert), dos jovenes forajidos que luchan contra el establecimiento y asesinan a oficiales de la ley en su camino. La gobernadora Miriam "Ma" Ferguson (Kathy Bates) quiere que arresten a la pareja, pero el Warden Lee Simmons (John Carroll Lynch) los quiere muertos, ordenando el regreso del Texas Ranger Frank Hamer (Kevin Costner) al deber. En su búsqueda por respaldo, Frank incorpora a Maney Gault (Woody Harrelson), su ex compañero y un hombre en un lugar difícil desde el punto de vista financiero y mental. Reuniéndose, Frank y Maney salen a la carretera, tratando de seguir mapas y pistas mientras viajan por los confines de Texas y más allá, entrando en contacto con tecnología que no entienden y con las fuerzas de los federales que encuentran a los hombres anticuados. A medida que la fama de Bonnie y Clyde se expande y su conteo de cuerpos aumenta, los Rangers luchan con los recuerdos de su pasado violento, trabajando para permanecer en su misión mientras se preparan para un enfrentamiento final con los jovenes criminales.

Parece que Netflix está en una racha de éxitos, ya que otra película adorna su servicio de streaming. The Highwaymen se basa en hechos reales que representan la captura de Bonnie y Clyde en la década de los 1930 por dos ex Texas Rangers interpretados por Woody Harrelson y Kevin Costner. Bueno, digo captura, pero como verán, la captura de los dos jovenes infames terminó en un violento baño de sangre. Esta película se centra en los dos Texas Rangers. Son los héroes olvidados que detuvieron a los criminales más conocidos de la nación en ese momento y que eran idolatrados erróneamente por muchos. Dirigida por John Lee Hancock, este auténtico thriller de caza, y de la época de la depresión, sirve como la otra cara de la clásica película de Warner Brothers de 1967 Bonnie And Clyde, protagonizada por Faye Dunaway y Warren Beatty.

La película es contada desde la perspectiva de los dos experimentados Texas Rangers que rastrearon a la joven pareja sedienta de sangre. Limita a los personajes de Bonnie y Clyde al entorno del caos, y los presenta en tomas lejanas o de cerca, por lo que uno como espectador no puede simpatizar con ellos. La película también proporciona mucha más historia sobre esta pareja en esta película de Netflix que su celebrada antecesora teatral. Esta película se basa principalmente en los dos actores principales, Kevin Costner y Woody Harrelson, que tienen una química maravillosa y creíble. Es una película que no le dedica mucho tiempo a los forajidos, sino que nos permite conocer más a fondo los personajes de Frank Hamer y Maney Gault. El diálogo es muy prominente con algunas piezas de acción dispersas a lo largo de su tiempo de ejecución. La producción es de alta calidad, es creíble y bellamente diseñada. Desde la escenografía hasta los accesorios y vestuarios, cada escena se ve sumamente auténtica. Los carros antiguos brillan como si hubieran salido el día de ayer de la fábrica. Realmente fui inmerso y transportado a la década de los 1930.

La película ciertamente no es el drama de caza más emocionante del mundo. Su ritmo es extremadamente lento porque Hamer y Gault recogen y desarrollan con esmero las pistas de los forajidos basados en sus instintos. Aunque la mayor parte de la acción involucra a Hamer y Gault, tienen pocos encuentros con Bonnie y Clyde hasta el final. Un problema que tengo con la película es cómo apenas conocemos a nuestros personajes principales. Sí, hay escenas donde podemos conocer sus historias, pero hay muy pocas escenas de eso. Una de las escenas más memorables es cuando Maney Gault explica el pasado de Frank Hamer. Ese monólogo se ejecutó a la perfección, pero me hubiera gustado uno también para Maney Gault. De hecho, es bastante irónico que sepamos más sobre Bonnie y Clyde, aunque apenas los veamos. Además, la mezcla de sonido es algo así como una mezcla de emociones. Fue decepcionante que algunos de los diálogos más prominentes a veces se perdieran, ya sea por el viento o otro factor. También sentí que algunas de las escenas no eran necesarias y deberían haber sido omitidas o editadas. Si el ritmo hubiera sido editado a 1 hora y 30 minutos o 1 hora 40 minutos, esta película hubiera sido perfecta.

