Review: Woodstock 99: Peace, Love And Rage

El 15, 16, 17 y 18 de agosto de 1969, Woodstock se convirtió en un evento cultural histórico que impactaría la historia por generaciones. Ambientada en una pequeña ciudad de Bethel, New York, medio millón de jóvenes acudieron en masa a la pequeña ciudad para disfrutar de unos días de música, comunidad y activismo. Celebrado en medio del movimiento de derechos civiles y durante el apogeo de la guerra de Vietnam, Woodstock fue un acto de revolución en sí mismo. Más de 50 años después de su aparición, Woodstock aún debe ser emulado correctamente y, a menudo, se hace referencia y se romantiza con cariño en los medios de comunicación populares. El Woodstock original también fue un evento altamente caótico y planificado al azar. Si bien tuvo sus buenos momentos, también estuvo plagado de problemas. 30 años después (y después del éxito agridulce de Woodstock 94), los fundadores buscaron recrear un evento que celebrara la paz, el amor y el espíritu implícito del evento original. Sin embargo, Woodstock 99 fue inflado por la codicia corporativa, el dominio de MTV, el choque entre el pop y el rock, las condiciones ambientales y la furia de jóvenes enojados. Woodstock 99: Peace, Love, and Rage busca deconstruir lo que sucedió en el infame festival. Dirigido por Garret Price, el documental presenta entrevistas del fundador de Woodstock, Michael Lang, artistas como Jonathan Davis (Korn), Dave Mustaine (Megadeth), Moby, Scott Stapp (Creed), asistentes selectos y varios expertos en la cultura pop. Originalmente destinado a ser una mirada cómica a un evento tan extravagante, el documental evoluciona hacia el de una película de terror, convirtiéndose en una especie de mirada de lo que se puede hacer y lo que no.

Recordar el terrible Woodstock 99 en este nuevo documental de HBO, Woodstock 99: Peace, Love And Rage, hizo que se me erizara la piel. Es un recuerdo que aparentemente había reprimido todos estos años. No estuve en absoluto en Woodstock 99, pero recuerdo haberlo visto por Pay Per View ($60 por los 3 días) y MTV y ver el espectáculo arrogante que se convirtió en una auténtica tragedia moderna. Tuve un oscuro placer cómico disfrutando del espectacular fracaso de Woodstock 99 y recordando que ahora me molesta. Un gran documental tiene un efecto significativo en la gente que lo ve. Ya sea que el efecto sea infundir compasión o magnificar el miedo y el temor, los mejores documentales lo atraen a grandes respuestas emocionales y Woodstock 99: Peace, Love And Rage sacó a la luz los recuerdos más feos del evento y mi propia reacción desagradable al evento. Es impactante y perturbador lo diferente que me siento hoy en comparación con cómo me sentía cuando era un adolescente de 17 años en 1999. Disfrutar de la destrucción y los horrores representados en nombre de un buen momento me hace sentir hoy como un fantasma.

Por qué? Porque Woodstock 99 era mucho peor de lo que había imaginado. El documental presenta lo sucedido en el festival de manera periodística y ofrece al espectador la oportunidad de examinar la evidencia y sacar sus propias conclusiones sobre quién tuvo la culpa. Lo que no está en disputa es que la gente tuvo la culpa, ya fueran los borrachos en la multitud, los artistas irresponsables en el escenario o los promotores conspiradores tan desesperados por un dólar que cortaron cada esquina y causaron una catástrofe en nombre de sus codiciosos intereses. Woodstock 99: Peace, Love, And Rage está dirigida por Garret Price y procede a contar la historia de Woodstock 99 de manera lineal. La historia comienza el día de la inauguración, el viernes 23 de julio, y continúa a través de un sábado empapado de orina y excremento y culmina el domingo, el día que la mayoría de los que recuerdan Woodstock 99 nunca olvidarán. En el tercer día de la supuesta celebración de la paz, el concierto se convirtió en un tumulto alimentado por el fuego con una banda sonora de fondo por parte de los Red Hot Chilli Peppers.

El documental invita a los periodistas que cubrieron Woodstock 99 a compartir sus recuerdos del concierto y analizar la historia de Woodstock 99 desde una perspectiva periodística. Que estas historias pinten una imagen pobre de los organizadores es solo algo que sucede orgánicamente. Frente a las personas que cubren Woodstock 99 están los organizadores John Scher y Michael Lang, a quienes se les da una amplia oportunidad de ahorcarse mientras niegan cualquier falla en las consecuencias del evento. John Scher resulta especialmente terrible aquí. Scher tiene la oportunidad de contar su versión de los hechos y hace todo lo posible para no responsabilizarse en absoluto de lo ocurrido. En cambio, Scher culpa a MTV News por cubrir el festival y hacer que parezca una zona de guerra. Luego, Scher culpa a Limp Bizkit y a su líder Fred Durst por incitar a la multitud y luego culpa a la multitud por ser ruidosa y estar fuera de control. Michael Lang, el único organizador que estuvo realmente en el Woodstock original en 1969, parece igualmente cobarde pero tiene menos que decir, prefiere no hablar directamente y, por extensión, deja a Scher para que sea la cara a quien culpar.

Sin embargo, los relatos más convincentes de Woodstock 99 provienen de quienes asistieron al festival. Hombres y mujeres que ahora tienen 30 y 40 años miran hacia atrás a Woodstock 99 con una mezcla de repulsión y arrepentimiento. Conmovedoramente, el documental utiliza entradas de un diario escrito por un asistente al festival que terminó muerto después del show de Metallica. Michael Derosia pudo haber tenido un corazón enorme, pero aún así murió de hipotermia en un festival donde la temperatura exterior promedio superó los 100 grados. Uno de los amigos más cercanos de Derosia comparte las anotaciones del diario y sus recuerdos de ese día, buscándolo, sin saber que había muerto la noche anterior, es todo muy triste. Los miembros del llamado Peace Squad, las personas que tuvieron la oportunidad de actuar como seguridad para Woodstock 99 ofrecen otra acusación conmovedora y condenatoria a los organizadores. Varios miembros hablan abiertamente sobre no estar preparados para la tarea, sobre ser superados en número en todo momento por la multitud masiva y cuántos de ellos simplemente aceptaron el trabajo para obtener boletos y pases de acceso gratuito. Aunque John Scher afirmó que el Peace Squad recibió capacitación para la seguridad, los miembros pintan una imagen de una sola sesión de entrenamiento de tres horas durante la cual la persona a cargo simplemente les dio todas las respuestas y luego una prueba en papel que pasaron fácilmente.

Estas historias sirven para acentuar una parte del documental que recibe un poco de atención, las muchas agresiones sexuales que ocurrieron. El documental presenta una breve entrevista con una mujer que asistió al festival y se fue por temor a su seguridad. Otra asistente cuenta brevemente cómo inició un sitio web después de Woodstock 99 con el fin de brindar a las asistentes un lugar donde encontrar apoyo anónimo, ya que muchas estaban demasiado asustadas o traumatizadas por sus experiencias en Woodstock 99 para informar lo sucedido a la policía. Estos momentos claman por una mayor exploración, pero la película se aleja de este tema sin profundizar mucho. Por su parte, las autoridades de Rome, New York, terminaron investigando cuatro casos denunciados de violación, uno que supuestamente ocurrió cerca del escenario mientras Limp Bizkit estaba tocando.

En general, ahora comprenderán por qué se me eriza la piel cuando recuerdo mi propia reacción a Woodstock 99. Pensé que el fracaso del festival fue divertido. Quería que los corporativos codiciosos de dinero que organizaron un festival basado en la paz y el amor en, de todos los lugares, una base militar, cayeran de sus tronos para que yo pudiera señalar y reír. Quería que los organizadores que vendían agua a $4 la botella invitaran a los patrocinadores corporativos de Woodstock y fueran humillados a escala mundial, y mi deseo se cumplió. Pero no logré comprender el panorama general. Ignoré el costo humano real de aquello de lo que me reía y este documental me obligó a enfrentar una vergüenza para la que no estaba preparado. Al final, Woodstock 99: Peace, Love, And Rage es un documental que me hizo sentir incómodo, me hizo hacer preguntas importantes sobre mí y le da una perspectiva, una dimensión humana, a un tema que había descartado como poco más que una broma... viejos corporativos recibiendo su merecido. La realidad de eso es que John Scher y Michael Lang no recibieron ningún merecido. Puede que me haya reído de ellos, puede que hayan sido temporalmente el hazmerreír, pero han tenido la última risa durante años. En 2019, casi engañaron a todos para que se les permitiera hacer el 50 aniversario de Woodstock. Continúan obsesionados y criticando a todos los que tuvieron la culpa en Woodstock 99 y eso hace que mi propia actitud en ese momento sea aún más ingenuo, inocente y esté molesto. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: Space Jam: A New Legacy

LeBron James tiene problemas para comunicarse con su hijo menor, Dom (Cedric Joe), un niño al que le encantan los videojuegos más que los deportes, e incluso está creando su propio juego de baloncesto llamado Dom Ball. Al visitar las oficinas de Warner Brothers Studio con Dom, LeBron se sienta a disfrutar de un video preparado por la creación digital Al-G Rhythm (Don Cheadle), que quiere digitalizar al astro del deporte y meterlo en todo tipo de proyectos de Warner Brothers para lanzar el sistema Warner 3000. Cuando LeBron rechaza la oferta, Al-G pierde el control en el ServerVerse, trabajando para llevar a LeBron y Dom a su mundo, que está cargado de propiedades de Warner Brothers que existen en sus propios planetas. Al desafiar a LeBron a un juego de baloncesto, Al-G lo envía al mundo de los Looney Tunes para reclutar un equipo de rechazados. Mientras tanto, AI-G trabaja para encantar a Dom, un niño inteligente que no se conecta con su padre, ayudandolo a usar Dom Ball para organizar el enfrentamiento definitivo entre el Tune Squad y su Goon Squad.

