Review: Dune: Part One

El corpulento barón Vladimir (Stellan Skarsgård) gobierna la Casa Harkonnen, que lleva a cabo la brutal operacion minera en el planeta desértico Arrakis, haciendo una fortuna cosechando la mezcla de la especia, una sustancia valiosa que ayuda en los viajes interestelares. El Emperador busca cambiar el control de Arrakis con el enemigo jurado de la Casa Harkonnen, la Casa Atreides, gobernada por Duke Leto (Oscar Isaac), entregando las operaciones de la especia, y pronto aventurandose al planeta para comenzar a trabajar. Paul (Timothée Chalamet) es el hijo de Duke Leto y heredero del reino, junto con su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), quien se crió en la orden Bene Gesserit, instruye a su hijo en las formas del control mental. Al llegar a Arrakis con los mejores soldados de la Casa Atreides, Gurney Halleck (Josh Brolin) y Duncan Idaho (Jason Momoa), Duke Leto se prepara para una prueba de liderazgo, mientras que Paul tiene extraños sueños de vida en el planeta, atraído por la imagen de Chani (Zendaya), una miembro de los Fremen y una tribu nativa que se rebela contra el gobierno del Emperador.

Cuando se confirmó que Denis Villeneuve haría Dune como su próxima película, yo estaba un poco escéptico. Hay un montón de personas que consideran la adaptación de 1984 de David Lynch un clásico de culto, pero esa película fue un fracaso masivo que atrajo solo a una audiencia selectiva, y Villeneuve ya tenía una de esas películas en su currículum con Blade Runner 2049 (2017). La adaptación de lo qué muchos consideran la novela de ciencia ficción más significativa e importante de todos los tiempos no podría haber sido fácil de hacer. Hay montones de exposiciones que deben explicarse a cualquier persona que se adentra por primera vez en Dune. Para unos, el primer acto puede resultar confuso. Otros incluso lo encontrarán complicado, pero es comprensible considerando la densidad del material de origen. Por supuesto, la película comienza con la secuencia del título, Dune: Part One. Por lo tanto, la información que ofrezco no es alucinante. Esta primera entrega se alinea con The Lord Of The Rings como un paso necesario para algo mejor, incluso grandioso.

Dune es todo lo que se podría desear de un gran evento cinematográfico de Hollywood, lleno de espectáculo y grandeza. En unos momentos te olvidarás de lo que hizo David Lynch en el pasado y estarás totalmente envuelto en la guerra de la especia que ha envuelto a la Casa real de Atreides. Es increíble lo lejos que ha llegado Villeneuve. Desde Prisoners (2013) ha estado operando en otro nivel, y Dune es la culminación de todo lo que ha conducido hasta ahora. Visualmente, es absolutamente impresionante de contemplar, desde las naves parecidas a insectos hasta la armadura de escudo reluciente que usa la Casa Atreides, y obviamente el paisaje desértico de Arrakis, que apropiadamente parece un lugar en el que podrías perderte para siempre si primero no te tragan los gigantescos gusanos de arena.

Villeneuve no ha sido tímido en expresar su deseo de convertir Dune en una franquicia, estableciendo esto como una clara primera parte. Al hacerlo, la película se configura en gran medida durante la primera hora. Paul Atreides es heredero de la Casa Atreides y un niño con un destino mesiánico. Visiones, algunas mostrando muerte a gran escala, otras de la hermosa Chiani de ojos azules de los Fremen, ocupan su mente. Su padre, Duke Leto, ha sido puesto a cargo del planeta desértico de Arrakis, donde la especia es lo más valioso de toda la galaxia. Pero los Fremen que viven allí rechazan el gobierno violento de los forasteros del pasado, principalmente la brutal y despiadada Casa Harkonnen. Duke Leto espera construir una asociación duradera con los Fremen y no gobernarlos con una mano de hierro, pero los mecanismos políticos del Emperador y los de la Casa Harkonnen conspiran para condenar a la Casa Atreides desde el principio.

Dune se envuelve en maquinaciones políticas durante una buena parte de su tiempo de duración de 2 horas y 28 minutos, pero en ningún momento se arrastra. En parte, eso se debe a la lenta evolución de Paul, quien se vuelve más confiado a medida que las cosas se vuelven más mortales para la Casa Atreides. También están las misteriosas intenciones de su madre, Lady Jessica, interpretada con enigmática fuerza por Rebecca Ferguson, y las hermanas de Bene Gesserit que tienen grandes planes para Paul... suponiendo que pueda sobrevivir. Las secuencias de acción están inicialmente salpicadas por dosis medidas, gracias en mayor parte por el personaje más emocionante de la película, Jason Momoa como Duncan Idaho, el héroe de la Casa Atreides. La gran personalidad de Momoa salta en la pantalla y tiene, por mucho, los momentos más físicos de toda la película, a menudo luchando contra hordas de los Harkonnen él solo. Josh Brolin como el mentor de Paul, Gurney Hallack, también recibe su parte de emoción, y me alegró ver al veterano actor Stephen McKinley Henderson interpretando a Thufir Hawat.

Otros actores destacados solo obtienen unos minutos para brillar, con la promesa de una exposición mucho mayor en posteriores secuelas. Chani, interpretada por Zendaya, es una cuya presencia cobra gran importancia, aunque rara vez se le ve hasta el acto final. Lo mismo ocurre con Javier Bardem como el líder Fremen Stilgar, aunque deja una gran impresión. Es una lástima que no veamos más de Stellan Skarsgård como el barón Vladimir Harkonnen y de Dave Bautista como Glossu Rabban. Sin embargo, y por supuesto, la película realmente vive y muere de la actuación de Timothée Chalamet. No soy de los que necesariamente lo ven como un gran actor, pero me agrada cuando asume personajes que deben aceptar un rol de poder. Es excepcionalmente bueno para representar la indesición de Paul para abrazar su futuro, mientras se convierte en el líder que debe ser.

En general, esto es un festín para los sentidos, ya que se acerca bastante a la novela pero sin tener miedo de cortar, reutilizar y simplificar la historia según sea necesario. Villeneuve ha creado una película épica de ciencia ficción que complacerá a los fanáticos del material original y atraerá a nuevos fans a este mundo con sus personajes complejos y maquinaciones políticas aún más complejas. Y sí, es una película que grita para ser vista en todo su esplendor en la pantalla grande, aunque no hay nada de malo en verla por HBO Max si se adapta más a su nivel de comodidad. De cualquier manera, vale la pena verla. Con suerte, estarán de acuerdo y generará suficiente dinero (y buena voluntad) como para darle luz verde a la segunda parte. Al final, Dune: Part One es una obra maestra al estilo de The Lord Of The Rings y Star Wars que ocurre una vez cada 20 o 30 años y es un vistazo obligado. La historia puede estar incompleta, pero el mundo de Dune es una maravilla inmersiva y completamente realizada. Para ser honesto... es épica, atrevida y espectacular. 

Puntuación: 5 alcapurrias.

Review: Halloween Kills

En la noche de Halloween del 2018, Haddonfield se reúne para recordar la tragedia del pasado, con Tommy Doyle (Anthony Michael Hall) tratando de comenzar un nivel de sanación después de sobrevivir al ataque original de Michael Myers cuando era un niño, acompañado por Lindsey Wallace (Kyle Richards), Marion Chambers (Nancy Stephens) y Lonnie Elam (Robert Longstreet). Mientras la ciudad espera conmemorar la festividad, Michael Myers ha sobrevivido a el infierno ardiente que comenzó en la casa de Laurie Strode, volviendo a sus costumbres asesinas mientras busca su destino final en Haddonfield. Al otro lado de la ciudad, Laurie (Jamie Lee Curtis) se está recuperando en una cama de hospital, junto con su hija, Karen (Judy Greer), y su nieta, Allyson (Andi Matichak), quienes creen que finalmente han matado al hombre enmascarado, esperando un mañana más seguro. Cuando comienzan a aparecer los signos del regreso de Michael, el pánico se apodera de Tommy, quien reúne un grupo de personas para cazar y acabar con el monstruo de Michael para siempre.

Lo que es viejo es nuevo otra vez. La secuela del 2018 de la clásica Halloween de 1978, también titulada con el mismo nombre, llevó a la franquicia que puso a Jamie Lee Curtis en el mapa en una nueva dirección, aunque como con todas las cosas buenas, deben llegar a su fin. Halloween 2018 se anunció como la primera película de una trilogía que pondrá fin a la franquicia con la próxima película siendo Halloween Kills que conducirá a Halloween Ends. El lanzamiento de esas últimas películas, como muchas otras, se vio afectada por la pandemia del COVID-19 en curso, pero ahora la película del medio está sobre nosotros. Con las trilogías, algunas tienden a centrarse más en el futuro que en el presente, mientras que a menudo es difícil generar entusiasmo para una segunda entrega sabiendo que hay una tercera y última entrega donde la historia está programada para terminar. Por lo tanto, la tensión esta segunda vez no estuvo del todo presente. Dicho esto, esta película no estuvo exenta de esos momentos, pero no fueron muchos. Simplemente parecía sin rumbo y sin dirección, ya que en su mayor parte se sentía como un relleno con la intención de configurar Halloween Ends. Sin embargo, lo hizo de una manera increíblemente desordenada.

Tal vez sucumbiendo al peso de las expectativas, Halloween Kills es simplemente una sombra de la película anterior. Teniendo lugar esa misma noche, Laurie, Karen y Allyson Strode se quedaron atónitas con los eventos de la última película en la que sobrevivieron al poder de Michael Myers, creyendo que finalmente lo habían eliminado de una vez por todas. Esto claramente no sucedió ya que continuó causando estragos en toda la ciudad de Haddonfield. Hasta ese punto, la película definitivamente estuvo a la altura de su título, ya que Myers deja un gran número de muertos a su paso, y la película ciertamente aumenta el nivel de brutalidad con asesinatos más horripilantes y viscerales que en la última entrega. Si bien su necesidad en el gran esquema de las cosas es discutible, ya que la película se centra en esos momentos demasiadas veces, son los momentos que conectan una historia macro muy alejada de lo que sucede lo que hizo que la película anterior funcionara. Mirando más allá de la historia de Laurie Strode a favor de algunos ex sobrevivientes y de la ciudad en su conjunto que comprensiblemente han sido aterrorizados durante los últimos 40 años, la película intenta cerrar el círculo, pero no fue tan interesante al no hacer justicia a estos personajes que regresan en absoluto y agregan algunos comentarios forzados sobre la mentalidad de los residentes de Haddonfield.

