Review: The Forever Purge

Los Nuevos Padres Fundadores de América han regresado al poder, restaurando Purge Night para los estadounidenses frustrados. En Texas, Adela (Ana de la Reguera) y Juan (Tenoch Huerta) cruzaron ilegalmente la frontera desde México para encontrar una vida mejor, adquiriendo trabajo en un pequeño pueblo. Juan se convirtió en un peón en el rancho de Dylan (Josh Lucas), un vaquero que no toma amablemente a nadie que no sea blanco. Cuando comienza Purge Night, Adela y Juan encuentran seguridad en un búnker local, mientras Dylan espera la noche con su familia, incluida su esposa embarazada Emma (Cassidy Freeman) y su padre, Caleb (Will Patton). Después de sobrevivir al evento, la comunidad espera comenzar un nuevo día en paz, solo para ser perseguida por miembros del Ever After Purge, un grupo de purificación racial que elige extender Purge Night a un estado permanente de guerra contra los extranjeros. Cuando llega la noticia de que México está abriendo sus fronteras durante seis horas, dando la bienvenida a los estadounidenses, Dylan, Adela y Juan se unen para dirigirse hacia el sur, luchando contra miembros del grupo extremista en el camino.

Cuando The Purge debutó en el 2013 como un thriller de invasión de hogares con una columna vertebral sociopolítica, nadie podría haber predicho cuán inquietantemente profética sería. Al llegar durante la era de Obama, el giro oscuro de la película sobre "esperanza y cambio" se prestó a un mundo de posibilidades que el creador de la franquicia James DeMonaco exploró en múltiples secuelas e incluso en una serie de televisión. Sin embargo, una cosa quedó clara cuando las películas cayeron en la administración de Trump, el sombrío totalitarismo que llevó a la clase baja a ser eliminada en un día feriado anual de "purga" tenía poco en una realidad en la que eso parecía incómodamente creíble.

Lo interesante de The Forever Purge, una continuación de la precuela del 2018 The First Purge, es que después de cinco películas y una nueva administración presidencial, la premisa es tan acertada como siempre. Con los eventos del 6 de Enero del 2021 todavía frescos en mente, y la rabia blanca como el combustible más letal para el terrorismo doméstico, la película se envuelve en la pregunta "Qué significa ser un patriota?" Y qué mejor lugar para abordar eso que en Texas, donde nació la noción misma del vaquero estadounidense. Y claro, esos vaqueros son siempre blancos que visten con orgullo el rojo, el blanco y el azul, y defienden sus libertades a punta de pistola.

Pero, qué significa todo eso en un país que se está volviendo más diverso día a día, y cuando se espera que las personas negras y las minorías sean la mayoría en cuestión de años? Lucharías para preservar tu noción de patriotismo? Matarías por eso? Esas preguntas persisten mientras nos presentan a los inmigrantes Adela y Juan mientras cruzan la frontera hacia Estados Unidos. Meses después, encontraron trabajo en el extenso rancho de la familia Tucker, donde Juan demuestra ser un mejor vaquero que Dylan, quien le expresa a su esposa embarazada Cassie su frustración con todos los inmigrantes ilegales bajo su empleo. Mientras tanto, el patriarca Caleb y la hermana Harper son más receptivos.

Las tensiones en ebullición son algo realmente malo cuando se acerca Purge Night. Creado por los Nuevos Padres Fundadores de América aparentemente como un medio para desahogarse una noche al año en la que todos los delitos violentos son legales, la verdadera razón siempre ha sido eliminar a los considerados indeseables. El partido político ultraconservador utilizó la purga para eliminar a las personas sin hogar, reducir la población minoritaria y apuntar a rivales ideológicos, todo por violencia y muerte hecha en nombre del patriotismo. Pero, qué sucede cuando el propósito de la purga hace metástasis y crece fuera de control?

Mientras los Tucker cierran sus puertas por seguridad y esperan que pase la purga con relativo lujo, Adela y Juan se reúnen en un búnker para inmigrantes, patrullados por guardias pagados. Se suponía que todo había terminado por la mañana, así era como antes. Como lo expresaron los asesinos purgadores cubiertos de estrellas al día siguiente, la nueva forma es hacer realidad la purga de para siempre de aquellos que no se ajustan a su idea limitada. Y pueden adivinar de qué color son esos supuestos estadounidenses "reales".

Tiene mucho sentido que los Nuevos Padres Fundadores de América, que fueron reelegidos nuevamente en el poder después de los eventos de The Purge: Election Year (2016), hayan perdido el control de esta cosa horrible que crearon como un arma para sí mismos. Suena familiar? Mientras Trump se burla con un regreso al poder en el 2024, su leal banda de extremistas está siendo azotada en un frenesí que ya ha provocado violencia y ataques al proceso democrático. James DeMonaco, cuyo punto siempre ha estado en el pulso del país, sabe que no terminará ahí. Los Purgers son un oscuro reflejo del patriotismo tóxico, que en realidad es solo la supremacía blanca que enfrentamos hoy. Hay algo que DeMonaco se da cuenta y de que toda la gente del Tea Party y MAGA nunca entendió del todo, y es que la mayoría de las personas que dicen ser patriotas son solo peones de funcionarios corruptos, estafadores y gente rica que los usa para enriquecerse.

Ahora... si solo ven esto por ver correr la sangre, la película lo ofrece con moderación. Estas películas siempre han tratado sobre la atmósfera, y no hay nada como la visión de una ciudad estadounidense convertida en una zona de guerra. Mientras las balas vuelan, gente inocente es atacada en cada esquina. En una escena, toda una fila de personas es abatida estilo ejecución, y en otra, un hombre es arrastrado detrás de un vehículo a toda velocidad hasta su espantoso final. Mientras Adela y Juan viajan en la parte trasera de una camioneta de la policía, un prisionero skinhead recita los tipos de armas que puede escuchar disparar afuera. Es realmente desconcertante.