Qué es lo que realmente recuerdan de Space Jam en 1996? Para mí, es muchísimo. Recuerdo al Airness, el gran Michael Jordan, jugando con Bugs Bunny, Lola, Daffy y el resto del equipo de Looney Tunes contra el equipo de Monstars. Esa película fue el sueño de cualquier hombre en marketing sobre el potencial de comercialización. Jordan estaba en pleno apogeo, y su mercancía estaba literalmente haciendo que la gente se volviera loca. Díganme, qué no se podría amar? Es una pieza de nostalgia que muchos de nosotros recordaremos porque básicamente era una caricatura de 2 horas de sábado por la mañana... con baloncesto. Pero, la película realmente necesitaba una secuela? Especialmente si Jordan no está en ella?

Space Jam: A New Legacy es totalmente una película de LeBron James. Si bien no hay Michael Jordan (aunque una broma divertida menciona esta ausencia), James toma la cancha en más de un sentido. Ayudó a desarrollar esta secuela al estilo Ready Player One (2018) desde el principio y la historia no se basa solo en sus habilidades en la cancha de baloncesto. Incorpora su imagen pública, su familia, su crianza y sí, incluso su aparente falta de lealtad hacia sus compañeros. Seamos realistas, LeBron cambia de equipo de la misma manera que la gente cambia su ropa interior. Space Jam fue una película muy extraña, pero Space Jam: A New Legacy es aún más extraña.

Iré directo al grano. Space Jam: A New Legacy no es más que un infomercial gigante para su legendario estudio, Warner Brothers. Lo sabemos porque Al-G Rhythm, interpretado por Don Cheadle, nos lo dice casi de inmediato. Varias veces, de hecho. Si bien la vista de King Kong y el Iron Giant dándose un saludo tendrá un lugar especial en el corazón de algunas personas, el resto de la película es simplemente una locura. El director Malcolm D. Lee ha tenido una buena racha con comedias como Girl's Trip (2017) y Night School (2018), pero Space Jam es alarmantemente ligera con su encanto. La película se extiende unos buenos 30 minutos más, pasa por una configuración dolorosa, tiene un final demasiado inflado, una actuación lamentablemente exagerada de Don Cheadle, y una gran cantidad de propiedades famosas de Warner Brother en la multitud abarrotada de su acto final que parecen imitadores mal vestidos que han sido sacados de Times Square.

Esto me lleva al problema principal que muchos tendrán con la película. Es LeBron. Si bien puede mostrar una seriedad genuina en pequeñas partes, a veces es doloroso verlo aquí. Él puede hacer que mirar fijamente a alguien parezca alarmantemente difícil. Es muy difícil para él emular cualquier expresión. Es tan malo que uno pensaría que Uwe Boll digitalizó toda su actuación. Esta nueva Space Jam no se basa necesariamente en el legado de la original. La película de Michael Jordan tenía la ventaja de estar en medio del auge de los Chicago Bulls y Jordan. LeBron nunca ha sido aceptado ni apreciado como Jordan, y ha ganado suficientes detractores por su misma culpa.

Muchos de los problemas de la película pueden estar relacionados con el guión. El guión intenta crear una historia familiar con LeBron siendo demasiado duro con su hijo menor, Dom, pero eso se siente forzado. Como siempre, el argumento se basa en el hecho de que necesita ser el padre de su hijo, no un entrenador. Sin embargo, su esposa Kamilyah parece basar su argumento en lo que suena a amistad y no tiene nada que ver con ser un modelo paterno. Hay momentos en los que se aprecian las payasadas del Toon Squad y la película necesitaba desesperadamente más de ellas. Wile E. Coyote y el Road Runner obtienen mejores resultados cuando se apegan a sus clásicos chistes. Cuando la película intenta modernizar a sus personajes, a algunos les va bien (Granny) y otros fracasan (Porky Pig). Sin embargo, una aparición sorpresa fue lo suficientemente inteligente como para divertirse un poco.

En general, esta película obviamente está hecha para niños y servirá como un relanzamiento de los personajes clásicos de Looney Tunes para una nueva generación. De lo contrario, prepárense para una experiencia cinematográfica que los llevará en múltiples direcciones y logre crear una experiencia aburrida a pesar de sus efectos especiales visualmente agradables. Al final, Space Jam: A New Legacy no es realmente una secuela, sino más bien un remake con otra estrella del baloncesto, LeBron James, asumiendo el papel de Michael Jordan. La pandilla de los Looney Tunes también regresa agregando su conmoción a la producción, que se esfuerza por lograr un equilibrio de preocupaciones humanas sinceras y un pandemonio de dibujos animados, esta vez disfrutando de una escala mayor y logros técnicos. Pero, es divertida o entretenida? Realmente no.

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Fear Street Part 3: 1666

Inmediatamente después de los acontecimientos de 1978, Deena (Kiana Madeira) reúne la mano de Sarah Fier con el resto de su cuerpo y descubre lo que realmente le sucedió a Sarah Fier y cómo llegó a ser considerada la bruja que maldijo a Shadyside. Deena también se entera de cómo la colonización original de Union fue devastada por una plaga, y la gente del pueblo se centró en culpar a Sarah, acusándola de hacer un pacto con el diablo. Sin embargo, la verdad está lejos de la historia que Deena ha escuchado toda su vida y descubre la verdadera fuente del mal que asecha a Shadyside. Armada con nuevos conocimientos, Deena se propone salvar a su novia Sam (Olivia Scott Welch) con la ayuda de su hermano Josh (Benjamin Flores Jr.) y Christine Berman (Gillian Jacobs).

1994, la primera entrega de la trilogía de películas de Netflix de Fear Street, fue un homenaje al resurgimiento del género slasher de mediados de los años 90 cuando Scream (1996) arrasó con el mundo. Sin embargo, el capítulo 1978, que rinde homenaje a los slashers al estilo Friday the 13th de finales de los 70 y principios de los 80 fue un pequeño bache. Había algo en la película que la dejaba sintiéndose por todos lados y desenfocada, a pesar de algunas muertes satisfactorias y cierto compromiso emocional. Curiosamente, el capítulo final de Fear Street, 1666, rinde homenaje a una era de horror que se tocó por primera vez en The Witch (2015). Es quizás la primera vez que veo una película que rinde homenaje a algo tan reciente, pero es una elección atrevida que en sí misma me trajo de vuelta a bordo con la trilogía. Y afortunadamente, Fear Street encuentra su base en Part 3: 1666 no solo para redimirse de su capítulo medio mediocre, sino también para terminar en una nota alta toda la trilogía.

Después de devolver la mano de la bruja Sarah Fier al lugar de su entierro, Deena revive la visión de los últimos días de Sarah Fier en 1666, antes de la separación de Sunnyvale y Shadyside, con los rostros de su familia y amigos poblando el modesto pueblo puritano. Esta visión le da a Deena la clave para derrotar al mal que azota a Shadyside en 1994, descubriendo que la amenaza estaba frente a su cara todo el tiempo. Es muy difícil describir 1666 sin estropear un montón de información de las dos primeras películas, así como sin estropear algunos de los giros legítimos que surgen en la conexión final de las tres historias aparentemente separadas. Sin embargo, hay algo que decir sobre la capacidad de 1666 para mejorar y contextualizar muchas de las tramas y cosas que derribaron algunas partes de los dos capítulos anteriores. Con la historia revelada en su totalidad, hay una apreciación más profunda por la forma en que la directora Leigh Janiak une todos los elementos para crear un manto de miedo bastante sólido.

Dicho esto, necesito abordar lo que casi me hizo perder la fe en 1666... el vocabulario y los acentos. No estoy seguro si no hubo un entrenador de dialectos en esta película o si simplemente no le dieron prioridad, pero como una colección de inmigrantes irlandeses interpretados por actores norteamericanos, todos están luchando por hablar. Los diferentes dialectos entran y salen, los acentos norteamericanos se destacan y hay un descuido general y una falta de coherencia entre los personajes. Esto golpea desde el principio, y aunque la historia comienza a involucrarte más con la narrativa y menos con los acentos, no cambia el hecho de que la mayoría de la gente suena como si estuvieran haciendo una imitación borracha de Anya Taylor-Joy mezclada con el duende de Lucky Charms.

Hablando de cosas que involucran a Anya Taylor-Joy, hay una conexión, y una gran inspiración, muy obvia con la película The Witch de Robert Eggers. Si bien comienza con una cantidad casi sospechosa de inspiración visual, puedo dar fe de que esto empieza a desviarse en gran medida del estilo de The Witch y más hacia el ámbito de la muy subestimada serie de WGN Salem (2014 - 2017) en el sentido de que rápidamente se convierte en un recuento mucho más pesado del pánico de brujas que hubo en las colonias. Esto tiene sus ventajas en el hecho de que aparentemente no tiene límites a cuán lejos está dispuesta a llegar para crear pavor en el espectador de una manera efectiva, pero también tiene sus desventajas en lo contemporáneo. Claro, esta película se hizo para un público objetivo, y obviamente más joven, que probablemente no quieran escuchar a la gente hablar dialectos de inglés antiguo e históricamente preciso, pero el punto sigue siendo que la inmersión no siempre está ahí.