En general, con un tiempo de duración de 2 horas y 12 minutos, la película va dirigida a la demografía que amó la película Unforgiven (1992), canaliza películas Neo-Westerns como No Country For Old Men (2007) y, en cierta medida, la serie de televisión True Detective. Se enfoca en una búsqueda de vida o muerte a través de un ambiente implacable y sombrío, con personajes que el mundo moderno ha olvidado o dejado atrás. La película está muy bien actuada gracias a Kevin Costner y Woody Harrelson, que interpretan los papeles de los Texas Rangers que rastrearon a Bonnie y Clyde. Cuenta sus historias y sus frustraciones durante su cacería de tres meses. También muestra su disgusto por lo bien protegidos que estaban Bonnie y Clyde, debido a cómo las personas los percibían como una especie de héroes. Al final, The Highwaymen es una película verdaderamente bien hecha, muy bien pensada, extremadamente bien organizada, atractiva y entretenida sobre la búsqueda y captura de Bonnie y Clyde. A pesar de su impresionante solidaridad a la historia, siempre estará a la sombra del clásico de Warner Brothers de 1967, pero proporciona una mejor visión de Bonnie Parker y Clyde Barrow.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Escape Room

En Chicago, la tímida estudiante universitaria Zoey (Taylor Russell), el empleado de tienda Ben (Logan Miller) y el banquero de inversiones Jason (Jay Ellis) son reunidos a Minos Escape Room, una entidad misteriosa que otorga una recompensa de $10,000 a la persona capaz de resolver cuartos rompecabezas. Junto con Mike (Tyler Labine), Amanda (Deborah Ann Woll) y el adicto a los cuartos de escape Danny (Nik Dodani), el grupo tiene la tarea de descubrir cómo comenzar el evento detectivesco sin un experto en el juego. Los problemas surgen cuando comienzan los desafíos en la sala de espera, pero en lugar de pasar un tiempo agradable impulsado por una competencia amistosa, el edificio es en realidad una máquina asesina complicada, con Minos construyendo una serie de retos peligrosos con sofisticadas trampas y haciendo casi imposible la supervivencia.

Siempre tengo una preocupación por las películas de terror clasificadas PG-13, pero esto es solo porque creo que la mayoría de estas películas deberían ser clasificadas R. Sé que antes de los baños de sangre de las películas de finales de los años 70 y los 80, algunas películas de terror eran clasificadas PG. No siempre estoy buscando gore cuando pienso en una película de terror (a veces ayuda), pero quiero estar realmente aterrorizado y asustado al ver una película de terror. Creo que para alcanzar un nivel de terror profundo la película tiene que meterse debajo de tu piel, y la calificación R da cierta libertad para hacerlo. Sí, hay muy buenas películas de terror que son PG (Jaws, Poltergeist, y Gremlins vienen a mi mente). También sé que hay algunas películas de terror PG-13 que son buenas (The Monster Squad, Drag Me to Hell, The Others). Pero con estas últimas entregas de "películas de miedo" PG-13 generalmente significa el beso de la muerte para una película.

En esta última incorporación al género de terror PG-13, Escape Room sigue a seis desconocidos que son invitados a probar su ingenio y sus límites de sobrevivencia en varios cuartos de escape. Lo que no saben es que el fracaso tiene graves consecuencias. Hay algunos giros en la película de los cuales no entraré en detalle, pero cada personaje tiene su propia historia, y algunos duran más que otros (puedo decir eso). El elenco cuenta con Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Nik Dodani, Taylor Russell y Jay Ellis y hacen lo mejor que pueden con sus personajes. Todos ellos interpretan personajes diferentes para una película como esta. Está la mujer con más de lo que se ve a simple vista, el padre despreocupado, el fanático de los cuartos de escape, el nerd tímido, el hombre solitario y el rico ejecutivo que cuida de sí mismo. Cada actor aporta lo suficiente a sus personajes para mantener a uno interesado cuando las cosas comienzan a ir mal. Deborah Ann Woll es la más destacada, con la historia más angustiosa y el mejor momento en la película. Una cosa que la película hace bien es que cuando se muestra una historia de fondo para un personaje se siente natural. Comenzamos con tres personajes principales, pero cada uno tiene algo que se revela durante el transcurso del juego. Es un buen ejemplo de mostrar y contar.