En general, sin la amenaza de los Nuevos Padres Fundadores de América, la película carece de un villano convincente en el que centrarse. Uno emerge demasiado tarde para tener mucho impacto, aunque lidera un enfrentamiento bastante bueno al estilo del Alamo, con Dylan siendo obligado a dejar de lado sus prejuicios y trabajar junto a mexicanos y nativos americanos. En última instancia, si este es el final de The Purge como franquicia, termina con un mensaje de unidad empapado de sangre. Al final, The Forever Purge ofrece la colección habitual de asesinatos sangrientos, jugados principalmente por emociones, sin consecuencias reales. El director Everardo Gout incluye algunas tomas largas interesantes y complicadas, y decora la película con grafitis inquietantemente hermosos y matanzas compuestas. Pero su intento de vincular los eventos de la historia con una familia de ganaderos y una imagen más amplia de los Estados Unidos, en su conjunto tienden a fracasar. Lo único que parece decir esta película, y la serie en general, es que Estados Unidos es un lugar sumamente violento, con muy poco que nadie pueda hacer al respecto. 

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Blood Red Sky

Nadja (Peri Baumeister) y su hijo de 10 años Elias (Carl Anton Koch) abordan un vuelo transatlántico de Alemania a Estados Unidos, viajando para buscar tratamiento de un especialista. Claramente Nadja está muy enferma y necesita medicación. Una vez que el vuelo está encaminado a través del Atlántico, un grupo de terroristas liderados por Berg (Dominic Purcell), anuncian que están secuestrando el avión y tomando el control de él. Le dan la vuelta al avión y regresan a Europa, lo que significa que Nadja no podrá recibir su tratamiento. A medida que el secuestro se vuelve cada vez más violento y Nadja no puede alcanzar sus medicamentos, se transforma en un vampiro. Ahora ella ataca y trata de salvar el avión y su carga completa de pasajeros, pero también lentamente comienza a perder el control sobre sus acciones y el comportamiento que normalmente puede mantener controlado gracias al profundo amor por su hijo. La mordedura de un vampiro convierte a otras personas en vampiros, y pronto el número de vampiros incontrolables y viciosos a bordo del avión comienza a aumentar. Un hombre amable que Elias conoció en el aeropuerto, Farid (Kais Setti), resultará esencial para ayudar al niño y a los demás pasajeros.

Cuando Netflix lanzó el trailer de este thriller de terror, estaba justificadamente emocionado por la perspectiva de vampiros en un avión. No soy un fanático de comparar una película con otras, pero con tantas cosas sucediendo en Blood Red Sky, es difícil no describirla como una mezcla de Die Hard (1988) y 30 Days Of Night (2007) con toques de The Thing (1982) y, sí, Snakes On A Plane (2006). Sin embargo, demostrando por qué detesto hacer esas comparaciones, esa descripción no le hace justicia a Blood Red Sky. Puede que se inspire en influencias obvias, pero es su propia película, que se mantiene sola como una película llena de suspenso, conmovedora y sorprendente de principio a fin.

Blood Red Sky, dirigida por Peter Thorwarth, comienza con una escena tensa que agrega una capa de temor al resto de la película. Un avión comercial realiza un aterrizaje de emergencia en una base militar escocesa. Un niño pequeño sale del avión tan pronto como aterriza, pero el personal militar mantiene a todos los demás a bordo. El hombre en la cabina, Farid, le dice al coronel Drummond (interpretado por Graham McTavish) que necesita bajarse del avión de manera segura y luego explotarlo. Después de este desconcertante momento, el pequeño Elías es entrevistado para tratar de determinar qué sucedió realmente en el vuelo. Sin embargo, no está hablando y uno como espectador debe reconstruir el supuesto ataque terrorista que el ejército está tratando de prevenir.

Mientras Elias está en estado de shock durante la entrevista, la película retoma la narrativa desde el momento en que él y su madre llegan al aeropuerto de Alemania. Vuelan a Nueva York para encontrarse con un médico que pueda curar lo que Elias llama la "mala sangre" de Nadja. Incluso si lograron evitar el trailer, muy pronto queda claro que la enfermedad de Nadja es el vampirismo. Ella permanece encerrada hasta que oscurece y bebe sangre como medicina. Está desesperada por llegar a Nueva York para encontrar una cura para su condición, y trabaja duro para mantener sus impulsos vampíricos bajo control... hasta que un grupo de terroristas se apodera del avión.

A partir de aquí, se convierte en una película de acción y terror que mantiene a uno alerta y une el trabajo de personajes previamente establecidos de manera satisfactoria. Uno de los aspectos más intrigantes de la película es cómo combina elementos familiares de diferentes tipos de géneros en algo cohesivo y convincente. La tripulación de terroristas, con un aterrador personaje impredecible, encuentra su monstruo como si fuera sacado de una película de acción. La película también brinda de manera efectiva momentos de suspenso, escenas muy sangrientas e incluso unos breves momentos de irónico alivio cómico. Aún así, esta es una película seria con más en mente que simplemente contar una historia sobre vampiros en un avión. También examina la vulnerabilidad del capitalismo a la manipulación basada en el miedo, la injusticia de la islamofobia y las formas en que los humanos se traicionan cuando la supervivencia está en juego.

El elenco es convincente y transmite tanto el dramatismo de su aterradora situación como el horror de la misma. Alexander Scheer, en particular, se destaca por su presencia magnética e impredecible como el villano Eightball, y Peri Baumeister hace un excelente trabajo al retratar a una madre protectora y desesperada, incluso cuando trabaja debajo de prótesis y lentes de contacto. Hablando de los efectos... el diseño de las criaturas, los movimientos corporales y el diseño de sonido de los vampiros son visceralmente atemorizantes y presentan algunas cosas inventivas, incluso si tienen una gran deuda a películas como 30 Days Of Night. La música, ocasionalmente triste, se suma a la tensión y la angustia de la película, y hay algunas composiciones de tomas encantadoras, especialmente al principio cuando Elias mira la puesta de sol en el aeropuerto y Nadja se deleita en el baño después de beber un poco de sangre para ayudarla a atravesar el largo vuelo.