Sin embargo, lo que hay es una cantidad sustancial de pánico que es mucho más aterradora que cualquier cosa en las dos películas anteriores, ya que se centra menos en el elemento del horror y más en cosas horribles reales que pueden convertir a una comunidad en un grupo que busca venganza contra las violentas transgresiones cometidas contra su comunidad. A diferencia de algo como The Crucible (1996) que ilustra lo rápido que las cosas pueden convertirse en violencia, esta película realmente le da a los ciudadanos deseos de culpar a alguien dada la extrema violencia cometida contra su pueblo. Puedo entender, incluso lo encuentro criticable, querer culpar a alguien por la pérdida de vidas, particularmente en la forma que se muestra aquí. Es mucho más atractivo desde una perspectiva psicológica y simplemente pone un agujero en el estómago. Y luego está el final de la trilogía en conjunto. Eso es todo lo que diré porque es mejor quedarme callado, pero la conexión de las tres películas completan el círculo y hace que se sientan como una trilogía coherente que pinta una imagen más grandiosa de las cosas.

En general, estas películas no son perfectas, incluso diría que 1978 fue decepcionante, pero hay algo que decir sobre la emoción que surge con un evento como este en el género de terror. No es la mejor y más brillante visión de terror, pero es una forma única y divertida de contar una historia más grandiosa que la de un slasher típico. Al final, Fear Street Part 3: 1666 une todo con un tono más oscuro y con algunas cosas realmente horribles que se exhiben aquí. Se necesitó un giro brusco y un poco fuera de lugar para concluir su historia, pero la forma en que se justifica dentro de dicho giro es una forma satisfactoria de terminar una trilogía generalmente sólida, con un final particularmente efectivo. Honestamente, si hubiera una manera de hacer una trilogía de películas como estas cada verano (o preferiblemente Halloween), la recibiría con brazos abiertos.

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Unholy

Gerry Fenn (Jeffrey Dean Morgan), que alguna vez fue un destacado periodista, ha atravesado tiempos difíciles y ha luchado por encontrar un empleo después de que lo atraparan inventando historias para aumentar su ego. Viajando a Banfield, Massachusetts para cubrir las preocupaciones de los agricultores, Gerry se siente atraído por un extraño árbol ubicado cerca de una iglesia, del cuál saca a una muñeca del suelo y logra romperla. Después de hacer tal descubrimiento, Alice (Cricket Brown), una niña sordomuda local, de repente tiene la capacidad de escuchar y hablar, convirtiéndose en un recipiente para el poder de Mary, capaz de realizar milagros para los necesitados. Gerry está allí para capturarlo todo, restaurando su empleabilidad periodística, y el padre William Hagen (William Sadler) espera administrar tal evento, llamando al obispo Gyles (Cary Elwes) para ayudar a transformar el árbol en un santuario. Mientras Alice predica el poder de Mary, Gerry comienza a investigar la historia del área, y descubre que una fuerza más oscura está detrás de los eventos recientes.

Jeffrey Dean Morgan podría querer conseguir un sacerdote que viaje con él, porque se ha topado con otra película de terror destinada a asustar a los devotos. The Unholy es una nueva entrega de Ghost House Pictures de Sam Raimi, con quien Morgan protagonizó The Possession en el 2012. Esa película fue sorprendentemente buena para ser una imitación de The Exorcist (1973), con una trama que se adentraba en las aguas de un mito judío. Pero esta vez Morgan se encuentra sumergido hasta el cuello en el simbolismo católico y vislumbra a la Virgen María. Lo más probable es que los que verdaderamente temen a Dios no quieran tener nada que ver con esta película, pero aquellos con una disposición diferente encontrarán que satisface esta batalla del bien y el mal y la sombra oscura que arroja sobre los fieles.

En una rareza para el género, The Unholy tiene un par de líneas argumentales que realmente funcionan a su favor. Morgan nos brinda el papel de Gerry Fenn, un periodista deshonrado en la pequeña ciudad rural de Banfield, Massachusetts, que busca una historia religiosa que pueda vender por unos pocos dólares. Lo que encuentra, en cambio, es una niña sordomuda local llamada Alice, que de repente entra en trance cerca de un árbol muerto y prominente. De repente, Alice puede escuchar, hablar y curar a los enfermos. Dice que fue un regalo que le concedió la Virgen María. Ella puede usar estos poderes solo con los más devotos, los que prometen su fe eterna en María, y si hay una sombra de duda... bueno, sucederán algunas cosas malas.

Para Gerry, esto le ofrece la oportunidad de volver a ser el centro de atención. No solo se hace amigo de Alice, sino que se encuentra en el centro de este fenómeno global en el que se ha convertido. Lo interesante de Gerry es que no es solo un bastardo, aunque ciertamente da esa impresión. Y definitivamente hay un lado en él que ve esto únicamente por la oportunidad que le brinda para volver a la cima. Pero como un cristiano inactivo, ver a Alice hacer caminar a un niño paralítico o presenciar cómo cura al Padre Hagen de su enfisema, le ofrece a Gerry otra oportunidad de reconciliarse con Dios. Hay un conflicto dentro de él entre su codicia personal y la fe renovadora que Morgan transmite extremadamente bien.

Sin embargo, Morgan es eclipsado por Cricket Brown. La recién llegada actriz muestra una madurez poco común y la capacidad de hacerse cargo. Como Alice, muestra tanto la incomodidad de una adolescente promedio y como la visión de ojos abiertos de alguien a quien se le ha ampliado su conexión con el mundo. Pero cuando está bajo el hechizo de Mary, Morgan muestra que Alice es una líder ardiente y resuelta. Puede ver por qué tantos querrían seguir y creer en alguien tan joven. A Cricket Brown y Morgan les va mejor que a sus compañeros de reparto. Cary Elwes ofrece un dudoso acento de Boston como un obispo sombrío que prueba la veracidad de los milagros de Alice, mientras que Katie Aselton tiene el papel más ridículo de todos como la médico de la ciudad que parece saber sobre lo que sea que la trama necesite en ese momento.

No voy a fingir que esta película es increíble. Una vez que superas la confusión interna de Gerry y Alice, es lenta y bastante rutinaria: estatuas sangrando por los ojos, una mujer parecida a un fantasma que se arrastra en las sombras y rápidos estallidos de maldad destinados a asustar. Pero hay muy pocas cosas que son realmente aterradoras, al menos no de esa manera. Lo que sí te atrapa es la facilidad con la que se pervierte la fe por causas tan comunes, ya sea el brillo del mundo del espectáculo, el dinero o la política. Todos sacan sus tentáculos siniestros y muy humanos de tal manera que reemplazan lo sobrenatural, y el Diablo tiene un suelo fértil con el que ejercer su oficio.

En general, esto no busca elevar el género, pero hay valor en su mentalidad de menos es más. María, que obviamente no es la Virgen María sino algo completamente diferente, da miedo por lo que no vemos de ella. Su rostro enmascarado la hace parecerse a una muñeca de porcelana quemada, y... hay algo más espeluznante que una muñeca malvada? Bueno, tal vez niños. Los niños son aterradores, sean buenos o malos. La película no busca encontrar nuevos fieles religiosos, sino mantener la devoción de los fanáticos del género. Al final, The Unholy es una película de posesión predecible que no hace mucho en términos de lograr que el espectador se preocupe por lo que está sucediendo. En última instancia, me hubiera gustado haberla visto empujada más al límite y desarrollado más para que pudiéramos ver realmente lo que la película era capaz de ofrecer. Dicho esto, para su debut como director, Evan Spiliotopoulos trae una marca de terror PG-13 muy simple y fácil de seguir. Él muestra potencial y, con un mayor enfoque en desarrollar sus habilidades como director, creo que podría sorprendernos a todos en el futuro. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Gunpowder Milkshake

Hace 15 años, Sam (Karen Gillan) vio como su madre asesina, Scarlet (Lena Headey), la dejaba atrás después de cometer un error crítico mientras trabajaba para la organización, The Firm, y su manejador, Nathan (Paul Giamatti). Sin un modelo a seguir que la lleve a una vida pacífica, Sam sigue a su madre y se convierte en una de las principales empleadas de The Firm, utilizando armas y frialdad para eliminar a sus objetivos. Cuando su último trabajo resulta en el asesinato accidental del único hijo del rival McAlester (Ralph Ineson), Sam se encuentra en una posición difícil con sus empleadores. Ella tiene la tarea de limpiar el desorden recuperando una maleta con dinero robado, pero ese plan sale mal cuando dispara al hombre equivocado, descubriendo que su hija secuestrada, Emily (Chole Coleman), está atrapada en medio de un creciente problema con la mafia.

Cuando pienso en películas sobre mujeres asesinas, son las películas de Luc Besson las que inmediatamente me vienen a la mente. La mayoría del género le debe algo a sus trabajos anteriores, como La Femme Nikita (1990) y The Professional (1994), y debo admitir que estas se encuentran entre mis favoritas de todos los tiempos. Qué puedo decir? Hay algo eternamente asombroso en una mujer con armas abriéndose camino a través de un ejército de asesinos. Gunpowder Milkshake sigue esa sólida tradición, pero también ofrece algo nuevo en términos de estilo. La película es una extravagancia de colores y de lo mejor que Netflix ha ofrecido en este verano de éxitos de taquilla.