Realmente no hay mucho tiempo para que uno se pueda sumergir en el drama de los personajes porque esta es una película sobre cómo ponerlos en situaciones locas. La película en sí no es muy original, la llamaré una mezcla inteligente entre Cube (1997), Final Destination (2000), cualquier película de Saw y The Belko Experiment (2016). La falta de sangre y morbo se reemplaza con creatividad, cada cuarto es diferente y, a veces, está diseñado para un personaje en específico, lo que es una calidad positiva para una película como esta. Cuando la película está en su mejor momento es en los momentos de tensión. No son tan frecuentes, pero diré que hay una secuencia a mitad de la película que es pura adrenalina y estrés. Se filmó muy bien y se asegura de que no haya un solo personaje como foco, sino que se centre en todos ellos. Definitivamente le daré crédito al director Adam Robitel porque esta secuencia fue muy apropiada y probablemente la más destacada de toda la película.

El problema es que después de esta gran secuencia, la película se cae. El siguiente cuarto de escape es más para crear exposición que emoción y el final es donde todo se derrumba por completo. Nos dan una larga explicación de lo que sucedió y una especie de giro que lleva al desarrollo de una secuela. Y no me sorprendería que haya una. Si el final se hubiera dejado en el aire y se reemplazaran algunas secuencias, habría disfrutado más la película. Tiene momentos definidos de emoción y tensión, pero son los pocos y muy distantes entre sí. No estoy diciendo que la película debería haber sido más larga, pero pudieron haber dado más profundidad y carácter a los personajes. Quería que me atrajeran y quería preocuparme por ellos cuando algo horrible sucediera, pero en última instancia, y con la excepción de uno, realmente solo quería verlos a todos morir horriblemente.

En general, al principio me sorprendió gratamente la película. Fue muy tensa y entretenida en los primeros 3 cuartos de escape, pero después de eso, la trama y el guión se derrumbó. Los personajes tienen distintas personalidades e historias personales, pero el misterio detrás del juego es muy decepcionante. Al final, Escape Room no es una película de terror, seamos claros al respecto, es un thriller. No hay nada realmente nuevo aquí, pero vale la pena notar su efectividad. Tiene increíbles escenas y fotografía, pero carece de otros componentes. Hubo algunos buenos actores, como Deborah Ann Woll y Logan Miller, pero eso es todo. El mejor elemento de la película es su suspenso, y es el más sorprendente. Es una película entretenida que ofrece buenas e interesantes emociones, y nuevas ideas en un pequeño subgénero. No proporciona demasiado, pero al menos lo intenta.

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Estrenos En Blu-ray Para El Martes 16 De Abril Del 2019

Glass (teniendo 3 versiones: la regular, la exclusiva de Best Buy que trae un empaque exclusivo con 3 collectible character art cards y la SteelBook exclusiva de Target)

The Kid Who Would Be King

Justice League Vs The Fatal Five (teniendo 3 versiones: la regular, la exclusiva de Best Buy que trae una figura y la SteelBook exclusiva de Target)

Replicas

Stray

Dragonball Super: Broly (teniendo 2 versiones: la regular y la SteelBook exclusiva de Best Buy)