Con Laurie esencialmente marginada durante toda la película, lo que fue decepcionante por derecho propio, el ángulo de la venganza de Michael se dejó principalmente a otros como un medio para mover a ciertos personajes y una historia hacia la supuesta línea de meta que es la próxima película. No obstante, la película lo trata de una manera desordenada con muchas subtramas que simplemente están sin que se junten de una manera lo suficientemente satisfactoria. Claramente, tratando de hacer demasiado, la película no logra hacer nada particularmente bien en su intento de resaltar el mal que era Michael Myers mientras posiciona y/o redime a ciertos personajes y le da a la audiencia una sensación de cierre. Aunque el guión no fue tan fuerte esta vez ya que la trama fue impulsada y, a veces, socavada por decisiones de personajes cuestionables o dudosos y estúpidos (parecidas a las películas de terror clásicas), hizo que le quitara tensión y emoción a muchas escenas.

A pesar de sus defectos, Halloween Kills todavía hace lo suficiente para ser algo entretenida. La mayoría de eso podría atribuirse a algunas actuaciones. Jamie Lee Curtis, como Laurie Strode, brilla aquí mientras aprovecha al máximo un papel sorprendentemente limitado que seguramente dejará a la mayoría de la audiencia con ganas de más. Esto dejó a Karen y Allyson Strode, interpredadas por Judy Greer y Andi Matichak, para tomar las riendas y definitivamente cumplieron, pero ambos roles esta vez se sintieron limitados, lo que también fue decepcionante. Como se mencionó, la película también presenta personajes que regresan de la Halloween de 1978 con Kyle Richards en el papel de Lindsey Wallace, Nancy Stephens en el papel de Marion Chambers y Anthony Michael Hall y Robert Longstreet interpretando versiones de Tommy Doyle y Lonnie Elam, respectivamente. Si bien cada uno causó una impresión en su limitado tiempo en pantalla, el uso de estos personajes en la película fue mediocre.

En general, esta película es la definición de hacer una secuela por hacer una secuela (o más bien por hacer dinero). No solo no agrega nada a la historia, sino que destruye algunas de las cosas buenas de la versión del 2018. Los personajes principales y secundarios de esta película son atroces, y el ritmo de la película está por todas partes. Hay una escena de apertura muy extraña y poco interesante. Luego tenemos un par de escenas realmente geniales con unos bomberos y en una casa con una pareja de ancianos. En este punto lo estaba pasando muy bien. Michael era feroz y no estaba de humor para perder el tiempo. Luego la película choca contra una pared y, francamente, nunca se recupera. Incluso al final, cuando la película debería estar llegando a la gran conclusión, se siente como si estuviera atascada. También hay una trama secundaria que involucra a un paciente mental que es simplemente desagradable. No da miedo y no es inteligente, es deprimente e innecesaria. Al final, Halloween Kills es una película de relleno sin sentido que solo sirve para configurar la tercera película de esta nueva trilogía. Lamentablemente, no encontré mucho para disfrutar de esta película. Se ve muy bien y el comienzo fue decente, pero para ser honesto... es una secuela decepcionante. 

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: No Time To Die

La felicidad que encontró con Madeleine Swann (Lea Seydoux) fue destrozada por su traición, lo que inspiró a James Bond (Daniel Craig) a alejarse de MI6 y optar por retirarse a Jamaica. Cinco años más tarde, Bond es contactado por su amigo de la CIA, Felix Leiter (Jeffrey Wright), a quien se le pide que regrese al negocio del espionaje cuando un laboratorio secreto que lleva un arma biológica de nanobots es infiltrada por hombres armados, con el científico ruso Obruchev (David Dencik) robando la amenaza viral para la gloria de la organización malvada, SPECTRE. Al aceptar unirse a la búsqueda de Obruchev, Bond conoce a los agentes de la CIA Ash (Billy Magnussen) y Paloma (Ana de Armas), y se enfrenta a su reemplazo del MI6, Nomi (Lashana Lynch), la nueva 007 que trabaja para M (Ralph Fiennes). Obligado a reunirse con Swann para conectarse con Ernst Stavro Blofeld (Christoph Waltz), Bond reconoce una nueva amenaza en Lyutsifer Safin (Rami Malek), un maníaco calculador con vínculos a su ex amante.

Después de casi dos años de espera, el título No Time To Die se convirtió en una especie de broma. Pero Daniel Craig, después de interpretar a 007 durante 15 años y 5 películas de calidad esporádica, ha llegado con posiblemente las mayores ambiciones que la franquicia haya visto jamás. Con el director Cary Joji Fukunaga detrás de la cámara, un grupo de mujeres actrices, incluida una 007, y un ganador al Oscar como Mejor Actor en Rami Malek interpretando al villano, las expectativas eran tan altas que no sería una sorpresa si no se cumplieran. Y, sin embargo, la película número 25 de James Bond No Time To Die supera todas las expectativas. Para mí, alguien que ha sido un gran fanático de James Bond, lo que siempre quise fue una historia que realmente golpeara al superespía donde más le duele. Películas en las que algunos de los mejores villanos conspiran para destruir el mundo o matar a millones son aburridas y pasadas, quería ver a Bond atacado a nivel personal. Si hay algo que se puede sacar de la era Craig es el logro de humanizar a Bond, dándole personas a las que cuidar. No solo mujeres para conquistar y rescatar, sino para amar de verdad. Eso hace que todas sus aventuras para salvar el mundo signifiquen mucho más.

No Time To Die es la cúspide de lo que se ha construido desde Casino Royale (2006), y se retomó cuando Skyfall (2012) intentó recalibrar las cosas después del fracaso de Quantum Of Solace (2008). James Bond, el último soltero y mujeriego, se ha asentado en la felicidad de la jubilación con su amor, Madeleine Swann. Es un tipo de felicidad que nunca habíamos visto en él antes, pero, por supuesto, con estos dos, hay secretos y problemas de confianza. Eso llega a un punto crítico cuando el intento de Bond de reconciliar el pasado se utiliza para atraerlo a una trampa de SPECTRE. Incapaz de mirar más allá de lo que solía ser Madeleine, rompe las cosas con ella y se va por su cuenta. Debe decirse que esto puede sonar como una gran confusión en la relación, y lo es, pero también es una secuencia de persecución absolutamente y increíblemente genial con motoras, Bond dentro de un automóvil que hacen cantos e incluso él luchando mano a mano cuando necesario. El hecho de que también esté lidiando con un corazón roto hace que signifique mucho más. Y esto es solo el prólogo. Cinco años después, Bond es arrastrado de regreso al negocio de salvar el mundo por su amigo Felix Leiter. Hay un virus mortal, un científico loco y algunos problemas interinstitucionales en las que el MI6 está metido hasta el cuello. Esto lleva a Bond a tener una especie de conflicto con la nueva 007, Nomi, y un nuevo villano mortal en Safin, que tiene planes que son tanto globales como sorprendentemente íntimos.

No Time To Die es entretenida como solían ser las películas de espías, con alguno que otro chiste y trampas geniales por todas partes. Pero la influencia femenina se ve muy clara aquí. Craig dijo recientemente que quería ver mejores papeles para las mujeres en la franquicia de Bond, y No Time To Die es un excelente ejemplo del impacto que puede tener. Lashana Lynch como Nomi es fuerte, capaz y rápida. Tampoco acepta ninguna crítica de la vieja guardia, participando en un juego de espionaje de superioridad con su predecesor inmediato. Otro papel destacado es el de Ana de Armas como Paloma. Si bien algunos se sentirán decepcionados de que su interpretación es pequeña, deja una impresión duradera como una agente agradable al instante que ayuda a Bond a salir de un gran problema. Y luego está Lea Seydoux, cuya Madeline Swann finalmente tiene la apasionada química con Bond que le faltaba. No solo eso, sino que aporta algo a la franquicia que seguramente hará que la gente hable.

El resto del elenco vuelve a sus roles familiares, algunos con más cosas que hacer que otros. Ralph Fiennes regresa como M, cuya toma de decisiones se cuestiona seriamente. Naomie Harris está de regreso como Moneypenny, y hay un momento realmente agradable en el que ella y Nomi flanquean a Bond, mostrando lo lejos que han llegado las cosas. Y esta vez me gustó mucho la interpretación de Ben Whishaw como Q, ya que se ha vuelto más simpático, aunque sigue siendo un nerd tecnológico. Podría haberse usado más a Rami Malek como el villano, ya que su parte se siente un poco no muy bien escrita. Durante gran parte de la película, él y Bond no tienen la oportunidad suficiente de generar animosidad antes de verse, y son lanzados a un enfrentamiento culminante de manera rápida. Ahora... para los verdaderos fans. Estén pendientes a un par de maravillosos homenajes a los pasados M, Judi Dench (1995 a 2015) y Robert Brown (1983 a 1989), y una frase especial, un romance parecido y una canción del Bond de George Lazenby en On Her Majesty's Secret Service (1969). Además, durante el prólogo aparece el Aston Martin DB5 de Thunderball (1965), y más tarde en la película el Aston Martin V8 Vantage que Timothy Dalton guió y explotó en The Living Daylights (1987). La secuencia del gun barrell en los créditos iniciales hace homenaje a Dr. No (1962). Y el productor Michael G. Wilson, que ha hecho cameos en casi todas las películas de Bond desde Moonraker (1979), aparece vestido de militar durante la secuencia de la fiesta en Cuba. Lo pueden ver brevemente ya que Bond le pasa por el lado.

Pero lo más importante es que Craig realmente da todo en su actuación final. No solo se ve absolutamente demente, sino que parece energizado por la gama de emociones que trae esta vez. Este no es el frío y calculado 007, abriéndose camino a través de todos los problemas. Hay apuestas legítimas y tiene que jugar con el corazón tanto como con el dedo en el gatillo. Creo que esto es lo mejor que ha hecho como Bond, junto con No Time To Die posiblemente siendo la mejor película de la era de Craig. Solo tengo una queja (extremadamente leve), y es su tiempo de duración de 2 horas y 43 minutos. Si bien el ritmo nunca es lento y no hay un momento en el que puedas aburrirte, la película tiene una gran cantidad de cosas y en cierto punto es agotador. El clímax sin duda te golpea justo en el pecho, y es una montaña rusa demasiado emocional. Puede que No Time To Die haya tardado en llegar a este punto, pero la espera valió la pena.