El nombre por sí solo debería darles una pista de que Gunpowder Milkshake no es la típica película de asesinos. Las influencias del manga está en todas partes, tanto en su alta energía, su aspecto neón y sus personajes, aunque en realidad está ambientada en lo que parece ser una ciudad europea. Todo lo relacionado con este mundo ocupado por asesinos se siente plenamente realizado por el director y co-escritor Navot Papushado, como una especie de extensión de John Wick (2014). Es un mundo en el que querrás quedarte y definitivamente ver más cuando se acabe, y no está de más que los personajes también sean geniales.

Karen Gillan interpreta a Sam, una asesina a sueldo de The Firm, un grupo anónimo que "controla el mundo" desde las sombras. Lena Headey es su madre, Scarlet, que había sido la principal asesina de The Firm hasta que cometió un error y se dio a la fuga, dejando a su hija al cuidado de Nathan, quien ayudó a convertir a la niña en la nueva agente principal de la organización. 15 años después, Sam también entra en conflicto con sus jefes al matar a la persona equivocada, el hijo de un mafioso violento, y luego decide ayudar a Emily, una niña que The Firm ha marcado para morir. De repente, sola con todo un ejército de asesinos bien vestidos y fuertemente armados detrás de ella, Sam necesita ayuda si tiene la más mínima posibilidad de sobrevivir.

Aunque Sam es una mujer ruda, su lucha por sobrevivir está llena de personajes extravagantes y lugares coloridos, con cada batalla más surrealista que la siguiente. Gran parte de la acción tiene lugar en un restaurante de la década de los años 50 que es como The Continental en John Wick, un espacio seguro que no es tan seguro. Dos peleas destacadas ocurren cuando Sam pelea contra tres hombres en una bolera con colores tipo Skittles, y luego en el consultorio de un médico con todos batallando bajo los efectos de gas de la risa y ella sin el uso de sus brazos. Son secuencias salvajes y la película los sigue lanzando uno tras otro y nunca se cansa.

En The Library, Sam se encuentra con sus tres "tías", interpretadas por un conjunto de estrellas compuesta por tres mujeres que me gustaría tener en mi equipo cualquier día. Angela Bassett es Anna May, Carla Gugino es Madeleine, y Michelle Yeoh es Florence. Dirigen un lugar donde el material de lectura está cargado con más que información, y la sección de Autoayuda está completamente equipada con más que libros de cocina. Es el escenario de un tiroteo verdaderamente épico, con Papushado haciendo un uso juicioso de la cámara lenta y los ángulos caóticos para realzar una carnicería. Mucha personalidad entra en cada secuencia de acción, y mezcla brutalmente las cosas con humor a lo Kill Bill (2003) de Quentin Tarantino. Cadenas, hachas, pistolas, martillos, maletas en forma de panda, bolsas de Hello Kitty, cualquier cosa es un buen arma.

En general, la película no es perfecta. Hubo momentos en que los stunts cambiaron la forma del cuerpo de nuestras héroes. Además, comencé a preguntarme si se estaba pasando por alto la naturaleza prolongada de las escenas de lucha. La coreografía fue excepcional, pero... cuánto es demasiado? Sin embargo, disfruté del final en cámara lenta y presté mucha atención a algunas de las escenas violentas en el camino. Hubo algunas peleas brutales que se destacaron y estuvieron muy bien ejecutadas. La historia es familiar si se profundiza en ella. Una asesina se encarga de una niña que también quiere convertirse en una "limpiadora". Por eso los clásicos son clásicos por una razón, verdad? Al final, Gunpowder Milkshake es exactamente lo que promete el título. Es una película de acción/suspenso de temática feminista y espero que este sea el comienzo de algo grande. Ya sean precuelas, secuelas o una serie de anime... todo podría funcionar. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: The Misfits

Richard Pace (Pierce Brosnan) es un criminal especializado en coleccionar relojes caros. Sus planes han llamado la atención de The Prince (Rami Jaber), que es miembro de The Misfits, un equipo de delincuentes que viven según el código de Robin Hood y solo reciben dinero y bienes de los corruptos para ayudar a los pobres. A Pace se le ofrece una oportunidad para unirse a The Misfits, conociendo al maestro de disfraces Ringo (Nick Cannon), el experto en demoliciones Wick (Mike Angelo) y la guerrera feminista Violet (Jamie Chung), mientras están en busca del líder terrorista Abu (Mansoor Alfeeli) y unos lingotes de oro que se encuentran escondidos en una prisión de Oriente Medio dirigida por Schultz (Tim Roth). Al aceptar el trabajo, Pace pronto se da cuenta de que su hija, Hope (Hermione Cornfield), está dirigiendo la misión, con The Misfits siendo enviados a Jazeristan, descubriendo una manera de infiltrarse en la prisión mientras Schultz está un paso atrás, buscando proteger una fortuna utilizada para financiar el terrorismo.

Desde la película clásica Ocean’s 11 (la versión original de 1960 o la fantástica versión de 2001) hasta Mission Impossible (1996), un variado grupo de criminales que se unen para acabar con un criminal aún más grande ha sido durante mucho tiempo un elemento básico del cine de acción. La fórmula es fácil: ladrones atractivos y astutos, artes marciales de algún tipo, armas, un mago tecnológico, lugares hermosos, autos elegantes y una banda sonora genial. A eso agrega una historia que mantenga la acción a un ritmo tan rápido que no tienes tiempo para pensar en la falta de lógica de la historia. Mejor aún, se puede entregar una película de género sin ser parte de una franquicia existente. Añadan un presupuesto para obtener excelentes efectos visuales y... voilà!

La nueva y divertida película de acción The Misfits ofrece precisamente esta fórmula. Protagonizada por el ex-007 Pierce Brosnan como el estafador Richard Pace, termina formando parte de un equipo que incluye a un mago tecnológico, un experto en explosivos, una experta en artes marciales, un experto en disfraces, la hija de Richard enfocada en la caridad, y tal vez realeza o tal vez solo otro estafador. El atraco: robar millones en lingotes de oro escondidos bajo una de las prisiones más seguras de la Tierra que son utilizados para financiar grupos terroristas en todo el mundo.

The Misfits es ridículamente derivativa, incluso es un homenaje pasajero a The Maltese Falcon (1941) que es difícil pasar por alto. Filmada principalmente en Abu Dhabi, se presenta el centro futurista y las comodidades de resort que ahora estamos acostumbrados a ver en las películas de acción de la última década. El problema con el género, por supuesto, es que no existe un peligro real, por lo que, si bien las secuencias de acción son impresionantes, en realidad son solo un homenaje a los efectos visuales y a una buena edición. Nadie se lastima realmente y las lesiones a menudo se interpretan como alivio cómico, con los personajes curados y recuperados milagrosamente en la siguiente escena. Para ser justo, esto es algo típico en muchos géneros cinematográficos: los héroes realmente no se lastiman en las películas.

Ahora... hay un complot en la película. Un elaborado atraco que involucra al equipo entrando a escondidas en una prisión extremadamente segura, irrumpiendo en la bóveda oculta donde se almacenan millones en oro y sacando el oro de contrabando de manera segura. Como ocurre con la mayoría de las películas de acción, la historia es solo una excusa para conectar un desfile de secuencias de acción de una manera que tenga más o menos sentido. Esto tiene al menos algunas preguntas sobre cómo se suponía que sucederían exactamente algunos de los elementos de la historia, pero si la miran de cerca, es posible que se estén perdiendo por completo el sentido de la película.

En general, hay una razón por la que los productores pagan para tener lo que se conoce como star power. Una actuación destacada puede convertir una película horrible en una buena, y en el caso de The Misfits, se convierte exactamente en eso. Todo el crédito es para Pierce Brosnan, quien no está haciendo el mayor esfuerzo como un ladrón experimentado involucrado en un atraco de lingotes de oro en el Medio Oriente, pero trae sus encantos habituales para hacer de esta última película de Renny Harlin muy entretenida. Así que siéntese con un martini (agitado, no revuelto) y disfruten de gente bromeando entre ellos mientras logran un atrevido atraco contra villanos estúpidos y unidimensionales en lugares hermosos. Si pueden traer esa sensibilidad a la mesa, entonces predigo que van a disfrutar bastante esta película. Al final, The Misfits tiene una trama y una historia que puede ser inexistente, pero todo se presenta de una manera tan emocionante que no importa. Esto es puro entretenimiento, y no intenta ser otra cosa más que eso.

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Black Widow

En 2016, Natasha Romanoff/Black Widow (Scarlett Johansson) es una fugitiva federal, con Thaddeus "Thunderbolt" Ross (William Hurt) tratando de llevar a la Avenger ante la justicia, incapaz de localizarla mientras busca al grupo de superhéroes. Tratando de mantenerse fuera de vista, Natasha vuelve a estar en peligro cuando recibe un paquete que contiene un antídoto especial, y pronto se reúne con su hermana pequeña, Yelena Belova (Florence Pugh), una Black Widow recientemente liberada del control mental gracias a ese antídoto. Separadas durante años, ambas tienen problemas para lidiar con su pasado como herramientas para el líder de Red Room, Dreykov (Ray Winstone), quien unió a las chicas con los agentes rusos Alexei Shostakov (David Harbour) y Melina Vostokoff (Rachel Weisz), creando una familia falsa que se sentía real para las niñas. Buscando venganza, Natasha y Yelena buscan a Dreykov, entrando en contacto con su ejecutora, Taskmaster (Olga Kurylenko), mientras buscan un reencuentro con sus "padres".