En general, la acción y el terror es una mezcla de géneros emocionante que, cuando se hace bien, amplifica la adrenalina de una película en algo especial. Blood Red Sky es una valiosa adición a este género híbrido. Es mucho más interesante que solo vampiros en un avión, y cumple con una irresistible combinación de acción fascinante y horror junto con un mensaje conmovedor de amor, el deber y la familia. Al final, Blood Red Sky comienza como un drama familiar, que se convierte en una situación de rehenes a bordo de un vuelo internacional y luego se convierte en una película de vampiros salvajes. Hay mucha sangre, muchas muertes y escenas extremadamente violentas. El valor de entretenimiento es impresionante, pero su tiempo de duración parece demasiado largo. Aún así, definitivamente recomendaría que vieran esto si les gustan los thrillers y las películas de terror. Y sobre todo, por supuesto, si les gustan las historias de vampiros. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Suicide Squad

Amanda Waller (Viola Davis) representa los intereses estadounidenses en todo el mundo, y los poderes que quieren el control temporal de la isla sudamericana, Corto Maltese, con el objetivo siendo una estructura carcelaria conocida como Jotunheim, que contiene el misterioso "Proyecto Starfish". En lugar de enviar lo mejor de lo mejor, Waller reinicia el programa Task Force X, obligando a los reclusos Bloodsport (Idris Elba), Peacemaker (John Cena), Harley Quinn (Margot Robbie), Polka-Dot Man (David Dastmalchian), Ratcatcher II (Daniela Malchoir) y King Shark (voz de Sylvester Stallone) para asumir la misión. Siendo prescindibles y completos extraños, los mercenarios metahumanos se unen a Rick Flag (Joel Kinnaman) para encontrar a The Thinker (Peter Capaldi), un científico que puede proporcionar acceso a Jotunheim, pero el equipo lucha por trabajar juntos, encontrando egos que chocan y tendencias violentas que hacen todo un lío al adentrarse en Corto Maltese.

Probablemente soy de las pocas personas que disfrutó la Suicide Squad (2016) de David Ayer, incluso con todo el tono incierto y la obvia interferencia por parte del estudio. Aún así quedaba algo excepcionalmente rudo en un equipo de supervillanos que trabajaban juntos para salvar el mundo por sus propias razones egoístas, y Ayer hizo lo que pudo para hacer el tipo de película a la que deberíamos estar acostumbrados del tipo detrás de End Of Watch (2012) y Bright (2017). Pero su película no es la que quería Warner Bros. Ellos querían el humor irreverente de Guardians Of The Galaxy (2014) y asesinaron la película al intentar lograrlo. Entonces, cuando la primera película fracasó, salieron y consiguieron a James Gunn para The Suicide Squad, que no solo es todo lo que el estudio podría haber esperado, es exactamente lo que los fanáticos esperan del popular director. Desde la banda sonora ecléctica hasta la violencia exagerada y el humor negro, esta es una película que solo Gunn podría ofrecer y es fácilmente una de las mejores que ha entregado el Universo Extendido de DC.

Gunn tampoco deja completamente atrás el pasado, con Margot Robbie de regreso como Harley Quinn (también hay una alusión a su estatus de Birds Of Prey), Joel Kinnaman como el soldado Rick Flag, Jai Courtney como Boomerang y Viola Davis como Amanda "The Wall" Waller. A su manera despreciable, Waller también ha reclutado a Bloodsport, también conocido como Robert DuBois, amenazando a su hija delincuente con la cárcel o quizás algo peor. DuBois, que realmente parece un sustituto del Deadshot ausente de Will Smith, acepta ser parte de una misión mortal para detener algo llamado Proyecto Starfish. Al equipo se unen un grupo de perdedores superficiales como Polka-Dot Man, Ratcatcher II, Peacemaker, King Shark, Weasel y algunos otros, muchos de los cuales obtienen más de lo que esperaban una vez que alcanzan el objetivo de la isla sudamericana.

Así que la premisa prácticamente no ha cambiado y, sin embargo, The Suicide Squad se siente muy diferente. Desde el principio, Gunn no se mete con esta banda de metahumanos prescindibles. Está justo ahí en el nombre, ya que no se espera que regresen de esta misión que produce un baño de sangre de manera cruda pero también divertida en la forma en que son asesinados. Piensen en la escena de X-Force en Deadpool 2 (2018), pero diez veces más grande. Ese es el nivel de exageración cómica del que estamos hablando aquí. Es brutal y obtiene su clasificación R con rapidez, pero también pone el sello de James Gunn en la película de inmediato.

Una vez que se une todo el Task Force X, la trama realmente toma forma. Hay absolutamente un componente político en The Suicide Squad, aunque Gunn no lo profundiza demasiado. El personaje de John Cena, irónicamente llamado Peacemaker, es el más letal del grupo, y una mención a la ridiculez de usar la guerra para inspirar paz. También es algo muy estadounidense enviar una fuerza militar a un país soberano para hacer esencialmente lo que quiere la gente corrupta de Washington. Si bien es posible que desee excluir esas cosas, también proporciona una de las mejores escenas de Harley Quinn hasta el momento, donde experimenta la verdadera libertad romántica por solo un momento en el tiempo, y... bueno, ella es Harley Quinn.