En general, esta es una película digna de la excelente interpretación de Daniel Craig como James Bond. La serie ha pasado a una forma que es más realista, pero aún tiene emocionantes secuencias de acción que son clave para las películas de espías. La idea de que el mundo está en peligro y que los espías con licencia para matar están ahí protegiéndonos a todos se ha rejuvenecido con una trama y actuaciones que tienen más peso emocional y una base realista. Lloré al final? Sí, lo hice, ya que el trabajo emocional en la película me permitió sentir la acción incluso más de lo que normalmente sentiría con una película de Bond. El guión también zigzaguea. Cuando crees que va a pasar algo, aunque adivines, no va suceder y no lo sabrás todo. Las películas de Bond suelen ser predecibles y reconfortantes, pero esta te desafía con sorpresas y un desarrollo de personajes reales. Al final, No Time To Die es sin duda la más sentimental y emotiva de todas las películas de Bond. Claro, obtenemos las asombrosas escenas de acción, las locas acrobacias, el asombroso Aston Martin, las geniales trampas, las bromas y los tiroteos. Pero también tenemos a Bond en su forma más reflexiva y personal. Hay una línea que se dice en la película, "Dejar ir es difícil", y lo es, tanto para Bond como para mí como fan. Así que, bienvenido de vuelta y adiós... Comandante Bond. James Bond.

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Eyes Of Tammy Faye

Cuando era una niña en Minnesota, Tammy Faye (Jessica Chastain) luchó con su madre al verla lidiar con la política cristiana y la vergüenza. Al captar el espíritu santo, Tammy Faye no quería nada más que una relación con Dios, y terminó con un esposo en Jim Bakker (Andrew Garfield), un aspirante a predicador que quería más de la vida, aprendiendo a lidiar de manera engañosa con los arreglos financieros mientras subía la escalera del televangelismo cristiano, trabajando con Pat Robertson (Gabriel Olds) y Jerry Falwell (Vincent D'Onofrio). Con el apoyo y la personalidad extrema de Tammy Faye, la pareja fundó The PTL Club, y se embarcó en años de entrevistas, entretenimiento y solicitudes de dinero para ayudar a desarrollar los grandes sueños de expansión de Jim, convirtiéndolo en el líder que siempre quiso ser. Para Tammy Faye, una búsqueda tan personal con frecuencia la dejaba ignorada, luchando con su lugar en el negocio y su matrimonio.

Si creciste o eras un niño durante los años 80, era imposible evadir el televangelismo. Estaba en todas partes, era algo nuevo y en su apogeo, y en la vanguardia estaba la presencia de Jim y Tammy Faye Bakker. Las personas de fe más famosas en todo el mundo durante ese tiempo, estaban en todas partes difundiendo el evangelio y acumulando dinero mano a mano de una manera que reflejaba lo que estaba haciendo el Home Shopping Network en ese momento. Qué pasó con eso de bienaventurados los pobres? La flagrante hipocresía entre su lujoso estilo de vida y su mensaje piadoso los convirtió en blancos fáciles para el ridículo público, y cuando estalló un escándalo con respecto a las irregularidades de Jim, la ley salió con toda su fuerza.

The Eyes of Tammy Faye es una mirada alegre, casi satírica a la vida de Tammy Faye, interpretada con pasión salvaje y espíritu indomable por Jessica Chastain en una actuación espectacular. Digo casi satírica porque el Jim y Tammy Faye que se ven en esta película no son muy diferentes de lo que mucha gente vio en la televisión. Eran artistas en literalmente todas las facetas de sus vidas. Para ellos, todo el mundo era un escenario, los feligreses eran su público y el reino de Dios el anfiteatro. La película está basada en el aclamado documental del 2000 que inició la evolución de la percepción pública de Tammy Faye. Una vez que fue blanco de viciosos ataques de comedia por su maquillaje o su voz chillona y aguda y actuación melodramática, Tammy Faye finalmente se convirtió en una defensora de los derechos LGBTQ y se le consideró como una de sus héroes.

Su descripción aquí es considerablemente más suave que la de su vil esposo, Jim, interpretado por Andrew Garfield. Se le ve repetidamente cuestionando la agenda homofóbica presentada por hombres poderosos como Jerry Falwell y Pat Robertson, poniendo a Jim en una posición incómoda. Él descargaría su frustración en ella, no físicamente, sino negándole el amor y el afecto que necesitaba, ya que nunca había recibido mucho de su madre, cuyo divorcio la había convertido en una vergüenza para la iglesia. Tammy Faye temía que a ella le pasara lo mismo, algo que Jim sabía y jugaba a su favor mientras mantenía en secreto su infidelidad y corrupción.

El director Michael Showalter entiende el tono de la película a la perfección. The Eyes Of Tammy Faye es, en esencia, una historia de redención para Tammy Faye, lo que significa no profundizar demasiado en su propia participación en la criminalidad del PTL Club, o en su batalla contra el abuso de drogas, el adulterio y más. Eso se descarta en gran medida para que la historia pueda enmarcarse, con bastante éxito, como la de una mujer sincera y devota que perdió su rumbo, pagó por sus pecados y finalmente volvió a la luz. La película también reduce las examinaciones más difíciles del personaje por líneas de risa que Chastain ofrece con un acento muy popular de Minnesota.

"Podemos hablar de Satanás más tarde?", y los "aw shucks" en la voz de Tammy Faye nos hacen ignorar que su mundo entero está al revés debido a la debilidad del hombre en su vida. Es demasiado decir "el hombre que amaba" porque no está del todo claro si Jim y Tammy Faye alguna vez amaron realmente a nadie más que a sí mismos. Pero les encantó ser el centro de atención, y la película termina con una deslumbrante interpretación de The Battle Hymn Of The Republic que desafía el estatus de celebridad que Tammy Faye estaba al final de su carrera. No importa lo que la vida le arrojara, nunca dejó que eso mermara su espíritu. Podemos debatir si sus actos de bondad fueron suficientes para equilibrar el mal del que fue parte durante tanto tiempo, pero esta película es convincente al presentar que su vida es digna de ser vista con un nuevo par de ojos.

En general, esta es una adaptación dramática del documental del 2000, que también lucha por capturar la realidad central del tema. Sin embargo, si bien al esfuerzo le falta una nitidez necesaria, tiene las poderosas actuaciones de Andrew Garfield y especialmente la de Jessica Chastain, quien ofrece un compromiso cautivador con las extrañas formas de Tammy Faye, elevando el esfuerzo con su gran entusiasmo por el desafío de la actuación. Al final, The Eyes Of Tammy Faye vale la pena verla gracias al fascinante ascenso y caída de los Bakkers, así como el trabajo de los dos actores principales. Pero la película se sumerge en un área gris en lugar de retratarla en blanco y negro, y eso habría agregado una dimensión importante a la historia. A través de Jessica Chastain, dejamos de ver a Tammy Faye como una broma y la vemos como una mujer cuyas intenciones sinceras a menudo se vieron frustradas por la misoginia, el ego de su esposo y la naturaleza hipócrita del evangelismo. Por cualquier error que pudiera haber cometido, y Dios sabe que cometió algunos, al menos fue consistente en su deseo de difundir un evangelio de amor y aceptación a las masas. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.

Review: Yakuza Princess

Hace veinte años, en Osaka, Japón, observamos cómo una sesión de fotos familiar se convierte en una masacre cuando un hombre armado abre fuego y mata a todos. En el São Paulo actual, Shiro (Jonathan Rhys Meyers) se despierta en el hospital, gravemente herido y sin memoria de su pasado. Su única posesión es una antigua katana. Akemi (Masumi) llegó a Brasil cuando era niña y ha estudiado con Chiba (Toshiji Takeshima) desde que tenía 6 años. No sabe nada de su familia más allá de su abuelo fallecido, pero eso está a punto de cambiar. Ella acaba de cumplir 21 años y se convirtió en heredera de la mitad del sindicato del crimen del yakuza. La otra mitad, enviados por Takeshi (Tsuyoshi Ihara), la quiere muerta, y el único hombre que puede salvarla ha sido enviado también a matarla.

A veces, una película parece hecha a la medida para ti, como si los realizadores extrajeran tus deseos más íntimos y los combinaran en una sola función. Y a veces, cuando eso sucede, a pesar de todas las cosas que suenan tan, tan radicales y perfectas, el resultado te deja vacío y no hace absolutamente nada por ti. Tal es el caso con Yakuza Princess, del director brasileño Vicente Amorim. Ambientada en Sao Paulo, Brasil, en la comunidad japonesa más grande del mundo fuera de Japón, la historia sigue a Akemi. Sin que ella lo sepa, en realidad es la descendiente de un jefe del yakuza asesinado 20 años antes. Con la ayuda de Shiro, un hombre que ha olvidado literalmente todo excepto cómo luchar, y una espada maldita que se rumorea que posee las almas de las personas a las que mata, busca respuestas sobre quién es mientras lucha contra las fuerzas que quieren muerta a Akemi, dirigidos por Takeshi.

Esta es una configuración sólida si alguna vez hubo una, y donde la película derrocha todo su potencial. La historia de fondo es retorcida y complicada hasta un punto tedioso, los personajes lanzan frases profundas que suenan filosóficas sin decir absolutamente nada, y toda la cosa se vuelve monótona en poco tiempo. Sí, tiene acción, pero después de un comienzo fuerte, estas escenas son pocas y distantes entre sí durante el resto del tiempo de duración de 1 hora y 43 minutos. Y cuando las cosas mejoran, las peleas se editan con cortes rápidos que las convierten en escenas borrosas y visualmente incomprensibles. Claro, obtenemos algunos asesinatos sangrientos y otros placeres violentos variados, pero son tan escasos que tienen poco peso en la película.