Review: Book Of Monsters

Sophie (Lyndsey Craine) está a punto de cumplir 18 años y su padre, Jonas (Nicholas Vince), ha entregado con amor la casa a su hija y sus dos mejores amigas, Mona (Michaela Longden) y Beth (Lizzie Aaryn-Stanton) para que disfruten de una agradable y tranquila noche de chicas. Antes de que él se vaya, Jonas le regala a Sophie un libro especial, uno que perteneció a su madre antes de que ella muriera en circunstancias misteriosas hace una década. A medida que la noche se pone en marcha, rápidamente se hace evidente que Mona y Beth invitaron a toda la escuela, incluyendo a la malvada Arya (Anna Dawson), Jess (Rose Muirhead), la chica que le gusta a Sophie y el pobre Gary (Daniel Thrace), cuyo nombre nadie parece pronunciar correctamente. Desafortunadamente, las cosas se vuelven locas bastante rápido cuando un grupo de monstruos infernales interrumpen la fiesta y envían a los asistentes a huir por sus vidas. Lo que sigue implica un sacrificio virgen, muchos intestinos, una decapitación, muerte con un vibrador, un stripper masculino, hombres adultos que gritan como niñas y una sierra.

Book Of Monsters es una mezcla de comedia y horror de bajo presupuesto, claramente inspirada en películas como Evil Dead de Sam Raimi y menos conocidas como Night Of The Demons y Deadly Spawn. El valor de producción es notablemente satisfactorio en la mayoría de la película y las actuaciones son generalmente pasables sin que necesariamente haya alguien que trascienda en pantalla. La película tiene un tiempo de duración corta (1 hora y 24 minutos) y procede a darle un vistazo a su monstruo inspirado en el mito Lovecraftiano, que es el núcleo de toda la historia. Está concebido prácticamente y se ve impresionante para su presupuesto, especialmente el malvado libro y su diseño. A pesar del uso obvio de sonidos y accesorios familiares, que supongo que se utilizaron para elevar ese componente, disfruté de los baños de sangre y las prácticas con respecto a dichos monstruos. Hay momentos sangrientos de desmembramientos y decapitaciones, tanto con los humanos como con los monstruos, y en la acción culminante ve una sierra en juego (pero solo brevemente y en su mayoría fuera de la pantalla).

La película tristemente tiene ediciones de corte rápido y puede ser un poco molestoso. El prolongar ciertas cosas también aumenta en ocasiones, especialmente cuando algunos de los miembros del elenco realmente presionan para hacer creer a uno que no pasan de los 18 años. La música a menudo es demasiado fuerte, el demonio que grita a veces también es fuerte, y no se puede descifrar gran parte del diálogo debido al filtro de voz que usaron. El aspecto de algunos de los varios monstruos y asesinos tampoco son exactamente original, en particular, la figura de The Slasher, que se parece mucho al personaje de la película An American Terror (2014). La película también pretende desesperadamente adoptar un enfoque más atrevido de su contenido, pero termina por ofrecer pocos momentos cómicos realmente divertidos. Salvo por lo extraño de los one-liners y tal vez que los personajes pronuncian constantemente el nombre de Gary de manera incorrecta. En general faltaba el humor.

En general, la película no está hecha para nada a la perfección, pero aún así es un poco de horror inglés pasable que muestra algo impresionante de sangre y efectos. Es una película con una buena imagen cinematográfica, a veces con un audio no tan claro y actuaciones decentes del elenco. Las creaciones de Lovecraftianas son sorprendentemente buenas considerando el modesto presupuesto de la película, pero el diseño de los asesinos carece de originalidad y algunas de las facetas técnicas de la película pudieron haberse beneficiado un poco más de atención a los detalles. Al final, Book Of Monsters tiene un balance de humor y horror que no estaba en el nivel que yo esperaba. No es una película innovadora ni nada que no se haya visto antes en el género. Las limitaciones de presupuesto se muestran en mucho lugares a través de la película, pero hicieron lo mejor pudieron con lo que tenían.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Textless De La Semana

Hellboy

Review: Shazam!