Cuando Black Widow se introdujo por primera vez en el Universo Cinematográfico de Marvel, era difícil no emocionarse. Ella es un personaje lleno de historia intrigante en los comics que podría explorarse en la pantalla. Era una auténtica ruda, pero fue forjada para serlo. Por desgracia, el personaje del MCU no ha sido del todo lo que yo personalmente quería. Debido a las elecciones de narración hechas en ciertas películas, a veces se sentía como si ella tuviera un extremo proverbial, aunque los fanáticos obtuvieron pequeñas pizcas que le dieron un poco más de pistas sobre el personaje. Pero, cuando sucedió Avengers: Endgame, parecía que nunca llegaríamos a conocer al personaje que el MCU mantuvo durante la última década. Ahora, con la película Black Widow finalmente saliendo, los fanáticos obtendrán un cierre en torno al personaje y, en su mayor parte, ayuda muy poco a llenar los espacios en blanco de la versión del personaje del MCU. Sin embargo, la pregunta es si Marvel esperó demasiado tiempo para finalmente lanzar esta película.

La película tiene lugar después de los eventos de Captain America: Civil War, con Natasha huyendo como uno de los dos miembros restantes del equipo Avengers que aún no han sido detenidos. Mientras evade la captura después de ser declarada en violación de los Acuerdos de Sokovia, se esconde. Desafortunadamente, Natasha no está tan oculta como podría pensar. Alguien de origen desconocido intenta tomar algo que le fue enviado a Natasha en su casa de seguridad de Budapest, lo que finalmente la arrastra a una conspiración que se remonta a lo más profundo de su pasado, reuniéndola con aquellos que había dejado atrás hace mucho tiempo y aquellos que buscarían nada más que su sufrimiento final. No obstante, debe tenerse en cuenta que Taskmaster está muy subutilizada en este último contexto.

Si bien el guión en sí es extenso, con un tiempo de duración de aproximadamente 2 horas y 5 minutos, hay muchas cosas que los espectadores podrán explorar mientras ven a Natasha navegar por situaciones que cambian con frecuencia en la pantalla. Como ha sido el caso de muchas películas del MCU, el tema de la familia vuelve una vez más, destacando aún más el argumento entre la familia por parentesco y la familia que hemos elegido. La introducción de Florence Pugh como Yelena, David Harbour como Alexei y Rachel Weisz como Melina en esta película y, lo que es más importante, en este Universo es otra demostración visual de cómo la familia a veces no es algo que planeamos, especialmente cuando las circunstancias están diseñadas en contra de la construcción de esa unidad familiar. Dentro de este cuarteto de personajes, todos los actores retratan bien su incomodidad, especialmente dado lo que se aprende de su pasado colectivo. Pero esta incomodidad no le quita al tema. De hecho, lo ilumina al final.

En lo que respecta a las actuaciones individuales, Scarlett Johansson hace bastante bien en la pantalla como Natasha Romanov. Sin embargo, no hay un crecimiento de su personaje en la película. Dadas las complejidades emocionales de todo lo que ha pasado su personaje antes de este punto, a veces es difícil sentirse realmente convencido por lo que ofrece Johansson. Las grietas parecen más evidentes cuando se tiene en cuenta el carisma natural de Florence Pugh y el momento cómico con las bromas de Yelena en pantalla. Una vez que el Alexei de David Harbour se mete en la mezcla, Johansson casi se pierde en la película. La Melina de Rachel Weisz también se pierde un poco, aunque el personaje en sí pide ser más moderado. Sin embargo, me pregunté si Weisz podría haber sido mal interpretada o no, ya que no parecía ser la mejor representación de lo que los espectadores saben que puede hacer.

Si bien Natasha y su unidad familiar son el foco de la película, el equipo de stunts y las secuencias de peleas desarrolladas para Black Widow deberían recibir grandes felicitaciones. Según el estándar del MCU, la película tiene secuencias de acción, lo cual es apropiado dado el personaje principal. Si bien algunas secuencias tuvieron una gran escala, las mejores secuencias de acción se producen cuando se reduce la cantidad de jugadores o cuando no es necesario chocar con los momentos de efectos visuales importantes en la pantalla. Como uno de los personajes más sensatos dentro del mundo de los superhéroes, es sinceramente agradable ver cómo se traducen las secuencias cuando se enfoca únicamente en la fisicalidad entre personajes entrenados. Se aleja de todo lo relacionado con superhéroes, pero esa es una de las cosas que ha sido una constante con Black Widow. Proporciona esa lámina de relatabilidad para el espectador.

En general, esta es una adición decente al Universo Cinematográfico de Marvel, aunque algunas personas lo colocarían como una adición de nivel medio. Las actuaciones van desde lo decente hasta el robo de escenas, aunque las escenas no son particularmente robadas por el personaje principal. Las secuencias de peleas junto con las actuaciones de Florence Pugh y David Harbour son las más notables y destacan la dirección proporcionada por Cate Shortland. Aunque termina como la mayoría de los esfuerzos del MCU, atrapada en un final ruidoso con muchas explosiones y atrevidos intentos de rescate, todo es familiar, pero esa es básicamente la idea en este punto, con Marvel sin miedo a su fórmula típica para dar un golpe climático. Dado que la película sale después de lo que sabemos de Endgame, deja un sabor extraño. Esto a pesar de que la película en parte proporciona un cierre a los fanáticos del personaje. Al final, Black Widow se siente como una oportunidad perdida por Marvel Studios y Disney por haber esperado tanto tiempo para lanzar esto. A pesar de que sigue siendo lo suficientemente entretenida en su primera mitad como para cubrir una segunda mitad completamente mediocre, es bueno ver que Johansson recibe una especie de momento solitario después de interpretar su papel en un conjunto durante años. Simplemente no hay suficiente de ella en la película, ya que está más interesada en Yelena y sus futuras contribuciones al MCU. Tal como está la película, es posible que Black Widow no hubiera tenido un impacto si se hubiera estrenado antes de Civil War. 

Puntuación: 2 alcapurrias y media mordida.

Review: Fear Street Part 2: 1978

Continuando donde terminó la primera parte, Deena (Kiana Madeira) tiene a su novia Sam (Olivia Scott Welch) atada en el baúl de su auto mientras viaja con su hermano Josh (Benjamin Flores Jr.) con la esperanza de que la misteriosa mujer llamada C. Berman (Gillian Jacobs), que la llamó, pueda ayudar de alguna manera a resolver todo el misterio. El objetivo final es derrotar a Sarah Fier para siempre, pero... es esto siquiera una posibilidad? Las respuestas pueden estar en 1978, el año en que C. Berman perdió a su hermana. Bienvenidos a Camp Nightwing, donde Cindy (Emily Rudd) es una consejera de campamento recta, y Ziggy (Sadie Sink) es su hermana menor, una campista marginada. El nuevo novio de Cindy, Tommy (McCabe Slye), aparentemente está poseído por Sarah Fier, entrando directamente en modo de matar. A medida que sus dos historias convergen, Ziggy y Cindy deben unirse para derrotar el mal y sobrevivir la noche en Camp Nightwing.

Después de una primera entrega fuerte y alucinante con Fear Street Part 1: 1994, el enfoque único de Leigh Janiak y Netflix para una trilogía de terror basada en las novelas de R.L. Stine adaptadas como slashers de clasificación R tiene un tamaño decente que llenar mientras continúa su narrativa de exploración y la historia violenta de Shadyside y Sunnyvale, Ohio. Saltando 16 años en el pasado hasta 1978, Fear Street Part 2: 1978 abre una lata completamente nueva en lo que respecta a sus referencias y las usa con el mismo orgullo como lo hizo la primera entrega. Entonces, por qué no me gustó tanto?

Luego del final de Fear Street Part 1: 1994, Deena y su hermano, Josh, buscan a la única sobreviviente de la última masacre de Shadyside en un campamento de verano en 1978 para ayudarlos a descubrir cómo salvar a la novia de Deena, Sam, de ser poseída enteramente por el espíritu de Sarah Fier, la bruja que inició la maldición que cayó sobre la ciudad. Luego nos transportamos a 1978 para seguir a Ziggy y Cindy Berman mientras navegan por Camp Nightwing como dos tipos muy diferentes de campistas. Ziggy, extremadamente rebelde, y Cindy, demasiado recta, deben trabajar juntas cuando el novio de Cindy, después de un ataque, es poseído y comienza a masacrar a los campistas. Ellas también deben descubrir los secretos de la maldición de Sarah Fier para encontrar la manera de como vencerla.

Mi problema principal con 1978 es que, si bien sus referencias se han alejado de películas de los 90's como Scream (1996) y Urban Legend (1998), por nombrar algunas, cambia a las de Friday The 13th (1980) y Sleepaway Camp (1983). No hay nada particularmente único o tan encantador como la primera entrega. Los personajes no son tan identificables, la historia tiene mucho menos en juego, no hay mucha atmósfera entre sus secuencias de sangre intensas, y todo se siente como un capítulo de relleno que conduce a algo en el que se revelará material nuevo.

Ahora bien, hay una cosa que 1978 definitivamente tiene sobre 1994, y son las muertes. Si eres amante del gore y no necesitas que tus películas de terror tengan muchos sustos, 1978 definitivamente tiene una proporción de galones de sangre por minuto mucho mejor que 1994, aunque con un golpe mucho más vacío en muchas de las muertes de los personajes. Tenemos hachazos en los rostros, decapitaciones, apuñalamientos, huesos rotos, entre muchas cosas más, pero no me impactaron tanto como los asesinatos comparativamente más dóciles de la primera película. Quizás suene grosero, pero no es nada que no haya visto en otras películas a las que hace referencia y, a menudo, las originales lo hicieron mejor.