Para una película como esta, que promete acción, tensión e intrigas, comete el pecado más grave: es brutalmente aburrida. Una película basada en el manejo de la espada y la venganza generacional dentro de una organización criminal en expansión no debería ser aburrida, pero con demasiada frecuencia, esto se prolonga. Fuera de las peleas, la película se ve bien. El director Vicente Amorim tiene un buen ojo para enmarcar y escenificar escenas que no son de acción y usa los colores para transmitir su punto de vista. Hay una letanía de tomas estelares, desde escenarios épicos en azoteas hasta mercados urbanos claustrofóbicos y cementerios llenos de niebla, que le dan a la película una apariencia poderosa. Pero todo es en vano, con poco detrás para respaldarlas como algo más que imágenes bonitas. Y no son lo suficientemente bonitas como para ignorar todas las fallas.

En el departamento de actuación, muchas de las escenas de Jonathan Rhys Meyers parecen sacadas de una película diferente. Interpreta uno de los clichés más ridículos del cine: el hombre con amnesia que de la nada sabe pelear. Su interpretación y su carácter se basan en una copia de un drogadicto sacado de Trainspotting (1996). No concuerda del todo con la película que lo rodea, pero por sí solo, es la parte más convincente. Como personaje, la Akemi de Masumi nunca se desarrolla mucho en cuanto a dirección o motivación. Ella rebota a través de la película, mirando inexpresivamente asombrada por cada nueva revelación, la mayoría de las cuales se transmiten con mucha anticipación. Es difícil invertir mucho en una protagonista que carece de personalidad, impulso y presencia. Masumi, una cantante en la vida real, interpreta una de sus propias canciones en una escena durante un karaoke.

En general, la película tiene un estilo elegante, pero ese brillo exterior no se sostiene con una inspección más cercana. El guión nunca desarrolla la saga de la retribución familiar, ni los temas de la traición y el honor. Ninguno de los personajes se vuelve realmente interesante o incluso intrigante. Lo peor de todo es que hay largos períodos de enfoque en los elementos menos atractivos, y cuando la película presenta una escena de acción, es decepcionante por decir lo menos. Hay un potencial obvio aquí, pero la película simplemente nunca saca provecho de lo que hace mejor, dejando una película mediocre con una carta de presentación prometedora. Al final, Yakuza Princess se confunde con motivaciones conflictivas y giros que están lejos de ser asombrosos. Las escenas de acción son bastante agradables, pero no reinventan la rueda. En medio de esa ráfaga de acción, la película se arrastra sin sustancia. La falta de desarrollo de los personajes aleja a uno como espectador de invertir realmente en ellos. El escenario brasileño brindó la oportunidad de hacer que la película fuera única, pero el director y el equipo apenas tocan la idea. Comienza con un estallido y termina con uno, pero es demasiado genérico para sobresalir. 

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Cry Macho

Décadas atrás, Mike Milo (Clint Eastwood) era una estrella del rodeo que capturaba los titulares con sus habilidades. Hoy en día, es un hombre destrozado, que lleva una vida tranquila después de sobrevivir a un accidente, y trabaja como peón en el rancho de Howard (Dwight Yoakam). Pidiendo un favor, Howard envía a Mike en una misión a México, con la tarea de encontrar a su hijo, Rafo (Eduardo Minett), a quien no ha visto en muchos años, buscando arrebatarle el control del niño de 13 años a su madre. Leta (Fernanda Urrejola), una persona inestable. Mike acepta el viaje a regañadientes y entra con cautela a México, y pronto encuentra a Rafo con su gallo mascota, Macho. Tratando de evadir a los matones de Leta, Mike y Rafo se ponen en camino hacia Estados Unidos, solo para experimentar numerosos reveses en su plan, y finalmente instalandose en una pequeña ciudad fronteriza, con Mike acercándose a Marta (Natalia Traven), la propietaria de un café y una viuda solitaria.

No todos los días puedes corregir un error. En 1988, Clint Eastwood tuvo la oportunidad de hacer Cry Macho. Eastwood tendría 58 años en ese momento, pero rechazó la oportunidad para interpretar a Dirty Harry una vez más. Roy Schneider estuvo a punto de asumir el papel, al igual que Arnold Schwarzenegger. Pero la paciencia tiene sus virtudes, y ahora, en 2021, a la edad de 91 años, Eastwood ha vuelto a hacerlo. El resultado es una película modesta y deliberada, pero Eastwood se las arregla para entregar su encanto, informando por décadas de que el legendario actor es, bueno, el verdadero macho. Esta nueva película es una adaptación cinematográfica del libro del mismo nombre de N. Richard Nash. La leyenda de Hollywood le pide al espectador que ponga a prueba la credibilidad de interpretar a una estrella de rodeo recientemente retirado que es físicamente capaz de hacer el viaje a México para secuestrar a un adolescente y ganar rápidamente $50,000 dólares.

Esta es la película número 41 dirigida por la leyenda Clint Eastwood, y aunque buena, es una de las menos interesantes de su filmografía. Es una película que se estanca y tiene muy poca emoción. Debido, en parte, a la edad de la estrella. Hay tan poca actividad que las escenas más emocionantes consisten en el gallo, Macho, atacando a personas de la nada y viendo a Eastwood intentar lanzar una de sus típicas frases divertidas. Se sienten forzadas y antinaturales. También hay algo que está fuera de lugar a lo largo de la película, desde el papel equivocado de Dwight Yoakam como un villano complejo con un lado positivo hasta la sobreexpresión de Eduardo Minett en su personaje. Ver al joven actor esforzarse tanto a veces es muy doloroso. Además de eso, el diálogo de todos se siente mal y no sincronizado con el protagonista de la película. Eastwood es conocido por hacer tomas rápidas que le dan a esta película una experiencia temporánea. Uno no puede evitar preguntarse si estaba fuera de juego aquí.

El viaje es la materia prima emocional, una conexión improvisada entre un hombre y un adolescente para crear un vínculo que les permite a ambos encontrar lo que se han perdido en la vida. El problema es que no pasa mucho en Cry Macho. Eso no quiere decir que transcurra sin incidentes. La madre de Rafo envía a uno de sus matones para acosar al dúo, lo que le permite a Eastwood demostrar que todavía es capaz de lanzar un buen puño. La amenaza de las fuerzas del orden, especialmente de los corruptos Federales mexicanos, cobra gran importancia. Pero la conexión entre Mike y Rafo se minimiza constantemente, con Minett luchando por igualar la aún poderosa presencia de Eastwood. Para ser caritativo, el papel de Rafo podría haberlo hecho mejor un actor joven con más experiencia para transmitir algunos de los temas pesados ​​con los que se enreda la película. Eastwood, que ha estado incursionando en este territorio durante un tiempo, se ha adaptado fácilmente aquí. Creo que con demasiada facilidad. Nunca se ha visto tan frágil. A veces, por lo general cuando está en una disputa verbal con Rafo o cuando lo salva un gallo agresivo, parece que podría ser derribado por un viento fuerte. Su apariencia física agrega gravedad a su actuación, todo debido a mi recuerdo de él como el vaquero de los vaqueros. Esos días han quedado atrás, y la película funciona mejor cuando se apoya en eso.

Hay un interludio demasiado largo en un pequeño pueblo mexicano donde Mike conoce a Marta, una viuda que alimenta su estómago y su alma. No solo cede bajo sus afectos, sino que Mike comienza a enseñarle a Rafo lo que realmente significa ser duro. Él puede transmitir algunos de los conocimientos que perdió después de la muerte de su hijo, mientras que Rafo obtiene la crianza cuidadosa que nunca tuvo. Si bien esta sección se mueve pesadamente como el resto de la película, también es el elemento más sustancioso y conmovedor. Desafortunadamente, la paz no puede durar para siempre. Clint Eastwood ha hecho muchas películas importantes para Warner Bros., incluidas dos ganadoras al Oscar como Mejor Película con Unforgiven (1992) y Million Dollar Baby (2004). Ha seguido avanzando, haciendo películas a su manera e ignorando el estilo más rápido, más hábil y de gran éxito de taquilla. Aunque Cry Macho no es la mayor adición a su filmografía, debes respetar a Eastwood por mantenerse fiel a sí mismo, porque se necesita un tipo realmente duro para seguir siendo relevante hoy en día.

En general, esta no es una película de acción. Si siguen pensando que el Clint Eastwood de la vieja escuela va a sacar una Smith And Wesson y recrear a Dirty Harry, se llevarán una decepción. Al igual que su protagonista, Eastwood ha perdido interés en ser un macho en la pantalla. Mostrar cómo un hombre se reinventa inesperadamente es mucho más interesante para él. Trabajando con un guión muy tenue y una película bellamente filmada, logra esa tarea de una manera entretenida y significativa. Al final, Cry Macho es una película menor de Clint Eastwood, pero eso es precisamente lo que quiere en este momento. Lo hemos visto todos estos años disparando armas, golpeando a los malos e intimidando a la gente. A los 91 años es hora de relajarse, y con su trabajo sincero como Mike Milo, este héroe icónico de la pantalla nos deja saber que no hay vergüenza en eso. 

Puntuación: 3 alcapurrias.

Review: Malignant

Madison (Annabelle Wallis) es una mujer que intenta proteger su último embarazo después de sufrir muchos abortos espontáneos. Ella espera hacer una vida con su esposo, Derek (Jake Able), pero su comportamiento abusivo está aumentando, volviéndose violento con su esposa una noche, lo que interrumpe el embarazo. Cuando Derek termina muerto dentro de su casa, su cuerpo brutalmente destrozado, los policías no están seguros de qué hacer con la escena del crimen, con los detectives Shaw (George Young) y Moss (Michole Briana White) en el caso, tratando de buscar sentido alrededor de la situación. Una figura oscura conocida como Gabriel pronto aparece en la mente de Madison, utilizando su conexión psicológica para mostrarle su ira, con el villano buscando venganza contra aquellos relacionados con un estudio de caso de un hospital en la década de 1990, incluida la Dra. Weaver (Jacqueline McKenzie). A medida que se descubren más cuerpos, Gabriel promete continuar su ira, poniendo a Madison en una posición para acercarse al monstruo, ayudando a Shaw y Moss a descubrir quién es realmente este maníaco.