Abandonado de niño, Billy Batson (Asher Angel) es un chico problemático que trata de encontrar a su madre biológica mientras evita el cuidado de un hogar de crianza. Su última broma con un policía lo ha puesto en manos de Victor (Cooper Andrews) y Rose (Marta Milans), dos padres adoptivos a cargo de varios niños, incluido Freddy (Jack Dylan Grazer), un sabelotodo con discapacidades físicas. Billy no quiere ser parte de la familia, pero no puede evitar la necesidad de proteger a aquellos que son vulnerables. Con un noble acto contra el acoso escolar, es llevado al mundo de The Wizard (Djimon Hounsou), que está buscando un "campeón de la eternidad" para tomar el mando de sus poderes y continuar los caminos de Shazam, una colección de superpoderes de inspiración griega (Salomón, Hércules, Apolo, Zeus, Aquiles, Mercurio). Al aceptar el desafío de Shazam, Billy se convierte en un hombre de treinta y tantos años (Zachary Levi), encargado de descubrir de qué es capaz, y siendo asistido por Freddy. Sin embargo, el Dr. Sivana (Mark Strong) también quiere tener los misteriosos poderes de The Wizard. Poseído por los poderes de los Siete Pecados Mortales, va en busca de Billy/Shazam para robar un poder inimaginable.

Es bastante extraño que con los cientos de héroes que DC y Marvel podrían estar haciendo películas, ambas compañías finalmente lanzaron una película basada en dos personajes que no tienen ninguna relación y que son nombrados Captain Marvel con un mes de diferencia. Para evitar confusiones (y muchos problemas legales), esta versión de Captain Marvel, teniendo el nombre de Shazam!, es la película más divertida y sana que DC ha estrenado hasta la fecha. Shazam! sigue a Billy Batson, un joven de 14 años que aprende a convertirse en el sucesor del mago Shazam. Todo el tiempo está luchando por encontrar su lugar en el mundo y lo más importante, encontrar a su familia. El director David F. Sandberg lleva a uno como espectador a un viaje nostálgico que recuerda a películas como Superman y The Goonies de Richard Donner, los clásicos de Amblin y, por supuesto, Big de Penny Marshall.

Gracias a un guión consistente y un humor oportuno, la película se abre camino a través de un primer acto sólido y nos presenta a una serie de personajes totalmente realizados con verdaderas emociones. Su segundo acto podría haber usado un poco más de espacio para concretarse antes de ir directamente a un increíble tercer y último acto. Gracias a una excelente dirección, Shazam! sobrevive a la crisis del tercer acto que enfrentan la mayoría de las películas de superhéroes. Y debido a una estructura adecuada, las emociones y los momentos se sienten legítimamente ganados. El diseño de vestuario es una carta de amor a la época dorada de los comics, la banda sonora es una carta de amor a la música de John Williams, las secuencias inspiradas en el horror y el sentido de la aventura es una carta de amor a las películas de Amblin de los años 80, y en general, la película es una carta de amor para niños de todas las edades. Y hace todo esto mientras es su propia película independiente.

Como algunas películas de aventuras infantiles, como Stand By Me y The Monster Squad, los escritores de Shazam! entendieron cómo escribir y presentar el personaje de un niño y luego de obtener estos poderes (básicamente una versión super potente de Big), Zachary Levi reacciona de la manera que se espería que reaccione un niño de 14 años. Está menos interesado en ser un superhéroe y más interesado en divertirse, presumir sus poderes con las multitudes y convertirse en una celebridad de YouTube. Estas reacciones son perfeccionadas por el propio Levi, que es el hombre/niño ideal para el papel. Todas sus reacciones parecen tan genuinas y su alegría al descubrir todos sus nuevos poderes es muy contagiosa. Otro papel destacado es Jack Dylan Grazer como Freddy, el amigo de Billy en su nuevo hogar adoptivo, un geek de superhéroes que termina usando a Shazam como su propio juguete personal. La familia acogida de Billy también es extremadamente entretenida, desde su tierna hermana adoptiva Darla, interpretada por Faithe Herman, a sus sorprendentemente dulces padres adoptivos, Rosa, interpretada por Marta Milans, y Victor, interpretado por Cooper Andrews. No todos los miembros de la familia tienen mucho tiempo en pantalla, pero todos dejan una impresión memorable y un fuerte deseo de ver más de ellos en futuras secuelas.