Definitivamente hay una sensación sanitizada en esta película, a pesar de su dura clasificación R, que te saca de la inmersión, pero no tuve tantos problemas con eso. Entiendo que está hecha para una nueva generación que tiene ciertos estilos de terror que les atraen y al fusionarlo con referencias, cierra esa brecha entre los grupos de edad, incluso si siento que una película de slasher de campamento de verano debería ser un poco más sucia o indecente. Entiendo por qué es un poco más limpia y puedo respetarla por eso.

Un pequeño problema que tuve con la primera película fue que, para un slasher, se sentía bastante larga con 1 hora y 40 minutos, pero pensé que necesitaba esa duración para establecer este universo. Con 1 hora y 42 minutos, 1978 se siente lenta, lo que lleva a un gran momento de "todavía nos quedan 40 minutos de esto?" cerca del final del segundo acto. Y aunque su tercer acto realmente viene con todo para deshacer sus pecados anteriores, había la sensación de que era demasiado tarde en su tiempo de duración para finalmente ponerla en marcha. Creo que hay un slasher sólido, aunque un poco inconsistente, de 1 hora y 25 minutos en el centro de esto, pero la construcción de tantos personajes desechables y sus historias realmente arrastra lo que podría ser una gran máquina de gore.

Creo que eso es lo que más me desiluciono aquí. Necesitó tiempo para tratar de construir los personajes, pero se enfocó más en tantos que es difícil para mí conectarme con ellos de una manera que hace que se sientan más tensas en la forma en que lo hizo 1994 con su pequeño círculo de protagonistas. Se trata a sí misma como un festival gore, pero también sopla aire caliente al tratar de agregar profundidad que simplemente nunca llega, y, en ese punto, prefiero que vayan al grano y comiencen a matar adolescentes rápidamente.

En general, aunque 1978 me dejó en parte desilucionado, particularmente en comparación con el fuerte comienzo que fue 1994, no me ha desanimado para seguir viendo esta serie, y todavía la encuentro como uno de los proyectos de terror más fascinantes de los últimos años, simplemente desde el punto de vista de la producción. A pesar de esto, no puedo mentir y decir que no estoy entusiasmado con Fear Street Part 3: 1666 después del corto mostrado al final de esta entrega. Estoy seguro de que se sentirá como una versión dietética de The Witch (2015) en su estilo, pero si puede balancear dos películas de tres con 1666, entonces lo llamaría una buena trilogía. Al final, Fear Street Part 2: 1978 se siente como un relleno para llegar a Fear Street Part 3: 1666, pero honestamente llega donde cuenta y tiene algunos momentos destacados, incluido un asesino con su máscara, asesinatos brutales y la naturaleza promiscua que tiene este tipo de películas. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: A Quiet Place Part II

Con Lee (John Krasinski) muerto, Evelyn (Emily Blunt) se queda sola para proteger a sus hijos Marcus (Noah Jupe), Regan (Millicent Simmonds) y un bebé. Ahora, los cuatro se ven obligados a abandonar su hogar por un nuevo lugar para vivir y mantenerse a salvo. La amenaza alienígena sigue siendo tan peligrosa como siempre, pero Regan ha descubierto una forma de convertir el sonido en un arma, dando a la familia la oportunidad de sobrevivir mientras cruzan un terreno peligroso lo más silenciosamente posible. Al entrar en una refinería de acero, Marcus resulta herido, atrayendo a los extraterrestres, pero también a Emmett (Cillian Murphy), un antiguo amigo que lo perdió todo ante los invasores y no quiere que más personas se preocupen por él. Al decifrar una señal de radio codificada, Regan decide buscar refugio en una isla y se marcha por su cuenta. Mientras Evelyn ruega por la ayuda de Emmett para recuperar a su hija, los suministros médicos están disminuyendo, lo que obliga a la madre a volver a entrar en un mundo peligroso para salvar a su hijo y a su bebé.

El punto extremadamente obvio sobre A Quiet Place Part II, uno que estoy seguro de que la mayoría de la gente ya lo ha hecho, es que la secuela tan esperada tiene un nuevo grado de relevancia dada la pandemia del Covid-19 en curso. Eso no es necesariamente incorrecto dados los paralelismos en una familia que emerge de un encierro después de haber sido llevada al aislamiento por una amenaza alienígena y las reacciones desquiciadas de manera confiable por parte del público en general. No se puede negar que A Quiet Place Part II es muy relevante en estos días, pero también es esperanzadora, de una manera extraña, indirecta y casi irreal. La única forma de sobrevivir en este mundo, una vez más revivido por el guionista/director John Krasinski, es guardar silencio y escuchar. En una historia llena de extraterrestres con súper audición y una velocidad máxima, lo que encontré más difícil de tragar fue que habría suficientes personas manteniendo la boca cerrada para construir una película. Simplemente no se puede culpar el optimismo de Krasinski.

Afortunadamente, tampoco se puede criticar su dirección. Apenas aparece en esta secuela en un prólogo de flashback caótico, y es reemplazado por Cillian Murphy en el papel de padre sobreviviente, pero sus huellas están en todas partes, desde secuencias de suspenso estrechamente diseñadas (hay un par de ellas créanme) a la atención casi obsesiva que se presta a los detalles minuciosos de un mundo donde el más mínimo sonido puede hacer que te maten. Esto, sin duda, se siente menos como una secuela y más como una continuación, ya que comienza minutos después del final de la primera película y se desarrolla durante un período lo suficientemente corto para que el guión no tenga que hacer muchas preguntas importantes. Tiene suficientes ideas nuevas y una comprensión tan firme de las antiguas que, de todos modos, apenas tienes tiempo para pensar en las implicaciones más importantes.

Para aquellos que no están iniciados o simplemente han olvidado que A Quiet Place Part II estuvo sentada en un estante en algún lugar, la premisa imagina un mundo acosado por invasores alienígenas que son ciegos pero hipersensibles al sonido. Al ser una de las primeras películas en tener una presentación teatral después de cierres prolongados significa que es inevitable que ciertos espectadores deseen que esta amenaza descienda sobre la gran pantalla. Por otra parte, ahora se transmite en Paramount Plus, lo que quizás sea igual de bueno.

Los extraterrestres son una hazaña impresionante de diseño visual, que de alguna manera parece original pero no sin sentido, lo que es un equilibrio difícil de lograr en estos días, especialmente cuando podemos ver muchos de ellos. Este sigue siendo un lugar tranquilo, pero rara vez oscuro, Krasinski se deleita en dejar sueltos a estos monstruos de extremidades largas a plena luz del día o en áreas bien iluminadas. Tienen caparazones blindados que los hacen efectivamente a prueba de balas, pero como aprendimos en el clímax de la primera película, una cierta explosión de sonido de alta frecuencia hace que ese caparazón se retire y exponga una masa de carne y dientes, vulnerable a los disparos y a objetos metálicos. Durante una buena parte de la película, la matriarca agotada Evelyn, su hija sorda Regan y su idiota hijo Marcus, llevan consigo lo que es esencialmente un boombox, que es solo una de las formas en que A Quiet Place Part II puede crear suspenso a partir de algo que es bastante tonto cuando lo piensas.

Resulta que Krasinski es bueno para hacer que esas cosas tontas sean de vital importancia, y esa atención a los pequeños detalles es una gran parte de por qué las piezas, muchas de las cuales emplean una gran cantidad de cortes cuando los personajes en diferentes ubicaciones están en peligro en al mismo tiempo, funcionan muy bien. Casi todos los pasos de esta película tienen un propósito. Prácticamente cada pequeña cosa que llama nuestra atención es importante. Y no olvidemos las excelentes actuaciones. Emily Blunt continúa su encarnación de madre de la primera película como si hubiera estado conteniendo un aliento cansado todo este tiempo. En la ficción, ella dio a luz solo unas horas antes, sin embargo, inmediatamente camina descalza por millas, poniendo balas en los alienígenas y colocando una mano sobre la boca de Marcus en intervalos regulares para que no los maten a todos. Es mucho con lo que lidiar, y Krasinski, comprensiblemente, obtiene mucho de su esposa.

Pero Blunt está ligeramente marginada. Ella no tiene un reemplazo obvio como Emmett, interpretado por Cillian Murphy, cuya barba bloquea grandes porciones del característico rostro angular del actor irlandés, por lo que Millicent Simmonds como Regan se convierte en la líder en su lugar, aventurándose decididamente por su cuenta de una manera que probablemente parecería desaconsejada si Marcus no fuera tan estúpido. Sus escapadas con Emmett ocupan una generosa porción del tiempo de duración, lo que crea un ambiente diferente al de la primera película. Separar a la obviamente vulnerable Regan de su madre y ponerla en manos de una figura paterna con mucha más ambigüedad moral es una elección inteligente, una de las varias que hace interesante a A Quiet Place Part II.

Otro aspecto de la película es reutilizar eventos desde la perspectiva de Regan como el truco silencioso. Esto funciona cada vez que se implementa y hay muchas técnicas sónicas innovadoras. Por supuesto, la primera película también dio en el clavó con esto, y debo enfatizar nuevamente que no hay exactamente una sobreabundancia de nuevas ideas aquí. Pero la comprensión que tiene de sus conceptos esenciales no debe subestimarse. Vuelve con los monstruos por un momento. Son depredadores temibles, pero tienen vulnerabilidades. Unos pocos mueren, pero no tantos como para que incluso uno solo deje de dar miedo. Esto parece obvio, pero tantas películas similares se equivocan tanto que vale la pena mencionarlo de todos modos.