Después de hacer a Warner Bros. mucho dinero con su franquicia de terror de The Conjuring, sin mencionar a Aquaman (2018) y Fast And Furious 7 (2015), no es de extrañar que James Wan haya recibido un presupuesto saludable y una carta blanca creativa aquí. Pero a Wan le han dado tanta cuerda que se ahorcó. De todos los géneros, el terror es el que más se beneficia de los bajos presupuestos que obligan a los cineastas a ser creativos con recursos limitados. Wan tiene tanto dinero para trabajar aquí que inyecta efectos visuales CGI efectivos simplemente para consumir el presupuesto. Malignant es una carta de amor a las películas de terror, pero está hecha con un presupuesto mayor.

Basada en una historia inventada por Wan y su actriz/esposa Ingrid Bisu, Malignant comienza de manera inquietante y lo suficientemente violenta en 1993 en una de esas tormentosas salas psiquiátricas donde todo se puede curar con una saludable dosis de electricidad. Ahí es donde la Dra. Weaver es testigo de cómo uno de sus pacientes asesina al personal y luego le desgarra el brazo a un oficial de seguridad armado. "Es hora de eliminar el cáncer", dice Weaver mientras ella y el resto del equipo se preparan para hacer algo tan espantoso que incluso Wan no quiere mostrarlo. Luego nos presenta una escena de créditos con suficientes bisturíes cortando la piel para hacer que cualquier médico se vuelva aprensivo.

En el presente, la veterana del Conjuring-verse Annabelle Wallis (de la película Annabelle, 2014) interpreta a Madison, una mujer embarazada con un historial de abortos espontáneos, probablemente causados ​​por su esposo físicamente abusivo. Él la ataca, golpeando su cabeza contra la pared con tanta violencia que ella sangra prácticamente durante toda la película. Poco después, es asesinado grotescamente y exhibido allí mismo en su propia casa. La policía cree que Madison se ha vuelto loca y que probablemente sea la asesina. Lo que no creerán es que ella está teniendo visiones de un asesino en serie que está buscando a algunas caras conocidas. El atacante se hace llamar Gabriel, también el nombre del amigo imaginario de la infancia de Madison. Podría haber una conexión?

Wan claramente ama el género de terror, pero aparte de esa primera película de Saw (2004), que en verdad es más un thriller, todavía no lo he visto demostrar la capacidad de transferir ese afecto a una película propia de terror coherente. Malignant parece haber sido influenciado por todas las películas de terror de los últimos 50 años. Hay una trama sacada directamente de Basket Case (1982). Hay un demonio/villano parecido a un ninja que no estaría fuera de lugar en la reciente nueva ola de horror de películas de Indonesia. Las primeras escenas de Madison volviéndose loca me recuerdan la película Beyond The Door (1974). Sus premoniciones se remontan a The Psychic (1977). Sisters (1972) y Raising Cain (1992) son una clara influencia, al igual que Dead Ringers (1988). Una escena incluso parece hacer homenaje a la reciente versión de su amigo Leigh Whannell de The Invisible Man (2020). Pero mientras Malignant sigue recordándote películas de otros géneros, nunca hace que inviertas en su propia historia.

La falta de definición entre la realidad y los sueños es un motivo divertido que Wan se inclina mientras se desplaza de escena en escena, construyendo hacia una batalla final emocionante y operística. Wan puede escribir un guión sólido y le encanta jugar con las convenciones, por lo que es frustrante lo tediosa que es la película en su primera hora. Sí, poco a poco se están poniendo migajas de pan para la audiencia y algunas, digamos, revelaciones de otro mundo son necesarias para el viaje de Madison, pero el diálogo aburre y la actuación central, no muy elogiable, no puede salvar una ejecución terrible. Para ser honesto, durante sus últimos 20 minutos, Malignant es una maravilla, el tipo de cine gloriosamente mal juzgado y autoindulgente que solo obtienes cuando un estudio le debe a un cineasta tanto como Warner Bros le debe a Wan. Sin embargo, superar esa lenta primera 1 hora y 27 minutos es toda una tarea.

En general, la película carece de una identidad clara y realmente no tiene a dónde ir. La música es absurdamente bulliciosa a veces, trabaja duro para hacer que la quietud de la película sea aterradora, y las actuaciones no son lo suficientemente fuertes, con Wallis especialmente decepcionante como Madison, incapaz de alcanzar los niveles febriles del miedo que Wan busca. Ella no aporta nada a la película, y el material, en última instancia, no necesita que los actores persigan grandes ideas cuando se trata de villanía, lo que probablemente provocará algunas risas involuntarias en algunos espectadores, especialmente en aquellos que desean algo un poco más fundamentado a través de motivos desconcertantes e investigación profunda. James Wan quiere dejar a la audiencia impactada por su talento para el espectáculo, pero un guión más estricto y un mejor reparto se ignoran en su mayoría en la búsqueda de un final satisfactorio. Al final, Malignant se inclina mucho por la sangre, la posesión demoníaca e incluso los thrillers de casas encantadas en busca de inspiración, pero, sorprendentemente para Wan, no logra evocar mucha presencia propia. 

Puntuación: 1 alcapurria y media mordida.

Review: Kate

Kate (Mary Elizabeth Winstead) es una asesina altamente entrenada que trabaja con su manejador, Varrick (Woody Harrelson), quien la crió desde que era una niña. En Osaka, Japón, Kate acepta un trabajo para eliminar a un objetivo misterioso, solo para darse cuenta de que su cliente quiere que mate a Ani (Miku Martineau), una adolescente. No dispuesta a seguir adelante con el trabajo, Kate se reagrupa en Tokyo, preparándose para otra asignación para ayudar a restaurar su reputación. Antes del gran evento, Kate conoce a un apuesto extraño (Michael Huisman) en un bar, disfrutando de una noche de sexo antes de que ella vuelva al trabajo. Sin embargo, no todo está bien con Kate, que se desmaya durante la misión, se despierta en un hospital y se entera de que ha sido envenenada y le han dado 24 horas de vida. Kate escapa de la instalación con inyecciónes especiales para mantenerla alerta, y se embarca en una misión para llegar a Kijima (Jun Kunimura), el jefe del yakuza que la quiere muerta, y sin darse cuenta se une a Ani en el proceso.

Mary Elizabeth Winstead ha sido infravalorada durante mucho tiempo para el papel de thriller de venganza que consiguió en Kate. Ella ha estado provocando este tipo de papel desde Sky High (2005), y a través de papeles en 10 Cloverfield Lane (2016), Death Proof (2007), Scott Pilgrim (2010) y, más recientemente, Gemini Man (2019) y Birds Of Prey (2020). Esta vez con todo el protagonismo para ella, Winstead da en el clavo con una increíble película de una mujer asesina en un verano lleno de ellas. Dejando a un lado la historia familiar, la película presenta una acción elegante, brillante y con luces de neón en las calles de Tokyo, pulida por el director Cedric Nicolas-Troyan. Si has visto tu parte de estas películas como yo, te gustará cada segundo de Kate, y si no lo has hecho, puede que te conviertas en un creyente.

Winstead interpreta un personaje familiar del género, el asesino obligado a proteger a un niño. Pero primero, su personaje Kate, que ha estado trabajando para su manejador Varrick desde que era niña, tiene una misión en Osaka que cuidar. Desafortunadamente, es para asesinar al poderoso padre de Ani, y Kate no puede seguir adelante. Sin embargo, se ve obligada a disparar y matar al padre de Ani. Meses después, Kate solo quiere salir de esa vida y ser normal. Pero eso no está sucediendo. En cambio, alguien la alimenta con una dosis letal de envenenamiento por radiación, y Kate tiene que vivir, aunque sea brevemente, con la noticia de que solo le quedan 24 horas de vida. A partir de ese momento comienza la venganza. Pero no antes de volver a conectarse con Ani y forjar un vínculo poco probable con la niña cuyo padre asesinó, lo que la convierte en una tutora incómoda por decirlo menos.

Si bien es fácil criticar a Kate por ser familiar, su elegante presentación es todo lo contrario. La película se desarrolla con el brillo de un comic, con una acción digna de una página de bienvenida. Si bien muchas de estas películas buscan emular a John Wick (2014) y su elegante estilo de acumular un número de muertos, Nicolas-Troyan claramente ha estado estudiando la escuela de brutalidad de Gareth Evans con The Raid (2011). Algunas de las muertes aquí son espeluznantes, con armas afiladas que se usan apropiadamente para cortar y hacer cantos hordas de yakuza. La violencia es, afortunadamente, exagerada y un poco tonta también, a juego con el tono de bienvenida de la película. Esto no debería ser serio o sombrío, y aunque no es una experiencia tan vívida como Gunpowder Milkshake (2021), definitivamente hay algo divertido que la atraviesa.

Tal vez deberíamos estar hablando de que Winstead también obtenga su propia franquicia de acción. Quizás Kate pueda ser el comienzo de algo para Netflix como se han convertido Extraction (2020) y The Old Guard (2020)? Ella demuestra aquí lo que siempre hemos sabido, que es que puede más que manejar los aspectos físicos de este tipo de roles. Es más, es una actriz increíblemente buena. No me voy a sentar aquí y decirles que ser un gran actor te convierte en una gran estrella de cine de acción, pero ayuda. Y Winstead es más que capaz de equilibrar el ansia de venganza de Kate con el constante conocimiento de que va a morir sin importar lo que haga. También está la relación que Kate tiene con Ani, que está llena de secretos y arrepentimientos. Es una actuación más complicada de la que probablemente se le atribuya a Winstead.

En general, es la película algo original? Realmente no. Quiero decir, una película sobre cómo vengar tu propia muerte antes de que suceda es inteligente. Sin embargo, utiliza una trama efectiva para hacer su propio punto. La película tiene dos evidentes revelaciones. Una es lo suficientemente obvia como para que probablemente se pueda descubrir viendo el trailer si prestas atención entre los disparos y los puños que vuelan. El otro es demasiado deliberado para no poder conectar los puntos. No obstante, la película del director Cedric Nicolas-Troyan trae suficiente estilo visual, ingenio oscuro y acción impresionante para hacer de Kate una experiencia de acción muy satisfactoria. Al final, Kate ofrece lo esencial del cine de acción moderno utilizando su entorno japonés de formas emocionantes y manteniendo la violencia potente, subrayando con frecuencia lo letal que es su asesina. El guión crea algo de misterio en la regla del yakuza, pero el acto final intenta mezclar lealtades para asegurar sorpresas, y todo se vuelve demasiado para procesar, con el esfuerzo repentinamente complicado después de pasar la mayor parte del tiempo de ejecución lidiando con una intensidad directa. Ciertamente, hay películas de venganza mucho mejores, pero incluso esas pisan un territorio muy gastado para cualquiera que sea fanático de este género. Es la estética lo que más importa, las actuaciones, la atmósfera y el factor "genial". Kate los tiene todos, y no hay forma de que una pequeña cosa como el veneno pueda detener a Mary Elizabeth Winstead. Si hay más peleas y más gente a la que matar, 24 horas no son suficientes. 