Y qué sería de The Suicide Squad sin que Amanda Waller tuviera un motivo oculto? O que un villano demuestre ser digno de ser llamado héroe? Hay tantos momentos fantásticos con los personajes que todo el mundo tiene al menos un momento para brillar. El Peacemaker de John Cena es pura risa y no puedo esperar a ver su serie de HBO Max. Idris Elba es el incordioso Bloodsport que no soporta trabajar con estos perdedores, y también es muy gracioso. Amarán a King Shark y lo querrán como mascota, y creo que esto es lo mejor que hemos visto de Joel Kinnaman en mucho tiempo, ya que realmente hace que Rick Flag parezca un líder genuino y no el miembro más aburrido del equipo. Pero lo mejor de esto es Daniela Melchior como Ratcatcher II, que es mucho más de lo que parece en la superficie. Con una rata como mascota a su lado, parece pérdida en el espacio. Sin embargo, tiene un legado que defender y una increíble amistad que proteger con Bloodsport.

En general, suceden muchas cosas y, a veces, puede parecer un poco fuera de control. Con 2 horas y 12 minutos de duración, Gunn tiene tiempo para dar a sus muchos fanáticos todo lo que quieren. Si disfrutaron de su Slither (2006), hay algunas criaturas en esto que se sentirían como en casa, y definitivamente, también se pueden ver elementos de su película de superhéroes Super (2010). Y, por supuesto, el humor irreverente de Guardians Of The Galaxy está ahí con toda su fuerza. No sé si fue intencional, pero incluso la batalla final, que presenta la catástrofe más extraña al estilo kaiju que he visto, se siente como un golpe bajo a las películas taquilleras. A pesar de todo, James Gunn se las arregla para hacernos sentir algo por este equipo desigual de supervillanos. Al final, The Suicide Squad es una rara película de comics que se siente dirigida en lugar de ser interferida por un estudio, y también debería ser ilegal por lo histérica que es. DC definitivamente hizo el movimiento correcto aquí al traer a James Gunn para escribirla y dirigirla. Después de que la primera película obtuvo críticas terribles pero altos elogios para Margot Robbie, estaba claro que necesitaban salvar el barco. Estoy aquí para decirles que esto es exactamente lo que hicieron. Y honestamente, es la mejor película de DC desde Shazam! (2019). Nota adicional: hay una escena extra al final de los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Woodstock 99: Peace, Love And Rage

El 15, 16, 17 y 18 de agosto de 1969, Woodstock se convirtió en un evento cultural histórico que impactaría la historia por generaciones. Ambientada en una pequeña ciudad de Bethel, New York, medio millón de jóvenes acudieron en masa a la pequeña ciudad para disfrutar de unos días de música, comunidad y activismo. Celebrado en medio del movimiento de derechos civiles y durante el apogeo de la guerra de Vietnam, Woodstock fue un acto de revolución en sí mismo. Más de 50 años después de su aparición, Woodstock aún debe ser emulado correctamente y, a menudo, se hace referencia y se romantiza con cariño en los medios de comunicación populares. El Woodstock original también fue un evento altamente caótico y planificado al azar. Si bien tuvo sus buenos momentos, también estuvo plagado de problemas. 30 años después (y después del éxito agridulce de Woodstock 94), los fundadores buscaron recrear un evento que celebrara la paz, el amor y el espíritu implícito del evento original. Sin embargo, Woodstock 99 fue inflado por la codicia corporativa, el dominio de MTV, el choque entre el pop y el rock, las condiciones ambientales y la furia de jóvenes enojados. Woodstock 99: Peace, Love, and Rage busca deconstruir lo que sucedió en el infame festival. Dirigido por Garret Price, el documental presenta entrevistas del fundador de Woodstock, Michael Lang, artistas como Jonathan Davis (Korn), Dave Mustaine (Megadeth), Moby, Scott Stapp (Creed), asistentes selectos y varios expertos en la cultura pop. Originalmente destinado a ser una mirada cómica a un evento tan extravagante, el documental evoluciona hacia el de una película de terror, convirtiéndose en una especie de mirada de lo que se puede hacer y lo que no.

Recordar el terrible Woodstock 99 en este nuevo documental de HBO, Woodstock 99: Peace, Love And Rage, hizo que se me erizara la piel. Es un recuerdo que aparentemente había reprimido todos estos años. No estuve en absoluto en Woodstock 99, pero recuerdo haberlo visto por Pay Per View ($60 por los 3 días) y MTV y ver el espectáculo arrogante que se convirtió en una auténtica tragedia moderna. Tuve un oscuro placer cómico disfrutando del espectacular fracaso de Woodstock 99 y recordando que ahora me molesta. Un gran documental tiene un efecto significativo en la gente que lo ve. Ya sea que el efecto sea infundir compasión o magnificar el miedo y el temor, los mejores documentales lo atraen a grandes respuestas emocionales y Woodstock 99: Peace, Love And Rage sacó a la luz los recuerdos más feos del evento y mi propia reacción desagradable al evento. Es impactante y perturbador lo diferente que me siento hoy en comparación con cómo me sentía cuando era un adolescente de 17 años en 1999. Disfrutar de la destrucción y los horrores representados en nombre de un buen momento me hace sentir hoy como un fantasma.

Por qué? Porque Woodstock 99 era mucho peor de lo que había imaginado. El documental presenta lo sucedido en el festival de manera periodística y ofrece al espectador la oportunidad de examinar la evidencia y sacar sus propias conclusiones sobre quién tuvo la culpa. Lo que no está en disputa es que la gente tuvo la culpa, ya fueran los borrachos en la multitud, los artistas irresponsables en el escenario o los promotores conspiradores tan desesperados por un dólar que cortaron cada esquina y causaron una catástrofe en nombre de sus codiciosos intereses. Woodstock 99: Peace, Love, And Rage está dirigida por Garret Price y procede a contar la historia de Woodstock 99 de manera lineal. La historia comienza el día de la inauguración, el viernes 23 de julio, y continúa a través de un sábado empapado de orina y excremento y culmina el domingo, el día que la mayoría de los que recuerdan Woodstock 99 nunca olvidarán. En el tercer día de la supuesta celebración de la paz, el concierto se convirtió en un tumulto alimentado por el fuego con una banda sonora de fondo por parte de los Red Hot Chilli Peppers.