En algún momento después de la positiva recepción por parte del público y la crítica de la primera película, se puso de moda criticarla en las redes sociales, lamentando los lapsos en su lógica y otras cosas aburridas que no son importantes para el efecto general. A Quiet Place siempre fue una película visual y de sonido, o al menos la ausencia de este último, y su secuela funciona en los mismos términos puros e instintivos. Este es un ejercicio de suspenso con herramientas de precisión y tensión con una duración de 1 hora y 28 minutos, y un bienvenido regreso del éxito de taquilla a la pantalla grande.

En general, algunas secuelas son más de lo mismo, y otras en realidad se basan en sus predecesoras. A Quiet Place Part II tiene éxito como un raro ejemplo de esto último. Silenciando el escepticismo de cualquiera, Krasinski entrega una vez más escenas de persecución y una línea afectiva cuando se trata de seguir preocupándose por esta familia de personajes y sus viajes. Tensa y hecha con mucha precisión, esta película está a la par con su predecesora. Al final, A Quiet Place Part II es similar en estilo y tensión a la primera película, solo cambiando las posiciones de los personajes para esta continuación, ya que marca con su nuevo interés el poder de la fortaleza adolescente. Las actuaciones no podrían ser más comprometidas, ya que comunican el horror con un lenguaje corporal magnífico. Dramáticamente, la película no es un salto audaz hacia adelante, pero Krasinski es un poco más cauteloso esta vez para asegurar un futuro para esta nueva franquicia.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: The Tomorrow War

En el año 2022, Dan Forester (Chris Pratt) es un ex militar que enseña biología en la escuela secundaria, tratando de enfatizar la importancia de la ciencia. Es esposo de Emmy (Betty Gilpin) y padre de la pequeña Muri (Ryan Kiera Armstrong), y vive una vida suburbana, manteniendo distancia de su padre James (J.K. Simmons). Un día, llegan soldados del año 2051, ofreciendo una advertencia de que el mundo está a punto de ser invadido por criaturas conocidas como los White Spikes. Para evitar un futuro desastre, se impone un reclutamiento obligatorio, y se ofrece a los seleccionados un brazalete que los ayuda a vincularlos con su tiempo al ser enviados al futuro para luchar contra los invasores hambrientos. Dan pronto es seleccionado para dar el salto al futuro, haciendo un amigo con el colega científico Charlie (Sam Richardson) mientras observa al futuro veterano de guerra Dorian (Edwin Hodge) en busca de consejos de sobrevivencia. Al llegar a Miami durante una gran batalla, Dan encuentra rápidamente su lugar en la guerra, conectándose con la comandante Forester (Yvonne Strahovski), que está trabajando en una toxina especial capaz de eliminar a los White Spikes.

The Tomorrow War comienza con Chris Pratt lanzándose a través de un cielo brumoso, aterrizando en medio de una zona de guerra. Su personaje, un hombre de familia y un ex militar llamado Dan Forester, parece tan estupefacto como debería dadas las circunstancias. Afortunadamente, la película sobre una batalla futurista contra una fuerza extraterrestre invasora mantiene su premisa de viaje en el tiempo bastante simple, enfocándose en la acción y la capacidad humana para luchar contra probabilidades abrumadoras. Esta no es una película complicada, como suelen ser muchas de viajes en el tiempo. En cambio, el director Chris McKay lo reduce todo y encuentra el drama humano dentro de la guerra alienígena. Aunque tropieza en territorio familiar, es una película emocionante llena de acción y con una sorprendente cantidad de corazón.

Dan necesita un trabajo. Es un hombre brillante con una esposa cariñosa y una hija igualmente inteligente. Todo lo que quiere hacer es cuidarlas y asegurarse de que tengan un futuro exitoso. Pero ese futuro se ve literalmente amenazado con la repentina llegada de soldados del año 2051, que se teletransportan en medio de un partido de fútbol televisado con una terrible advertencia. La humanidad será destruida en treinta años si no hacen algo ahora. Y eso significa que todas las personas sanas deben venir y luchar contra los extraterrestres que buscan nuestra destrucción.

Lo interesante de The Tomorrow War es que en realidad analiza el impacto que tendría un ultimátum de este tipo. Treinta años no es tan lejos, y la mayoría de las personas que viven en el presente verían llegar ese final. Si bien eso lleva a algunos a estar entusiasmados con pelear una buena batalla, como el veterano soldado Dorian, gran parte del país sufre una depresión. De qué sirve hacer algo con tu vida si no hay esperanza de que tener la oportunidad de disfrutarlo. Similar a Starship Troopers (1997), menos la sátira, The Tomorrow War nos lleva al reclutamiento, entrenamiento y, sí, incluso a la propaganda que implica el lanzamiento de tal esfuerzo. Con solo el 30% de los reclutas sobreviviendo a su primera gira, se necesita mucho para mantener la moral. Otra cosa que causa un efecto dominó es que todos los reclutados deben ser personas que hayan muerto antes de 2051, para evitar errores con la línea de tiempo.

Sin embargo, los extraterrestres se mantienen escondidos hasta que llega el momento de luchar. Apropiadamente llamados los White Spikes, tienen una velocidad y un ataque incomparable en números abrumadores. Cuando Dan, que asume el papel de líder como un hombre nacido para ello, mira al enemigo, está tan aturdido como cualquiera y se dedica a proteger a sus compañeros de escuadrón como el aterrorizado Charlie. Aún así, muchos de los personajes no sobreviven a esa batalla inicial, y aún menos llegan a la batalla final.

La película se beneficia de tener las espectativas extremadamente altas, al tiempo que muestra el costo personal para los enlistados en esta misión suicida. Prácticamente todas las películas de invasión alienígena ponen en peligro el destino de la humanidad, pero es una noción abstracta. Lo que hace que esa amenaza sea tan significativa aquí es que Dan y otros están literalmente luchando por la próxima generación, sus propios hijos, que corren el riesgo de crecer en un mundo que ya no existe. Dan puede mirar a su hija a los ojos y saber que hizo todo lo posible para salvarla o no.

Chris Pratt, quien asume el papel de productor por primera vez, es la estrella de acción confiable y agradable que esperábamos, pasando de la comedia a lo serio a lo sensible con facilidad. Hay más en él aquí de lo que normalmente se le pide que haga, y lo hace muy bien. A él se unen J.K. Simmons, quien interpreta a al distanciado padre de Dan, e Yvonne Strahovski, quien interpreta a una futura líder militar con un vínculo a Dan tan sorprendente que no debería echarse a perder aquí. Si hay alguna queja sobre el casting, es que Betty Gilpin no es parte de la gran batalla. Y sabemos por The Hunt (2020) lo bien que puede manejar un arma.

En general, si bien gran parte de la película es emocionante y divertida, también desearía que algunas de las piezas de acción fueran más creativas. Chris McKay, mejor conocido por dirigir The Lego Batman Movie (2017), mantiene las secuencias principales simples y fáciles de seguir, pero algunas de ellas no son especialmente memorables y podrían haber jugado mejor en una pantalla grande. Al final, The Tomorrow War arroja mucho al espectador. Invasores espaciales mortales, dinámicas familiares complicadas y aniquilación planetaria. Para ser honesto... todo puede salirse de control un poco. Pero hay que admirar la ambición de ofrecer algo más, y seguir siendo una película realmente entretenida en la que podamos ver a Chris Pratt explotando muchas cosas.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Gaia

Gabi (Monique Rockman) es una guardabosques que ayuda a monitorear una gran área boscosa en Sudáfrica junto a su compañero de trabajo Winston (Anthony Oseyemi), pero cuando los dos se separan, ella encuentra un mundo de horror esperando en la oscuridad. Herida y sangrando, Gabi es acogida por una pareja de padre e hijo que han estado viviendo en el bosque durante un período de tiempo desconocido. Barend (Carel Nel) y su hijo Stefan (Alex van Dyk) creen que Dios está creciendo bajo sus pies como parte de una extensa serie de raíces, plantas y humanos/personas transformadas por Dios en forma de esporas y convertidas en flora homicida, y su intención es recuperar la tierra de las personas que la han infectado. La creencia de Barend es casi fanática, mientras que Stefan es demasiado joven para haber sabido algo del mundo exterior, y Gabi no está segura de cuál representa la mayor amenaza, Dios o el hombre.

Las películas de horror ecológico vienen en múltiples variedades, pero el tema central a menudo se reduce a la Madre Tierra luchando contra la pestilencia conocida como humanidad. Es difícil no apoyarla dada nuestra mala administración del planeta, y ese concepto puede convertirse en un fascinante tema para emociones y conversaciones. Gaia es una nueva entrada en el subgénero, pero si bien ofrece imágenes memorables y brinda características a sus criaturas, tropieza con su guión. Gaia es una experiencia innegablemente hermosa, ya que el director Jaco Bouwer sumerge a los espectadores en un mundo que cambia sin cesar entre la belleza y el terror. A pesar de todas las ideas interesantes, la película carece de una falta de claridad y propósito con sus personajes. Los misterios y las preguntas sin respuesta siempre son bienvenidos y presentan algunas ideas intrigantes, pero se siente como una mezcla de pensamientos en lugar de un comentario o una historia audaz.