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Reminiscence

En algún momento en el futuro, Estados Unidos ha sido sacudido por la guerra y el aumento de las aguas, dejando a Miami parcialmente bajo el agua. Nick (Hugh Jackman) es un residente que dirige un negocio de "reminiscencia", que ofrece a los clientes tiempo en un tanque especial que les permite acceder y disfrutar de sus recuerdos, reviviendo el pasado cuando el presente es terrible. Junto a su compañera, Watts (Thandie Newton), Nick tiene cuidado con la tecnología, pero pierde el autocontrol cuando Mae (Rebecca Ferguson) entra en su vida, buscando tiempo en el tanque. Inmediatamente obsesionado con la mujer misteriosa, Nick intenta aferrarse a su experiencia compartida cuando finalmente desaparece, lo que lo motiva a buscar respuestas sobre su paradero. A medida que Nick profundiza en el pasado de Mae, se encuentra en un lío con las organizaciones criminales, lidiando con la oscuridad de las acciones de su amante mientras pierde el contacto con la realidad.

Lo que es básicamente una parte Waterworld (1995) y una copia de Strange Days (1995), Reminiscence de la directora Lisa Joy está protagonizada por Hugh Jackman como Nick, quien utiliza una máquina especial conocida como Reminiscence para que sus clientes puedan revivir sus recuerdos más nostálgicos. Durante el día, él y su compañera ex-veterinaria Watts utilizan el dispositivo para ayudar al fiscal de distrito a resolver delitos. Su mundo se derrumba cuando Mae entra en su tienda en busca de sus llaves. Sus recuerdos se desvelan ante él como escenas de una película sexy, y Nick está hipnotizado. Utilizando lo que vio como guía, la sigue hasta el club donde trabaja como cantante, deleitando a la audiencia con una melodía que es muy querida por Nick. Cómo lo supo? Los dos se involucran en un romance de meses, para disgusto de Watts, hasta que un día Mae simplemente desaparece. Aprendemos esto cuando Nick llega nadando a la superficie de la máquina, donde ha pasado cada momento de vigilia buscando pistas sobre su paradero.

El agua juega un papel importante a lo largo de la película. En este mundo, las inundaciones han ahogado la tierra, separando a los ricos de los pobres y creando un lugar que siempre parece ser un reflejo de sí mismo. También simboliza el fluir de los recuerdos, y el control suelto que tenemos sobre ellos. Para ser justos, Lisa Joy hace un buen trabajo en la construcción de este paisaje de cine neo-noir, partiendo de películas clásicas romantizadas para crear una atmósfera de mal humor. Pero la película no tiene energía, ningún impulso en absoluto, y nunca se siente segura acerca de qué está tratando de transmitir. Esta falta de claridad narrativa se hace explícita a través de una narración realmente terrible y superflua de Jackman que arroja información como una tonelada de ladrillos. También aparece en momentos inusuales, como si la película pasara por una serie de ediciones diferentes para tratar de averiguar qué versión funciona mejor. Como resultado, hay muy poco acerca de Reminiscence que establezca una conexión, y eso incluye la química en pantalla entre Hugh Jackman y Rebecca Ferguson.

Esperaba que, incluso si la película fuera un desastre, al menos Jackman y Ferguson serían sólidos. Pero ese no es el caso aquí en absoluto. Joy intenta introducirlo en el clásico papel protagonista del cine neo-noir, el del hombre cínico que se obsesiona con la femme fatale que lo engaña. No importa cuántas veces salga Jackman, empapado en su camiseta y gruñendo al mundo, él no es Wolverine aquí. El tenue papel de Ferguson como Mae se adapta mejor a ella, pero el romance que comparte con Jackman es demasiado frío para comprender su desesperación por encontrarla. De las actuaciones, solo Thandie Newton agrega algo de emoción como Watts, una alcohólica que se siente como si hubiera entrado de una película completamente diferente y mucho mejor. El viaje de Nick lo lleva al inframundo de Miami (o mundo submarino?), donde nos presentan a coloridos criminales como St. Joe (interpretado por Daniel Wu) y Cyrus Booth (interpretado por Cliff Curtis), quienes están destinados a ser integrales pero son demasiado débiles. También hay una droga ilegal omnipresente que se presenta únicamente como una excusa para simplificar los motivos de ciertos personajes, despojando así a la película de gran parte de su complejidad.

Lo peor de la película es que es dolorosamente aburrida, y Joy parece reconocer eso después de un tiempo al inyectar un par de secuencias de acción que van completamente en contra del estilo de la película. Para ser justos, son peleas realmente bien hechas, incluida una última, editada y filmada hábilmente para mostrar a Nick y su oponente luchando en múltiples ubicaciones. Por genial que sea, no se siente realmente como parte de Reminiscence, sino como un regalo destinado a apaciguar a los fans de Jackman. De lo contrario, no hay suficiente aquí que permanezca en la mente por mucho tiempo.

En general, el problema radica en la trama en sí. Si bien Jackman y Ferguson son algo pasables aquí, ambos tienen escenas insoportablemente emocionales (Jackman, en particular), y la película simplemente se topa con una pared dentro de su propio misterio. Eso es un problema cuando se supone que debe impulsar la película. Tenía tanto potencial, pero, francamente, se vuelve aburrida, incluso con las espectaculares imágenes. Al final, Reminiscence es un conglomerado de películas como Inception (2010), Minority Report (2002) y las otras que mencioné anteriormente, pero falla espectacularmente. No es fácil crear una trama retorcida llena de personajes engañosos, pero la directora se pierde en sus imágenes detalladas, sin poder crear al menos un misterio pasable y convincente para el personaje principal, que ha pasado por el secador en nombre del amor, pero es difícil trabajar la energía para preocuparse por nada de eso.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings

Shang-Chi (Simu Lui) está tratando de llevar una vida normal en San Francisco, pasando sus días con su amiga Katy (Awkwafina) mientras disfrutan de su tiempo como habituales estudiantes de bajo rendimiento. Esa paz pronto se rompe con la llegada de la pandilla de los Diez Anillos, que buscan un collar especial que Shang-Chi mantiene alrededor de su cuello. Al comprender esta nueva realidad, Shang-Chi le explica su complicada historia secreta a Katy mientras viajan a Macau, revelando que él es el hijo de Wenwu (Tony Leung), un hombre que ha pasado los últimos 1,000 años derrotando enemigos con la ayuda de diez anillos mágicos de poder, solo para alejarse de la violencia después de enamorarse de Jiang Li (Fala Chen), una miembro de la comunidad oculta de Ta Lo. Después de la muerte de su esposa, Wenwu se ha vuelto loco, preparándose para conquistar Ta Lo, solicitando ayuda de Shang-Chi y su hermana, Xialing (Meng'er Zhang), quienes una vez rechazaron las demandas de sumisión de su padre, y planean luchar contra él una vez más por su libertad.

Después de no tener una película de Marvel desde el 2019, aquí estamos en 2021 con la segunda y un par de programas de Disney+ que funcionan como largometrajes extendidos. En circunstancias normales, hay tanto contenido que sería difícil que algo nuevo se destacara. Pero no para Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings, que hace por los actores y personajes asiáticos lo que Black Panther hizo por los actores negros, que es darles relevancia en una historia de Marvel que culturalmente no se parece a nada visto en el MCU. Dirigida por Destin Daniel Cretton, la película tiene elementos místicos increíblemente hermosos y una mezcla de estilos de artes marciales influenciados por el wuxia de Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) y el estilo peligrosamente acrobático de Jackie Chan. Hay mucho que amar aquí, incluso si algunas decisiones fallidas impiden que sea realmente genial.

El legado de Shang-Chi es similar al de Black Panther en que no comienza con un solo evento catalizador, sino una herencia familiar que abarca años. O en el caso de Shang-Chi, mil años. Ese es el tiempo que su padre Wenwu afirma haber estado vivo, gracias a los poderosos brazaletes conocidos como los Diez Anillos que le otorgan la inmortalidad y una serie de superpoderes. Wenwu usó estas habilidades para formar una organización criminal que ha estado derrocando gobiernos y acumulando poder desde entonces, pero Shang-Chi no quería nada de eso. Así que escapó a Estados Unidos, donde ha estado viviendo un estilo de vida alegre y despreocupado estacionando autos junto a su igualmente despreocupada amiga Katy.

Pero todo eso cambia cuando los agentes de su padre, incluido Razor Fist, lo atacan en un autobús en movimiento. Es entonces cuando Shang-Chi ya no puede ocultar quién es y muestra ridículas habilidades de kung fu para salvar a todos y sobrevivir. Creyendo que su hermana pequeña Xialing también está bajo amenaza, viaja a Hong Kong para encontrarla, solo para descubrir que ella es más que capaz de cuidarse a sí misma y está molesta por haberla dejado atrás años atrás. La dinámica familiar interna siempre está a la vanguardia, ya que Shang-Chi no quiere tener nada que ver con la vida criminal de su familia, mientras que Wenwu tiene sus propios planes de encontrar una manera de traer de vuelta a su esposa muerta atacando la tierra mística de Ta Lo. La película no se mueve por completo hasta que llegan a Ta Lo, donde se vuelve diferente a cualquier película de Marvel que hayamos visto antes.