El documental invita a los periodistas que cubrieron Woodstock 99 a compartir sus recuerdos del concierto y analizar la historia de Woodstock 99 desde una perspectiva periodística. Que estas historias pinten una imagen pobre de los organizadores es solo algo que sucede orgánicamente. Frente a las personas que cubren Woodstock 99 están los organizadores John Scher y Michael Lang, a quienes se les da una amplia oportunidad de ahorcarse mientras niegan cualquier falla en las consecuencias del evento. John Scher resulta especialmente terrible aquí. Scher tiene la oportunidad de contar su versión de los hechos y hace todo lo posible para no responsabilizarse en absoluto de lo ocurrido. En cambio, Scher culpa a MTV News por cubrir el festival y hacer que parezca una zona de guerra. Luego, Scher culpa a Limp Bizkit y a su líder Fred Durst por incitar a la multitud y luego culpa a la multitud por ser ruidosa y estar fuera de control. Michael Lang, el único organizador que estuvo realmente en el Woodstock original en 1969, parece igualmente cobarde pero tiene menos que decir, prefiere no hablar directamente y, por extensión, deja a Scher para que sea la cara a quien culpar.

Sin embargo, los relatos más convincentes de Woodstock 99 provienen de quienes asistieron al festival. Hombres y mujeres que ahora tienen 30 y 40 años miran hacia atrás a Woodstock 99 con una mezcla de repulsión y arrepentimiento. Conmovedoramente, el documental utiliza entradas de un diario escrito por un asistente al festival que terminó muerto después del show de Metallica. Michael Derosia pudo haber tenido un corazón enorme, pero aún así murió de hipotermia en un festival donde la temperatura exterior promedio superó los 100 grados. Uno de los amigos más cercanos de Derosia comparte las anotaciones del diario y sus recuerdos de ese día, buscándolo, sin saber que había muerto la noche anterior, es todo muy triste. Los miembros del llamado Peace Squad, las personas que tuvieron la oportunidad de actuar como seguridad para Woodstock 99 ofrecen otra acusación conmovedora y condenatoria a los organizadores. Varios miembros hablan abiertamente sobre no estar preparados para la tarea, sobre ser superados en número en todo momento por la multitud masiva y cuántos de ellos simplemente aceptaron el trabajo para obtener boletos y pases de acceso gratuito. Aunque John Scher afirmó que el Peace Squad recibió capacitación para la seguridad, los miembros pintan una imagen de una sola sesión de entrenamiento de tres horas durante la cual la persona a cargo simplemente les dio todas las respuestas y luego una prueba en papel que pasaron fácilmente.

Estas historias sirven para acentuar una parte del documental que recibe un poco de atención, las muchas agresiones sexuales que ocurrieron. El documental presenta una breve entrevista con una mujer que asistió al festival y se fue por temor a su seguridad. Otra asistente cuenta brevemente cómo inició un sitio web después de Woodstock 99 con el fin de brindar a las asistentes un lugar donde encontrar apoyo anónimo, ya que muchas estaban demasiado asustadas o traumatizadas por sus experiencias en Woodstock 99 para informar lo sucedido a la policía. Estos momentos claman por una mayor exploración, pero la película se aleja de este tema sin profundizar mucho. Por su parte, las autoridades de Rome, New York, terminaron investigando cuatro casos denunciados de violación, uno que supuestamente ocurrió cerca del escenario mientras Limp Bizkit estaba tocando.

En general, ahora comprenderán por qué se me eriza la piel cuando recuerdo mi propia reacción a Woodstock 99. Pensé que el fracaso del festival fue divertido. Quería que los corporativos codiciosos de dinero que organizaron un festival basado en la paz y el amor en, de todos los lugares, una base militar, cayeran de sus tronos para que yo pudiera señalar y reír. Quería que los organizadores que vendían agua a $4 la botella invitaran a los patrocinadores corporativos de Woodstock y fueran humillados a escala mundial, y mi deseo se cumplió. Pero no logré comprender el panorama general. Ignoré el costo humano real de aquello de lo que me reía y este documental me obligó a enfrentar una vergüenza para la que no estaba preparado. Al final, Woodstock 99: Peace, Love, And Rage es un documental que me hizo sentir incómodo, me hizo hacer preguntas importantes sobre mí y le da una perspectiva, una dimensión humana, a un tema que había descartado como poco más que una broma... viejos corporativos recibiendo su merecido. La realidad de eso es que John Scher y Michael Lang no recibieron ningún merecido. Puede que me haya reído de ellos, puede que hayan sido temporalmente el hazmerreír, pero han tenido la última risa durante años. En 2019, casi engañaron a todos para que se les permitiera hacer el 50 aniversario de Woodstock. Continúan obsesionados y criticando a todos los que tuvieron la culpa en Woodstock 99 y eso hace que mi propia actitud en ese momento sea aún más ingenuo, inocente y esté molesto. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Space Jam: A New Legacy

LeBron James tiene problemas para comunicarse con su hijo menor, Dom (Cedric Joe), un niño al que le encantan los videojuegos más que los deportes, e incluso está creando su propio juego de baloncesto llamado Dom Ball. Al visitar las oficinas de Warner Brothers Studio con Dom, LeBron se sienta a disfrutar de un video preparado por la creación digital Al-G Rhythm (Don Cheadle), que quiere digitalizar al astro del deporte y meterlo en todo tipo de proyectos de Warner Brothers para lanzar el sistema Warner 3000. Cuando LeBron rechaza la oferta, Al-G pierde el control en el ServerVerse, trabajando para llevar a LeBron y Dom a su mundo, que está cargado de propiedades de Warner Brothers que existen en sus propios planetas. Al desafiar a LeBron a un juego de baloncesto, Al-G lo envía al mundo de los Looney Tunes para reclutar un equipo de rechazados. Mientras tanto, AI-G trabaja para encantar a Dom, un niño inteligente que no se conecta con su padre, ayudandolo a usar Dom Ball para organizar el enfrentamiento definitivo entre el Tune Squad y su Goon Squad.