Incluso Mark Strong como el villano fue genial y, a veces, incluso un poco intimidante. Su personaje ha estado obsesionado con obtener el poder de Shazam desde que era un niño, por lo que libera los siete pecados mortales (orgullo, codicia, lujuria, envidia, gula, ira y pereza) para tomar estos poderes a la fuerza. Estos pecados se representan como monstruos horribles que a menudo actúan menos como súper villanos y más como si fueran arrancados de una película de terror. La película se mueve a un ritmo rápido y tiene algunas secuencias de gran acción. Con un presupuesto más bajo de lo normal, puede que no sea tan estilizada en comparación con otras películas de DC, pero uno se divierte mucho con la acción y con Shazam tratando de luchar. Los efectos visuales también fueron buenos. Puede parecer un poco cursi a veces con Shazam volando, ya que parece que es una de las viejas películas de Superman con Christopher Reeves, pero aún así funciona. Ademas, tiene muchas referencias del mundo de los superhéroes de DC como Batman, Superman y Watchmen y incluso... una breve aparición (nuevamente) de la muñeca Annabelle.

En general, la película es sincera, alegre, inspiradora y es un respiro de aire fresco a un género lleno de productos genéricos y listos para usarse. Cuenta la clásica historia del superhéroe mortal más poderoso de la Tierra con actuaciones carismáticas y una historia llena de corazón y heroísmo. Después de presenciar héroes que se enfrentaban entre sí, contra grandes ejércitos alienígenas y contra la noción de ser un héroe, Zachary Levi brilla intensamente ante una representación fidedigna de un superhéroe que es inspirador de la manera correcta. Es el regreso de uno de los personajes más subestimados y uno de los más queridos en la historia de los comics. Es hora de que el mortal más poderoso de la Tierra, el Captain Marvel original, regrese a su lugar legítimo. Al final, Shazam! es una gran película de superhéroes. Está llena de humor, sinceridad, alegría, personajes geniales y fáciles de identificar, un buen ritmo, un gran guión, divertidas escenas de acción y un diálogo creíble. Sin duda una de las mejores películas de DC de todos los tiempos y fue casi perfecta en mis ojos. La película tiene dos escenas post créditos que vale la pena verlas. Una es para dar el toque de una secuela, mientras que la otra es solo para reírse. No quiero decir que DC esté planeando algo grande, pero parece que hay más por venir.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Pledge

Tratando de encontrar algún nivel de aceptación social en el campus de su universidad, los amigos David (Zack Weiner), Ethan (Phillip Andre Botello) y Justin (Zachery Byrd) desean entrar a una fraternidad. Deambulando por el campus, los jóvenes son rechazados constantemente por la elite, y se sienten frustrados por su incapacidad para crear una nueva versión de sí mismos, dejando de lado sus personalidades nerd. Al ser encontrados por Rachel (Erica Boozer), el trío es invitado a una fiesta en medio de la nada, visitando Cretea House, un club social dirigido por Max (Aaron Dalla Villa). Acogidos con drogas, alcohol y bellas mujeres, David, Ethan y Justin son seducidos en el proceso para ser miembros. Una vez sobrios, las promesas pronto se convierten en pesadillas, al trío ser expuesto a una novatada monstruosa que está ligada a la historia de la organización, y se realizan experimentos violentos para convertirlos en futuros hombres de Cretea House.