Si bien es fácil catalogar a Wenwu como un villano, en realidad no encaja con él. Se ve más como un padre destrozado atormentado por el dolor por la muerte de su amor y la fractura de su familia. Ese tipo de tragedia puede llevar a cualquier persona a hacer cosas locas, y lanzar el poder de los Diez Anillos y eso se amplifica. En última instancia, Shang-Chi debe enfrentarse a su padre, enfrentarse a un hombre al que nunca le han dicho "no" en su vida y luchar por lo que cree. Este tipo de historia no se ha hecho realmente en el MCU y es refrescante. Además, la tierra de Ta Lo es simplemente increíble, llena de dragones y todo tipo de criaturas mágicas. Es como algo salido de Raya And The Last Dragon (2021) y trabaja para hacer que esto se sienta completamente desconectado del MCU, lo cual es algo bueno. Si bien hay una gran parte de la fórmula de Marvel en funcionamiento aquí, la estética es diferente y ciertamente el combate lo es. Cretton, que nunca antes había dirigido una película de acción, toma prestado de un par de influencias fantásticas, incluida Kung Fu Hustle del 2004 (hay un poster de la película en la habitación de Shang-Chi) y el wuxia de House Of Flying Daggers (2004). La combinación parece que debería chocar, pero Shang-Chi se encuentra con tantas películas diferentes, por lo que funciona. Y aunque hay muchos poderes en exhibición, la mayor parte de la lucha se reduce a armas tradicionales como arcos y flechas, martillos y, por supuesto, espadas. Shang-Chi es una de las películas más atractivas de Marvel y no había visto una pelea mano a mano tan buena desde las secuelas de Captain America.

Mucho sobre la película funciona muy bien. Sin revelar demasiado, un personaje de una película anterior de Marvel resurge y arrastra a Shang-Chi al suelo. Esta figura problemática probablemente sea mejor dejarla mencionada pero nunca vista, y sin embargo, momentos después de que se dice su nombre, aparece en un papel de alivio cómico, nada menos. El estilo de humor que aporta el personaje simplemente no funciona para el tipo de historia que se cuenta y sirve como recordatorio de una historia que es mejor dejar en el olvido. Simplemente no puedo comprender el proceso que dio luz verde a este aspecto del guión. Alguien debería haberse levantado y haber rechazado esa idea. Además, la Katy de Awkawfina se juega para ese mismo tipo de comedia desde el principio y se siente forzada. Se convierte en un personaje mucho más interesante cuando comienza a convertirse en una héroe por derecho propio, incluso si ese cambio es demasiado repentino. Simu Liu no estaba realmente en el radar de nadie para el papel de Shang-Chi, y honestamente, todavía es una especie de pizarra en blanco. Shang-Chi está un poco indefinido al principio y no ha cambia mucho al final. Liu es simplemente increíble en lo físico que exige el papel, y tiene una química tremenda con Awkwafina. Es difícil no quedar eclipsado cuando tienes al gran Tony Leung por un lado, y Michelle Yeoh, que interpreta a la tía de Shang-Chi, Jiang An, por el otro. Son presencias dominantes, dos de los mejores actores del mundo. Cualquiera queda opacado en sus sombras.

En general, la película se vuelve ruidosa y excesiva cuando se demuestra que es más que capaz con escenas de conflicto claramente imaginadas, lo que disminuye la prisa de la primera hora. La grandeza no tiene por qué ser algo aquí, pero el MCU tiene una forma de hacer negocios, y lo harán, asegurándose absolutamente de que Shang-Chi reciba el tratamiento real para preservar mejor sus posibilidades de convertirse en una fuerza poderosa en el futuro de la marca. Es una película un poco desigual, pero cuando se concentra en la potencia bruta y los obstáculos inusuales, es el tipo de presentación de superhéroe electrizante que todo personaje marginal debería disfrutar. Al final, Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings es una maravillosa mezcla de clásicos de las artes marciales con la marca Marvel, y siempre será asombroso contemplar ese nivel, independientemente de las cosas que salieron mal. Hay mucho espacio para que el personaje de Shang-Chi crezca, y para que Simu Liu también crezca en el papel. A medida que se hagan los lazos más estrechos y amplios con el MCU, es difícil no estar emocionado por el futuro del maestro del kung fu. Nota adicional: hay 2 escenas más durante los créditos.

Puntuación: 4 alcapurrias.

Review: Candyman

Anthony (Yahya Abdul-Mateen II) es un artista de Chicago que lucha con un bloqueo creativo, buscando algo que lo devuelva a la vida antes de una gran exposición en la galería dirigida por su novia, Brianna (Teyonah Parris). Él encuentra inspiración en la saga de Helen Lyle (Virginia Madsen), quien una vez llegó al proyecto de viviendas Cabrini-Green en busca de una leyenda urbana, solo para causar violencia y morir en un incendio. Al visitar el área, Anthony conoce a William (Colman Domingo), un residente que recuerda su propia interacción con Sherman (Michael Hargrove), un hombre negro sin hogar con una sola mano al que le gustaba ofrecer dulces a los niños del vecindario que fue asesinado a tiros por policías blancos. Sherman vive como el Candyman, convirtiéndose en una leyenda urbana que lentamente toma posesión de Anthony, dando vida a sus ofrendas de arte y apoderándose de su cuerpo, dejando al hombre desesperado por comprender un legado de pesadillas.

Es imposible para mí ver la nueva película de Candyman sin hacer referencia a la original. La clásica película de terror de 1992, basada en una historia de Clive Barker, sigue siendo una película bastante fuerte, y suele aparecer en muchas listas de fanáticos de las películas de terror. La mezcla de mitos urbanos y un escenario relevante de la vida real siempre lo convierte en un gran telón de fondo, y la Candyman original usa la propiedad de Cabrini-Green en Chicago, con gran efecto, difuminando la línea entre el mito y la realidad para cualquiera que esté familiarizado con ese tipo de escenario. Una configuración interesante en la primera película encuentra a la protagonista Helen Lyle abordando en el folklore de la leyenda de Candyman, arrastrando al espectador a una aterradora montaña rusa de eventos con algunas imágenes y escenas verdaderamente inquietantes. Sin embargo, este "remake", que sigue bastante de cerca los eventos de la primera película, no logra encontrar nada cercano a la intriga y el horror de la original, en lugar de eso, vuelve a caer en típicas fórmulas y clichés.

Quizás sea injusto comparar las dos, pero con una película como Candyman, siempre va a suceder, especialmente cuando ni siquiera puedes molestarte en cambiar el título y los eventos de la primera película se recapitulan y se hace referencia sin cesar. Pero... es una secuela? Es un remake? Es un reinicio? Más importante aún, nos da algo nuevo o se suma al mito de la original? Lamentablemente, la película falla en todos los niveles. La historia de Candyman se vuelve a contar, a través del arte de títeres bajo sombras, y es igual que en la primera película. Aún convocas a Candyman diciendo su nombre 5 veces en un espejo, sin embargo, los tiempos pueden variar, y existe la idea de que han habido algunos Candyman a lo largo de los siglos. Claro, tenemos nuevos personajes, pero son tan bidimensionales que apenas tocan la fibra sensible, y ciertos roles están en el guión solo para que puedan ser asesinados en la siguiente escena.

Tal vez fue un problema de presupuesto, pero hay una gran cantidad de muertes aquí que ocurren fuera de la toma de la cámara. Puede que haya sido una decisión deliberada, pero en una película de terror de este tipo, uno quiere ver los asesinatos. Nos muestran parte de la acción, pero una pieza horrible en el baño de una escuela en realidad no tiene ningún propósito en la narrativa, y también deciden no mostrarnos la masacre. Realmente, cuál era el punto? En el acto final, obtenemos una repetición de la primera película con Candyman preparando un personaje para que caiga en su ola de asesinatos. El guión aquí es tan estúpido, que cuando recibimos una especie de revelación, es demasiado tarde para que sea de gran relevancia y pasa totalmemte desapercibido. Este nuevo Candyman carece del terror y el suspenso de su contraparte de 1992, todo un logro en sí mismo, y agrega muy poco a la franquicia en su conjunto.

En general, el estudio probablemente debería haber optado por un remake completo, pero en cambio, esta secuela débil y diluida es una decepción para los fanáticos de la película original, y tampoco tenía mucho sentido. Hay tan poco desarrollo de la trama o del personaje principal que es difícil preocuparse por los involucrados, y la dirección estilizada simplemente distrae en lugar de mejorar la acción. Al final, Candyman es lenta y aburrida. Me sentí como si estuviera viendo más un drama criminal que una película de terror. Lo especial de las dos primeras películas de Candyman fue que las historias no eran lentas ni aburridas. Te mantenían interesado y asustado, especialmente la segunda con el escenario de New Orleans en los 90's. Esta fue una oportunidad perdida que es profundamente insatisfactoria.

Puntuación: 1 alcapurria.

Review: Respect

Aretha Franklin (Jennifer Hudson) es una joven de Detroit a la que le encanta cantar. Después de que un trágico accidente se lleva a su madre, Barbara Franklin (Audra McDonald), y una agresión sexual la deja embarazada, Aretha permanece en silencio, hasta que su padre, C.L. Franklin (Forest Whitaker), la obliga a cantar en la iglesia. Después de años de cantar en la carretera con su padre, quien es un célebre predicador en el movimiento de derechos civiles, C.L. Franklin toma el control de la carrera de Aretha al convertirse en su manager. Aretha se muda a Nueva York para unirse a Columbia Records, pero pronto descubre que tener una buena voz podría no ser suficiente para convertirla en una estrella. Mientras Aretha busca su sonido característico, debe luchar contra su padre, su esposo, Ted White (Marlon Wayans), y su debilitante depresión inducida por el trauma para controlar su vida y su voz.

Lo que pasa con las películas biográficas, y mucho más siendo musicales, es averiguar dónde se quiere enfocar la historia. Se tiene que ir en el ángulo correcto porque una vez que te comprometes a representar un período de tiempo prolongado, una película funcionará o no. Respect no pasa mucho tiempo centrándose en la juventud de Aretha Franklin (Skye Dakota Turner de niña, Jennifer Hudson de adulta). Sin embargo, nos muestra el trauma que experimentó antes de cumplir diez años en Detroit y sin duda la impactaría como adulta. Hay una escena en el dormitorio en la que nunca vemos lo que sucede. Pero dado lo que sucede durante la siguiente escena, es fácil hacer una suposición. Considere eso con la muerte de la madre de Franklin poco después y uno comprende su dolor.