Qué es lo que realmente recuerdan de Space Jam en 1996? Para mí, es muchísimo. Recuerdo al Airness, el gran Michael Jordan, jugando con Bugs Bunny, Lola, Daffy y el resto del equipo de Looney Tunes contra el equipo de Monstars. Esa película fue el sueño de cualquier hombre en marketing sobre el potencial de comercialización. Jordan estaba en pleno apogeo, y su mercancía estaba literalmente haciendo que la gente se volviera loca. Díganme, qué no se podría amar? Es una pieza de nostalgia que muchos de nosotros recordaremos porque básicamente era una caricatura de 2 horas de sábado por la mañana... con baloncesto. Pero, la película realmente necesitaba una secuela? Especialmente si Jordan no está en ella?

Space Jam: A New Legacy es totalmente una película de LeBron James. Si bien no hay Michael Jordan (aunque una broma divertida menciona esta ausencia), James toma la cancha en más de un sentido. Ayudó a desarrollar esta secuela al estilo Ready Player One (2018) desde el principio y la historia no se basa solo en sus habilidades en la cancha de baloncesto. Incorpora su imagen pública, su familia, su crianza y sí, incluso su aparente falta de lealtad hacia sus compañeros. Seamos realistas, LeBron cambia de equipo de la misma manera que la gente cambia su ropa interior. Space Jam fue una película muy extraña, pero Space Jam: A New Legacy es aún más extraña.

Iré directo al grano. Space Jam: A New Legacy no es más que un infomercial gigante para su legendario estudio, Warner Brothers. Lo sabemos porque Al-G Rhythm, interpretado por Don Cheadle, nos lo dice casi de inmediato. Varias veces, de hecho. Si bien la vista de King Kong y el Iron Giant dándose un saludo tendrá un lugar especial en el corazón de algunas personas, el resto de la película es simplemente una locura. El director Malcolm D. Lee ha tenido una buena racha con comedias como Girl's Trip (2017) y Night School (2018), pero Space Jam es alarmantemente ligera con su encanto. La película se extiende unos buenos 30 minutos más, pasa por una configuración dolorosa, tiene un final demasiado inflado, una actuación lamentablemente exagerada de Don Cheadle, y una gran cantidad de propiedades famosas de Warner Brother en la multitud abarrotada de su acto final que parecen imitadores mal vestidos que han sido sacados de Times Square.

Esto me lleva al problema principal que muchos tendrán con la película. Es LeBron. Si bien puede mostrar una seriedad genuina en pequeñas partes, a veces es doloroso verlo aquí. Él puede hacer que mirar fijamente a alguien parezca alarmantemente difícil. Es muy difícil para él emular cualquier expresión. Es tan malo que uno pensaría que Uwe Boll digitalizó toda su actuación. Esta nueva Space Jam no se basa necesariamente en el legado de la original. La película de Michael Jordan tenía la ventaja de estar en medio del auge de los Chicago Bulls y Jordan. LeBron nunca ha sido aceptado ni apreciado como Jordan, y ha ganado suficientes detractores por su misma culpa.

Muchos de los problemas de la película pueden estar relacionados con el guión. El guión intenta crear una historia familiar con LeBron siendo demasiado duro con su hijo menor, Dom, pero eso se siente forzado. Como siempre, el argumento se basa en el hecho de que necesita ser el padre de su hijo, no un entrenador. Sin embargo, su esposa Kamilyah parece basar su argumento en lo que suena a amistad y no tiene nada que ver con ser un modelo paterno. Hay momentos en los que se aprecian las payasadas del Toon Squad y la película necesitaba desesperadamente más de ellas. Wile E. Coyote y el Road Runner obtienen mejores resultados cuando se apegan a sus clásicos chistes. Cuando la película intenta modernizar a sus personajes, a algunos les va bien (Granny) y otros fracasan (Porky Pig). Sin embargo, una aparición sorpresa fue lo suficientemente inteligente como para divertirse un poco.

En general, esta película obviamente está hecha para niños y servirá como un relanzamiento de los personajes clásicos de Looney Tunes para una nueva generación. De lo contrario, prepárense para una experiencia cinematográfica que los llevará en múltiples direcciones y logre crear una experiencia aburrida a pesar de sus efectos especiales visualmente agradables. Al final, Space Jam: A New Legacy no es realmente una secuela, sino más bien un remake con otra estrella del baloncesto, LeBron James, asumiendo el papel de Michael Jordan. La pandilla de los Looney Tunes también regresa agregando su conmoción a la producción, que se esfuerza por lograr un equilibrio de preocupaciones humanas sinceras y un pandemonio de dibujos animados, esta vez disfrutando de una escala mayor y logros técnicos. Pero, es divertida o entretenida? Realmente no.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Fear Street Part 3: 1666

Inmediatamente después de los acontecimientos de 1978, Deena (Kiana Madeira) reúne la mano de Sarah Fier con el resto de su cuerpo y descubre lo que realmente le sucedió a Sarah Fier y cómo llegó a ser considerada la bruja que maldijo a Shadyside. Deena también se entera de cómo la colonización original de Union fue devastada por una plaga, y la gente del pueblo se centró en culpar a Sarah, acusándola de hacer un pacto con el diablo. Sin embargo, la verdad está lejos de la historia que Deena ha escuchado toda su vida y descubre la verdadera fuente del mal que asecha a Shadyside. Armada con nuevos conocimientos, Deena se propone salvar a su novia Sam (Olivia Scott Welch) con la ayuda de su hermano Josh (Benjamin Flores Jr.) y Christine Berman (Gillian Jacobs).