Debido a la sobresaturación en el género de terror, es muy difícil encontrar películas únicas, pero esta es una excepción. Los primeros 15 minutos de esta película de 1 hora y 17 minutos se componen de un diálogo divertido, y desde ese momento es una progresión lenta hacia lo perturbador. Las actuaciones no son nada espectacular. Al entrar en una película como Pledge no se debe esperar una brillantez absoluta en lo que respecta a las actuaciones, pero definitivamente uno se da cuenta que los actores involucrados se enorgullecen de su trabajo y realmente querían que sus actuaciones fueran creíbles. Los villanos son entretenidos y las víctimas hacen un buen trabajo al retratar los niveles correctos de emoción al ser sometidos a todo tipo de torturas corporales y psicológicas.

El ritmo de la película es realmente bueno y hace un buen trabajo al presentar a nuestros personajes principales, estableciendo que son un poco raros y que no están entrando en ninguna fraternidad, simplemente porque tienen un aspecto bastante normal. No toma mucho tiempo para que las cosas se pongan en movimiento y es un torbellino de tensión cuando lo hace. El final fue algo interesante, realmente no me lo esperaba con todo lo que sucedió, y el corto tiempo de duración de esta película no hace más que ayudarla, ya que cualquier cosa más habría corrido el riesgo de hacerla demasiado monótona. La película también hace un buen trabajo en lograr mantener los ojos de uno en la pantalla de principio a fin.

Otro aspecto digno de elogio de la película es la hermosa casa en la que se filmó la mayoría de la película. En el exterior y especialmente en el interior, la casa realmente emite un aura de escalofrío, que realmente ayuda con la atmósfera. La historia es un poco deficiente, sin embargo, entré en la película esencialmente pensando que sería una mezcla de College (2008) y cualquiera de las películas de Saw, y no estaba muy equivocado. Los efectos fueron algo que me sorprendieron gratamente, ya que no esperaba fueran tan prácticos, estuvieron muy bien hechos. La película está muy bien filmada y tiene algunas escenas de tortura, pero no lo suficientes como para entrar completamente en el territorio del torture porn a lo Hostel. No me sentí aprensivo mientras miraba las escenas, pero esto podría deberse al hecho de que probablemente me he desensibilizado con este tipo de películas.

En general, la trama y ambiente es tenso y el concepto es único, pero de alguna manera le falta un poco más de historia y el gore es promedio. Es probable que esta película no esté en ninguna lista de los top 10, pero eso no significa que no sea una experiencia única y entretenida de ver. Al final, Pledge tendrá su audiencia, y me incluyo como un gran fan (aunque muy condescendiente) del género de terror. Hay un poco de comedia entrelazada que ayuda a aliviar algo de la tensión, pero la película en sí tiene un buen ritmo y nunca se siente de poco valor. Tiene algo que decir y todo se presenta de manera satisfactoria, pero con un poco más de desarrollo la película podría haber sido realmente genial.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Pet Sematary

Tratando de alejarse del caos de la ciudad de Boston, el Dr. Louis Creed (Jason Clarke) se muda con su familia a Ludow, Maine, con la esperanza de darle a su esposa Rachel (Amy Seimetz) e hijos Ellie (Jeté Laurence) y Gage (Hugo y Lucas Lavoie) un nuevo comienzo en un pueblo rural. Al llegar, Louis se establece como el médico local y Ellie hace amistad con Jud Crandall (John Lithgow), un vecino anciano que se deleita con la atención de la familia. Mientras que el mudarse tiene contratiempos para la familia, los problemas llegan con la muerte de Church, el gato amado de Ellie, ya que pone al médico en una posición difícil con respecto a cómo explicar el significado de la muerte. Sin embargo, Jud proporciona un plan diferente de acción funeraria, llevando a Louis a las profundidades del bosque a un antiguo cementerio de nativos americanos que revive a los muertos. Cuando Church regresa a la mañana siguiente, Louis está contento, pero cuando ocurre una gran tragedia, decide poner a prueba nuevamente el poder del cementerio, poniendo en riesgo su vida y la de su familia.