Las motivaciones de Gabi en particular no son claras e insatisfactorias, y comienza con decisiones que se toman sin justificación. Winston bromea desde el principio sobre su pérdida como un personaje típico en una película de terror, y luego procede a hacer precisamente eso. Es lamentablemente apropiado ya que Winston, el único personaje negro de la película, es el primero en morir cumpliendo con el estereotipo de las películas de terror. Las acciones de Gabi no se vuelven más lógicas a partir de ahí, y su atracción casi instantánea por Stefan (como madre, amante, ambas?) la convierte en un personaje con incluso menos personalidad individual más allá de ser una mujer.

La atracción de Stefan por ella es comprensible, ya que es la única mujer que conoce fuera de una madre que murió cuando él era un niño, pero su respuesta llega sin ninguna comprensión de su carácter. Agreguen una serie aparentemente interminable de secuencias de sueños, cortas pero repetitivas por naturaleza, y Gabi se vuelve aún menos una persona y más un marcador para los eventos. La jungla tiene una ligera sensación bíblica de la naturaleza cristiana con Stefan y Gabi como sustitutos de una especie de Adán y Eva, pero Gaia deja esos temas colgando como referencia en lugar de dar elementos sustanciales.

En última instancia, Barend se alza como el personaje más plenamente realizado de la película, tanto para bien como para mal, pero está cargado con aspectos bíblicos sin ataduras. Es un hombre cuyo dolor por su esposa muerta se ha transformado en un fervor por apaciguar al "Dios" en medio de él, y como un Abraham demacrado, pasa a creer que necesita sacrificar a su único hijo. El entorno de Barend es real, al igual que su deseo de proteger su mundo de los forasteros, pero de todos modos se ha vuelto loco. Carel Nel convence con su personaje tanto a través de sus ojos como a través de sus palabras, pero tristemente se convierte de una sólida actuación a un personaje que resulta ser cliché.

La película funciona mejor en sus momentos más viscerales y amigables con el terror, con la realización de la película y los efectos visuales entregando algunas secuencias intensas. Los humanos transformados que acechan el bosque se mezclan a la perfección con la fauna más tradicional que los rodea, y son criaturas amenazadoras con un escenario de invasión que es particularmente efectivo. Incluso los momentos más tranquilos funcionan para perturbar a medida que las flores y los hongos brotan de la carne humana, lo que resulta en un horror corporal inquietante. La banda sonora inquietantemente natural se suma a la sensación de que el mundo está cobrando vida a nuestro alrededor y que tiene planes para nuestras fechorías.

En general, la película logra crear un mundo y sumergir al espectador en él, pero al igual que la humanidad y la naturaleza, los elementos que funcionan están constantemente en desacuerdo con los que no. Es un poco aburrida, pero gracias a sus imágenes, el tiempo de ejecución pasa rápidamente. Los fanáticos del horror ecológico querrán verla, pero los espectadores casuales probablemente la apaguen antes de los 20 minutos. Al final, Gaia tenía mucho potencial, atmósfera y tensión creciente en su historia, pero se ve socavada por la escasez de caracterización y una ambivalencia hacia cualquiera de las ideas que presenta. Justo cuando la película debería estar avanzando hacia un clímax satisfactorio y algún sentido de tesis impulsora, se vuelve oscura y insegura de su propósito y sus objetivos.

Puntuación: 2 alcapurrias.

Review: Fear Street Part 1: 1994

Es 1994 en la ciudad de Shadyside, Ohio, conocida como "Killer Capitol U.S.A." gracias a su larga historia de residentes que de manera misteriosa cometen matanzas violentas. Cuando ocurre el primer asesinato de la ciudad en años, la ciudad y sus alrededores, incluido el rico suburbio de Sunnyvale, estallan en un frenesí. Deena (Kiana Madeira), una estudiante de secundaria desilusionada con la vida después de romper con su primera novia, Sam (Olivia Scott Welch), se encuentra a sí misma, Sam, sus amigos Simon (Fred Hechinger) y Kate (Julia Rehwald), y también su hermano menor Josh (Benjamin Flores Jr.), perseguidos por un trío de asesinos aparentemente imposibles de matar impulsados ​​por una fuerza sobrenatural que ha aterrorizado a Shadyside durante más de 300 años.

Finalmente ha llegado una trilogía cinematográfica que da vida a las novelas de terror para adolescentes de la saga Fear Street escrita por R.L. Stine. Sus libros abarcaron desde 1989 hasta 1999 con variaciones hasta el 2014. Las novelas de Fear Street fueron el medio perfecto para los lectores que querían algo más que la sensación familiar de historias espeluznantes de su serie Goosebumps, pero menos que las horribles pesadillas temidas de las novelas de Stephen King. Ahora que Goosebumps se ha difundido en todo el cine y la televisión a lo largo de los años, ha llegado el momento de que la serie Fear Street tenga su primera película de la trilogía, comenzando con Part 1: 1994.

Fear Street Part 1: 1994 y las dos películas restantes están dirigidas por Leigh Junaik. Ella hizo su debut como directora con la película de terror y misterio Honeymoon (2014), y ha tomado las riendas de esta primera parte de Fear Street para Netflix. Es 1994 en Shadyside, Ohio, y un círculo de amigos está descubriendo la verdad relacionada con una antigua cacería de brujas. Están a punto de descubrir un antiguo mal responsable de una serie de brutales asesinatos que han plagado su ciudad durante más de 300 años. Puede este grupo de amigos poner fin a la maldición que se avecina a tiempo antes de que ellos también se conviertan en víctimas de otra triste tragedia para su aparentemente desafortunada ciudad?

Entre los protagonistas hay algunas caras conocidas de los programas Stranger Things, The Haunted Hathaways, entre otros. El elenco (que también puede aparecer en toda la trilogía) incluye a Kiana Madeira, Ashley Zukerman, Gillian Jacobs, Olivia Welch, Benjamin Flores Jr., Fred Hechinger, Julia Rehwald, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale, Maya Hawke, Sadie Sink y Darrell Britt-Gibson. Además, hay una vibra total del ambiente rebelde adolescente de los años 90 sucediendo aquí. Desde un vestuario casi exacto, hasta la banda sonora de las bandas de grunge (rock alternativo en estos días) que brindan todos los sentimientos nostálgicos. Part 1: 1994 presenta los mejores éxitos de bandas como Iron Maiden, Garbage, Bush, White Zombie, Nine Inch Nails, Radiohead, Sophie B. Hawkins, Cypress Hill, Prodigy, Soundgarden, Alice Cooper y muchos más.

La película da totalmente en el clavo al combinar la serie de novelas de Fear Street y la atmósfera de suspenso de las películas slasher de los años 90 que estaban en su apogeo en esos días, como Scream (1996), I Know What You Did Last Summer (1997), Halloween H20 (1998) y Urban Legend (1998), por nombrar algunas. La película tiene una clasificación R ya que hay vocabulario fuerte en exceso, un entorno de miedo que de alguna manera agita los deseos sexuales y, por supuesto, mucha sangre y gore. En resumen, todas las cosas que disfruto en una buena película de terror/suspenso. Sin embargo, a pesar de ser un thriller para adolescentes, esta (ni las demás películas de la trilogía) no es adecuada para menores o para personas aprensivas.

Ya queda establecido que Fear Street Part 1: 1994 es muy buena. Sí, hay algunas fallas pero nada que deban dificultar verla y mucho menos, la segunda o tercera entrega de la trilogía. La montaña rusa de emociones que muestran los personajes puede resultar desagradable. Hay momentos en que los personajes están acentuando su actuación y realmente se esfuerzan cuando tienen que pelear, pero cuando un amigo/persona muere, especialmente de una manera bastante grotesca, actúan como si no fuera la gran cosa. Además, la sangre a lo largo de la película se presenta en varios tonos de rojo. No estoy seguro de si fue intencional, pero está bien. Hay una escena en la que apuñalan a una chica y se ahoga con su sangre. Tose todo su rostro. La cámara se aleja pero vuelve a la chica que tiene… milagrosamente la cara limpia. Oops! Para mí, esas pequeñas cosas no son tan importantes. De hecho, es un poco divertido. Es algo torpe y exagerado lo que hace que estas películas de terror sean aún más fantásticas. Mientras sigan siendo únicas y sangrientas, será suficiente.

En general, esto es un gran comienzo para esta trilogía. Prepara el escenario, proporcionando mucha información para que los espectadores lo digieran sin revelar todo demasiado pronto. Pero donde la película realmente brilla es en prepararnos para la próxima entrega en su gran final de suspenso. Sin embargo, con Part 1: 1994, desde la atmósfera hasta las actuaciones y el guión, querrás ansiosamente ver la segunda parte tan pronto como aparezcan los créditos. Y, si eso no es un testimonio de la calidad de esta primera película, no estoy seguro de qué decirte. Al final, Fear Street Part 1: 1994 es una gran mezcla de todos los elementos del género y una carta de amor empapada de sangre para los fanáticos del terror de la era de los 1980 y 1990. Ver Fear Street me trajo recuerdos de pasar largos ratos en un videoclub y navegar por la sección de terror en busca del arte del VHS más espeluznante que pudiera encontrar. Había algo sagrado en esa experiencia, como ir a la iglesia. Mis ojos escanearían fila tras fila de películas, buscando cubiertas con ríos de sangre goteando, o asesinos enmascarados con armas increíblemente afiladas. Volvía corriendo a casa con las películas alquiladas y el popcorn para que comenzara la diversión. Si han anhelado algo parecido a esos días de buscar terror en los videoclubs, querrán hacer un viaje a Fear Street de inmediato. Vale la pena verla!

Puntuación: 4 alcapurrias.