1994, la primera entrega de la trilogía de películas de Netflix de Fear Street, fue un homenaje al resurgimiento del género slasher de mediados de los años 90 cuando Scream (1996) arrasó con el mundo. Sin embargo, el capítulo 1978, que rinde homenaje a los slashers al estilo Friday the 13th de finales de los 70 y principios de los 80 fue un pequeño bache. Había algo en la película que la dejaba sintiéndose por todos lados y desenfocada, a pesar de algunas muertes satisfactorias y cierto compromiso emocional. Curiosamente, el capítulo final de Fear Street, 1666, rinde homenaje a una era de horror que se tocó por primera vez en The Witch (2015). Es quizás la primera vez que veo una película que rinde homenaje a algo tan reciente, pero es una elección atrevida que en sí misma me trajo de vuelta a bordo con la trilogía. Y afortunadamente, Fear Street encuentra su base en Part 3: 1666 no solo para redimirse de su capítulo medio mediocre, sino también para terminar en una nota alta toda la trilogía.

Después de devolver la mano de la bruja Sarah Fier al lugar de su entierro, Deena revive la visión de los últimos días de Sarah Fier en 1666, antes de la separación de Sunnyvale y Shadyside, con los rostros de su familia y amigos poblando el modesto pueblo puritano. Esta visión le da a Deena la clave para derrotar al mal que azota a Shadyside en 1994, descubriendo que la amenaza estaba frente a su cara todo el tiempo. Es muy difícil describir 1666 sin estropear un montón de información de las dos primeras películas, así como sin estropear algunos de los giros legítimos que surgen en la conexión final de las tres historias aparentemente separadas. Sin embargo, hay algo que decir sobre la capacidad de 1666 para mejorar y contextualizar muchas de las tramas y cosas que derribaron algunas partes de los dos capítulos anteriores. Con la historia revelada en su totalidad, hay una apreciación más profunda por la forma en que la directora Leigh Janiak une todos los elementos para crear un manto de miedo bastante sólido.

Dicho esto, necesito abordar lo que casi me hizo perder la fe en 1666... el vocabulario y los acentos. No estoy seguro si no hubo un entrenador de dialectos en esta película o si simplemente no le dieron prioridad, pero como una colección de inmigrantes irlandeses interpretados por actores norteamericanos, todos están luchando por hablar. Los diferentes dialectos entran y salen, los acentos norteamericanos se destacan y hay un descuido general y una falta de coherencia entre los personajes. Esto golpea desde el principio, y aunque la historia comienza a involucrarte más con la narrativa y menos con los acentos, no cambia el hecho de que la mayoría de la gente suena como si estuvieran haciendo una imitación borracha de Anya Taylor-Joy mezclada con el duende de Lucky Charms.

Hablando de cosas que involucran a Anya Taylor-Joy, hay una conexión, y una gran inspiración, muy obvia con la película The Witch de Robert Eggers. Si bien comienza con una cantidad casi sospechosa de inspiración visual, puedo dar fe de que esto empieza a desviarse en gran medida del estilo de The Witch y más hacia el ámbito de la muy subestimada serie de WGN Salem (2014 - 2017) en el sentido de que rápidamente se convierte en un recuento mucho más pesado del pánico de brujas que hubo en las colonias. Esto tiene sus ventajas en el hecho de que aparentemente no tiene límites a cuán lejos está dispuesta a llegar para crear pavor en el espectador de una manera efectiva, pero también tiene sus desventajas en lo contemporáneo. Claro, esta película se hizo para un público objetivo, y obviamente más joven, que probablemente no quieran escuchar a la gente hablar dialectos de inglés antiguo e históricamente preciso, pero el punto sigue siendo que la inmersión no siempre está ahí.

Sin embargo, lo que hay es una cantidad sustancial de pánico que es mucho más aterradora que cualquier cosa en las dos películas anteriores, ya que se centra menos en el elemento del horror y más en cosas horribles reales que pueden convertir a una comunidad en un grupo que busca venganza contra las violentas transgresiones cometidas contra su comunidad. A diferencia de algo como The Crucible (1996) que ilustra lo rápido que las cosas pueden convertirse en violencia, esta película realmente le da a los ciudadanos deseos de culpar a alguien dada la extrema violencia cometida contra su pueblo. Puedo entender, incluso lo encuentro criticable, querer culpar a alguien por la pérdida de vidas, particularmente en la forma que se muestra aquí. Es mucho más atractivo desde una perspectiva psicológica y simplemente pone un agujero en el estómago. Y luego está el final de la trilogía en conjunto. Eso es todo lo que diré porque es mejor quedarme callado, pero la conexión de las tres películas completan el círculo y hace que se sientan como una trilogía coherente que pinta una imagen más grandiosa de las cosas.

En general, estas películas no son perfectas, incluso diría que 1978 fue decepcionante, pero hay algo que decir sobre la emoción que surge con un evento como este en el género de terror. No es la mejor y más brillante visión de terror, pero es una forma única y divertida de contar una historia más grandiosa que la de un slasher típico. Al final, Fear Street Part 3: 1666 une todo con un tono más oscuro y con algunas cosas realmente horribles que se exhiben aquí. Se necesitó un giro brusco y un poco fuera de lugar para concluir su historia, pero la forma en que se justifica dentro de dicho giro es una forma satisfactoria de terminar una trilogía generalmente sólida, con un final particularmente efectivo. Honestamente, si hubiera una manera de hacer una trilogía de películas como estas cada verano (o preferiblemente Halloween), la recibiría con brazos abiertos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Unholy