Cuando llegamos a la vida de Franklin como adulta joven, ella está de gira con su padre, el reverendo C.L. Franklin durante el apogeo del movimiento de derechos civiles. Aretha llegó a conocer a gente como el Dr. Martin Luther King Jr. como resultado del estatus de celebridad de su padre. Su padre fue mentor del difunto líder de los derechos civiles. No pasa mucho tiempo antes de que Aretha firme con John Hammond y Columbia Records. Franklin cantaba principalmente jazz y versiones de canciones de otros artistas en Columbia con su padre controlando su carrera. El cambio a Jerry Wexler y Atlantic Records se produciría en 1966. Y con el cambio, los éxitos finalmente comenzarían a llevarla al siguiente nivel de estrellato internacional. La película no parece una biografía de Wikipedia que cobra vida, aunque la actuación de Hudson como Franklin se extiende desde 1960 hasta 1972.

Al resaltar los defectos de Franklin, podemos ver un retrato completo de la Reina del Soul. Nadie es 100% perfecto, eso lo sabemos. A pesar de ser una estrella internacional, Franklin también tenía sus defectos como persona. Vemos esto especialmente en la pantalla con su conversión al alcohol a principios de la década de 1970. Sin mostrar este lado de ella, la película sería simplemente Jennifer Hudson mostrando una actuación de cosplay en esencia. Franklin regresó a sus raíces gospel, grabó lo que se convertiría en su álbum más famoso y también filmó un documental en 1972. Desafortunadamente, este último terminaría siendo archivado hasta el 2018. Esto también habla del poder del arte y de lo importante que puede ser para la sanación.

Respect fue una de las muchas víctimas de la pandemia del Covid-19 en el 2020. Inicialmente planeada para un lanzamiento el 25 de diciembre del 2020, el estudio la retiró y ahora finalmente está siendo lanzada. Jennifer Hudson es absolutamente excelente en Respect. Es una buena apuesta que el Oscar volverá a llamar a Hudson por su nombre. No digo esto solo por decirlo, realmente quedé impresionado por su actuación. Elegida por la misma Franklin para el papel, Hudson brilla en cada escena y en cada nota de las canciones. Las biografías musicales no son una hazaña fácil, pero Liesl Tommy conecta un home run con su debut como directora de largometrajes.

Para cuando la escena final llega, es difícil creer que uno haya estado sentado durante casi dos horas y media. Esto habla de cómo la película se desarrolla a un ritmo muy rápido. Además, es una de las pocas películas de este año que los hará querer cantar y bailar. O tal vez solo soy yo mientras escucho Respect and Think. Los realizadores guardan la mejor actuación para el final y lo sabrán cuando la vean. Honestamente, no hay mejor clip para usar cuando se trata de mostrar a la verdadera Aretha Franklin en todo su esplendor. Incluso en sus últimos años, Franklin aún podía ofrecer una presentación poderosa. Muchos de nosotros lo vimos en vivo por televisión o en línea al día siguiente cuando Franklin rindió homenaje a Carole King cantando (You Make Me Feel Like) A Natural Woman durante el Kennedy Center Honors.

En general, esto es una película que vale la pena ver. Aretha Franklin es un tema fascinante y, si bien la música hará que el público la vea, la película cuenta una historia que es más que un simple montaje de canciones. Puede que Aretha Franklin no haya vivido para verla, pero Jennifer Hudson brilla en esta nueva película biográfica sobre la Reina del Soul. Al final, Respect tiene un mensaje que dice que tienes que ser dueño de tu propia voz. No dejes que otros determinen cómo sigues tus sueños, cómo deberían verse o cómo deberían ser. La Sra. Franklin pasó mucho tiempo haciendo lo que todos los demás querían que hiciera y no fue hasta que comenzó a escucharse a sí misma y a exigir respeto que comenzó a hacer discos de éxito. Solo entonces pudo convertirse en la Reina del Soul. Con actuaciones y narraciones increíbles, esta película biográfica es épica y seguramente les dará a los espectadores algo sobre lo que cantar e inspiración para seguir sus propios sueños. 

Puntuación: 4 alcapurrias y media mordida.

Review: The Last Matinee

Es hora de la próxima presentación en el Teatro Ópera, y Ana (Luciana Grasso) está lista para reemplazar a su padre proyeccionista, preocupada por su salud mientras se prepara para estudiar durante la proyección de la película Frankenstein: Day Of The Beast. El público está llegando, y en él se encuentran una pareja en su primera cita tratando de hacer una conexión, Tomas (Franco Duran) un niño pequeño que se quedó después de la matiné infantil para ver una película de terror, y los adolescentes Goni (Vladimir Knazevs), Angela (Julieta). Spinelli) y Esteban (Bruno Salvatti) que buscan salir de la lluvia. A medida que comienza la película, comienzan a suceder diferentes distracciones dentro del teatro, pero llega una amenaza más apremiante con un misterioso asesino encapuchado (Ricardo Islas). Viajando alrededor de los asientos y por todo el edificio asesinando a los espectadores, el asesino acecha lentamente el área, y Ana pronto comprende que algo no anda bien, solo para encontrar un escape imposible cuando el asesino viene por ella.

Si son fanáticos de las películas slasher de finales de los 70's y principios de los 80's, Maximiliano Contenti's tiene un regalo para ustedes con su nueva y explosiva película, The Last Matinee. Evocando las películas sangrientas y llenas de suspenso de terror italianas del género Giallo de la década de 1970 mezcladas con los éxitos como Friday The 13th (1980) y Halloween (1978), The Last Matinee me recordó que a veces mantener las cosas simples es la clave del éxito del género. Ambientada en 1993 en Montevideo, Uruguay, la película es literalmente la última matiné en medio de un aguacero brutal y lluvioso. Un puñado de personas se ha reunido en un teatro para ver una película de terror. Contenti despliega un dispositivo súper genial en el que muestra efectivamente una película de terror dentro de su película de terror al presentar la perfectamente horrible Frankenstein: Day Of The Beast. Para ser justo con Contenti, nunca he visto Frankenstein: Day Of The Beast, pero al usarla como telón de fondo de The Last Matinee me dieron ganas de echarle un vistazo.

Reunidos en un teatro, completado con un poster de la película Opera de Dario Argento (1987), hay tres adolescentes borrachos/drogados, un anciano que se niega a salir del teatro, una joven que llegó sola, una pareja incómodamente dispareja en su primera cita, y un niño que se coló en el cine para ver la película de terror. Sin que los espectadores lo sepan, está el hecho de que se les ha unido un asesino al que le gustan los ojos. No solo apuñalarlos, sino comérselos. Créame, es tan asqueroso como suena. Además de los espectadores, Contenti también crea la chica final perfecta en Ana, interpretada por Luciana Grasso. El padre de Ana es el proyeccionista que ha pasado toda la vida en el cine, tiene sobrepeso y fuma mucho, pero está muy comprometido con su carrera cinematográfica. Ana lo convence de que se tome la noche libre y descanse. Ella ha estado expuesta a su trabajo de proyeccionista toda su vida y puede manejar la presentación final de Frankenstein: Day Of The Beast.

Establecer una película de terror en una sala de cine no es nada nuevo (vean Demons, la obra maestra de Lamberto Bava de 1985), pero The Last Matinee al menos apunta a ser lo mejor del subgénero de slasher enormemente popular que comparte este escenario. La película aprovecha al máximo cada área de la experiencia teatral, y solo puedo imaginar que ver esto en un teatro prácticamente haría de esta una experiencia inmersiva. Una línea al principio en la que un empleado dice "No me pagan lo suficiente por esto" es una descripción extremadamente precisa de la vida real de los empleados del teatro de cine (sí, confíen en mí). Un cliente al que le encanta ver películas de las que no sabe nada es algo muy inteligente y con lo que se puede identificar. La tensión palpable, especialmente en la segunda mitad, se hace aún más audaz gracias a la especificidad limitada del escenario del cine.

El mayor punto de la película son las muertes retorcidas. Esta es una película asquerosa que no retiene nada, ya que cuenta con toneladas de sangre y algunos efectos visuales deslumbrantes. Convertir a muchos de estos personajes en meros estereotipos cinematográficos, como borrachos molestosos, y una mujer insoportable que piensa que está bien fumar en un cine, fue una decisión inteligente que hace que las escenas de muerte elaboradas y brutales sean mucho más agradables de ver. Cada muerte es visceral, intensa y sangrienta. Parte de la brutalidad me recordó a la película High Tension (2005). El asesino no identificado sin un motivo claro, aparte de matar repetidamente y comerse los ojos de sus víctimas, se abre paso metódicamente por el teatro. Cada personaje está perfectamente bien establecido, es razonado y empático, y cada uno de ellos trata de escapar de las garras maníacas del ladrón de ojos. Algunos lo hacen y, por supuesto, otros no. Además, el ritmo es increíblemente rápido y estos momentos de imprevisibilidad son una recompensa satisfactoria. Cuando llegamos a una escena de persecución completa con música de sintetizador de los 80's, es difícil no estar prácticamente lleno de alegría.

En general, el asesino permanece envuelto en la oscuridad durante la mayor parte del tiempo de ejecución de 1 hora y 23 minutos, mostrando misterio e intriga. Maximiliano Contenti, que escribe y dirige, tiene un amor y una comprensión real del cine analógico y las viejas películas slasher. En su visión del mundo, no hay necesidad de historias de fondo inquietantes, evaluaciones de personajes complicados o exposiciones desperdiciadas. El verdadero susto no reside en la historia del asesino, sino en la capacidad del público para escapar de las garras del loco. Con escenas gráficas de muerte, un asesino empapado en sombra, una banda sonora inyectada con ritmos de sintetizador de los años 80, y junto con una hermosa imagen en la tradición cinematográfica de finales de los 80's y principios de los 90's, Contenti escribe una carta de amor sombría a un período muy específico del cine slasher. Al final, The Last Matinee es un homenaje cariñoso al cine. Más concretamente, es un homenaje a las películas de Dario Argento, Lucio Fulci, el cine Grindhouse, slashers, cines decrépitos y, muy posiblemente, la gran película Demons de Lamberto Bava (1985). Sin embargo, no se dejen engañar. Si bien The Last Matinee se inspira en muchos de los clásicos, tiene su propio estilo único, y está repleta de muchos ojos. 

Puntuación: 3 alcapurrias y media mordida.