Pet Sematary es una película de terror basada en la novela de Stephen King del mismo nombre y es un remake de la película de 1989. Lamentablemente, esta versión está muerta desde el principio, con un primer acto sorprendentemente débil, pero vuelve a la vida con una dramática resurrección para un segundo acto y tiene un final insatisfactorio pero bien ejecutado. La última en una larga línea de adaptaciones altamente anticipadas de Stephen King, Pet Sematary demuestra que no puede alcanzar el nivel de IT (2017) o Gerald's Game del mismo año. Como película de terror, este remake es frecuentemente pobre, sigue muchos clichés típicos del género y casi toda la historia se echó a perder durante el material promocional. Contiene un poco de momentos de tensión, pero de ninguna manera es una película aterradora. Tiene un par de sustos, algunos se repiten muchas veces con poco éxito, y cuando la historia cae en el territorio de las películas slasher, se vuelve un poco predecible.

Fácilmente, la trama emocional de esta adaptación es el punto más positivo. Se tocan algunas ideas que realmente admiré. La forma en que la película abordó el trastorno de estrés postraumático (PTSD) con el personaje de Rachel se ejecutó muy bien y fue refrescante ver que se aborda de una manera madura dentro de la historia. El impacto del dolor es otro elemento que la historia hace un gran trabajo en desarrollarlo y también lo abordó de una manera fuerte. Abordar cómo diferentes personas se enfrentan a la pérdida de un miembro de la familia, ayudó a formar una conexión emocional y, aunque los personajes continúan siendo implacablemente estúpidos, se empieza a simpatizar con ellos.

Frustrantemente, la falta del elemento de miedo en esta supuesta película de terror fue perjudicial. El guión sigue las típicas características del género, es simple y poco interesante, y varias veces el diálogo puede predecirse, esto se mantiene como un problema constante. El tono es desigual y con frecuencia parece más un drama que una película de terror. El ritmo fue un gran problema también. Es un desastre, pero con el tiempo se vuelve menos notable. Además, cortan demasiadas cosas del libro original, dejando solamente vagas referencias. El personaje de Victor Pascow tiene una aparición mínima, la amistad de Jud y Louis es inexistente y el dejar a Gage vivo y matar a Ellie no hizo nada por la historia porque no profundizaron en el cementerio de mascotas. Jud solo da una explicación muy breve sobre eso. Ahora, Church dio el mismo susto que la película original, así que... el gato hizo su trabajo. Sin embargo, algunas escenas se ejecutaron a la perfección, las cuales la mayoría ocurren en el segundo acto.

En el departamento de las actuaciones, hubo algo en el actor principal, Jason Clarke, que no se sintió bien. Sin duda es la parte más débil de la película, ya que su forma de actuar no funcionó. Se siente como si no pudiera encontrar consistencia entre la actuación natural y la actuación forzada. Compré muchas de sus emociones, pero él no vendió los sustos y rompió los momentos de tensión repetidamente. En una película de terror esto no es lo ideal. La niña Jeté Laurence hace un trabajo espectacular. Ella es perfectamente encantadora y ayuda a florecer el núcleo emocional de la película. Como Jud, John Lithgow fue increíblemente bien elegido para ese papel, pero tristemente no lo utilizaron como deberían haberlo hecho. Fue un talento completamente desperdiciado. En general, no hay mucho en el desarrollo de los personajes o sus historias de fondo.

En general, tenía ganas de ver esto. Soy un gran fanático de la novela y de la película original, y aunque estoy consciente de que una cierta cantidad de elementos del libro no va a llegar a la película, cambiaron tanto de la historia que apenas fue reconocible. No hay atmósfera en la película y su trama debería ser espeluznante, lo cual no fue. La historia se siente apresurada para llegar al final, y ninguno de los personajes es suficientemente importante como para que realmente uno se preocupe. Al final, Pet Sematary tiene buenas actuaciones de Jeté Laurence y John Lithgow, así como una muy buena dirección. Sin embargo, no es aterradora, confía demasiado en los sustos baratos, deja demasiadas preguntas sin respuestas, tiene un final abrupto y también depende de que sus personajes tomen decisiones estúpidas. Quédense con la película original, es mejor.

Puntuación: 2 alcapurrias.