Gerry Fenn (Jeffrey Dean Morgan), que alguna vez fue un destacado periodista, ha atravesado tiempos difíciles y ha luchado por encontrar un empleo después de que lo atraparan inventando historias para aumentar su ego. Viajando a Banfield, Massachusetts para cubrir las preocupaciones de los agricultores, Gerry se siente atraído por un extraño árbol ubicado cerca de una iglesia, del cuál saca a una muñeca del suelo y logra romperla. Después de hacer tal descubrimiento, Alice (Cricket Brown), una niña sordomuda local, de repente tiene la capacidad de escuchar y hablar, convirtiéndose en un recipiente para el poder de Mary, capaz de realizar milagros para los necesitados. Gerry está allí para capturarlo todo, restaurando su empleabilidad periodística, y el padre William Hagen (William Sadler) espera administrar tal evento, llamando al obispo Gyles (Cary Elwes) para ayudar a transformar el árbol en un santuario. Mientras Alice predica el poder de Mary, Gerry comienza a investigar la historia del área, y descubre que una fuerza más oscura está detrás de los eventos recientes.

Jeffrey Dean Morgan podría querer conseguir un sacerdote que viaje con él, porque se ha topado con otra película de terror destinada a asustar a los devotos. The Unholy es una nueva entrega de Ghost House Pictures de Sam Raimi, con quien Morgan protagonizó The Possession en el 2012. Esa película fue sorprendentemente buena para ser una imitación de The Exorcist (1973), con una trama que se adentraba en las aguas de un mito judío. Pero esta vez Morgan se encuentra sumergido hasta el cuello en el simbolismo católico y vislumbra a la Virgen María. Lo más probable es que los que verdaderamente temen a Dios no quieran tener nada que ver con esta película, pero aquellos con una disposición diferente encontrarán que satisface esta batalla del bien y el mal y la sombra oscura que arroja sobre los fieles.

En una rareza para el género, The Unholy tiene un par de líneas argumentales que realmente funcionan a su favor. Morgan nos brinda el papel de Gerry Fenn, un periodista deshonrado en la pequeña ciudad rural de Banfield, Massachusetts, que busca una historia religiosa que pueda vender por unos pocos dólares. Lo que encuentra, en cambio, es una niña sordomuda local llamada Alice, que de repente entra en trance cerca de un árbol muerto y prominente. De repente, Alice puede escuchar, hablar y curar a los enfermos. Dice que fue un regalo que le concedió la Virgen María. Ella puede usar estos poderes solo con los más devotos, los que prometen su fe eterna en María, y si hay una sombra de duda... bueno, sucederán algunas cosas malas.

Para Gerry, esto le ofrece la oportunidad de volver a ser el centro de atención. No solo se hace amigo de Alice, sino que se encuentra en el centro de este fenómeno global en el que se ha convertido. Lo interesante de Gerry es que no es solo un bastardo, aunque ciertamente da esa impresión. Y definitivamente hay un lado en él que ve esto únicamente por la oportunidad que le brinda para volver a la cima. Pero como un cristiano inactivo, ver a Alice hacer caminar a un niño paralítico o presenciar cómo cura al Padre Hagen de su enfisema, le ofrece a Gerry otra oportunidad de reconciliarse con Dios. Hay un conflicto dentro de él entre su codicia personal y la fe renovadora que Morgan transmite extremadamente bien.

Sin embargo, Morgan es eclipsado por Cricket Brown. La recién llegada actriz muestra una madurez poco común y la capacidad de hacerse cargo. Como Alice, muestra tanto la incomodidad de una adolescente promedio y como la visión de ojos abiertos de alguien a quien se le ha ampliado su conexión con el mundo. Pero cuando está bajo el hechizo de Mary, Morgan muestra que Alice es una líder ardiente y resuelta. Puede ver por qué tantos querrían seguir y creer en alguien tan joven. A Cricket Brown y Morgan les va mejor que a sus compañeros de reparto. Cary Elwes ofrece un dudoso acento de Boston como un obispo sombrío que prueba la veracidad de los milagros de Alice, mientras que Katie Aselton tiene el papel más ridículo de todos como la médico de la ciudad que parece saber sobre lo que sea que la trama necesite en ese momento.

No voy a fingir que esta película es increíble. Una vez que superas la confusión interna de Gerry y Alice, es lenta y bastante rutinaria: estatuas sangrando por los ojos, una mujer parecida a un fantasma que se arrastra en las sombras y rápidos estallidos de maldad destinados a asustar. Pero hay muy pocas cosas que son realmente aterradoras, al menos no de esa manera. Lo que sí te atrapa es la facilidad con la que se pervierte la fe por causas tan comunes, ya sea el brillo del mundo del espectáculo, el dinero o la política. Todos sacan sus tentáculos siniestros y muy humanos de tal manera que reemplazan lo sobrenatural, y el Diablo tiene un suelo fértil con el que ejercer su oficio.

En general, esto no busca elevar el género, pero hay valor en su mentalidad de menos es más. María, que obviamente no es la Virgen María sino algo completamente diferente, da miedo por lo que no vemos de ella. Su rostro enmascarado la hace parecerse a una muñeca de porcelana quemada, y... hay algo más espeluznante que una muñeca malvada? Bueno, tal vez niños. Los niños son aterradores, sean buenos o malos. La película no busca encontrar nuevos fieles religiosos, sino mantener la devoción de los fanáticos del género. Al final, The Unholy es una película de posesión predecible que no hace mucho en términos de lograr que el espectador se preocupe por lo que está sucediendo. En última instancia, me hubiera gustado haberla visto empujada más al límite y desarrollado más para que pudiéramos ver realmente lo que la película era capaz de ofrecer. Dicho esto, para su debut como director, Evan Spiliotopoulos trae una marca de terror PG-13 muy simple y fácil de seguir. Él muestra potencial y, con un mayor enfoque en desarrollar sus habilidades como director, creo que podría sorprendernos a todos en el futuro. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.